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Las cuevas con pinturas y grabados paleolíticos se reparten por todo el mundo, del suroeste de Francia y el norte de la península Ibérica, Sudáfrica, Australia.

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Paleolítico_ 2.85 millones a.c. al 12.000 a.C.

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Paleolítico_ 2.85 millones a.c. al 12.000 a.C.

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Es el mas antiguo de los períodos prehistóricos, es anterior al mesolítico, y se caracteriza por la fabricación y utilización de herramientas de piedra tallada y la aparición de las primeras manifestaciones artísticas, como son las pinturas rupestres y las esculturas de piedra o hueso.

Las manifestaciones artísticas más antiguas que se conservan son aquellas que realizó el hombre hace unos 35.000 años y que, claramente, están vinculadas con el modo de vida cazador-recolector.
Sólo en Europa occidental, se han hallado unas 300 cuevas con pinturas rupestres, entre las que destacan las de las cavernas de Chauvet y Lascaux, en Francia, y las de la cueva de Altamira, en España.
Los grandes santuarios del arte rupestre, sin embargo, no son las únicas expresiones artísticas surgidas durante el Paleolítico Superior. Tan importante e incluso más antiguo que este arte parietal -es decir, el inmortalizado en los techos y paredes de las cuevas- resulta el arte mueble o mobiliar, del que forman parte numerosos objetos decorados, entre ellos las famosas estatuillas conocidas como "Venus", que fueron realizados con hueso, marfil, piedra y otros materiales.

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Representa una época de cambios relevantes para el hombre en la Edad de Piedra. Después de la Edad de Hielo, el hombre sufrió muchos cambios en su estilo de vida, causados especialmente por el clima.
Las características del período Mesolítico son las siguientes:
- El Mesolítico fue una etapa que distingue el fin de la era de hielo o la era glacial y marca el inicio de una vida diferente bajo un clima más templado y cálido.
- La vida del hombre en este período comenzó a experimentar cambios y fue apareciendo el sedentarismo.

- La sociedad humana también empieza a cambiar y surgen las primeras familias, luego colonias y también tribus.
- Se conoce la pesca y se desarrollan técnicas para cazar peces.
- La caza y la pesca se desarrollan mucho más debido a la creación de armas especiales para estos trabajos, como redes, anzuelos y hasta embarcaciones.
- En este período se empieza a implementar la práctica de enterrar a los muertos en cementerios.

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Neolítico_ 8.000 a.C. y hasta el inicio de la Edad de los Metales, comenzando por la Edad de Cobre, en el año 5.000 a.C.

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Neolítico_ 8.000 a.C. y hasta el inicio de la Edad de los Metales, comenzando por la Edad de Cobre, en el año 5.000 a.C.

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Inicialmente se le dio este nombre en razón de los hallazgos de herramientas de piedra pulimentada, en vez de tallada; que parecían acompañar al desarrollo y expansión de la agricultura.
Las características principales del período neolítico fueron:

Es un período relativamente corto dentro de la Prehistoria.

Cuando se divide en etapas, estas son tres: inicial, media y final.

Se estableció el uso de la agricultura y la ganadería, puesto que se empezaron a cultivar distintos alimentos en diversas partes del mundo y a domesticar algunas especies animales.

Debido a esto, aparecieron los primeros asentamientos humanos, es decir que los hombre de entonces dejaron de ser nómadas para convertirse en sedentarios.

Se perfeccionaron algunas técnicas como la construcción de herramientas y armas con piedra pulida en vez de tallada.

Se crearon hornos tanto para cocinar alimentos como para cocinar y mejorar la cerámica, por lo que se empezaron a almacenar y transportar alimentos.

Mejoró mucho el arte tanto en las propias herramientas como en las paredes y los tapices que se decoraban.

Todo esto llevó a que los poblados crecieran rápidamente y a que prosperara la sociedad y la economía de esta.

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Hipogeo egipcio (tumbas subterráneas). Fueron las tumbas algunas de las construcciones de mayor relevancia para la cultura egipcia antigua.

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Su arte se basaba mucho en sus creencias, pero también, hacían pinturas de algunas cosas que pasaban en la historia. Esculpían la cara del Faraón, ya que, fue el Faraón una figura de gran relevancia e importancia en la cultura egipcia. Era él el dueño de la vida de las personas que habitaban, justamente por representar una divinidad. Asimismo, en su entorno se encontraban un grupo de escribas, sacerdotes, médicos, artesanos (artistas) que generaban toda una economía y cultura según tales fines. Fueron estos representados en gran medida en el arte egipcio.
Este proceso comenzó en el Período Pre-dinástico (ca. 6000 - ca. 3150 a.C.), por medio de imágenes de humanos, animales y figuras divinas grabadas en roca. Estas primeras figuras eran rústicas en comparación con la evolución que más tarde habría, sin embargo, conservan una característica importante de la cultura egipcia: el equilibrio.
Todo el arte egipcio se asienta en un equilibrio perfecto y refleja el mundo ideal de los dioses.
La pintura en tumbas, escenas caseras en templos y jardines palaciegos se crearon, en muchos casos, para proporcionar una función muy importante la cual era un recordatorio de la condición eterna de la vida, el valor de la estabilidad personal y de la comunidad.

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Arte mesopotámico_ h. 4.000 a.C. al 539 a.C.

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Arte mesopotámico_ h. 4.000 a.C. al 539 a.C.

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Hace referencia a las expresiones artísticas de las culturas que florecieron en las riberas de los ríos Tigris y el Èufrates, entre el mar Mediterráneo y el Golfo Pérsico (actual Irak, y parte de Siria), durante la Edad Antigua; desde el Neolítico (hacia el VI milenio a.C.) hasta la caída de Babilonia.

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CERÁMICA GRIEGA. Tipo de vasos, la cerámica griega parte de las influencias de la cerámica de Creta y Micenas.

