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Libro de imágenes del Evangeliario de Otón III

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Libro de imágenes del Evangeliario de Otón III - Turismo Prerrománico

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La 'Légende de Saint Nicolas et les trois petits enfants', saint...

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Imágenes Creative Editorial Vídeos Creative Editorial La 'Légende de Saint Nicolas et les trois petits enfants', saint Nicolas réssucitant des enfant tués et dépecés par un boucher. (Photo by API/Gamma-Rapho via Getty Images) Ten en cuenta lo siguiente: las imágenes que representan eventos históricos pueden contener temas, o tener descripciones, que no reflejan la comprensión actual.

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Uno de los santos más populares de la cristiandad es San Nicolás de Bari. En la vida y milagros atribuidos a este santo encontramos el origen de una tradición cada vez más extendida en España la de Santa Claus o Papá Noel.

Desde el blog de Guías Turísticos Burgos te intentamos descubrir el origen de este simpático personaje navideño.

SAN NICOLÁS DE BARI

Nicolás, ciudadano de Patara (en la región de Licia, actual Turquía), nació en el seno de una familia rica entorno al año 270. Fallece el 6 Diciembre entre los años 345 y 352. En 1087, sus reliquias fueron trasladadas a la ciudad italiana de Bari, donde se custodian actualmente. Fue obispo de Mira (también en la actual Turquía) por lo que también es conocido como San Nicolás de Mira.

Muy poco se conoce de la figura de San Nicolás lo que contrasta con la universalidad de su fama y de su culto, y con la popularidad de que goza en Oriente y en Occidente. Es patrono de Rusia, de Grecia y de Turquía. Es también el patrono y santo protector de los niños, las novias, los marineros, viajeros, invocado en los peligros, en los naufragios, en los incendios y cuando la situación económica se ponía difícil. Fue tan popular que se le han consagrado en el mundo más de dos mil templos

Entre esos templos consagrados al obispo de Mira, se encuentra la iglesia parroquial de San Nicolás de Bari en Burgos. Es una de las parroquias con más tradición en nuestra ciudad. Está situada en pleno Camino de Santiago, junto a la Catedral, y es una de las favoritas para la celebración de bodas.

EL ORIGEN DE SANTA CLAUS

Son dos los principales episodios de la vida de San Nicolás que han inspirado la leyenda de Santa Claus o Papá Noel. El uno relacionado con su generosidad y el reparto de regalos, y el otro con su especial simpatía por los niños

El principal hecho ligado a su generosidad, no el único, nos lo cuenta la Leyenda Dorada de Santiago de la Vorágine, una de las principales fuentes de la iconografía cristiana. Un vecino suyo de condición social noble pero venido a menos, padre de tres doncellas solteras, para procurar dinero y remediar la suma pobreza en que vivían trataba de lanzar a sus hijas a la prostitución. Cuando el santo tuvo conocimiento de lo que aquel hombre proyectaba se horrorizó. Para evitar que llevara adelante sus planes, una noche, sin que nadie le viera, arrojó por una ventana al interior de la casa de su vecino una talega llena de monedas de oro. A la mañana siguiente el vecino descubrió en el suelo de la habitación el misterioso tesoro, dio gracias a Dios, y con el dinero que contenía la bolsa constituyó la dote para casar a una de sus hijas. Unos días más tarde Nicolás repitió la operación. Su vecino, al hallar la segunda bolsa, tan contento como admirado, se propuso vigilar por si el fenómeno se repetía, para averiguar quién era el bienhechor que había acudido en remedio de sus necesidades.

Unas jornadas después, lanzó por la misma ventana y al interior de la misma estancia una tercera bolsa con doble cantidad de monedas de las que contenía cada una de las talegas lanzadas anteriormente. Con el ruido que la bolsa produjo al caer en el suelo, se despertó el vecino. Salió deprisa a la calle y empezó a correr tras su desconocido protector. Tras dar alcance y reconocer a Nicolás se postró a sus pies y quiso besárselos. El santo lo alzó del suelo y le suplicó que, mientras él viviera, no contara a nadie lo ocurrido.

Otras versiones de este milagro hablan de que Nicolás lanzó el dinero por la chimenea cayendo en las medias que las muchachas dejaban a secar junto a ella. ¿Te resulta familiar la historia?

El otro milagro de San Nicolás en el que se encuentra su identificación con Santa Claus y su simpatía por los niños narra como un tabernero asesinó y descuartizó a tres niños para dar de comer a sus clientes. El santo resucitó a los niños cuyos restos estaban en el interior de un barril de madera. Por este hecho se le representa con tres niños a su lado en una cuba.

En los siglos XVII y XVIII la tradición llega a Estados Unidos de la mano de inmigrantes de distintas culturas. La tradición católica de holandeses y alemanes, que tenía devoción a San Nicolás se mezcló con la del Father Christmas, figura típica de las fiestas navideñas en Inglaterra.

