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Formée à l’Ecole des Beaux-Arts de Lyon, Chourouk Hriech pratique, depuis le début des années 2000, le dessin exclusivement en noir et blanc, la photographie , l’installation, la vidéo et la performance. Comme une promenade dans l’espace et le temps, ses œuvres appellent à la contemplation d’architectures anciennes et récentes, réelles et imaginaires, de personnages, d’animaux, de végétaux et de chimères qui peuplent un monde toujours en mouvement, traversé de flux.

Arpenteuse du monde, Chourouk Hriech l’observe toujours appareil photo en main et les sens en éveil, collectant les données d’un territoire par des prélèvements photographiques de son habitat, sa population, de ses essences de végétaux et d’animaux, de la lumière qui l’irradie, des sons qui l’habitent.

De ces quantités de documents témoins, Chourouk Hriech en extrait des données graphiques et sensibles. Elle y adjoint des images tirées de recherches documentaires, puis compose un récit dessiné d’un territoire à travers le filtre du souvenir de la déambulation, des fantasmes et rêves que le lieu lui inspire.

Cette vision subjective et inattendue d’un territoire et du vivant se découvre dans ses dessins ou ses installations (multi médiums) comme un cheminement au sein d’une cartographie imaginaire. Des strates de temps, d’espaces, de formes s’enchevêtrent, des plans se superposent, des angles se démultiplient, les échelles se dilatent, des images jaillissent créant des compositions hybrides incitant au voyage, à la rêverie, à l’imaginaire, et la déambulation.

– Extrait texte Jenna Darde pour le Voyage à Nantes 2020

EXPOSITIONS PERSONELLES

2020 – Et des échelles pour les oiseaux, Galerie Anne-Sarah Bénichou, Paris, France

2019 – Chaque temps en efface-t’il vraiment un autre?, Le Narcissio, Nice, France

2018 – La distance en son lieu, Artothèque de Pessac, Pessac, France

2017 – De quoi ce monde est-il le miroir?, Centre d’art contemporain Albert Chanot, Clamart, France

2017 – Chourouk Hriech, Hôpital Clairval, Marseille, France

2017 – Faire ailleurs, Galerie Anne-Sarah Bénichou

2016 – Le papillon posé sur la cloche du temple endormi, Centre d’arts plastiques Maison du peuple, Vénissieux, France

2015 – Solo show Drawing Now 2015, Carreau du Temple, Galerie Mitterrand,Paris

2015 – Sonnetto per la via Roma, Musée Cantini, Marseille Centre/Printemps de l’Art Contemporain 2015, Marseille, France

2014 – 1% artistique pour l’IFMTS de RezéNuages poussés par le vent, Galerie L’Atelier 21, Casablanca, Maroc

2013 – Solo show, « Vagues magiques », école élémentaire Pierre Budin, Paris

2012 – … et s’en aller, Kunsthalle de Mulhouse, France

2012 – Au-delà de l’aube, Mairie du 12ème, Paris, France

2011 – La belle de mai, Galerie atelier 21, Casablanca, Maroc

2011 – Circulo dellas bellas artes, Madrid, Espagne

2011 – Nouveaux tableaux parisiens, Pavillon Carré Baudouin, Paris, France

2010 – Cirrus and Ice Melody, JGM Galerie, Paris, France

2010 – Emprunter le paysage, Chapelle de Lurs, Frac Paca Hors les murs, France

2010 – Soul to soul, Project Room, Crac Sète, France

EXPOSITIONS COLLECTIVES

2024 – Les voix des fleuves Crossing the waters, 17e Biennale de Lyon, France

2022 – The Blue Bird, Daegu Art Factory, Corée du Sud

2021 – Drawing Now Alternative, Paris, France

2021 – Zone franche, Institut des Cultures d’Islam, France

2020 – Voci della strada, Le Voyage à Nantes, France

2020 – Le Dessin Autrement 2, Musée de Vence , France

2020 – 25 FPS, 16ème  Festival international du film expérimental et de vidéo à Zagreb, Croatie

2020 – Le petit programme, Kunsthalle Mulhouse, France

2019 – Storytelling, MAC Lyon, France

2018 – Kedem -Kodem -Kadima, CCA, Tel Aviv, Israël

2017 – SalonUrbain de Douala, triennale, Douala, Cameroun

2017 – Le dessin, autrement, Galerie de l’Etrave, Thonon-Les-Bains, France

2016-2017 – Là où je suis, Espace Muséal de Tourrettes, Tourrettes sur Loup, France

2016 – Biennale de Marrakech, Projets parallèles, Maroc

2016 – L’effet Vertigo, Macval, Vitry –sur-Seine, France

2015 – Au vent du rêve, Musée Cantini, Marseille, France

2015 – Mare Nostrum, Maison Folie, Mons 2015, Belgique

2015 – La Mer au Milieu des Terres, Museu Es Baluard, Palma, Espagne

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Centre d’art contemporain privé dédié au dessin

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LES VOIES DES FLEUVES " CROSSING DE WATER" BIENNALE 2025 

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LES VOIES DES FLEUVES " CROSSING DE WATER" BIENNALE 2025 

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Les Grandes Locos, un nouveau lieu pour la Biennale de Lyon 2024

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Lors de la 17ᵉ Biennale d'art contemporain de Lyon, tenue du 21 septembre 2024 au 5 janvier 2025, l'artiste française Annette Messager a présenté l'œuvre "Eux et nous, nous et eux" à la Cité Internationale de la Gastronomie.

artreview.com

Cette installation se compose de peluches effrayantes surgissant de placards en bois du XVIIᵉ siècle, mêlant humour et sérieux pour explorer des narratifs personnels et universels, ainsi que des représentations réelles ou fictives de soi.

