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El documental acerca de la vida Gaugin nos presenta a una persona en su constante lucha por alcanzar sus anhelos personales pero a la vez en un conflicto interno por los desafios que esa lucha exige.
Gaugin se desplazo a diferentes lugares remotos a lo largo de su vida buscando espacios de paz y creación. De cada uno de ellos regreso animado y con grandes avances para el movimiento artistico, sin embargo se desilusionaba al no encontrar respuesta  a sus propuestas y volvia a retraerse. Al igual que muchos artistas su vida fue una constante lucha existencial que se ve plasmada en su obra.
De ella me llama la atencion la Obra mostrada aca, donde parece representar una situación cotidiana en un espacio campestre y se destaca el papel protagonico que da al perro en el cuadro. un perro que sale de la expectativa con el color y posicion. Un artista que rompia esquemas y buscaba innovar no solo en el uso del color sino tambien en la manera como presentaba a los personajes en las obras.

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Titulo:  Autorretrato. Autor: Mary Cassatt. Año: 1880

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La obra de Mary Cassatt fue importante a pesar del camino difícil que tuvo que recorrer para mostrar su obra en igualdad de condiciones a la de los hombres de la época.  En ella se destaca un tratamiento especial al rol de la mujer y la maternidad, pintando mujeres tal y como son en su vida cotidiana, alejandose de la versión idealizada que mantenían los hombres.
Mary quiso encontrar su propia identidad y hacer su propio camino buscando un estilo que le permitiera presentar su obra como ella deseaba.
Su obra se destaca por el uso de la luz para dar belleza y realce a la pintura. Se ve el uso de la pincelada fragmentada y de los colores complementarios. Rompe con los contornos para crear la muestra optica de colores en la retina.

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¿De donde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos? . Autor: Paul Gauguin. Año: 1897

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En Tahití así como en muchos otros lugares cuando llega un visitante extranjero, llevados por la curiosidad y hospitalidad, siempre se le hace al desconocido las siguientes preguntas:

quién eres? de dónde vienes? adónde vas?

Ya podemos imaginarnos la infinidad de veces que a Gauguin se le fueron formuladas estas preguntas. A las que responde en un momento crítico en su vida y mientras se enfrentaba al deseo de terminar con su vida… Pareciera que con la idea de muerte siempre llega la de vida. Antes de entregarse al infinito busca pluralizarse, preguntarse y responder esas cuestiones que de no tenerse claras, nos afligen.

Gauguin se embarca hacia Tahití ya que necesitaba dejar a esa civilización europea que estaba gobernada por todo lo que era artificial y convencional. Los cansados europeos como Gauguin ( al menos esa era su visión ) pensaron que quizá allí encontrarían la belleza natural, sin estropear, del jardín del Edén y un pueblo que vivía en serena armonía en aquel paraíso terrenal. Así como expresa:

Los tahitianos han inventado la palabra "No artu", que significa "¡Me trae sin cuidado!". Aquí equivale prácticamente a una serenidad y naturalidad completas. No tienes idea de cómo me he acostumbrado a esa palabra. Con frecuencia la digo... y la comprendo. Paul Gauguin, carta a Georges Daniel de Monfreid, 7 de Noviembre de 1891

Cuando entramos en la obra podemos observar que es una lectura invertida, iniciando con el personaje de más edad, tapándose los oídos como quien no quiere aceptar su fin. En el otro extremo el bebe, cuidado por 3 mujeres tahitianas. En el medio el hombre que baja la fruta, la niña, los animales, las personas que hablan al fondo y el que las observa. Con esto nos responde, derecha a izquierda las 3 preguntas, las 3 etapas que nos resumen, las 3 cuestiones que al formularnos y decidir nos hace humanos

de donde venimos?, ¿quiénes somos? y a donde vamos?

Se observa una pieza que destaca por su horizontalidad, lo que enfatiza en su lectura más que en su observación aleatoria. Utilizando tonalidades que armonizan y reflejan aquella naturaleza que nos contiene y que contenemos. Dos composiciones triangulares y entre ellas el hombre central desplazado a la derecha. Cada una de ellas permite interpretar y enriquecer esa narrativa visual, que al igual que la historia cada página solo cobra sentido cuando se pone dentro de su libro.

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La escritora pintora Remedios Varo .española no muy conocida en su tierra natal como si lo fue en México pintaba simbolismo y fantasia fuera del surrealismo llegando hacer una gran artista con muy poco tiempo por su inesperada muerte.
Fue muy emocional y fantasiosa de lo desconocido . Pensaría que tiene algo de cubismo sus pinturas personajes alargados esotéricos. El color preferido era el rojo púrpura o naranja hacían de sus pinturas coloridas y agradables por su imaginación incomparable

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Titulo: Impresión, sol naciente (Impression, soleil levant) . Autor: Claude Monet. Año: 1872

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A primera vista y desconociendo cualquier información sobre la obra, la confundiría con un paisaje cualquiera que respira aires de nostalgia. Si bien es innegable su estética en el equilibrio, la abstracción de los elementos dificulta la inmersión en ella. Sin embargo, cuando esta se pone en su lugar histórico y se comprende el cambio de paradigma se nos quita  la venda y deja ver por qué esta pintura es una obra de arte.

Destacar el equilibrio oscuro y brillante que nos hace oscilar entre: el sol y su proyección, para seguido volver al sol y continuar en dirección de aquel navegante que refleja, junto con el agua, el movimiento de la escena.

Manteniendo un equilibrio perfecto entre luces y sombras utilizadas para destacar los protagonistas de la imagen del fondo, previendo el uso de tonos azules verdaceos en compañía de sus complementarios rojizos, dando preferencia a un contraste que destaca al personaje principal de esta obra maestra: EL PUNTO ROJO, EL SOL NACIENTE

Cabe pensar que estas decisiones podrían ser alcanzadas por un artista con conocimientos básicos sobre el comportamiento del color. Que no son la gran cosa, sin embargo, esto solo evidencia las capacidades técnicas del autor, pues sus elecciones, tomadas a la perfección, acompañaron a una composición gestionada por un ojo entrenado por la experiencia que puede representar lo hermoso de lo efímero

Todo lo que concierne a la obra es parte de ella, el titulo nos contextualiza y ubica en la calidez y fugacidad de un amanecer.