En la década de 1820 se comienza a popularizar en Norteamérica la figura de Santa Claus, derivación del nombre en alemán del santo (San Nikolaus), gracias a un famosísimo poema del estadounidense Clement Clark Moore: Una Visita de San Nicolás. El poema cuenta como San Nicolás reparte regalos la noche de Navidad en un trineo tirado por ocho renos. Lo describe como de rostro amable con mofletes rosados, regordete y larga barba blanca. Iba vestido con abrigo de piel botas y gorro. Nada dice de su característico traje rojo.

Tenemos ya prácticamente creada la leyenda de Santa Claus o Papa Noel. El último capítulo lo va a escribir la conocida marca de refrescos Coca-Cola. En una de sus campañas comerciales navideñas representa a nuestro protagonista con un traje rojo y blanco, dando así lugar a la actual imagen que tenemos de Santa Claus.

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San Nicolás de Bari - Origen de Santa Claus - Guías Burgos

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Uno de los santos más populares de la cristiandad es San Nicolás de Bari. En la vida y milagros atribuidos a este santo encontramos el origen de una tradición cada vez más extendida en España la de Santa Claus o Papá Noel.

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de San Nicolás de Bari, próxima a la catedral de Burgos, alberga un extraordinario retablo realizado en el siglo XV en el taller de Simón de Colonia con piedra caliza de Hontoria. En la nave del Evangelio está adosada la triple sepultura de los Maluenda Miranda. Las obras presentaban daños producidos por la humedad de capilaridad y alteraciones en su policromía.El tratamiento comprendió la estabilización de los soportes y policromías, para lo que se procedió al desmontaje de las camas de los sepulcros, extracción de sales, consolidación, reintegración volumétrica y cromática. Financiación: Junta de Castilla y León. Ejecución: Talleres de Arte GRANDA S.A.

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Retablo y sepulcros de San Nicolás de Bari - Talleres de arte Granda

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de San Nicolás de Bari, próxima a la catedral de Burgos, alberga un extraordinario retablo realizado en el siglo XV en el taller de Simón de Colonia con piedra caliza de Hontoria. En la nave del Evangelio está adosada la triple sepultura de los Maluenda Miranda.

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El Ángel Sonriente de la Catedral de Reims

El Ángel Sonriente (en francés, L'Ange au Sourire), también conocido como La Sonrisa de Reims, el Ángel que sonríe, o el Ángel de la Sonrisa, es una estatua de entre las muchas que se encuentran en la fachada de la Catedral de Nuestra Señora de Reims, realizada entre 1236 y 1245.

¿Pero qué tiene de especial este ángel en particular? Hay muchos ángeles entre las más de dos mil estatuas de la catedral, y éste no es el único que está sonriendo (ejemplo en la siguiente foto), ¿entonces?

Tenemos que remontarnos a la Primera Guerra Mundial para entenderlo del todo. En septiembre de 1914: tras la Batalla de Mons el 23 de agosto, comienza lo que se conoce como La Gran Retirada del Ejército Aliado. Los alemanes finalmente han invadido Bélgica y se disponen a mover la siguiente ficha: tomar Francia. ¿Cuál es la primera ciudad importante en su camino? Reims.

Reims es bombardeada el día 19 de septiembre. Su catedral, obra maestra de la arquitectura gótica francesa del siglo XIII, es uno de los principales afectados.

Un incendio en la catedral debido al bombardeo provoca la caída de varios trozos de la parte alta de la fachada principal, con la mala suerte que uno de ellos decapita al ángel (fotos aquí y aquí) a pesar de encontrarse éste a escasos metros del suelo. Al día siguiente del bombardeo el abad encontró la cabeza completamente destrozada en el suelo, dividida en una veintena de pedazos. A pesar de ello, recogió los trozos y los guardó.

En 1915 un arquitecto llamado Max de Sainsaulieu descubre los restos de la cabeza del ángel y decide convertir su imagen en símbolo del martirio que los edificios históricos están sufriendo en manos de los alemanes. Poco a poco, terminada la guerra, el ángel pasa a convertirse en símbolo de la catedral y finalmente de la ciudad de Reims.

El 13 de febrero de 1926 el ángel es restaurado a partir de un molde sacado de los restos de la cabeza que el buen abad guardó. Los restos y el molde se encuentran actualmente en París, en el Palacio de Chaillot, dentro de lo que ahora se conoce como el Museo de los Monumentos Nacionales de Francia.

Dirección
Cathédrale Notre-Dame de Reims
Place du Cardinal Luçon
51100 Reims (Francia)

Referencias
Société des Amis de la Cathédrale de Reims: L'ange au sourire (en francés)
Wikipedia: L'ange au sourire (en francés)

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El Ángel Sonriente de la Catedral de Reims | Tales of a Wanderer

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El Ángel Sonriente de la Catedral de Reims El Ángel Sonriente (en francés, L'Ange au Sourire), también conocido como La Sonrisa de Reims, el Ángel que sonríe, o el Ángel de la Sonrisa, es una estatua de entre las muchas que se encuentran en la fachada de la Catedral de Nuestra Señora de Reims, realizada entre 1236 y 1245.

