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Teaser | RADIUS & CUBITUS - LES AMANTS DE POMPÉI

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01

Directeur de la création, auteur, metteur en scène Jean-Charles GAUME
Compagnie Inhérence
Compositeur : Gabriel LEVASSEUR

Auteur du texte : Sylvain LEVEY

Traduction latine : Gilles VAN HEEMS

Collaborateurs artistiques à la mise en scène : Cille LANSADE et Jean-Benoit MOLLET

Regard extérieur Sébastien Bruas

Avec :

Jean-Charles GAUME Acrobate, Fildefériste, Piano / voix

Garance HUBERT-SAMSON Acrobate, Porteuse, Tissu aérien, Guitare basse / voix

Sandrine JUGLAIR Acrobate, mât chinois, batterie / voix - en doublon avec Colline CAEN

Giuseppe GERMINI Acrobate Fil de fer Saxophone / voix

Gabriel LEVASSEUR batterie, clavier, accordéon / voix

Michel SCHICK saxophone, clarinette / voix

Construction Nicolas CAUTAIN, Sullyvan GROUSSE, Pascale RENARD

Création son Alexandre DOIZENET

Création lumières Paul GALERON

Création costumes L éa GADBOIS LAMER

Régie générale Paul GALERON

Administration Lison CAUTAIN
Diffusion Léa du Cos de Saint Barthèlemy

-

Production : Inhérence
Soutiens : DRAC Bourgogne Franche-Comté ; Région Bourgogne Franche-Comté ; Ville de Besançon ; SACD /
Processus Cirque ; Beaumarchais / SACD

Coproduction Les 2 Scènes SN de Besançon ; Le Manège SN de Reims ; Le Théâtre Mansart, BoFéMa CROUS BFC & CirQ'onflex, Dijon ; Les Scènes du Jura SN ; le C.C. Pablo Picasso d'Homécourt ; La Brèche Cherbourg, Pôle National Cirque Normandie ; L'Espace Périphérique (Mairie de Paris - Parc de La Villette) ; Cirk'Eole.

Accueil en résidence Théâtre Mansart - Dijon ; Les 2 Scènes SN de Besançon ; Association du Château de Monthelon - Montréal ; L'Essieu du Batut - Muroles ; Partenariat CNAC / CIRK'EOLE - Châlons-en-Champagne ; La Menuiserie, CCP Picasso Homécourt - Mancieulles ; La Brèche PN Normandie - Cherbourg; Le Manège, scène nationale-Reims.

Un projet sélectionné dans le cadre de Quintessence 2019, rencontres professionnelles spectacle vivant

Bourgogne-Franche-Comté Grand Est organisées par le réseau Quint'Est

Radius et Cubitus a bénéficié d'un accueil en résidence de création au Manège

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scène nationale - reims · danse. cirque · spectacles

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Coup de théâtre : les célèbres Amants de Pompéi, figés à jamais dans les cendres du Vésuve, se sont révélés être deux hommes. Cette découverte scientifique inspire à l’impertinente compagnie Inhérence un spectacle acrobatique, au turbulent croisement du cirque et de l’opérette, et en latin !

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Radius et Cubitus, les amants de Pompéi : regard sur la création

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Radius et Cubitus, les amants de Pompéi : regard sur la création

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Radius et Cubitus, les amants de Pompéi : regard sur la création

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Vidéo de fin d'études de Jean-Charles Gaume au CNAC - 20ème promotion

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Vidéo de fin d'études de Jean-Charles Gaume au CNAC - 20ème promotion

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#Le Centre national des arts du cirque en mouvement

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Archéologie. Les amants de Pompéi étaient deux hommes

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Des analyses génétiques suggèrent que le célèbre couple de Pompéi, figé dans sa position enlacée par l’éruption du Vésuve, serait constitué de deux hommes.

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Court reportage sur l'éruption du Vésuve

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Court reportage sur l'éruption du Vésuve

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À voir sur Arte.fr

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Lorsqu'on vous dit "opérette", vous pensez aussitôt Luis Mariano, costumes à froufrous, musiques ou mises en scène 'ringardes' ? Détrompez-vous !