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Grecia hogar de la distintiva cerámica, esculturas brillantes, y columnas, tantas columnas.
- La pintura griega hace referencia a la cerámica, ya que precisamente en la decoración de ánforas, platos y vasijas, cuya comercialización era un negocio muy productivo en la antigua Grecia, fue donde pudo desarrollarse este arte.

Al comienzo los diseños eran elementales formas geométricas (de ahí la denominación de geométrico que recibe este primer período siglos IX y VIII a. C. ) que apenas se destacaban sobre la superficie. Con el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo progresivamente hasta cobrar volumen.
Las escenas se organizaron en franjas horizontales paralelas que permitían su lectura girando la pieza de cerámica. Con el reemplazo del punzón por el pincel los trazados se volvieron más exactos y detallistas.
- Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas figuras humanas hechas en materiales muy maleables tales como la arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta el período arcaico (siglos VII y VI a. C.) que los griegos comenzaron a trabajar la piedra. Gracias al estudio de las proporciones se pudo copiar fielmente la anatomía humana y los rostros ganaron definitivamente en expresividad y realismo.
- El templo fue, sin lugar a dudas, uno de los legados más importantes de la arquitectura griega a occidente. Era de una forma bastante simple: una sala rectangular a la que se accedía a través de un pequeño pórtico y cuatro columnas que sostenían un techo bastante similar al actual tejado a dos aguas. En los comienzos éste fue el esquema que marcó los cánones. Pero a partir del siglo VII a.C. (período arcaico), éstos fueron reemplazados por la piedra, lo que permitió el agregado de una nueva hilera de columnas en el exterior (peristilo). Entonces surgieron los primeros órdenes arquitectónicos: el "dórico". Luego, la construcción jónica de mayores dimensiones. A los dos órdenes ya conocidos se sumó el "corintio", con su típico capitel terminado en hojas de acanto.
Las formas se estilizaron aún más y se agregó una tercera hilera de columnas. El Partenòn de Atenas es la más clara ilustración de este brillante período arquitectónico griego.

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El "Arco del Triunfo" en el extremo occidental de la avenida de los Campos Elíseos, en París.

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A diferencia del arte griego, cuyos temas solían ser en su mayoría religiosos o mitológicos, el arte romano exalta a los hombres, gobernadores y políticos. El arte romano narra y conmemora las batallas de los hombres a través de representaciones como arcos triunfales y columnas conmemorativas.
Se caracteriza por el uso de un lenguaje específico, con coherencia y realismo, en diversas manifestaciones, principalmente la arquitectura, la escultura y la pintura.

El arte romano son todas aquellas manifestaciones de las artes visuales que fueron exportadas a todos los territorios del Imperio romano. Las primeras manifestaciones surgieron bajo el influjo del arte etrusco y fueron después influenciadas por el arte griego. La influencia griega se acrecienta cuando, en el siglo II a. C., Roma ocupa Macedonia y Grecia.

Podría pensarse que el arte de Roma es una imitación y ampliación del arte griego, y por supuesto de uno de los mejores artes "arte etrusco". La Roma conquistadora y urbanista trató de unir al sentido estético griego, el carácter utilitario y funcional que sus obras requerían.

El arte romano se desarrolló con bastante homogeneidad y autonomía desde el siglo III a. C. hasta el siglo V.

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Basílica de "San Apolinar en Classe" de Rávena. Como muchas otras basílicas, esta fue una construcción encargada por el emperador Justiniano.

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El arte bizantino usan temas netamente religiosos y con una influencia muy arraigada a la cultura oriental y grecorromana, en especial de Asia menor y Siria. Jamás se dejó de lado el empleo de los colores; siendo, además, muy estático, centrándose en Cristo.
En arquitectura, también destacaron los temas religiosos a partir del levantamiento de iglesias. En ellas, son muy característicos tanto los capiteles decorados como el uso del arco.
De los materiales más empleados durante el Imperio Bizantino encontramos la piedra y el ladrillo. Gracias al emperador Justiniano se destacó la influencia persa en muchas obras.
Durante el reinado de Justiniano II, los árabes rodearon Constantinopla y por tal motivo, encontramos una gran influencia islámica entre los siglos VII y IX.
- Las pinturas que más destacaron durante el Imperio Bizantino fueron los frescos. Con esto nos referimos a las pinturas realizadas sobre paredes, en especial en las iglesias, así como las pinturas hechas en paneles e incluso las miniaturas que funcionaban para ilustrar los libros.
También fueron desarrollados en gran medida los mosaicos así como el temple sobre tela. El uso de los materiales es lo que distingue a la pintura en sí misma de los mosaicos, especialmente por el uso del oro en grandes proporciones.
- La construcción de iglesias fue lo que más destacó durante el Imperio Bizantino. Estas construcciones fueron, además, a gran escala, especialmente para generar mayor grandeza a la adoración cristiana.
De las principales características arquitectónicas de Bizancio encontramos las cúpulas sostenidas por columnas, las cuales solían ser decoradas con pinturas religiosas dentro de estas estructuras.
El plano empleado para las iglesias fue inspirado por los romanos, aunque haya sido la cruz inspirada en los griegos.  Los arcos fueron multiplicados durante este periodo, así como las columnas, las cúpulas, y las bóvedas, con la finalidad de elevar aún más su tamaño.
La idea de elevar aún más el tamaño de estas construcciones arquitectónicas era propiamente con ideales religiosos. Mientas más altas, mayor sería la adoración a Dios; mientras más elevada sea la Iglesia, más cerca estaremos del cielo.

- Los temas principales que se desarrollaron como mosaicos no fueron solamente religiosos, sino incluso políticos, con varios que representan al emperador, considerando que el mayor desarrollo de éste se dio durante el reinado del emperador Justiniano (526 a 565), en la llamada Edad de Oro.

Generalmente se ubicaban en los interiores de las iglesias, así como en muros.
El simbolismo generado en estos mosaicos era fundamentado por la ubicación de los personajes en él. Los que se representaban en el inferior del mosaico eran terrestres, mientras que si se ubicaban en el centro, representaban la transición, pero los que estaban arriba, representaban superioridad, estando, simbólicamente, más cerca del cielo.