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Es un clásico de estas fechas, contemplar pinturas que representan al niño Jesús y, mientras en algunas aparece retratado como una criatura angelical, en otras, más antiguas, luce como un adulto más que de mediana edad y con unos rasgos que hacen preguntarse si la obra ha sido restaurada en la escuela del famoso Ecce Homo .

El arte tiene sus razones, que son las de las sociedades que lo producen, y un mismo motivo artístico puede ser visto desde múltiples ángulos en una escala temporal, incluso casi desaparecer del todo. Es lo que sucede con la iconografía de Jesús niño, concebido como ilustración didáctica en el arte bizantino y posteriormente en el Medievo, reflejo de la búsqueda de belleza y realidad en el renacimiento y exaltación religiosa en el barroco para dejar de ser apenas representado a partir del XVIII.

Motivos artísticos pero en primer lugar religiosos y siempre atravesados por las percepciones sociales. Las representaciones de Jesús aparecieron muy pronto, facilitadas por dos circunstancias; por una parte, la tradición cristiana quiere que una mujer, Verónica, enjugara con un paño el rostro de Cristo cuando este se dirigía a la Crucifixión; el rostro quedaría fijado en la tela sin intervención humana, legitimando así las imágenes, a diferencia de otras religiones; por otra, se atribuye al evangelista Lucas la primera pintura de la Virgen con el niño, con su mano guiada por un ángel.

Dirigidos por manos ajenas o por las propias, las primeras imágenes de María, Jesús y algunos santos se han encontrado en Egipto, pintadas sobre paneles de madera, pero serán los iconos bizantinos los que fijarán el motivo de la Virgen y el Niño; el Jesús infante, recién nacido o casi, en brazos de su madre será uno de los ejes de la iconografía cristina en estos primeros tiempos, en contraste con el barroco, que siglos más tarde preferirá el dramatismo de la Pasión.

A los iconos bizantinos hay que responsabilizarlos, por así decirlo, de la imagen del niño Jesús con el rostro de un hombre adulto, y bien adulto, que tan chocante nos resulta y que se prolongaría durante toda la Edad Media. Aunque en realidad la culpa la tendrían dos concilios, primero el de Éfeso (431), que enfatizó la figura de María como madre de Dios, y después el de Calcedonia (451), que estableció la plena humanidad y la plena divinidad de Jesús.

Algunos teólogos lo interpretaron como que el hijo de Dios nació plenamente formado, física y mentalmente, pero ¿cómo se representa esa dualidad, humano y a la vez divino? En su disculpa, la de los artistas primigenios, cabe decir también que no existe ninguna imagen real de Cristo, de manera que, sin tener dónde inspirarse y sujetos a unas creencias firmemente establecidas, hicieron lo que buenamente pudieron, que en muchos casos no fue tan bueno, o mejor dicho, bonito... con nuestros ojos.

Hasta los albores del renacimiento el niño Jesús aparece en brazos de su madre y comparten habitualmente una expresión seria, casi se diría que triste, mientras dirigen la mirada al espectador con expresión solemne. En ocasiones, el niño roza con su mano el rostro o el cuerpo de su madre en un gesto aparente de ternura pero lleno de rigidez. Pero lo que llama más la atención es la apariencia de un niño que es poco más de un bebé como un hombre mayor, y son varias las razones para ello. En primer lugar, ya hemos dicho que para muchos teólogos Jesús había nacido completamente formado, sin tener que experimentar cambios a lo largo de su vida, de ahí que los rasgos que le correspondieran fueran los de un adulto hecho y derecho, un homunculus u hombre en miniatura, algo a lo que también contribuyeron las teorías preformativas que se expandieron en la edad media, según las cuales el hombre se configuraba en el momento de la concepción y crecía sólo en tamaño hasta el nacimiento.

Matthew Averett, profesor de historia del arte en Creighton, explica al respecto que "existía la idea de que Jesús nació completamente formado, y al combinarse con la pintura bizantina se convirtió en una manera estándar de representarlo"; para su colega Fabian Lacouture, el hecho de que en varias de estas imágenes se haya pintado con una calva responde a que esta era considerada un "signo de sabiduría".

Cuando uno contempla las Madonnas de Duccio di Buoninsegna, Cimabue (ambos del siglo XIII), Allegretto Nuzi Maso di Banco, Lorenzetti (siglo XIV) o incluso Gerardo de San Juan y Giovanni di Paolo, ya en el siglo XV, entiende bien el concepto de homunculus . En algunas pinturas se marcan incluso los pectorales y abdominales del niño como si se tratara de un deportista.

Es el caso del artista sienés Giovanni di Paolo di Grazia (1399-1482), y de sus pinturas tardogóticas, como las diferentes versiones de la Virgen de la Humildad y muy especialmente la Virgen con el Niño y los Santos, c. 1475-1480, que se conserva en el Walters Art Museum. Más que sorprender, algunas de estas pinturas causan estupefacción hoy en día, hasta el punto de convertirse en memes.

