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Regeneración, 28 de diciembre de 2015.- "El 100% de la producción de Zara en Asia es trabajo infantil". Así lo declaró Ehsan Ullah Khan, el líder pakistaní contra la esclavitud de niños y niñas que encabeza un movimiento a nivel mundial para denunciar el trabajo forzoso que padecen 400 millones de niños en el mundo.

Khan lleva largo tiempo centrando su lucha contra Inditex, la multinacional española que ha incrementado sus beneficios en un 5% en 2014, pero que según Khan, mantiene a miles de menores cosiendo en industrias que forman parte del sucio tejido de subcontrataciones del grupo que se extienden en Asia.

Ullah Khan era periodista y trabajaba en un diario local, se convirtió por casualidad en un referente mundial de la lucha contra la esclavitud infantil. En 1967 se cruzó con un chico de 18 años, esclavo, que estaba llorando en la calle sentado a un lado en la banqueta. "Quise ayudarle, le dije que era libre como cualquier otra persona que nace en otra parte del mundo, pero él sólo quería morirse". En ese momento decidió fundar el Frente de Liberación del Trabajo Forzado, que lo llevó a prisión y a sufrir atentados en varias ocasiones.

Vive en Suecia, en el exilio forzado sin la posibilidad de volver a su tierra. Ahí creó el movimiento Marcha Global, desde donde articula una lucha para erradicar la esclavitud infantil con políticas de educación. Con su trabajo, Khan ha logrado que cinco empresas de Pakistán cierren sus instalaciones y ha conseguido la liberación de cientos de niños.

En Camboya o Bangladesh, un menor que trabaje en una fábrica entra a las 4 de la mañana y sale a las 6 de la tarde. Con horarios que van entre las 10 y las 16 horas, y los salarios no van más allá de 2 euros al día. Las grandes marcas de ropa, alfombras, futbol o material médico se sostienen gracias al trabajo de menores que son vendidos a las mafias o las empresas por sus propios padres. "Comprar un niño en Pakistán es muy barato y una vez que lo has hecho, puedes hacer con él lo que quieras". Así le sucedió a Iqbal Masih, vendido por su madre cuando tenía cinco años a cambio de 600 rupias, 12 euros. Masil comenzó a trabajar en una fábrica de alfombras persas donde fue maltratado y despojado de todos sus derechos. A los 10 años conoció el frente de Ullah Khan que consiguió liberarlo y volverlo una figura símbolo de la esclavitud de los niños. La mafia lo asesinó cuando tenía 12 años.

Khan afirma que los gobiernos y las multinacionales son cómplices de este entramado que convierte a los oprimidos en mano de obra barata. "Por eso siempre digo que no compren de empresas como Zara, Mango, Ikea o H&M, porque con el dinero que les entregas ellos compran 5 esclavos más". "Este es un gran problema político, social, económico y militar pero a ninguno de ellos les interesa cambiar el sistema", comenta sobre los gobiernos y las empresas.

Leer: Apple, Nike, Nokia y otras marcas se benefician de la esclavitud laboral adulta e infantil

( eldiario.es)

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El 100% de la producción de Zara en Asia es con mano de obra infantil - Regeneración

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Regeneración, 28 de diciembre de 2015.- "El 100% de la producción de Zara en Asia es trabajo infantil". Así lo declaró Ehsan Ullah Khan, el líder pakistaní contra la esclavitud de niños y niñas que encabeza un movimiento a nivel mundial para denunciar el trabajo forzoso que padecen 400 millones de niños en el mundo.

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Y para lxs que justificáis el trabajo infantil: no, esos niños no están ahí porque quieran ganar un dinero, sino porque, en algunos casos, están saldando deudas adquiridas por sus padres. Es increíble que tenga que aclarar esto, pero lamentablemente hay gente que tiene la empatía en el subsuelo. #modasostenible #modalenta #slowfashion #algodonorganico #fastfashion #consumoconsciente #modaecologica #modaetica 

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@martina_lubian
Y para lxs que justificáis el trabajo infantil: no, esos niños no están ahí porque quieran ganar un dinero, sino porque, en algunos casos, están saldando deudas adquiridas por sus padres. Es increíble que tenga que aclarar esto, pero lamentablemente hay gente que tiene la empatía en el subsuelo. #modasostenible #modalenta #slowfashion #algodonorganico #fastfashion #consumoconsciente #modaecologica #modaetica
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La explotación detrás de tu ropa #Shorts

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El trabajo infantil en América Latina tiene sus raíces en la desigualdad estructural

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México: Alrededor de 51,000 menores de edad trabajan en talleres y maquilas de ropa - Business and Human Rights Centre

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Oaxaca exige a Shein el retiro inmediato de ropa con diseños istmeños: denuncian apropiación cultural

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Funcionarios de la entidad consideran que la empresa vulneró derechos patrimoniales de comunidades locales al replicar elementos textiles asociados con tradiciones ancestrales

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México: SHEIN participa en mesas de trabajo con gobierno ante acusaciones de apropiación cultural de diseños tradicionales zapotecos - Business and Human Rights Centre

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Josep d’Aurel escape game en espagnol | Genially

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Directo al Grano on Instagram: "⚫Se erige una placa en memoria a los españoles fallecidos en el campo de concentración de Grenoble.

➡Entre febrero y julio de 1939, murieron por hambre, frío y enfermedad 56 refugiados españoles… y 45 de ellos fueron niños. 

🎯El reportaje y la historia de Fernanda en #DirectoAlGrano25F."

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58 likes, 1 comments - algrano_rtve on February 25, 2026: "⚫Se erige una placa en memoria a los españoles fallecidos en el campo de concentración de Grenoble.

➡Entre febrero y julio de 1939, murieron por hambre, frío y enfermedad 56 refugiados españoles… y 45 de ellos fueron niños. 

🎯El reportaje y la historia de Fernanda en #DirectoAlGrano25F.". 

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"Malvinas para Niños: La Historia del 2 de Abril Contada de Forma Sencilla" (Primer Ciclo)

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fiche de progression annuelle 3e espagnol + (1)

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CECU on Instagram: "🛑 Mientras nos preparamos para las compras del Black Friday, no olvidemos quién hace nuestra ropa.
🧵 Más de 60 millones de personas, principalmente mujeres, trabajan en fábricas de países con escasa protección social, muchas veces en condiciones laborales inhumanas.
Es hora de exigir leyes que protejan a las personas y garanticen salarios dignos y seguridad laboral.
#StopFastFashion #DerechosLaborales #blackfridaysincompras"

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45 likes, 0 comments - cecuconsumo on November 24, 2025: "🛑 Mientras nos preparamos para las compras del Black Friday, no olvidemos quién hace nuestra ropa.
🧵 Más de 60 millones de personas, principalmente mujeres, trabajan en fábricas de países con escasa protección social, muchas veces en condiciones laborales inhumanas.
Es hora de exigir leyes que protejan a las personas y garanticen salarios dignos y seguridad laboral.
#StopFastFashion #DerechosLaborales #blackfridaysincompras". 

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Sindicato empleados textiles on Instagram: "Así se fabrica la ropa “barata"

Sus manos pequeñas cosen lo que después vestimos con orgullo. Mientras juega a ser adulta en una fábrica sin ventanas, nosotros jugamos a cambiar de temporada. Ella no elige… nosotros sí. Porque detrás de la ropa ‘barata’, hay una infancia demasiado cara.

Que NO SE HAGA MODA: ¡IMPORTAR SIN IMPORTAR!
-Sin importar la perdida de trabajo.
-Sin importar la contaminación.
-Sin importar el trabajo y explotación infantil.

Ellos no eligen, nosotros sí.

#ImportarSinImportar #SETIA #industriatextil #explotacioninfantil #contaminaciontextil #Argentina"

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¿Sabías que detrás de la ropa 'barata' hay una infancia demasiado cara? En esta historia, una joven muestra su lucha contra la explotación infantil en la fábrica de ropa. ¡Únete a la campaña #ImportarSinImportar y ayúdanos a cambiar la forma en que creamos y consumimos moda!