Scène de la mouche dans 'Orphée aux Enfers' de Jacques Offenbach , © Getty

Wolfgang Amadeus Mozart aurait été le premier à employer le mot " operette " pour se moquer des 'petites œuvres' de son époque... Mais ne vous fiez pas à cette anecdote ! Le même terme francisé désigne aujourd'hui un genre à part entière, tout aussi riche et estimable que le 'grand opéra'.

Démonstration en 10 points...

1. Une opérette est un opéra-comique (vraiment) comique

L'opéra-comique est un spectacle musical dans lequel s'alternent passages chantés et passages parlés. Carmen de Georges Bizet est un exemple d'opéra-comique, bien que son action n'ait rien de drôle ou léger.

L'opérette, elle, a pour vocation de faire rire. On y retrouve l'alternance entre scènes parlées et chantées, alors que l'opéra-comique traite le plus souvent de sujets sérieux, historiques ou mythologiques, l'opérette propose un spectacle joyeux et satirique.

" L'opérette est une fille de l'opéra-comique ayant mal tourné, mais les filles qui tournent mal ne sont pas toujours sans agrément ", Camille Saint-Saëns

2. Une opérette n'est pas un 'petit opéra'

Certes, il y a ce suffixe aussi affectueux que péjoratif, -ette. Il y a également l'origine moqueuse du terme. Et cela laisse penser que l'opérette est une forme moins importante et moins réussie d'opéra... Que nenni !

Les deux genres sont en fait bien distincts. Car l'opérette hérite de toute une tradition populaire : celle des foires parisiennes et des vaudevilles. C'est donc contre l'élitisme et le sérieux des grands opéras qu'elle s'est construite au XIXe siècle, et en aucun cas dans une tentative d'imitation.

3. Une bonne opérette repose avant tout sur un bon livret

L'opérette est construite sur une double parodie : celle de son intrigue, satire de la société, et celle de sa musique, qui se moque des grandes œuvres lyriques. Mais il faut parodier en toute subtilité car au XIXe siècle la censure sévit encore...

Les succès de Jacques Offenbach sont donc tout autant dus à ses talents de compositeur qu'à la plume intelligente de ses librettistes, Henri Meilhac et Ludovic Halévy, maîtres du sous-entendu et de la dénonciation discrète. Comme le chante Jupiter, dans Orphée aux enfers :

" Sauvons les apparences au moins ! Sauvons les apparences ! Tout est là ! ".

4. L'artiste d'opérette se doit d'être aussi bon chanteur que comédien !

L'opérette, terrain des débutants ou des artistes en fin de carrière ? Certainement pas ! Dans le duo de dispute conjugale du premier acte d' Orphée et Eurydice, par exemple, les vocalises nécessitent autant de technique et de santé vocale qu'un grand aria de Rossini.

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Qui plus est, le chanteur d'opérette doit également être bon comédien, et doit faire rire. Or, comme l'a écrit le maître de la comédie :

" C'est une étrange entreprise que celle de faire rire les honnêtes gens ", Molière

5. Offenbach préférait l'expression 'opéra-bouffe'

Si les œuvres de Jacques Offenbach sont aujourd'hui classées dans la catégorie 'opérette', lui les avait sous-titrées 'opéras-bouffes'. Pourquoi ? Parce qu'il luttait pour la reconnaissance de son talent de compositeur et que le terme d'opérette souffrait encore d'une connotation péjorative, face notamment aux grands drames lyriques de ses contemporains Jules Massenet ou Léo Delibes.

Toutefois, si l'on veut être bien précis, un opéra-bouffe n'est pas tout à fait similaire à une opérette. L'intrigue du premier parodie la société, tandis que celle de la seconde est le plus souvent sentimentale.

6. L'opérette est une spécialité made in France

" Je me dis que l'opéra-comique cessait d'être l'opéra-comique ; [...] et que les compositeurs travaillant pour la salle Favart ne faisaient plus que des petits grands opéras ", Jacques Offenbach

L'opérette française est née dans un contexte bien précis : celui du contournement de la censure et du rejet des grands spectacles bourgeois. Elle se distingue ainsi de l' opera buffa italien qui, à la manière de la commedia dell'arte, s'est davantage développé dans une tradition de divertissement plutôt que de satire.

L'opérette n'est pas non plus l'équivalent du S ingspiel, forme germanique proche de l'opéra-comique, aux intrigues souvent fantastiques et dénuées de tout esprit satirique, (comme La Flûte Enchantée). Elle ne se compare pas non plus à la zarzuela espagnole née dans les fiestas aristocratiques de Madrid.

