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Genres associés

Le reggae est un genre musical ayant émergé à la fin des années 1960, il est la plus populaire des expressions musicales jamaïcaines. Il devient, à la faveur de son succès international, un style musical internationalement apprécié, porteur d'une culture qui lui est propre. Le reggae est souvent lié au mouvement rastafari, lui-même né en Jamaïque. Mais certains Rastas, comme le mouvement Bobo Ashanti, y étaient ou y sont opposés. Malgré tout, la majorité des chanteurs de reggae d'origine jamaïcaine et étrangère sont, ou se réclament, de rasta.

" Il y a d'abord le mento, notre musique locale traditionnelle. Le ska, le rocksteady et le reggae ont pris au mento le jeu à contretemps de la guitare rythmique, et aussi certaines chansons transformées. Si on essaie d'établir des relations entre les musiques, et de voir quelles continuités existent d'une période à une autre, on peut isoler le jeu à contretemps de la guitare, que l'on peut entendre dans le mento avec le banjo, le ska, et qui correspond aussi au contretemps dans le rythme and blues et en particulier dans le piano boogie-woogie. C'est le entre les temps, c'est le Tin-Cutin'-Cutin' -Cutin', c'est le un ET deux ET trois ET... Tu le retrouves dans toutes nos musiques, le reggae, le calypso, le mento, la musique de la Martinique, de la Guadeloupe, tu le retrouves dans le hi-life, mérengue. De plus cette attirance vers l'" after-beat " se retrouve dans les églises, avec les rythmes des tambourins, des claquements des mains... Une grande part du mento provient de la musique populaire. Mais nous avons aussi des traditions folk très fortes, qui pénètrent dans la musique à différentes étapes de son développement. Par exemple tu as la musique burru, le tambour traditionnel africain sur lequel les gens font des chansons sur les évènements locaux. Ces chansons sont celles qu'ils chantent en creusant dans les champs, des diggin'songs ... "

- Linton Kwesi Johnson, entretien avec Bruno Blum paru dans le numéro hors-série magazine Best Best of Reggae (1994).

Le reggae est lancé en Jamaïque à la fin des années 1960 dans un contexte de forte émulation entre petits producteurs de musique. Il est le fruit de nombreuses rencontres et de métissages : évolution du ska puis du rocksteady, il trouve ses racines dans les rythmes et musiques blanches coloniales qu'on faisait jouer aux esclaves ( polka, mazurka, scottish, quadrille mais aussi musiques de types militaires avec fifres et tambours), les formes culturelles et musicales du xix e siècle comme le Kumina, le Junkanoo ou le Revival Zion qui se traduisent dans les musiques traditionnelles caribéennes ( mento puis calypso), mais est aussi très influencé par le Rhythm and blues, le jazz et la soul music (la musique américaine est alors très en vogue en Jamaïque). À ces influences s'ajoute celles de musiques africaines, du mouvement rasta et des chants nyabinghi, qui utilisent les tambours dérivés des cérémonies Burru afro-jamaïcaines. Ce métissage ne s'arrêtera pas là : de nos jours, nombre de styles s'inspirent, intègrent ou reprennent le style reggae de par le monde. Le reggae est maintenant une musique universelle, comme le souhaita son principal ambassadeur, Bob Marley.

Le terme apparaît en 1968 en Jamaïque, mais son origine est controversée. Il pourrait venir du mot d'" anglais jamaïcain, streggae ", qui désigne une personne mal ou trop peu habillée, et de là, les prostituées ; ce mot aurait été modifié par une radio jamaïcaine de l'époque. Cette étymologie est également fournie par le grand producteur de reggae Bunny Lee qui l'explique au musicien et musicologue spécialiste de la Jamaïque Bruno Blum dans le film Get Up Stand Up, l'histoire du reggae, précisant que les radios n'avaient pas aimé le mot péjoratif " streggae ".

D'autres explications existent, comme celle qui en fait la contraction des expressions " " regular guy ", regular people ", en somme une musique faite pour " l'homme de la rue " (citation Bob Marley, interview [réf. nécessaire]). Pour le chanteur Bob Marley, le terme aurait des racines espagnoles et désignerait la " reine des musiques " (" la musica del rey "). Selon d'autres sources, il serait la contraction et l'altération du terme anglais " raggamuffin " (littéralement " va-nu-pieds ") ou peut-être de rege-rege " querelle ". Autre hypothèse, " reggae " désignerait une tribu de langue bantou originaire du lac Tanganyika. Derrière toutes ces étymologies possibles, se dessinent les particularités d'un genre musical fait d'héritages, de brassages, d'appropriations et de confrontation à la dure et rugueuse réalité. Enfin, dernière explication, le terme " reggae " découlerait de la spécificité de son rythme - " a ragged rythm" un "rythme déguenillé" ou "irrégulier" - comme le soutient le guitariste de studio Hux Brown. On ne peut pourtant s'empêcher de rapporter cette origine rythmique du mot râga en inde qui désigne des cadres mélodiques fondés sur les théories védiques concernant le son et la musique. C'est certes probable du fait de la main d'œuvre indienne arrivée sur l'île (qui a également influencé de nombreux rites rasta : nourriture ital/végétarienne, chillum/chalice...).

Tout aussi problématique est la question de la paternité du reggae en tant que genre musical proprement dit ; paternité qui, contrairement au rocksteady, est très controversée : certains attribuent le premier disque de reggae aux Maytals avec en août 1968. Cependant, si Toots est certes le premier à utiliser le mot " reggae " dans une chanson, d'autres morceaux au tempo un peu plus rapide que le rocksteady ont déjà préfiguré le style au cours de l'année 1968. D'autres compositions se disputent le titre de premier reggae, dont le de Stranger Cole et Lester Sterling (pour Bunny Lee), le de Larry Marshall et Alvin (sous la direction de Jackie Mittoo, pour Studio One), la première version méconnue du de Bob Marley parue chez JAD, et le No More Heartache des Beltones. de Lynford Anderson annonçait aussi en 1969 un nouveau style de rythme.

Cette première phase d'évolution du reggae, qualifiée de période du early reggae, est caractérisée par un tempo plus rapide, et l'accentuation du contretemps déjà présent dans le mento, le ska et le rocksteady. Puis le tempo ralentira, la basse se fera plus lourde encore, mais le reggae gardera cette base rythmique basse et batterie prédominante et ce mouvement chaloupé qui lui est propre. Lee " Scratch " Perry est également à l'origine d'un des premiers succès reggae de 1968, (interprété par les Pioneers, avec les jeunes frères Aston " Family Man " Barett et Carlton Barrett à la basse/ batterie), où il utilise une rythmique reggae. Scratch travaille alors pour Joe Gibbs et le quittera pour ne pas avoir été crédité pour son travail sur ce morceau [réf. nécessaire]. Il reprendra cet arrangement de basse/batterie à son compte et en fera son People Funny Boy , un succès jamaïquain. en se lançant dans la production, avec son propre label Upsetter. Scratch utilisera par la suite des pratiques innovantes qui transformeront le reggae, comme l'introduction de bruitages (l'origine du sample). Il fondera également le légendaire studio Black Ark où seront enregistrés, entre autres, Bob et The Wailers, The Congos, Max Romeo, Junior Murvin.

Dès sa naissance, en Jamaïque, le reggae évolue :

La mode du rocksteady, ancêtre du reggae, se termine en 1968[réf. nécessaire] :

1968 - 1970 : le early reggae : tempo rapide, dû aux influences du mento local encore très rythmé, prédominance de la basse ;

1970 - 1976 : le one-drop : tempo medium, rythme plus lent, temps fort de la caisse claire sur le temps ;

1977 - 1980 : le rockers, parfois décliné stepper, avec les 4 temps frappés à la batterie, ainsi qu'une caisse claire très tonique, presque " folle " ;

1981 : le early dancehall ou rub-a-dub : tempo lent, prédominance de la basse et de la batterie (balance entre un coup de grosse caisse sur le premier temps, et un coup de caisse claire sur le troisième) ;

1985 : le early digital : rythmique rapide, entièrement composé sur boîte à rythmes

C'est à partir de 1973, avec le succès de Bob Marley & The Wailers puis d'autres groupes comme les Gladiators et Black Uhuru que le reggae prend une dimension internationale. Dès lors, il pourra non seulement continuer à évoluer en Jamaïque, mais aussi reprendre son métissage à travers le monde.

Sound system

Article connexe : Sound system.

On voit apparaître les premiers (précurseur du rap et du sound system en 1940 : une sono embarquée dans un camion, faisant le tour de la Jamaïque. Un sound system est constitué d'un: programmateur qui choisit les musiques pour faire bouger, et du (terme qui disparaîtra dans les milieux electro, techno ou hip-hop pour devenir MC) qui commente et anime la session du selecter au micro. Les premiers sound systems sont très rudimentaires : une platine vinyle, un amplificateur et deux enceintes. Tom Wong, alias Tom the Great Sebastian, jamaïcain d'origine chinoise sera le premier à faire bouger les rues de Kingston au début des années 1950. Un autre sound system très connu est celui de Clement Seymor Dodd, alias Sir Coxsone Downbeat, qu'il monte en plein ghetto de Kingston. Il engage Count Matchuki beatboxing) [réf. nécessaire] comme deejay. Le milieu des sound system est très rude, et la concurrence féroce envoie souvent des hommes de mains saccager les sound " adverse " : on arrache les étiquettes des disques, détruit le matériel, etc. (c'est pour cela par exemple que Coxsone va engager Prince Buster, boxeur amateur, qui sauvera d'ailleurs Lee Scratch Perry). Vers la fin des années 1950, le courant recule aux États-Unis et les selecter ont beaucoup de mal a s'approvisionner en disques. Ils se tournent alors vers l'industrie du disque locale. C'est à ce moment-là que Coxsone créé son propre label : le Studio One.

Encourageant la foule ou commentant le quotidien dans les sounds, les toasters utilisent un phrasé original parfois proche de la psalmodie, entre parler et chant mélodique. Parmi les premiers à lancer le genre : Count Matchuki, Sir Lord Comic, King Stitt, Prince Jazzbo, suivis du fameux U Roy. Cette pratique, le " talk over " est à l'origine du rap. Les sound systems sont plus que présents de nos jours, et on y écoute tous les styles : dub, dancehall, roots, nu roots, UK style, rub-a-dub, etc[réf. nécessaire]. Quelques sound systems connus internationalement notamment Aba Shanti I, King Earthquake, King Shiloh, Jah Tubbys, Jah Shaka, Stone Love, Killamandjaro, King Addies, Bass Odyssey, et David Rodigan[réf. nécessaire]. Quelques sound (sans systems) connus au niveau national:K'n'S, High Fight, Stand Tall, King Dragon, Scalawax, Soul Stéréo, Guiding Star, Calaloo, Irie Crew, Blues Party, Heartical sound, FuryBass, Bam Salute, Dooze Sound, MightyEarth, et Absolute. Ainsi que des sounds équipés d'un sound system comme : BlackBoard Jungle, OBF, Lion Roots, Dub Livity, Zion Gates, Ital Sounds, et Legal Shot. En Jamaïque, pour les gens qui n'avaient pas accès aux journaux ou à la radio, le sound system était un bon médium d'information sociale, les DJs abordant souvent des thèmes d'actualité.

Du Reggae instrumental au dub

Article connexe : Dub.

Le dub est un dérivé du reggae, et signifie " remixage " depuis 1968. Elle prend ses racines dans l'ajout de solistes de jazz sur des rythmiques préenregistrées, comme The Return of Django de Val Bennett & the Upsetters, un succès britannique de 1968 produit par Lee " Scratch " Perry. Au début des années 1970, les ingénieurs du son King Tubby et Errol Thompson approfondissent significativement ce genre pionnier, le sophistiquant et le perfectionnant avec talent. King Tubby est un créateur important et très influent, qui enseigne ses pratiques à nombre de disciples, parmi lesquels King Jammy, Scientist et Lee " Scratch " Perry. À la fin des années 1980 le dub commencera à influer de façon conséquente sur toute la musique populaire de danse mondiale, qui adoptera le principe du remixage, né en Jamaïque.

Le travail des ingénieurs du son pratiquant le dub consiste à effectuer un remixage des morceaux présents sur la face A des 45 tours de vinyle, et à les publier en face B. La face A étant le morceau original et la face B la version dub. Le style se caractérise alors par son accentuation rythmique, lourde et dépouillée, une basse et une batterie très présente. La voix disparaît le plus souvent. On y ajoute des effets comme des échos, de la réverbération et autres apparitions et disparitions de pistes. Ces variations instrumentales permettent aux toasters (disc-jockey du reggae) de développer leurs improvisations dans les soirées dansantes des sound-systems. Cette nouvelle pratique est elle aussi pionnière. Elle s'exporte à New York et est à l'origine du rap américain. Le dub deviendra un style à part entière, et se développera dans le monde entier de façon indépendante du reggae dont il est issu, au point que le public du dub actuel ignore souvent son origine.

Article connexe : Dub Poetry.

La dub poetry est un dérivé du rap jamaïcain. La poésie dub jamaïcaine s'intéresse de près à l'acte artistique, à l'engagement politique. Le poète " dub " prononce ses paroles sur des musiques composées spécifiquement pour elles, alors que le DJ improvise sur des musiques préexistantes. Les dub poets de référence sont Michael Smith, Sister Breeze, Oku Onuora, Mutabaruka et l'anglo-jamaïcain Linton Kwesi Johnson, mieux connu. Linton Kwesi Johnson n'est pas rasta. Il est engagé dans un mouvement très marqué par la gauche britannique et les écrits de C.L.R. James notamment. Ce style s'est implanté dans les milieux culturels et intellectuels. Des artistes américains comme Benjamin Zephaniah ou The Last Poets participent à l'évolution du genre en l'orientant vers le hip-hop et l' electro.

En France, la pionnière est Sistacaro[réf. insuffisante], depuis 1998 elle raconte des histoires sur le dub, des textes militants et historiques ayant pour thème des contes du Ghana, l'épopée éthiopienne du Kebra Nagast et des contes traditionnels jamaicains. Elle a adapté ses textes pour les jouer en sound system et ainsi représenter la dub poetry en France[réf. nécessaire].

Lovers rock

L'appellation, lancée à Londres au milieu des années 1970, définit un reggae doux, au rythme moins marqué, qui parle d'amour et de situations sentimentales et s'oppose en cela au reggae roots. Il est devenu synonyme du reggae " romantique " dont les figures jamaïcaines les plus représentatives sont Gregory Isaacs, John Holt, Dennis Brown et Freddie McGregor. Ce style perdure en Jamaïque dans les années 1980 avec Sugar Minott, Cocoa Tea ou Frankie Paul, puis dans les années 1990 avec Beres Hammond, Sanchez, Jack Radics, Glen Washington, George Nooks, Richie Stephens, Wayne Wonder et, durant les premières années de sa carrière, Luciano. Il est également resté assez populaire en Angleterre, où même des groupes reggae roots comme Aswad ou Matumbi s'y sont adonnés. Les artistes lovers rock britanniques actuels sont Don Campbell, Peter Huningal, Nereus Joseph ou Peter Spence. Il a en particulier suscité de nombreuses carrières d'artistes féminines telles Carol Thompson, Louisa Marks et Janet Kay.