Biennale de Lyon

L'œuvre reflète la capacité de Messager à transformer des objets du quotidien en éléments artistiques, suscitant une réflexion sur la mémoire, l'identité et les relations humaines.

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Artiste formé aux Beaux-Arts de Barcelone, Pericó s'inspire de ses racines méditerranéennes et de ses voyages en Europe et en Afrique du Nord. Ses œuvres évoluent d'abstractions architecturales vers des paysages imaginaires, reflétant sa mémoire personnelle.

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Connu pour ses peintures à l'huile empreintes de subtilité, Moreau cherche l'harmonie et la vérité sensible. Il invite le spectateur à une exploration libre de la beauté, mêlant contemplation, émotion et réflexion.

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Ses œuvres présentent des intérieurs décalés peuplés de rideaux délicats et de papiers peints éclectiques. Elle transforme des espaces ordinaires en mondes imaginaires, offrant une perspective ludique et imaginative.

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Ce festival, prévu du 12 au 14 juin 2025 à Barcelone, met en avant des artistes tels que Plastikman, Peggy Gou, Eric Prydz, BICEP, Max Cooper, Four Tet et Honey Dijon. Il explore également l'impact social et artistique de la technologie à travers des initiatives comme le +Rain Film Festival dédié au cinéma généré par intelligence artificielle.

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Artiste franco-suisse, Charrière est connu pour ses œuvres mêlant art, science et écologie. Il participe à des biennales majeures, notamment la Biennale de Venise.

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Née au Salvador, Cortez explore les thèmes de l'identité, de la mémoire et de la migration à travers des installations et des sculptures innovantes. Elle est présente à la Biennale de Venise 2025

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Artiste et musicien Tlingit et Unangax̂, Galanin crée des œuvres qui interrogent les notions d'identité et de culture à travers divers médiums. Il participe également à la Biennale de Venise 2025.

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Artiste colombienne, Morelos crée des installations immersives qui explorent la mémoire et l'histoire à travers des matériaux organiques. Elle participe à la Biennale de Venise 2025.

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Calligraphie néon"

Description : Michel de Broin est connu pour ses sculptures et installations. À Lyon, il a présenté une œuvre en néon, réinterprétant des formes et des textes dans l'espace public.

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Hélène Delprat – Vous êtes en train de m’enregistrer ? (2024)
Une œuvre interactive qui questionne la notion d'enregistrement et de surveillance, invitant les spectateurs à réfléchir sur leur propre présence et visibilité.

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"Eaux-Mères" – Esther Shalev-Gerz
Description : Dans cette œuvre, Esther Shalev-Gerz explore la relation entre la mémoire, l’histoire et les fleuves. Eaux-Mères est une installation sculpturale composée de miroirs d’eau et de projections, qui questionne les notions de mémoire collective et de purification.

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. "Les Mémoires des Eaux" – Chiharu Shiota

Description : Artiste japonaise connue pour ses installations de fils rouges, Shiota crée une œuvre immersive inspirée des fleuves, dans laquelle des objets flottants semblent se perdre dans les eaux tumultueuses de l’esprit humain. Les visiteurs se sentent traversés par l’histoire et les mémoires liées à l’eau.

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Lors de la 17ᵉ Biennale d'art contemporain de Lyon, tenue du 21 septembre 2024 au 5 janvier 2025, l'artiste Christian Boltanski a présenté l'installation "Animitas ('White')".

magazine-acumen.com

Cette œuvre se caractérisait par des vêtements blancs suspendus, diffusant une lumière douce et accompagnés de sons apaisants. Elle reflétait la pratique de Boltanski consistant à fusionner son histoire personnelle avec celle des lieux qui l'accueillent. L'installation invitait les spectateurs à une réflexion sur la mémoire, l'identité et la fragilité de l'existence humaine.

magazine-acumen.com

Christian Boltanski (1944-2021) était reconnu pour son exploration des thèmes de la vie, de la mort, de l'enfance, de la mémoire et de l'inconscient. Son travail englobait divers médias, tels que la vidéo, les images d'archives, les vêtements, les textiles, la lumière et l'ombre, pour évoquer des histoires de vies ordinaires et des événements historiques marquants.

magazine-acumen.com

L'œuvre "Animitas ('White')" s'inscrivait dans cette démarche, offrant une expérience immersive qui touchait les visiteurs et les incitait à une introspection personnelle.

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Description : L'artiste sud-africaine Zanele Muholi, connue pour ses portraits puissants de personnes transgenres et non binaires, a exposé des œuvres dénonçant les injustices sociales et les violences faites aux personnes marginalisées.

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Crossing the Water"

Description : L'artiste chinois Wang Xingwei a présenté une série de peintures et de sculptures représentant des paysages aquatiques, faisant le lien entre le fleuve et l'art dans une perspective de la globalisation et de l'identité contemporaine.

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"Fleuve" (Installations immersives)

Description : L'artiste brésilien Tunga a marqué la Biennale avec ses installations immersives, où l'eau et la matière se rencontrent pour interroger la fluidité de l'identité et des territoires.

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"La Souffrance"

Description : Latifa Echakhch, artiste franco-marocaine, explore la mémoire, la migration, et les frontières, en créant des installations saisissantes qui remettent en question les divisions géopolitiques et culturelles. Son œuvre "La Souffrance" plonge dans l'histoire des exils et des migrations.

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"Rio Amazonas"

Description : L'artiste brésilienne Adriana Varejão crée des œuvres qui explorent la relation entre l'histoire coloniale et les paysages culturels, en particulier le corps et la mémoire à travers une interprétation du "Rio Amazonas" symbolisant la fluidité et la métamorphose.

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"Anatomy of a Moment"

Description : Diana Matar, artiste britannique, explore des sujets relatifs à la mémoire et à la recherche de vérité à travers des photographies et des vidéos documentaires.