En mi opinión, el contexto, eso es lo que separa e inmortaliza para la historia del arte a esta obra. Lo revolucionario, el subconsciente colectivo madura y se permite fallar, apreciar lo hermoso del proceso, dejar de un lado el perfeccionismo, una pequeña trascendencia o ampliación de lo bello, se dejan a un lado los detalles innecesarios que el tiempo apremia dejar a un lado, debido a la fugacidad de los instantes referentes. En cierto aspecto, humanizamos el arte.

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Titulo: La libertad guiando al pueblo (La Liberté guidant le peuple). Autor: Eugène Delacroix. Año: 1830

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Tenemos enfrente una pieza romántica que en una composición triangular organiza y balancea cuidadosamente los elementos para hacer énfasis en el mensaje que se busca transmitir: El ideal de la libertad y la lucha que su búsqueda desemboca. La libertad como guía del pueblo.
A través de los personajes nos indica que esa lucha era multiforme, es decir, con miembros de las clases sociales media y baja. Así tambien, la Libertad es alegorizada como una mujer de suma belleza.

El espectador sólo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella. El pueblo es la unión de clases: se representa al burgués con un autorretrato de  Delacroix con su sombrero de copa y empuñando el fusil, al lado un andrajoso y un herido que pide clemencia. Al fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijo indicándonos que ha valido la pena morir por ella.

En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribió a su hermano: "He comenzado un cuadro de tema moderno, una barricada... y, si no he luchado por la patria, por lo menos pintaré para ella".
Siendo clara la posición del artista. Llama la atención como el autor se pone a sí mismo dentro de la obra, se hace partícipe de la escena, nos refleja ese deseo idílico de lucha por sus creencias. Además, mostrar su participación individual dentro del suceso colectivo de manera más alegórica que presencial. Dejándonos a nuestra disposición una obra con una técnica excelente que en su simbología vislumbra las características principales del movimiento al que pertenece.

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Georges Braque                                                       HOUSES AT L'ESTAQUE  1908                                                                  

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COMENTARIO SEMANA 7 CUBISMO Y FAUVISMO             ZULAY COGOLLO 

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COMENTARIO SEMANA 7 CUBISMO Y FAUVISMO             ZULAY COGOLLO 

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Considerado como uno de los padres del cubismo  Inspirándose en el ejemplo de Cezanne, Braque ha reducido la variedad de colores de la naturaleza a sus esenciales y simples marrones y verdes, Este cuadro es uno de los paisajes más importantes del cubismo temprano. El artista combinó "arquitectura y naturaleza" en extrema reducción y abstracción. Todos los elementos de esta obra se ha geometrizado  la perspectiva central es clásica y deje fuera una serie de detalles. La estructura se simplifica radicalmente; las casas de bloques de construcción se elevan en una colina lejos de un árbol bastante tubular. La imagen muestra un grupo de casas con varios árboles y ladera. Las formas representacionales son secundarias al ritmo de una  composición  caótica y desordenada  La vaga ilusión de profundidad es conseguida a razón de repetir los mismos esquemas a escala más reducida.

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¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? (1891)

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Comentario sobre documental de Paul Gauguin

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Comentario sobre documental de Paul Gauguin

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Paul Gauguin, al igual que Van Gogh, dejó un legado para la historia del arte con su trabajo pictórico. Su obra llena de vida y color, muestra ese mundo ideal al que el pintor aspiró llegar, para huir de la sociedad de su tiempo y del arte occidental al que consideraba aburrido y rutinario.
Las escenas representadas en los cuadros pintados durante su vida en Tahití muestran lo exótico de la vida cotidiana de la población que allí habitaba, de las cuales mostraba  esa autenticidad y espontaneidad perdidas en la sociedad occidental y moderna.
En la mayoría de sus cuadros se pueden apreciar claramente los contornos de cada figura, por lo cual hay un simplificación del volumen, y a mi parecer, varias obras se ven planas, sin profundidad en los planos que las componen. Los colores fuertes le imprimen a los cuadros un atractivo fuerte, lo cual hace que sea imposible no observarlos y admirarlos.
De las obras presentadas en el documental, me llamaron la atención especialmente dos: El Cristo Amarillo y la ultima obra presentada,  ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? (1891), pero sobre todo esta última,    por el contraste de colores complementarios y por las etapas de la vida que representa, y su lectura, en sentido contrario a la mayoría de cuadros y obras de este artista. Podría decirse que con esta obra estaba anunciando el final de su existencia, y planteó en ella el recorrido o recuerdos a los que llegamos cuando estamos cerca a esa etapa de la vida. Al igual que su amigo Van Gogh, fue un artista incomprendido, a quien el reconocimiento le llego de modo póstumo.

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Retrato de Père Tanguy. Año: 1887. Autor: Vincent Van Gogh. Técnica: Óleo sobre tela. Tamaño: 75 cm × 92 cm

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En esta época se empieza a realizar una vinculación entre el arte occidental y oriental, que tradicionalmente había estado muy aislado de Europa, pero la colonización y el intercambio cultural empiezan a hacer parte de las obras de diferentes artistas. La pintura presenta colores brillantes y pinceladas marcadas, me gusta porque se resalta el individuo y se muestra implícito un poco de la cultura oriental, ya que se observan elementos como el monte Fuji, flores de cerezo, entre otros.

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Título: La estación de Saint-Lazare. Año: 1877 Autor: Claude Monet. Técnica: Óleo sobre lienzo. Estilo: Impresionismo. Tamaño:	75 cm × 104 cm

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En esta obra Monet acababa de instalarse en París luego de que pasó varios años pintando en el campo y se interesa en los paisajes urbanos. En 1877 empieza a trabajar en la estación Saint-Lazare y de ahí proviene esta obra. En términos generales el impresionismo francés se preocupó por la representación precisa de la luz del sol y su efecto en el color de su entorno. Sin embargo Monet empezó a realizar trabajos diversos en donde se van fundiendo los colores y dejando un sentimiento a mi parecer de desconcierto.

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La obra de Paul Gauguin me pareció muy atractiva, sobre todo desde su estancia en Tahití. Me gustó mucho ver como se crean relaciones directas entre el lugar donde el artista habita y su obra. Particularmente me atrae mucho el uso del color de esa forma tan intuitiva; siento que, aunque la pintura es figurativa, hay un mensaje más fuerte alrededor de la forma y el color.  De igual manera, si tengo que hablar de los personajes en sus obras, me atrae mucho el volumen y el hecho de tener una representación diferente a la europea.