Skinhead reggae

L'early reggae se démarque du rocksteady par un tempo plus rapide, un skank à l'orgue souvent doublé et une influence funk dans le jeu de basse alors que la batterie marquait le troisième temps d'une mesure de quatre temps, à la façon du rocksteady (dans le ska, il s'agissait des deuxième et quatrième temps). Ce style est également influencé par le mento traditionnel, influence retrouvé dans le skank dédoublé et dans certaines lignes de basse rapproché du jeu d'une rumba box. Ce reggae, très nerveux et mené par le jeu de l'organiste, connut beaucoup de succès en Angleterre auprès des skinheads anglais, au point qu'il prit parfois le nom de skinhead reggae[réf. nécessaire].

Le skinhead reggae proprement dit naît dans les années 1969 et 1970 en Angleterre, suite au mélange des mods et des rudies jamaïcains fans de reggae, donnant naissance à des skinheads auxquels ils ont transmis le goût de cette musique : des groupes se sont mis alors à jouer ce style spécifique pour répondre à leurs attentes. Les principaux artistes issus de l'émigration caraïbes (Jamaïque, la Barbade, Guyane britannique...) qui faisaient allusion aux skinheads étaient Laurel Aitken, Dandy, Derrick Morgan, Symarip, The Rudies, Hot Rod Allstars (The Cimarons), The Pioneers et les producteurs Joe Mansano, Lambert Briscoe, Webster, Shrowder et Desmond Bryan.

Le kaneka est une forme musicale issue de Nouvelle-Calédonie où les kanaks ont mêlé les rythmes et les sonorités des musiques traditionnelles aux influences reggae.

L'année 1995 marque le début de la vague " new-roots " amorcée l'année précédente par la mort du grand chanteur Garnett Silk (9 décembre 1994) et la conversion à rasta du deejay du moment Buju Banton et qui perdure tant bien que mal jusqu'à aujourd'hui. Sur le plan des textes, le new roots, aussi appelé dancehall roots, désigne le retour de la mode des textes conscients et " culturels " (moins présents depuis la seconde moitié des années 1980 où les textes les plus mis en avant traitaient souvent de manière ambiguë d'armes à feu ou de sexe) dans le reggae jamaïcain, sous le renouveau de l'influence rasta[réf. nécessaire].

Sur le plan de la texture musicale, le new-roots se traduit par le retour du reggae à un son moins digital voire de plus en plus " acoustique ". La plupart du temps, le son reste néanmoins semi-digital puisque l'ossature des " riddims " (basse-batterie-skank) reste généralement exécutée à l'aide de synthétiseurs/boîtes à rythmes tandis que viennent se greffer autour des instruments non-digitaux plus traditionnels (cuivres, guitare, piano, orgue Hammond).

Les labels phares de la vague new roots de 1995 sont X-terminator (Phillip " Fattis " Burrell), Digital B (Bobby " Digital " Dixon), Penthouse (Donovan Germain), Startrail (Richard " Bello " Bell), puis par la suite à un niveau moindre, X-rated (Barry O'Hare), Kariang (Jah Mike), Black Scorpio (Jack Scorpio), Kings of Kings (Colin" Iley Dread " Levy) et Fateyes (Fatta Marshall & Bulby York). Mais cette vague très influente en Jamaïque jusqu'en 1998 cède ensuite la place à un retour du dancehall hardcore, le dancehall bogle (appelé de plus en plus dancehall tout court) jusqu'en 2004, époque à laquelle on recommence à parler de new roots pour désigner un nouveau retour à un reggae plus classique dans la rythmique. Ce nouveau cycle de la musique jamaïcaine prend également le nom de one drop, terme qui désignait à l'origine le rythme roots reggae le plus " traditionnel " (les autres étant le flying cymbal, le rockers et le rub-a-dub) mais qui devient de plus en plus synonyme d'une rythmique roots reggae, quelle qu'elle soit.

Depuis peu, le reggae one drop à l'ancienne reprend ses droits en Jamaïque[réf. nécessaire]. aux dépens d'un dancehall qui régnait en maître ces dix dernières années. De plus en plus influencé par le hip-hop américain, ce genre musical peinait à se renouveler. Il n'en fallait pas plus pour que quelques jeunes pétris de talent, appelés" nouvelle garde ", s'engouffrent dans la brèche. Une brèche ouverte en 2002 par Warrior King et son tube Virtuous Woman , son premier véritable succès. Cette chanson a séduit le public jamaïcain non seulement pour sa qualité et son côté novateur, mais aussi pour la belle histoire autobiographique qu'elle racontait. En effet, cette chanson était destinée à son ex-petite amie qui, en l'entendant à la radio, a décidé de retourner avec lui, charmée par cette preuve d'amour. Les yardies, friands de contes de fées, ont littéralement accroché. S'ensuivit le bien nommé album Breath of Fresh Air , un succès d'estime autant que commercial.

Puis, en 2003-2004, c'est tout une génération qui émergea de l'iceberg reggae, rebaptisé une nouvelle fois new roots pour l'occasion. Ce fut d'abord Richie Spice, le cadet de la famille Banner, à qui l'on doit déjà les chanteurs Pliers et Spanner Banner, qui scora trois numéros un hit singles consécutifs. Dans l'ordre : Earth a Rune Red , et Folly Living . Il est, depuis, devenu l'icône du renouveau du reggae et son album Spice In Your Life figure déjà au panthéon de la musique jamaïcaine moderne. À ses côtés, le label Fifth Element, équipe de production/management également en charge d'autres artistes à la mode comme Chuck Fender et Anthony Cruz. Puis il y eut Chezidek et son Leave The Trees , Natty King avec ses No Guns to Town et , Fantan Mojah avec Hail The King et Hungry Days , Mr. Perfect avec Handcart Boy. D'ailleurs, ce dernier possède une histoire similaire à celle de Warrior King. Sa chanson narre la belle histoire tirée de sa propre vie, à savoir celle d'un pauvre rasta pousseur de charrette amoureux d'une belle fille de bonne famille, et qui parvient malgré tout à la séduire. Enfin, Gyptian a connu un très grand succès avec sa chanson Serious Times sur un rythme nyabinghi-FM. Mais le leader de ce nouveau mouvement reggae, Jah Cure, vit une moins belle histoire : il effectue un séjour en prison, pour une affaire contestée de viol, de 1999 à 2007. Il est libéré sur parole le 28 juillet, continue de clamer son innocence et n'a jamais reconnu les faits. Trois jours après sa libération, il sort son quatrième album intitulé True Reflections...A New Beginning ( Des pensées profondes... Un nouveau début), qu'il a pu enregistrer dans sa cellule. Depuis, cela a donné des idées à certains et même les artistes dancehall se mettent au one drop, y compris le sauvage Elephant Man qui se met soudainement à chanter rastafari.

À des lieues du dancehall et de sa glorification fréquente des guns et des grosses voitures, le reggae one drop évolue constamment dans un climat positif et constructif. Les chansons ont bien souvent comme thème l'appel à l' amour, la condamnation de la violence, l'éloge de l' herbe ou encore la dénonciation de la corruption presque traditionnelle. Même si elles découlent de causes identiques, il existe des différences entre la vague nu roots de 2004 et celle de 1995 :

Celle de 1995 reposaient sur des labels assez anciens et très puissants, qui formaient de véritables familles artistiques avec leurs artistes (X-terminator, Startrail) et imposaient chacun un son particulier (les fameux sons Penthouse ou Digital B). À l'inverse, celle de 2004-2005 est plus basée sur une génération de nouveaux artistes. Les labels " dominants " (il n'y en a pas vraiment, mis à part Downsound) sont plus modestes, bien moins puissants et moins charismatiques au niveau des productions (on ne reconnaît pas vraiment ces labels à leur son, à part peut être ceux de Don Corleon, dont les riddims nu roots facilement abordables sont tous basés sur à peu près la même rythmique). L'aspect familial mis en avant en 2004 a disparu (départs de Chuck Fender et Anthony Cruz du Fifth Element, de Junior Kelly de Downsound, de Luciano de chez X-Terminator).

Le son est de plus en plus acoustique en 2004, alors qu'il restait assez digital en 1995. Par ailleurs, il est aussi plus léger (basses parfois mises en retrait lors du mixage) et plus " lover's " que le son lourd de 1995.

Le reggae nu-roots n'est pas exclusivement jamaicain. Bien que l'Europe soit principalement tournée vers le reggae dit roots, le nu-roots est une musique jouée et écoutée sur toute la planète.

Styles et caractéristiques

Le reggae est une musique ayant une structure rythmique très marquée. Cette structure peu remplie mais très tranchante est donnée par la guitare rythmique qui accentue le second et le quatrième temps et la batterie qui accentue le troisième par un coup de caisse claire et de grosse caisse synchronisés. À cette structure découpée s'ajoute le pilier central, moins anguleux: la basse, qui assure le fondement mélodique du rythme. Les " riddims ", structure rythmique au fondement des musiques jamaïcaines à partir de 1967, sont généralement déterminés par leur ligne de basse).

Le reggae peut-être caractérisé par :

Un rythme à quatre temps, avec accentuation par la basse et batterie sur les temps faibles.

Le skank qui désigne le contretemps (ou after-beat) propre au reggae (en fait une accentuation du second et quatrième temps), généralement marqué par un accord plaqué joué par la guitare rythmique ou le clavier.

Un coup de caisse claire sur le one drop ( temps).

L' orgue : celui-ci est très souvent utilisé dans ce qui est nommé le shuffle de l'orgue. C'est une technique qui serait empruntée au vieux R'n'B, qui se place là où se trouvait le beat guitare (ou skank) du ska et accentue fortement la dynamique rythmique, donnant l'impression d'accélérer le tempo. Le riddim classique du Beat Down Babylon de Lee Perry est un exemple typique. L'orgue accompagne également le skank (sur le et temps) et ouvre parfois le riddim par une introduction mélodique. Un exemple d'ouverture célèbre est celle du aka Truth and Right d' Al Campbell chez Studio One.

La guitare rythmique : elle est toujours électrique (très rares exceptions) et l'effet utilisé est absolument crucial. Le skank est parfois doublé par un mouvement d'aller-retour rapide (le pickin) ou par l'utilisation d'une boîte analogique à écho ( delay, en anglais). Les accords en contretemps sont parfois dotés d'un effet Wah.

La guitare lead : dit principal, le jeu de la lead guitar est un court motif, souvent joué cordes étouffées, basé sur la répétition très rapide d'une même note. Une lead guitar peut reprendre la ligne de base, ou avoir sa propre ligne.

La basse : à l'origine les contrebasses marquaient le temps sur les rythmes ska. Les basses reggae sont électriques et ont plus de liberté mélodique. Elles utilisent les fréquences les plus basses et apportent un effet alourdissant volontairement le riddim. La guitare basse forme le noyau central du riddim avec la batterie, musique fondamentalement rythmique, des mots même de Lee Perry. Les lignes de basses les plus marquantes (Rockfort Rock, The Heathen...) sont simples mais jouées avec une précision absolue afin de maintenir une rythmique marquée au travers des accords. L'importance de la basse s'accroît avec la naissance du roots, et plus encore dans le dub.

Les cuivres : dominant durant le ska, presque absents du rocksteady, ils reprennent place avec le reggae. Ils marquent parfois le skank (ex : They don't Know Jah des Wailing Souls) mais remplacent plutôt l'espace occupé par l'orgue au début des années soixante-dix : intro et refrain. Certains artistes, tels que Burning Spear font perpétuellement appel à une section cuivre.

De 1975 à 1980, le reggae évolue sous une nouvelle forme : le rockers développé par Sly Dunbar. Il est caractérisé par des coups de charleston vifs et saccadés et surtout, par une accentuation de chaque temps à la grosse caisse, emprunté au disco. Ce style très militant présentant moins de cuivres met un terme à la domination de Studio One, et ouvre la grande phase de domination du studio Channel One et de son groupe phare les Revolutionaries. Il survient après le flying cymbal, style caractéristique du producteur Bunny Lee (écouter le hit None Shall Escape The Judgement par Johnny Clarke) style caractérisé par deux coup de charleston ouvert sur les et temps (contretemps rythmique) tssss-tssss.

À partir de 1981, un nouveau style de batterie qui a perduré jusqu'à aujourd'hui règne en maître : le early dancehall parfois appelé Rubadub. Il s'agit d'un balancier binaire grosse caisse ( temps) caisse claire ( temps). Le nouveau backing band de Channel One, les Roots Radics, sont considérés comme les maîtres absolus du Dancehall instrumental. Les producteurs les plus en vue changent et Junjo Lawes et Linval Thompson occupent le devant de la scène. C'est à cette même période qu'explose le dub, sur les instrumentaux dancehall, et une nouvelle vague de mixeurs à l'image de Scientist. C'est aussi la période du déclin des chanteurs et en particulier des trio harmoniques et la domination progressive des deejays au phrasé parlé. À l'approche du milieu des années 1980, le Rubadub intègre des paroles de plus en plus sexuellement explicites et les deejays utilisent des boucles redondantes de mélodie vocale caractéristiques de cette époque (écouter Peter Ranking ou Yellowman). En 1985, le riddim digital produit par Prince Jammy porte le coup létal à un Channel One déjà agonisant.

L'histoire du reggae est indissociable de celle des sound systems. À l'industrie phonographique locale et comparable à une sono mobile, le sound system désigne à la fois le matériel utilisé, l'équipe qui l'anime et la soirée elle-même. Toute musique produite en Jamaïque est diffusée en sound-system et les disc jockeys (DJ) animent les danses depuis les années 1950. Pour des raisons économiques ces soirées, qui diffusent de la musique préenregistrée, remplacent les orchestres. Les DJ y pratiquent le Toasting (Toaster = bonimenteur) pour introduire les morceaux. On trouve ici les racines du rap. Les sound-systems sont donc de grands rassemblements festifs, en plein air qui attirent une large frange de la population jamaïcaine, en particulier celle des quartiers pauvres de Kingston, la capitale. On peut citer notamment parmi les plus célèbres sound-systems ceux de Sir Coxsone Dodd ( Studio One) et Duke Reid qui se sont longtemps affrontés avant de monter chacun leur propre studio, respectivement Studio One et Treasure Isle.

Notes et références

Bibliographie

Liens externes

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Sous-genres Genres dérivés Genres associés Le reggae est un genre musical ayant émergé à la fin des années 1960, il est la plus populaire des expressions musicales jamaïcaines. Il devient, à la faveur de son succès international, un style musical internationalement apprécié, porteur d'une culture qui lui est propre.

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Catherine Jewell, Division des communications, OMPI
La Journée internationale du reggae, fêtée le 1 er juillet, marque l'anniversaire de la création de la musique reggae, cadeau de la Jamaïque au monde. Conjuguant la puissance de la musique, des médias et de la technologie, cet événement invite le monde entier à célébrer la créativité de la Jamaïque et à mettre en lumière les multiples facettes du mode de vie reggae.

Andrea Davis, qui a contribué à l'organisation de la première Journée internationale du reggae en 1994 et à sa production depuis cette date, nous parle de l'importance de la musique reggae à ses yeux et des difficultés que rencontre actuellement le secteur de la création en Jamaïque.

La Journée internationale du reggae est une invitation mondiale à célébrer la créativité de la Jamaïque et à mettre en lumière le mode de vie reggae dans le monde entier (photo: International Reggae Day).

