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Portafolio de artista. Una herramienta clave para una promoción exitosa

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Este libro abarca consejos prácticos nacidos de la experiencia y distintas maneras de compilar un portafolio, para que más que un archivero de obras concluidas, sea una herramienta útil para dar a conocer la línea de trabajo personal.

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"La Chola", esa mujer voluptuosa que se encuentra al caminar por la Avenida Central desde el 2004, se ha desgastado con el paso del tiempo. Sus manos, senos y glúteos son las partes más afectadas.

Es una obra del escultor Manuel Vargas, quien le dedicó 3 meses de trabajo. Mide 1,85 metros y pesa más de 500 kilogramos. Está hecha de bronce.

Por naturaleza el bronce es amarillento. Sin embargo a estas obras se les aplica una clase de colorante llamado "pátina" que, según explicó Vargas,se remueve fácilmente con las bebidas gaseosas y con el contacto humano, debido a las sales del cuerpo.

"Yo creo que los niños y las mujeres le tocan las manos. El hombre, que es un poco como que guarda un poquito de morbo puede tocarle las nalgas, los pechos o las partes genitales, pero por morbo", dijo Vargas.

Así, cada vez que se tocan sus distintas partes, se desgasta la pátina y el color amarillento del bronce queda al descubierto.

"La Chola", además, se ha convertido en una especie de amuleto de la suerte. Vargas dijo que desde que se colocó en la capital, luego de una negociación con la Municipalidad de San José, los transeúntes la tocan para "atinarle" a la lotería.

Desde su instalación, hace 11 años, nunca ha sido retocada la figura que representa "de dónde venimos y hacia dónde vamos" los costarricenses. "Todos somos cholos", agregó el escultor.

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¿Por qué se desgastó "La Chola" de la Avenida Central?

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"La Chola", esa mujer voluptuosa que se encuentra al caminar por la Avenida Central desde el 2004, se ha desgastado con el paso del tiempo. Sus manos, senos y glúteos son las partes más afectadas. Es una obra del escultor Manuel Vargas, quien le dedicó 3 meses de trabajo.

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La acuarela inmersa en el espacio me permitió conocer las posibilidades técnico-formales dentro de la producción pictórica.
Tuve la oportunidad de colocar de forma aleatoria los trabajos de todo el proceso creativo.
El aplicar los conocimientos del  grabado a la pintura abre puertas a otras áreas de la investigación pictorica.

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A continuación se presentan 10 propuestas finales en técnica mixta de acuarela y crayón blanco, además del uso de papeles como stenciles y reservas de color.

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Las distintas propuestas pictóricas mantienen un lenguaje similar entrensí, la salvedad de ver algunas modificaciones técnicas radica en los aditivos como la cera o sal de parrilla.

Cada una de las piezas responden a distintos tratamientos, parte del mismo lirismo que se puede traducir como expresiones gestuales y sensitivas del nomento.

La aplicación del valor tonal responden al color de las sensaciones en las que me sentía buscando de manera interpretativa darle un significado emocional a la obra.

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Recursos visuales: Técnica bidimensional, uso de papel de 300 g y medios acuosos, secos y grasos.

Uso de herramientas Pinceles y brochas, materiales como papel para stenciles o monotipias.

En el proyecto, se enfoca en el lirismo, el uso del lenguaje debe respetar dicha expresión de la forma más libre y lúdica posible. La acuarela es de las manifestaciones pictóricas más ricas y libres que hay, al punto que descuidarlas podrían traer caos.
Los materiales para su uso deben responder a lo mínimo que especule uno ya que los resultados finales son inciertos o pueden no ser los esperados.
De mi parte no espero crear bocetos ya que este trabajo se guía de la experimentación del corte 1 y con cierta elocuencia debo manejar mejor los materiales con cierta conciencia de su uso.
Se hace uso de aguadas controladas y la interacción con medios grasos para aislarlas y generar texturas. El uso de otros recursos como los del papel para estenciles y monotipias son meramente estéticos y experimentales.

