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L' avversione degli Impressionisti per l'arte accademica comporta l'abbandono dei suoi temi prediletti, storici, biblici o mitologici. In virtù della pratica "en plein air" e dell'attenzione al ruolo della luce,  la pittura impressionista predilige i paesaggi rurali della campagna parigina come boschi, campi di grano, rive di fiumi e così via. Pissarro, Sisley, Monet e Renoir sono, all'interno del gruppo, coloro che maggiormente si lasciano sedurre dal fascino della natura. Monet ritrae il luminoso giardino della sua casa ad Argenteuil ("IL PRANZO: GIARDINO DI MONET AD ARGENTEUIL"), Pizzarro dipinge una casetta nascosta nella foresta ( "TETTI ROSSI"),Sisley coglie l'atmosfera silenziosa e ovattata di un paesaggio innevato ( "NEVE A LOUVECIENNES"). Nell'immagine vediamo appunto "Neve a Louveciennes" di Alfred Sisley, conservato al Museo d'Orsay di Parigi.

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Quali sono i luoghi ritratti dagli Impressionisti? I campi, i giardini, i corsi d'acqua, gli alberi, i monti, le piccole case di campagna, angoli di una terra magnifica: la Francia. Nei luoghi dell'Impressionismo è ambientato un piccolo videoracconto che ci mostra lo scenario naturale dove i pittori della luce hanno vissuto e lavorato

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Posti sotto il cielo - Luoghi dell'impressionismo

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Posti sotto il cielo - Luoghi dell'impressionismo Un piccolo racconto Parole e immagini di Marco Goldin VOCE NARRANTE Carlo Valli MUSICHE "Di un amore" (Renzo Ruggieri) "Song for Christina Olson" (Renzo Ruggieri) "Il vento calmo della sera" (Mauro Martello) eseguite da Anna Campagnaro, violoncello Mauro Martello, flauto Renzo Ruggieri, fisarmonica MONTAGGIO Alessandro Trettenero www.lineadombra.it © 2015 Linea d'ombra srl società unipersonale Tutti i diritti riservati

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"..È uno dei rari pittori che sappiano dipingere l'acqua senza insulse trasparenze, senza riflessi menzogneri. In lui l'acqua è viva, profonda, soprattutto vera; ondeggia attorno alle barche in brevi flutti verdastri, solcati da luci bianche, si spande in stagni glauchi che un soffio fa fremere di colpo, allunga gli alberi delle navi, spezzandone l'immagine riflessa, assume tinte scialbe e opache che s'illuminano di chiarori acuti."

Così scriveva lo scrittore francese Emile Zola a proposito di Monet, grande pittore dell'acqua. L' acqua è un elemento fondamentale della pittura impressionista e della pittura di Monet, in particolare, che comincia ritraendo il luccichio dell'acqua in stagni e fiumi vicino Parigi, poi, durante i suoi viaggi, coglie "impressioni" di luce nelle città di mare ( Le Havre, Venezia, Londra) per poi dedicarsi, negli ultimi anni della sua vita, alle magiche suggestioni del suo luogo dell'anima: il giardino acquatico di Giverny. La serie delle "NINFEE" è il punto d'arrivo dell'arte di questo straordinario pittore. Approfondiamo

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Le Ninfee di Claude Monet - IAM Contemporary Art Video

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Questo video riguarda Le Ninfee di Claude Monet - IAM Contemporary Art Video

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Ecco lo stesso soggetto, "LA GRENOUILLERE", raffigurato da due esponenti del gruppo impressionista: Monet e Renoir.

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Se c'è un fil rouge che lega tutti i pittori impressionisti, ciascuno con il proprio stile, è la grande stima e amicizia che li ha sempre uniti. In alcuni casi, si può parlare di un vero e proprio sodalizio. Nel 1869 due dei massimi esponenti del movimento, Claude Monet e Pierre-Auguste Renoir, provano a rappresentare lo stesso soggetto: La Grenouillère. Scopriamo insieme somiglianze e differenze tra i due quadri, in un certo senso fratelli.

"La Grenouillère" di Monet: analisi dell'opera

Claude Monet, La Grenouillère, 1869. Olio su tela, 74,6 x 99,7 cm. New York, The Metropolitan Museum of Art.

La Grenouillère era uno stabilimento balneare sull'isolotto di Croissy, sulla Senna, frequentatissimo dalla borghesia parigina a metà dell'Ottocento. Come possiamo vedere, Monet scatta una sorta di istantanea della vita quotidiana dello stabilimento e dei suoi clienti.