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Installation évoquant Gaza

Description : L'artiste palestinien Taysir Batniji a mis en lumière la situation à Gaza avec des installations poignantes, abordant la mémoire, le conflit et la résistance à travers des symboles et des objets du quotidien.

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"L'Oasis des Oiseaux" de Chourouk Hriech (Grandes Locos, 17è Biennale d'art, Lyon)

L'Oasis des Oiseaux (détail)

Oeuvre de Chourouk Hriech (France, 1977)

www.labiennaledelyon.com/fr/les-artistes/details/chourouk...

2024

Dessins à l’encre de Chine imprimés, techniques mixtes

Courtesy de l'artiste et de la Galerie Anne-Sarah Bénichou

Lieu d'exposition : Les Grandes Locos

17e Biennale de Lyon

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LE VOYAGE DE NANTES

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Le Voyage à Nantes : Les tramways de Chourouk Hriech

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Le Voyage à Nantes : Les tramways de Chourouk Hriech sont à découvrir sur les lignes 1&3. Formée à l’École des Beaux-Arts de Lyon, Chourouk Hriec

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VOCI DELLA STRADA - Chourouk Hriech | Le Voyage à Nantes

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Des œuvres graphiques et généreuses qui naviguent sur le territoire à la rencontre des lieux et des habitants le long des lignes de tramway 1 et 3.

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Mona Cara : "Le Cactus" – Une installation textile évoquant l'univers de son enfance, mêlant artisanat et innovation.

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Nefeli Papadimouli : "Idiopolis (I - X)" – Une installation textile interrogeant les luttes sociales contemporaines et les modes de résistance.

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Les Machines à Guérir » de Guadalupe Maravilla à la Cité Internationale de la Gastronomie

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annette messager

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Annette Messager – Eux et nous, nous et eux, 2024 – Biennale de Lyon

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Annette Messager – Eux et nous, nous et eux, 2024, Biennale de Lyon

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1944, Paris, France - 2021, Paris, France

À travers différents médiums, Christian Boltanski entreprend de rendre compte de vies ordinaires - la sienne mais aussi celles d'anonymes -, d'histoires individuelles et collectives. Son oeuvre révèle les souvenirs enfouis, des plus intimes et personnels, quotidiens et familiaux, aux plus universels, tels les grands désastres de l'histoire et ses effets sur l'humanité. L'accumulation de vêtements, les jeux d'ombre et de lumière, la projection d'images sont autant de moyens utilisés par l'artiste pour préserver " la petite mémoire " et manifester la précarité de l'existence humaine et la fragilité du passage du temps.

Convoquant des rites ancestraux, Christian Boltanski réalise des mémoriaux pour les vivant·es et les mort·es. Filmée en un seul plan fixe, du lever au coucher du soleil, Animitas (blanc) montre 800 clochettes japonaises balancées par le vent, dont le tintement évoque " la musique des astres et la voix des âmes flottantes. " Fixées au sol, elles dessinent la carte céleste du jour de naissance de l'artiste, le 6 septembre 1944. Vouée à disparaître avec le temps, l'installation associe l'histoire personnelle de Christian Boltanski à celle des lieux qui l'accueille. Initiée en 2014 dans le désert d'Atacama au Chili et poursuivie sur l'île d'Orléans au Québec en 2017, Animitas (blanc) se conçoit comme une invitation à la méditation et une réflexion sur les cycles de la vie.

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Christian Boltanski - Animitas (blanc), 2017 - Biennale de Lyon

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Christian Boltanski - Animitas (blanc), 2017, Biennale de Lyon

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COMMENT LA COULEUR PEUT ELLE EXPLOITEE UNE COMPOSITION ?

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COMMENT LA COULEUR PEUT ELLE EXPLOITEE UNE COMPOSITION ?

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Giorgio Morandi ou la vie secrète des choses

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Méconnu en France où il est peu représenté dans les collections muséales, Giorgio Morandi (1890–1964) est un peintre à part dans l’histoire du XXe siècle. En marge de tout mouvement, travailleur solitaire, il n’a (presque) peint que des natures mortes et des paysages. Graveur également, il a séduit le musicologue Luigi Magnani, devenu son ami et mécène, dont l’abondante collection est présentée tout l’hiver au musée de Grenoble aux côtés de quelques prêts. Une belle occasion de découvrir en profondeur l’œuvre ténue d’un silencieux, qui touche au cœur.

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Exposition Nicolas de Staël à Paris : un parcours parfait au musée d’Art moderne

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Nicolas de Staël, dans ses grands formats ou ses petites toiles assure un tel équilibre entre abstraction et figuration, couleurs et lumières, que toute

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L''Encyclopédie Française (cit. 17, 21, a3)

Abstraction, création, art non figuratif [cahier édité par l''association Abstraction-Création fondée le 15 février 1931 pour l''organisation de manifestations d''art non figuratif], n° 3, Paris, Imprimerie de Montmartre, 1934 (cit. p.10)

Tourette (François Gilles de la).- Robert Delaunay.- Paris : Massin, 1950 (cit. p. 69-71 et reprod. coul. pl. 24)

Read (H.): Art Now, Londres, 1950 (pl. 168)

Seuphor (Michel).- L''Art abstrait, ses origines, ses premiers maîtres.- Paris : Maeght, 1950 (cit. et reprod. p. 214)

Cirlot (J.E.): La pintura Abstracta, Barcelone, 1951 (pl. 17)

Du cubisme à l''art abstrait. Documents inédits publiés par Pierre Francastel et suivis du catalogue de l''oeuvre de R. Delaunay par Guy Habasque.- Paris, édit. SEVPEN, 1957 (sous la dir. de Guy Habasque) (cat. n° 273 cit. p. 294)