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7. L'histoire de l'opérette est celle du combat des directeurs de théâtres

Et ce combat fut long. Car entre 1669, date à laquelle le compositeur Pierre Perrin obtient le privilège unique de l'art lyrique pour l'Académie royale de Musique, et le premier élan de libéralisation des théâtres au XIXe siècle, la vie culturelle française est rythmée par la censure et les expulsions.

Compositeurs, librettistes et directeurs de théâtres populaires doivent jouer avec les règlements. Le maître du contournement fut certainement Hervé (ou Louis-Auguste-Florimond Rongé, de son vrai nom), auteur de ce qui est considéré comme la première opérette : Don Quichotte et Sancho Pança.

Compositeur, chef d'orchestre, décorateur et machiniste, Hervé a d'abord monté des spectacles pour les aliénés de la Salpêtrière avant de prendre la direction, en 1854, d'un café-concert du boulevard du Temple, les Folies-Mayer qui deviendra le théâtre des Folies-Nouvelles où furent données les premières opérettes parisiennes.

8. L'opérette française s'est exportée à Vienne

Au XIXe siècle, la stabilité politique et économique de l'Empire austro-hongrois permet à Vienne un essor culturel sans précédent, et la valse Aimer, boire et manger de Johann Strauss fils résume bien l'esprit qui règne alors... C'est dans cette Vienne où l'on danse, chante et rit que Jacques Offenbach fait jouer ses œuvres et rencontre un succès triomphant dans les années 1860. Il aurait ainsi soufflé à l'oreille de Strauss : " Vous devriez écrire des opérettes, Monsieur Strauss..."

Dix ans plus tard, le compositeur viennois s'essaye au genre... et composera une quinzaine d'opérettes, dont la célèbre Chauve-Souris, inspirée d'un livret de Meilhac et Halévy, les deux complices d'Offenbach.

Beaucoup d'opérettes viennoises reprennent les intrigues de livrets français, mais une différence reste toutefois à noter : les spectacles viennois sont bien moins satiriques que leurs cousins français.

9. L'opérette n'est pas morte avec Offenbach !

Si l'opérette a été concurrencée au XXe siècle par le music-hall, le cinéma et les comédies musicales, d'autres chefs-d'oeuvre ont bien vu le jour après le règne d'Offenbach !

Citons par exemple Véronique (1898) d'André Messager, Ciboulette (1923) de Reynaldo Hahn... puis le renouveau de l'opérette durant les années folles, avec le ton grivois et osé des opérettes de Maurice Yvain. Ci-dessous un extrait de l'un de ses grands succès, Pas sur la bouche...

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10. Le retour en force de l'opérette

Elle est loin d'être absente de la programmation des salles françaises : si les opérettes n'ont toujours pas leur place à Bastille ou à Garnier, elles font régulièrement salle comble au Châtelet, à l'Athénée et dans beaucoup de théâtres de région.

Signalons également l'activité prolifique de troupes spécialisées, qu'elles soient professionnelles comme L'atelier Lyrique Angevin ou amateures, à l'image des Palétuviens.

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10 (petites) choses que vous ne saviez (peut-être) pas sur l'opérette

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Lorsqu'on vous dit "opérette", vous pensez aussitôt Luis Mariano, costumes à froufrous, musiques ou mises en scène 'ringardes' ? Détrompez-vous ! Wolfgang Amadeus Mozart aurait été le premier à employer le mot " operette " pour se moquer des 'petites œuvres' de son époque... Mais ne vous fiez pas à cette anecdote !

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Article en ligne sur le genre "opérette" à retrouver dans le spectacle

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Article en ligne sur le genre "opérette" à retrouver dans le spectacle

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À lire sur Franceinter.fr

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L'opérette, sourire de l'opéra... jolie image pour ce genre mêlant comédie, chant et danse, à la musique légère, et qui a donné naissance à la comédie musicale. L'opérette est née en France au milieu du XIXe siècle, sous la plume inspirée du compositeur, Jacques Offenbach.

Orphée aux Enfers est la première opérette de Jacques Offenbach, créée en 1858 aux Bouffes Parisiens © Getty / Ullstein Bild

Compositeur et violoncelliste du XIXe siècle, Jacques Offenbach est l'inventeur de l'opérette et France Inter lui consacre plusieurs émissions.

