# data[].attributes.body
En sus primeros años en París se crea una personalidad de campesino autodidacta (se refiere a que él mismo asumió el control de su educación artística) y bebedor. Se siente separado de las clases altas pero de una manera superior.

“El arte debe versar sobre la quilla la hora y el único tema genuino del arte debería ser la propia existencia del artista.”

Su gran hazaña fue que se puede enfatizar en un marco de lo cotidiano como un tema tan valioso como otro tipo de pintura.

Su genialidad radicaba en poder tormar las influencias del pasado y moldearlas dentro de su propio espíritu artístico.

# data[].attributes.body
Se inspira de Velásquez, Titziano y Rembrandt, retoma la luz dramática, realismo en las figuras, representar la realidad tal y como es.

# data[].attributes.body
De sus pocas obras aceptadas dentro del Salón de París

# data[].attributes.body
El arte estaba atrapado entre la discusión del clasicismo y el romanticismo, lo cual no llego a nada. El arte en un sentido es algo que va a reflexionar y hablar en lugar de sólo retratar eventos de un pasado histórico y Courbet lo redirigió el arte hace el pueblo.

# data[].attributes.body
Se puede sentir la pobreza y lucha.
Clara influencia de Caravaggio.

# data[].attributes.body
Baudelaire, Proudhon, Champfleury y otros intelectuales formaban parte de un grupo de académicos donde se realizaba en discusiones políticas, sociales y artísticas.

Se buscaba al cambio del mundo a través de la democracia e igualitarismo, de ahí surge una determinada visión socialista anticonstitucional pero verdadera en una manera.

1848 un levantamiento en París consiguió destronar al rey Luis Felipe y se proclama una nueva República a manos de la “comunidad bohemia”.

# data[].attributes.body
Obra de 3.65 m x 6.7 m.
Busca un significado radical, su obra maestra por excelencia, revela mucho sobre el artista y su obra.

Se observa que el pintor se deleita con su condición.

A cada lado se observan diferentes individuos, a la derecha sus amigos y familiares “los que viven la vida”, y a la izquierda el grupo más oscuro “aquellos que viven en la muerte”.

Una real alegoría resumiendo siete años de mi vida artística, una obra auto explicativa, en ella se plasma en una preocupación por promover el realismo a su propio entender.

# data[].attributes.body
Inspirada en un encuentro real con los trabajadores.
"Rara vez había visto a dos personas tan tristes pero esa era su realidad de la vida cotidiana de muchos".

El artista representa la desolación de la vida del trabajo, no representan los personajes de manera heroica, son figuras brutalizadas.
Los críticos condenan a la obra de fea.

La intención registrar modos ideas y aspectos de la vida como los vio para crear un arte vivo.

# data[].attributes.body
Courbet crea su primera obra maestra retratando a su padre y a tres amigos en su pueblo, fue el inicio de su carrera realista.

Tiene las proporciones de un cuadro histórico pero es una escena común lo cual trajo muchas críticas, Delacroix se  sorprendió mientras Champfleury le gustó.

La realidad provinciana de la cual no muchos la comprendía porque es diferente a su propia realidad.

El cuadro fue aceptado en el salón en 1849.

# data[].attributes.body
Obra monumental de 6.7 m x 3 m, fue la que causó mayor escándalo.
No es una obra magistral, solamente se aprecia un entierro común.
La gente representada  esta pintada a tamaño real y son sobre todo pobladores acomodados de su pueblo natal. Sus rostros y manos fueron hechos con pincel, mientras que el paisaje con espátula.

Se dice que Coubert para poder realizar el cuadro, tuvo que enrollar el lienzo de derecha a izquierda para que cupiera dentro de su estudio.

Una obra muy despreciada por su fealdad. A pesar de que Courbet haya encontrado inspiración técnica de Goya y Rembrandt.

Courbet elevó el estatus de las personas comunes, las clases altas tenían el poder potencial de los campesinos.
Sin duda es la visión política del artista que intrigaba en la época.

También evoca las 4 edades de la vida.

El elemento que se retoma comúnmente es la calavera en el suelo. El perro como acompañante del del difunto al otro lado.

En las obras de Courbet siempre se busca una implicación política.

# data[].attributes.headline
Mapa conceptual: Romanticismo al realismo

# data[].attributes.subject
Mapa conceptual: Romanticismo al realismo

# data[].attributes.body
Basado en el extracto de la tesis: Usos de obras de arte de pos vanguardia mexicana como elementos de reflexión o como objetos de consumo. Cuauhtzin A. Rosales.