Qu'est-ce qui vous a amenée à créer la journée internationale du reggae?

C'est un discours prononcé par Winnie Mandela lors de sa visite à Kingston, en 1992, qui a inspiré la Journée du reggae. Elle avait parlé du pouvoir qu'a la musique reggae de "motiver, inspirer et rassembler" le peuple d'Afrique du Sud dans sa lutte contre l'apartheid. L'idée qui avait présidé à la première Journée du reggae, le 1 er juillet 1994, était de mobiliser des stations radiophoniques de la Jamaïque pour illustrer les racines et les ramifications de la musique jamaïcaine, promouvoir des normes de qualité dans le monde de la musique et des médias, de créer un Temple de la renommée de la musique jamaïcaine, de montrer ce que la Jamaïque a de meilleur, et d'aider les Jamaïcains à sortir victorieux de leur propre lutte pour l'égalité sociale. Depuis la naissance de l'Internet, en 1996, l'événement est rediffusé sous le nom de Journée internationale du reggaeÔ. Notre objectif est devenu plus ambitieux : "rassembler, inspirer et motiver" la communauté reggae mondiale grâce au pouvoir de la musique, des médias et de la technologie, faire de Kingston la vitrine de la musique jamaïcaine, montrer l'impact de la Jamaïque, du reggae et du mouvement rastafari sur la culture populaire mondiale, et appeler à soutenir l'éducation musicale et artistique en Jamaïque.

Quelles sont les origines de la musique reggae?

La Jamaïque est connue, dans le monde entier, pour la diversité et les rythmes originaux de ses genres musicaux folkloriques et populaires : mento, ska, rocksteady, reggae naturellement, dub et dancehall (voir l'encadré). Il est peu de pays qui aient eu un tel impact sur la scène musicale mondiale au cours des 65 dernières années. La Jamaïque a vu naître le phénomène de société d'ampleur mondiale qu'est le mode de vie reggae; c'est aussi la patrie culturelle authentique de la musique reggae.

Le reggae a pris naissance dans cette culture musicale à la richesse exceptionnelle, et a reflété, en particulier, l'influence croissante des rastafaris dans la Jamaïque urbaine des années 60. La scène musicale du pays s'est imprégnée de la philosophie, des rythmes de percussion et du style des rastafaris, notamment des fameuses dreadlocks, devenues emblématiques de la musique reggae.

Le rythme cardiaque du reggae et les paroles qui évoquent l'amour, la rédemption et la vie dans la nature continuent de captiver les publics du monde entier. La musique reggae, qui accentue le deuxième et le quatrième temps de chaque mesure, a servi de bande sonore au mouvement mondial "One Love" du roi du reggae, Bob Marley, et d'artistes tels que Jimmy Cliff, Peter Tosh, Dennis Brown et Toots & the Maytals, dont les enregistrements et les tournées internationales ont fait connaître au monde la musique reggae, la culture jamaïcaine et la "livity", ou façon de vivre rasta.

Les sons, la mode, le style, la danse et la langue si particuliers de la Jamaïque continuent d'influer sur la culture mondiale par le truchement d'artistes, musiciens, graphistes et danseurs sillonnent le monde en véhiculant le son jamaïcain et qui propagent le message de "One Love" grâce au pouvoir de la musique reggae.

Qu'est-ce qui explique l'importance de la musique reggae?

Comme les autres genres fondés sur un mode de vie particulier, par exemple le hip-hop, la country et le jazz, le reggae se caractérise par un son, une façon de s'habiller, des danses, une langue, une philosophie, une cuisine, des images et une attitude qui lui sont propres. "One Love", une affirmation philosophique inspirée par Marcus Garvey et popularisée par les Rastafaris, est au cœur du mouvement reggae mondial. Cette chanson continue de résonner par-delà frontières et générations. Probablement la première véritable musique du monde, le reggae avait déjà un public mondial bien avant l'avènement des vidéos musicales et de l'Internet.

La musique et la culture de la Jamaïque font partie intrinsèque de son image identitaire et de sa valeur. La musique reggae constitue sa bande sonore et le genre emblématique des divers Sounds of Jamaica TM. Composante centrale des industries jamaïcaines de la création, qui représentent 4,8% du PIB, la musique est l'un des atouts les plus précieux du pays. Depuis les années 60, les chefs d'entreprises jamaïcains, remarquablement innovants, et qui font preuve de créativité et de résilience, ont de leur côté ajouté de la valeur aux exportations du pays. La créativité reste un facteur important d'inclusion et d'autonomie pour les jeunes et les catégories marginalisées au sein de l'économie nationale. La valeur économique, sociale, culturelle et environnementale de la musique jamaïcaine a grandement renforcé l'image de marque de la Jamaïque et continue de donner à celle-ci une résonance internationale.

Quels obstacles avez-vous rencontrés lors de la création de la journée internationale du reggae?

Organiser une célébration mondiale du reggae sur 24 heures, avec des ressources financières limitées, n'a pas été une mince affaire. La Jamaïque a eu la chance de produire plusieurs genres distincts de musique qui séduisent le monde entier, mais d'un autre côté, elle a pâti d'un déficit d'investissement dans la créativité, probablement son atout le plus précieux et son meilleur avantage concurrentiel. L'un des objectifs de la création de la Journée internationale du reggae était de renforcer la position de la Jamaïque en tant que source culturelle authentique du phénomène mondial qu'est devenue la musique reggae.

Le sous-investissement chronique dans le capital humain et créatif du pays s'est avéré le principal obstacle à la concrétisation de cette vision. Le secteur de la création fait énormément appel au capital-risque. Il faut donc livrer un combat de longue haleine pour faire en sorte qu'il s'épanouisse dans un pays où le capital-risque est une denrée rare. Le financement par capital-risque est pourtant une condition préalable à l'instauration d'une économie créative en Jamaïque, ainsi qu'au développement et à la commercialisation de ses atouts en matière de création.

Quel est le rôle de la propriété intellectuelle dans l'organisation du festival?

La propriété intellectuelle est le fondement de la valeur ajoutée au fur et à mesure que les idées abstraites deviennent réalité. La Journée internationale du reggae a été l'une des premières marques enregistrées au sein du secteur des industries de la création. Nos droits de marque nous permettent de céder des licences sur la captation d'événements à des partenaires étrangers intéressés par l'organisation de concerts officiels diffusés lors de la Journée internationale du reggae, le 1 er juillet, dans le cadre du réseau mondial "Reggae Party".

La Journée internationale du reggae a constitué le fer de lance des efforts déployés pour élaborer et consolider la législation jamaïcaine en matière de droit d'auteur, notamment pour modifier les dispositions concernant le prolongement de la durée de protection au titre du droit d'auteur, la reconnaissance des droits des artistes interprètes ou exécutants, les œuvres dérivées et la réalisation cinématographique moderne qui revêt une importance croissante dans le monde actuel où les gens "regardent la musique".

Les Jamaïcains connaissent-ils mieux la propriété intellectuelle?

On constate assurément que l'on connaît mieux la propriété intellectuelle en Jamaïque et dans l'ensemble de la région, grâce aux efforts de l'Office jamaïcain de la propriété intellectuelle (JIPO), des organisations régionales de gestion collective telles que l'Association jamaïcaine des compositeurs, auteurs et éditeurs (JACAP), et d'autres organismes professionnels, par exemple la Fédération jamaïcaine des musiciens (JFM). Contrairement aux générations précédentes, les entrepreneurs créatifs d'aujourd'hui connaissent beaucoup mieux les notions de propriété intellectuelle, l'importance de la protection de leurs droits et la relation entre protection des droits de propriété intellectuelle et génération de revenus.

Quelles sont les principales difficultés rencontrées par les industries de la création en Jamaïque?

Comme d'autres économies en développement, la Jamaïque, qui s'efforce de renforcer son économie de la création, est confrontée à de nombreux obstacles, par exemple l'accès limité à des ressources financières, un secteur public et privé fragmentaire, des lacunes dans le cadre juridique et réglementaire et la pénurie de ressources qualifiées en matière de gestion, le caractère informel de sa culture commerciale, l'inadéquation de l'offre en matière d'enseignement et de formation et l'absence d'orientation stratégique de l'industrie, pour ne citer que quelques-unes de ces difficultés.

Les décideurs sont trop souvent accaparés au quotidien par des préoccupations immédiates d'ordre social et économique et ont peu de temps à consacrer à la vision à long terme - renforcer la créativité économique jamaïcaine et instaurer un environnement propice à la prospérité des industries de la création du pays. Les avantages concurrentiels que détiennent les industries jamaïcaines de la création, nos atouts considérables dans les domaines de l'hôtellerie et du bien-être, notre situation géographique et notre secteur de l'information et de la communication en plein essor sont autant de chances que la Jamaïque se doit de saisir pour créer de la richesse, dans un monde économique fondé sur le savoir, où le pays jouit d'une image de marque séduisante et largement reconnue.

Quel message souhaitez-vous faire passer auprès des jeunes musiciens?

Apprenez tout ce que vous pouvez sur votre art et pratiquez-le chaque jour, parce que la clé du succès est la conjugaison de la préparation et de l'opportunité. Nous vivons à une époque fascinante pour tout entrepreneur créatif. La production, la distribution et la diffusion de la musique coûtent moins cher, et les publics sont plus accessibles et plus mobiles que jamais, grâce aux progrès réalisés et à la convergence de la technologie numérique, des réseaux sociaux et de la communication à l'échelle planétaire. Respectez et appréciez votre don, mais écoutez aussi les autres et tirez les leçons de leur expérience. Ne vous prenez jamais trop au sérieux. Entourez-vous d'une équipe de professionnels de confiance que vous respectez et qui vous respecte, et n'omettez jamais, avant de signer un document, de le faire examiner par votre conseiller juridique. Croyez en vous, laissez parler votre cœur et exprimez-vous par votre art, et comme nous le disons en Jamaïque, "Walk good!" (Prenez soin de vous).

Que signifie la musique reggae pour vous?

Comme l'eau, la musique reggae, c'est la vie. Elle est bonne en toute circonstance, et, là où elle résonne, le monde se porte mieux.

La riche tradition de la musique jamaïcaine

Le mento, apparu dans les années 40, utilise la guitare acoustique, le banjo, des tambours à main et la rumba box. Parmi les artistes renommés qui ont enregistré des disques de mento, il faut citer Louise Bennett (Ms. Lou), mère de la culture jamaïcaine, Count Lasher, Lord Flea, Lord Fly, Laurel Aitken et Harry Belafonte, un Jamaïcain d'origine new yorkaise. Les chansons mento Day-O (The Banana Boat Song) et Jamaica Farewell, enregistrées à l'origine par Ms. Lou, et figurant sur l'album "Calypso" de Belafonte, connurent un extraordinaire succès populaire et comptèrent parmi les premiers enregistrements à se vendre à un million d'exemplaires.

Le mouvement du Sound System fit également son apparition dans les années 40. Le pionnier "Tom the Great Sebastian" fut suivi d'autres opérateurs de sound systems tels que Clement Dodd (Downbeat), Duke Reid (Trojan), King Edwards (The Giant) et Prince Buster (Voice of the People). Ils diffusaient les tout derniers enregistrements (provenant tout d'abord des États-Unis d'Amérique, puis de la Jamaïque) lors de soirées dansantes locales. Vecteurs de divertissement privilégiés en Jamaïque, les sound systems faisaient partie intégrante de la vie jamaïcaine, tant sur l'île qu'à l'étranger. Les soirées populaires de danse pop-up, au son des puissantes basses profondes caractéristiques du mouvement, stimulèrent l'expansion de l'industrie jamaïcaine du disque et lancèrent de nombreuses carrières de musiciens, notamment celle du premier disc jockey (DJ) de Jamaïque, Count Matchukie. Les principaux sound systems, y compris les "trois grands" " - "Downbeat Sound" de Coxsone Dodd, "The Trojans" de Duke Reid et "The Giant" de King Edward - devinrent des producteurs de pointe à la fin des années 50 et des labels musicaux majeurs dans les années 60. Le mouvement a eu une incidence importante sur le développement et l'internationalisation de la musique jamaïcaine; il a joué un rôle central aux débuts du carnaval de Notting Hill et favorisé l'essor de la musique urbaine au Royaume-Uni et sur le hip-hop aux États-Unis d'Amérique. Aujourd'hui, les sound systems de style jamaïcain ont acquis une popularité mondiale, depuis celui de King Jammy à celui de Stone Love, et ont fait des émules internationales telles que Mighty Crown au Japon, Sentinel Sound en Allemagne et David Rodigan au Royaume-Uni.

L'art du toasting - qui consiste pour un DJ à parler ou chantonner, généralement sur une seule note et sur un certain rythme - a été lancé par Count Matchukie et illustré par la suite par des artistes tels que U Roy, Big Youth, Super Cat, Shabba Ranks et Buju Banton. Comme le mouvement du sound system, le toasting a engendré le rap et la musique hip-hop aux États-Unis d'Amérique.

Le ska, genre musical issu de Studio One et du légendaire groupe des Skatalites, a explosé au début des années 60. Les Jamaïcains ont adopté les cuivres entraînants et le rythme de danse hypnotique, caractéristiques du genre. Le ska est devenu la musique originale de la nation et a rapidement acquis une grande popularité au Royaume-Uni et aux États-Unis d'Amérique grâce à des artistes novateurs tels que Desmond Dekker, Prince Buster et Millie Small, dont l'énorme succès de l'album "My Boy Lollipop" a lancé le label Island Records et fait connaître le ska au monde entier.

Le Rocksteady, qui accentue fortement les basses et dans lequel la guitare rythmique marque les contretemps, a suivi, pendant deux brèves années, du milieu à la fin des années 60. Ce genre a été illustré par une foule de chanteurs et de groupes, dont Alton Ellis, Delroy Wilson, John Holt, Ken Boothe, Phyliss Dillion et The Heptones. En plein milieu des turbulences politiques des années 60, des tubes Rock Steady tels que No No No, Tide Is High et By The Rivers of Babylon ont fait fureur et fait émerger des talents qui ont porté la musique jamaïcaine sur la scène mondiale.

Le dub est un genre musical qui préfigure l'avènement du remix et que l'on a considéré comme l'ancêtre de genres apparus au cours des années 70 - punk rock, pop, disco, house, techno, trip hop, dub step, drum and bass, dance music et electronic dance music - grâce à des artistes novateurs tels que Lee Scratch Perry, King Tubby et Errol 'ET' Thompson.

Le terme musical reggae est apparu en 1968 avec la sortie du disque à succès des Toots & The Maytals Do the Reggae. Comme de nombreux rythmes africains, le reggae se caractérise par un rythme qui accentue fortement les contretemps - le rythme "cardiaque" - popularisé dans le monde entier par le roi du reggae, Bob Marley. En 1973, la sortie du film The Harder They Come ("Tout, tout de suite" selon le titre français) avec Jimmy Cliff fit connaître la musique jamaïcaine aux publics de cinéma du monde entier. La musique reggae est synonyme d'égalité des droits et de justice. Elle a valu à la Jamaïque le respect de la communauté internationale et renforcé l'image du pays. Elle a aussi eu une énorme influence sur la "culture pop" internationale.