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Fue el primer gran estilo claramente cristiano y europeo que agrupo a las diferentes opciones que se habían utilizado en la temprana Edad Media (romana, prerromànica, bizantina, germánica y árabe) y consiguió formular un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas.
El arte románico es un estilo artístico predominante en Europa Occidental que abarca diferentes campos como la arquitectura, la pintura y las esculturas. Este estilo artístico con un fuerte enfoque Católico, nació en la región de Borgoña en Francia, a finales del Siglo X y estuvo vigente durante los siglos XI-XII d.c., durante la alta Edad Media.
El arte románico surge a raíz de un conjunto de situaciones políticas, sociales y económicas del siglo X, como el cambio social al Feudalismo, la consolidación y difusión del Cristianismo en territorio europeo, la reconquista de la península Ibérica y el importante crecimiento de la población y de la economía europea entre muchos otros sucesos.
El movimiento Románico nace con la fundación de la Abadía de Cluny en la región de Borgoña en Francia en el año 911 D.C. Durante los siguientes años la fundación de monasterios Cluniacenses se multiplicó por Europa ayudando a difundir un estilo arquitectónico único, el Románico.
Fue dominado prácticamente por la Iglesia, ya que controlaba casi en su totalidad los monasterios, catedrales, iglesias y rutas de peregrinación.
En cada país Europeo, fruto de las diferentes tradiciones, el Románico adoptó una serie de diferencias o características propias dentro de cada país, así pues, el arte románico en España podía ser ligeramente diferente al arte románico en Italia. Alguna de las principales características del arte románico fueron:
- La principal característica, es que el Románico es un estilo fundamentalmente católico.
- Se usa para transmitir mensajes religiosos.
- Las obras, a menudo eran anónimas.
- Los principales edificios eran religiosos (iglesias, catedrales y monasterios).
- Las obras pictóricas suelen carecer de profundidad.
- A rasgos generales, en muchas ocasiones, era un arte austero.

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"Catedral de Colonia". Fue construida sobre antiguo templo romano del siglo IV. Su construcción comenzó en 1248 y tomó más de 600 años en finalizarse.

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Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo occidente.
Una de las expresiones del gótico más interesantes fue la pintura. Una expresión artística que tuvo su momento entre los siglos XII a XV, siendo sus principales características los temas religiosos, un estilo realista, muy expresivo y con gusto por el detalle, además de buscar siempre el contraste entre la luz y las zonas oscuras.
Las principales características de la pintura gótica se destacan:
- La pintura gótica pasó a ocupar nuevos espacios al recurrirse a vidrieras. Así, las pinturas góticas pasan a las tablas como soporte y a las miniaturas en los códices.
- Las técnicas más utilizadas fueron el temple y el óleo.
- Se deja atrás la idealización y la simplificación típicas del románico para para a un mayor naturalismo y una observación e imitación de la Naturaleza, algo que se convertirá en clave y mucho más común en el Renacimiento.
- Se dejan atrás las influencias del arte bizantino y del románico, y también las del arte griego y las del romano clásico.
- El gótico es un arte religioso que plasma el misticismo y la religiosidad, si bien en este momento también se va dando paso a temas profanos en la pintura.
- Por lo que respecta a lo religioso, se ofrece una imagen más humana de los personajes religiosos, mostrando sus sentimiento y emociones, además de aportar muchos más detalles descriptivos, más color y luz.

- Pintores del gótico francés: vidrieras de la Catedral de Chartres, las de la Catedral de León.
- Pintores del gótico italiano: Cimabue, Seudónimo de Cenni di Pepo, fue el fundador de la escuela florentina. Giotto, es otro de los autores de la pintura gótica más reconocidos de su época, siendo uno de los iniciadores del Renacimiento en Italia.
El estilo arquitectónico que ahora llamamos gótico surgió por primera vez en el norte de Francia alrededor de 1140.
Se desarrolló durante la construcción de grandes iglesias en la región de París, en un movimiento hacia una mayor altura, luz y volumen.

El gótico alcanzó su máxima expresión en la arquitectura, especialmente en las catedrales góticas del norte de Francia, se destaca la consideración de la luz como representación de teocentrismo. Los vitrales de color dejan pasar la luz y también los colores vivos. Las vidrieras se inspiran en la biblia. El gótico consolidò la relación entre arte y religión.

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"El Nacimiento de Venus" por Sandro Botticelli - Año: 1486

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Renacimiento_ s.XV - XVI (1400 d.C. al 1700 d.C)

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Renacimiento_ s.XV - XVI (1400 d.C. al 1700 d.C)

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Aparece la figura del artista genial, por lo que se abandona definitivamente el anonimato.
Se destacó por su interés en el saber de la razón y en los valores clásicos de la antigua Grecia.

La colonización de América y el fin de la época medieval cambiaron la comprensión de la realidad. El hombre comenzó a creer en su propia individualidad, en su propia mente y en las ilimitadas posibilidades del conocimiento.

El movimiento surgió en un contexto de prosperidad económica y de desarrollo de nuevas tecnologías como la imprenta, que impactó de manera directa en la difusión del conocimiento, las artes y la filosofía.

El Renacimiento fue un movimiento cultural y artístico europeo basado en el "renacer" de los valores de la Antigüedad clásica, ocurrió aproximadamente desde el siglo XIV hasta el siglo XVII. Este período vió a algunos de los artistas más grandes en la historia de la humanidad, incluyendo a Leonardo Da Vinci y a Michelangelo Buonarroti.
Este período histórico recibió el nombre de Renacimiento por tratarse, justamente, de un renacer del interés en el pasado grecolatino, de particular importancia para el orgullo de las ciudades-estado italianas, que se sentían herederas de primera mano de la gloria imperial. Algunos autores toman como referencia el fin de la peste negra en 1348. Otros autores establecen el origen del Renacimiento en el año 1453, cuando el Imperio bizantino cayó tras el asedio otomano.
El arte renacentista atravesó dos etapas principales:

El Quattrocento (siglo XV). En este período se investigó sobre las construcciones de monumentos romanos y griegos y se introdujo la perspectiva y la pintura al óleo.