Ciò che caratterizza l'opera - e che mostra già quale sarà il principale interesse di Monet fino alla fine dei suoi giorni - è l'enorme attenzione all'elemento naturale. Come possiamo notare, non mancano le figure umane, ma sono semplicemente abbozzate e relegate sullo sfondo. Colpisce, invece, la splendida riproduzione dell' effetto della luce sull'acqua: le onde della Senna sono dipinte con una tale cura da sembrare reali. Pur essendo una delle prime opere di Monet, La Grenouillère anticipa già la celeberrima serie delle Ninfee, emblema della produzione dell'artista francese.

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Le Ninfee di Monet: una storia di dolore e di bellezza

"La Grenouillère" di Renoir: analisi dell'opera

Pierre-Auguste Renoir, La Grenouillère, 1869. Olio su tela, 66×81 cm. Stoccolma, Nationalmuseum.

Davanti al quadro di Renoir, ci accorgiamo subito che il soggetto è proprio lo stesso di quello di Monet, dipinto dalla medesima angolazione. All'istante saltano però all'occhio anche due forti differenze. La prima riguarda le figure umane: se Monet le aveva lasciate sullo sfondo, Renoir fa una sorta di zoom, portandole più vicino a noi. Si distinguono chiaramente le loro pose e i dettagli dei loro abiti. Questa scelta testimonia l'amore di Renoir per la figura umana, che ritroveremo in quadri successivi, come il Bal au Moulin de la Galette.

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"Bal au Moulin de la Galette" di Renoir, a metà tra pittura e fotografia

La seconda differenza verte sulla scelta cromatica. I colori di Renoir sono sgargianti, quelli di Monet molto più tenui. La differenza non si limita a queste due opere sorelle, ma all'intera produzione dei due artisti. Notiamo dunque che alla fine degli anni Sessanta dell'Ottocento i loro rispettivi stili avevano già preso forma, sia per quanto riguarda la tecnica, sia per le preferenze di soggetti.

A proposito di Monet e Renoir

Claude Monet (1840-1926) è un maestro della pittura en plein air, sdoganata dall'Impressionismo. Dipingere dal vivo i suoi soggetti gli permette di catturare al meglio i giochi di luce. La luce è la vera protagonista dei suoi quadri: molto spesso Monet si concentra sul medesimo soggetto (come nella serie della Cattedrale di Rouen o in quella dei Covoni), rappresentandolo in diverse condizioni atmosferiche e luminose.

Il nome di Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) è associato, nell'immaginario collettivo, a scene di vita quotidiana della borghesia parigina. Le sue opere possono infatti essere considerate delle vere e proprie testimonianze della vita nella Ville Lumière del secondo Ottocento. Viene spesso definito "il pittore della joie de vivre" per il forte senso di spensieratezza che trasmettono i suoi quadri.

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"La Grenouillère": un confronto tra Monet e Renoir

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Se c'è un fil rouge che lega tutti i pittori impressionisti, ciascuno con il proprio stile, è la grande stima e amicizia che li ha sempre uniti. In alcuni casi, si può parlare di un vero e proprio sodalizio.

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Nel celebre dipinto "Impression, soleil levant", presentato alla prima mostra impressionista nel 1874, Monet registra la percezione di un attimo: il sole che sta sorgendo e comincia a filtrare attraverso la nebbia e si riflette nello specchio d'acqua del porto. Ecco una breve analisi dell'opera:

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La città impressionista è una città luminosa e vitale: i soggetti urbani di Monet e compagni ci restituiscono l’immagine di una società gioiosa, che vive nel brulichio dei velieri e dei rematori e si lascia ritrarre durante il ballo domenicale al “Moulin de la Galette” dal grande Renoir oppure nei tipici ritrovi borghesi come i teatri e i caffè. L’Impressionismo è il primo movimento artistico che rappresenta in modo positivo le strade, le piazze, le ferrovie, i caffè, i teatri della città, in particolare di una città, Parigi, che nel secondo Ottocento è la metropoli più importante e più gaudente d’Europa, polo d’attrazione per intellettuali ed artisti, capitale dell’eleganza e del divertimento: tutto questo fa da sfondo ai dipinti di Monet, Renoir, Degas, Caillebotte e ne fornisce molto del loro fascino.
Nel dipinto del 1877 "STRADA DI PARIGI, TEMPO PIOVOSO", Gustave Caillebotte ci offre una veduta urbana della città, concepita come un'istantanea fotografica.