Robert Delaunay (1885-1941): Paris, Editions des musées nationaux, 1957 (cit. p.67 et reprod. pl. 26)

Steneberg (E.).- Robert Delaunay und die deutsche Malerei in Das Kunstwerk, Allemagne, octobre 1961, n°4 -XV (reprod. p. 16)

RORIVAL (Bernard).- "La donation Delaunay" in La Revue du Louvre [revue], n° 6, Paris, 1963 (cit. p.283)

Schmidt (Georg).- Robert Delaunay.- Baden-Baden : Woldemar Klein Verlag, 1964 (cit. p.18)

Hoog (Michel).- Robert et Sonia Delaunay.- Paris : Musées nationaux, 1967 (Inventaire des collections publiques françaises; n°15) (cat. n°37 cit. et reprod. p. 76-77)

DORIVAL (Bernard).- Robert Delaunay 1885-1941 .- Bruxelles : Jacques Damase Editions, 1975 (cit. p. XXVIII)

Robert Delaunay (1885-1941) : Paris, Orangerie des Tuileries, 25 mai-30 août 1976 // Baden-Baden, Kunsthalle, 17 septembre-7 novembre 1976. - Paris : Editions des Musées nationaux, 1976 (sous la dir. de Michel Hoog) (cat. n° 101 cit. et reprod. p. 114) . N° isbn 2-7118-0035-0
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Robert/Sonia Delaunay : Tokyo, National Museum of Modern Art, 9 novembre-23 décembre 1979 (cat. n° 29 reprod. coul.)

Moskva Pariz 1900-1930 : Moscou, Musée Pouchkine, 3 juin-4 octobre 1981. - Moskva : Sovetskij hudoznik, 1981 (2 volumes : vol. 2 ne contient que des illustrations en N&B et en couleur) (non reprod.)

Robert e Sonia Delaunay 1885-1941, 1885-1979 : Lisbonne : Fundaçao Calouste Gulbenkian, 15 décembre 1981-31 janvier 1982 (cat. n° 31 reprod. coul.)

Robert y Sonia Delaunay : Madrid, Fundacion Juan March, 15 février-31 mars 1982 (cat. n° 52 reprod. coul.) . N° isbn 84-7075-232-4
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Pisani Futacchi (Giulia).- Robert Delaunay : poeta del colore.- Milan : DBBA, 1985 (cit. et reprod. coul. p. 150-151)

Robert et Sonia Delaunay, le centenaire : Paris, Musée d''art moderne de la Ville de Paris, 14 mai-8 septembre 1985. - Paris : Paris-Musées, 1985 (cat. n° 53 cit. p. 128 et reprod. coul. p. 107) . N° isbn 2-85346-002-9
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Molinari (Danielle).- Robert/Sonia Delaunay.- Paris : Nouvelles éditions françaises, 1987 (fig. 257 cit. p. 146 et reprod. couleur p. 147)

Sonia et Robert Delaunay : dialogues d''artistes, résonances : Berne, Kunstmuseum, 15 novembre 1991-9 février 1992 (cat. n° 76 reprod. p. 129)

L''art en mouvement : Saint-Paul, Fondation Maeght, 4 juillet- 15 octobre 1992. - Saint-Paul, Fondation Marguerite et Aimé Maeght, 1992 (cat. n° 52 cit. p. 270 et reprod. p. 94)

Düchting (Hajo).- Robert et Sonia Delaunay : Le triomphe de la couleur.- Cologne: Benedikt Taschen, 1994 (cit. et reprod. coul. p. 66-67) . N° isbn 3-8228-8974-1
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Robert Delaunay, Sonia Delaunay. Das Centre Pompidou zu gast in Hamburg : Hambourg, Hamburger Kunsthalle, 10 septembre-21 novembre 1999 (cit. p. 154 reprod. coul. p.155 et jaquette (détail)) . N° isbn 3-7701-5216-6
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Robert et Sonia Delaunay : La donation Sonia et Charles Delaunay dans les collections du Centre Georges Pompidou Musée national d''art moderne : Paris, Centre national d''art et de culture Georges Pompidou, 1 octobre 2003 - 5 janvier 2004.- Paris : Editions du Centre Pompidou, 2003 (cat. n° 26 cit. et reprod. coul. p. 64-65) . N° isbn 2-84426-223-6
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Collection Art Moderne :[Catalogue de] La collection du Centre Pompidou/Musée national d''art moderne. - Paris : Editions du Centre Pompidou, 2006 (sous la dir. de Brigitte Leal) (cit. et reprod. coul. p. 173) . N° isbn 978-2-84426-317-9
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Robert Delaunay: rythmes sans fin: Paris, Centre Pompidou, 15 octobre 2014-12 janvier 2015. - Paris: éd. du Centre Pompidou, 2014. (cat. n° 16 cit. p. 30, 40, 128 et reprod. coul. p. 31) . N° isbn 978-2-84426-682-8
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Sonia Delaunay. Les couleurs de l''abstraction : Paris, Musée d''art moderne de la Ville de Paris, 17 octobre 2014-22 février 2015. - Paris : Paris-Musées, 2014 (sous la dir. d''Anne Montfort et Cécile Godefroy) (cit. p. 15 (oeuvre non exposée)) . N° isbn 978-2-7596-0239-1
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Joie de vivre : Lille, Palais des beaux-arts, 26 septembre 2015-17 janvier 2016 .- Paris : Réunion des musées nationaux-Grand Palais, 2015 (cat. n° 2 reprod. coul. p. 83) . N° isbn 978-2-7118-6284-9
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10 choses à savoir sur Pierre Soulages - Magazine Artsper

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Plongez dans l’univers d’ombre et de lumière de Pierre Soulages, et découvrez l’artiste en 10 anecdotes à connaître.