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Fathima⚡️Embajadora Del Amazonas sur Instagram: "Moda indígena como resistencia🏹

Con la misma alegría que conocí a Darlyn, te la presento, orgullosamente del Municipio Maroa Del Amazonas🇻🇪

Por favor comparte para que más personas sepan que #AmazonasEsVenezuela 

#DelAmazonas #Amazonas #PuertoAyacucho #fatimadelamazonas"

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Darlyn, líder indígena del pueblo Baniba y Baré, nos cuenta su historia de resistencia y su pasión por la moda indígena en el Amazonas venezolano. Desde la organización del bazar Raíces Vivas hasta la creación de ropa y accesorios inspirados en la cultura indígena, Darlyn nos muestra cómo la resistencia y la cultura se unen en esta narrativa inspiradora. ¡No te pierdas esta historia emocionante!

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Hace unas semanas se llevó a cabo la fashion week Los Cabos, en donde Arabia Saudita con sus marcas y diseñadores fueron uno de los invitados de honor al prestigioso evento de moda.

Es por esto que Nora Al Shaik y Waad Aloqaili, diseñadores Saudíes y fundadores de las prestigiosas marcas que llevan su nombre, platicaron con MILENIO a cerca de la moda mexicana y la importancia que tiene la cultura indígena que ha sorprendido a nivel global.

La cultura indígena en la moda

Nora Al Shaik es quien asegura que algo que la ha dejado impresionada de los d iseñadores mexicanos es cómo se nutren de la cultura indígena para poder desarrollar sus colecciones.

"Lo que me intriga de la moda mexicana es la forma en que los diseñadores aprovechan las técnicas tradicionales e indígenas para crear prendas contemporáneas. Es algo sobre lo que me interesa aprender más".

Así mismo, ambos aseguran que: "Los diseños mexicanos son vibrantes, coloristas y están profundamente arraigados en la rica historia cultural del país. E xpresan una narrativa única que es a la vez inspiradora y cautivadora, con un fuerte sentido de identidad y artesanía".

Cabe resaltar que este tipo de diseños son algo que van revolucionando a la industria de la moda, como bien explican, pues los procesos de producción son diferentes a lo convencional.

"Están aportando una nueva perspectiva a la industria de la moda, ya sea en términos de diseño o introduciendo modelos de producción más sostenibles (...) los diseñadores mexicanos han dejado su huella en la escena mundial, contribuyendo a la diversidad de la industria de la moda. Aportan una perspectiva fresca y única que es a la vez distinta e influyente"

Para los diseñadores, estas a portaciones nutren a la industria y la hacen mejorar.

"Que se pueden encontrar expresiones únicas y sofisticadas de diseño en cualquier parte del mundo. Pertenezco a la generación que creció con las redes sociales, en un mundo sin fronteras. Como resultado, he estado al tanto y he seguido la evolución de la escena de la moda contemporánea en México, así como en otros lugares como Lagos, Shanghai, Copenhague. Carla Fernández y Julia y Reneta son dos diseñadoras mexicanas a las que he seguido"

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Luis García Castrejón

Periodista especializado en cultura pop, música y cine. Apasionado por contar historias que conecten, capturar momentos emocionantes y convencido de que cada historia merece ser contada.

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La cultura indígena en el mundo de la moda

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Nora Al Shaik y Waad Aloqaili son 2 importantes diseñadores que hablan de la importancia que tiene cultura indígenas en el mundo de la moda actual

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Los mejores monstruos de Guillermo del Toro

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En sus películas, el director mexicano ha creado criaturas oscuras, monstruos y seres mágicos extraordinarios.

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L’impératif (imperativo) est un mode utilisé pour donner un ordre ou un conseil à une ou plusieurs personne(s). Apprends les règles d’usage et de conjugaison de l’impératif espagnol grâce à nos explications simples et claires accompagnées d’exemples et teste tes nouvelles connaissances avec nos exer…

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Diarios de motocicleta es una película biográfica basada en los diarios de viaje del Che Guevara y Alberto Granado, dirigida por Walter Salles y protagonizada por Gael García Bernal y Rodrigo de la Serna. Fue ganadora del Oscar a la Mejor Canción Original en 2005 por Al otro lado del río, de Jorge Drexler, junto a 21 premios internacionales más.

La película relata el viaje que realizaron El Che y Granado a través de América del Sur, en 1952. Durante el desarrollo del mismo, Guevara se descubre a sí mismo transformado por sus observaciones de la vida de los empobrecidos campesinos indígenas. A través de los personajes que encuentran en el camino aprenden sobre las injusticias a las que los pobres se enfrentan y viven situaciones de distinto tipo, desde las más alegres a las más tristes. La experiencia les presenta a Guevara y Granado una verdadera imagen de la identidad latinoamericana y cambia el curso de sus vidas para siempre.

En 1952, un semestre antes de que Ernesto Guevara termine sus estudios de medicina, él y su viejo amigo Alberto Granado, un bioquímico, dejan Buenos Aires para viajar por el continente buscando diversión y aventuras. Si bien al final de su viaje tienen un objetivo, intentan trabajar en una colonia de leprosos en Perú, el propósito principal es turismo. Ellos quieren ver tanto de América Latina como puedan, más de 10 000 kilómetros en solo unos meses. Su método inicial de transporte era la antigua y agujereada, pero funcional motocicleta Norton 500 de Alberto bautizada La Poderosa.

Se dirigirán al norte, con el objetivo de cruzar Los Andes, viajar a lo largo de la costa de Chile, a través del desierto de Atacama y de la Amazonía peruana y alcanzar Venezuela justo a tiempo para cuando Alberto cumpliese 30 años, el 2 de abril. Debido a una avería de La Poderosa, se ven obligados a viajar a un ritmo más lento, y llegan a Caracas en junio.

Durante su excursión, los dos protagonistas se encuentran con la precariedad de las personas en los pueblos amerindios, y la película asume una mayor seriedad una vez que los hombres tienen un mejor razonamiento de la disparidad entre los ricos y pobres de América latina. En Chile, los viajeros encuentran un par de hombres realizando trabajos forzados en la ruta debido a sus creencias comunistas. Los dos los acompañan a la mina de cobre de Chuquicamata, y al ver el trato que recibían los obreros el protagonista Guevara se enfada. La unión de éste con las personas necesitadas es desde lo más profundo de sus corazones en toda la película.

Sin embargo, es la visita a las ruinas incas de Machu Picchu lo que inspira algo en Ernesto. Él se pregunta cómo la avanzada cultura dio paso a la expansión urbana de Lima. Su respuesta es que los españoles tenían armas.

En Perú, el Che y Granado trabajan como voluntarios durante tres semanas en una colonia de leprosos de San Pablo. Allí Guevara ve tanto física como metafóricamente la división de la sociedad entre las masas trabajadoras y las masas gobernantes (el personal que vive en el lado norte del río, separado de los leprosos que viven en el sur). Guevara además se rehúsa a usar guantes de goma durante su visita eligiendo en su lugar estrecharse las manos desnudas con los asustados leprosos recluidos.

Al final de la película, después de su estadía en la colonia de leprosos, Guevara confirma sus incipientes impulsos igualitarios y antiautoritarios durante un brindis de cumpleaños, que es a su vez su primer discurso político. En él evoca una identidad latinoamericana que trasciende las fronteras de la nación y la raza. Estos encuentros con la injusticia social transforman la manera en que Guevara ve al mundo y por implicación motivan más tarde sus actividades políticas como un revolucionario.

Guevara hace su simbólico "viaje final" esa noche cuando a pesar de su asma, elige nadar a través del río que separaba las dos sociedades de la colonia de leprosos, para pasar una noche en una choza de leprosos en vez de en las cabinas de los doctores. Este viaje implícitamente simboliza el rechazo de Guevara a la riqueza en la que había nacido, y el camino que tomaría más tarde en su vida como un guerrillero, peleando por lo que él creía era la dignidad que todo ser humano merecía.