# data[].attributes.body
La comuna de París caé en 1871 y Courbet fue arrestado por su política radical, al ser liberado regresa a Ornans, se le impone una multa muy alta por el derrumbe de la columna de Place Véndome, por lo que va a Suiza y muere a su 58 años.

Fue en contra de la convención académica , Courbet pavimento el camino y permitió la reconstrucción de la tradición de la pintura, sobre las ruinas del sistema académico. Rompiendo la jerarquía de los géneros confrontando a sus observadores.

# data[].attributes.body
Los pintores utilizaban formatos muy grandes y mostraban escenas domésticas y daban a sus seres ordinarios la grandeza solemne de personajes históricos, los cuadros contrastaban con los asuntos fantásticos a los cuales estaba acostumbrado el salón. Fue objeto de críticas y burlas caricaturescas

# data[].attributes.body
Surge un realismo en el que muestra una continua simpatía por los campesinos, por los hombres y mujeres humildes que se ganan el pan con trabajo duro.

Millet era de una familia campesina de Normandía. Muy joven ya tenía dotes evidentes para el dibujo y estudió en varias ciudades, acabando en París. Su pintura sin embargo, no fue bien recibida.

Millet y Rousseau fueron vecinos en Barbizon, y llegaron a intimar mucho.

# data[].attributes.body
Tomada por Nadar.

# data[].attributes.body
Renuncia a la pintura oficial y bajo la influencia de Daumier, aproximándose a su sentido del contraste de luces y sombras y de la construcción del cuerpo humano, lograda a través de la simplificación de sus volúmenes; se traslada con pintores afines y su familia a Barbizon, donde crea una escuela/comuna de artistas interesados en el paisaje rural.

La naturaleza  más que representarla, la interpretaba a su manera idealista como comprendiendo «las voces de la tierra, los árboles o los senderos». Con un claro misticismo y rozando lo sentimental, se alejó del otro gran realista de la época, Courbet que realizaba una pintura más áspera y rebelde; más política.

# data[].attributes.body
Millet nunca olvida en sus composiciones al campesino. «Es el lado humano, lo que me interesa más en el arte… Y jamás se me presenta con cariz alegre; su alegría no sé dónde está, no la he visto todavía… Lo más alegre que aquí he llegado a conocer es la calma, el silencio de los bosques y campos».

Las figuras de Millet son masas pesadas y tristes, con la cabeza baja, sumidas en la desolada inmensidad de las llanuras inacabables. Sus contemporáneos le reprocharon siempre su visión áspera y triste de la vida de los campesinos. Sin embargo, el pintor consideraba que “Al mirar la naturaleza y los hombres nunca he visto su aspecto alegre”. Para él que parecía escuchar las voces profundas de la naturaleza, interpretaba una realidad que, aun sin comprenderla como él afirmaba, transcendía cualquier sentimiento de complacencia bucólica.

# data[].attributes.headline
Ultimos años, obra: Hunting birds at night

# data[].attributes.subject
Ultimos años, obra: Hunting birds at night

# data[].attributes.body
Lo primero para Millet, en el campo, es el hombre. Nunca olvida en sus composiciones
al campesino. “Es el lado humano, lo que me interesa más en el arte… Y jamás se me presenta con cariz alegre; su alegría no sé dónde está, no la he visto todavía… Lo más alegre que aquí he llegado a conocer es la calma, el silencio de los bosques y campos”.

Millet tenía al comentar las observaciones adversas de algunos críticos: "Creen que me harán retroceder, que me convertiré al arte de los Salones. Pero no: campesino nací y moriré campesino. Quiero pintar lo que yo siento". El artista fallece en 1875.

# data[].attributes.body
Fiel a la vida campesina.

El pintor representa a tres mujeres. Combina de este modo tres fases del repetitivo y agotador movimiento que impone esta dura tarea: agacharse, recoger, levantarse.
Su austeridad se opone a la abundancia de la cosecha en lo lejano.

Millet matiza lo lejano, para producir una atmósfera dorada y polvorienta, intensificando la impresión bucólica del fondo.

El personaje a caballo, aislado en la derecha es seguramente un capataz. Su presencia añade una distancia social, recordando la existencia de los propietarios de cuyos es la emanación.

Millet otorga a estas cosechadoras, sin duda pobres, pero no menos dignas, un valor emblemático, depurado de cualquier miserabilísimo.

# data[].attributes.body
En sus paisajes no olvidaba nunca a los campesinos, callados, humildes, cabizbajos y pesimistas, aunque redimidos por el trabajo.

