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RESUME EL ARGUMENTO DE LA VIDA ES SUEÑO DE PEDRO CALDERÓN DE LA BARCA.

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RESUME EL ARGUMENTO DE LA VIDA ES SUEÑO DE PEDRO CALDERÓN DE LA BARCA.

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La vida es sueño, de Pedro Calderón de la Barca (1600-1681), es una obra teatral escrita en el año 1635, cuyo protagonista, el príncipe Segismundo, se cuestiona sobre el sentido de la vida mientras se encuentra en cautiverio.

Es una obra barroca caracterizada por las ideas filosóficas sobre la vida, el uso de la escenografía para contrastar ideas antagónicas y la importancia de la civilización sobre la barbarie.
La vida es sueño, de Pedro Calderón de la Barca, está escrita en verso dividida en tres jornadas o actos. Las dos tramas principales son, por un lado, el encierro de Segismundo y, por el otro lado, el compromiso entre Rosaura y Astolfo (sobrino del rey que heredaría el trono)
ARGUMENTO:
En Polonia, el rey Basilio consulta a un oráculo para conocer el futuro de su recién nacido hijo Segismundo. El oráculo afirma que el nuevo heredero será un gobernante cruel y falto de escrúpulos tanto con el pueblo como con su propio padre. Ante esto, el rey  decide repudiar a su hijo en una torre y dejarlo al cuidado de Clotaldo, siervo de Basilio, para evitar que la predicción del oráculo se cumpla.

Con el paso del tiempo el rey Basilio reflexiona y, al hallarse falto de descendencia masculina, decide probar la valía de Basilio como monarca. Adormece a su hijo y lo lleva hasta palacio. Segismundo, al conocer el mundo que le había sido negado[a], se muestra despiadado y brutal por lo que el rey se ve obligado a devolverlo al cautiverio anterior. Segismundo es narcotizado y devuelto a la torre donde Clotaldo le hace creer que los sucesos de palacio han sido de nuevo un sueño. Segismundo reflexiona acerca de la vida y los sueños.

Cuando el pueblo es conocedor de la existencia de Segismundo deciden liberarle de su prisión y proclamarle rey. Esta vez, Segismundo obra correctamente como monarca sin saber que es vida y que es sueño.

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Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 17 de enero de 1600-Madrid, 25 de mayo de 1681) fue un escritor español, sacerdote católico, que fue caballero de la Orden de Santiago, y conocido por su teatro en el Siglo de Oro.

Características:

-Quita todo lo superficial que había en Lope y concentra la acción dramática en torno a un sólo personaje, mostrando el conflicto interno de su personalidad, así como en la trama.
-Profundización en los aspectos psicológicos del personaje. Este predomina en los nobles. También destacan la dama, el galán y el gracioso.
-Su teatro es más intelectual que el de Lope. Sus obras, en general, buscan adoctrinar y educar al pueblo antes que entretenerle  (al contrario de lo que buscaba Lope de Vega).
-Lenguaje más elaborado que incorpora los conceptismos de la corriente poética (el de Lope de Vega era más popular y ágil). Hay recursos estilísticos que dotan su obra de gran lirismo, así como una versificación de gran sonoridad.
-El monólogo adquiere un nuevo cariz e importancia en la obra.
-En general aumentan los contenidos cultos y, en sus obras para palacio, se aprecia mayor plasticidad de la puesta en escena.

Obras:
Escribió más de cien obras entre las que destacan:
Dramas
Religiosos--La devoción de la Cruz o Los amantes del cielo.

Filosóficos--Calderón alcanza el punto más alto de su teatro idealista con La vida es sueño; la compuso en
1635, cuando se encontraba al principio de su segundo ciclo; quizá por esta juventud pueda
explicarse la potencia dramática de su héroe.
T rágicos-- El alcalde de Zalamea o La niña de Gómez Arias. La primera alcanza la cumbre de su obra dramática junto a La vida es sueño. En ella Calderón sigue muy de cerca las huellas de Lope de Vega.

Honor y celos-- La locura por la honra o La adúltera perdonada.

Comedias
Mitológicas--Abundan los valores poéticos, la riqueza imaginativa e intuición psicológica. Entre las más
importantes están: La hija del aire, El mayor encanto, amor, La estatua de Prometeo...
Capa y espada-- Destacan por el enredo, los duelos y peleas, el uso de disfraces, los equívocos y los conflictos amorosos.