Cuando se estaban despidiendo uno del otro, Alberto revela que su cumpleaños no era, de hecho, el 2 de abril, sino el 8 de agosto, y que la razón de esa mentira era simplemente por motivación: Ernesto responde que siempre lo supo. La película termina con la aparición del verdadero Alberto Granado de 82 años, junto con imágenes del viaje real y una mención de la eventual ejecución del Che Guevara en la selva boliviana en 1967.

El proyecto se originó gracias a la iniciativa del productor ejecutivo Robert Redford y los productores Michael Nozik y Karen Tenkhoff que se pusieron en contacto con el director Walter Salles para hablar sobre la película. Además el equipo de producción recabó los servicios del periodista y documentalista italiano Gianni Miná, quien se incorporó al proyecto como supervisor artístico. El equipo hizo un primer viaje con Miná a la Habana, en Cuba, en el que emprendieron su exhaustivo proceso de investigación, se entrevistaron con Granado y conocieron a la viuda de Guevara, Aleida March, y a sus hijos, Aleida, Camilo y Ernesto.

José Rivera, un joven y galardonado dramaturgo puertorriqueño fue el escritor elegido para adaptar la historia. El director y el guionista se documentaron juntos, leyendo todas las biografías publicadas sobre Guevara. Rivera trabajó durante dos años en sucesivos borradores del guion, antes de llegar a la versión definitiva. Para asegurarse de que la historia retratase de forma equilibrada a ambos personajes, Rivera utilizó tanto los diarios de Guevara como el relato que el propio Granado hizo del viaje.​

En 2001, los productores ejecutivos Paul Webster y Rebecca Yeldham se incorporaron al proceso de desarrollo de Diarios de motocicleta, y la empresa FilmFour se encargó de cofinanciar la película. Entretanto, el director emprendió su propio viaje personal por los pueblos y ciudades descritos en los libros, para conocer de primera mano la ruta recorrida por Guevara y Granado 50 años antes.​

Una vez finalizado el guion, el equipo comenzó a preparar la producción. Las labores de localización de exteriores se iniciaron a principios de noviembre de 2001, con la visita del equipo de producción a Argentina. La búsqueda de exteriores en el resto de los países se inició el mes de enero del año siguiente y se prolongó hasta el mes de mayo. Igualmente importante para la autenticidad del filme y del retrato que en él se hace de las diferentes culturas visitadas fue la decisión de emplear actores locales, con excepción del actor mexicano Gael García Bernal, a quien Salles describe como "uno de los actores más singulares y con más talento de su generación".

Mientras los actores se preparaban para interpretar sus papeles, el director seguía perfilando la estética de la película. Salles y su equipo se inspiraron en las fotografías que Guevara tomó durante el viaje, y también en la evocativa obra del fotógrafo aimara Martín Chambi. El diseñador de la producción, Carlos Conti, trabajó en la reconstrucción del período, incluyendo alusiones al contexto histórico, pero dando al mismo tiempo un aire contemporáneo a la producción para subrayar la intemporalidad de los temas tratados.

Los preparativos definitivos para el rodaje se iniciaron a mediados de junio de 2002 y se prolongaron durante 16 semanas. La película se rodó en más de treinta escenarios, donde se desarrollaron la mayor parte de los acontecimientos que narra la historia y en 84 días.

En el transcurrir de la cinta los estratos conscientes del joven Ernesto comienzan a complejizarse, y su identidad comienza a constituirse. Este es el momento en el que el Che comienza a convertirse en "el Che", dejando atrás a Ernesto, el tímido estudiante de Medicina, junto a su familia, novia y hábitos burgueses. La película analiza la 'toma de conciencia' del Che, su concientización social, su salir del cascarón familiar y social, y también trata sobre conocer (chocarse) con otras formas de vida posibles, y de las injustas consecuencias que estas posibles elecciones de vida pueden acarrear. Este es el tema de la película, la excusa y la coartada de Salles para retomar el género , y expandirlo más allá de las fronteras y caminos latinoamericanos, hacia un sentido esencialmente metafísico.

Luego del estreno de la cinta surgió el rumor de que el actor argentino Rodrigo de la Serna, intérprete del personaje de Alberto Granado, es primo segundo de Ernesto Guevara. Sin embargo la noticia no es cierta y él mismo se ha encargado de desmentirlo.​

Emplazamientos del rodaje

En un viaje, que duró ocho meses, los compañeros recorrieron más de 14 000 kilómetros, desde Argentina a través de Chile, Perú​ y Colombia a Venezuela. Los lugares claves del viaje descritos a lo largo de la cinta incluyen: en Argentina, Buenos Aires, Miramar, Villa Gesell, San Martín de los Andes, Lago Frías, Patagonia; en Chile Lautaro (aunque no aparece mencionado), Temuco (parte de Temuco es grabado en Lautaro), Los Ángeles (es grabado íntegramente en Lautaro), Valparaíso, desierto de Atacama, Chuquicamata; en Perú, Cuzco, Machu Picchu, Lima; la colonia de leprosos de San Pablo; en Colombia: Leticia y en Venezuela: Caracas.

La película fue presentada por primera vez en el Festival de Cine de Sundance el 15 de enero de 2004. Fue presentada luego en el Festival de Cine de Cannes el 19 de mayo de ese año.

El film fue proyectado en muchos otros festivales incluyendo: el Festival Internacional de Cine de Auckland, Nueva Zelanda; el Festival Internacional de Cine de Copenhague, Dinamarca; el Festival de Cine de Espoo, Finlandia; el Festival de Cine de Telluride, Estados Unidos; el Festival de Cine de Toronto, Canadá; el Festival internacional de Cine de Vancouver, Canadá; el Festival de Cine de Frankfurt, Alemania; el Festival de Cine de Morelia, México; entre otros.

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Diarios de motocicleta (película) - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Diarios de motocicleta es una película biográfica basada en los diarios de viaje del Che Guevara y Alberto Granado, dirigida por Walter Salles y protagonizada por Gael García Bernal y Rodrigo de la Serna. Fue ganadora del Oscar a la Mejor Canción Original en 2005 por Al otro lado del río , de Jorge Drexler, junto a 21 premios internacionales más.

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Lettre d’adieu d’Ernesto Che Guevara à Fidel Castro en 1965

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“Année de l’Agriculture” La Havane Fidel, Je me souviens à cette heure de beaucoup de choses, du moment où je t’ai rencontrée chez Maria Ant…

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Lettre d’adieu d’Ernesto Che Guevara à Fidel Castro en 1965

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“Année de l’Agriculture” La Havane Fidel, Je me souviens à cette heure de beaucoup de choses, du moment où je t’ai rencontrée chez Maria Ant…

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Las formas más comunes de expresar miedo en español son variaciones de "temer", "tener miedo", o "dar miedo". Cada una de estas frases se utiliza de manera diferente y va acompañada de preposiciones. Por ejemplo: "tengo miedo a hablar en público".

Qué es el miedo

El miedo es una de las emociones básicas del ser humano, junto al enfado, el asco, la tristeza, la alegría y la sorpresa. Se produce cuando la persona percibe un peligro, sea real o imaginario. El miedo puede aparecer en el presente en una situación actual tal como escuchar un ruido, tener una pesadilla o ver un animal peligroso. También puede surgir a partir de experiencias pasadas, como resultado de traumas o recuerdos dolorosos. Asimismo, una persona puede tener miedo a situaciones futuras o escenarios posibles. Esto suele causar trastornos como la ansiedad y el estrés.

Aunque puede parecer algo negativo, en realidad el miedo es una emoción necesaria para la supervivencia, ya que funciona como una señal de alarma que permite evitar situaciones potencialmente peligrosas.

Cómo se expresa el miedo

El miedo se puede expresar de diferentes maneras según las características propias de cada individuo, la situación en particular en que se encuentra y el contexto.