Pero además las pinturas no pretendían ser realistas, sino que cumplían una función simbólica, estaban al servicio de la enseñanza de la fe y los dogmas a una población mayoritariamente analfabeta, así que mejor dejarse de florituras e ir a lo práctico, lo inmediatamente reconocible. Más aún, y entramos ahora en lo social, la consideración de la infancia en aquellos tiempos era muy diferente de la actual, con una mortalidad infantil elevadísima (en la alta edad media se calcula que el 25 por ciento de los bebés no llegaba a cumplir un año) y una esperanza de vida tan corta que hacía crecer a los niños rápidamente: a los siete años empezaban a trabajar como aprendices. Las representaciones de niños de la edad media, escasas, muestran las mismas características que las de Jesús Niño, ya fuera que las imágenes religiosas, muchísimo mas numerosas, condicionaran a aquellas, o al revés, que es menos probable.

Resuelto el misterio de porqué el Niño Jesús luce, un decir, tan avejentado en las imágenes, se produce un salto en su representación mucho más comprensible para nosotros. A partir del renacimiento, la Iglesia deja de ser la principal comendadora de obras de arte; una nueva clase social burguesa quiere ver reflejada su riqueza y su poder y encarga retratos personales pero también familiares, incluyendo a los hijos, que ahora son mostrados con orgullo como continuadores de la estirpe, y claro, ¿quién quiere que a su hijo lo pinten digamos realísticamente cuando resulta que es poco agraciado? Además, los adinerados burgueses quieren que sus niños se vean como niños y no como abuelos. Todo esto no hubiera sido suficiente si al mismo tiempo no se hubieran asumido innovaciones artísticas y de pensamiento. Averett, editor de un compendio sobre la evolución de la imagen del pequeño Jesús, lo argumenta así: "la consideración que se tenía de los niños como pequeños adultos cambia para verlos como criaturas excepcionalmente inocentes".

El extraño adulto en brazos de la virgen pronto cambia su fisionomía por la de un pequeño querubín, sólo hay que ver las Madonnas de Rafael: los niños Jesús rivalizan con los ángeles como seres llenos de gracia (y de belleza). Y como bebés normales, que expresan alegría o miedo, y eso que para nosotros resulta una obviedad no lo es tanto si pensamos en los iconos bizantinos que mostraban en ocasiones al bebé vestido como los filósofos y con un pergamino en la mano.

La imagen angelical de Jesús es la que se ha fijado en el arte popular, sin embargo en el barroco también se hizo reflejo de los cambios en el arte y en las percepciones sociales. El niño Jesús del barroco es, en términos generales, más sensual, más regordete, adquiere más movimiento y peso, de alguna forma. También más extravagante: en el Nacimiento pintado por Charles Le Brun en 1689, el recién nacido reposa sobre un lecho de paja... de oro, no es de extrañar que Lutero pero también la Iglesia reaccionaran contra esos excesos.

Si el renacimiento se volvió hacia el Jesús humano, el barroco lo hará hacia el divino, con el niño sentado en ricos tronos y vestido con caros ropajes, también hacia el dramatismo, como en los Niño Jesús durmiendo sobre su Cruz de Murillo, una visión de la que el pintor sevillano hizo diferentes versiones.

La llegada del siglo XVIII hizo retroceder la temática religiosa en el arte. El neoclasicismo estaba más interesado en la antigüedad clásica, y sólo algunos simbolistas, como William-Adolphe Bouguereau, ya en el XIX, pintaron al Jesús Niño con unas figuras llenas de armonía. Las vanguardias, con pocas excepciones, se dedicaron a otros menesteres, al igual que ha sucedido con el arte contemporáneo. El Jesús Niño ha quedado reservado para el arte popular o para experimentos como el del artista pop Allan D'Arcangelo, que en 1963 tituló Madonna and child a un retrato de Jacqueline Kennedy con su hija Caroline. Son otro tipo de divinidades.

FUENTES: LESLIE ROSS, 'ARTISTS OF THE MIDDLE AGES', Matthew Averett, FABIAN LACOUTURE, 'THE early modern child in art and history', MARÍA DEL MAR RAMÍREZ ALVARADO: 'LA IMAGEN DE LA INFANCIA: ASPECTOS ICONOGRÁFICOS'.

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De 'adulto' a querubín, el niño Jesús en el arte

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Es un clásico de estas fechas, contemplar pinturas que representan al niño Jesús y, mientras en algunas aparece retratado como una criatura angelical, en otras, más antiguas, luce como un adulto más que de mediana edad y con unos rasgos que hacen preguntarse si la obra ha sido restaurada en la escuela del famoso Ecce Homo .

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Nombre del artista: Raffaello Sanzio ( llamado Rafael )
https://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Sanzio
Nacionalidad del autor: Italiano

Tipo de pintura: Oleo sobre lienzo

Dónde podemos ver esta obra? Gemåldegalerie Alte Meister, Dresde - Alemania
Quién era Rafael?