"Vous avez dit français ?"

Vous saurez tout de la biographie du compositeur Jacques Offenbach en quelques courts épisodes, orchestrés par Noëlle Bréham, dans Vous avez dit français ? Trois épisodes de quelques minutes pour découvrir un compositeur remarquable et balayer quelques idées reçues.

"Autant en emporte l'Histoire"

Il est vrai que depuis 1864, date de sa création au Théâtre des Variétés, l'opérette d'Offenbach, La Belle Hélène, n'en finit pas d'enchanter les publics de par le monde.
Ici, vous pouvez suivre un extrait "Le Couplet des Rois" diffusé sur Arte. Une création d'André Barbe et Renaud Doucet à l'Opéra de Hambourg :
Autant en emporte l'Histoire, l'émission des fictions de France Inter vous propose dimanche 10 décembre 2017, mais aussi, en nouvelle diffusion, le 5 avril 2020, dès 21h, de suivre Hortense Schneider, la Belle Hélène d'Offenbach.

Cette fiction radiophonique raconte les péripéties du projet, les répétitions puis la création de cette opérette, le 17 décembre 1864, au Théâtre des Variétés à Paris.

Beaucoup de joie de vivre dans cette fiction radiophonique, dont le texte est écrit par Isabelle Bournat et réalisé par Sophie-Aude Picon. La productrice-animatrice, Stéphanie Duncan, invite l'historien Jean-Claude Yon, l'un des spécialistes de Jacques Offenbach.

Avec la belle voix de mezzo-soprano de Florence Alayrac incarnant Hortense Schneider et celle de Johannes Hamm pour Jacques Offenbach, France Inter vous invite à savourer en avant-première un extrait de la fiction de dimanche soir :

"La Récréation"

En novembre 2016, La Récréation, l'émission de Vincent Josse titre Jacques Offenbach et pour cause : le compositeur était particulièrement à l'honneur à ce moment-là à l'Opéra Bastille, avec Les contes d'Hoffmann.

Notez bien que cette œuvre fut son unique opéra et son ultime composition avant sa disparition. L'émission est aussi l'occasion de revenir sur l'art de l'opéra bouffe, inventé au XIXe siècle par Jacques Offenbach lorsqu'il prend en 1855 la direction des Bouffes Parisiens.

"La Marche de l'Histoire"

Dans la série L'Opéra s'amuse, Jean Lebrun consacre, lui aussi, une émission de La Marche de l'Histoire à Jacques Offenbach en invitant le musicologue, Philippe Gumplowicz, avec Jean-Claude Yon, directeur du Centre d'Histoire Culturelle des Sociétés Contemporaines.

"C'est du classique mais c'est pas grave !"

Dans son émission C'est du classique mais c'est pas grave !, Sylvie Chapelle reçoit le chef d'orchestre, compositeur et musicologue Jean-Christophe Keck, spécialiste d'Offenbach et la productrice baptise son émission La musique d'Offenbach, c'est juste le "French Cancan", annonçant d'emblée l'angle de vue qui est de tordre le cou à beaucoup d'idées reçues sur le genre de l'opérette.

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Avec l'opérette, Offenbach fait sourire l'opéra

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L'opérette, sourire de l'opéra... jolie image pour ce genre mêlant comédie, chant et danse, à la musique légère, et qui a donné naissance à la comédie musicale. L'opérette est née en France au milieu du XIXe siècle, sous la plume inspirée du compositeur, Jacques Offenbach.

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Peu de disciplines portent en elles autant d'ambivalence contenue, imperceptible pour le non initié qui n'en retient souvent qu'une artificielle légèreté. Marcher sur un fil est un acte de foi. Une preuve d'abnégation et de courage. Tendu, dur et tranchant, le fil reste le compagnon familier de celle ou celui qui l'apprivoise au quotidien.