Le d ancehall, qui tire son nom de la salle de danse où l'on jouait de la musique, désigne un genre apparu au début des années 80 avec l'adoption du rythme Sleng Teng de King Jammy, d'abord popularisé par le chanteur Wayne Smith. Le dancehall a dominé la scène au cours des années 80, lorsqu'une approche minimaliste du nouveau procédé d'enregistrement numérique commençait à gagner du terrain. Comme tous les genres de musique jamaïcaine, le dancehall est une expérience qui met en avant un certain mode de vie, illustré par des talents aussi divers que Beenie Man, Bounti Killa, Lady Saw, Sean Paul et Shaggy, par exemple.

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Le reggae : un cadeau de la Jamaïque au monde

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Catherine Jewell, Division des communications, OMPI La Journée internationale du reggae, fêtée le 1 er juillet, marque l'anniversaire de la création de la musique reggae, cadeau de la Jamaïque au monde. Conjuguant la puissance de la musique, des médias et de la technologie, cet événement invite le monde entier à célébrer la créativité de la Jamaïque et à mettre en lumière les multiples facettes du mode de vie reggae.

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Leçon d'André Manoukian Episode 42 - Reggae Time

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Leçon d'André Manoukian - Ep.9 : 1794, l'invention du jazz

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Originaire de la Jamaïque et principalement de Kingston, le reggae est un genre musical que l'on a tendance à associer à Bob Marley. C'est effectivement grâce à lui que cette musique est sortie de son berceau natal pour devenir un style mondialement connu. Ce chanteur n'est toutefois pas celui qui l'a créé et après lui, de nombreuses variantes sont nées.

Avant Bob Marley

Le reggae a comme ancêtre le rocksteady. Ce dernier a commencé à décliner en 1968 pour laisser place à d'autres variantes qui, au final, donneront le reggae comme on le connaissait au temps de Bob Marley.

De 1968 à 1970, on parlait plus de l'early reggae où la basse prédomine et le tempo assez rapide. Ce genre était surtout influencé par le mento local. A partir de 1970 jusqu'en 1976, on connaissait surtout le one-drop avec un rythme plus lent, un tempo medium et une caisse claire prédominante sur le 3 e temps. Entre 1977 à 1980, le rockers est apparu et se démarquait avec les 4 temps frappés à la batterie et une caisse claire très tonique. Ce dernier a ensuite fait place, en 1981, au early dancehall ou rub-a-dub qui avait un tempo lent avec une prédominance de la batterie et de la basse. En 1985 apparait le early digital avec un rythmique assez rapide et qui était composé exclusivement sur boîte à rythmes.

Entre temps, à partir de 1973, le reggae s'impose sur la scène mondiale grâce à Bob Marley & The Wailers. C'est à partir de là que son métissage a commencé pour donner naissance à de nouvelles versions.

Les variantes du reggae

Du reggae sont nés :

le Dub : ce mot signifie " remixage ". Il a été créé en 1968 par Lee " Scratch " Perry qui a ajouté des solistes de jazz sur des rythmiques préenregistrées. King Tubby et Errol Thompson l'ont ensuite perfectionné pour en faire une musique populaire mondiale. A la fin des années 1980, le dub est connu à travers le monde et a influencé les musiques de danse qui ont commencé à adopter le remixage, un style né en Jamaïque. De nos jours, il est devenu un style à part entière, dont l'origine est méconnue du public. Il est pourtant né du reggae et, grâce à l'ajout d'échos, de réverbération, ..., il a donné naissance au rap américain

le Dub Poetry : il est issu du rap jamaïcain à la différence que le côté artistique est plus souligné. Ses chanteurs sont appelés les " dub poets " dont les plus connus sont Michael Smith, Linton Kwesi Johnson ou encore Sister Breeze. Des artistes américains tels que The Last Poets ou Benjamin Zephaniah l'ont ensuite revisité pour l'orienter vers l'electro et le hip-hop

le Lovers Rock : ce terme désigne un reggae doux qui se focalise surtout sur l'amour et les sentiments ce qui l'oppose au reggae roots. On le surnomme parfois le reggae romantique dont les artistes jamaïcains les plus connus pour l'avoir lancé sont Dennis Brown, Gregory Isaacs, Freddie McGregor et John Holt. Ce genre avait le vent en poupe en Jamaïque jusque dans les années 80 et 90. Il est arrivé à Londres dans les années 70 et quelques artistes du reggae roots s'y sont même essayés en Angleterre. De nos jours, les principales figures de ce style sont Peter Spence, Don Campbell, Nereus Joseph et Peter Huningal

le Skinhead reggae : ce terme fait référence à un reggae très nerveux dirigé pat l'organiste. Il est né entre 1969-1970 en Angleterre et provient du mélange entre mods et rudies jamaïcains. Les principaux artistes sont Derrick Morgan, Laurel Aitken, The Rudies, The Pioneers, ...

le New Roots : également appelé dancehall roots, il est apparu en 1995 et a eu un vif succès après le décès de Garnett Silk et la conversion en rasta de Buju Banton, un deejay réputé de l'époque. Sur le plan textuel, il signe un retour aux paroles culturelles et conscientes, un style qui a disparu durant la deuxième moitié des années 80. Le genre musical vire, quant à lui, à un son de plus en plus acoustique ou semi-digitals

De nos jours, le reggae se dévoile surtout dans un style tantôt one drop tantôt New Roots. Ce qui est sûr, c'est qu'il évolue sans cesse et tendent de plus en plus, vers l'appel à l'amour, à l'éloge de l'herbe et à la condamnation de la violence.

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Le reggae et ses variantes - Toute l'actualité du web

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Le jazz est un genre musical né à la Nouvelle-Orléans au début du XXe siècle. Elle est souvent caractérisée par l'improvisation, les polyrythmies, la syncope.

Le jazz est né au début du vingtième siècle et il avait deux styles principaux : le Dixieland et le Swing. Le premier était un style plus ancien qui utilisait des cuivres et des instruments de jazz traditionnels tels que la clarinette, le saxophone ténor et la trompette. Le swing, quant à lui, intégrait le rhythm and blues au jazz.

Le ragtime est né dans les années 1870 avec des artistes tels que Scott Joplin et James Scott qui avaient une syncope distinctive

Histoire du ragtime

Le ragtime est un genre musical, qui mélange jazz et paino, né au début du XXe siècle, issu de la musique folk afro-américaine. Il était caractérisé par des rythmes syncopés et des mélodies vernaculaires, souvent influencées par le blues.

Le ragtime n'a été précédé d'aucune forme d'instrumentation ou de danse spécifique. Il est originaire des Afro-Américains vivant dans les zones rurales du Grand Sud. Il a été créé dans l'intention d'être joué sur des pianos fabriqués à l'époque.

Raison du succès du Ragtime

Mais il a également gagné en popularité en raison de son utilisation dans les orchestres de danse et les grands orchestres dans les années 1930. Il a d'abord été utilisé comme musique de fond pour la danse, mais est devenu plus tard la chanson thème de l'amour bluesy pour des films comme " Birth of a Nation ", " The Scarlet Letter " et " Autant en emporte le vent ".

Les premières pièces de ragtime pour piano ont été écrites par des musiciens travaillant dans des honky tonks, des saloons et des salles de danse qui s'adressaient aux communautés afro-américaines de la Nouvelle-Orléans dans les années 1890.

Caractéristiques du Ragtime

Le mot " rag " est utilisé pour décrire le style de jeu en utilisant beaucoup de syncopes, c'est-à-dire lorsque vous jouez hors du temps. C'est un style qui combine des éléments de jazz, de blues et de musique populaire européenne.

Un type de musique qui entre dans la catégorie du ragtime est une musique de jazz qui est joué sur des instruments à percussion, y compris la batterie et le piano pour créer un rythme syncopé à tempo élevé avec des progressions d'accords basées sur le traditionnel.

Il y a aussi une différence stylistique entre le ragtime et le jazz. Le ragtime est joué sur un instrument comme un piano et n'est pas aussi improvisé et n'inclut pas de solos pour l'instrument. Le jazz est joué principalement avec des instruments tels que le saxophone, la trompette et le trombone et comprend des solos pour les instruments.

La plupart de ces artistes étaient des pianistes qui jouaient de simples chiffons lors de fêtes de quartier ou de bals. Mais ils ont aussi joué des morceaux plus compliqués dans des maisons dites " haut de gamme " comme Dan Em.

New-Orleans

Histoire du Jazz de la Nouvelle Orléans

Dans les années 1920, le jazz était caractérisé comme un style de musique au rythme rapide et improvisé. Dans les années 1950, il y a eu une résurgence de ce genre après la Seconde Guerre mondiale qui a conduit à de nouveaux développements en termes d'instrumentation et de compositions.

La Nouvelle-Orléans est bien connue pour sa musique jazz. Le son existe depuis le début des années 1900 et beaucoup de gens l'associent à cette ville. La musique jazz peut être divisée en différents styles ou genres, y compris le blues, le gospel ou le swing.

Les origines du style Nouvelle Orlénas

La ville de la Nouvelle-Orléans, en Louisiane, possède une culture riche et diversifiée qui comprend non seulement une cuisine unique, mais également un style de musique assez différent de la plupart des autres styles. La musique jazz remonte au début du XIXe siècle, où elle trouve ses origines à la Nouvelle-Orléans.

La musique jazz est originaire de musiciens afro-américains du sud des États-Unis. Le style a émergé en Amérique alors que les gens du sud étaient opprimés et avaient besoin d'un moyen de s'exprimer.

Le jazz peut être vu comme une forme de musique contestataire. À l'origine, c'était un moyen pour les esclaves noirs d'exprimer leurs sentiments, leurs pensées et leurs désirs, même s'ils n'avaient aucun droit pendant cette période. C'est pourquoi le jazz est né dans le sud des États-Unis où les esclaves étaient beaucoup plus nombreux que les blancs et où il y avait beaucoup d'oppression.

Le début du hot jazz

Le premier enregistrement de jazz a eu lieu le 12 avril 1917, dans un studio de la Nouvelle-Orléans. Les musiciens étaient un groupe de musiciens blancs de la Nouvelle-Orléans qui s'appelaient l'Original Dixieland Jass Band. Mais, il a commencé à être une tendance musicale qui a commencé dans le milieu des années 1920.

Par la suite, il a émergé dans les années 40 avec des musiciens combinant différents styles de Jazz. Il est aussi appelé Dixieland jazz. Ce style a émergé dans les années 1940 lorsque les musiciens de jazz ont combiné différents styles de jazz pour créer quelque chose de nouveau.

Définition du hot jazz

Le genre du Hot Jazz est un type de jazz avec un côté chaud. Cette musique a beaucoup d'improvisation et de spontanéité, mais elle est aussi très dansante.

On pense que le terme " hot " est dérivé de l'expression " hot as hades " qui était courante dans le blues et les débuts du jazz de l'époque, ou bien de l'enregistrement de Louis Armstrong de 1922 de " Potato Head Blues ".

La raison du succès du hot jazz

Le hot-jazz a d'abord été utilisé pour décrire ce style de jeu par des musiciens comme Louis Armstrong et Sidney Bechet. Il est devenu plus tard un terme générique pour de nombreux types de solos improvisés des années 1930 sur des airs de blues, des mélodies bebop sur des compositions standard et même des airs de swing. Le terme " hot-jazz " est apparu dans les années 1960 lorsque des artistes comme Dizzy Gillespie, Miles Davis et Thelonious Monk étaient à leur apogée. C'était une époque où le bebop faisait place au hard bop, donnant un avantage au jazz.

Jusqu'à présent, le jazz chaud a été principalement dominé par des artistes masculins comme John Coltrane, Charlie Parker et Louis Armstrong. Mais maintenant, des artistes féminines comme Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan et Dinah Washington envahissent également la scène avec leur talent dans ce genre de musique.

Présentation de la ville de chicago

Chicago est une ville avec beaucoup d'histoire et de culture et, par conséquent, elle a de nombreuses influences différentes dans sa musique. Le jazz est un type de musique qui a été influencé par Chicago, puisque le mouvent musical fait partie intégrante de la culture et de la ville. La ville possèdent de nombreux clubs de jazz. Mais, elle possède également une excellente scène pour le blues et la soul. Chicago bénéfica d'un style très diversifié, car la ville regorge de personnes venant de tous horizons pour travailler ou se divertir.

Une situation géographique idéale

Chicago a toujours été le berceau du jazz, grâce à sa situation géographique, Chicago possède une proximité avec deux genres : la country et le gospel. Ces traditions musicales ont eu une forte influence sur les musiciens de jazz depuis le début de l'histoire de Chicago parce que ces genres sont entendus partout.

Histoire du style de Chicago

Le jazz de style Chicago était influent dans les années 1920 et 1930. Il est originaire du jazz de la Nouvelle-Orléans, du blues, de la musique ragtime, de la musique gospel et d'autres styles. Il s'est développé après 1920 lorsque les musiciens ont commencé à jouer avec différents rythmes et tempos. Dans les années 40, il abritait des musiciens de jazz bebop tels que Dizzy Gillespie. Dans les années 1950, la Grande Migration a amené plus d'artistes afro-américains à Chicago, ce qui a contribué au bebop jazz. De plus, des musiciens de jazz célèbres tels que Miles Davis ont enregistré des albums live dans des clubs de Chicago.

Le groupe de jazz de style Chicago

Le Chicago Style Jazz Band a été formé en 1957 pour jouer de la musique de style Chicago. Le groupe était dirigé par le pianiste Johnny Frigo et était souvent rejoint par une section de cuivres. Ils ont joué de nombreuses compositions originales de Benny Goodman, Artie Shaw et Glenn Miller. Le groupe a ensuite joué pendant plusieurs années au Green Mill Cocktail Lounge à Uptown, Chicago avant de se séparer.

Kansas-City

Histoire du style de Kansas-City

Le jazz de style Kansas-City est un style de musique jazz originaire de Kansas City, Missouri. La ville était un centre majeur de la musique jazz, un type de musique populaire originaire des communautés afro-américaines du sud des États-Unis. Il s'appelait à l'origine " KC " Jazz et il a été inventé par les deux disc-jockeys de la station de radio WDAF de KC, Gene Taylor et Eddie Durham.

Définition du style de Kansas-City

Kansas-City est une ville de l'État du Missouri. Il a ses racines dans le blues et le ragtime. Pour être plus précis, il était un croisement entre les styles traditionnels du Dixieland et de la Nouvelle-Orléans avec une forte influence de la musique blues. Ce style de jazz implique généralement " une ligne de basse lourde et ambulante ; des figures mélodiques qui impliquent souvent l'improvisation sur les changements d'accords ; et des modèles d'appel et de réponse où un instrumentiste (généralement le corniste) joue des phrases improvisées tandis que les autres jouent des parties prévisibles."

À bien des égards, c'est une continuation du jazz Dixieland d'après-guerre.Il a également été appelé jazz " de l'autre côté des pistes ", contrairement aux styles plus raffinés du Dixieland ou de la côte ouest.

Le jazz de style swing est une " variation légère de la forme de jazz plus complexe et souvent sombre " qui a émergé dans les années 1920.

Les origines du Swing

Les origines de ce genre musical remontent aux débuts du jazz à la Nouvelle-Orléans. Le style a été développé à Chicago en 1917 par des musiciens qui aimaient jouer de la musique ragtime mais qui souhaitaient ajouter un rythme dansant et rythmé à leurs chansons.