Autos Sacramentales
Puede definirse como representación dramática en un acto o jornada de carácter alegórico y referente al misterio de la Eucaristía; el asunto debe ser la Eucaristía, pero el argumento puede variar de un auto a otro. Se pueden dividir en varios grupos:

- Filosóficos y teológicos.
- Mitológicos. - Inspirados en relatos evangélicos.
- Autos de circunstancias.
-Autos históricos y legendarios.
- Autos de Nuestra Señora.

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Tirso de Molina fue un religioso mercedario español que destacó como dramaturgo, poeta y narrador del Barroco.
Nació el 24 de marzo de 1583, Madrid y falleció el 20 de febrero de 1648, Almazán.

Algunos de los rasgos de la producción teatral de Tirso de Molina, como las preocupaciones morales, el estilo más elaborado o la mayor complejidad de las comedias, lo aproximan al teatro de Calderón.

Su producción dramática se distingue, por una mayor profundidad psicológica de los personajes. En concreto, destacan en sus comedias las figuras femeninas, que adquieren fuerte carácter: ellas mismas ejecutan la venganza y afirman su personalidad en la obra, para lo que se emplea a menudo el recurso del disfraz. Las comedias de Tirso presentan un juego de apariencias y engaños que se resuelve de forma repentina, feliz y pacífica.

El teatro de Tirso de Molina se puede clasificar en tres grandes grupos: el teatro religioso, el de inspiración histórica y el costumbrista. También cultiva géneros menores, como el entremés o el auto sacramental.
- En el teatro de tema religioso, destacan obras como El condenado por desconfiado.
- Entre las comedias históricas sobresale  El burlador de Sevilla.
- Dentro del teatro costumbrista se enmarcan algunas de sus mejores obras, como Don Gil de las calzas verdes.

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OBRAS TEATRALES DE LOPE DE VEGA. RESUME EL ARGUMENTO DE FUENTEOVEJUNA.

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OBRAS TEATRALES DE LOPE DE VEGA. RESUME EL ARGUMENTO DE FUENTEOVEJUNA.

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El caballero de Olmedo

Ejemplo de la innovación aportada al teatro por su autor, El caballero de Olmedo es una tragicomedia que mezcla elementos de los dos géneros teatrales, con dos primeros actos con elementos cómicos que conducen hacia un desenlace trágico en el tercer acto.

Lope de Vega cogió otra vez elementos populares como inspiración – una canción y un baile basados en el mito del Caballero de Olmedo – para construir su obra. Esta tiene como protagonista a Alonso, el caballero de Olmedo, quien se enamora de doña Inés. Inés está prometida a don Rodrigo, por lo que los dos amantes tienen que verse en secreto mediante varios engaños y confusiones.

Esta trama típica de una comedia incorpora poco a poco elementos que acaban en su trágico final, y la historia de amor termina en la muerte, de forma similar a otro clásico de la literatura española: La Celestina de Fernando de Rojas.

Fuenteovejuna

Drama basado en un acontecimiento histórico ocurrido en el pueblo cordobés de Fuente Ovejuna en 1476, llevándolo sobre el escenario.
Es un conflicto entre villanos y nobleza.

La trama presenta al pueblo sometido a la tiranía del Comendador, quien abusa de su poder sobre la población. Este abuso se presenta como obstáculo a los planes de boda entre la pareja de Laurencia y Frondoso, pues el Comendador quiere tomar a Laurencia por la fuerza para si mismo. Ante una tal injusticia, el pueblo entero de Fuente Ovejuna decide asesinar colectivamente al Comendador, liberando así a Laurencia y al resto de ciudadanos de su tiranía.

Esta acción colectiva demuestra la solidaridad del pueblo ante el autoritarismo, y nos ha dejado con la expresión “Fuenteovejuna, todos a una”, fruto de la negación del pueblo entero de delatar a ninguno de los autores del crimen.
Estos, serán juzgados y torturados, pero su respuesta será unánime. El silencio cómplice.