El Cinquecento (siglo XVI). Se logró la madurez de la época renacentista. Surgieron los grandes artistas que marcaron época, tales como Miguel Ángel, Da Vinci, Miguel de Cervantes, Rafael, entre otros.

El arte renacentista se caracterizó por:

Recuperar aspectos de la cultura clásica greco-romana, como la armonía y la proporción como ideal de belleza, además de los temas mitológicos.

Basarse en el concepto del ser humano como centro de todas las cosas, en lugar de considerar a Dios como centro del universo (si bien el arte renacentista tomó como figuras principales a los ángeles, a los apóstoles y a Dios).

Debilitar a la Iglesia, que perdió poder social ante la nueva concepción de la razón como el centro de todo. Predominaba la idea de razón por sobre la fe.

Considerar al sufrimiento humano como consecuencia de la ignorancia. Sostenía que el conocimiento conducía a la felicidad del hombre.

Buscar la perfección, simetría y proporción en las líneas, tanto en la pintura como en la escultura, para representar el cuerpo humano.

Considerar las artes plásticas como forma de expresar conocimientos de geometría, matemática, anatomía, botánica y filosofía.

Abordar temas como la mitología, la historia, el cuerpo humano y la naturaleza.

Emplear la técnica de la pintura al óleo en la pintura sobre lienzo.

Crear el ensayo, un nuevo género en la literatura.

Incorporar el mecenazgo, durante este período las figuras importantes y poderosas de la época (reyes, príncipes y nobles) realizaban encargos para la decoración de iglesias u otras construcciones de importancia.

Artistas y obras del Renacimiento:

Giotto di Bondone. Florencia, 1267-1337. Pintor. Obras destacadas: Frescos de la Capilla de los Scrovegni; la Santa Croce de Florencia; serie Vida de San Francisco en la iglesia superior de San Francisco de Asís.

Cenni di Pepo Cimabue. Florencia; 1240 - Pisa; 1302. Pintor. Crucifijo de Arezzo; Crucifijo de Santa Croce; Majestad del Louvre.

Filippo Brunelleschi. Italia, 1377-1446. Arquitecto. Obras destacadas: Catedral de Santa María del Fiore, Florencia.

Leon Battista Alberti. Génova, 1404 - Roma, 1472. Arquitecto. Obras destacadas: Basílica de Santa Maria Novella, Palacio Rucellai.

Fra Angélico. Florencia, 1395-Roma, 1455. Pintor. Obras destacadas: La Anunciación; Retablo de San Marcos; La coronación de la Virgen.

Sandro Botticelli. Florencia, 1445-1510. Pintor. Obras destacadas: El nacimiento de Venus; La primavera.

Paolo Uccello. Florencia?, 1397-1475. Pintor. Obras destacadas: Batalla de San Romano; San Jorge y el dragón.

Donato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello. Florencia, 1386-1466. Escultor. Obras destacadas: Estatua ecuestre de Gattamelata; David; Púlpito exterior de la catedral de Prato.

Lorenzo Ghiberti. Florencia, 1378-1455). Escultor, arquitecto, orfebre. Obras destacadas: Puerta del Paraíso del Baptisterio de Florencia.

Leonardo da Vinci. Vinci, 1452-Amboise, 1519. Pintor, escultor, arquitecto, inventor, ingeniero. Obras destacadas: La Gioconda o Mona Lisa; La Virgen de las rocas; La última cena.

Miguel Ángel Buonarrotti. Escultor, pintor y arquitecto. Obras destacadas: frescos de la Capilla Sixtina; escultura La piedad; escultura David.

Donato d'Angelo Bramante. Fermignano, c.1443-Roma, 1514. Arquitecto. Obras destacadas: Basílica de San Pedro; Templete de San Pietro in Montorio.

Andrea Palladio (Padua, 1508-Maser, 1580). Arquitecto. Obras destacadas: Villa la Rotonda, Teatro Olímpico y Villas palladianas.

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Parmigianino, “Virgen del cuello largo” 1534-1540

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En término de arte, el manierismo se refiere al saber hacer y todo lo que lo engloba, sin necesidad de esforzarse en gran manera de lograrlo. Por lo general es un arte que se le dedico a las cortes ya que a pesar de todo mantenía una cierta sofisticación aun sin cuidar ciertos detalles que se mantenían en corrientes artísticas anteriores. Se le considera como un proceso transitorio entre el renacimiento cuando estaba llegando a la crisis y la apertura del barroco.
El manierismo se empieza a formar de los elementos básicos del renacimiento, cuando este empezaba a enfrentar la crisis. Este entra como un cambio significativo el cual abandonaba totalmente a las proporciones de las figuras con respecto a su perspectiva espacial, así como también un desprecio las líneas claras y mesuradas; por su parte las expresiones felices en las obras cambiaban a otras más neutras y tristes.
Dentro de las características principales que definen al manierismo se encuentran:

El manierismo es subjetivo e inestable, por lo que en algunos puntos llega confundir.

Los artistas se dejan llevar por sus gustos, dejando de lado lo verosímil y tendiendo en gran manera a la irrealidad y a la abstracción

Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentina. En términos más técnicos se refiere en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente.

Durante estos periodos fueron en los que se inspiraron los grandes de la literatura como Miguel de Cervantes y Shakespeare.

En cuanto a la pintura dentro del marianismo, predominan machismo los colores oscuros, por lo general se trabajan mucho los desnudos o los retratos con muy pocas prendas de vestir. A su vez se trabaja bajo una perspectiva directa en donde no se encuentran grandes rasgos con respecto a las expresiones, en donde el brillo juega un papel muy importante ya que da mayor contexto a la emoción que se intenta trasmitir.
Dentro de los representantes más destacados del manierismo se encuentran:

El Greco.

Hans Baldung.

Lucas Cranach, padre.

Bachchiacca.

Parmiganino.

Corregio.

Hans holbein, hijo.