La emoción del miedo comúnmente toma forma en el cuerpo a través de frío corporal o escalofríos, la sensación de tener un "nudo" en el estómago, náuseas, vómitos, sudor, palpitaciones, falta de aire, la sensación de estar paralizado o tener la necesidad de huir o esconderse.

En ocasiones en las que el miedo es irracional, es decir, en momentos en los cuales no hay una razón lógica para que una persona sienta miedo, esta emoción suele producirse a partir de pensamientos negativos, falta de confianza en uno mismo o inseguridad.

Tanto si el miedo es lógico o irracional, es habitual expresar la emoción del miedo de manera verbal, utilizando expresiones lingüísticas comunes. De hecho, expresar de forma oral o escrita esta emoción puede ayudar a disminuir la sensación de miedo y ser efectivo a la hora de paliar trastornos relacionados con un miedo excesivo.

Tres formas de expresar el miedo en español

En el idioma español, existen varios modos de expresar el miedo. Algunas formas básicas son:

1. Dar miedo

La expresión "dar miedo" se utiliza, generalmente, para indicar que algo o alguien da miedo. Es decir, hay un objeto que es el que le causa miedo al sujeto. Esta frase se forma con el objeto (sustantivo/frase verbal) + pronombre personal/sujeto + conjugación del verbo "dar" + miedo. Por ejemplo:

La oscuridad me da miedo.

Esa película da miedo.

El profesor de Física da miedo.

Las serpientes dan miedo.

Los precipicios dan miedo.

2. Tener miedo

Generalmente, en las frases que incluyen la expresión "tener miedo" hay un sujeto que expresa el miedo que le causa un objeto, persona, situación, etcétera. Estas frases se forman conjugando el verbo "tener" y añadiendo las preposiciones "a", "por" o "de". La estructura de una frase con "tener miedo" sería: pronombre personal + conjugación del verbo "tener" + miedo + preposición + objeto (sustantivo/frase verbal). Por ejemplo:

Yo tengo miedo de caerme.

Ella le tiene miedo a los espacios pequeños.

No tiene miedo a fallar.

Él tiene miedo a volar.

Ellos tienen miedo por no haber estudiado.

3. Temer

El miedo también se puede expresar con el verbo "temer" seguido por las preposiciones "a", "por", o "que". Este tipo de frases se puede formar con un pronombre personal + la conjugación del verbo "temer" + preposición/verbo infinitivo + objeto. Por ejemplo:

No le temo a las arañas.

Temo por la seguridad de mis hijos.

Temen que mañana llueva.

Luis teme aumentar de peso.

Marta le teme a los perros.

Otras frases relacionadas.

Además de las expresiones mencionadas, también se pueden utilizar las siguientes frases:

Asustarse: se utiliza, generalmente, como reacción a algo que ocurre. Por ejemplo: "Me asustó ese ruido"; "Le asustan los payasos"; "¡Qué susto!".

Aprensión: se usa como "tener miedo" o "recelar". Por ejemplo: "Le tengo aprensión a ese hombre".

Perder el miedo a: esta expresión se utiliza de forma similar a "vencer el miedo". Por ejemplo: "Quiero perder el miedo a volar".

Vencer el miedo a: esta frase se usa de manera similar a "perder el miedo". Por ejemplo: "Aprender a nadar es importante para vencer el miedo al agua".

Morirse de miedo: es una expresión coloquial que se utiliza para expresar el miedo de forma exagerada. Por ejemplo: "Me muero del miedo cuando veo esa película de terror".

De miedo: es otra expresión coloquial que se usa para indicar que algo o alguien es excelente o espectacular. Por ejemplo: "Andrea Bocelli canta de miedo".

Fuentes

Español con Juan. (2017, 8 de septiembre). Expresar miedo en español. Podbay. Podcast disponible aquí.

Cantamos español - Aprender con canciones. Expresar el miedo en español y vocabulario sobre fantasía y terror. (2021, 1 de noviembre). YouTube. Video disponible aquí.

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Tres formas de expresar miedo en español

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Aprende distintas formas de expresar el miedo en el idioma español y descubre algunos ejemplos de oraciones fáciles y prácticas.

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Con un 12.72% de cuota de mercado en 2021, el terror es uno de los reyes del cine. Desde las primeras películas mudas hasta éxitos recientes como Midsommar (Ari Aster, 2019), es evidente que miedo y entretenimiento van a menudo de la mano. Pero el horror no es posible sin algo que lo provoque; el monstruo, aquella criatura degenerada y disruptora del statu quo, se ha erigido como protagonista indiscutible del género. ¿Dicen estos monstruos algo sobre los miedos de su era?

Los monstruos son tan antiguos como la tradición de contar historias. Con su ingenio, Ulises se enfrentó a las sirenas, criaturas mitad pájaro mitad mujer. Ariadna ayudó a Teseo a derrotar al minotauro, un hombre con cabeza de toro. En la Edad Media, los mapas marcaban las zonas del mundo desconocidas por los europeos con la inscripción " hic sunt dracones " (literalmente, "aquí hay dragones"). Aquí podemos encontrar uno de los orígenes de los monstruos: dar explicación a lo que no conocemos.

Precisamente del miedo a lo desconocido vienen muchos de los monstruos del siglo XIX que inspirarán las primeras películas. Y, como dice Leo Brady en su libro : "Cada era tiene sus miedos particulares, y la historia del terror es la historia de las inquietudes del alma [...] hechas públicas, tomando los matices del momento en que aparecen".

¿No es la criatura de Frankenstein sino una lección de prudencia ante el avance desenfrenado de la ciencia? Drácula, por su lado, encarna el miedo ante el forastero y las consecuencias que su llegada puede tener en la sociedad inglesa del momento.

Ahora bien, al llevarse a la pantalla, los monstruos sufrieron cambios considerables. En el caso de Frankenstein, que en la novela pronuncia discursos elocuentes, en las películas aparece como un ser abominable incapaz de pronunciar una palabra. La versión de 1910 del estudio de Thomas Alva Edison decía ser una "adaptación libre". Más tarde, la interpretación terrorífica de Boris Karloff quedó en el imaginario popular. El cine obvió la esencia de la novela de Shelley, interpretada por autores como Ellen Moers como el rechazo sentido por algunas madres hacia su hijo recién nacido. Algo similar ocurre con Drácula: en el cine, aunque siempre caracterizado por su acento extranjero, destaca más su lado seductor que su condición de forastero.

No es extraño que estas interpretaciones, aunque difieren de los libros originales, resuenen a día de hoy, puesto que apelan al aspecto más primario del miedo. Como dice James A. W. Heffernan, ambos representan los dos tipos de monstruo por antonomasia: el de aspecto repulsivo (criatura de Frankenstein) y el seductor (Drácula). Desde una perspectiva de género, encontramos pocas mujeres del primer tipo, mientras que el segundo grupo está casi exclusivamente formado por mujeres, con Drácula como la excepción más notable. Heffernan menciona un tercer monstruo más cercano a la etimología de la palabra monstrum (en latín, prodigio), cualquier cosa que viola las leyes naturales y se interpreta como un aviso de los dioses a los hombres.

Ahora bien, no siempre es el caso. A veces se entiende mejor un momento histórico al analizar aquello no mencionado; es decir, para conocer mejor algunas épocas, debemos preguntarnos qué monstruos faltan. Mientras que en los años treinta triunfaron los ya mencionados monstruos de la Universal, en la Segunda Guerra Mundial tomaron el relevo las aventuras de Abbott y Costello. Aunque en sus películas se enfrentaban a seres como la criatura de Frankenstein, momias, hombres lobo o incluso asesinos, siempre lo hacían desde el humor. Esto encaja con la idea que el país quería transmitir a su población: no había nada que temer. Si además nos fijamos en cintas como Casablanca (Michael Curtiz, 1942) el mensaje está aún más claro. Buen ejemplo es la escena en la que Renault tira a la basura una botella de agua de Vichy para simbolizar su oposición a la Francia colaboracionista.