Lope de Vega incluye un final feliz – y menos controvertido – a su obra a través de la intervención bondadosa de los Reyes Católicos, quienes absuelven al pueblo y reciben sus vítores y alabanzas. Esta aparición final de la monarquía suaviza así lo que potencialmente hubiera podido ser una fuerte crítica social contra la miseria y al abuso que sufría el pueblo en aquella misma época.

MÁS OBRAS:
-El perro del hortelano.

-La dama boba.
-El castigo sin venganza.

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PERSONAJES EN LAS OBRAS DE LOPE DE VEGA.

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PERSONAJES EN LAS OBRAS DE LOPE DE VEGA.

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El Rey
En último término será quien restablecerá el orden. Figura serena y digna. También hay una versión contraria.

El Poderoso
Usa injustamente su poder en contra de sus vasallos.

El Caballero
Hidalgo. Será el padre, esposo o hermano

El Galán
Hidalgo, noble o campesino. Destaca su valor.

El Gracioso
Personaje muy importante. Contrapunto de cualquier situación dramática. Suele ser un criado.

El Villano
Procedente de la villa (no el malvado de malo). Personaje rural tierno y generoso. Lucha por su honor.

La Dama
Suele ser de la misma clase social que el galán.

La Criada de la Dama
Confidente de su señora y cómplice del galán. Será Dueña si es señora importante, o amiga o pariente si la dama es campesina.

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ENUMERA Y EXPLICA LOS PRINCIPALES RASGOS DEL TEATRO SEGUN LOPE DE VEGA.

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ENUMERA Y EXPLICA LOS PRINCIPALES RASGOS DEL TEATRO SEGUN LOPE DE VEGA.

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Nació en Madrid en 1562 y fue un escritor precoz. Se educó con los jesuitas y llevó una vida apasionada. Mantuvo relaciones amorosas, lo que no contradice su fervor religioso. Su espíritu aventurero le empujó a alistarse en la Armada Invencible y en 1610 entró al servicio del duque de Sessa. Tras la muerte de su segunda esposa y de su hijo Carlos, se ordenó sacerdote. Murió en 1635.
Este creó lo que era la comedia nueva y se acercó al público.
Rasgos generales:
*A pesar de recibir el nombre de comedias, la mayor parte de las obras son tragicomedias, es decir, mezclando lo trágico con lo cómico.
*Las obras tienen tres actos, correspondientes al planteamiento, nudo y desenlace.
*Se suprime la regla clásica de las tres unidades:
-De tiempo(abarcan más de un día).
-De lugar(Se mencionan varios espacios).
-De acción(A la principal se añaden acciones secundarias).
*Variedad métrica y estrófica(romances, décimas, octavas etc.).
*Entre la gran variedad de temas, sobresale el honor.
Además de los rasgos citados anteriormente del barroco, podemos citar las siguientes:
1.Presenta una ideología que conecta con el público: alaba la aldea y utiliza el personaje de villano (cristiano viejo y honrado).
2.El amor, la honra y la historia son temas claves en su teatro. La honra es fuerza y motor de gran parte de las acciones, pero igualmente quebradiza y frágil.
3.Sus conocimientos populares sobre leyendas o romances aparecen a menudo en sus obras, transformados y expresados con gran lirismo ( mezcla de elementos de carácter lírico tomados de la poesía tradicional).
4.Emplea reiteradamente los mismos personajes: el rey (máximo representante de la justicia y del honor), el galán, la dama, el villano (labrador digno y honrado), el gracioso (suele ser un criado con gran sentido del humor), el caballero (padre, hermano o marido que encarna las normas y se opone a los amores de la dama y el galán) y el poderoso (puede ser un noble y suele representar el abuso de poder).
5.Uso de una escenografía muy rudimentaria y escasas acotaciones. Las referencias temporales y espaciales aparecen incluidas en los parlamentos de los personajes, en los que muestra gran maestría.
También tiene los siguientes rasgos:
-Afirma haber escrito mil ochocientas comedias, de las que se conservan unas 500.
-Capacidad creativa y de trabajo.
-Improvisación. Cualquier asunto literario o de vida se convierte en hecho teatral.  Se refleja en su obra El caballero de Olmedo
-Popularismo: teatro destinado al pueblo, sin discriminar clases sociales.
-Decoro: el lenguaje debe ser adecuado a la situación y a los personajes.

