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Significado: sus raíces y familia

https://www.cervantesvirtual.com/portales/federico_garcia_lorca/biografia/

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CONDE SUAREZ, Raúl

"Tengo un ansia verdadera por comunicarme con los demás" (Federico García Lorca

PRESENTACIÓN

El 5 de junio de 1898 nace Federico García Lorca en Fuente Vaqueros, provincia de Granada. Su infancia transcurre entre su pueblo y Valderrubio, adonde se traslada su familia teniendo Federico cinco o seis años. En 1908 inicia sus primeros estudios de música y en septiembre del siguiente año se instala con su familia en Granada. En esta ciudad comienza los estudios de bachillerato, en el colegio del Sagrado Corazón, hasta 1914, cuando ingresa en la Universidad de Granada para cursar la carrera de Filosofía y Letras, y más tarde la de Derecho.

Los años 1915 y 1916 se barajan como probables fechas de sus primeras poesías. Prosigue su afición por la música y frecuenta la tertulia literaria y artística de "El Rinconcillo", en el café Alameda. Publica su primer libro, Impresiones y paisajes (1918) y en la primavera del año siguiente se marcha a Madrid. Por consejo de don Fernando de los Ríos, se instala en la Residencia de Estudiantes. Allí entabla amistad con Pepín Bello, Luis Buñuel, Emilio Prados, Salvador Dalí y José Moreno Villa, entre otros. En junio de 1921 publica su primer libro de poesía, Libro de poemas, editado por su amigo Gabriel García Maroto. Pese a su estancia en Madrid, no pierde contacto con Andalucía. El 19 de febrero de 1922 lee en el Centro Artístico de Granada su conferencia sobre El cante jondo y el 13 y 14 de junio se celebra la Fiesta del Cante Jondo en la ciudad granadina, organizada por el poeta y don Manuel de Falla.

García Lorca continúa trabajando en la composición de sus libros, al tiempo que sigue viajando constantemente y conociendo muchas amistades. Su drama Mariana Pineda se estrena en el teatro Goya de Barcelona en febrero de 1927 y El romancero gitano en abril de 1928, en las ediciones de la Revista de Occidente. El volumen en el que se incluye el poema que vamos a comentar, Poema del cante jondo, aparece en mayo de 1931 en Ediciones Ulises. Durante estos años, Federico mantiene una febril actividad como escritor, conferenciante y director de la compañía teatral "La Barraca". Así, se estrenan en 1933 Bodas de sangre, en el teatro Infanta Beatriz de Madrid y Amor de don Perlimpín, en el teatro Español. Un año más tarde, escribe el Llanto por Ignacio Sánchez Mejías y se representa por vez primera su drama Yerma, por la compañía de Margarita Xirgu.

El año en que estalla la contienda civil, el poeta andaluz publica Bodas de sangre y Primeras canciones. El 9 de febrero toma parte en el homenaje a Rafael Alberti, uno de los miembros más destacados de la generación del 27, a la que Lorca pertenecía con todos los honores. Prosigue trabajando con intensidad leyendo públicamente y dirigiendo sus obras. En todos sus trabajos cosecha un enorme éxito. El 16 de julio retorna a Granada y en agosto es detenido y conducido a Viznar, donde es fusilado en la madrugada del día 19. Federico García Lorca fue la "primera y más ilustre de las victimas de la Guerra Civil" (1).

La sublevación militar lo coge en la Huerta de San Vicente, lugar de veraneo de los Lorca. El aislamiento de la ciudad de Granada agravó la situación hasta el punto de que las autoridades infligieron un régimen de terror que, a la postre, acabó con la vida del poeta. Miguel García-Posada narra así el triste desenlace: "El día 9 de agosto un comando de hombres armados encabezados por un sargento de la Guardia Civil se presenta en la Huerta. Vienen en busca de un trabajador de la finca. No lo encuentran; pero prorrumpen en bravatas y ante la posibilidad de que golpearan a su padre el poeta se interpone. Lo derriban de un culetazo, lo llaman maricón, vocean que volverán, parece que le comunican que está arrestado". Lorca y su familia intentan resolver la situación acudiendo a su amigo Luis Rosales, destacado falangista de Granada. Éste le propone a Lorca pasarse a la zona republicana, que está muy próxima, pero el poeta se niega ante el temor de que quienes "lo buscan se ceben en su padre". Permanece en la casa de Rosales y allí conoce la noticia del asesinato de su cuñado en el patio de la cárcel, al amanecer del día 15 de agosto. Los acontecimientos se precipitan y ese mismo día a las cinco de la tarde, "un ex diputado de la CEDA, Ramón Ruiz Alonso, secundado por un fortísimo despliegue armado, se presenta en la casa de la calle Angulo [domicilio de la familia Rosales] a detener al poeta. Todas las resistencias de las mujeres son inútiles. Tampoco puede hacer nada, al parecer, Miguel Rosales, que regresa llamado por su madre y acompaña al poeta al Gobierno Civil, en coche, aunque la distancia era escasa. Aquí se pierden las pistas de Lorca. [...]Ruiz Alonso acusa a Lorca de ser espía de la Unión Soviética, de inmoral, por sus obras, y de otras monstruosidades semejantes. Dicen que Queipo da la orden de ejecución; dicen. [...] El hecho es que el 18 o el 19 de agosto fue asesinado en el camino de Alfacar a Víznar, junto con el maestro de Pullana, Dióscoro Galindo González, y los banderilleros Joaquín Alcollas Cabeza y Francisco Galadí Melgar"(2).