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Verticalité et collectif

La verticalité de l'agrès induit montées, descentes, prises de mains ou de pieds, montées en projection d'épaule, glissés, drapeaux et enroulements. Le vocabulaire, plutôt statique, s'est enrichi avec le développement d'un répertoire de sauts qui ont donné un caractère dynamique au travail : pirouette ou double pirouette, salto avant ou arrière, vrilles rattrapées en boule... La technique ne cesse d'évoluer et de se transformer et ses mutations depuis vingt ans ont été spectaculaires. Les troupes chinoises et nord-coréennes ont longtemps privilégié une pratique collective, fondée sur l'élan et la synchronisation, compliquée par des portés, mais en devenant une forme plus individuelle, notamment en Occident, la fluidité des enchaînements s'est substituée à ce qui a longtemps tenu de la démonstration pure, parfois même avec une connotation militaire. Un grand classique du genre est le " numéro des marins ", où dans un décor suranné et naïf, les mâts représentent les supports d'une hypothétique voilure et où une ou deux dizaines d'acrobates multiplient les poses et les sauts d'un mât à l'autre. La troupe Hacuna Matata, formée à l'École d'acrobatie de Dar es Salaam, associe la rigueur chinoise à l'énergie de la rue africaine, un mélange qui n'est pas sans rappeler celui de la Compania Havana de Cuba. L'intégration de cet agrès dans le cursus des écoles européennes, une amusante évocation de la colonne d'acier que l'on trouve dans toutes les casernes de pompiers, a considérablement modifié sa perception et son identité. Seul, en duo ou en trio, le mât chinois est désormais un prétexte à variations acrobatiques et chorégraphiques avec un enrichissement technique régulier. Vertical Tango, un duo créé au milieu des années 2000, illustre avec élégance la fusion entre une forme dansée et l'acrobatie.

Oscillations

Qu'il s'agisse d'un simple bambou, qu'il soit en bois, en acier, en aluminium ou en fibre de carbone, le mât a connu et connaît encore des adaptations selon ce que les acrobates souhaitent exprimer ou en fonction de son éventuel apport dramaturgique. Formé au Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne, Joao Peirera dos Santos crée en 2005 Peut être, une forme monodisciplinaire à partir du mât chinois et impose un style singulier où sa force se conjugue à une qualité de mouvement exceptionnelle. Le Mâtitube de Christophe Huysman avec William Valet, Sylvain Decure, Antoine Raimondi et Tsirihaka Harrivel, est à la fois une proposition scénographique pour l'espace urbain et une belle réflexion sur l'axe et l'équilibre portée par un acrobate puissant.
La technique de prises de mains, de reptation et d'ascension est un peu le code génétique de la discipline et suscite depuis le XIX e siècle de subtiles variations à partir d'une problématique commune de la verticalité. Les mâts oscillants, très en vogue au début du XX e siècle, notamment en Suisse où les familles Nock et Bauer s'en sont fait une spécialité, une mémoire qui perdure avec Bello Nock, artiste polyvalent qui pour être clown n'en a pas pour autant renié ce qui a fait la gloire de ses ancêtres. Ce jeu autour de l'oscillation, Fattini l'a popularisé dans les années 1950, simulant l'ivresse accroché à un réverbère étiré, créant presque par défaut une nouvelle technique du déséquilibre fondée sur une amplitude de mouvement impressionnante. Aujourd'hui, la compagnie australienne Strange Fruit plante ses mâts oscillants au cœur des villes pour y offrir d'étranges chorégraphies au rythme de la musique et du vent.

Evolutions techniques

Le mât pendulaire ou giratoire est une autre variation sur le thème d'une verticalité contrariée, source de contraintes imprévues. Lorsque Foucauld Falguerolles imagine un mât volant dont les mouvements sont modélisés par un contrepoids humain, il s'inscrit dans une filiation naturelle avec les mâts pendulaires d'Edouard Doyle et de Maud Ambroise et la barre incurvée d'Alix Bouyssie. Saulo Sarmiento développe un travail similaire avec un mât suspendu, une autre appréhension de la verticalité et de l'oscillation aléatoire, mais aussi une manière subtile de jouer avec un agrès d'une très grande simplicité, transcendé par sa nouvelle orientation.
La technique est déclinée en trio giratoire par la compagnie Arts des Airs en 2007 pour le spectacle Vertige de l'ombre. Cette appropriation d'un agrès, source d'inspiration pour de nombreux jeunes artistes, révèle à la fois sa malléabilité et son intensité. La compagnie française Mauvais coton invente un mât culbuto pour son Vol du rempart, une autre interprétation du balancier, tandis que Marianne-Michel développe un travail chorégraphique à partir d'un mât classique. L'importance des transitions, la mise en œuvre d'une nouvelle écriture à partir d'une gestuelle coulée, fluide, construite à partir de lâchers et de rotations, fondent l'approche contemporaine et marquent le temps d'une discipline millénaire inlassablement revisitée.