ç**Clasificación del teatro de Lope de Vega**

a)      Religiosas:

Antiguo y nuevo Testamento: Los trabajos de Jacob...

Vida de santos: La niñez de San Isidro…

b)      Mitológicas: Recrea mitos de la Antigüedad grecolatina.
Ejemplo: "Venus y Adonis".

c)      Históricas: Que a su vez se pueden clasificar en las que pertenecen a la historia clásica, extranjera o española. Destacaron los dramas del poder injusto.
d)      De capa y espada: Aparecen personajes de la aristocracia y de la alta burguesía. Sus intrigas son amorosas y cómicas.
Ejemplo: "La noche de San Juan".

e)    Novelescas: Obras basadas en los argumentos españolizados de novelas sobre todo italianos.
Ejemplo: "El castigo sin venganza".

f)      De enredo y de costumbres: Abordan malas costumbres. Las protagonistas son mujeres.

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TEATRO POPULAR Y EL TEATRO CORTESANO EN EL SIGLO XVII. ¿QUIÉN FUE EL CREADOR DE LA "COMEDIA NACIONAL" BARROCA? 

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TEATRO POPULAR Y EL TEATRO CORTESANO EN EL SIGLO XVII. ¿QUIÉN FUE EL CREADOR DE LA "COMEDIA NACIONAL" BARROCA? 

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-El teatro también se desarrolló como negocio por las compañías. Habían de dos tipos:
-Compañías de título o compañías reales, que actuaban en las grandes ciudades y tenían el privilegio de representar ante el rey.

-Cómicos de la legua, grupos de actores que sólo tenían autorización para representar a más de una legua de las grandes ciudades, que eran los dominios de las compañías reales.
TEATRO CORTESANO:

Además del teatro de los corrales de comedias, según avanzó el siglo XVII, ganó en importancia el teatro cortesano, que se representaban en los palacios de los nobles o en el del rey. Este teatro era más complicado escenográfica y formalmente que el de los corrales. A veces el texto literario tenía un carácter secundario en beneficio del puro espectáculo, en el que era ingrediente fundamental la música. Participaban actores profesionales, pero en ocasiones intervenían también los nobles e incluso el propio monarca.

TEATRO POPULAR:

El nombre de "Corral de comedias" define, exactamente, lo que eran estos espacios ya que estaban situados en los corrales de las casas (en los patios de vecinos que se usaban para guardar al ganado) donde se empezaron a representar "comedias", nombre que recibían las obras de teatro de antaño.

El público que asistía a los corrales de comedias era diferente al público teatral actual pues pensemos que, en el Siglo de Oro, este género era totalmente popular, es decir, estaba pensado por y para el pueblo.

Durante todo el siglo XVI, encontramos representaciones religiosas y palaciegas y, desde aproximadamente 1530, las compañías italianas representaban en las plazas públicas de España sus commedia dell'arte, que eran improvisadas pero con personajes fijos.
Surge hacia 1554 la primera compañía teatral, gracias a Lope de Rueda, quien alcanzará gran fama. A este le seguirán otras compañías, se abren los primeros corrales de comedias y varios autores, entre ellos Cervantes, intentan encontrar una forma del teatro donde sea del gusto del público.
Pero es Lope de Vega quien logra conectar con el público gracias a las características que ya hemos mencionado. Crea así una fórmula que se denomina comedia española o comedia nacional.

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 ¿CÓMO ERA UN CORRAL DE COMEDIAS? ¿CUÁL ERA SU ESTRUCTURA? SEÑALA COMO LA RÍGIDA ESTAMENTACIÓN SOCIAL DE LA ÉPOCA SE REFLEJABA EN EL TEATRO?

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 ¿CÓMO ERA UN CORRAL DE COMEDIAS? ¿CUÁL ERA SU ESTRUCTURA? SEÑALA COMO LA RÍGIDA ESTAMENTACIÓN SOCIAL DE LA ÉPOCA SE REFLEJABA EN EL TEATRO?

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Un corral de comedias como hemos citado antes, eran patios interiores de casas de vecinos, en los que se aprovechaban las paredes de las casas para ahorrar costes, con la única necesidad de construir un escenario, y delimitar una zona para ubicar al público.
ESTRUCTURA:

Zaguán: es la zona que conecta el interior del corral de comedias con la calle.