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Abordo sobre el concepto de la abstracción lírica, empleando campos de color mediante técnicas mixtas con acuarela.
Esta investigación surge de la reflexión sobre el escrito "De lo espiritual en el arte" de Wassily Kandinsky en donde de manera teórica reflexiona sobre la postura del color y la forma en relación a los sentidos (sinestesia) y cómo el artista se deja llevar por esas sensaciones de tal magnitud con otras manifestaciones como la danza, la música, etc.
Mis proyectos son sueltos bajo un orden establecido (formato) sin embargo el lirísmo me deja esa noción de enfretarme al caos de la materialidad pictórica y su relación al color (psicológico).
Los medios mixtos que he trabajado son el uso de medios cerosos y tizas sobre el papel, por lo que su relación con la acuarela generan acabados interesantes y de suma profundidad.

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Helen Frankenthaler  - 2 minutos de arte

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Art Lovers - Picture of the Day: July 2019 - little history of Non-objective, or Abstract art Showing 1-50 of 72

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72 discussion posts. Dirk said: This month I'm going to post the pics a bit differently: there will probably be more than one pic a day. I know I have do...

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Cirlot, J. E. (1964). La abstracción lírica. Cuadernos de arquitectura, 6-8. Recuperado de: https://www.raco.cat/index.php/CuadernosArquitectura/article/download/109929/163174

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Una revisión a la interpretación de la Pintura Moderna de Greenberg a través de los textos de la Vanguardia. 

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Una revisión a la interpretación de la Pintura Moderna de Greenberg a través de los textos de la Vanguardia. 

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Cuevas Del Barrio, J (2010). Una revisión a la interpretación de la Pintura Moderna de Greenberg a través de los textos de la Vanguardia. Editorial UNED. Madrid, España Recuperado de: https://www.researchgate.net/publication/286109090_Una_revision_a_la_interpretacion_de_la_Pintura_Moderna_de_Greenberg_a_traves_de_los_textos_de_la_Vanguardia

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Artland Magazine (2022) Movimiento Artístico: Pinturas de Campos de Color. 

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Artland Magazine (2022) Movimiento Artístico: Pinturas de Campos de Color. 

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El campo de color es un espacio contemplado solamente al color de forma contemplativa, en extensiones grandes.

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By Shira Wolfe

"The ultimate effect sought is one of an almost literal openness that embraces and absorbs colour in the act of being created by it." - Clement Greenberg

What is Color Field Painting?

Color Field painting is a term initially coined by art critic Clement Greenberg, and used to describe the works by Abstract Expressionist painters such as Mark Rothko and Barnett Newman. These artists composed their paintings with broad expanses of saturated color. In his essay on Color Field painting, Greenberg wrote:

"The ultimate effect sought is one of an almost literal openness that embraces and absorbs color in the act of being created by it. [The colored field] has to be uniform in hue, with only the subtlest variations of value if any at all, and spread over an absolutely, not merely relatively, large area. Size guarantees the purity as well as the intensity needed to suggest indeterminate space: more blue simply being bluer than less blue."

Key period: 1950s - 1960s

Key regions: United States, Great Britain

Key words: saturated, contemplative color, abstraction, flat space, large-scale canvases

Key artists: Mark Rothko, Barnett Newman, Clyfford Still, Helen Frankenthaler, Morris Louis, Kenneth Noland, Alma Thomas, Sam Gilliam, Robyn Denny, John Hoyland, Richard Smith

The Key Ideas

Color Field painting is often considered a subset within Abstract Expressionism. The Color Field painters were similarly interested in the use of pure abstraction, flat space and large-scale canvases. What sets Color Field painting apart is that Color Field painters rejected the active gesture which was often characteristic of Abstract Expressionism, and instead favoured large expanses of contemplative color.

Originally, the term was used in the 1950s to describe the work of three American abstract painters: Mark Rothko, Barnett Newman and Clyfford Still. Around 1960, a form of Color Field painting emerged that was more purely abstract, with artists like Helen Frankenthaler, Morris Louis, Kenneth Noland, Alma Thomas and Sam Gilliam leading the way. These artists moved away from the emotional, mythic or religious content and the personal and painterly application of the earlier movement. They focused on open compositions, limited painterly gestures, and drawing attention to the relationship between the canvas and the forms painted on it. Clement Greenberg organised an exhibition of 31 artists associated with this new development in 1964 at the Los Angeles County Museum of Art, and titled it Post-Painterly Abstraction. This term is also frequently used to describe the work of this 1960s generation of Color Field painters and those who followed them.