Qu'est-ce-que le Swing ?

Le swing était une danse populaire dans les années 1920 et 1930, ce qui influencé le style de jazz. En effet, ce dernier est un genre de musique jazz qui est généralement rapide et présente un rythme fort. Il a influencé la culture musicale du 20e siècle à nos jours. Ce style est généralement joué avec un big band, ce qui signifie que le groupe est composé de 10 musiciens ou plus. On peut l'entendre dans des chansons d'artistes tels que Louis Armstrong, Benny Goodman, Count Basie, Duke Ellington et Ella Fitzgerald.

Le jazz Gitan

Un gitan est quelqu'un qui n'a pas de domicile permanent. Le mode de vie gitan est né en Europe au Moyen Âge, lorsque de nombreuses personnes ont été déplacées à cause des guerres et d'autres événements. Ce mode de vie est souvent romancé comme insouciant et excitant, mais il a aussi ses défis. L'absence de logement peut avoir un impact psychologique sur les personnes habituées à avoir une vie stable.

Histoire du style gitan

Le jazz primitif était caractérisé par un style d'improvisation qui utilisait les gammes et les modes musicaux de l'Europe, de l'Afrique et d'Haïti - avec leur son distinctif connu sous le nom de " jazz ". Il est possible que cette musique soit née parce que les Afro-Américains vivant dans le Sud n'étaient pas autorisés à jouer des instruments européens, mais devaient plutôt créer quelque chose de nouveau à partir d'objets du quotidien comme des tambours ou des planches à laver. Il est devenu populaire dans les années 1930 et a gagné en popularité pendant la Seconde Guerre mondiale.

Présentation du jazz Gitan

Cette chanson se caractérise par un tempo rapide et un rythme souvent balancé, avec un accent sur l'improvisation rythmique. Il présente de nombreux éléments du jazz, y compris une ligne de basse syncopée ou swing. Le style est généralement associé au jazz et à la musique rom traditionnelle, comme la musique des Balkans, de la Hongrie et de la Turquie. Le mot gitan vient d'une racine signifiant " voyager " en sanskrit. Le nom gitan a été donné à un genre musical originaire d'Europe mais qui a fait le tour du monde.

Histoire du Bebop

Le bebop est l'un des premiers styles de jazz à se développer dans les années 1940. Il se caractérise par des tempos rapides, la virtuosité instrumentale et l'improvisation. Le jazz de style bebop a été conçu à l'origine par Dizzy Gillespie et Charlie Parker, qui l'ont créé comme une alternative au style swing qu'ils jouaient auparavant. Le nouveau style est devenu populaire tout au long des années 1940 et dans les années 1950. Certains airs bebop endiablés incluent " Salt Peanuts ", " A Night in Tunisia ", " Groovin' High " et " Donna Lee ".

Présentation du Bebop

Il se caractérise également par une utilisation croissante de changements d'accords complexes et de fréquents changements de tonalité. Mais aussi, ce style de musique possède des tempos rapides, de l'improvisation et des variations harmoniques. La caractéristique déterminante du Bebop est son emphase sur l'improvisation. Les musiciens sont encouragés à improviser autour de ce qui a été établi par d'autres avant eux plutôt que de simplement jouer ce qui est écrit sur papier ou ce qu'ils étaient. Le terme bebop est dérivé des syllabes absurdes " bip-bop " utilisées par Dizzy Gillespie pour décrire le style.

Le Jazz Vocalese

Histoire du Vocalese

Vocalese est l'utilisation de mots pour créer des mélodies dans le jazz. Le vocalese peut être utilisé avec n'importe quel genre de musique, mais le premier exemple remonte à 1939 lorsque Thelonious Monk a sorti " I Mean You ". Vocalese ne chante pas, mais utilise plutôt des mots pour créer des mélodies.

Le style a été popularisé dans les années 1950 par le chanteur de jazz Jon Hendricks. Il a d'abord connu le succès en tant qu'interprète vocal en utilisant sa voix comme instrument avec une certaine orchestration, et il est devenu connu pour ce style de chant.

Présentation du vocalese

Le vocalese est l'art de superposer des paroles sur un morceau de musique préexistant. On l'appelle aussi " mots-comme-mélodie ". Les chansons de jazz vocal sont généralement chantées par des chanteurs sur de la musique de jazz instrumentale, qui constitue la piste de fond. Les voix sont formulées pour correspondre aux progressions d'accords et aux mélodies des chansons ou des improvisations instrumentales.

Le Vocalese est un style de jazz vocal dans lequel les paroles sont chantées sur la mélodie de chansons instrumentales. Le style de musique a été inventé par le chanteur de jazz Mel Tormé, qu'il a appelé " parler sur la chanson ". Certaines des chanteuses vocales les plus célèbres sont Ella Fitzgerald, Peggy Lee et Carmen McRae.

Le Bossa-Nova est l'un des styles de jazz les plus populaires au Brésil. C'est une forme de jazz douce et moelleuse qui a une forte influence brésilienne.

Histoire du Bossa-Nova

Le style Bossa-Nova a été développé à Rio de Janeiro, au Brésil, au début des années 1960. Il a été influencé par la musique américaine de jazz et de samba qui était populaire à l'époque. La Bossa-Nova se caractérise avant tout par ses rythmes décontractés et ses mélodies douces.

Caractéristique du style Bossa-Nova

La musique de la Bossa-Nova est souvent caractérisée par des mélodies douces, parfois chantées en portugais ou en espagnol, accompagnées de rythmes de bossa-nova. Le son de Bossa-Nova est un son de légèreté et de simplicité (pour contraster avec d'autres styles plus mouvementés) avec des lignes de guitare élégantes jouées sur une guitare à 12 cordes.

Bossa Nova peut être utilisé comme adjectif pour désigner tout type de musique présentant ces caractéristiques. Le terme " bossanovista " ou " bossanoviste " est également utilisé pour

Histoire du Cool Jazz

Le terme " Cool Jazz " a été utilisé pour décrire une forme de musique jazz qui a émergé dans les années 1940. Il s'est développé dans les années 1950. C'est une combinaison de musique classique européenne et de blues afro-américain.

Qu'est-ce que le Cool-Jazz ?

Le Cool-Jazz se caractérise par être plus lent et plus détendu que le Bebop, qui l'a précédé. Ce style a été décrit comme " ayant une sensation détendue qui utilise principalement des tons froids avec des apogées émotionnelles occasionnelles ". C'est un type de musique très décontracté. Il peut être apprécié en courant ou en jouant à des jeux de société avec des amis.

Quand il s'agit de musique cool-jazz, certaines personnes pensent qu'elles n'entendront qu'un son doux. Mais cette musique a en fait des aspects contrastés. Ce style de musique utilise des structures d'accords plus complexes que les autres genres. Le tempo peut varier, mais il y a aussi des tempos plus lents ainsi que des tempos plus rapides sur cette liste de pistes.

Histoire du Hard Bop

Un genre spécifique de musique jazz qui a émergé dans les années 1950. C'est un sytle de jazz très populaire. Le son Hard Bop est né en réaction au cool jazz et il a été noté pour sa qualité graveleuse et soul qui est attribuée aux influences du rhythm and blues.

Caractéristique du Hard Bop

Le hard bop est considéré comme plus agressif, plus complexe et moins sentimental que les styles de jazz précédents. Il se caractérise par des tempos rapides, souvent joués d'affilée sur les quatre temps de la mesure.

Ce style a émergé en réaction à la fadeur perçue du rhythm & blues après la Seconde Guerre mondiale. Le hard bop a également été influencé par le bebop, la musique gospel, la musique afro-cubaine, la musique caribéenne et le blues. Un contributeur majeur au développement de ce style est Miles Davis et son album " Kind of Blue ".

Histoire du Soul Jazz

Il a émergé des bouleversements sociaux et politiques de l'Amérique des années 1960. Les musiciens voulaient créer une musique qui résonnerait auprès du jeune public, d'où l'introduction des instruments électriques. Le soul jazz est souvent comparé au hard bop car les deux styles se caractérisent par des rythmes et des mélodies forts.

Caratéristique du Soul Jazz

Soul Jazz est un mélange de Jazz et de RnB. Il fusionne les influences du gospel afro-américain et de la musique rhythm and blues avec le jazz. Il est généralement plus lent que les autres styles de jazz, il est donc plus difficile à danser. Malgré cela, Soul Jazz a eu plus de succès commercial que d'autres formes de jazz.

Raison de son succès

Il est devenu populaire dans de nombreuses autres parties du monde en dehors de l'Amérique parce qu'il était plus facile à comprendre pour les gens que la musique de jazz traditionnelle.

Le style jazz modal est un type de jazz qui utilise différents accords et improvisations.

Le jazz modal est un type de jazz né dans les années 1950. Il a ses racines dans la musique modale des cultures orientales. Il est aussi parfois appelé West Coast Jazz ou cool jazz, et ne doit pas être confondu avec le New Orleans Jazz qui est communément appelé Dixieland Jazz. Le premier style modal a évolué à partir des expériences du pianiste George Russell avec des gammes autres que les gammes majeures et mineures standard de son instrument. Ces expériences ont conduit à la création d'une échelle modale, qui a ensuite été utilisée par de nombreux autres artistes dans divers styles de jazz.

Dans ce style, les musiciens utilisent différents accords et improvisations, qui ont été caractérisés comme plus complexes que ceux trouvés dans d'autres types de jazz, tels que les styles bebop ou swing. Le jazz modal est un type de musique jazz parfois appelé " jazz de chambre ". Il se caractérise par un manque de centre tonal, ou de tonalité.

Un succès mitigé

Le jazz modal existe depuis des décennies maintenant, mais ce n'est que maintenant que nous commençons à vraiment comprendre et apprécier ses nuances et ses subtilités.

La musique modale est une partie importante de la musique populaire américaine depuis les années 1960, lorsqu'elle a été popularisée par Miles Davis, John Coltrane, Ornette Coleman et d'autres associés au free jazz.

Histoire du Jazz libre

Le free jazz est une forme de musique jazz qui a été lancée dans les années 1950 et 1960. Il se caractérise par un manque de règles et de structure, ce qui permet aux musiciens d'être plus créatifs et improvisés.Beaucoup de gens décriraient le free jazz comme avant-gardiste ou expérimental, car il rompt avec de nombreuses conventions qui caractérisent d'autres formes de musique jazz.

Caractéristique du Jazz libre

Le jazz de style libre est un type de musique jazz caractérisé par une absence de règles et de structures dans la mélodie et l'harmonie.

Il peut être produit avec n'importe quel instrument, l'improvisation est la clé de la musique. L'improvisation dans le jazz de style libre est souvent non structurée ou " en roue libre ".

Raison du succès du jazz libre

Ce style st maintenant l'un des styles les plus populaires du jazz. Elle se caractérise par l'improvisation, qui était moins courante dans les premiers jours de la musique classique. Ila contribué à combler le fossé entre la musique classique et la musique jazz.

Jazz Rock est une fusion de jazz et de rock qui intègre les deux styles.

Caractéristiques du Jazz Rock

Le jazz a longtemps été une musique d'improvisation, mais le jazz rock est basé sur l'idée d'improvisation structurée, ce qui signifie qu'il existe des règles pour l'improvisation. La fusion de ces deux styles est due à l'influence des Beatles sur la culture américaine.

Raison du succès du Jazz Rock

Il a été développé à la fin des années 1950 et au début des années 1960 par des musiciens qui voulaient créer un nouveau son qui plairait à un public jeune et moderne. Ce style de jazz est devenu populaire dans les années 1980 lorsqu'il était joué à un tempo plus rapide que le swing ou le jazz traditionnel.

Raison du succès du Jazz Rock

Beaucoup de gens disent que ce type de musique était très populaire parce qu'il combinait les qualités des deux genres. Pourant, tandis que d'autres disent que sa popularité provenait du fait que pour certaines personnes, il sonnait plus accessible que d'autres types de jazz qui étaient plus lents et plus difficile à jouer.

Histoire du funky

Il existe de nombreux types de musique jazz aujourd'hui, mais la forme originale s'appelle Dixiland Jazz, qui a été créée par des Afro-Américains à la fin des années 1800. Le jazz est un type de musique originaire de la Nouvelle-Orléans. Il a un style funky. Attention, le jazz funky est pour les courageux. Commençons par une petite leçon d'histoire.

Caractéristique du Funky

La musique funky, également appelée jazz, est un type de musique qui existe depuis longtemps. Le jazz a commencé comme un type de musique de danse et était joué par des personnes qui s'appelaient à l'origine des "musiciens de jazz". Les musiciens de jazz formaient une grande famille. Les musiciens improvisaient sur les accords qu'ils jouaient et inventaient différents rythmes pour faire danser les gens. Ils utilisaient souvent leurs propres instruments pour créer de nouveaux sons, ce qui rendait le jazz beaucoup plus intéressant que d'autres types de musique à l'époque.

Histoire du Jazz Latin

La musique Latin Jazz est populaire en Amérique du Sud, en Europe et aux États-Unis.

Le jazz de style latin jazz est un genre de musique jazz qui s'est développé pour la première fois dans les années 1940.

Le jazz de style latin jazz a ses racines dans les rythmes afro-cubains, le blues et le swing. Il a d'abord été développé par Chano Pozo, qui avait travaillé avec le big band de Dizzy Gillespie. La première chanson qu'il a composée pour Gillespie était " El Manisero ", qui est maintenant considéré comme l'hymne du jazz latin.

Caractéristiques du Jazz Latin

Le Latin Jazz est un style de jazz qui combine des éléments de rythmes et de mélodies afro-cubaines avec l'harmonie du jazz. Il est étroitement lié au Cha-cha-cha, au Mambo, à la Rhumba, à la Soca.

Raisons du succès du Jazz Latin

Il existe de nombreux musiciens de jazz latin qui ont acquis une renommée internationale tels que Tito Puente, Celia Cruz et Rubén Blades.

Le Latin Jazz a eu un impact énorme sur le son du jazz au 20ème siècle. Cela avait beaucoup à voir avec les musiciens qui ont grandi à la Nouvelle-Orléans et étaient entourés de rythmes africains et cubains. Ils ont pu mélanger ces styles ensemble et créer un son entièrement nouveau.

Crossover-Jazz

Histoire du Crossover

Le jazz de style crossover-jazz est né dans les années 1970, lorsque les musiciens ont commencé à expérimenter en combinant différents styles musicaux. Il était à l'origine basé sur le jazz fusion contemporain, mais il a depuis pris des influences d'autres types de musique.

Le terme " crossover jazz " a été inventé à l'origine par le musicien de jazz Charles Mingus. Il s'en sert pour décrire la musique de Dizzy Gillespie, qui mélange bebop et rythmes afro-cubains. Il existe de nombreux sous-genres de jazz qui peuvent également être considérés comme des croisements - qui incluent le jazz latin, les styles de big band, la fusion américaine, etc.

Qu'est-ce que le Crossover ?

Un style crossover-jazz est un type de musique qui combine des éléments de différents genres. Cela peut inclure des voix soul chantées sur des riffs de guitare funk ou des battements de batterie hip hop avec une douce mélodie de saxophone, par exemple.