Alojería: se encontraba en frente del escenario y aquí se vendían alimentos y bebidas para que la gente pudiera ir comprando ya que las obras podían durar varias horas.

Patio: esta era una de las partes de un corral de comedias más importantes y destacadas. Se encuentra en el centro del edificio y ofrecía los precios más bajos, motivo por el que todos los hombres (mujeres NO) más humildes se amontonaban en esta zona estando de pie durante toda la función. Este tipo de público se les conocía con el nombre de "Los mosqueteros" y solían ser los que determinaban si una función era buena o no con sus vítores y aplausos.

Cazuela: Era el lugar en el que se encontraban las mujeres. Estaba situada en el primer piso, justo en frente del escenario y para poder acceder a este espacio, entraban por tras puertas distintas a la de los hombres ya que no se permitía la relación entre ambos sexos. Era un espacio muy pequeño y las mujeres estaban muy apretadas entre ellas, tanto, que parecían estar en una "cazuela", de ahí el nombre. Tal era la situación en esta zona de los corrales de comedias que existía, incluso, la figura del "apretador" que, tal y como su nombre indica, se encargaba de apretar para que cupieran más mujeres. Desde allí, como justo venían del mercado, tiraban tomates, patatas... si la obra no les había gustado.

Tertulia o el Desván: Eran los aposentos más altos, situados inmediatamente debajo del tejado, y que estaban reservados muchas veces a los religiosos y a los nobles.

Aposentos o Galerías: era la zona de los corrales que costaban más dinero y, por tanto, estaban únicamente reservadas a las familias más poderosas o ricas del pueblo. Estaban situadas, también, en el primer piso y aquí sí que estaba permitido que las mujeres y hombres compartieran espacio ya que estaban cubiertos con rejillas para que pudieran ver sin ser vistos. Aquí solían estar los gobernantes, los sacerdotes o la alta nobleza.

Escenario: era el nombre que se le daba al escenario donde se desarrollaba la comedia o la obra teatral. Debajo de él se encontraba el camerino de los hombres y, además, también aquí se solían almacenar los animales que habitualmente estaban en el corral cuando no había función. Las mujeres tenían su camerino en la parte trasera del escenario.

Gradas: Era el lugar donde se encontraban los comerciantes, funcionarios y los que mantenían el orden.

No habían decorados ni se usaba maquinaria.
Levantado en un extremo del corral aproximadamente dos metros sobre el nivel de la sala, no contaba con un telón de boca, aunque si disponía de cortinas en su fondo que ocultaban uno del los corredores altos y los vestuarios.
En cuanto a como se reflejaba en el teatro la sociedad estamental, podemos ver que dependiendo de si venías de una clase social más alta o más baja, tenías que sentarte en unos lugares u otro (más cómodos...). También cabe destacar como se separaban a los hombres y mujeres y como ellas tenían que estar en unos lugares mucho más apretadas.

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¿CÓMO SE DENOMINABAN LOS LOCALES DONDE SE REPRESENTABA EL TEATRO POPULAR EN EL SIGLO XVII?

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¿CÓMO SE DENOMINABAN LOS LOCALES DONDE SE REPRESENTABA EL TEATRO POPULAR EN EL SIGLO XVII?

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Durante todo el siglo XVII, el teatro fue, el espectáculo por excelencia, que presenciaban desde el rey hasta los más humildes. Se comprende que, ante la demanda de un género que producía fama y bienes económicos, muchos poetas se dedicaran a la creación de piezas dramáticas.
En este siglo, el teatro se concibió como un negocio y las obras trataban de ajustarse a los gustos del público. Así, el teatro se populariza.
Los lugares donde se representaba el teatro en este siglo eran los CORRALES DE COMEDIAS.
Los corrales de comedias son el realidad patios de vecinos y surgieron en varias ciudades españolas, como Sevilla, Valladolid, Valencia(Casa de Olivera, 1584), Madrid(Teatro de la Cruz). En España, se utilizaron tanto las casas de vecinos, hospitales, posadas o incluso mercados.
Los corrales de comedias tuvieron tanto éxito, que los reyes quisieron tener el suyo propio. Aunque el Ayuntamiento de Madrid se negó, en 1640 se inauguró el Coliseo del Buen Retiro: teatro techado, con luz y técnicas modernas de representación.