Color Field

In Britain, Color Field painting developed in the 1960s among artists like Robyn Denny, John Hoyland and Richard Smith.

"We are creating images whose reality is self-evident and which are devoid of the props and crutches that evoke associations with outmoded images, both sublime and beautiful... The image we produce is the self-evident one of revelation, real and concrete, that can be understood by anyone who will look at it without the nostalgic glasses of history." - Barnett Newman

The Main Protagonists

Mark Rothko, Barnett Newman and Clyfford Still embarked on their journeys to find a more delicate painting style capable of expressing the sublime and transcendence around the same time. For Rothko, his search resulted in his large, rectangular compositions of deeply emotive color fields. Newman explored this in his purely colored works with vertical or horizontal stripes, and for Still, it resulted in his irregular and textured compositions, juxtaposing colors and surfaces. Each of them gravitated more towards monolithic imagery, flat color fields and unbroken surfaces.

In the second wave of Color Field painting, Helen Frankenthaler was one of the first artists who started using the stained painting technique, pouring her paint mixture directly onto the unprimed canvas and creating shapes through these stains. Morris Louis began soaking his canvases, and started completely eliminating brushes from his artistic practice by pouring lines of paint on his canvases to create rainbow effects. Both Louis and Kenneth Noland were influenced by Frankenthaler's work and the two artists worked together on the technique of staining with thinned paints. Noland's characteristic style presented pure, saturated color as part of the canvas, often in the form of concentric rings. Sam Gilliam's Color Field painting found its form in canvases freed from their support, creating beautiful large draped structures in vibrant hues. Alma Thomas believed that abstract art had the power to transcend political and historical issues, and focused on the power and potential of color through her use of different color fields and staccato brushstrokes.

In Britain, Robyn Denny became known for his monumental hard-edge paintings in the '60s, and in the '80s, he produced a series of large austere monochromes in blue or red, with a central knot of paint. John Hoyland's work was characterised by simple shapes, bold colors and a flat picture surface. Richard Smith, known for his semi-sculptural abstract works, also maintained an ongoing dialogue with Color Field painting, working directly on loose canvas and then rotating and stapling it onto stretchers.

Examples of Color Field Paintings
Mark Rothko, Untitled (1968)
This painting by Mark Rothko, with its glowing yellows and oranges, attests to the artist's sophisticated understanding of color and composition. It took Rothko hours to get his composition right, despite the seemingly simple outcome.
Barnett Newman, Dionysius (1949)
This is one of Newman's earlier works, consisting of a serene field of green and blue colors with horizontal lines of yellow and orange cutting through the field of color.
Helen Frankenthaler, Mountains and Sea (1952)
Frankenthaler's landmark work "Mountains and Sea" marked a departure from most Abstract Expressionist works. Frankenthaler worked directly on unprimed canvas, staining it with thin washes of color and creating a combination of paint and raw canvas.
Morris Louis, Saraband (1959)
In 1953, Morris Louis visited the studio of Helen Frankenthaler and saw Mountains and Sea, her first signature soak-stain painting. Immediately inspired, Louis started working on a series of poured paintings which he referred to as Veils. To make Saraband, Louis poured paint from the top as well as from the sides of the canvas, creating these saturated bands of colors.
Sam Gilliam, Light Depth (1969)
"Light Depth" is one of Gilliam's most important Drape paintings. Abandoning the traditional stretcher, Gilliam draped his work with swirling, bleeding colors onto the wall.

Relevant sources to learn more

For more about Color Field painting, see

Take a look at our related articles here:
Lost (and Found) Artist Series: Alma Thomas Stories of Iconic Artworks Series: Mark Rothko's Seagram Murals

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Art Movement: Color Field Painting - Artland Magazine

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By Shira Wolfe "The ultimate effect sought is one of an almost literal openness that embraces and absorbs colour in the act of being created by it." - Clement Greenberg Color Field painting is a term initially coined by art critic Clement Greenberg, and used to describe the works by Abstract Expressionist painters such as Mark Rothko and Barnett Newman.