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Anna Blume est née en 1937 à Bork (Allemagne), décédée en 2020.
Bernhard Blume est né en 1937 à Dortmund (Allemagne), décédé en 2011 à Cologne (Allemagne).

"Anna et Bernhard Blume ont étudié à l'Académie de Düsseldorf (Allemagne) dans les années 60, à l'époque de l'enseignement de Joseph Beuys et de Hilla Becher, et en compagnie d'artistes comme Sigmar Polke, Imi Knoebel et Blinky Palermo, avant de poursuivre des études de philosophie à l'Université de Cologne où ils choisirent de résider.

Précurseurs d'une certaine photographie mise en scène, à la frontière de la performance, leurs grands polyptyques ou séries induisent, avec beaucoup d'humour, plusieurs niveaux de lecture : confrontation d'un couple d'artistes à la vie quotidienne, réflexion artistique et esthétique sur le modernisme, et, enfin, méditation plus complexe, philosophique et ontologique, sur l'existence humaine dans sa relation à son environnement. Les Blume se mettent eux-mêmes en scènes dans les intérieurs petits bourgeois des années 50 et 60, étouffants à force de saturation mobilière et décorative.

La prise de vue paraît intempestive, déclenchée par hasard avant ou après la scène prévue, pendant la préparation ou lors du démontage des décors. Au premier regard, on assiste tout simplement au combat quotidien mené par un couple contre le chaos ordinaire, ou engagé par tout artiste, en début de carrière surtout, pour survivre tout en poursuivant son propre travail artistique. Ce combat devient également la métaphore d'une lutte entreprise par toute une génération contre la réification bourgeoise du monde pour s'affranchir des valeurs portées par la société occidentale d'après-guerre. Mais ici la lutte semble inégale et toujours perdue d'avance : dans des séries comme Mahlzeit (1989) ou Vasenextase (1987), les objets ou la nourriture leur échappent, chutent, les meubles et les murs basculent. Cet environnement matérialiste si patiemment gagné et élaboré - les Blume construisent eux même leurs décors et leurs accessoires - se rebelle, acquiert une vie en propre et prend le pouvoir. Dans les décors instables de ce théâtre du quotidien, les raccourcis de perspective, les lignes de fuite contradictoires, tout cet univers instable et oppressant, nous projettent aussi tout droit dans quelque tableau cubo-futuriste ou quelque décor cinématographique de l'époque expressionniste.

L'histoire de la modernité artistique, sa prégnance, sont aussi au coeur des questionnements du travail des Blume. Une modernité d'ailleurs bien envahissante ! Dans d'autres séries, comme Transcendentaler Konstrucktivismus (1992-1994) ou Abstrakte Kunst (2002-2006), c'est au sujet transcendantal de Kant et à la modernité picturale la plus rigoriste que se confrontent les artistes, celle de l'abstraction de Mondrian, Malevitch ou Van Doesburg. Les accessoires qu'ils tentent de manipuler, de s'approprier - accessoires toujours fabriqués par eux - déclinent des motifs géométriques emblématiques de l'art concret. Usant d'un comique de situation digne du cinéma muet, les artistes tentent de faire un sort au modernisme et à ses présomptions démiurgiques, en ramenant, voire en rabaissant le répertoire vers sa matérialité première, vers son statut d'objet : les lignes de forces du tableau se métamorphosent en béquille ou en porte-manteau, en table ou en étagère chancelantes. Mais la modernité n'en résiste pas moins de toutes ses forces : le motif devient, littéralement, une croix bien lourde à porter, envahit ou paralyse jusqu'au corps même de l'artiste, sidère son oeil exorbité, prolifère jusqu'à presque crever le tableau (Transzendentale Orthopédie, 2002-2006). Là encore, l'objet est incontrôlable, animé d'une volonté en propre, la créature se rebelle contre son créateur jusqu'à fusionner avec lui. Dans les travaux des Blume, le motif de la croix n'est pas seulement l'emblème de la peinture abstraite géométrique. C'est aussi celui du catholicisme qui a bercé l'enfance de Bernhard Blume. Cette référence métaphysique, et plus précisément ici "transcendantale", suggère également un par-delà ou un au-delà de l'univers matérialiste.

L'utilisation récurrente du flou provoqué par le mouvement des personnages ou des objets, cette maladresse honnie des photographes professionnels, rapproche leurs images de la pratique amateur, leur permet à la fin des années soixante de les rattacher au champ plus mouvant et vivant de la performance, d'intégrer une immédiateté quotidienne, et, surtout, des apparitions furtives, dans une pratique de production d'image a priori statique.

Le traitement en noir et blanc, la grisaille qui dominera de plus en plus les séries photographiques, vont quant à eux prévenir tout réalisme pour au contraire accentuer la teneur fantomatique des images. Car le flou et le noir et blanc sont aussi ceux de la photographie spirite de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, dont la naïveté fascina nombre d'artistes à la fin des années soixante (dont Sigmar Polke et Blinky Palermo dans l'entourage des Blume). Cet intérêt pour une photographie de l'invisible témoigne très tôt d'une remise en question de la valeur d'indexation de ce "médium" et de la recherche d'une analogie avec l'essence de l'abstraction dans sa négation de la mimésis. Combinée à l'entéléchie et aux rituels d'un Joseph Beuys, ainsi qu'aux théories sur les membres fantômes du psychiatre Max Mickorey, les oeuvres rejouent avec humour et ironie une "hystérie" de l'artiste dans son fantasme de régénération imaginaire, mais voilent aussi pudiquement des questionnements moins religieux qu'ontologiques sur la persistance des êtres et des choses, de leur présence et de leurs actes."