Acabada la Segunda Guerra Mundial, llegó un conflicto más sutil, la Guerra Fría. Tras la amenaza del vampiro extranjero, el cine se inspiró en Frankenstein y ofreció un peligro vagamente basado en la ciencia. Así, los extraterrestres y las bestias fruto de catástrofes nucleares llegaron tanto a la gran como a la pequeña pantalla.

Aunque hoy en día estas películas se consideran de culto, en su momento hablaban al público porque reflejaban los miedos del momento. Títulos como La invasión de los usurpadores de cuerpos (Don Siegel, 1956) demostraban que incluso el vecino podía ser el enemigo. Y, si la guerra nuclear estallaba, ¿quién sabe qué consecuencias podía tener en la naturaleza? Los guionistas del cine de serie B demostraron dieron rienda suelta a su imaginación y nos presentaron atacantes de todo tipo. Tenemos desde un monstruo de gila gigante ( Gila el monstruo gigante, Ray Kellogg, 1959) hasta hormigas ( El mundo en peligro, Gordon Douglas, 1954) o arañas gigantes ( ¡Tarántula!, Jack Arnold, 1955), pasando por pulpos destructores ( La bestia del mar, Robert Gordon, 1955).

Todas estas historias se basan, en palabras de Leo Brandy, en la creencia de que hay un bien y un mal diferenciados. En estas películas, el bien está representado por el statement estadounidense; fijémonos en que todos sus protagonistas son hombres, blancos y de clase alta. Dichos argumentos muestran los miedos de una época caracterizada no sólo por la Guerra Fría, sino también por emancipación para la mujer. Esto se traduce en variedad de historias sobre mujeres gigantes que suponen una amenaza para el hombre ( El ataque de la mujer de 50 pies, Nathan H. Juran, 1958) o de extraterrestres femeninas que desean someterlo a sus deseos ( La diabla de Marte, David MacDonald, 1954). Con la segunda oleada feminista en los setenta llegará una nueva serie de películas donde la feminidad es algo a ser temido, como El exorcista (William Friedkin, 1973) o Carrie (Brian De Palma, 1976).

Durante mucho tiempo, sólo un sector de la población tuvo derecho a contar su historia en el cine. En muchas ocasiones, los monstruos funcionaron como símbolo de sus miedos. En los últimos años, hemos visto mayor variedad. Ahora el enfoque no se pone en los monstruos, sino en sus protagonistas. Películas como Babadook (Jennifer Kent, 2014) o El legado del diablo (Ari Aster, 2018) están protagonizadas por mujeres cuya experiencia como madres dista del ideal impuesto hasta ahora. Directores como Jordan Peele han expuesto en su trabajo los problemas a los cuales se debe enfrentar la comunidad afroamericana en Estados Unidos. Al tener mayor diversidad de voces, descubrimos que, aunque el miedo es algo inherente al ser humano, no todos debemos enfrentarnos a los mismos monstruos.

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El monstruo en el cine de terror: ¿a qué tememos?

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El monstruo, aquella criatura degenerada y disruptora del statu quo, se ha erigido como protagonista indiscutible del género.

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Alberto Nájar

BBC Mundo, Ciudad de México

Fuente de la imagen, AFP

Durante más de una hora el niño esperó pacientemente dentro de un clóset para asustar a su hermana menor. Era Guillermo del Toro, quien entonces tendría unos diez años.

Con lápices de colores se pintó la cara, se puso una larga bata negra y de la boca le sobresalían unos largos colmillos de plástico, como los de los vampiros que veía en las películas.

El susto que se llevó la pequeña Susana fue mayúsculo, pero el regaño de su mamá, Guadalupe Gómez, fue todavía más grande.

Varias décadas después algunos afirman que el cineasta todavía recuerda ese mal rato.

La anécdota ilustra el gusto que desde siempre ha tenido el director de cine por los monstruos y las historias fantásticas.

Una pasión que hoy día le ha llevado a ser el gran vencedor en la noche de los Oscar de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos por su película "La forma del agua".

Muchos en México celebran que el cineasta ganó el premio al mejor director y el film el de mejor película, mejor diseño de producción y mejor banda sonora.

Pero a Del Toro (nacido en Guadalajara, Jalisco, en 1964) eso no parece importarle mucho.

Hace unos años, en una entrevista con la BBC, el director confesó que la fama no es algo que le motive.

"Nunca he hecho una película para ganar un Oscar, ser nominado o lograr un éxito de taquilla", dijo entonces.

"Siempre hago las películas que quiero hacer por las razones que quiera hacerlas".

El inicio

Hacer lo que quiere es algo que siempre tuvo. Su papá, Federico del Toro, cuenta que cuando el cineasta era adolescente le propuso integrarse al negocio familiar, una cadena de venta de automóviles.

"Pero no le interesaba. Me pidió que lo dejara hacer lo que le gustaba, y entonces ya no insistí", contaba a medios locales.

Y lo que quería era dibujar, modelar figuras monstruosas con plastilina y grabar videos.

A los 13 años hizo su primera filmación en la escuela secundaria donde estudiaba, el Instituto Ciencias (IdC) de Guadalajara.

Daniel Varela Acosta era su maestro y le prestó la primera cámara de cine que el ahora reconocido director usó en su vida.

"Era un plano secuencia. Aparecía una mano embarrada con un líquido viscoso verde y que salía del WC", le cuenta a BBC Mundo.

"Con la otra mano, la derecha, iba manejando la cámara y haciendo un plano secuencia que recorría todos los corredores del Instituto".

La grabación duró unos minutos y se llamó "Pesadilla 1". Cuando se presentó en un festival de alumnos de la escuela fue muy elogiada, e incluso aún se conserva una copia del original, grabada con cámara de 8 milímetros.

"Carrillero" número uno

Así empezó en el cine. Después de su primera grabación hizo otras como un corto llamado "Matilde", protagonizado por su madre, Guadalupe Gómez.

Ella, de hecho, fue también la actriz principal de otra cinta, "Doña Lupe", en la que interpretó a una mujer que rentaba una vieja casa a un par de hombres aparentemente delincuentes.

Los padres del cineasta son fundamentales en su carrera, explica Varela Acosta.

"Tuvo una respuesta muy positiva de sus papás. Siempre lo dejaron hacer lo que quisiera. Su mamá es una mujer muy creativa, de ahí le viene su lado artístico".

También influyó su pasión por los cómics, las películas de terror, las animaciones y los dibujos.

Además contribuyó su buen carácter y avidez por aprender "de todo lo que se le ponía enfrente", recuerda su maestro.

Sus excompañeros del colegio lo recuerdan como un chico divertido y travieso. "De todo hacía broma y nos echaba carrilla (bromas pesadas) con apodos. Nadie se libraba", le contó un compañero al diario Reforma.

En el anuario de la generación donde Del Toro estudió el bachillerato aparece una breve semblanza del cineasta.

"Guillermo del Toro Gómez. 'Toro', 'Torito' o simplemente 'Memo'. Actor innato, cómico natural: el mejor carrillero del IdeC. Cinéfilo de corazón. Impulsó el cine entre los compañeros", reza.

"Hizo admirablemente sus pininos de maestro en secundaria. Amigo de los maestros, en particular de Daniel Varela. Será un excelente comunicador porque tiene muchas cualidades. Dicen que el primer cuento que oyó en su vida fue el de Drácula".

Algo poco conocido del director mexicano es que su vida en la escuela dejó una huella notable en sus películas: el humor negro que caracteriza a sus personajes.

En la secundaria y el bachillerato lo practicó con frecuencia con uno de sus mejores amigos, Rigoberto Mora, quien fue su socio en la primera empresa que fundó, Necropsia, especializada en efectos especiales.