Considerado como un pintor del renacimiento clásico, Rafael personifica la breve y fascinante etapa de la llamada " Ola del renacimiento", cuando se logró un equilibrio entre la aplicación de las reglas de la perspectiva, la naturaleza, y una intensa expresión . Rafael estaba en Florencia en un momento de gran creatividad, y él fue capaz de estudiar las obras de Giotto, Masaccio y Miguel Ángel.

Se convirtió en el artista favorito del papa Julio II, que primero le llamó a Roma en 1508 para decorar los apartamentos papales. El proyecto lo inspiró para producir las obras de este genio, y los siguientes encargos del papado. Su estilo maduro estableció un estándar de perfección para el arte europeo hasta el final del siglo 19 , luego se convirtió en un ejemplo para todos los artistas que aspiraban a desarrollar un estilo clásico.
Quién comisionó esta obra?

Esta obra de casi 9 pies de alto fue encargada por el Papa Julio II en honor a su difunto tío, el papa Sixto IV, como un retablo para la iglesia de la basílica del Monasterio benedictino de San Sisto en Piacenza, con la que la familia Rovere tenía una extensa relación. La Comisión requería que la pintura representara dos Santos Sixto y Barbara.

Quién es la Madonna Sixtina?

Entre los antiguos griegos, los poderes de la divinidad se expresaron en la maravillosa Venus de Milo. Los italianos, en cambio, han producido la verdadera Madre de Dios, la Madonna Sixtina. Rafael recibió el encargo, a sus treinta y nueve años, de trabajar en el diseño de la nueva iglesia de San Pedro en Roma. El joven arquitecto ya había pintado la Madonna Sixtina para el altar mayor de San Sixto, en Piacenza, donde se conservaban las reliquias del papa Sixto II desde el siglo IX.

La Madonna Sixtina estuvo en la iglesia hasta 1753, cuando llegó a manos del príncipe Federico Augusto II, de Sajonia. Este retablo fue su principal y último trabajo de Rafael en un tema que era especialmente querido para él - la Virgen y el Niño.

La pintura se trasladó a Dresde desde 1754, el conocido cuadro fue particularmente influyente en Alemania. Después de la Segunda Guerra Mundial, se trasladó a Moscú durante una década antes de ser devuelto a Alemania. Ahora es una pieza maestra de la Gemäldegalerie Alte Meister.
Reconoces estos ángeles?

Estoy segura que los has visto antes pero no tenías idea de que no es un cuadro en sí mismo sino parte de una obra de Rafael. Seguramente también conoces la famosa pintura de esta Madonna pero no relacionabas los querubines con la imágen de la Virgen. Y es que estos traviesos y aburridos ángeles han sido muy utilizados por la publicidad y el comercio debido a sus irresistibles encantos. Estos putti (angelotes) son un tipo de ángel que apareció por primera vez durante el Renacimiento.

Derivado del término italiano para "niño", el putto, con su alegría regordeta y sensual, sigue la tradición de Eros o Cupido, el dios del amor. En los escritos y representaciones antiguas, se retrataba a Eros como un niño con alas, a veces esbelto otras más rellenito. El aspecto infantil de los angelotes italianos expresa su inocencia. En relación con la Virgen, representan la pureza inmaculada de la Reina de los ángeles y los hombres.

Los ángeles se inclinan ante ti en una ceremonia solemne y los santos rezan por donde pasas: Gloria a la Reina de los Cielos! En ti resuena la lira de las esfereas, afinada por Dios. Tu espíritu mira fijamente, de manera divina, a través del velo de tu radiante y luminosa figura. Llevas un niño de sublime omnipotencia, vencedor de la muerte y salvador del mundo.

August Wilhelm von Schlegel, Soneto a la Madonna Sixtina. h. 1840

Dónde y porqué encontramos estos ángeles en esta obra?

Estos dos pequeños y pensativos querubines se encuentran apoyados en la repisa de una ventana imaginaria al mismo nivel de la tiara del papa en el extremo izquierdo.

Como les mencioné anteriormente, estos niños con alas tienen más en común con la mitología del "putti" que con "querubines" de Iglesia. Su presencia y expresión añade un toque de ligereza humana a la obra.

Detalles de la obra:

Al igual que todas las obras de Rafael, esta pintura tiene una gracia aparentemente sin esfuerzo, lo que contradice la planificación cuidadosa y la atención al detalle que participan en su creación.

La Virgen y el Niño:
Aquí observamos la dulzura de expresión y la pose agraciada por la que Rafael siempre ha sido famoso. La Virgen sostiene al niño Jesús con confianza y ternura materna. El niño Cristo no es el niño precoz y activo como solemos apreciar en obras de artistas como Leonardo.da Vinci. Su expresión está cuestionando, un tanto temeroso, y su estado de ánimo es reflejado en su postura.

La Virgen y el Niño aparecen de pie sobre las nubes en lugar de estar sentados en una silla o de rodillas en un paisaje. El velo: la Virgen envuelve al niño Jesús en un círculo protector formado por el brazo izquierdo, su brazo derecho, y el velo que fluye.