Me queda incierta la idea de Gauguin como la persona, comprendo sus continuos viajes de exploración, pero también soy consciente de que hace parte del colonialismo; además, como muchos de los artistas hombres en la historia, no puedo ignorar la fuerte relación de poder con sus parejas desde la edad.

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Mayerli Ortiz Suescun

NOA NOA que traduce fragancia, me gusta esta obra literaria porque
Es su diario donde hace acuarelas, grabados y poemas del paraíso en el que vivía.
Cuando, a su regreso de Tahití, Gauguin intenta publicar "Noa-Noa", no logra encontrar editor porque es considerado un libro escandaloso, en el que cuenta su relación, a los 43 años, con una niña de 13.
No obstante, el diario resulta una lectura apasionante en la que se alternan abundantes y curiosas anécdotas, perspicacia y pictóricas descripciones del paisaje, una admiración de la observación del alma de aquel pueblo y una síntesis de la sugestiva mitología maorí; gracias a su búsqueda Paul Gauguin con sus pinturas da inicio al impresionismo.

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La Visión tras el sermón, 1888. Paul Gauguin

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Paul Gauguin, creó un nuevo lenguaje en el arte. Para la época, rompe con sus antecesores y contemporáneos y presenta una alternativa novedosa, llena de colorido para confrontar su realidad en procura nuevas expectativas por el cambio, por lo nuevo; en esta novedad, el gusto por lo sencillo, lo primitivo podría considerarse una protesta más por modificar lo que hasta ahora el arte había ofrecido.

Son varias las etapas de su vida. A través de sus múltiples viajes, de los altibajos que su temperamento sombrío ofrecía, anhelante de conocer nuevas culturas, de su afan por descubrirse, decide dejar a un lado su bienestar económico y por ende a su familia. Vuelve la  mirada a las formas rusticas y primitivas del dibujo y el color para expresar a través de ellos a la naturaleza, las emociones de su gente y el entorno a través de un lenguaje simbólico.
La visión tras el sermón, una de las obras donde el pintor, simboliza el sentimiento y el pensamiento de las mujeres que, influenciadas por el sermón dominical del sacerdote, evocan y representan la lucha de un personaje bíblico y un ser divino. Pareciera que el pintor procura contagiar al observador del gran misterio que envuelve a las mujeres, la interpretación y análisis de la obra se convierte en un asunto particular.

En esta obra las figuras planas, los colores puros y los contornos de sus figuras delimitados con una línea oscura, algunas veces gruesas y en otras imperceptible es definida como una influencia del arte japones.

Esta nueva forma de arte que Gauguin ofreció fue el camino hacia el arte abstracto y el surrealismo.

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Titulo original: Parau Api Fecha: 1892; French Polynesia Paul Gauguin

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COMENTARIO DOCUMENTAL PAUL GAUGUIN SANDRA MILENA CARREÑO DIAZ

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COMENTARIO DOCUMENTAL PAUL GAUGUIN SANDRA MILENA CARREÑO DIAZ

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Se entiende que Gauguin era un gran artista, quien defendía con gran celo su forma de pintar, pero tengo una pregunta critica: porque siempre pensaba en la muerte y donde iba a pasar sus últimos días? pensó tanto en eso, que intento suicidarse.
daba tanto y se esmeraba en cada pintura que hacia, algo que en verdad me llamo mucho la atención fue que siempre busco lugares tranquilos y a la vez salvajes para poder representarlos en sus obras, algo muy admirable.

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Titulo original: Parau Api Fecha: 1892; French Polynesia Paul Gauguin

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COMENTARIO DOCUMENTAL EN ESPAÑOL PAUL GAUGUIN ESNEYDER CARRILLO. 

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COMENTARIO DOCUMENTAL EN ESPAÑOL PAUL GAUGUIN ESNEYDER CARRILLO. 

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"Desde la ignorancia social, se ve que la metodología del pensamiento y la acción del mismo lleva a desiciones obvias y con mayor satisfacción del ser".

Guaguin gran pintor, solo queria que sus pinturas a pesar de ser solo un notable y plano color, fuera representativas en su habitual proceder, en lo que vivia y lo que pensaba para los demas, llevaba ese niver de aberración y culturas de donde estaba.

No temía de lo que fuese a pasar, pues este hombre y pintor, llenaba de regocijo el alma, que era lo único que pedia para su paz interior y corazón y asi mismo presentar ante los demas ese sentimiento de los apectos sobre dicho momento.

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Titulo original: Parau Api                                            Fecha: 1892; French Polynesia                     Paul Gauguin                            

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COMENTARIO DOCUMENTAL EN ESPAÑOL PAUL GAUGUIN  ZULAY COGOLLO

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COMENTARIO DOCUMENTAL EN ESPAÑOL PAUL GAUGUIN  ZULAY COGOLLO

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Gauguin pintor Posimpresionista emigran de Perú a Paris  pasa por Panamá a Martinica allí se siente el mismo  y finalmente encuentra las formas que el buscaba de allí pasa a   a Tahití donde duro dos años llego con ganas de morir y se fue renovado esa tierra lo enseño a vivir de nuevo se rejuveneció mas culto le agradece a Tahití por que le enseño a vivir se regresó a Francia donde pensó en reunirse con sus amigos pero Vangoc y su amigo habían muerto crea un taller con decoración tropical con paredes en amarillo intenso y verde y vive allí crea los jueves de Gauguin como eco a los martes de Mardarme, era un artista completo también era musico donde tocaba la guitarra hay una relación estrecha entre pintura y música lo que lo hace un artista muy completo, Gauguin  sufre depresión por la muerte de su hija preferida de veinte años escuchado este documental me gusta esta frase soy un artista, soy un gran artista y lo se y es por que lo soy que he soportado tanto sufrimiento se lo que hago y por que lo hago mi centro artístico está en mi celebro nunca me he dejado despistar por los demás tengo un objetivo voy tras el siempre, Gauguin muere en Polinesia el 8 de mayo de 1903 en una soledad inmensa pero enfrento a las autoridades locales por las comunidades indígenas La obra de Gauguin abre nuevos horizontes estéticos en las generaciones posteriores, ejerciendo una poderosa influencia en el movimiento expresionista y fauvista.