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Stazioni e ferrovie sono un tema assai caro agli Impressionisti, in quanto simbolo di quella modernità che essi ricercano ed esaltano, cogliendo in questi luoghi caratterizzati dal fumo e dall’acciaio una poetica particolare. Alla stazione di Saint- Lazare, Monet dedica una delle sue serie

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di Laura Corchia

L'intero percorso di Claude Monet è segnato dal crescente interesse nei confronti del paesaggio e della luce. Le sue ricerche sulla luce sono particolarmente evidenti in opere realizzate in serie, come i Covoni, la Cattedrale di Rouen o la Stazione Saint-Lazare.

Nella scheda che il Musee D'Orsay dedica ad uno di questi dipinti si legge: "Nel 1877, dopo aver trovato un alloggio nel quartiere di Nouvelle Athènes, Claude Monet chiede il permesso di lavorare all'interno della stazione di Saint-Lazare, che rappresenta uno dei confini di detto quartiere. La stazione era senza dubbio il luogo ideale per chi era alla ricerca delle variazioni di luminosità, della mutevolezza del soggetto, delle nubi di vapore e di temi radicalmente moderni. Da ciò scaturisce una serie di pitture raffiguranti prospettive diverse tra cui alcune vedute della grande hall. Nonostante l'apparente geometria dell'architettura metallica, in questo caso, sono proprio gli effetti di colore e di luce a prevalere e ad imporsi su una descrizione dettagliata delle vetture o dei viaggiatori. Alcune zone, veri e propri esempi di pittura pura, sfociano in una visione quasi astratta. Questa tela fu apprezzata da un altro pittore della vita moderna, Gustave Caillebotte, la cui produzione è molto spesso situata agli antipodi rispetto a quella di Monet".

L'artista si concentra sulla resa del fumo delle locomotive e Renoir ebbe a dire: "alla partenza del treno il fumo delle locomotive è talmente denso che non si distingue quasi nulla. E' un incanto, una vera fantasmagoria". La stazione, solitamente intesa come luogo frenetico, contiene piuttosto una serenità e una calma sorprendenti. La densa e pastosa pennellata di Monet delinea i soggetti per grandi masse: la locomotiva entra sbuffando sulle rotaie, mentre alcuni passanti si aggirano immersi nel colore grigio-azzurro del fumo.

Come ricordano le fonti, Monet dipinge una mezza dozzina di tele che rappresentano insolite vedute, difficilmente apprezzabili separatamente. Probabile fonte di ispirazione fu anche il dipinto che William Turner esegue nel 1844 dal titolo "Pioggia vapore e velocità - la grande ferrovia occidentale" visto da Monet durante il soggiorno in Gran Bretagna.

Il tema, abbastanza inusuale fino a quel momento, viene difeso dalla penna di Zola: "Puoi sentire il rumore dei treni che riempiono la stazione. Puoi vedere i vapori del fumo che si addensano sotto le enormi vetrate del tetto. Questa è l'arte di oggi. Gli artisti moderni hanno scoperto la poesia delle stazioni ferroviarie, così come i loro padri avevano scoperto il fascino delle foreste e dei fiumi".

RIPRODUZIONE RISERVATA

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Monet e la pittura di luce: la serie dedicata alla Stazione di Saint-Lazare | RestaurArs

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di Laura Corchia L'intero percorso di Claude Monet è segnato dal crescente interesse nei confronti del paesaggio e della luce. Le sue ricerche sulla luce sono particolarmente evidenti in opere realizzate in serie, come i Covoni, la Cattedrale di Rouen o la Stazione Saint-Lazare.

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I luoghi della città:3) Il caffè visto da Degas

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I luoghi della città:3) Il caffè visto da Degas

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Molti impressionisti ambientano i loro dipinti nei bar e nei ritrovi parigini: d'altra parte è proprio al tavolo di un bar, il celebre Caffè Guerbois, che sono nate le prime discussioni sulla nuova pittura!
Nel celebre dipinto "L'ASSENZIO", Edgar Degas rappresenta il rovescio della medaglia della vita festosa e spensierata dei caffè parigini, mostrando la dimensione di incomunicabilità tra un uomo e una donna, seduti l'uno accanto all'altro ma chiusi nella loro solitudine

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Edgar Degas - L'assenzio | i RACCONTI DELL'ARTE

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Uno dei temi ricorrenti dell'arte impressionista è il ritratto, in particolare il ritratto di gruppo, raffigurazione di persone comuni, immerse nella loro dimensione intima o colte durante quegli eventi mondani che rendevano animata la vita parigina del Secondo Ottocento.
Una mostra di alcuni anni fa al Complesso del Vittoriano sviluppava proprio il tema del ritratto nella pittura impressionista, offrendoci un grande affresco della società parigina.