Ce style se caractérise par son utilisation de guitares électriques et de rythmes forts. Parfois, le genre intègre également des éléments de la musique latine, du funk et du R&B afin d'élargir son spectre sonore.

La raison du succès de Crossover

Il est devenu populaire dans les années 1990 parmi les musiciens qui voulaient créer un jazz plus accessible pour des personnes qui n'appréciaient pas toujours le son traditionnel du genre. . Le jazz de style crossover-jazz n'est pas un genre formel en soi, mais peut plutôt être entendu dans certaines chansons trouvées dans d'autres genres.

L' ECM est un style de musique jazz plus influencé par la musique classique.

Histoire du ECM

Ce style a été rendu populaire dans les années 1980 par des musiciens comme Stan Getz, Miles Davis et John McLaughlin. Il est depuis devenu plus courant dans les cercles de jazz grâce à des artistes comme Pat Metheny, Kenny G et bien d'autres qui ont adopté ce style dans leur propre individualité.

Caractéristiques de l'ECM

Le jazz de style ECM est un type de jazz qui a ses racines dans le côté plus classique de la musique. Le jazz de style ECM est caractérisé par l'improvisation, mais c'est différent des autres types de jazz car l'improvisation est souvent guidée par des accords qui sont déjà sur l'enregistrement. Le jazz croisé est une forme de jazz fusion. Le jazz de style ECM utilise des éléments d'ecm et de crossover-jazz. Beaucoup de chansons de jazz de style ECM sont optimistes, rapides et peuvent être considérées comme ayant une sensation de " haute énergie ".

Histoire du Smooth Jazz

Au cours des dernières décennies, le jazz est passé d'un genre joué dans les clubs de jazz à un genre musical plus diversifié. La transformation se produit non seulement en termes de son de la musique, mais aussi de style et de genre. Le jazz de style lisse est une forme de jazz croisé qui a été popularisée par des musiciens tels que Kenny G et David Sanborn. C'est un type de musique doux et moelleux qui peut être entendu sur des stations faciles à écouter. Le smooth jazz est un genre de jazz né de la musique populaire diffusée sur les stations de radio FM à la fin des années 1960.

Définition du Smooth Jazz

Il a beaucoup plus d'attrait commercial que la plupart des autres formes de jazz. Il peut être apprécié par des auditeurs qui ne sont pas familiers avec d'autres types de jazz. Le smooth jazz est un type de musique jazz qui repose sur un style détendu et moins complexe. Il comporte généralement l'utilisation d'instruments électriques.

Raison du succès du Smooth Jazz

Beaucoup de gens écoutent du smooth jazz pour son effet relaxant. Les musicothérapeutes l'utilisent souvent comme musique de fond lors de séances de conseil ou de cours de méditation. C'est aussi très bien pour faire de l'exercice car cela vous aide à vous concentrer sur la course à pied afin de ne pas vous retrouver à vous perdre dans vos pensées sur votre journée ou à stresser à propos du programme de demain.

Histoire du Post-Bop

Le Post-Bop est un style de jazz qui a débuté à la fin des années 50 et au début des années 60. Il est sorti de l'ère Bop et s'appelait " Post-Bop " pour le distinguer du jazz moderne. Le jazz de style Post-Bop existe depuis environ 60 ans maintenant. Il est originaire du Bebop Jazz et a ajouté différents éléments du blues, du gospel et de la soul. Ce style de jazz continue d'évoluer à mesure que de nouveaux musiciens tentent de l'innover davantage.

Qu'est-ce que le Post-Bop ?

Le Post-Bop est connu pour son accent sur l'improvisation et pour s'inspirer de nombreux autres genres tels que le latin, le gospel, le blues et même la musique classique. Il se caractérise par son utilisation d'harmonies, de mélodies et de rythmes du rock'n'roll, du gospel, de la musique soul, de la musique funk, de la musique folk afro-américaine comme le blues et le rhythm and blues. Les musiciens post-Bop se sont souvent éloignés des progressions d'accords traditionnelles et se sont plutôt appuyés sur des motifs rythmiques, ce qui lui a donné un son différent des autres types de styles de jazz.

Histoire de l'Acid-Jazz

Le terme " acid jazz " a été inventé pour la première fois par le présentateur de BBC Radio Gilles Peterson lors de son émission hebdomadaire sur BBC Radio London en 1994. Dans ce programme, il a joué un morceau du Ginger Baker Trio intitulé " Acid Jazz ", qu'il a décrit comme " un nouveau style de musique émergeant d'Amérique. " Plus tard, il a défini l'acid jazz comme étant principalement dérivé de la musique soul des années 1960.

Qu'est-ce que l'Acid-Jazz

Il a ses origines dans les années 1970, lorsque les musiciens ont commencé à combiner leurs influences fondamentales du jazz, du funk et de la soul pour créer de nouveaux sons, infusant souvent des échantillons du travail d'autres artistes dans leurs performances. Il est considéré comme un sous-genre du jazz fusion. Il peut être caractérisé par une utilisation intensive de synthétiseurs et d'instruments électroniques.

Le Nu-Jazz est un genre de jazz qui a débuté dans les années 1980. Il est étroitement lié à l'acid jazz. Le terme Nu-Jazz est apparu dans les années 1990 pour illustrer une nouvelle façon de jouer du jazz où beaucoup d'improvisation est impliquée et il n'y a pas de frontières. Le jazz de style nu-jazz est une fusion de jazz, de funk, de rock et de musique électronique. Des groupes comme Incognito et Jazz Warriors expérimentaient des styles d'improvisation.

Qu'est-ce que le Nu-Jazz ?

Le genre comprend une instrumentation comprenant des claviers électroniques, des synthétiseurs, des boîtes à rythmes, des percussions et des basses électriques.

Le mot " nu " a été utilisé pour le distinguer du smooth jazz, également connu sous le nom de " West Coast Jazz ". Il le distingue également du jazz progressif ou du jazz fusion. Ainsi, le terme " nu " implique toute musique nouvelle pour l'auditeur.

Caractéristique du Trip-Hop

Le trip-hop est un sous-genre de la musique électronique né au début des années 1990 en Angleterre et qui s'inspire du jazz et du hip-hop. Le trip-hop a évolué pour ressembler davantage à de la musique jazz avec son son profond et résonnant. Le trip-hop se compose généralement de rythmes lourds, de lignes de basse et de synthétiseurs. Les chansons sont souvent réglées sur un tempo lent et ont des voix profondes et réconfortantes avec des effets effrayants. Il a été décrit comme " electronica acoustique " ou " hip hop pour l'intellect ".

Chanteurs et groupes utilisant ce style

Le terme trip-hop est dérivé du nom de l'album de 1996 de DJ Shadow " Endtroducing ... ". L'album a été noté pour l'utilisation d'échantillons de musique de rue urbaine pour créer " des paysages sonores maussades de faible intensité qui évoquent des sentiments d'isolement et de solitude ". Des groupes comme Massive Attack, Portishead et Tricky ont combiné des éléments musicaux du hip-hop américain, du dub jamaïcain, du breakbeat et de l'acid house avec du rock anglais à base de guitare.

Certains des contributeurs les plus connus au trip hop sont Massive Attack, Portishead, Tricky, DJ Shadow

Un regain de popularité

Ces derniers temps, il a été noté que les chansons trip-hop sont revenues en popularité. Cela se voit à travers le nombre croissant de remix d'artistes hip hop tels que Drake et Travis Scott, qui utilisent des éléments trip-hop dans leur musique pour obtenir un son nostalgique.

Le Post-Modernes
Qu'est-ce que le post-modernes en musique ?
La musique post-moderne était une rupture avec les styles modernes avant elle. Le jazz est un style de musique fortement influencé par la musique post-moderne.La chose intéressante à propos du post-modernisme est qu'il n'y a pas vraiment d'ensemble de règles ou de lignes directrices spécifiques sur ce que devraient être l'art et la littérature post-modernes.

C'est plus une attitude qu'autre chose. Les post-modernistes ont adopté cette attitude pour montrer à quel point les attitudes modernistes étaient parfois ridicules et pour briser certaines frontières entre différentes formes d'art et de médias, comme mélanger des visuels avec du texte ou jouer différents types de musique ensemble en un seul morceau. Après la Seconde Guerre mondiale, les musiciens ont trouvé de nouvelles idées dans la musique classique, les musiques de films, les airs de spectacles de Broadway, le raga indien et la bossa nova brésilienne.

Histoire du post-modernisme

Le post-modernisme dans l'art et la littérature existe depuis les années 1920, mais il n'a frappé la scène musicale que bien plus tard - dans les années 1970. L'ère post-moderne est une période de défi pour les musiciens de jazz. Ils doivent trouver de nouveaux styles et techniques pour rester pertinents. Une façon est de fusionner le jazz avec d'autres genres comme la pop ou le rock, qui était très populaire dans les années 1980. Une autre façon est de trouver l'inspiration dans des endroits improbables.

L'histoire du jazz remonte à la fin des années 1800, lorsque les Noirs américains ont essayé de jouer des chansons folkloriques de style européen en utilisant des instruments qu'ils avaient apportés d'Afrique de l'Ouest.

Qu'est-ce que le post-modernisme ?

La musique postmoderne se caractérise par un retour à des modes d'expression issus des traditions musicales afro-américaines telles que le gospel, le blues et le jazz. Le style postmoderne utilise des motifs rythmiques complexes, souvent avec des aspects de rhythm and blues ou d'improvisation jazz. Il comporte également un fort battement arrière ou une syncope sur le contretemps.

Il a été popularisé par des musiciens comme The Dave Matthews Band, The Allman Brothers Band, The Grateful Dead et Cream, Miles Davis, Herbie Hancock et Thelonious Monk.

Le Jazz Europeen

Histoire du jazz européen

Le jazz aété apporté en Europe par des militaires afro-américains pendant la Première Guerre mondiale, ainsi que par des musiciens venus à Paris avec la Renaissance de Harlem.

À ses débuts, le jazz était souvent appelé " ragtime " ou " Dixieland ". Les premiers enregistrements de jazz datent de 1917. Les années 1920 voient le jazz s'imposer comme une forme d'expression musicale majeure, dans toute l'Europe et l'Amérique.Le jazz européen est un style de jazz qui comprend de nombreux types de musique différents. Cela a commencé au début des années 1900 et est toujours aussi fort aujourd'hui.

Origines du Jazz Europeen

Il existe de nombreuses origines différentes du jazz, mais le style que nous connaissons sous le nom de jazz européen est originaire de pays tels que la Pologne, la Bulgarie, la Hongrie, la Tchécoslovaquie et la Roumanie.

Raison du succès de ce style

Dans la seconde moitié du 20e siècle, de nombreux musiciens de jazz se sont rendus en Europe pour jouer leur musique. Ils ont été influencés par différents types de musique et ils ont mélangé les différents styles. Par exemple, certains musiciens venus de Belgique ont voulu combiner les rythmes européens et africains avec le jazz américain.

En Europe, il y a aussi beaucoup plus de gens qui jouent du 'jazz' au coin des rues. Ils n'ont peut-être pas été formellement formés aux instruments classiques, mais ils jouent toujours avec dévouement et passion pour ce qu'ils aiment le plus faire - jouer du jazz. Les Européens jouent du jazz aujourd'hui plus souvent que jamais. Cela est dû à divers facteurs, notamment les événements mondiaux, des informations plus accessibles sur le jazz à travers des enregistrements, des films, la télévision et Internet, des compétences accrues de musiciens d'autres cultures qui sont plus disposés à le jouer parce qu'ils le voient comme un style avec des possibilités pour eux. , et un intérêt accru chez les jeunes qui ont vu " Miles Ahead " ou " Miles Davis Biopic de Don Cheadle ".

Le style world-jazz est un mélange de jazz et d'autres types de musique du monde entier.

Histoire du style World-Jazz

Le style World-Jazz a été joué pour la première fois dans les boîtes de nuit en Amérique dans les années 1960 et 1970. Le genre a fait ses débuts dans les années 1990 en France avec les débuts du Festival des musiques du monde à Avignon.

Caractéristiques du style World-Jazz

Le world-jazz est un genre de musique jazz qui a émergé du phénomène mondial du jazz. Il a été décrit comme " une fusion de styles musicaux occidentaux et non occidentaux, populaires et folkloriques, anciens et modernes ".

C'est un type de jazz unique, qui a été créé en combinant des éléments de musique africaine, latino-américaine, européenne, moyen-orientale et asiatique. Le style world-jazz est un mélange de jazz, de musique folklorique et de musique du monde. Il est populaire en Europe et en Afrique.

Vos questions régulieres sur les styles de jazz

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Tout ce qu'il faut savoir sur tous les styles de Jazz

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Vous ne connaissez pas les différents styles de Jazz ? Grâce à mon dossier complet, vous les connaîtrez sur le bout des doigts.

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C’est un style de musique inventé sur l’île de la Jamaïque, dans les Caraïbes, à l’époque où te…

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Jamaïque

Inscrit en 2018 ( 13.COM) sur la Liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l'humanité

© Raging Fyah/Kingsley Michael 'Ibo' Cooper/Big Ship studios/Creative Production & Training Centre Ltd./Magamedia/Licenced courtesy of Islands Records, a Division of Universal Music Operations Limited

Issu d'un milieu culturel qui abritait des groupes marginalisés, principalement dans l'ouest de Kingston, le reggae de Jamaïque est un amalgame de plusieurs influences musicales dont d'anciens genres musicaux jamaïcains ainsi que des rythmes originaires des Caraïbes, d'Amérique du Nord et d'Amérique latine. Au fil du temps, des styles musicaux néo-africains, la soul et le rhythm and blues d'Amérique du Nord ont été intégrés à l'élément transformant progressivement le ska en rock steady puis en reggae. Si, à ses débuts, le reggae était la voix des communautés marginalisées, il est désormais joué et adopté par une importante partie de la population, tous groupes ethniques et religieux confondus, et indépendamment de leur genre. Sa contribution au discours international sur les questions d'injustice, de résistance, d'amour et d'humanité souligne sa nature à la fois cérébrale, socio-politique, sensuelle et spirituelle. Les fonctions sociales de base de la musique - véhicule du commentaire social, pratique cathartique et moyen d'honorer Dieu - demeurent inchangées, et la musique garde son rôle de moyen d'expression de toute la population. De la prime enfance à l'enseignement supérieur, l'interprétation de la musique est enseignée dans les écoles. Des festivals et concerts de reggae, tels que le Reggae Sumfest et le Reggae Salute, sont des vitrines régulières pour la musique et offrent aux chanteurs, musiciens et autres praticiens en devenir des occasions de reprendre des morceaux et de transmettre leur passion.

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Issu d'un milieu culturel qui abritait des groupes marginalisés, principalement dans l'ouest de Kingston, le reggae de Jamaïque est un amalgame de plusieurs influences musicales dont d'anciens genres musicaux jamaïcains ainsi que des rythmes originaires des Caraïbes, d'Amérique du Nord et d'Amérique latine. Au fil du temps, des styles musicaux néo-africains, la soul et le rhythm a...

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Le rock est un genre de musique qui a émergé aux États-Unis dans les années 1950 et qui a depuis gagné en popularité à travers le monde. Il est caractérisé par ses riffs de guitare puissants, ses beats percussifs et ses paroles souvent rebelles. Le rock est également connu pour sa scène live énergique et ses concerts qui attirent souvent des foules de fans dévoués.