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La teoría de los colores de Johann Wolfgang Von Goethe  | Documentales Completos en Español

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1 Entiendo del arte abstracto como un fenómeno lírico donde la mancha y el color se fugan de la figuración a razón de las sensaciones encarnadas del artista a la hora de expresarlas.

2 Se parte técnica mixta es de las técnicas donde se armoniza la color y la mancha empleando medios que puedan dar integridad entre sí en un mismo soporte. Por ello es necesario experimentar y conocer de dicha técnica para establecer aquellos criterios que beneficien su ejecución pictórica.

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Producir una serie pictórica a partir del uso de la exploración  de técnica mixta como parte de la abstracción lírica.

Aprovechando la importancia de la abstracción en el paisaje visto en el documento de Iris Hernandez A (2015) donde hace referencia importante de Kandinsky y su forma de abstracción desde lo figurativo hasta lo abstracto. Se podría crear una serie pictórica donde se descomponga ciertos espacios del campus universitario. Haciendo una línea paralela del trabajo de Páez donde solo aprovecho la estilización de la forma del espacio yo optaría por la desintegración hasta la forma más aberrante e inteligible del lugar. Dentro de la propuesta cabe destacar el color como protagonista sobre la forma desde un aspecto lírico.

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Referente visual para Piedra y Xiomara. Pinturas completamente dinámicas, solidos que se diluyen entre el lienzo, efectos de la expresividad, el dinamismo pictórico, la yuxtaposición tonal.

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(Nueva York, 1928 - Darien, Connecticut, 2011) Pintora estadounidense cuya obra desempeñó un papel determinante en la evolución del expresionismo abstracto. Hija de Marta Lowenstein, emigrada desde Alemania, y de Alfred Frankenthaler, juez del Tribunal Supremo del Estado de Nueva York, Helen Frankenthaler nació en el seno de una familia acomodada del Upper East Side de Manhattan. Se interesó por la pintura ya desde la infancia, y sus padres, receptivos a esa vocación, le procuraron una selecta educación en bellas artes.

Helen Frankenthaler

Después de graduarse en la Escuela Dalton (donde estudió arte con el pintor muralista mexicano Rufino Tamayo), se matriculó en el Bennington College (1946) del Estado de Vermont, donde coincidió con el crítico de arte Clement Greenberg, con quien mantuvo una relación sentimental y que resultó esencial para su primer descubrimiento de la pintura, y sobre todo con el pintor Paul Feeley, mentor artístico bajo cuya dirección aprendió todo lo relacionado con el cubismo de Picasso y Braque, lo que a la postre sería fundamental en su trayectoria posterior. También en Bennington tuvo como instructores a personalidades y escritores de la talla de Erich Fromm, Ralph Ellison y Kenneth Burke.

De la mano de Clement Greenberg, la joven Frankenthaler descubrió la producción de reputados artistas del momento: David Smith, Willem de Kooning, Franz Kline y, especialmente, Jackson Pollock, a una de cuyas exposiciones asistió en 1950. Ese mismo año pasó el verano bajo el magisterio de Hans Hofmann, catalizador del movimiento expresionista abstracto. Por esa misma época viajó varias veces a Europa, interesada en especial por la pintura del Quattrocento y los antiguos maestros.

Una de las obras más tempranas de Helen Frankenthaler obtuvo ya una repercusión inusitada: Las montañas y el mar (1952), pintada con sólo 23 años a la vuelta de un viaje a Nueva Escocia. Realizada con la técnica del dripping de Pollock, se trata de una pintura abstracta en la que la luz y el color diáfanos de las colinas, las rocas y el agua muestran un delicado equilibrio entre dibujo y pintura, al modo de una gran acuarela; la serie de manchas de colores azul, verde y rojo (que va desvaneciéndose en rosa) culmina en un evocador paisaje a base de amarillo ocre que se funde con el horizonte.