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Gli impressionisti a Roma mostrano il loro volto tra ritratti, omaggi e vita mondana

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Dal Musée d’Orsay di Parigi gli impressionisti hanno raggiunto Roma, al Vittoriano fino al 7 febbraio. Leggi la nostra recensione

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Il soggetto che Renoir predilige è la figura umana, isolata o in gruppo, spesso dipinta all'aperto in momenti di svago in mezzo alla natura oppure nei luoghi di ritrovo della borghesia parigina. Le sue opere più celebri sono appunto due ritratti di gruppo: il "Ballo al Moulin de la Galette" e "La colazione dei canottieri", nei quali l'artista coglie l'atmosfera allegra e spensierata di un giorno di festa.

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La colazione dei canottieri di Pierre-Auguste Renoir

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Fra passato e presente: i ritratti di Degas

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Fra passato e presente: i ritratti di Degas

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Spesso gli impressionisti guardano al passato per definire l'arte del presente. Ciò esprime il bisogno di un punto di partenza: la modernità non equivale necessariamente al rifiuto del passato ma si sostanzia spesso nel suo superamento e in una sua consapevole evoluzione.
Consideriamo ad esempio un celebre ritratto giovanile di Edgar Degas: "LA FAMIGLIA BELLELLI". L'opera unisce caratteri compositivi presi dalla tradizione ( Bronzino e Velasquez) ed elementi inediti fortemente agganciati al presente

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Nel 1863, 11 anni prima della famosa mostra con la quale gli impressionisti si presentarono al pubblico parigino, Edouard Manet realizzò " Dejeuner sur l'herbe" e "Olympia". Le due opere scandalizzarono pubblico  e critica non solo per la tecnica (assenza di volumi, di prospettiva e di chiaroscuro), ma anche per il tipo di nudo che presentavano: la nudità era offerta senza artificiose invenzioni, senza mitologie e simbolismi. Una sfida da parte di Manet, che presentava all'osservatore niente altro che la verità:

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Versione audio:

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Nel 1863, pochi mesi dopo la realizzazione del quadro La colazione sull'erba, Édouard Manet (1832-1883), pittore francese considerato il padre dell'Impressionismo, dipinse un secondo capolavoro, l'Olympia, che venne, contro ogni previsione, accettato al Salon ufficiale del 1865. In realtà, i giudici tentarono di nascondere il più possibile questo quadro, nella speranza di soffocare le prevedibili polemiche, e lo appesero in un angolo della sala, bene in alto e lontano alla vista. Pubblico, critici e giornalisti furono ugualmente attratti dal nuovo scandaloso soggetto di Manet e seppellirono di critiche tanto l'opera quanto il suo autore. Il dipinto venne definito "una spregevole odalisca con il ventre giallo". Manet, per quanto si ritenesse pronto a fronteggiare i giudizi negativi, confessò al poeta Baudelaire, suo amico, di non essere mai stato così offeso dalle maldicenze della critica. Normalmente, si compiaceva se il pubblico lo considerava provocatorio, trasgressivo e persino eccessivo; in quella circostanza, però, gli attacchi lo ferirono profondamente.

Olympia presenta una donna completamente nuda, che ha nuovamente il volto e il corpo di Victorine Meurent, già protagonista del dipinto La colazione sull'erba. Sdraiata sopra il suo letto disfatto, ornata solo da un bracciale d'oro e da un sottile collarino di velluto con una perla a goccia, e con una ciabattina ciondolante sul piede sinistro, ella guarda direttamente verso l'osservatore con espressione sfacciata.

La sua mano sinistra è posata sul pube, in un gesto di apparente pudore ma in verità piuttosto sfrontato. Il pubblico capì subito che si trattava di una prostituta, ritratta con l'atteggiamento impudente e confidenziale di chi riceve un cliente abituale.

L'interpretazione era legittima. L'aspetto e la posa della donna rimandavano a foto di nudi pornografici che nella Parigi dell'epoca avevano un mercato enorme (anche se clandestino). Sullo sfondo, una domestica di colore si avvicina per consegnarle un bouquet di fiori. Anche la figura della "serva negra" (come si usava dire all'epoca) rimandava al tema della prostituzione: le prostitute, infatti, non avevano domestiche bianche, le quali si rifiutavano di lavorare per donne così poco raccomandabili.

Ai piedi del letto, un gatto nero, tradizionale simbolo di lussuria e tradimento, si spaventa per l'ingresso del cliente che la donna sta guardando e scatta sulle zampe rizzando il pelo.