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Jarron con cartoce Girasoles  fecha 1889 Van Gogh 

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COMENTARIO SEMANA 5 La primera vanguardia: impresionismo, los y las artistas que revolucionaron la plástica 2 ZULAY COGOLLO 

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COMENTARIO SEMANA 5 La primera vanguardia: impresionismo, los y las artistas que revolucionaron la plástica 2 ZULAY COGOLLO 

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Los Girasoles tiene colores muy vibrantes y expresan emisiones con la vida de los girasoles los amarillos van desde los brillantes a los morenos áridos de mustio son una seriacion de cuadros de girasoles que aunque son similares no son idénticos y se diferencia en su numero y en tonalidades muestra en ellos todas las etapas de vida de las plantas desde girasoles en flor hasta marchitándose para este artista el color amarillo era felicidad van Gogh se mudó a parís se vio expuesto alas audaces paletas de los impresionistas como Renoir con su uso de colores brillantes y opuestos y no mezclados, como dato curioso este mes en el museo donde se encuentra la obra  le lanzaron una sopa de tomate unas activistas por fortuna no sufre ningún daño,  por ultimo par Van Gogh el amarillo tenia un simbolismo muy especial este color representaba su mundo interior era para el vida luz el calor y el color del sol como el mismo lo expreso en una de las cartas a su hermano Theo Van Gogh utiliza el color para expresar sus emisiones cuando pinto esta obra estaba muy emocionado por la llegada de su amigo paul Gauguin.

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El dormitorio en Arlés por Vicent Van Gogh

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El dormitorio en Arlés por Vicent Van Gogh

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Comentario por María Valentina Rincón Meneses.

Esta obra usa colores complementarios (anaranjado y azul) tiene un máximo uso de ocres, un punto sutil de rojo y en sus paredes podemos contemplar más cuadros, incluso puedo divisar un autorretrato del mismísimo Van Gogh. Es un sitio de descanso, de privacidad que se siente de esa manera; un espacio seguro.

Si ponemos la obra en escala de grises el medio predomina, no hay mucha intensidad oscura ni muchos picos claros, se mantiene en una gama bastante mediana que genera una armonía suave ante el ojo.

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El origen del mundo. Gustave Courbet. 1866. 

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Según el contexto esta obra pertenece al Realismo y como tal, pienso que Courbet fue increíble en cuanto que fue más allá y no hizo ningún tipo de concesiones frente al desnudo. Pictóricamente, una de las cosas que más me gusta de la obra es la representación de la carne, los tonos y el peso que supone esas piernas.

Pienso que la obra continúa siendo revolucionaria porque el reconocimiento del cuerpo y su exploración sigue siendo un tema complejo socialmente. Sin restar importancia a la obra y bajo el conocimiento de que la pieza probablemente fue comisionada para un hombre, debo mencionar que también es la mirada masculina sobre el cuerpo de una mujer.

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ALMUERZO  SOBRE LA HIERBA
Eduar MANET
Fecha:Francia  1863

Esta obra contiene  en el todo el peso de la historia.
Monet desafío al espectador  mirándolo defrente .
En el cuadro no hay una historia  que entrelace los 4 personajes reconocidos en la  ciudad . Su composición  una versión moderna quizás  de los cuadros  el juicio de Rafael  y concierto  campestre de Tiziano.  Creo que con la intensión  de recordar a la sociedad que era  un pintor académico .
Agarra  una obra clásica  y la convierte  en una obra vulgar para la gente conservadora de la época .

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omentario semana 4 SANDRA MILENA CARREÑO DIAZ

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omentario semana 4 SANDRA MILENA CARREÑO DIAZ

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Le Déjeuner sur l'Herbe por Édouard Manet; este pintura me sorprende demasiado, pues es una de las pinturas donde el artista "no comparte la obsesión de las masas por el tema, para el el tema es solo un pretexto para pintar, mientras que para las masas solo existe el tema" este pensamiento lo compartían varios artistas, ahí  es donde nos damos cuenta como puede influenciar una pintura en este mundo que solo sabe escuchar al que hace mas ruido; independientemente tiene o no la razón de lo que dice, por el temor a hacer la diferencia y a defender sus opiniones, sus ideales.

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Comentario por Valentina Rincón Meneses

Comencemos por describir mi parte favorita, los colores. Es evidente el uso de una paleta complementaria: azul y anaranjado, el uso que se encuentra entre estos colores matizando hacia unos tonos más oscuros y otros más luminosos pero sin mucha oscuridad es fenomenal, la pintura posee un espacio muy específico que contiene el color más saturado (el barco con el señor y un auxiliar, se ve negro pero es como anaranjado muy oscuro) ayudando a ver planos para entender mejor la atmósfera general de la obra. Las pinceladas son maravillosas, la manera en qué la mancha da esa textura en el mar, o en el mismo reflejo del sol, siempre sugiriendo formas que son fáciles relacionarlas, no hay lineas que demarquen un algo, solo manchas que representan.

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El origen del mundo pintura Gustave Courbet 

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El origen del mundo pintura Gustave Courbet 

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Comentario por María Valentina Rincón Meneses.

Esta obra yo la conocí hace mucho tiempo ya que tenía un reconocimiento en el mundo de los memes muy grande, pero para mi sorpresa cuando intenté buscar la imagen en la red solo encontré fotos cercanas pero nunca la que era del cuadro. La censura que tiene aún solo por ser una vulva es muy curiosa porque en el momento de su publicación causó mucho revuelvo, la postura, los vellos, la forma en la que lucia esa vulva, todo el conjunto de cosas detrás fueron importantes para generar reacciones, opiniones y criticas. Sin embargo, actualmente encontrar la imagen no es sencillo, debes entrar a una pagina de arte, o buscarla con mucha especificación porque el buscador solo te la mostrará así como mi imagen, de lejos.

Me encanta porque me hace pensar en la cotidianidad, en una vulva en su estado más normal. Siempre me pareció interesante la manera en la que el mundo en general tiene una predisposición con las representación femeninas, especialmente con las que son muy crudas y cercanas con la realidad.

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Titulo de la obra:La Cuna                                    Autor MORISOT BERTHE                                   Fecha 1872               

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COMENTARIO SEMANA 4                            ZULAY ADRIANA COGOLLO 

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COMENTARIO SEMANA 4                            ZULAY ADRIANA COGOLLO 

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La cuna es un cuadro de la pintora impresionista francesa Berthe Morisot representó en esta pintura a su hermana Edna Portillon velando el sueño de su hija Blanche haciendo alusion a la maternidad . es capaz de  reunir la  fuerza y  la

delicadeza suﬁcientes como para cerrar la

mosquitera de la cuna de la niña.