Anne Giffon-Selle

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Anna & Bernhard Blume - Françoise Paviot

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Anna Blume est née en 1937 à Bork (Allemagne), décédée en 2020. Bernhard Blume est né en 1937 à Dortmund (Allemagne), décédé en 2011 à Cologne (Allemagne). "Anna et Bernhard Blume ont étudié à l'Académie de Düsseldorf (Allemagne) dans les années 60, à l'époque de l'enseignement de Joseph Beuys et de Hilla Becher, et en compagnie d'artistes ...

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Photographe américain du XXe siècle, Duane Michals consacre une grande partie de son œuvre à la photographie narrative et amène le spectateur à s'interroger sur les questions de la perception grâce à des mises en scènes surréalistes.
Dans son travail, Duane Michals crée des récits par le biais de séquences photographiques illustrant différents thèmes tels que la mort, l'immortalité, l'amour, la vieillesse, le temps qui passe ou encore la nature. Il reconnaît d'ailleurs l 'influence de Magritte dans ses mises en scènes surréalistes.P lutôt que d'utiliser le texte pour expliquer ses photographies, Michals se sert de ce procédé pour donner de la voix à ses idées et ses pensées. Ce format joignant images et textes s'apparente aux séquences cinématographiques et est considéré comme une innovation.Afin de mieux comprendre l'enjeu de son travail, nous vous proposons de décrypter la série

Things Are Queer, réalisée en 1973 puisqu'elle recoupe tous les aspects que constitue le travail de Michals, à savoir : la séquence photographique, la photographie surréaliste, l'utilisation de l'écriture.
Things Are Queer
Constituée de neuf images, cette série remet en question le rationnel et la question de l'échelle. Il s'agit d'une mise en abyme constante : dans cette série, chaque nouvelle photographie fait démentir ce que nous avons observé sur la précédente.

La séquence commence avec cette image d'une salle de bain où l'on distingue un lavabo, une baignoire et des toilettes. En apparence, la photographie est banale. Une salle de bain, sans signe particulier.

Dans la seconde photographie, nous retrouvons le même décor dans lequel est apparu un pied "géant". Ici, une première contradiction se fait remarquer. Celle-ci vient de la taille du pied qui est beaucoup plus grand que la taille de la salle de bains.

Le troisième cliché donne à voir un homme qui se tient pieds nus dans cette salle de bain miniature. L'échelle reste difficile à définir car l'homme semble être plus grand que le cadre de la photographie.

Cette quatrième photographie bouscule totalement la perception du spectateur. Le décor est finalement différent, et l'intrigue de cette séquence photographique ne se trouve plus -pas- dans une salle de bain mais au dessus de ce qui semble être la page d'un livre, tenue par un pouce de grande taille.

Sur la cinquième image, le plan présente un homme de dos, tenant le livre aperçu précédemment. L'échelle est une nouvelle fois confuse puisque ce livre semble étonnement petit comparé à son lecteur.

La sixième photographie s'éloigne de l'homme sur lequel l'objectif est fixé. Celle-ci, très simple, semble ne pas pouvoir livrer une nouvelle contradiction.

Dans ce septième cliché, l'objectif recule une nouvelle fois et l'image aperçue précédemment se retrouve dans un cadre.

La huitième photographie présente une fois encore cette même image se trouvant au dessus d'un lavabo.

Cette dernière photographie est identique à la première de la série Things are Queer. Cependant, le spectateur ne la verra pas de la même manière après avoir regardé les sept clichés intermédiaires. En effet, la mise en abyme permet de rendre compte du tableau au dessus du lavabo et tout le cheminement qui l'a occasionnée.

En définitive, les photographies de Duane Michals se caractérisent par une grande profondeur symbolique qui poussent le spectateur à se questionner en permanence.

De plus, la série Things Are Queer, ainsi que le reste du travail du photographe, permet de remettre en question la qualité première de la photographie, soit, restituer le réel et donner un aperçu du vrai. Ses clichés ne capturent pas un instant, mais créent une histoire.
Laurie Poznic

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Duane Michals, photographe narratif aux contours surréalistes - Artistikrezo

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Photographe américain du XXe siècle, Duane Michals consacre une grande partie de son œuvre à la photographie narrative et amène le spectateur à s'interroger sur les questions de la perception grâce à des mises en scènes surréalistes. "Je crois en l'imagination." Dans son travail, Duane Michals crée des récits par le biais de séquences photographiques ...

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Tatsuya Tanaka : Photographe Miniature du Japon

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Découvre les scènes d’animation miniature du photographe et artiste Tatsuya Tanaka. Tu seras bluffé de voir comment il détourne tes objets du quotidien.

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Biographie

Fabienne Verdier est née en France en 1962. Depuis ses études aux Beaux-Arts, son parcours artistique est jalonné de confrontations avec des systèmes de pensée issus de cultures et d'époques différentes. Son processus créatif se nourrit d'une hybridation des savoirs et se manifeste au moyen d'inventions techniques (pinceaux immenses, alliages de glacis, esquisses filmiques). Après ses études aux Beaux-Arts, elle se forme en Chine de 1983 à 1992, aux côtés de grands maîtres. Elle s'immerge ensuite plusieurs années dans les oeuvres de peintres expressionnistes abstraits pour réaliser une série de tableaux pour la Fondation H. Looser à Zurich. Elle se confronte, de 2009 à 2013, aux tableaux de primitifs flamands (Van Eyck, Memling, Van der Weyden) et crée une exposition avec le musée Groeninge à Bruges. En 2014, elle installe un atelier au sein de la Juilliard School (New York) qui accepte, pour la première fois, un laboratoire de recherche sur les ondes sonores et picturales. De 2015 à 2017, elle collabore avec Alain Rey pour l'édition du cinquantenaire du Petit Robert et réalise 22 tableaux célébrant l'énergie créatrice du langage. En 2019, le Musée Granet d'Aix-en-Provence lui consacre une exposition rétrospective, retraçant le parcours de l'artiste depuis son retour de Chine, jusqu'à ses dernières oeuvres créées dans les carrières de Bibémus, face à la Montagne Sainte-Victoire. Cette même année, suite à la réalisation d'une série de douze oeuvres, une de ses peintures est choisie par La Poste française pour la réalisation d'un timbre. Fabienne Verdier expose souvent en Europe et en Asie. Ses oeuvres figurent dans de nombreuses collections, le MNAM Centre Pompidou (Paris), le Musée Granet (Ai-en-Provence), la Bayerische Staatsgemäldesammlungen (Munich), ou encore la Fondation Hubert Looser et le Kunsthaus à Zurich.