Bronzino.

Martin Heemskerck.

Varones.

Leonardo Da Vinci.

Rafael Sanzio.

Tiziano.

Jacobo Basano.

Giovnni Maria Mosca.

Nicolo Dell Albatte.

Miguel Angel.

Lope de Vega.

Dentro de las obras más destacadas del manierismo se encuentran:

Le arca de noe.

El rapto de Proserpina.

Antonio y cleopatra.

La alegoría del amor

Alegoria del Venus.

La Gioconda.

La fornarina.

El juicio de parís.

Perseo con la cabeza de medusa.

El juicio final.

San marcos liberado esclavos.

Piedad Rondanini.

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"Las meninas" (1656), de Diego Velázquez, Museo del Prado, Madrid.

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El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir el arte (el "estilo barroco") y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc.
Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII en Italia, desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa.
Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos: "primitivo" (1580-1630), "maduro" o "pleno" (1630-1680) y "tardío" (1680-1750).
El arte se volvió más refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero adoptando formas más dinámicas y efectistas y un gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Se observa una preponderancia de la representación realista: en una época de penuria económica, el hombre se enfrenta de forma más cruda a la realidad. Por otro lado, a menudo esta cruda realidad se somete a la mentalidad de una época turbada y desengañada, lo que se manifiesta en una cierta distorsión de las formas, en efectos forzados y violentos, fuertes contrastes de luces y sombras y cierta tendencia al desequilibrio y la exageración.
"Barroco" fue en origen una palabra despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso, grandilocuente, excesivamente recargado.​ Así apareció por vez primera en el Dictionnaire de Trévoux (1771), que define "en pintura, un cuadro o una figura de gusto barroco, donde las reglas y las proporciones no son respetadas y todo está representado siguiendo el capricho del artista".
El arte barroco se expresó estilísticamente en dos vías: por un lado, hay un énfasis en la realidad, el aspecto mundano de la vida, la cotidianeidad y el carácter efímero de la vida, que se materializó en una cierta «vulgarización» del fenómeno religioso en los países católicos. Por otro lado, se manifiesta una visión grandilocuente y exaltada de los conceptos nacionales y religiosos como una expresión del poder, que se traduce en el gusto por lo monumental, lo fastuoso y recargado, el carácter magnificente otorgado a la realeza y la Iglesia, a menudo con un fuerte sello propagandístico.
Se valoraba especialmente lo visual y efímero, por lo que cobraron auge el teatro y los diversos géneros de artes escénicas y espectáculos: danza, pantomima, drama musical (oratorio y melodrama), espectáculos de marionetas, acrobáticos, circenses, etc. Existía el sentimiento de que el mundo es un teatro y la vida una función teatral: "todo el mundo es un escenario, y todos los hombres y mujeres meros actores" (William Shakespeare, 1599).
Principales características que marcaron el período barroco:
- Expone el gusto por lo elegante y lo extravagante.
- Valorización del detalle y exceso de ornamento.
- Búsqueda de la espiritualidad, de las sensaciones y las pasiones internas.
- Dualismo y contradicción.
- Contraste entre luces y sombras.
- Sentido del movimiento.
- Oscuridad, complejidad y sensualismo.
- Pesimismo y desengaño.
Artistas destacados:
Caravaggio (1571-1610): Caracterizado por el carácter dramático de sus temas, Caravaggio pintó sobre temas religiosos donde exploraba el contraste entre la luz y las sombras. Entre sus obras se destacan La captura de Cristo, La flagelación de Cristo, Muerte de la Virgen, Los discípulos de Emaús, David con la cabeza de Goliat.
Bernini (1598-1680): fue un destacado escultor y arquitecto italiano. Sus obras se caracterizan por el dramatismo que le impregnó a sus obras, así como el movimiento notorio de las figuras humanas y de sus ropajes. Sus obras se encuentran en Roma y en el Vaticano, entre estas se pueden mencionar: la plaza de San Pedro, Baldaquino de San Pedro, Éxtasis de Santa Teresa, Busto del Papa Pablo V, Fuente de los cuatro ríos.
Borromini (1599-1667): Francesco Borromini fue un arquitecto y escultor italiano. Sus obras se caracterizan por el uso de la luz, de formas onduladas en los niveles superiores de las iglesias y el diseño de cúpulas ovales. También tenía gusto por decorar las fachadas con gran cantidad de elementos ornamentales, entre otros.
Entre las obras más reconocidas destacan la cúpula de la iglesia Sant’Agnes in Agone, Palacio Spada, Palacio Barberini, la cúpula de la iglesia Sant’Ivo alla Sapienza y la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane.
Andrea Pozzo (1642-1709): fue un destacado arquitecto, pintor y decorador italiano que se caracterizó por su dominio del fresco y su capacidad de crear perspectivas reales en superficies planas.
Entre sus obras destacan La Gloria de San Ignacio, Ángel de la Guarda, Apoteosis de Hércules, el techo del salón noble del palacio de Liechtenstein, en Viena, y la falsa cúpula de San Francisco Javier.

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Jean-Honore Fragonard: "El columpio". 1767, óleo sobre tela, 81 × 65 cm, Colección Wallace, Londres.