Lo apagado del color, la ﬂuidez de los tra-

zos, el estatismo de ambas ﬁguras: todo

invita al sosiego, a la calma, al silencio, al

sueño. Si bien este cuadro goza de una ex-

celente salud estética, La Historia, que a veces hace justicia, lo ha

elevado  a  la  cumbre  representativa  del

sueño infantil, por encima de otros ejem-

plos  como  Jean  Monet  en  su  cuna,  de

Claude Monet

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Semana 4 Oct 3 Sol Naciente de Claude Monet

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Semana 4 Oct 3 Sol Naciente de Claude Monet

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Está obra es mi favorita ya que es con la que inicia el movimiento impresionista.

Sus pinceladas sueltas que insinúa los distintos motivos, con rasgos horizontales y verticales dónde hay variedad de formas y sus 9 colores donde representa un paisaje que hoy en día es fascinante apreciar y se podría decir que es una obra abstracta pero se puede entender claramente que es un puerto de embarcaciones.

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Mary Cassatt

Artista estadounidense que introduce el impresionismo en los Estados Unidos. Vive gran parte de su vida en Francia y logró formar parte, gracias a Degas del grupo de impresionistas que surgieron en la época.

El baño de la niña, dejó ver la relación maternal entre madre e hija, tema recurrente en sus obras cargadas de naturalidad y sencillez, por ello se asegura que Mary Cassatt estuvo influenciada por el arte japones, debido a que el tema central, de sus obras, se basó en la cotidianidad y el paisaje.

La suavidad de los colores, las pinceladas que trazan flores sobre sobre el jarrón, las paredes, el tapete del piso y las fuertes líneas del vestido, no distraen y permite detallar las luces que caen sobre la piel de la niña, la frente de la mujer y los trazos dentro de la tina de agua, que reflejan el movimiento de la misma en el jugueteo de los pies de un infante desnudo. Esta obra, causó revuelo y severas críticas, pero no le impidieron seguir representando la maternidad y la relación estrecha de madres e hijos en momentos o situaciones íntimas.

La artista rompió con el estigma, de que la mujer no podría acercarse al arte debido a que los espacios o escenarios eran solo para hombres e infortunadamente, a esto lo acompañó la apreciación de que ella no podría entender ni comprender la anatomía humana y que sus obras serían tildadas de mediocres. Afortunadamente, Mary Cassatt se convirtió en una de las pioneras del arte tanto en Francia como en Estado Unidos y se abrió paso entre los hombres más reconocidos del arte francés.

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COMENTARIO 4 SEMANA-Yenny Patricia Ardila

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La muerte de Marat. Autor: Jacques-Louis David. 1799. Oleo sobre lienzo. 165cm ×125cm

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Mas allá del contexto politico y social alrededor de la muerte de Marat y de todo este  escenario frances convulsionado por una revolución que movería los cimientos sociale destaco el talento y virtuosidad del artista J.L. David quien en este lienzo logra plasmar la muerte y sus colores, me llama la atención el manejo del color verde tanto en la sábana como en la piel del personaje, como se desvanece y se mezcla perfectamente  con esos tonos rojizos, grises y amarillos del cuerpo del occiso. Logra atraves de sus suaves  trazos ilustrar a la perfección la elongación del cuerpo desgonzado del desafortunado Marat quien fallece apuñalado en su bañera mientras redactaba un escrito en favor de la revolución francesa

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El origen del mundo. Autor: Gustave Coubert. Año:1866. 44cm ×55cm. Oleo sobre lienzo.

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En esta pintura se describe a la perfección el origen del mundo , un acierto total que ilustra a la perfección el artista G. Courbert, me llama la atención la paleta de colores aquí utilizada. Como logra
magistralmente pintar las tonalidades de la piel, transmite la sensualidad y pasión en cada uno de sus trazos. Enmarca con exactitud el objetivo del encargo hecho por el diplomático turco Khali Bey de su amante la srta Constance y su relación afectiva, tal vez era un cuadro mandado hacer para no ser exhibido al público en general, y mas aún sabiendo de quien era la vagina allí pintada.  Sea como sea el cuadro causó gran polémica pues se supo que a la final fue exhibido y genero malestar e indignación en la sociedad de aquel tiempo situación similar a lo que actualmente ocurrio  ya que fue subido en Facebook y este lo bloqueó por contenido inapropiado, lo cual me lleva a preguntarme que tanto hemos cambiado como sociedad.

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La libertad guiando al pueblo. Autor:  Eugène Delacroix. Año: 1830

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Universalmente considerada como la obra maestra de Delacroix, esta obra conmemora la Revolución de julio de 1830, que resultó en el derrocamiento del rey Carlos X de Francia, luego de su tiránica represión de las leyes electorales. Se presenta a la libertad como una diosa que guia al pueblo hacia adelante mientras sostiene la bandera. Me llama especialmente la atención que sea la personificación de una mujer la que lidera el camino hacia la libertad, con vello en las axilas y me hace pensar en el movimiento feminista actual que se encuentra también luchando por la libertad y los derechos de las mujeres en especial en Irán.

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Saturno devorando a su hijo. Autor: Francisco de Goya. Fecha: 1829-1823

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Goya presenta el tema de mitología del dios Saturno devorando a los hijos que va teniendo, se destaca la expresión facial de Saturno, con pinceladas muy marcadas, llama la atención que se notan muchas sombras y los cuerpos de Saturno y su hijo sobresalen teniendo todo el protagonismo. Freud comenta que el tema de Saturno está relacionado con la melancolía y la destrucción, lo que me lleva a interpretar qué sentía Goya al plasmar este acto de canibalismo en la obra. Según diferentes críticos el tema del canibalismo está relacionado con la impotencia sexual, esto me hace reflexionar sobre la violencia que desata esta situación en Saturno para llevarlo a cometer estos crímenes.

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Título de la obra:  El encuentro.  Autor: Gustave Courbet.   Año de realización:  1853

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Comentario semana 3 - Martha Lucía Rodríguez Mantilla

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Comentario semana 3 - Martha Lucía Rodríguez Mantilla

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En esta obra Gustave Courbet pretende retratarse como un artista bohemio, parece un Judío Errante, se ve como una especie de trasunte o testigo. A la ves se puede catalogar como una obra de movimiento realista en donde se hace énfasis en la naturaleza de la experiencia humana. Representada en el que mientras pasea por los caminos del sur de Francia  se encuentra de repente con su cliente de cabello y barba pelirroja vestido de traje de colores fríos al igual que su criado, los cuales contrasta con la luz que se refleja ante una mañana soleada. Al igual que el personaje principal quien viste ropas de colores neutros dando la sensación de frescura y tranquilidad además el perro que fija la mirada en Courbet también con sus colores que armonizan juntos con el paisaje que los rodea. Ante la expresión, la actitud que toma Courbet y los utensilios que carga en sus costillas, deja entrever que quizás va a pintar paisajes en plena naturaleza, como hacían los pintores paisajistas que Courbet tanto admiraba.