Perfino il titolo dell'opera chiariva gli intenti dell'artista: Olympia era infatti un nome assai diffuso tra le prostitute d'alto bordo.

Il linguaggio pittorico

La tecnica adottata da Manet è del tutto simile a quella del dipinto La colazione sull'erba: la scena è infatti costruita attraverso rapide pennellate e solo osservandola in lontananza acquista un effetto realistico. Il chiaroscuro è semplificato al massimo e il contrasto tra tinte chiare e scure appare assai netto, tanto che il color avorio della pelle di Olympia si staglia con decisione sullo sfondo quasi nero.

Una rilettura del Rinascimento

Di fronte alle critiche inferocite che gli piovvero addosso, Manet spiegò che la sua Olympia altro non era che l'interpretazione in chiave moderna di un capolavoro rinascimentale, cioè la Venere di Urbino di Tiziano.

Anche nel quadro del grande artista veneto, infatti, si vede una giovane nuda, sdraiata sopra un letto disfatto, che guarda verso l'osservatore con atteggiamento sensuale, mentre sullo sfondo due domestiche si stanno occupando del suo guardaroba. Benché il legame con l'autorevole modello fosse evidente (anzi, proprio per questo), la critica non trovò giustificazioni. Il capolavoro di Tiziano aveva per protagonista una dea e non una donna, meno che mai una prostituta; inoltre, esso celebrava l'eros ma circoscrivendolo all'ambito matrimoniale, come dimostra la presenza del cagnolino (simbolo di fedeltà) che sonnecchia ai piedi di Venere. L' Olympia aveva tutto un altro significato e Manet, ovviamente, ne era ben consapevole. Parigi vantava, in quegli anni, almeno 35.000 prostitute; a nessuno, però, era ancora venuto in mente di dipingerne una nella posa della Venere di Urbino. L'oltraggio, quindi, nasceva sia dalla decisione di rendere pubblico ciò che normalmente si fingeva di ignorare sia dalla scelta, altrettanto irritante, di utilizzare l'arte rinascimentale per raffigurare le bassezze della vita.

Una curiosità: la notorietà conquistata da Olympia fu fatale per la reputazione della modella Victorine Meurent. La donna non riuscì mai più a liberarsi dalla fama di prostituta e, dopo la morte di Manet, finì i suoi giorni povera e alcolizzata.

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Versione audio: Nel 1863, pochi mesi dopo la realizzazione del quadro La colazione sull'erba, Édouard Manet (1832-1883), pittore francese considerato il padre dell'Impressionismo, dipinse un secondo capolavoro, l'Olympia, che venne, contro ogni previsione, accettato al Salon ufficiale del 1865.

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"Sino ad oggi il nudo era stato rappresentato in pose che presupponevano la presenza di un pubblico. Guardate invece questa donna: è come se la coglieste di sorpresa, spiandola dal buco della serratura." Così annotava Degas nei suoi appunti, affermando una nuova concezione estetica della bellezza femminile, mostrata nella verosimiglianza anatomica e nella quotidianità. Quelle di Degas sono donne che fanno il bagno, che si asciugano, si pettinano, colte in momenti intimi e riservati. Attimi spiati, rubati, violati.

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Renoir amava molto il corpo femminile, che liberò in parte dai suoi referenti classici. Ma negli ultimi anni egli si orientò verso una figuratività monumentale, concentrandosi prevalentemente sul nudo , che studiò sui modelli dell'antichità e del Rinascimento. Dopo un viaggio in Italia nel 1881, l'artista prese progressivamente le distanze dall'Impressionismo ed approdò ad una nuova stagione creativa. Ne è una chiara testimonianza un dipinto celebre come "LE GRANDI BAGNANTI" (1884-1887), che ci sorprende proprio per la stesura compatta delle superfici, l'affermazione vigorosa dei corpi liberi e sensuali che si stagliano su un paesaggio fluviale  dolce e accogliente.

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Le campagne intorno a Parigi offrono a Monet molti spunti di studio, fornendogli l'occasione per registrare le variazioni luministiche su alberi, giardini e campi fioriti come avviene, ad esempio, ne "I PAPAVERI

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I luoghi della città: 4) Il caffè visto da Manet

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I luoghi della città: 4) Il caffè visto da Manet

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Anche Manet dipinge l'interno di un caffè e lo fa nell'ultimo periodo della sua vita, quando si avvicina all'Impressionismo. "IL BAR DELLE FOLIES-BERGERE", presentato al Salon del 1882, rappresenta un famosissimo bar parigino. L'opera è l'esempio più evidente dell'adesione di Manet ai principi della pittura impressionista.