Interview

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La verticalité de l'agrès induit montées, descentes, prises de mains ou de pieds, montées en projection d'épaule, glissés, drapeaux et enroulements. Le vocabulaire, plutôt statique, s'est enrichi avec le développement d'un répertoire de sauts qui ont donné un caractère dynamique au travail : pirouette ou double pirouette, salto avant ou arrière, vrilles rattrapées en boule...

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Dossier Le corps de cirque de la revue Arts de la piste, 2002

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A lire sur bnf.cnac.fr

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1. En ce qui concerne les formes et les formats, on relèvera les tendances dominantes suivantes : les spectacles pluridisciplinaires sont l'exception et non plus la règle, chacun des " arts du cirque ", y compris les plus spécifiques (corde lisse, diabolo, BMX, roue Cyr, etc.)

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Force et beauté

En mêlant l'élégance des portés acrobatiques à la reconstitution d'un affrontement antique, les Athéna posent les base d'un genre neuf, rapidement identifié comme la discipline du mains à mains. Précurseurs et pionniers, ils sont rapidement imités et les duos se multiplient un peu partout en Europe. Enrico Mangini, un jeune athlète italien associé à plusieurs partenaires successifs dont Raymond Manvielle lorsqu'il se sépare d'Ackermann, est une figure essentielle dans l'évolution du mains à mains. Avec ses nombreux partenaires, il assure une popularité à ses exercices et crée sans cesse de nouveaux émules. Inspiré par la perfection de la statuaire classique, le mains à mains statique est la première étape dans la reconnaissance d'une technique inédite très appréciée sur la scène des music halls, vécue comme un contrepoint naturel à la beauté des danseuses et un symbole de simplicité en opposition à la débauche de plumes et de strass qui caractérise les revues du temps.

La notion de portés acrobatiques synthétise bien la trame des figures juxtaposées destinées à structurer un numéro de quelques minutes où la force maîtrisée, placée au service de la lenteur des enchaînements, est la clé de voûte de son succès. À la fin des années 1980, le numéro des Chen Brothers, acrobates portugais de tradition familiale, construit comme un lent développé avec notamment des planches d'une perfection absolue, est le résultat d'un lent processus de filtration qui a patiemment évacué les références pugilistiques pour ne conserver qu'une pure succession d'instants d'une force magnifique transcendée par sa propre maîtrise... Les quatre Pellegrini, les frères Perès ou les Sharkov, torses nus comme la plupart de leurs confrères, les Alexis Brothers, qui jouent de leurs corps sculptés comme d'un artifice supplémentaire, ont conçu leur numéro dans un esprit purement démonstratif, mais avec un soupçon d'humour qui donne à leur prestation une saveur particulière. Le rapport de force est déterminant et plus les partenaires semblent d'allure et de poids similaire, plus la performance est impressionnante. Enrico Mangini l'a bien compris lorsqu'il s'est séparé à son tour de Raymond Manvielle, qu'il portait sans effort, pour des partenaires plus lourds et plus proches de son propre physique d'ancien champion d'haltérophilie.

Masculin/féminin

Si les premiers duos sont plutôt masculins, progressivement apparaissent des duos mixtes où l'homme et la femme peuvent alternativement porter ou être portés. Eric et Amélie, formés par Claude Victoria à l'École nationale de cirque Annie Fratellini à la fin des années 1980, Virgile et Sophie, diplômés du Centre national des arts du cirque de Châlons-en-Champagne en 1987, le duo You and Me ou le couple du duo Paradise, tous deux formés à l'Académie des arts du cirque et des variétés de Kiev au début des années 2000, incarnent cette évolution du mains à mains où l'enchaînement des figures peut être au service d'un propos. Le duo La main s'affaire, formé au Centre des arts du cirque de Toulouse et à l'Académie de Kiev, y intègre l'humour à l'instar de la Famille Goldini où la jeune femme, plus grande que son partenaire, ajoute un effet de distorsion supplémentaire dans l'équilibre des forces. Investissant un registre intermédiaire, entre force et fragilité, le duo créé par la troupe militaire du Guangdong en 2002 assume les codes du porté acrobatique, mais les transcende par l'extraordinaire maîtrise technique des deux partenaires. La voltigeuse développe un travail sur les pointes, en équilibre sur l'épaule ou la tête de son porteur et juxtapose l'élégance du ballet classique à la pureté de sa gestuelle d'acrobate accomplie.