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La libertad guiando al Pueblo.                                            Eugene Delacroix   -  	1830                                 

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Nubes  de humo al parecer de incendios una mujer con vestido amarrillo rasgado y llevando empuñada la bandera de Francia. lleva  un sombrero rojo y sus senos al aire varios hombres armados que va con ella. en el piso varios cuerpos de hombres descalzos y muertos. la imagen nos lleva a que se trata de una revuelta sin necesidad de conocer el contexto histórico. Esta obra nos esta contando un suceso histórico  que nos habla de la insurrección burguesa la que puso fin al terror blanco tras los dieciséis años de restaurada la monarquía borbónica, encarnada en el ultraconservador Carlos X. una pintura muy política. para la época.

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Titulo de la Obra .Entierro en Ornans                                     Autor Gustave Courbet                                             Año. 1849 -1850

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Comentario Semana 3                  Zulay Adriana Cogollo           

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Comentario Semana 3                  Zulay Adriana Cogollo           

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Es una de su mejores pintura de genero representa el funeral del tío abuelo parece ser un acontecimiento social y no emocional  los rostros de las personas son indiferentes al dolor , aunque unos pocos muestran angustia y dolor   por ello se puede considerar como un retrato colectivo, es un manifiesto del realismo  presentado en el salón en 1850 es un cuadro de gran formato 3,15 m x 6,6 m todos los asistentes están a igual altura hombres a la derecha mujeres a la izquierda  los 27 personajes eran todos habitantes de Ornans que Courbet hizo posar en su taller entre ellos hermanos  amigos y un perro que ocupa el primer plano , la gama de colores es reducido negro rojo ocres tonos terrosos y verdosos   lo que hace que se incrementar la sensación de dramatismo en la escena y uniformidad en la gama la luz crea una atmosfera fría y triste en la obra como dato curioso utilizaba mucho betún para su tonalidades negras lo que provoca problemas de conservación en sus lienzos

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Sátiras del suicidio romántico leonardo alenza 

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El tema del romanticismo desató una peculiar acción de cierta actitud de la vida,donde el pensamiento se vuelve absurdo a la libertad individual.
Un pensamiento donde la vida se vuelve juego y una menos de la lista.

En esta obra se ve la tragedia de una persona "en su totalidad profesional de la escritura" donde se siente el fracaso de si mismo y decide acabar con su vida,

Y notamos que sabia lo que iba hacer por la posición de el lanzamiento, confirmando con un ouñal su suicidio.

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La libertad guiando al Pueblo. Eugene Delacroix, 1830

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Comentario semana 3. Nancy Rodríguez Pinzón

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Comentario semana 3. Nancy Rodríguez Pinzón

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Esta obra, evidencia un momento histórico: los abusos de Carlos X, que fue sustituido por Luis Felipe de Orleans. Delacroix lucha por su patria a través del arte.  La obra representa una nueva Francia donde cada sector de la sociedad esta presente: un burgués (autorretrato- Delacroix), mendigos, la figura de un niño donde recae la esperanza de una nueva nación, gente en medio de bruma y los cadáveres, en un primer plano, que expresan el fin de una desordenada monarquía; todos, guiados por la libertad que no tiene nada que ocultar: una mujer con el torso desnudo, sobre su cabeza el gorro frigio y la bandera en alto para ensalzar y guiar hacia  el nuevo poder.

Definitivamente las necesidades unen y secuestran a una Nación que ahogada en la desigualdad protesta y necesita ser guiada por un líder que canaliza la fuerza de la voz en un solo sentido.

En la actualidad, la pluralidad de colores que la política nacional ofrece, a una Nación como la nuestra, no ha sido capaz de acabar las diferencias, los abusos de poder, la corrupción; todo obedece, a que el sentido literal del ejercicio político ignora las fracturas constatadas, desconoce los derechos sociales y contribuye al desigual desarrollo de una sociedad que los legitimó en el poder.

Mientras no se tenga una verdadera claridad de un Estado de bienestar y que bajo estos parámetros se gobierne, ningún frente podrá resolver las diferencias sociales que han quedado plasmadas en la historia de la Nación.

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Nombre de la obra: La gallina ciega.  Autor: Francisco de Goya.  Año de realización de la obra: 1789                                          

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Comentario semana 2- Martha Lucía Rodríguez Mantilla

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Comentario semana 2- Martha Lucía Rodríguez Mantilla

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La obra se trata de un óleo sobre lienzo. Pertenece al movimiento Romántico ya que podemos observan un grupo de personas que departen allí un juego rodeados de paisajismo y naturaleza, reflejando en sus rostros una actitud de felicidad y agrado. Además la gran cantidad de luz que se proyectada hace que se pueda observar cada detalle y expresión en algunos de los rostros. Así como las prendas que cada uno porta, lo cual permite identificar según las características en cada uno de los atruendos el tipo de clase social a la que pertenecen. El cuadro es un exponente del estilo propio o Rococó y sus rasgos de estilo característicos: inmediatez, curiosidad, establece una técnica de colores suaves, rosas, texturas de encajes en las faldas de las mujeres, un paisaje de fondo luminoso y el reflejo de un disfrute encantador, demostrando un protagonismo de movimiento lo cual hacer lo que el autor pretenda crear en el espectador, una sensación de bienestar, de pasar un momento encantador de disfrute de la vida.

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Saturno devorando a su hijo. Francisco de Goya 1820-1823

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Esta obra de goya  me lleva a pensar en el encierro mental que tiene con todos sus miedos y temores, el perder su instancia con la realidad y ser.
Maltrato hacia el ego sentimental de cada ser y conllevar una creencia alterna a romper las creencias.
Pensemos por un momento esos sucesos y llevemos esto a la realidad, nos damos cuenta que si esta pasando algo parecido.

Me gusta la duda que deja esta oscuridad en sus obras, pues la realidad esta en lo que suponemos y no lo que realmente vivimos.