Pie de foto,
Rigoberto Mora (izquierda), uno de sus mejores amigos, fue el socio de la empresa de efectos especiales que fundó Guillermo del Toro (derecha), Necropsia. (Foto: Rigoberto Mora)

"Compartían el humor negro, oscuro, retorcido. Era muy pesadito", le cuenta a BBC Mundo Rodolfo Guzmán, amigo y colaborador del cineasta.

"Ese humor negro lo ves en sus películas. Cuando trabajábamos juntos a veces teníamos que parar por un comentario suyo. N os mataba de risa".

Lo mismo ocurría cuando trabajaban en Necropsia, a finales de los años 80.

En la compañía de Del Toro y Mora realizaban efectos especiales para películas y programas de televisión. Algunos de ellos eran máscaras elaboradas con látex y otros materiales, una tarea monótona.

Para no aburrirse contaban albures o cantaban viejas canciones, a las que modificaban la letra para añadirles un toque picaresco.

Del Toro "es muy malhablado. Existe el arte del buen decir y el mal decir, son pocas las personas malhabladas que les va muy bien".

Así, por ejemplo, cuando les explica a sus amigos qué es el cine, lo describe como un sándwich de excremento.

A veces hay más o menos pan al morderlo, "pero siempre te toca el excremento", recuerda Guzmán que dice.

Eso, además, es una forma gráfica de explicar la perseverancia que se necesita para sobrevivir en el mundo del cine. Y al director mexicano le ha tocado echar mano de ella.

"Memo (como le dicen sus amigos) dice que a veces las filmaciones son muy tortuosas. Ocurrió con "La forma del agua", porque el presupuesto era poco y había que hacer mucho esfuerzo".

Los monstruos verdaderos

Pero ¿de dónde viene la pasión del cineasta por los monstruos y las historias fantásticas?

Hay varias hipótesis. Según Daniel Varela, proviene de la influencia del cine mexicano de los años 60, cuando abundaron las películas de atletas de lucha libre que se enfrentaban a invasores del espacio, vampiros o al hombre lobo.

Uno de los actores centrales de estas películas era El Santo, el luchador más popular de México, y además de derrotar a los monstruos en ellas solía rescatar a bellas actrices que lucían vestidos cortos, bikini o minifalda.

Pero en la pasión de Del Toro por los monstruos influyó también su afición por los cómics, los libros de Stephen King o las series japonesas de televisión, cuyos protagonistas eran enormes dinosaurios que destruían ciudades y a los que combatían humanoides que se transformaban en cohetes y vivían dentro de un volcán.

Uno de los programas más populares de los años 70 y 80 entre los adolescentes de Guadalajara era"Monstruos del espacio". Así se llamaba la serie en México, mientras en Estados Unidos se tituló"Gigantes del espacio".

Pero la verdadera respuesta a la pregunta es un viejo pacto infantil. En la entrevista con la BBC, Guillermo del Toro cuenta que, "a muy temprana edad", soñaba que estaba despierto.

Y en esos momentos siempre veía monstruos. Entonces, en uno de esos sueños, acordó que escribiría siempre sobre ellos.

Pero con una condición: "Les pedí permiso de ir al baño porque estaba muy asustado y no quería orinarme" en la cama.

Funcionó. Los monstruos dejaron de asustarlo y se convirtieron en aliados, como el vampiro de su ópera prima "Cronos", el hijo del diablo que salva al mundo en Hellboy o el semidiós anfibio, aterrorizado por el trato cruel de su carcelario en "La forma del agua".

Fuente de la imagen, AFP

Algunos, como Daniel Varela, creen que esta película es el resumen de la vida cinéfila de su alumno.

Pero tal vez es la evidencia más clara del verdadero concepto del horror que tiene 'Memo' o 'Torito': en sus filmes los monstruos son personajes extraños, feos, bizarros y casi siempre inofensivos, que viven en y defienden su mundo.

Pero los hombres y mujeres que les acompañan cometen arbitrariedades, injusticias, torturas, humillaciones.

Es la clave. Para Guillermo del Toro, el cineasta de la vida fantástica y horripilante, los verdaderos monstruos son los seres humanos.

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creacion de su propio monstruo con descripcion de su aparencia y de su historia

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creacion de su propio monstruo con descripcion de su aparencia y de su historia

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Aspecto aterrador y sobrenatural

Formas variadas, desde seres con aspecto humano hasta criaturas deformes

Pueden ser producto de la imaginación humana o de la ciencia ficción y fantasía

Representan nuestros miedos más profundos y oscuros

Despiertan un sentimiento de temor y fascinación

Son personajes recurrentes en la cultura popular

Pueden ser metáforas para explorar temas profundos de la humanidad

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Ha llegado esa época del año en donde se conectan dos tradiciones ancestrales que hacen alusión a la vida más allá de la muerte, y a las criaturas monstruosas ligadas a ellas. Mientras dentro de nuestras fronteras conmemoramos el Día de Muertos, en los Estados Unidos se festeja Halloween, una celebración que ha evolucionado del All Hallows' Eve, la tradición pagana y celta que retoma distintos elementos ceremoniales en relación a la tradición de Todos Santos.

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All Hallows' Eve se consideraba como el inicio del período invernal. Durante el festival de Samhain celta, se creía que las almas de los que habían muerto volvían a visitar sus hogares. Era tradicional encender hogueras en las cimas de las colinas para así encender el fuego de los hogares durante el invierno y también para ahuyentar a los espíritus malignos, para lo que se llegaban a usar máscaras y otros disfraces.

Así como las festividades prehispánicas en el continente americano fueron suplantadas con las celebraciones cristianas, en el siglo VII EC el Papa Bonifacio IV estableció el Día de Todos los Santos en el 1 de noviembre con el fin de disuadir la fiesta pagana. Pese a esto la celebración logró persistir en el tiempo, y pronto ambas tradiciones se interconectaron. Pero fue hasta la llamada Gran Hambruna Irlandesa durante la era victoriana que los inmigrantes irlandeses llevaron a Nueva Inglaterra una versión del Halloween muy parecida a la que conocemos.

La costumbre de disfrazarse de algún ser sobrenatural pasó a ser el elemento central de la fiesta y en consecuencia los monstruos y las brujas comenzaron a asociarse directamente con el imaginario de Halloween. Para muchos de los aficionados a estos seres de horror significan una aproximación a los rincones más ominosos de su psique, por lo que la fascinación por ellos podría referir a un impulso freudiano del inconsciente. Este sentimiento puede ser entendido por el concepto de Pulsión de Muerte, donde los deseos y recuerdos reprimidos provocan una precipitación hacia un escenario de peligro o temor -real o simulado. También podemos entenderla como único camino hacia la supervivencia.

Sin importar lo que la terminología implique para los fans de estos monstruos, su papel a lo largo de la historia ha estado ligado a diversos conceptos de alienación y marginalidad. Cada cultura posee una figura propia que representa a esta manifestaciones de miedos y ansiedades. La corporalidad es la característica más importante de un monstruo, pues en ella reside su capacidad de horrorizar. Desde su temprana existencia dentro de la historia de la humanidad, el monstruo ha sido concebido en el rol de invasor, como agente disruptivo que desestabiliza el ambiente en el que se encuentra -social, cultural y político.

En primera instancia, la cultura griega catalogó al monstruo y todo lo relativo a él como aquello que salía de las reglas de la naturaleza. En esta era el paradigma del cuerpo humano residía totalmente en el cuerpo masculino, por lo que las mujeres también eran consideradas con cierto grado de monstruosidad. El exceso y el desplazamiento corporal eran un signo de desviación de la naturaleza. Habría que recordar al personaje de Efialtes en 300 - 60%, en quien se representó la traición como más alto pecado en la ideología espartana y quien, por ley no debía pertenecer a las filas de sus guerreros.

Las concepciones de Homero, Heródoto y Ctesias sobre las criaturas monstruosas habitaban en África e India, se ceñían a las nociones xenofóbicas y racistas de la época, y principalmente al hecho de no aceptar el verse reflejado en un otro tan diferente al yo. En términos etimológicos, la definición de monstruo proviene del latín monstrare que significa indicar, señalar -mostrar-, y monere que significa avisar. Para el 44 a.C. Cicerón asociaría al monstruo con el castigo divino y con la que muchas de las historias de antagonistas mitológicos se encuentran estrechamente vinculados.