San Sixto:

San Sixto (Sixto II, que fue martirizado en el año 258) intercede entre el creyente, que se arrodilló ante el altar, y la Virgen María. Su mano derecha y el brazo son un ejemplo dramático y hábil de mostrar un sentido de profundidad.

Miguel Ángel era experto en inventar poses inusuales, y Rafael pudo haber estado respondiendo de manera competitiva a su gran rival. Lleva una capa decorada con bellotas, que son el emblema de la familia della Rovere - la familia de Julio II. El peso y la textura de la capa del santo está cubierto con brillantez. La forma se simplifica en unos extensos y elegantes pliegues.

San Sixto tiene una barba, para la cual existe una explicación inusual. Durante la guerra con Francia, el papa Julio II se dejó la barba y juró que no iba a afeitarse hasta que los franceses fueran expulsados de Italia.

Santa Barbara:

La pose de Santa Bárbara es modesta y comedida, y concuerda con la expresión en su cara mirando hacia abajo. Ella es la patrona de las victorias y en este caso, muy adecuada para la victoria política y militar que Julio II acababa de ganar.

Suspendida en el aire, la dulce Santa Bárbara hace un eco con San Sixto quien se encuentra en el lado opuesto. Una vez más, sus ojos mirando hacia abajo desde arriba conecta el nivel de visión celestial con el terrenal, justo donde se encuentra el observador.

Angeles fantasmales:

Rafael incluyó una serie de ángeles fantasmales apenas visibles en el fondo nebuloso de la escena llena de luz. Estas imágenes de gran originalidad realzan el aire de misterio en la pintura.

Cómo logró Rafael una visión celestial en esta obra?

Si observas las cortinas, ellas dan la impresión de que acaban de ser removidas hacia atrás para revelar una visión celestial de la Virgen con el Niño flotando en una nube. La sensación de profundidad ya no se crea a través de la evocación de espacios abiertos naturales. El artificio de poner las figuras en primer plano y los detalles como bordes de las ventanas, balaustradas, cortinas, hacían que todo se mueva hacia el fondo.

De esta manera se lograba suavizar la definición de los cielos nublados y los lejanos paisajes brumosos.

Por Qué es una obra característica del Alto Renacimiento?

Raphael creó una composición triangular con una profundidad ilusionista, creando una forma piramidal y eso es muy típico del Alto Renacimiento.

Materiales de pintura:

En esta obra maestra de Rafael podemos observar los pigmentos habituales de la época del Renacimiento, como la malaquita mezclado con oropimente en el ropaje verde en la parte superior de la pintura, azul de ultramar natural, mezclado con blanco de plomo en el manto azul de la Virgen y una mezcla de plomo-estaño-amarillo , bermellón y blanco de plomo en el casquillo amarillo de Santa Bárbara.

Nombre del artista: Raffaello Sanzio ( llamado Rafael )
https://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Sanzio
Nacionalidad del autor: Italiano

Tipo de pintura: Oleo sobre lienzo

Dónde podemos ver esta obra? Gemåldegalerie Alte Meister, Dresde - Alemania
Quién era Rafael?

Considerado como un pintor del renacimiento clásico, Rafael personifica la breve y fascinante etapa de la llamada " Ola del renacimiento", cuando se logró un equilibrio entre la aplicación de las reglas de la perspectiva, la naturaleza, y una intensa expresión . Rafael estaba en Florencia en un momento de gran creatividad, y él fue capaz de estudiar las obras de Giotto, Masaccio y Miguel Ángel.

Se convirtió en el artista favorito del papa Julio II, que primero le llamó a Roma en 1508 para decorar los apartamentos papales. El proyecto lo inspiró para producir las obras de este genio, y los siguientes encargos del papado. Su estilo maduro estableció un estándar de perfección para el arte europeo hasta el final del siglo 19 , luego se convirtió en un ejemplo para todos los artistas que aspiraban a desarrollar un estilo clásico.
Quién comisionó esta obra?

Esta obra de casi 9 pies de alto fue encargada por el Papa Julio II en honor a su difunto tío, el papa Sixto IV, como un retablo para la iglesia de la basílica del Monasterio benedictino de San Sisto en Piacenza, con la que la familia Rovere tenía una extensa relación. La Comisión requería que la pintura representara dos Santos Sixto y Barbara.

Quién es la Madonna Sixtina?

Entre los antiguos griegos, los poderes de la divinidad se expresaron en la maravillosa Venus de Milo. Los italianos, en cambio, han producido la verdadera Madre de Dios, la Madonna Sixtina. Rafael recibió el encargo, a sus treinta y nueve años, de trabajar en el diseño de la nueva iglesia de San Pedro en Roma. El joven arquitecto ya había pintado la Madonna Sixtina para el altar mayor de San Sixto, en Piacenza, donde se conservaban las reliquias del papa Sixto II desde el siglo IX.