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Comentario semana 2. Liz Margareth Ortiz Higuera

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Comentario semana 2. Liz Margareth Ortiz Higuera

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Nombre de la obra: Muerte de Sócrates.
Autor: Jacques Lois David
Año: 1787

Desde una perspectiva personal, esta obra refleja a unos hombres exponiendo abiertamente sus sentimientos no aceptados en público para la epoca como, amor, apego, llanto, complicidad.
Además de lo anterior observa hombres esbeltos, Sócrates un hombre con un abdomen marcado, el señor de la izquierda con vestido rojo, quien esta entregando el veneno, se le ve una espalda fornida y unos gemelos pronunciados.
Igualmente se destaca la luz y las sombras hacen de la pintura un contraste de lineas definidas.

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Comentario semana 2 Martha Lucía vanegas ramirez 

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Comentario semana 2 Martha Lucía vanegas ramirez 

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Nombre de la obra: El desesperado (Autoretrato). Autor: Gustave Courbet.  Año: 1845

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Esta obra que pertenece al Realismo, evidencia como este movimiento va mas allá de representar de manera fidedigna la realidad, involucrándose también en representar la realidad de los sentimientos, de las emociones que se vivían en la época, de las tensiones y contrastes que surgían producto de la industrialización en la sociedad.
La luz toma un papel principal para acentuar los rasgos del rostro que llevan a percibir esa sensación de desesperación en el protagonista. Los ojos, se destacan como elementos que ubican la atención y trasmiten a través de ellos las emociones.
Me llama la atención, precisamente esa búsqueda estrategias para mostrar la emocionalidad que acompaña la época, mas que representar de manera exacta la realidad. Es un ver mas allá de lo evidente para capturar la esencia de la vivencia.

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Nombre de la obra: Muerte de Sócrates. Autor: Jacques Louis David. Año: 1787

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La obra muestra la muerte del filosofo griego Sócrates. Fue creada a raíz de un viaje del autor a Roma. Intenta con ella resaltar la actitud del filosofo ante la muerte, destacando su postura erguida, su brazo alzado, mostrando su fortaleza a pesar de estar recibiendo con su otra mano el veneno para acabar con su vida.
Como obra representativa del periodo neoclásico se observa en él, el manejo de la luz y el color y los detalles de los rostros y posturas para resaltar las emociones que acompañan a los que asisten a ese momento de la muerte.  Se evidencia una linea bien definida que permite observar claramente las formas y unas proporciones bien definidas en los cuerpos y elementos que acompañan la composición.
Es una obra que realza la moral y los valores que intentaban recuperar en esa época.
De la obra me llama mucho la atención la postura de Socrates, firme y tranquilo que contrasta con la tristeza y desolación que se percibe en los otros personajes representados.

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Comentario semana 2                                                                                                       

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Comentario semana 2                                                                                                       

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El 3 de mayo de 1808 en Madrid
Francisco de Goya
1814

La obra hace alusión a un hecho histórico sucedido en España, país que se encontraba bajo el régimen de Napoleón Bonaparte. En la obra se puede apreciar como Goya deja de lado las normas del neoclasicismo que lo caracterizaba, para representar con mucho realismo una escena de fusilamiento, en la que se observa la angustia y el terror que este hecho provoca en las víctimas y los que esperan su fusilamiento, y la atmosfera oscura que rodea la escena.

Se observa en la obra dos secciones divididas, que forman un clarooscuro: en la izquierda, sobre los fusilados, se encuentra la luz reflejando sus sentimientos de resignación, miedo, desesperación; mientras que a la derecha se encuentra la sombra, la penumbra, zona en la que se encuentra el pelotón de fusilamiento sin rostro visible, que representa la muerte, y el fondo oscuro atrás, que supongo, representa la tragedia del hecho histórico.

De la obra lo que más me impactó fue la figura del hombre de rodillas con los brazos extendidos en cruz, porque no está suplicando con sus manos por su vida, al contrario, a mi parecer está aceptando su destino como un sacrificio por la libertad del pueblo español.

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Titulo: El Juramento de los Horacios. Autor:	Jacques-Louis David. Año: 1784

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El Juramento de los Horacios es el primer trabajo de la burguesía revolucionaria.

En el plano político, queda claro cuál era la función del arte en cuanto a legitimar al nuevo régimen y dejar a un lado al antiguo gobierno, el Neoclásico ayudará a la refundación de la concepción del arte.
“El primer signo de esta nueva concepción, es el de su fuerte carga
moralizante. El artista busca la materialización de los
ideales, ya sea mediante la presentación de los acentos más denigrantes del viejo mundo, ya en virtud  de la representación modélica de lo que, soñándose, pasa a integrar el horizonte del mundo que se desea instaurar” (Rodríguez; 1987, p. 298)

El tema de la obra es el cumplimiento del deber por encima de cualquier sentimiento personal. En cuanto a su ejecución técnica observamos el renacer de los ideales y el gusto por las obras de los antiguos. El fondo no está muy resaltado mientras que las figuras en primer plano están remarcadas por la luz y el detalle para acentuar su importancia. Se plantea el foco sobre detalles claros y duros mientras se oculta las pinceladas. Lo que sugiere una intencion de importancia a la obra sobre el artísta.

La composición con el punto de fuga en las manos del padre, la posicion y emocion de las mujeres, la ubicación de los hijos en diferentes planos, son solo algunos de los detalles se encargan de construir esta escena cargada de emociones y simbolismo.

Para finalizar, dejar un llamado a cuestionarnos sobre ¿Cual es el papel que jugamos, como artístas, dentro de la revolución de nuestra sociedad?

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COMENTARIO DE LA SEMANA 2
Claudia P.Peñuela Rueda
LA BALSA DE LA MEDUSA
autor :Gericoult Theodore.
AÑO :1818-1819
tamaño:
Muerte y vida  en esta obra  realizada por este joven artista ,icono del romanticismo.
realiza su obra basado en la narracion de sobrevivientes y quiso con el tamaño de esta que el espectador se metiera dentro del cuadro y viviera o esperimentara las sensaciones de los protagonistas de la escena .
Cuadro polemico para la epoca donde no estaban acostumbrados a ver este tipo de imagenes .

que valores y antivalores  de la humanidad  podemos observar  aqui ,persisten en el tiempo?
sigue mostrando el egoismo absoluto de la sociedad.
y que el bien particular en ocasiones gana ante el general muestra un reflejo de lo que seguimos viviendo .La lucha que sigue ante la insensibiidad por el otro.