Issus du CNAC, Edward Aleman et Wilmer Marquez ont fondé la compagnie El Nucleo et créé le spectacle Quien Soy? à partir de leur pratique du mains à mains, considérée depuis 1994 avec les Acrostiches comme un prétexte à une forme artistique monodisciplinaire, une manière d'explorer les arcanes de l'acrobatie comme le fait la compagnie Un loup pour l'homme d'Alexandre Fray et Frédéric Arsenault. Avec eux, le mains à mains s'hybride avec la danse, mais surtout, il se complexifie dans son approche de l'espace et joue de sa dualité technique, mêlant les portés tout en privilégiant une approche dynamique de la discipline. Victor et Kati - Victor Cathala et Kati Pikkarainen - ou Anne de Buck et Mikis Minnier-Matsakis, formés au Centre national des arts du cirque, fondateurs du Cirque Aital et de la compagnie du Fardeau, y intègrent respectivement l'humour et le silence : une manière de rendre compte de l'essence sacrée de la discipline en la rapprochant de pratiques chorégraphiques rituelles et ancestrales. La notion de portés relève largement du vocabulaire de la danse, du ballet classique à la salsa portoricaine, du rock acrobatique au tango argentin, mais elle est commune également à l'acrosport, au patinage artistique et à l'aïkido...

Dynamiques

Le mains à mains dynamique puise ses origines à celles du saut et crée un tout autre rapport de force en s'appuyant davantage sur la propulsion et en valorisant le paradoxe du rejet et de l'attachement. Si le mains à mains statique est un éloge de la lenteur exacerbée et de la décomposition du geste poussée à son paroxysme, les portés dynamiques relèvent clairement de l'explosivité et s'épanouissent souvent entre colère, affrontement, désir et romantisme.

La technique emprunte au registre des propulsions humaines pour élaborer un répertoire de figures souvent codées par les artistes eux-mêmes. Le rigodon, un saut ancien qui consiste à pousser le voltigeur par un pied pour lui donner l'impulsion nécessaire pour tourner un saut périlleux, l'équivalent du pitch tuck pour la danse acrobatique, est une première esquisse de mains à mains dynamique. La danse acrobatique, initiée aux États-Unis par Sherman Coates vers 1900, constitue un prélude à ce que la seconde moitié du XX e siècle considère comme le mains à mains dans son acception globale. Progressivement, une écriture acrobatique et chorégraphique va singulariser la discipline et provoquer la création de nombreux duos, masculins ou mixtes. En 2005, les frères Iroshnikov, formés à Kiev, font sensation au Festival mondial du cirque de demain avec un numéro d'une densité extraordinaire. Sobrement vêtus de noir, l'un est ganté et l'autre a le visage dissimulé par une frange de cheveux blonds. Ils développent en quelques minutes un enchaînement d'une fluidité remarquable. Leur duo mêle les références christiques à la puissance symbolique du travail à deux où la maîtrise et la précision sont exemplaires. Dans un tout autre registre, Sébastien Soldevila et Emilie Bonnavaud ont construit un duo tout en tension, aux enchaînements rapides et précis. Ils incarnent cette tonalité singulière de la joute amoureuse où les figures sont implicitement liées à la chorégraphie et sous-tendent un propos à la fois simple et structurant.
La complicité entre le porteur et le voltigeur est déterminante, mais il y a aujourd'hui une véritable évolution dans l'approche même du travail où l'accord entre les deux partenaires se fait plus subtil, où les rôles ne sont plus aussi tranchés et où porteur et voltigeur jouent l'égalité plutôt que la différence.

Interview

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En mêlant l'élégance des portés acrobatiques à la reconstitution d'un affrontement antique, les Athéna posent les base d'un genre neuf, rapidement identifié comme la discipline du mains à mains. Précurseurs et pionniers, ils sont rapidement imités et les duos se multiplient un peu partout en Europe.