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Fabienne Verdier - artiste - Galerie Lelong & Co.

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Fabienne Verdier est née en France en 1962. Depuis ses études aux Beaux-Arts, son parcours artistique est jalonné de confrontations avec des systèmes de pensée issus de cultures et d'époques différentes. Son processus créatif se nourrit d'une hybridation des savoirs et se manifeste au moyen d'inventions techniques (pinceaux immenses, alliages de glacis, esquisses filmiques).

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En quoi le choix et l'utilisation de l'instrument détermine-t-il la manière de peindre?

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En quoi le choix et l'utilisation de l'instrument détermine-t-il la manière de peindre?

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Jean Dubuffet

La carrière singulière de Jean Dubuffet (1901-1985) a ouvert la voie à une nouvelle approche de la création qui aspire à libérer l'art de l'" asphyxiante culture " dont il dénonce le caractère répressif. Il s'intéresse alors à ce qu'il appelle l'" art brut ", celui de la différence et de l'innocence, comme une volonté de faire table rase d'un art élitiste et hermétique.

Cette marginalité lui garantit une forme d'authenticité dans sa création. Dans ses œuvres, il opte lui-même pour le trait maladroit et le dessin naïf des enfants. Il n'hésite pas à insérer des éléments de rebut, comme le bitume, le charbon, le sable, les graviers, la paille ou la terre. Avec ces productions matiéristes et informelles, il transgresse toutes les normes artistiques et esthétiques établies, et renouvelle en profondeur le vocabulaire figuratif.

Peintre, sculpteur, musicien, architecte, poète, théoricien, Jean Dubuffet est un artiste pluridisciplinaire qui traverse les années 1950 à 1980 en restant fidèle à une liberté absolue dans toute sa création, se démarquant de tous les mouvements d'avant-gardes de son époque.

Tout son œuvre se développe en séries aux titres poétiques dévoilant au fur et à mesure son processus de création. Des Marionnettes de la ville et de la campagne aux Tables paysagées et aux Paysages du mental, des Portraits à L'Hourloupe, des Corps de Dames aux Non-Lieux, pour n'en citer que quelques-unes, les œuvres de Dubuffet s'articulent en un nombre considérable d'ensembles successifs qui constituent, à chaque fois, un changement de style et, littéralement, de vision du monde. Les genres classiques de la peinture - le portrait, la représentation du nu féminin, le paysage, la nature morte - sont revisités à chaque fois, avec le nouveau langage plastique du moment.

Le paysage, le portrait, le lieu, la figure, Dubuffet ne cesse de remettre en cause les représentations classiques en les soumettant aux mêmes lois picturales. " J'éprouve que portraits et paysages doivent se rejoindre et c'est à peu près la même chose, je veux des portraits où la description emprunte les mêmes mécanismes que ceux pour une description de paysage, ici rides et là ravines ou chemins, ici nez, là arbres, ici bouches et là maison. "

En 1946, Dubuffet se risque dans un genre qui semble incompatible avec sa démarche : le portrait, genre mimétique par excellence. L'idée vient d'une de ses amies, Florence Gould, qui reçoit à déjeuner tous les jeudis quelques artistes et écrivains de sa connaissance. La maîtresse de maison presse le peintre de faire d'abord le portrait de Paul Léautaud qu'elle admire, puis ceux de Henri Michaux, de Francis Ponge, Georges Limbour, Marcel Jouhandeau, Jean Fautrier et d'autres encore. Dubuffet accepte cette invitation comme un défi en vue d'une exposition à la galerie René Drouin en 1947, exposition qui ressemble à une provocation : " Plus beaux qu'ils croient ".

Chaque œuvre se réfère à une personne réelle, à un modèle dont l'artiste essaie d'attraper, non pas la ressemblance extérieure, mais le surgissement de la figure. C'est de la tension entre la matière picturale et la forme que naîtra le portrait. Plus grande est la résistance de la matière, plus forte sera la présence de l'être représenté, sa physionomie. Tous les portraits de cette série sont des œuvres éminemment équivoques, à la frontière de l'individualité et de la généralité extrême.

La figure parcourt toute l'œuvre de Dubuffet. Des personnages anonymes et en foule de la série des Marionnettes ou de celle de Paris Circus aux Portraits et aux Corps de Dames où la figure prend tout l'espace de la représentation, l'artiste ne vise pas la ressemblance mais l'essence du sujet représenté, la partie invisible. Avec et au-delà de la dimension plastique, comme toute œuvre d'art, ces tableaux soulèvent des questions métaphysiques, car ils " touchent " à l'homme, à la femme, au temps, questions essentielles même chez Dubuffet, souvent cantonné exclusivement au rang d'artiste nihiliste.

Corps de dames :
corps féminins universels, grotesques, sacrés et jubilatoires

Avec cette série, Dubuffet poursuit son offensive contre la beauté, entendue comme règle répressive qui s'applique électivement au corps humain, et plus particulièrement au corps nu de la femme.