Para la edad media los monstruos eran vistos como maravillas y elementos estéticos dignos de plasmar en las páginas de manuscritos. Los bestiarios comenzaron así a describir a los monstruos que se expanden por todo el mundo conocido. Aquí los monstruos simbolizaban a muchas de las culturas conocidas a través de las tierras lejanas al eurocentrismo.

Bestiarios y libros de maravillas realizan un uso explícito de la alteridad para extraer lecciones morales, y normativizar su negatividad. San Agustín llegó a afirmar que estas criaturas debían ser obra de Dios, y por lo tanto se le debería respetar como creación divina. Pero incluso con sus intentos por integrar al monstruo bajo el manto de la cristinandad, este seguía siendo segregado por su horripilante corporalidad.

Con la modernidad, los monstruos serían objeto de estudio y pronto se le buscaría dar una explicación a su diferencia tanto corporal como filosófica. Se crearon las primeras exhibiciones y ferias de lo monstruoso -muchas de ellas persisten hasta nuestros días-, en donde el diferente, deforme o incompleto es presentado como maravilla y curiosidad digna de observarse tras un cristal o barrotes. Pero esta curiosidad no paró ahí pues también se le buscó igual, es decir, crear monstruos propios que pudieran ser controlados por su creador. El lado más oscuro de la pseudociencia experimentó en los cuerpos de los marginales con el pretexto del mero conocimiento.

Apenas en el siglo pasado pudimos atestiguar el resultado del ver al otro como ser monstruoso, pues los exterminios de los régimen fascistas basaron su ideología en esta concepción de la alteridad. El distinto físicamente, el profesaban otra religión y quien amaba de distinta manera fue exterminado, y es pertinente señalar que esta visión supremacista está lejos de desaparecer en nuestros días.

En muchos de estos monstruos encontramos características de lo disidente, de lo sexualmente ambiguo y de lo que disfruta de su corporalidad marginal. Estas ideas son centrales para todo aquello que representa el monstruo como catalizador de la sociedad. El mismo Guillermo del Toro ha mencionado sobre su obra y filosofía personal, que el odio y miedo son espejos, mientras el amor es una ventana. Y el monstruo opera justamente en esos sentimientos ocultos y las ansiedades causadas por los mismos.

Los aparecidos

Los vampiros son también conocidos como los no vivos o los chupasangre, en su faceta clásica suelen ser representados como aristocráticos, nobles y con frecuencia poseedores de un encanto irresistible, mientras las vampiresas se definían por su apariencia y sexualidad.

Aunque la figura de los vampiros ha sido actualizada durante el transcurso del último siglo, lo cierto es que la representación más emblemática continúa siendo la impuesta por el Drácula - 91% de Bela Lugosi en 1931, sin olvidar a otra de las grandes imágenes que el cine de vampiros regaló a la historia cinematográfica con Nosferatu - 97% en 1922.

Aunque esta efigie del vampiro pertenece principalmente al este de Europa, lo cierto es que el folklore y mitología de estas criaturas se extiende por todo el mundo. Sería en el siglo XIX, con la llegada del poema La novia de corinto de Wolfgang Goethe en 1797 y la novela El vampiro de John William Polidori en 1819 que la figura literaria se afianzaría. Pronto llegarían Christabel de Samuel Taylor Coleridge, Carmilla de Joseph Sheridan Le Fanu y finalmente, la obra cumbre del género, Drácula de Bram Stoker.

Los vampiros en estas obras poseen cierto grado de ambivalencia, pues por una parte conforman la alegoría del colonialismo feudal inglés que succiona la vida del pueblo y que por tanto desencadena la decadencia de las culturas colonizadas. Pero nuevamente estos monstruos constituían una representación del otro, de la xenofobia y el racismo hacia una Europa distinta en el caso de la cultura romaní. Paralelamente, en el caso de las mujeres vampiros, su imagen era hipersexualizada, colocando su maldad en la capacidad de poseer control -por muy artificial que fuera- sobre su propio cuerpo.

De esta manera el vampiro también termina ligándose al romance y a los placeres prohibidos. Estas criaturas seductoras y hermosas, reflejaban la ansiedad social que mantenía a sus emociones y deseos reprimidas, siendo su corporalidad pálida y necesitada de sangre el receptáculo simbólico de la enfermedad y el sufrimiento.

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Otra de las derivaciones es esta represión emocional y ansiedad social, es la faceta del subtexto homosexual que muchas veces se le brinda al personaje. Infortunadamente, el lugar común narrativo ha sobrevivido hasta nuestro tiempos, en la forma de queerbating en el género vampírico. Sin embargo, muchas adaptaciones han comenzado a dar un paso al frente en este ámbito, teniendo como resultado la nueva adaptación de las novelas de Anne Rice en AMC, Interview with the Vampire - 90%, así como proyectos menos notorios con las audiencias como La primera muerte - 60% en Netflix.

Licantropos

Como bien los explicó Hermione Granger, los hombres lobo son humanos que se convierten en lobos, generalmente durante las noches de luna llena.

El folklore ligado a los hombres lobo conforma el núcleo de la fantasía teriomórfica, es decir, de todo aquel mito donde un ser humano es capaz de transformarse en otro animal, ya sea de manera completa o parcial. En nuestra cultura tenemos las leyendas de los nahuales, donde es predominante su representación femenina. La antigua cultura egipcia representa en sus dioses a seres con distintos elementos animales en su cuerpo, mientras que lo mismo sucede en Asia y Oceanía con los hombre tiburón.

El motivo narrativo del hombre lobo se encuentra situado en la explotación emocional y psicológica de los inocentes. Este elemento de ficción existió en la tradición oral del folklore irlandés e inglés así como en la mitología nórdica. Asimismo en la tradición romana cuenta con el relato de la versipellis (cambio de piel), un teriomórfico de humano a un monstruo feroz.

Aunque estos monstruos pueden situarse dentro de las historias de terror como villanos, también son empleados como símbolos de la decadencia humana y la caída hacia sus versiones más oscuras, siendo así no más que las víctimas del mismo depredador que llevan dentro.

Su primera aparición literaria se remonta al Satiricón de Gaius Petronius en la parte tardía del siglo l, pero la figura fue repopularizados en la cultura popular con El libro de los hombres lobo de Sabine Baring-Gould en 1865.bLa tradición medieval presentaba al hombre lobo la forma elegida de un hechicero disfrazado. A la par existía la figura del devorador de cadáveres denominado loup-garou y fuente del cuento infantil Caperucita Roja. La licantropía influyó también en la historia de La bella y la bestia, y su versión popular en los cuentos de hadas francesas.

Más tarde aparecerían las historias de hombres lobo que como hibridación de la fantasía y el horror, siendo la más sobresaliente la novela de Alexandre Dumas, Capitán de lobos de 1909. Ya en nuestra era las historias de escritoras de lo fantástico han hecho uso del licantropismo como metáfora de la sexualidad femenina, como en Sangre y chocolate de Annette Curtis Klaus en 1997.

La película El Hombre Lobo - 94% de 1941 creó a la figura que hoy conocemos como tal. Más tarde con Un Hombre Lobo Americano en Londres - 89% de 1981 se le dotaría a la criatura con la característica de la inmadurez física y emocional, con la que más adelante llegaría el legado de Travesuras de un lobo adolescente para la pantalla grande y la próximo revival de la exitosa serie Teen Wolf.

El creador maldito

Este monstruo posee la característica de proceder de una sola obra de ficción, el Frankenstein o Moderno Prometeo de Mary Wollstonecraft Shelley, publicado originalmente en 1818, aunque su versión definitiva sería la de 1831.