L'histoire du rock est étroitement liée à l'histoire de la musique pop américaine et à l'émergence de la culture de la jeunesse dans les années 1950. Au début des années 1950, le rock 'n' roll, un mélange de musique blues, de jazz et de country, est devenu populaire grâce à des artistes tels que Little Richard, Chuck Berry et Elvis Presley. Ces artistes ont popularisé le rock 'n' roll en utilisant des guitares électriques et en jouant avec passion et énergie, créant ainsi un son unique et dynamique qui a captivé les auditeurs de l'époque.

Au cours des années 1960, le rock s'est éloigné du rock 'n' roll et a évolué vers de nouvelles formes, telles que le rock psychédélique, le rock progressif et le hard rock. Ces enfants du rock 'n' roll ont donné naissance à de nouvelles techniques de guitare, de nouvelles harmonies et de nouvelles approches de la production musicale. De nombreux groupes de rock iconiques, tels que The Beatles, The Rolling Stones et Led Zeppelin, ont émergé durant cette période et ont contribué à définir ce que nous considérons aujourd'hui comme le rock traditionnel.

Le rock a également été influencé par d'autres genres de musique tels que le blues, le jazz, la musique folk et la musique latine. Beaucoup de groupes de rock ont incorporé ces influences dans leur musique, créant ainsi de nouvelles formes de rock comme le blues rock, le jazz rock...

Le rock a continué à évoluer au cours des décennies suivantes, englobant de nouvelles influences musicales, on peut citer le punk rock, le grunge, le rock alternatif, le rock électronique et le rock industriel. Cette liste est loin d'être exhaustive.

Le rock est l'un des genres musicaux les plus populaires et influents de tous les temps. Avec des artistes tels que The Black Keys, The Strokes ou Arctic Monkeys qui maintiennent la tradition du rock 'n' roll et lui donnent de nouvelles dimensions, il n'est pas exclu que d'autres groupes émergent encore dans les décennies à venir, pour notre plus grande satisfaction.

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Le rock : histoire et influences de ce genre musical

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Let's Rock N Jam, anciennement So Music 94. Ecole de guitare sur Saint-Maur-des-Fossés. Un enseignement moderne accès sur les styles allant du Blues à la Pop, en passant par le Rock, HardRock, Metal, Jazz. L'école propose également des stages, mais aussi des vidéos pédagogiques en ligne gratuites

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Le choix d'une guitare acoustique ou électrique représente une grande étape pour un musicien, qu'il soit débutant ou expérimenté. Si certains possèdent peu d'exigences et sélectionnent leur instrument au feeling, d'autres éprouvent une préférence pour un modèle en particulier. Il existe en effet des marques de guitare emblématiques, très prisées des musiciens. Découvrez ici 5 [...]

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Style musical et instrument #3 : Le rock - Cours de musique à domicile

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En musique, il existe un large panel de styles musicaux. Le rock est parmi les plus populaires et a connu de nombreuses évolutions.

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Séquence n°1: Musique et improvisation

Comment improviser dans un cadre défini ?

"Heigh ho" de Dave BRUBECK

("The Dave Brubeck quartet")

Il se caractérise par son rythme particulier (SWING) , par ses improvisations et par l'utilisation d'une walking bass à la contrebasse.

Le jazz est né à la Nouvelle-Orléans.

On observe 4 instruments différents dans ce morceau:

La batterie, la contrebasse, le piano et le saxophone.

On parle d'un quartet de jazz.

Le tempo est allegro (rapide)

Le caractère est plutôt joyeux, vif, et rythmé

C'est une partie musicale inventée à partir d'accords existants.

C'est une partie musicale servant à soutenir le thème.

C'est un musicien qui interprète seul, une partie musicale.

Lorsque l'on entend un instrument en particulier, qu'il tient le rôle principal pendant un passage musical, on dit qu'il joue dans la section mélodique.

A l'inverse, lorsque l'on entend moins un instrument, qu'il tient le rôle secondaire, on dit qu'il joue dans la section rythmique.

Les instruments entendus sont : guitare électrique, basse, piano.

Le chanteur utilise une voix : parlée, chantée, parfois criée.

Pour improviser, les musiciens se servent des accords de la grille de blues.

Nous avons entendu une improvisation de slam et de contrebasse basée sur des mots donnés par le public.

Le slam:

C'est de la poésie orale déclamée à la base dans des lieux publics. Le poète Marc Smith en a été le créateur dans les années 1980 à Chicago.

Grand Corps Malade

"Pocahontas" ------------------------------------- "Saint Denis"

"Follia " Arcangelo Corelli

Nous entendons un violon qui joue la mélodie.

Un clavecin et un violoncelle font la basse.

​

Cela s'appelle une basse continue ou continuo.

La basse continue ou continuo:

Le principe de cet accompagnement consiste à improviser sur une basse chiffrée.

Le fait d'improviser en musique est bien plus ancien que ce que l'on peut croire:

Au Moyen-Âge, les musiciens improvisaient souvent pour accompagner les chanteurs. Les ménestrels et les troubadours s'accompagnaient aussi lorsqu'ils chantaient leurs chansons d'amour à la royauté.

​

À la renaissance, l'improvisation était toujours présente chez les instruments harmoniques, comme le luth et l'orgue.

Comment improviser dans un cadre défini ?

* L'improvisation peut prendre différentes formes et existe depuis le Moyen-âge.

​

* Pour fonctionner, elle nécessite un cadre bien défini. Elle peut se baser sur un thème, une grille d'accords, une basse ou encore sur des mots.

Entrainez-vous à l'aide du tutoriel et du playback ci-dessous :

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Séquence n°1: Musique et improvisation Comment improviser dans un cadre défini ? "Heigh ho" de Dave BRUBECK ("The Dave Brubeck quartet") Il se caractérise par son rythme particulier (SWING) , par ses improvisations et par l'utilisation d'une walking bass à la contrebasse. Le jazz est né à la Nouvelle-Orléans.

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DJ Kool - Let Me Clear My Throat (Orginal Video)

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Le rap, comme beaucoup d'autres genres musicaux, s'est divisé en une multitude de sous-genres. Le genre rap s'avère massif, engendrant de nouvelles itérations jusqu'à aujourd'hui avec des sons allant des artistes classiques du hip-hop conscient aux nouveaux genres comme le rap emo inspiré par la musique trap et des pionniers comme Lil Uzi Vert.

Nous allons nous plonger dans l'histoire du rap et de la musique hip-hop et explorer chaque sous-genre unique du rap.

Qu'est-ce que la musique rap ?

Le mot "rap" est construit à partir d'un acronyme qui signifie rythme et poésie. La musique rap peut décrire une variété de sous-genres qui utilisent la voix du rap. Essentiellement, le rap est l'art de combiner la parole rythmique et les rythmes pour créer de la musique. Les pistes d'accompagnement de la musique rap utilisent souvent des échantillons et des rythmes numérisés.

L'histoire de la musique rap

Le rap est le plus souvent associé au hip hop, un mouvement culturel plus large et un genre musical qui a vu le jour à New York dans les années 1970. La culture hip-hop a donné naissance à des pierres angulaires de la culture comme le graffiti, le DJing, le MCing (qui a donné naissance au rap) et le break dancing. Ce genre est né des fêtes de quartier, où les DJ échantillonnaient des disques de funk, de soul, de disco et autres.

Les MCs aident à présenter les différents DJs à la foule, contribuant ainsi à maintenir l'attention du public au cours d'un set. Au fil du temps, les MCs se sont mis à rapper sur les sets des DJs, donnant ainsi naissance à ce nouveau genre.

La sortie de Rapper's Delight par The Sugarhill Gang a contribué à faire connaître le genre au grand public, tout comme The Breaks de Kurtis Blows. Le rap et le DJing ont évolué main dans la main grâce à la puissance du hip-hop, créant des éléments sonores caractéristiques comme le scratch, la chute de l'aiguille et les boîtes à rythmes.

Rap Vs. Hip Hop Vs. Trap : quelle est la différence ?

Le rap est techniquement un type d'expression vocale. La musique hip-hop est à l'origine de l'utilisation massive de la voix rap. La musique trap est un sous-genre de la musique hip-hop qui trouve son origine dans le sud des États-Unis. Ce genre est connu pour l'utilisation de 808 lourds, de hi hats, et continue d'évoluer jusqu'à aujourd'hui dans d'autres itérations comme le rap emo.

27 différents types de rap

Prêt à plonger dans les différents sous-genres du rap ? Voici 27 types de rap différents avec des exemples à explorer :

1. Hip Hop de la vieille école

Il est naturel de commencer par le hip-hop old school. Il s'agit de la musique créée principalement pendant les premières années du hip-hop, ou de la musique qui adhère au style distinct du rap sur des enregistrements échantillonnés.

Écoutez un peu de hip-hop old school dans Rockin It de Fearless Four :

2. Perceuse

Ce sous-genre du hip-hop est né à Chicago dans les années 2000. Il prend en compte les influences du trap, et s'inspire du Gangsta rap. Vous pouvez entendre de la trap dans des chansons comme Chief Keef I Don't Like :

3. UK Drill

Comme le nom du sous-genre le suggère, le UK drill est une itération supplémentaire du drill provenant du sud de Londres. Ce sous-genre utilise des mélodies et des paroles obsédantes, comme en témoignent des chansons telles que Let's Lurk de 67 :

4. Jazz Rap

Ce type de rap alternatif fusionne les deux genres homonymes. Écoutez ce son dans des chansons comme Buggin' Out de A Tribe Called Quest :

5. Cloud Rap

Ce genre de rap contemporain est apparu dans le sud des États-Unis en utilisant des paysages sonores rêveurs et parfois des rythmes lofi. On l'entend dans des chansons comme Diamonds de Yung Lean :

6. Gangsta Rap

Le Gangsta rap, qui était à l'origine appelé reality rap, a été utilisé pour transmettre la culture des gangs américains. Les artistes originaux du Gangsta rap comprennent N.W.A, Tupac et 50 Cent. Aujourd'hui encore, on fait référence à ce genre dans les espaces contemporains, comme dans Gangsta Luv de Snoop Dogg.

7. Boom Bap

Les mots "boom bap" sont utilisés pour décrire le kick et la snare utilisés dans un style populaire de rap de la côte Est dans les années 80 et 90. Un bon exemple de rythmes inspirés du boom bap se trouve dans ALONGWAYTOGO de Gang Starr :

8. Crunk

Ce sous-genre du hip-hop sudiste est connu pour son rythme effréné, orienté vers les clubs. Bougez votre tête sur des artistes crunk comme Crime Mob's Knuck If You Buck :

9. Chopped and Screwed Hip Hop

Ce sous-genre fait référence à la technique de DJing dans laquelle un rythme est échantillonné, ralenti et rééchantillonné. Vous pouvez l'entendre dans des chansons comme Tell Me Something Good de DJ Screw :

10. Emo Rap

Le rap emo combine un sentiment plus émotionnel, avec des artistes rêveurs, inspirés par la trap. Des artistes de rap emo comme Lil Peep et Juice WRLD ont ouvert la porte à la musique grand public grâce à leur musique déroutante :

11. Rap de la côte Est

Ce genre régional de musique hip-hop trouve son origine dans le Bronx, à New York. La scène hip-hop new-yorkaise est à l'origine de tout, ce qui a donné lieu à de nombreux croisements avec les sous-genres hip-hop de la vieille école. Écoutez C.R.E.AM du Wu-Tang Clan pour vous faire une idée de ce sous-genre classique du hip-hop :

12. Hyphy

La musique hyphy, également appelée musique hi fee, est un sous-genre du hip-hop associé à la Bay Area des États-Unis. Ce genre a des rythmes intenses et granuleux qui ressortent dans un mix. Les fans de hip-hop Hyphy reconnaîtront des chansons comme Hyphy par The Federation :

13. Hip Hop conscient

Le hip-hop conscient est un sous-genre qui se concentre sur la sensibilisation à travers ses paroles. Les thèmes de la conscience sociale, de la politique, de la religion, de la culture et de l'économie sont tissés dans le hip-hop conscient. Le hip-hop conscient a démarré avec des artistes comme Common :

14. Rebondir

La musique Bounce est un style de hip-hop de la Nouvelle-Orléans qui se caractérise généralement par un rythme très rapide et un format d'appel et de réponse. Vous pouvez l'entendre dans N.O Bounce de Big Freedia :

15. Piège

Le trap est un sous-genre important du hip-hop et du rap qui se caractérise par des 808 percutants, des hi hats et des basses criardes. Vous pouvez l'entendre dans des chansons comme Life is Good de Future ft. Drake :

16. Mumble Rap

Les rappeurs mumble sont apparus comme un microgenre sur Soundcloud dans les années 2010. Ces artistes ont la particularité d'avoir une livraison vocale peu claire. On peut l'entendre dans des chansons comme Pillz de Gucci Mane :

17. G-funk

Le G-funk, parfois appelé West Coast rap, est un sous-genre du Gangsta rap. Ce genre est fortement influencé par les chansons funk, comme en témoignent des chansons comme dollaz and sense de DJ Quik :

18. Piège de campagne

Le country trap mélange les genres hip-hop avec des sons country-esc. Écoutez la chanson Family Don't Matter de Young Thug :

19. Dirty South

Le Dirty South, autrement connu sous le nom de hip-hop du Sud, est réputé pour son utilisation de la danse, du flux continu et des high hats à double temps. Des chansons comme Crank That de Soulja Boy incarnent cet esprit :

20. Hardcore Hip Hop

Ce genre a émergé sur la côte Est et a été lancé par des artistes tels que Run-D.M.C., avec ses paroles percutantes. Écoutez Run-D.M.C. dans des chansons comme It's Like That :

21. Soundcloud Rap

Comme vous pouvez vous en douter, le "rap Soundcloud" a été nommé d'après la plateforme sur laquelle il a été construit. Vous pouvez l'entendre dans des chansons comme Love Scars de Trippie Red :

22. Lofi Hip Hop

Le hip-hop lo-fi adopte un paysage sonore plus rêveur avec des pistes d'accompagnement lo-fidélité. Découvrez-le dans des chansons telles que Dedicated de Moods :

23. Latin Trap

La trap latine prend la trap music et la mélange avec des influences latines comme le Reggaeton. On l'entend dans des chansons comme Party de Bad Bunny :

24. Frat Rap

Bien qu'il soit parfois utilisé comme un terme péjoratif, le frat rap fait référence à un paysage sonore de rap décontracté popularisé dans les fraternités. On peut l'entendre dans Jordan Belfort de Jordan Walker ou The Spins de Mac Miller :

25. Rap Rock

Comme son nom l'indique, le rap rock fusionne les sons du rap et du rock. Le son caractéristique est souvent attribué à des artistes rap rock comme les Beastie Boys :

26. Grime

Ce genre unique s'inspire de genres tels que la jungle britannique et le garage. Vous pouvez entendre ce style de rap exceptionnel sur des chansons comme Shutdown de Skepta :

27. Horrorcore

Ce genre, également appelé "horror hip hop", se définit par un contenu lyrique et une imagerie transgressifs. Écoutez, si vous l'osez, des chansons comme Yonkers de Tyler the Creator :

Les différents types de musique rap FAQ

Vous vous amusez à explorer le monde de la musique rap ? Consultez ces questions fréquemment posées sur le rap et la musique hip-hop pour approfondir vos connaissances.