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El rococó fue un movimiento artístico europeo de origen francés que se caracterizó por su estilo alegre y provocador, y el gusto por la decoración excesiva. Se manifestó en la pintura, la arquitectura, las artes decorativas y la escultura.
El arte rococó se desarrolló a principios del siglo XVIII, en el período de transición entre el barroco y el arte neoclásico. Pese a que comparte con el barroco el interés por la profusión de detalles, se distingue de este por sustituir su solemnidad y dramatismo por el placer y el divertimento.
A diferencia del arte barroco, el arte rococó se caracterizó por ser alegre, celebrar la vida, dar espacio al humor, a la gracia y al erotismo ligero. Puede decirse que fue, en realidad, la expresión de una clase social que huía del aburrimiento por medio de un arte entusiasta, sin pretensiones trascendentes o didácticas.
Características del arte rococó:
- El arte rococó fue, ante todo, un estilo que buscaba expresar gracia y alegría. Su carácter era festivo. Aunque el rococó fue recargado en la decoración, sus atmósferas buscaron ser luminosas y entusiastas.
- El arte rococó es expresión de una élite que se divierte. Por ello, tiene una gran dosis de humor y picardía que suprime cualquier intento de solemnidad. Por ello, el rococó expresa también el relajamiento de la etiqueta.
- Los temas preferidos en el rococó fueron las aventuras sentimentales, las escenas pastoriles, los divertimentos de la élite ociosa y la vida doméstica. No se dejaron de tratar los temas religiosos, mitológicos o históricos, pero fueron despojados de su solemnidad.
- El arte se nutrió de un erotismo velado, tanto en sus formas como en sus temas. En algunos artistas, la mitología fue un escondite para justificar el desarrollo del desnudo erótico, de tal forma que no sufriera la crítica de las élites intelectuales.
- El rococó fue un arte atento al detalle y a la ornamentación excesiva. Los artistas, diseñadores y arquitectos enriquecieron la decoración de las obras con elementos tan profusos como imaginativos. No era extraño encontrar elementos de las culturas orientales como fauna, la flora y toda clase de motivos.
- Una de las formas que encontraron los artistas del rococó para aportar gracia y alegría fue cambiar la paleta de colores terrosos, oscuros e intensos por tonos pasteles y blancos. Esto fue aplicado tanto en la pintura como en la decoración arquitectónica, gracias a lo cual todo quedaba envuelto en gracia y sensualidad.
- El rococó liberó al arte de su papel propagandista. El arte ya no estaba al servicio de las causas eclesiásticas o absolutistas, y ello influía en la libertad temática y de estilo. El arte ya no tenía que ser el vehículo de una "verdad", ni necesitaba ser serio. Bastaba con que fuera plácido.
Pintores del rococó:
- Antoine Watteau (1684-1721).
- Jean-Baptiste-Simeon Chardin (1699-1779).
- François Boucher (1703-1770).
- Jean-Honoré Fragonard (1732-1806).
- Giovanni Battista Tiépolo (1696-1770).
- William Hogarth (1697-1764).
- Thomas Gainsborough (1727-1788).

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Jacques-Louis David: "La muerte de Sócrates". 1787. Óleo sobre lienzo. 129,5 × 196,2 cm.

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Neoclasicismo (s.XVIII hasta mediados del s.XIX)

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Neoclasicismo (s.XVIII hasta mediados del s.XIX)

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El neoclasicismo fue un movimiento artístico y literario que surgió a mediados del siglo XVIII y abarcó hasta el siglo XIX. Tenía como base la renovación de los valores filosóficos y estéticos de la Antigüedad Clásica y el culto a la razón, interpretados como modelos para la construcción de la modernidad.
El movimiento neoclasicista se originó en Francia, donde fue llamado simplemente clasicismo. Desde allí se extendió hacia el resto de Europa y América, de la mano con la expansión del Iluminismo o Ilustración, clave filosófica del movimiento neoclásico en todas sus manifestaciones.
Tres procesos históricos fueron claves en el movimiento neoclásico:

1. La aparición de la Ilustración o el Iluminismo, movimiento filosófico que defendía la razón, el conocimiento y la secularización como propósito y medio para derogar el dogmatismo y fomentar el progreso. En este movimiento se insertó La enciclopedia, de Diderot y D`Alembert, publicada por primera vez entre 1751 y 1772.

2. El descubrimiento de las ruinas de Herculano (1738) y Pompeya (1748), que despertó nuevamente el interés por estudiar la cultura grecolatina.

3. Por último, la llamada “doble revolución”, es decir, la revolución industrial que estaba modificando los modos de producción y organización social, y la revolución francesa, que proclamaba igualdad, libertad y fraternidad.

Los artistas genuinamente deseaban participar en el nacimiento de una cultura basada en la razón, la moral y el progreso. Por ello se plantearon seguir una serie de características y valores:
- El propósito y fin del neoclasicismo era la educación y la moralización de la sociedad con miras a la construcción del proyecto moderno. Los artistas y escritores creían que a través de sus obras ayudaban a difundir los valores necesarios para construir una sociedad racional, moral, culta y progresista que superara la ignorancia, a la que veían como madre de la intolerancia y el dogmatismo.
- Entre los artistas existía una convicción por crear una estética que le confiriera un nuevo sentido al paso de la tradición a la modernidad, bajo una escala de valores que se consideraban racionales y, en esa medida, universales. Entre ellos estaban:

la libertad,

la idea de patria,

el heroísmo y

el espíritu de sacrificio, rigor y autodominio.

- El neoclasicismo retoma la indagación e investigación de la Antigüedad Clásica y le confiere un nuevo sentido: la interpreta como expresión “culta” y modelo ético de carácter universal y racional.
- Con la Antigüedad Clásica como modelo, resurgió el interés en el equilibrio, la proporción y la simetría. De esta manera los artistas neoclásicos rechazaban el efectismo, la espectacularidad y el exceso decorativo del arte barroco y rococó. Equilibrio, proporción y simetría fueron entendidos como metáfora formal del carácter moral, es decir, pretendían simbolizar, por medio de la forma, el código de valores de la civilización moderna. Este canon se aplicó en las artes plásticas, la música, la arquitectura y la literatura.
- Los artistas y escritores neoclásicos veían a la Razón como una diosa garante del orden civilizatorio. El racionalismo en la composición estética, es decir, la representación organizada y metódica, así como los temas que resaltaban la templanza, la virtud y el autodominio, eran una forma de ejercer y difundir el culto a la razón.
- Paradójicamente, el nacionalismo emergente de aquellos años aspiraba a la universalidad, que se expresara en la inclusión de todas las civilizaciones en una narrativa racionalista o, al menos, en la conformación de un Estado nacional laico y republicano de vocación universal, que acogiera por igual a todos los ciudadanos.
- El arte neoclásico abordaba especialmente temas como la historia grecolatina (modelos morales), la historia del republicanismo y de la revolución francesa y la mitología romana (como alegoría de la virtud).
Algunos de los más importantes representantes de la pintura neoclásica fueron los siguientes:

Jacques-Louis David: París, 1748 - Bruselas, 1825. Obras de referencia: El juramento de los horacios, La muerte de Marat, La muerte de Sócrates, Napoleón cruzando los Alpes, Madame Récamier.