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Título: La muerte de Marat. Autor: Jacques Louis David. Año: 1793

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Comentario Semana 2 Sandra Milena Carreño Diaz

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Comentario Semana 2 Sandra Milena Carreño Diaz

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Esta obra es muy sencilla, veo un hombre que fue sorprendido por la muerte, con una manta enrollada en su cabeza, en un lugar en donde se sentía tranquilo, la luz se marca muy bien en su cuerpo diferenciando con exactitud cada uno de sus músculos, una obra que representa muy bien el neoclasicismo por lo que quiere representa y comunicar al publico, sutil pero directa.

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Saturno devorando a su hijo.  	                 Francisco de Goya 	                                    1820-1823    

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Esta obra llama mi atención. al saber que pertenece al romanticismo y lo primero que observo es un acto de canibalismo, esto me impacto lo otro que llamo mi atención es lo oscura que es, y me lleva a preguntarme que estaría pensando, que estaría sintiendo goya para hacer estos cuadros ?
al investigar un poco sobre la obra puedo determinar que goya esta pintando sus miedos, melancolías y sentimientos mas oscuros que todos los seres humanos tenemos y por alguna razón nos da miedo mostrarlos, y el lo hace atraves de sus  obras esta obra esta  basada  en historias de la mitología romana Dios Saturno (Crono), el padre de Júpiter (Zeus),

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Paola Gómez
semana 2

La maja desnuda

1795 - 1800. Óleo sobre lienzo, 97,3 x 190,6 cm

La obra de la maja desnuda esta inspirada en la diosa venus realizada por Goya entre 1795-1800, en ella  puedo admirar colores en tonos cálidos que tiene  una técnica más acabada ,más libre , más suelta, es un estilo romántico ;el tono oscuro del fondo y la luz que rodea el cuerpo nos transporta a un lugar intimo entre el artista y su musa, es una obra atrevida para la época de una mujer con una expresión  y  actitud que emana sensualidad  en la obra ,  ella se ve cómoda y tranquila.  se puede deducir que la luz entra por una pequeña ventana,   pero algo que noto en la obra es su cabeza la cual no logro encajarla en el cuerpo ...

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Nombre de la obra: Napoleón Cruzando Los Alpes                  Autor: Jacques-Louis David                                   Año: 1801    

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COMENTARIO SEMANA 2      ZULAY COGOLLO                                  

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COMENTARIO SEMANA 2      ZULAY COGOLLO                                  

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Comentario

La Obra narra la historia de Napoleón a la cabeza de su gran ejercito atravesando los Alpes en 1800 para dirigir la invasión del norte de Italia mostrando su liderazgo un genio de ambición ilimitada, todo en la pintura es catalogado como épico, la composición de encuadre, el caballo encabritado el viento que agita la capa, el brazo señalando la cima de la montaña El simbolismo continúa en la parte frontal de la pintura, donde es posible leer inscripciones con los nombres de Bonaparte, Aníbal y Carlomagno,  el rostro de Bonaparte donde el artista no necesitaba pintar su rostro sino su carácter es una imagen exageradamente del personaje  , porque  en realidad en el viaje Napoleón iba en mula con ropa normal de campaña sin traje  y sin ejercito solo con un guía de la zona, la obra fue un poderoso recurso de propaganda política. David realizo cinco copias mas donde el gesto del  emperador  cambia  y están destinadas a un palacio distinto.

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Título: La muerte de Marat. Autor: Jacques Louis David. Año: 1793 

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Esta pintura del neoclasicismo nos ilustra el fallecimiento del líder revolucionario francés Jean-Paul Marat. Vemos una imagen sencilla, pero de gran fuerza, una representación teatral en la que una luz directa ilumina el personaje principal y, a su alrededor una serie de elementos se disponen estratégicamente para narrar la condición de la muerte, como la lista que hay en sus manos y el cuchillo en el piso.

En lo personal, encuentro especialmente bella la disposición del cuerpo, el modelado cuidadoso del brazo en reposo habla de la importancia del dibujo y de la academia. La pose misma es una vuelta al pasado, recuerda a La Piedad de Miguel Ángel o al Santo Entierro de Caravaggio, lo que nos hace asociar al personaje principal con la figura del mártir.

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Por: Valentina Rincón Meneses
Está obra fue la que más me llamó la atención durante la clase por la historia que tiene, no solo era una mujer desnuda, era una identidad, un persona que estaba teniendo una transformación de imagen a partir de múltiples alarmas en la comunidad porque sabían quién era. Me evoca paz, tranquilidad este cuadro, tiene una paleta de colores cálida que me induce a querer quedarme, me da una atmósfera de hogar, de intimidad, de sencillez.  Podría decir que tiene una composición en L, la veo relajada, la veo paciente. Hay una luz especifica que pega en su cuerpo pero donde más resalta es desde su rostro hasta sus pechos.

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TITULO DE LA OBRA: La Maja vestida     ESTILO: Romanticismo AUTOR: Francisco de Goya AÑO REALIZADO:  1800 - 1808TÉCNICA: Oleo sobre lienzo 95 X 188

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Las pinceladas son sueltas con mucha libertad, este cuadro está pintado con luz en su mayoría, en claves tonales es clave alta mayor, en espacio es número áureo y su protagonismo está a la derecha.

Los colores que resalta son ocre y rosado, su semblante es de frescura, con sus brazos arriba demuestra un cuerpo sensual y su mirada refleja tranquilidad a quien posa para quien la pinta.

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Saturno devorando a su hijo. F. Goya 1820-1823

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Comentario semana 2. Nancy Rodríguez Pinzón

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Comentario semana 2. Nancy Rodríguez Pinzón

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Obra realizada durante la etapa de auto aislamiento en la "Quinta del sordo".

En las paredes de esa casa, las obras representaron la oscuridad, el terror, la depresión, la melancolía y la violencia de una manera cruda; tal vez, podría pensarse en un acercamiento al expresionismo y para otros el reflejo de una sociedad en crisis. En la obra, Saturno es el dios que evoca la omnipotencia, el poder; el cuerpo del hijo, a un ser indefenso que, podría representar a una sociedad sumisa que al devorarlo (comienza en la cabeza), deja en evidencia su magno poder, el necesario, para eliminar de su camino, los obstáculos que puedan eregirse durante su mando.

Mi pregunta: Podría considerarse a Goya en esta etapa de su vida, como el crítico de una sociedad que lo tildó de "enfermo mental" para evitar que el análisis sobre sus obras evidenciaran el papel social de un poder absolutista?