Quels sont les trois types de rap ?

Il existe de nombreux styles de rap différents, le genre étant en constante évolution. Le rap lui-même peut également être classé dans les sous-genres trap music et hip hop. Ces différents styles de musique rap ont donné naissance à des sous-genres tels que le gangsta rap, le rap rock, le hip hop lo fi, etc.

Comment s'appelle le rap des années 90 ?

Il y avait beaucoup de genres différents de rap dans les années 90. Le milieu des années 90 est souvent considéré comme faisant partie de l'âge d'or du hip-hop, mais le rap a également évolué vers des sous-genres plus expérimentaux comme le hardcore, le gangsta et le G-funk au cours de cette décennie.

Quel était le premier rap ?

Il est difficile de dire quand le premier rap a été créé, bien que beaucoup accréditent le début commercial de "Rapper's Delight" par The Sugarhill Gang comme la première chanson de rap à être diffusée à la radio.

Qu'est-ce que le hip-hop et le rap ?

Le rap est la combinaison de rimes et de poésie sur un rythme. Le hip-hop est une culture qui se compose de différents éléments tels que le MCing, le breakdance, le graffiti et le DJing.

Qui a lancé le rap ?

Le rap est né à New York au début des années 1970. L'artiste et DJ du Bronx Kool Herc est considéré comme le pionnier du rap, car il manipulait des platines et chantait des paroles sur le rythme.

Quelle est la différence entre le rap et la trap ?

Le rap est un type de prestation vocale. Le trap est un sous-genre de la musique hip-hop qui met l'accent sur les 808, les hi hats et les subbasses. La musique trap intègre le rap comme mode d'expression vocale.

C'est pourquoi il y a tant de types de rap différents et d'autres à venir ! Ce mode d'expression vocale en constante évolution se prête à une expression sans fin. Nous vous invitons à vous plonger dans la vie de ces artistes étonnants !

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Types de rap : exploration des genres de musique rap

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Connaissez-vous tous les différents types de musique rap ? Dans ce guide, nous vous présentons tous les genres de rap, du hip-hop old-school aux œuvres de rappeurs expérimentaux de type mumble.

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New-York, quartier du Bronx, milieu des 70's... Depuis le premier choc pétrolier de 1973 et la récession de 1974, le monde est plongé dans une crise économique. Les jeunes issus des quartiers défavorisés de New York connaissent le chômage...

Dans les années 20 ou 30, lorsque grandissaient les futures légendes du jazz, un jeune pouvait compter sur un large réseau d'amis, de protecteurs, d'orchestres et de salles pour apprendre à jouer d'un instrument et trouver sa vocation. Mais à la fin des années 70, le chômage étant devenu la norme, ce genre d'éducation est hors de portée de la plupart des familles.

Les quartiers de New York City

2. Les prémices du rap :

Les DJ's sont à l'origine du hip hop.

Le hip hop est un mouvement artistique qui comprend la musique (rap, Deejaying), la danse (street dance, breakdance), la peinture (tags, graffitis) et qui s'accompagne de codes vestimentaires précis (tenues de sport).

Kool Herc est considéré comme le fondateur du rap. Il s'installe un jardin public, Cedar Playground, accompagné d'un complice tchatcheur qui, au micro, commente ses sélections musicales. plus tard, ces paroles rythmées sur la musique seront de plus en plus longues et ne seront plus improvisées mais écrites.

Les musiques préférées des jeunes noirs américains dans les années 70 sont le funk, le rythm n' blues, la soul, le disco...

DJ KOOL HERC

Reportage sur Cedar Playground

3. Afrika Bambaataa et la Zulu Nation :

Le DJ Afrika Bambaataa est né dans le Bronx. Adolescent, il fait partie d'un gang. Suite à l'assassinat de son meilleur ami dans une fusillade, il créé la Zulu Nation.

Le but de cette association est de fédérer les gangs, de les faire évoluer de manière positive et non-violente à travers les pratiques artistiques de la culture hip-hop.

Ainsi, il met en place les battles, joutes verbales ou dansées au cours desquelles deux protagonistes s'affrontent sans violence, en temps limité, en improvisant. Le vainqueur est désigné à l'applaudimètre.

Le but des battles est de substituer aux bagarres meutrières des gangs une culture où l'affrontement devient symbolique et pacifiste.

Zulu Nation throwdown (1981)

AFRIKA BAMBAATAA

Reportage sur Afrika Bambaataa et les prémices du hip hop

Battle rap à la télévision américaine

4. Le premier tube rap :

En 1979 sort Rapper's delight du groupe Sugarhill Gang.

La musique reprend la ligne de basse, les accords funky de guitare et les frappes de main d'une célèbre chanson disco-funk du groupe Chic, Good times (1979).

Elle intègre aussi, en guise d'introduction, des percussions brésiliennes (rythme de samba).

Les paroles sont assez anodines et invitent les auditeurs à danser.

3. Les techniques utilisées dans le rap :

Le sampling

Un échantillon ( sample en anglais) est un extrait de musique ou un son réutilisé dans une nouvelle composition musicale, souvent joué en boucle. L'extrait original peut être une note, un motif musical ou sonore quelconque et peut être utilisé en dehors de son contexte d'origine.

L'échantillonnage ( sampling en anglais) peut être réalisé avec un échantillonneur ( sampler en anglais), qui peut être un équipement électronique ou un programme informatique sur un ordinateur.

Le scratching

Procédé inventé par Grand Wizard Theodore, consistant à faire tourner à la main un disque vinyle alternativement en avant et en arrière, de façon à produire un effet spécial en modifiant brusquement et par à-coups la vitesse de lecture du disque. Quand on l'accélère le son devient plus aigu et quand on le ralentit le son devient plus grave. On associe cette rotation à une montée du volume. Il existe différents types de scratching, ceux-ci se différenciant par la vitesse du disque, ainsi que par leur coupures grâce au crossfader de la table de mixage.

Le human beat box

Le human beatbox (boîte à rythmes humaine), ou multivocalisme consiste en l'imitation vocale d'une boîte à rythmes, de scratchs et de nombreux autres instruments (principalement de percussion). Imiter de la musique instrumentale avec la bouche est une pratique répandue dans un certain nombre de musiques traditionnelles. Pour les musiciens, notamment les batteurs, le langage technique du rythme buccal est très pratique.

Comment séquencer un instru de rap pas à pas ?

PROJET MUSICAL

OEUVRE DE REFERENCE

Rapper's Delight (1979)

SUGARHILL GANG

à comparer avec

Good Times (1979)

CHIC

OEUVRES ASSOCIEES

Technique du sampling

Badinerie

J.S. Bach (1685-1750)

#

Imaginary Places (2002)

BUSDRIVER

#

Cantaloupe Island (1964)

Herbie HANCOCK (né en 1940)

#

Cantaloop (Flip fantasia) (1993)

US3

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Musicavaléri - Education musicale au collège Valéri - A la découverte de l'orchestre

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New-York, quartier du Bronx, milieu des 70's... Depuis le premier choc pétrolier de 1973 et la récession de 1974, le monde est plongé dans une crise économique. Les jeunes issus des quartiers défavorisés de New York connaissent le chômage...

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Un autre site que vous pourrez aller visiter pour trouver des informations:
http://musicavaleri.free.fr/html/cours_tonnot/3eme/rap/le_rap.html

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Le reggae apparu en Jamaïque à la fin des années 1960 est le résultat de nombreuses rencontres et de métissages.

Il dérive de musiques jamaïcaines comme le Ska et le Rocksteady mais plonge ses racines dans les musiques traditionnelles caribéennes telles que le Mento et le Calypso et les musiques africaines importées en Jamaïque par les esclaves.

Ce style musical a aussi été influencé par la musique américaine de type Rythm'n blues, Jazz et Soul music, alors très en vogue sur l'île.

Moyen d'expression de la population noire et des ghettos, ce genre musical était dès son origine porteur d'un message politique et religieux : le rastafarisme.

Il s'agit d'un courant mystique prêchant le retour en Afrique de tous les descendants d'esclaves disséminés sur le continent américain et situant la terre promise des Noirs africains en Éthiopie.

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FORMATION INSTRUMENTALE D'UN GROUPE DE ROCK
Le groupe rock est généralement composé d’une voix soliste accompagnée

> d’une batterie,

> d’une basse,

> de deux guitares électriques :

une guitare rythmique et une lead guitar (guitare qui effectue les solos).

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C'est un style de musique qui est apparu dans les années 1950.

Eh oui, nos grands-parents ont connu les débuts du rock. Mais le rock'n'roll, c'est aussi un style de danse très rythmé, parfois même acrobatique. La musique rock a été créée aux États-Unis. C'est un mélange de différents styles, comme le blues des Noirs américains et le jazz. Les rockeurs les plus connus sont Elvis Presley, les Beatles, les Rolling Stones, Nirvana ou encore U2. Il y a aussi des rockeurs français célèbres comme Johnny Hallyday, Téléphone ou Noir Désir. Il existe plusieurs rocks : le pop rock, assez doux, le hard rock, très énergique ou même le punk rock, super énervé.

Car pour faire du rock, les instruments de musique doivent être reliés à l'électricité. Guitare, basse, mais aussi batterie et clavier : voici les outils indispensables des rockeurs. Les chanteurs ne chantent pas, ils crient dans leur micro, parfois même en disant plein de gros mots. Leurs chansons racontent leurs colères ou les événements tristes de leur vie, comme leur chagrin d'amour. Leur look est très travaillé : t-shirt noir, pantalon déchiré, bottes en cuir, ils ont des tatouages et des crêtes sur la tête. Et sur scène, ils ont la rage, ils adorent casser leur guitare et se jeter dans la foule. Bref, quand on écoute du rock, on crie, on danse, on saute par tout, on s'éclate !

Écrit par les enfants de l'atelier mini-Rock en Seine 2016.

Réalisateur : Jacques Azam

Producteur : Milan Presse, France Télévisions

Année de copyright : 2016

Année de diffusion : 2016

Publié le 18/11/16

Modifié le 26/02/20

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Eh oui, nos grands-parents ont connu les débuts du rock. Mais le rock'n'roll, c'est aussi un style de danse très rythmé, parfois même acrobatique. La musique rock a été créée aux États-Unis. C'est un mélange de différents styles, comme le blues des Noirs américains et le jazz.

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"Le Jazz" - capsule vidéo éducation musicale - classe inversée

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À l’origine du jazz, il y a l’esclavage.
Déportés d’Afrique de l’Ouest depuis le XVIIe siècle, les esclaves noirs d’Amérique ont été contraints de travailler dans les plantations des colons européens installés en Amérique. (l’esclavage ne sera aboli qu’en 1865 après la guerre de sécession)
Privés de leurs propres pratiques religieuses, de leurs traditions et de leurs musiques, ils n’ont plus que le grain de leur voix et la couleur de leur peau pour se réinventer une nouvelle identité.
Le peuple noir, en mélangeant des éléments musicaux hérités de l’Afrique avec des éléments empruntés et adaptés de la culture musicale européenne, va ainsi donner naissance à des formes d’expressions comme le Negro-Spiritual et le Blues mais aussi le ragtime .

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Un site que vous pourrez aller visiter pour trouver des informations:
http://musiquecollege.wixsite.com/mbaron/squence-1-c1mhd

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Analyse d'un rap: La drogue te donne des ailes, Sexion d'assaut

La chanson commence par une courte introduction au piano, comme dans le lointain, avec quelques craquements qui évoquent la pluie.
Juste après, on entend une phrase chantée : « La drogue te plonge dans les ténèbres, dans le noir total ».

Cette phrase va être utilisée tout le long de la chanson : on l’entend en fond durant les couplets et les refrains.
Puis la chanson commence. Il y a 3 couplets et 3 refrains utilisant des styles différents ainsi que des dialogues parlés. C’est ce qui fait l’originalité de cette chanson. Ce n’est pas que du rap.

Le tempo est modéré. Comme dans la plupart des chansons de rap, l’accompagnement est un « ostinato » c’est-à-dire la répétition de la même formule musicale. Ici, cet ostinato est constitué d’accords de piano (ceux du début) qui sonne « lointain », et une rythmique à la batterie. Il s’y superpose aussi une sorte de bruit « soufflé » qui ressemble au son d’un bâton de pluie.

Le 1er couplet est rappé ; dans le fond on entend la phrase d’intro:

Il y a ensuite un dialogue seulement avec le piano sans la rythmique (toujours dans le lointain et avec une sorte de« souffle ».

Le refrain est chanté avec l’accompagnement normal .

Le 2ème couplet est partagé entre 3 styles : chanté au début, puis arrive un dialogue et enfin,  du rap pour finir.

Après le refrain, le 3 ème couplet est caractérisé par un style « slam » : l’interprète dit le texte sur la musique du piano seul puis avec la phrase d’intro.

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RAP : style de musique où le texte est dit en rythme sur un fond musical composé d’extraits de disques (les samples), mixés sur deux platines où l’on «scratche» (rejouant des séquences d’avant en arrière du disque) afin de produire une base rythmique dynamique.

En anglais afro-américain des années 1960, to rap signifie « discuter ». En argot britannique, le mot rap signifie « baratiner ».

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Repères culturels : brève histoire du hip-hop

A la fin des années 1970 dans les  fêtes de quartiers des ghettos de New York. On prend alors le micro pour scander de façon rapide quelques paroles, sur fond de bloucles rythmiques , qui soutiennent les danseurs.

Naissent de véritables chansons qui décrivent  la vie quotidienne dans ces quartier où la vie est difficile.

C’est la naissance d’un véritable style musical.

En France:  il faut attendre le milieu des années 1980 pour entendre du  rap sur les radios libres qui se créent .

Différents styles :
Le rap variété (par exemple Doc Gynéco ou celui  » bling bling  » plein de clichés, autour de l’argent des voitures vombrissantes et de filles aguichantes).
Le rap hardcore ( par exemple NTM ou Assassin) violent et ultra revendicatif, véhiculant beaucoup de haine, mais dans lequel la jeunesse se retrouve qui raconte la banlieue, le sexisme, le racisme, l’esclavage moderne, ou les inégalités.
Le slam ( par exemple Grand Corps Malade), avec ses paroles plus compréhensibles, moins ponctuées de mots d’argot, avec son flow plus lent. Les mots y sont plus déclamés et plus proche de la poésie contemporaine pour peux qu’on s’attarde sur le sens de certains textes.

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Histoire du rock
Le rock est un genre musical apparu au début des années 1950. Il est caractérisé par une mélodie vocale dominante  accompagnée d’une guitare électrique, une guitare basse et une batterie. Le rock aborde de nombreux sujets  dont la politique et les problèmes sociaux. Il devient à la fois un mouvement artistique, qui acquiert une légitimité intellectuelle, et un courant de la « contre-culture ». Cette tendance connaît son apogée lors de grands festivals de la fin des années 1960 comme Woodstock (1969) où des 450 000 jeunes hippies se sont rassemblés pour partager leur passion de la musique mais également une vision du monde (contre guerre du Vietnam notamment). Quelques artistes  : Rock’n’roll : Elvis Presley Rock anglais : The Beatles Rock : Bob Dylan, Queen, Hendrix Hard Rock : Led Zeppelin, Deep Purple