" Il me plaisait de juxtaposer brutalement, dans ces corps de femmes, du très général et du très objectif, du métaphysique et du trivial grotesque. ¹ "

Hautes Pâtes et Matériologies

Dubuffet forme sur ses tableaux un épaississement maçonné sur toute la surface. Pour cela, il utilise des matériaux divers : sable, gravier, goudron, plâtre, poussière de charbon, cailloux, asphalte qu'il fait cuire dans des marmites, ficelle d'alfa ou de chanvre, petits morceaux de miroirs ou de verres de couleur, Ripolin, Duco, torchis, etc. Il dessine ensuite dans ce mélange de haute pâte avec une truelle ou une cuillère à soupe, un grattoir, un couteau, avec une brosse métallique ou avec ses doigts.

L'Hourloupe, la découverte d'un paysage mental

Max Loreau, un ami de Dubuffet raconte : " En juillet 1962, lorsqu'il répond au téléphone, Dubuffet laisse distraitement courir son stylo à bille rouge sur des petits morceaux de papier. De ces exercices sortent des dessins à demi automatiques, qu'il barre de rayures rouges et bleues. " Ainsi commence l'aventure de L'Hourloupe, mot à connotation comique inventé par le peintre qui l'associe à " hurler, hululer, loup, Riquet à la houppe ", et au titre Le Horla de Guy de Maupassant. On peut aussi ajouter le terme " entourloupe ", signifiant un mauvais tour fait à quelqu'un.

Avec
L'Hourloupe, on entre dans l'arbitraire et l'irréel, le domaine du signe pur, sorte d'écriture schématique s'entortillant sur elle-même à la manière d'un puzzle fou, alphabet d'un langage inconnu dont le flot du discours charrie pêle-mêle des éléments vaguement reconnaissables : des paysages, des silhouettes, des visages, des objets.
Le petit monde de L'Hourloupe, avec ses molécules colorées qui s'emboîtent, éclipse tout le reste. L'artiste crée un monde parallèle où les cellules s'encastrent les unes dans les autres et prolifèrent. Les traits hachurés, les parallèles aux épaisseurs et aux inclinations variées, bombardent notre rétine d'une myriade de sollicitations optiques.

Le vocabulaire plastique de L'Hourloupe

Dubuffet, avec le cycle de L'Hourloupe, emploie une nouvelle technique. Il n'utilise plus les couleurs complexes, abandonne les pinceaux, l'huile, la gouache et l'encre lithographique. Il choisit un coloris franc et austère, proche des couleurs industrielles : bleu, noir, rouge, blanc. Il se sert du vinyle, du stylo à bille et du marqueur qui sont des instruments précis et rapides, fonctionnels et impersonnels employés par les bureaux d'études dans le dessin industriel. Les rayures méthodiquement tracées renvoient aux techniques du design et du graphisme industriel.

" La fonction de l'artiste consiste, autant qu'à créer des images, à les nommer. ² "

Dubuffet s'est consacré tardivement à la peinture en hésitant longtemps à devenir aussi écrivain. Mais l'amour de la littérature ne l'a jamais abandonné. Ses plus grands interlocuteurs sont toujours des écrivains : Jean Paulhan, Francis Ponge, Honoré de Balzac, Charles Dickens et surtout Louis-Ferdinand Céline, auquel il se compare aussi bien pour le style que pour son nihilisme radical et actif.

C'est incontestablement dans les titres qu'affleure sa veine poétique car, réunissant en une seule et brève formule deux champs sémantiques opposés, la métaphore est trouvée. Ses titres sont les textes les plus brefs, les plus aphoristiques, parfois les plus heureusement énigmatiques du peintre. Ils constituent aussi le lieu étrange où l'écrit et le peint se frôlent, flirtent, sont au plus près l'un de l'autre.

De Paysage vineux à Sérénité profuse, de Paysage charbonneux à Ermitage en pays gluant, de Terracotta la grosse bouche à Chapeau de fourrure, à Joie de terre, au Torrent, à Mon noir jardin, se donne à entendre une voix qui ne double pas seulement l'œuvre peinte mais en prolonge le sens, quand elle ne le contrarie pas.
À cela Dubuffet ajoute : " Du redoublement du pouvoir évocateur dont le tableau est doté à l'instant où il reçoit son titre, et de la force irrésistible par laquelle l'image s'engouffre dans la brèche ouverte par le nom qui lui est conféré ".

1. Jean Dubuffet, Musée des arts décoratifs, 1942-1960, cat. expo., François Mathey (dir.), 1960, p. 43
2. Jean Dubuffet, Prospectus, 1967

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La Fondation Dubuffet à Périgny | Val de Marne Tourisme & Loisirs

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La Closerie Falbala est une réalisation majeure de l’artiste Jean Dubuffet. Cette œuvre est située à Périgny-sur-Yerres (94).

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Quel valeur donner à l'écart entre la représentation et son référent ?

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Quel valeur donner à l'écart entre la représentation et son référent ?

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Le “Flower Tree” de Lyon est en cours de restauration

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Le “Flower Tree” était l’une des œuvres de la biennale d’art contemporain 2003 de Lyon. Un bouquet de fleurs, oeuvre de l’artiste Coréen Jeong Hwa Choi, qui a charmé les Lyonnais. La mairie avait décidé de l’acheter en 2006.…

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Choi jeong hwa - Artiste de la démesure - Cahier de Seoul

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L’artiste coréen Choi jeong hwa utilise des matériaux bons marchés, des objets du quotidien qu’il accumule et assemble pour créer des sculptures toc et kitch souvent issues de l’imagerie traditionnelle et mythologique coréenne.