Las montañas y el mar constituye uno de los avances más significados ante el estancamiento que el arte americano venía sufriendo tras la eclosión de los expresionistas abstractos del periodo de entreguerras. No hay duda de la influencia de Pollock en lo que respecta al dripping (verter el pigmento directamente sobre la tela tendida en el suelo) y al gran formato (3 por 2,20 metros), pero la obra carece de aquella tensión y búsqueda que caracterizan el arte de Pollock. Establecida en su propio estudio, en 1953 llegaron a él los pintores Morris Louis y Kenneth Noland, para quienes el contacto con la artista resultó decisivo en su respectiva formación profesional y en su trayectoria como pintores coloristas.

Aunque la técnica de Frankenthaler era muy similar a la de Pollock, su enfoque era claramente más moderno. Frankenthaler desarrolló un método que fue bautizado como "campo de color" ( color field) o "abstracción pictórica", que resultó más afín con el paisajismo tradicional chino que con la Escuela de Nueva York de las décadas de 1940 y 1950. A diferencia de Pollock, Frankenthaler mezclaba aguarrás diluido en la pintura que derramaba sobre el lienzo para que el tejido de la tela se impregnara de él completamente; los colores que así conseguía se alejaban del enfoque gestual y la retórica romántica tan propia del expresionismo abstracto.

Otra particularidad de la pintura de Helen Frankenthaler es que era visualmente diversa; la artista no producía temas "en serie", como sí pasaba con sus predecesores expresionistas abstractos o con los coloristas Morris Louis y Kenneth Noland. Cada una de sus obras se planteaba como una exploración independiente. A partir de los años 60 empezó a utilizar pinturas acrílicas y se introdujo en el arte de la litografía y los grabados, y con un éxito algo menor, en la escultura, después de pasar por el taller-estudio del escultor británico Anthony Caro en Londres. La Tate Modern de Londres guarda en su catálogo hasta treinta y ocho de sus grabados.

En 1958 contrajo matrimonio con el también pintor Robert Motherwell, de quien acabaría divorciándose en 1971; con Motherwell formó una de las parejas más conocidas y glamorosas del mundo del arte y la sociedad neoyorquina del momento. Más de dos décadas después, en 1994, volvió a contraer matrimonio, esta vez con Stephen M. Dubrul, un banquero de inversión que había formado parte del gobierno del expresidente Gerald Ford.

Galardonada en 1986 con el premio de Arte y Cultura de la Ciudad de Nueva York y en 2001 con la Medalla Nacional de las Artes, la obra de Helen Frankenthaler ha sido exhibida en galerías y museos de todo el mundo. De 1960 data una de sus exposiciones más relevantes: una retrospectiva de su obra con un catálogo realizado por el poeta y crítico literario Frank O'Hara. Cabe destacar también la exposición retrospectiva que tuvo lugar en 1969 en el Museo Whitney de Arte Americano, en un momento en que captaba ya el reconocimiento del gran público, y las nuevas retrospectivas que se vieron en el MOMA en 1989 y en el Guggenheim de Nueva York en 1997.

Cómo citar este artículo:
Fernández, Tomás y Tamaro, Elena. "". En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea [Internet]. Barcelona, España, 2004. Disponible en [fecha de acceso: ].

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(Nueva York, 1928 - Darien, Connecticut, 2011) Pintora estadounidense cuya obra desempeñó un papel determinante en la evolución del expresionismo abstracto. Hija de Marta Lowenstein, emigrada desde Alemania, y de Alfred Frankenthaler, juez del Tribunal Supremo del Estado de Nueva York, Helen Frankenthaler nació en el seno de una familia acomodada del Upper East Side de Manhattan.

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My modern met (2022) "Conoce la historia del "color field painting" y los artistas que lo desarrollaron"

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My modern met (2022) "Conoce la historia del "color field painting" y los artistas que lo desarrollaron"

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Según menciona el sitio web:  El término, que en español quiere decir “pintura de campos de colores”, se aplica a obras de arte con grandes áreas de un solo tono.