Tal como lo mencionado anteriormente los nuevos hallazgos en la ciencia propiciaron una visión morbosa sobre el monstruo, con el deseo de modificarlo y controlarlo. Estas emociones se centran en la figura del creador del monstruo, Victor Frankenstein quien con sus actos logra poner en duda muchas de las nociones de humanidad configuradas en el contexto sociocultural de la obra.

La considerada como obra cumbre de la literatura gótica, tiene origen en una pesadilla de la autora. Durante sus vacaciones de verano en la mansión suiza de Lord Byron, el también autor propuso a sus invitados crear cuentos de terror. Durante ese año, la atmósfera terrestre se encontraba seriamente afectada por la erupción del volcán Tambora, la cual había provocado descensos en la temperatura y tormentas atípicas para la estación.

Así nació Frankenstein, contado desde la narrativa epistolar Wollstonecraft Shelley lo que dotó a la narración de un punto de partida realista, y con lo que Victor Frankenstein y su creación llegaron a ser verosímiles para los lectores en ese contexto de aceleración científica y fascinación por los cuerpos monstruosos. Este hecho causaría un gran impacto en el público, lo que volvería al monstruo de Frankenstein en una criatura particularmente escalofriante para la sociedad que lo vio nacer.Así, lo antinatura en esta historia reside en la necesidad de poder instalada en la ciencia y la hybris al intentar vencer a la naturaleza.

El ambiente de incertidumbre e irresolución, en torno al concepto del principio de vida -divina o artificial-, cuestionó al creador del monstruo y lo situó como el verdadero villano de la historia. Aunque quizá de una manera subtextual y frecuentemente pasada por alto en el análisis de la obra, Wollstonecraft Shelley también hizo eco de la obra de su madre -la precursora del feminismo moderno y autora reconocida con obras como Vindicación de los derechos de la mujer. La metáfora de un padre que no sabe qué hacer con su creación se encuentra profundamente arraigada en la figura del padre ausente que carece de un sentido mínimo de la responsabilidad afectiva.

El Frankenstein de Boris Karloff en 1931 marcaría la figura del monstruo tal cual la conocemos.

Los Caminantes

Sin duda el monstruo más moderno de su tipo, el zombie cuenta con características peculiares que lo hace pertenecer ya al panteón de los monstruos clásicos en la ficción, pese a su relativo corto tiempo de existencia. La conformidad es el elemento fundamental que contiene el cuerpo de este monstruo. Las raíces de este nueva versión del muerto viviente se encuentran asociadas con la religión vudú de Haití, lo que coloca al zombie como una criatura plenamente identificada con la esclavitud y lo posiciona como una crítica del colonialismo.

La primera aparición de este monstruo data 1932 con la película White Zombie - 89% de Victor Halperin, donde Bela Lugosi personifica a un hechicero haitiano que usa zombis para trabajar en sus campos de azúcar. La zombi blanca del título es la joven Madeline, en quien la cinta centra la zombificación, es en ella donde son sugeridas las ansiedades sobre la desindividuación.

Es justo señalar que las obras cumbres del género no son otras que los clásicos de culto de George A. Romero, La Noche de los Muertos Vivientes - 96% de 1968 y así como El Amanecer de los Muertos Vivientes - 92% de 1979. Estas historias reflejan las ansiedades relacionadas con una cultura definida por el consumo. El hecho de que este monstruo naciera de la pantalla grande lo impregna de una metaficción sin precedentes en el mundo del horror, pues la industria del entretenimiento siempre ha sido considerada como el consumo en su máxima expresión. Aunado a este hecho, el film representa velada a las tensiones raciales propias de su época de su era.

El género experimentó un nuevo giro con el estreno de la novela gráfica de Robert Kirkman y dibujada por Tony Moore en 2003 que redefiniría al zombie, misma que se conformaría definitivamente en la cultura tras el estreno de su adaptación televisiva The Walking Dead - % en 2010. Aquí las historias ya no se limitaba a las consecuencias del consumismo y la desindividualización sino que abordaba a la misma sociedad criticando su forma de interrelacionarse y su accionar regido por el beneficio propio.

En años más recientes, las ficciones coreanas como Estación Zombie: Tren a Busan - 95% del 2016 y Estamos muertos - 90% de este mismo año comprendieron relatos igualmente crudos que reflejan el mundo de hoy dentro de contextos sociales donde el consumismo y las prisiones sociales han alcanzado realidades de tintes distópicos.

El cuerpo que se descompone mientras se pierde la voluntad propia también se convierte en un espejo de aquello a lo que le tememos y lo que estamos dispuestos a sacrificar para evitarlo a toda costa. De esta manera los monstruos continúan evolucionando y cumpliendo con su tarea de mostrar lo oculto para así desestabilizar realidades sociales a menudo incómodas. Así, el rol político y cultural del monstruo continuará acompañando a la humanidad por toda su historia.

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El origen de los monstruos: Una mirada a su historia y su paso por el cine | Tomatazos

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El monstruo siempre ha jugado un papel crucial en el desarrollo de las sociedades, llegando a ser una testimonio historio de sus miedos y ansiedades ocultas.

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Estos son los monstruos que habitan la casa de Guillermo del Toro

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Mise en ligne le 20 janvier 2018

Niveau: 2nde

Disciplines: espagnol - histoire - mathématiques

Cet escape game a été conçu pour que les élèves qui étudient l'espagnol puissent découvrir seuls l'histoire de la présence arabe en Espagne. Ils le réaliseront avec une tablette, un dossier et leur téléphone portable.

Leur professeur leur remettra trois pillules (en réalité des tic tac !) qu'ils devront avaler pour que l'enseignant(e) les aide.

Ils suivront ainsi la piste d'un fabuleux trésor qu'un maure poursuivi par l'inquisition espagnole a caché dans l'Alhambra de Grenade.

Par groupe de quatre, en mutualisant leur force et leur savoir, ils devront se soumettre à toutes sortes d'épreuves comme résoudre des énigmes datant du 14ème siècle, recréer une frise chronologique et décoder un tableau.

Rien ne leur sera épargné et il leur faudra faire preuve de patience et de concentration mais ils trouveront un bien des plus précieux. Celui-ci leur sera révélé lors de la dernière énigme.

Très récemment, Christine nous a fait parvenir une version courte de son tout premier jeu d'évasion qui avait été publié le 20 janvier 2018. La voici ci-dessous. Nous la remercions encore pour ce partage.

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Mise en ligne le 20 janvier 2018 Niveau: 2nde Disciplines: espagnol - histoire - mathématiques Cet escape game a été conçu pour que les élèves qui étudient l'espagnol puissent découvrir seuls l'histoire de la présence arabe en Espagne. Ils le réaliseront avec une tablette, un dossier et leur téléphone portable.

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Classe numérique : expo sur les monuments

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Classe numérique : expo sur les monuments

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Apprendre l'espagnol > Cours & exercices d'espagnol > test d'espagnol n°12663 : Conditionnel - SI + concordance des temps - cours

CONCORDANCIA DE LOS TIEMPOS

SI + PRESENTE DE INDICATIVO < =========> + FUTURO

SI + IMPERFECTO DE SUBJUNTIVO <========= > + CONDICIONAL SIMPLE

SI + PLUSCUAMPERFECTO DE SUBJ. < =========> + CONDICIONAL COMPUESTO
POR EJEMPLO: - si tengo dinero, haré un viaje - si tuviera dinero, haría un viaje - si hubiera tenido dinero, habría hecho un viaje i ¡SUERTE!

Fin de l'exercice d'espagnol "Conditionnel - SI + concordance des temps - cours"
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Conditionnel - SI + concordance des temps-espagnol

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CONCORDANCIA DE LOS TIEMPOS SI + PRESENTE DE INDICATIVO + FUTUROSI + IMPERFECTO DE SUBJUNTIVO + CONDICIONAL SIMPLESI + PLUSCUAMPERFECTO DE SUBJ. + CONDICIONAL COMPUESTO POR EJEMPLO: - si tengo dinero, haré un viaje - si tuvie...

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