La Madonna Sixtina estuvo en la iglesia hasta 1753, cuando llegó a manos del príncipe Federico Augusto II, de Sajonia. Este retablo fue su principal y último trabajo de Rafael en un tema que era especialmente querido para él - la Virgen y el Niño.

La pintura se trasladó a Dresde desde 1754, el conocido cuadro fue particularmente influyente en Alemania. Después de la Segunda Guerra Mundial, se trasladó a Moscú durante una década antes de ser devuelto a Alemania. Ahora es una pieza maestra de la Gemäldegalerie Alte Meister.
Reconoces estos ángeles?

Estoy segura que los has visto antes pero no tenías idea de que no es un cuadro en sí mismo sino parte de una obra de Rafael. Seguramente también conoces la famosa pintura de esta Madonna pero no relacionabas los querubines con la imágen de la Virgen. Y es que estos traviesos y aburridos ángeles han sido muy utilizados por la publicidad y el comercio debido a sus irresistibles encantos. Estos putti (angelotes) son un tipo de ángel que apareció por primera vez durante el Renacimiento.

Derivado del término italiano para "niño", el putto, con su alegría regordeta y sensual, sigue la tradición de Eros o Cupido, el dios del amor. En los escritos y representaciones antiguas, se retrataba a Eros como un niño con alas, a veces esbelto otras más rellenito. El aspecto infantil de los angelotes italianos expresa su inocencia. En relación con la Virgen, representan la pureza inmaculada de la Reina de los ángeles y los hombres.

Los ángeles se inclinan ante ti en una ceremonia solemne y los santos rezan por donde pasas: Gloria a la Reina de los Cielos! En ti resuena la lira de las esfereas, afinada por Dios. Tu espíritu mira fijamente, de manera divina, a través del velo de tu radiante y luminosa figura. Llevas un niño de sublime omnipotencia, vencedor de la muerte y salvador del mundo.

August Wilhelm von Schlegel, Soneto a la Madonna Sixtina. h. 1840

Dónde y porqué encontramos estos ángeles en esta obra?

Estos dos pequeños y pensativos querubines se encuentran apoyados en la repisa de una ventana imaginaria al mismo nivel de la tiara del papa en el extremo izquierdo.

Como les mencioné anteriormente, estos niños con alas tienen más en común con la mitología del "putti" que con "querubines" de Iglesia. Su presencia y expresión añade un toque de ligereza humana a la obra.

Detalles de la obra:

Al igual que todas las obras de Rafael, esta pintura tiene una gracia aparentemente sin esfuerzo, lo que contradice la planificación cuidadosa y la atención al detalle que participan en su creación.

La Virgen y el Niño:
Aquí observamos la dulzura de expresión y la pose agraciada por la que Rafael siempre ha sido famoso. La Virgen sostiene al niño Jesús con confianza y ternura materna. El niño Cristo no es el niño precoz y activo como solemos apreciar en obras de artistas como Leonardo.da Vinci. Su expresión está cuestionando, un tanto temeroso, y su estado de ánimo es reflejado en su postura.

La Virgen y el Niño aparecen de pie sobre las nubes en lugar de estar sentados en una silla o de rodillas en un paisaje. El velo: la Virgen envuelve al niño Jesús en un círculo protector formado por el brazo izquierdo, su brazo derecho, y el velo que fluye.

San Sixto:

San Sixto (Sixto II, que fue martirizado en el año 258) intercede entre el creyente, que se arrodilló ante el altar, y la Virgen María. Su mano derecha y el brazo son un ejemplo dramático y hábil de mostrar un sentido de profundidad.

Miguel Ángel era experto en inventar poses inusuales, y Rafael pudo haber estado respondiendo de manera competitiva a su gran rival. Lleva una capa decorada con bellotas, que son el emblema de la familia della Rovere - la familia de Julio II. El peso y la textura de la capa del santo está cubierto con brillantez. La forma se simplifica en unos extensos y elegantes pliegues.

San Sixto tiene una barba, para la cual existe una explicación inusual. Durante la guerra con Francia, el papa Julio II se dejó la barba y juró que no iba a afeitarse hasta que los franceses fueran expulsados de Italia.

Santa Barbara:

La pose de Santa Bárbara es modesta y comedida, y concuerda con la expresión en su cara mirando hacia abajo. Ella es la patrona de las victorias y en este caso, muy adecuada para la victoria política y militar que Julio II acababa de ganar.

Suspendida en el aire, la dulce Santa Bárbara hace un eco con San Sixto quien se encuentra en el lado opuesto. Una vez más, sus ojos mirando hacia abajo desde arriba conecta el nivel de visión celestial con el terrenal, justo donde se encuentra el observador.

Angeles fantasmales:

Rafael incluyó una serie de ángeles fantasmales apenas visibles en el fondo nebuloso de la escena llena de luz. Estas imágenes de gran originalidad realzan el aire de misterio en la pintura.

Cómo logró Rafael una visión celestial en esta obra?