Buscaban evocar emociones e ideas a través del color puro en lugar de representar escenas y formas ilustrativas y reconocibles.

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Clyfford Still: "Sin título" 1950.Óleo sobre lienzo.  116.32 x 81.63 cm.

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Clyfford Still: "Sin título" 1950.Óleo sobre lienzo.  116.32 x 81.63 cm.

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Me interesa el género del paisaje, campos de color.

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Cuáles son mis ideas sobre el arte y cómo las ejecuto en mi práctica artistica?

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Cuáles son mis ideas sobre el arte y cómo las ejecuto en mi práctica artistica?

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Concuerdo que todo artista es quién busca de manera espiritual su camino en el arte. Al estar frente al un objeto en estudio, el arte es un estar "aquí y ahora" una acción meditativa en la práctica.

El ser artista es una palabra que me la cuestiono día a día, pero la puedo definir como un guía espiritual que no puede engañar con su trabajo la concie cia social ni induvidual porque desde el momento que empieza a traicionar su práctica dentro del arte cae en un abismo que solo se alimenta su ego.

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¿cuáles serían rasgos recurrentes en las entrevista

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¿cuáles serían rasgos recurrentes en las entrevista

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La búsqueda de la espiritualidad en el arte, un arte más humanista que se aleja de los convencionalismos e intereses del poder y la academia.

Es perseguir aquello que realmente les hace libre.

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"Toda obra de arte es hija de su tiempo."

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Iris Hernández Altarejos, (s.f) "La abstracción a través del paisaje. Diálogos entre requena y su entorno."

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Iris Hernández Altarejos, (s.f) "La abstracción a través del paisaje. Diálogos entre requena y su entorno."

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Creo que el arte y el artista son parte de una espiritualidad a la hora de la puesta en la escena, cuando entro en mi espacio vacío y compartirlo con otros elementos puedo separarme de la realidad en la que gira mi entorno. Porque es una forma de mantra o meditación que al final puede o no entrar en el consumo. Beyus menciona esa espiritualidad desde el trasfondo humano y el sistema le pide un producto acorde a sus intereses.

"El arte es la única revolución en el poder."

Cómo voy a vivir del arte?

Llevamos un balance entre lo que hago y lo que vendo, hay espacios para llegar pero uno decide hasta donde de desvaloriza. El arte está cargado de referencias, pero el artista debe explorar más allá de lo básico y estimular ese yo creativo.

El uso del arte en función social: El arte puede ayudar a construir espacios y visibilizar los problemas y retos dentro de una comunidad. El arte construye, pero cómo construir en el territorio adecuado, si mi trabajo es plástico puede que no sea fructuoso en un territorio que busque más herramientas digitales o de áreas similares.

Si mi área es plástica pictórica debo repensar dónde manifestarlo y a qué público llegar. Pensando que puede ser adquirido o no, el arte es un producto que puede ser accesible.

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 ¿cuáles actitudes y acciones caracterizan a los distintos artistas estudiados? 

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 ¿cuáles actitudes y acciones caracterizan a los distintos artistas estudiados? 

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Entendiendo al Joseph Beyus. El toma su postura sobre el arte como parte de la espiritualidad de la humanidad, por lo que cualquier manifestación artística debe ser considerada como tal pero hace una crítica al sistema capitalista en la institucionalidad del arte por lo que se vuelve un elemento obsoleto que solo busca el recurso económico.

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Se pretende dar continuidad al género paisaje desde una perspectiva de planos de color. Me interesa la mancha y la línea. La interacción de otras fuentes que motiven la creatividad tales música o el canto he tenido resultados interesantes en la propuesta pictórica que me interesaría ir profundizando.

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Obra No. 1. Ritmos vibrantes de la naturaleza.

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Obra No. 1. Ritmos vibrantes de la naturaleza.

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Me he interesado por la mancha, el uso de herramientas como espatula o monotipias.
Viendo las posibilidades visuales de mis referentes. La figuración puede ser sugerida, casual.

Revisando las lecturas asignadas se amplia los conceptos del paisaje que no vemos con el concepto predeterminado que ya manejaba.