Jean-Auguste Dominique Ingres: Montauban, Tarn-et-Garonne, 1780 - París, 1867. Obras de referencia: Napoleón en su trono imperial, Edipo y la esfinge, La bañista de Valpinçon, La gran odalisca.

Rafael Mengs: Aussig, Bohemia, 1728 - Roma, 1779. Obras de referencia: Parnassus, Magdalena penitente, Triunfo de la historia sobre el tiempo.

Francisco Bayeu: Zaragoza, 1734 - Madrid, 1795. Obras de referencia: El paseo de las delicias, La feliz unión de España y Parma impulsa las ciencias y las artes.

Angelica Kauffmann: Coira, 1741 - Roma, 1807. Obras de referencia: Ariadna abandonada, Telémaco y las ninfas de Calypso, Alegoría de la poesía y la pintura.

Mariano Salvador Maella: Valencia, 1739 - Madrid, 1819. Obras de referencia: La batalla de Aljubarrota, El embarque.

Francisco de Goya (pintor de transición al romanticismo): Zaragoza, 1746 - Burdeos, 1828. Obras de referencia: La familia de Carlos IV, El quitasol.

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"La libertad guiando al pueblo", de Eugène Delacroix.

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El Romanticismo fue el movimiento artístico, cultural y literario que se produjo a finales del siglo XVIII en Inglaterra y Alemania, extendiéndose luego a otros países de Europa y América.

El Romanticismo rompió con las ideas de la Ilustración y el Neoclasicismo y buscó destacar a través de la música, el arte y la literatura la emoción que despiertan los espacios agrestes, la naturaleza y la melancolía que genera.
Características del Romanticismo:

Individualismo. Exalta la figura del individuo como centro de la creación.

Originalidad. Busca erigir a la expresión subjetiva como centro de la producción creativa.

Nacionalismo. Exalta los valores, historia e identidad de la cultura de un pueblo previa al neoclasicismo.

Emocionalidad. Destaca las emociones, la pasión, la imaginación y los sentimientos sobre la razón.

Rechazo al Neoclasicismo. Deja de lado las tradiciones de la era anterior y busca romper con las normas clásicas y académicas.

Temas del Romanticismo:

La exaltación del yo, el individualismo y el subjetivismo en el arte. El hombre se interesa por su interior, se comienza a tomar el gusto individual y no a la belleza universal.

El héroe rebelde, idealista, inconformista y soñador.

La melancolía como reflejo de un quiebre interior.

El desengaño, los románticos rechazan su tiempo y sienten que la vida es injusta y fugaz.

La evasión como medio de escape de esa vida de desencanto (por eso gustan de lo gótico, lo exótico y las ruinas medievales).

La naturaleza silvestre y hostil, ya no se escribe sobre la naturaleza domada del Neoclasicismo, sino sobre bosques, paisajes y montañas embravecidos (para el hombre romántico la naturaleza es un todo orgánico y vivo).

La libertad, en especial en las formas poéticas (el poeta ya no se ata a las rigurosas leyes de la métrica clásica).

La originalidad es fundamental así como la creatividad frente a la literatura de imitación y estática del Neoclasicismo.

El amor y la muerte, el romántico aprecia el amor por el amor mismo pero también le recuerda la finitud de la vida y proximidad de la muerte.

El poeta es un demiurgo, es decir, es creador.

La obra inacabada e imperfecta es mejor que la obra cerrada y concluida.

Artistas del Romanticismo:

Francisco José de Goya (1746 – 1828). Pintor español, es considerado uno de los referentes artísticos más importantes del mundo. En su obra se destacan los oleos, dibujos y murales. “La maja desnuda”, “La maja vestida” y “La familia de Carlos IV” son algunas de sus obras más representativas que están en el Museo del Prado en Madrid.

William Blake (1757 – 1827). Pintor y poeta inglés, se valió de ambas disciplinas en conjunto para crear obras como “El anciano de los días”, “Newton” y “Nabucodonosor”.

Caspar David Friedrich (1774 – 1840). Pintor alemán, es considerado un referente del Romanticismo del siglo XIX de ese país. En sus obras como “El caminante sobre el mar” y “Abadía en el robledal” se destaca el uso de óleo sobre lienzo con representaciones de paisajes.

Joseph Mallord William Turner (1775 – 1851). Pintor inglés, se destacó en la representación de paisajes en óleo y acuarela en los que retrató la relación entre la naturaleza y el ser humano. Entre sus pinturas más reconocidas están: “The shipwreck”, “Snow storm” y “The burning of the houses of Parliament”.

Eugene Delacroix (1798- 1863). Pintor francés exponente del Romanticismo del siglo XIX, su obra se caracteriza por la intensidad de los colores y trata sobre temas como la guerra, la libertad y cuestiones religiosas. “La libertad guiando al pueblo” y “La muerte de Sardanápolo” son dos de sus obras más reconocidas.

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Jean-François Millet, “Las espigadoras” (1857).

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Su objetivo sería la búsqueda del arte en la cotidianidad del ser humano, en los conflictos de clase propios de la época y de los cambios sociales inspirados por la Revolución Francesa de 1789.
El realismo fue mucho más que una mera reacción estética: fue también la aplicación de la filosofía positivista al arte, aspirando a hacer del artista un personaje comprometido con el retrato de su cultura y de su época, que abordara temas hasta entonces ignorados, sin fantasías escapistas ni ensoñaciones.