# data[].attributes.body
Bajo el claro del sol poniente, el campesino y su mujer han interrumpido su trabajo para rezar, gozando así de un breve instante de descanso. Al parecer, han tenido una jornada agotadora y da la impresión de no terminar nunca.

La pincelada es densa, los tonos mates.  Millet evoca no sólo el trabajo cotidiano de los campesinos, sino también los ritmos inamovibles de esta vida simple, otorgando a sus figuras un carácter de eternidad.

“El Ángelus es un cuadro que hice pensando cómo mi abuela, antaño, cuando trabajábamos en el campo, al escuchar el tañido de la campana nos hacía interrumpir nuestro trabajo para rezar el Ángelus por los “los pobres muertos”, piadosamente y con el sombrero en la mano”, escribe en una carta en 1865 en la cual la nostalgia predomina sobre el realismo.

# data[].attributes.body
Nació en Marsella, Francia.

Fue un destacado caricaturista, pintor, ilustrador, grabador, dibujante y escultor francés. Su estilo se destacaba principalmente por el retrato de costumbres enmarcado en la crítica social, en que los rostros cargaban mucha expresividad.

Fue uno de los artistas más importantes y más populares del realismo francés.

# data[].attributes.body
Honoré Daumier trabajara pese a ser menor de edad. Se formó como dibujante según los principios de David  y  copiando obras maestras del Louvre, entre lo que le impactaron especialmente Rubens, Fragonard y Goya. También desarrolló una simpatía por la clases obrera y los distintos movimientos obreros que estaban naciendo.

Sus inicios en el arte se dieron con trabajos de xilografía e ilustraciones y empiezan sus primeros trabajos para pequeñas editoriales.
Sunday (1822)

# data[].attributes.body
Siempre prefirió el dibujo y colaboró con su obra en diferentes revistas de actualidad política como La Caricature y Le Charivari.

Denunció la corrupción de jueces y diputados, se rió de las escenas ridículas de la burguesía parisina y participó de luchas como la de la emancipación de las mujeres en 1848.
Por una caricatura del rey Luis Felipe Daumier fue a parar a prisión, fue un dibujo del rey Luis Felipe I de Orleans como Gangantúa, un gigante glotón de la obra de Francois Rabelais.

# data[].attributes.body
Daumier consigue transmitir desesperación y angustia a través de esta sencilla composición en diagonal, de tonalidades amarillas y marrones. Con gruesas líneas negras traza algunos contornos.

# data[].attributes.body
A medida que Honoré iba perdiendo la vista, dejaba la litografía para dedicarse más a la pintura, ejecutando en ella un trazo directo y poco retocado.

Tras la Revolución Francesa de 1848 fijó más su atención en la pintura con la misma voluntad de denuncia.

# data[].attributes.body
La fama de caricaturista eclipsó sus pinturas, las cuales eran muy poco conocidas para el público, pese a ser expuestas en galerías de arte.

# data[].attributes.body
Lo realmente importante para él era transmitir un mensaje,

Esta madre sin rostro de la mano de unos niños sin rostro es probablemente sobre su sociedad y su momento histórico. Unas figuras anónimas en una atmósfera fría, pero son figuras que se mantienen en pie quizás apoyándose en una dignidad que podemos percibir aún sin conocer el contexto.

# data[].attributes.body
Charles Baudelaire sería uno de los pocos que se percataría del talento que poseía Honoré Daumier, expresando que sólo existían dos personas a la par con Delacroix: una de ellas era Ingres, la otra Daumier, catalogándolo como uno de los hombres más importantes para el arte moderno.

# data[].attributes.body
Sus rostros cansados, desolados, en las miradas perdidas. Parecen extraídos de las novelas de Dickens o de Balzac

Daumier se encargó de hacer crítica social y sátira política

Con su realismo social, representó los pesares de la clase trabajadora, también él los padeció.

# data[].attributes.body
Su estilo para este momento ya había madurado: de manera magistral lo patético con masas oscuras acompañadas de contraste entre los colores fríos y cálidos, además del buen manejo del claroscuro. Características que influyeron en el desarrollo del expresionismo en el arte.

Partamos de la base de que en principio un artista es un creador.

Porque un artista es también sinónimo de libertad e individualismo.

# data[].attributes.body
El enfermo imaginario  es la última comedia escrita por el dramaturgo francés Moliére.

En el año de 1879 muere y un año después sus restos son exhumados para el trasladado al cementerio de Père-Lachaise, donde sería enterrado al lado de su amigo Corot.