Si observas las cortinas, ellas dan la impresión de que acaban de ser removidas hacia atrás para revelar una visión celestial de la Virgen con el Niño flotando en una nube. La sensación de profundidad ya no se crea a través de la evocación de espacios abiertos naturales. El artificio de poner las figuras en primer plano y los detalles como bordes de las ventanas, balaustradas, cortinas, hacían que todo se mueva hacia el fondo.

De esta manera se lograba suavizar la definición de los cielos nublados y los lejanos paisajes brumosos.

Por Qué es una obra característica del Alto Renacimiento?

Raphael creó una composición triangular con una profundidad ilusionista, creando una forma piramidal y eso es muy típico del Alto Renacimiento.

Materiales de pintura:

En esta obra maestra de Rafael podemos observar los pigmentos habituales de la época del Renacimiento, como la malaquita mezclado con oropimente en el ropaje verde en la parte superior de la pintura, azul de ultramar natural, mezclado con blanco de plomo en el manto azul de la Virgen y una mezcla de plomo-estaño-amarillo , bermellón y blanco de plomo en el casquillo amarillo de Santa Bárbara.

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LA MADONNA SIXTINA (1483 - 1520) - ¿Qué significa este cuadro o escultura?

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Nombre del artista: Raffaello Sanzio ( llamado Rafael ) https://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Sanzio Nacionalidad del autor: Italiano Tipo de pintura: Oleo sobre lienzo Dónde podemos ver esta obra? Gemåldegalerie Alte Meister, Dresde - Alemania Quién era Rafael?

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Bibliografía +

Moro, F., Spunti sulla diffusione di un tema leonardesco tra Italia e Fiandra sino a Lanino, en Maria Teresa Fiorio y Pietro C. Marani (dirs.), I leonardeschi a Milano: fortuna e collezionismo, actas del congreso internacional, Milán, 25-26 de, Electa, Milán, 1991, pp. 120-140.

Traversi, Laura, Il tema Leonardesco dei 'due fanciulli che si baciano e abbracciano: il dipinto di Chatswort e una proposta attributiva a Jan Massys, Annales de la Societé Royale d'Archéologie de Bruxelles, 62, 1998, pp. 103-138.

Leeflang, M, Nieuw licht op Joos van Cleve, Madoc, Tidschrift over de Middeleeuwen, 17, 2003, pp. 164-166.

Hand, John Oliver, Joos Van Cleve : the Complete Paintings, Yale University Press, 2004, pp. 164-166. nº 84.3.

Leeflang, M., Uytnemende Schilder van Antwerpen Joos van Cleve : atelier, productie en werkmethoden, Rijksuniversiteit, Groeningen, 2007.

Northern European and Spanish paintings before 1600 in the A..., Art Institute of Chicago: Yale U, 2008.

Pearson, Andrea, Visuality, morality and same-sex desire: The Infant Christ and Saint John the Baptist in Early Netherlandish art., Art history, 38 3 june, 2015, pp. 434-461.

Fecha de actualización: 14-01-2022 | Registro creado el 13-01-2017

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San Juan y el Niño Jesús besándose - Colección

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Moro, F., Spunti sulla diffusione di un tema leonardesco tra Italia e Fiandra sino a Lanino, en Maria Teresa Fiorio y Pietro C. Marani (dirs.), I leonardeschi a Milano: fortuna e collezionismo, actas del congreso internacional, Milán, 25-26 de, Electa, Milán, 1991, pp. 120-140.

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Cinco hijos mayores de Carlos I | Anthony van Dyck

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Cinco hijos mayores de Carlos I | Anthony van Dyck Comprar como una impresión de arte.

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Sofonisba Anguissola - 2 minutos de arte

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La familia de Louis XIV (1638-1715) 1670 | Jean Nocret

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Presentación especial: La infancia descubierta

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L'art et l'enfant - Musée Marmottan Monet

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The colorful carved wooden whale above is a game. You can CLICK on the whale to view detailed photographs of the components of this game, discover how this game is played, who played it, where it was played, and find out about the artist who created the components of the game. This is an example of the many types of information about GAMES that will be found on this Website.

The Sources for Webpage Information

In 1971, the Universiy of Waterloo in Ontario, Canada established a public museum dedicated to research and the collection, preservation, and exhibition of games and game-related objects from around the world. The Museum was established and operated by the Department of Recreation and Leisure Studies, under the administration of the Faculty of Applied Health Sciences.

There were over 5000 objects in the collection, and a large number of archival documents about games. Public thematic exhibitions were offered in an on-campus venue. The University closed this museum in 2009 and its collection was transferred to the Canadian Museum of Civilization, one of the Canadian National Museums in Ottawa. A wider public will now be able to view and conduct research on the collection. With this transfer, the collection will now be conserved for many generations to come.

In 1993, the Univesity began to offer the public this Website based upon the materials in the Museum. Even though the Museum no longer exists, but the collection does, the University decided to continue to host this Website about games as an educational service to the public. On over 700 Webpages, the site includes videos, photographs, diagrams, other graphics, and textual information about games.

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Last update June 29, 2010

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