Así nacieron muchos realismos, tales como el realismo socialista, comprometido con la causa política revolucionaria y la novela social; o el kitchen sink realism, vertiente que quiso indagar en lo más sucio, feo y corriente de la realidad.
La fotografía ya hacía sus primeras apariciones cuando el realismo se convirtió en la escuela imperante, por lo que de un modo u otro se aspiraba a una exactitud, objetividad y nivel de detalles en el arte que nunca antes habían sido posibles, gracias a las innovaciones científicas, y que en el caso de la pintura y la escultura, derivaron luego en el hiperrealismo del siglo XX.

Alejándose de los motivos románticos, el arte realista apuntó a una perspectiva local, costumbrista, que coincidió además con el surgimiento de numerosos movimientos nacionalistas en la Europa del siglo XIX. Obviamente, sus pinturas son siempre figurativas, lejanas a la abstracción, y sus motivos siempre explicables en términos laicos, casi científicos.
Características del realismo:

- El arte realista propone una mirada centrada en el ser humano y en su existencia cotidiana, dándole la espalda a los temas mitológicos, religiosos, fantásticos y oníricos, prefiriendo en cambio la denuncia social y política. Esto condujo a técnicas pictóricas que aspiraban a la objetividad: la reproducción casi fotográfica de lo observado.
- Los personajes y las escenas predilectas del realismo fueron siempre las más mundanas, protagonizadas generalmente por el pueblo llano, asumiendo el arte como un vehículo para captar la vida real de los de abajo: el campesinado, las nacientes clases obreras, etc.
Artistas de la Pintura: Los franceses Gustave Courbet (1819-1877), Thomas Couture (1815-1879), Jean-Francois Millet (1814-1875), Jules Breton (1827-1906), así como otros muchos representantes de Inglaterra, Alemania, Italia y Estados Unidos mayormente.

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"Almuerzo con los remeros" (Pierre-Auguste Renoir, 1881)

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Los representantes del impresionismo se caracterizaron por optar en abandonar las reglas del arte tradicional en favor de un nuevo enfoque. Por lo que se reconoce que las pinturas de este movimiento artístico forman parte del período más atractivo de la historia del arte.

Estos pintores se dan a conocer a partir de 1870 entre un gran escándalo por parte del público y de ciertos críticos. Cabe resaltar que en esas épocas, las obras impresionistas parecían ser extremadamente modernas.
Características del impresionismo:
El impresionismo aspiraba a plasmar la luz en sus pinturas, mediante la combinación de colores y pinceladas, en vez de formas y siluetas. La pincelada impresionista, bautizada posteriormente como “pincelada gestáltica”, era breve y usaba colores puros, sin importar que en solitario no fueran pertinentes al modelo real, ya que una vez completa la imagen, se podría percibir globalmente la obra y reproducir así una totalidad bien definida, con mucha luminosidad y vibrancia. Esta técnica inspiraría posteriormente a los neoimpresionistas o puntillistas.

Otro de los avances del impresionismo fue la creación de nuevos pigmentos para obtener colores más puros. Gracias a ello los pintores pudieron replantear muchas leyes cromáticas de la época, entendiendo el color en relación a sus acompañantes y al contraste que con ellos generan. Por eso los impresionistas hacían juegos de sombra rompiendo con la dinámica usual del claroscuro, en favor de sombras hechas con colores complementarios que dotaban de mayor profundidad a la obra.

De modo similar, los impresionistas relegaron la forma a un segundo plano, prefiriendo explorar en cambio los paisajes. Los panoramas abiertos permitían la justa de luz y colores para sus métodos pictóricos.
Los principales representantes del Impresionismo fueron:

Édouard Manet (1832-1883). Aunque nunca perteneció formalmente al grupo.

Edgar Degas (1834-1917). Miembro fundador del grupo.

Claude Monet (1840-1926). Miembro fundador del grupo.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919). Miembro fundador del grupo.

Berthe Morisot (1841-1895). También fundadora del grupo.

Francesco Filippini (1841-1870). Fundador del impresionismo italiano.

Algunas pinturas impresionistas reconocidas son las siguientes:

Impresión: Sol Naciente (1873) de Claude Monet

El almuerzo de los remeros (1881) de Pierre-Auguste Renoir

Boulevard Montmartre de noche (1897) de Camille Pissarro

El almuerzo sobre la hierba (1866) de Claude Monet

La clase de Ballet (1874) de Edgar Degas

La lectora (1876) de Pierre-Auguste Renoir

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"La noche estrellada" (1889), Vicent Van Gogh.

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Post-impresionismo (finales del s.XIX y principios del s.XX)

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Post-impresionismo (finales del s.XIX y principios del s.XX)

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El postimpresionismo es un estilo artístico francés que tuvo su momento más álgido entre mediados de la década de 1880 a principios de 1900. Unas décadas en las que artistas como Van Gogh o Cezanne adoptaron y fueron figuras principales del postimpresionismo. Un estilo en el que los artistas intensificaron el color para hacerlo más vibrante y expresivo, además de distorsionar las formas.

Un uso el color y la luz para plasmar las emociones y los sentimientos del artista, dando espacio a la subjetividad y a temas más personales. Así, el cuadro se transforma en un ejercicio espiritual en el que el autor refleja sus preocupaciones, experiencias y sentimientos más íntimos.
El postimpresionismo es una palabra artificial, lógicamente. Se acuñó a posteriori, cuando los artistas postimpresionistas estaba ya muertos. Ningún postimpresionista era consciente de estar en el postimpresionismo.

Sin embargo hoy podemos agrupar a un cierto número de artistas que trabajaron después del impresionismo, reaccionando contra él en muchos aspectos, y que reúnen las siguientes características:

1. Asentaron las bases del arte moderno.

2. Por lo general no fueron apreciados en vida.

3. Una vez muertos fueron considerados clásicos intocables.

4. Sus pinturas son hoy las más caras de la historia.

En general todos los postimpresionistas utilizaron colores vivos, pinceladas poco discretas y unas temáticas basadas en la vida real.
Todos ellos intentaron también dar un paso más en cuanto emoción y expresión a la pintura y todos presentaron una visión particular de la naturaleza, una visión subjetiva del mundo.