En este triste episodio persiste la duda de si la familia Rosales, tan cercana a Lorca, hizo todo lo posible para evitar la muerte de éste. Persiste la duda porque las razones esgrimidas por sus miembros no convencen a nadie. Es curioso que dejaran a Federico tan solo en casa-sobre todo el mismo día de su ejecución-, es curiosa la poca diligencia con que llevó el tema el propio Luis Rosales y es altamente significativa la ausencia del padre en todos los acontecimientos. Max Aub ha escrito: "...lo que importa es hacer resaltar que cuando fueron a detenerle [...] no había ninguno de los cinco hombres que vivían en casa de los Rosales. Ninguno. Pueden dar las razones que quieran. Pero no había ninguno. ¡Qué casualidad! Ellos, los grandes amigos de Federico" (3). Luis Cernuda, nada proclive al elogio gratuito, no se olvidó de Lorca, al que consideraba "poeta universal y mágico, captador único del mundo sensible y lírico mercader miliunaochesco":

Bajo la luz tranquila de Granada,
distante entre cipreses y laureles,
y entre tus propias gentes
y por las mismas manos
que un día servilmente te halagaran.

Para Julián Marías, García Lorca fue un "autor minoritario, como todos los poetas de su generación e incluso de las dos anteriores" (4). Posiblemente, porque la "popularidad" de la poesía se vio truncada en el fatídico año del desastre de la pérdida de las colonias. Posiblemente, porque el verso de Lorca, refinado e inteligente, no permitía el acceso a cualquier mortal. Posiblemente, porque la poesía rara vez ha sido "popular" en este país desde que fenecieran los trovadores de Castilla, aquellos maestros de la palabra y de la escena que deleitaban al vulgo cultivándolo. Lorca fue, ante todo, un extraordinario escritor, un artista genial cuya personalidad, tan sublime, tan rica, logró cautivar a todos cuantos le conocieron. A todos, menos a los bárbaros que finiquitaron su corto pero excelso periplo vital. Su muerte lo elevó a los altares de la gloria republicana y así de las libertades. Fue uno de los símbolos de esa España oprimida que tardó cuarenta años en recuperar la voz, acaso no se haya resarcido a estas alturas. Pero su asesinato no debería eclipsar ni un ápice la trascendencia auténtica de Lorca: su escritura, su verso, su mágica palabra. Recordemos siempre la cruda lección que nos enseña la guerra fratricida del 36, evoquemos con rabia contenida a sus mártires allende las trincheras, pero no perdamos de vista la esencia de cada alma. Y la de Lorca fue eminentemente literaria, al menos, desde ese prisma lo queremos reflejar en estas líneas.

Cuatro meses antes de su vil asesinato, Federico escribió lo siguiente:

"En este momento dramático del mundo, el artista debe llorar y reir con su pueblo. Hay que dejar el ramo de azucenas y meterse en el fango hasta la cintura para ayudar a los que buscan las azucenas. [...]el dolor del hombre y la injusticia constante que mana del mundo, y mi propio cuerpo y mi propio pensamiento me evitan trasladar mi casa a las estrellas". [Obras completas, pág. 1815].

BALADILLA DE LOS TRES RÍOS

A Salvador Quintero

El río Guadalquivir
va entre naranjos y olivos
Los dos ríos de Granada
bajan de la nieve al trigo.
¡Ay, amor

que se fue y no vino!

El río Guadalquivir
tiene las barbas granates
Los dos ríos de Granada,
uno llanto y otro sangre.

¡Ay, amor
que se fue por el aire!

Para los barcos de vela
Sevilla tiene un camino;
por el agua de Granada
sólo reman los suspiros.

¡Ay, amor¡
que se fue y no vino!

Guadalquivir, alta torre
y viento en los naranjales
Darro y Genil, torrecillas
muertas sobre los estanques.

¡Ay, amor
que se fue por el aire!

¡Quién dirá que el agua lleva
un fuego fatuo de gritos!

¡Ay amor

que se fue y no vino!

Lleva azahar, lleva olivas,
Andalucía a tus mares.

Ay, amor
que se fue por el aire!

FEDERICO GARCÍA LORCA

COMENTARIO

El poema titulado "Baladilla de los tres ríos" corresponde al volumen "Poema del cante jondo", publicado en 1931 en Ediciones Ulises, aunque su redacción la llevó a cabo Lorca entre 1921 y 1924. Entretanto, preparaba con el compositor Manuel de Falla -íntimo del vate granadino- un gran homenaje a ese "balbuceo" expresivo del alma andaluza, la fiesta del Cante Jondo, celebrada en Granada el 13 y 14 de junio de 1922.

La "Baladilla de los tres ríos" representa la apertura geográfica y temática del Poema del Cante Jondo, encuadrado en la 1ª etapa poética de Lorca, que abarca, a nuestro juicio, de 1918 a 1924. Se caracteriza por la presencia de composiciones de tema gozoso, exultante, eufórico junto a otras de carácter evocador de recuerdos de infancia, a la que llamó "paraíso perdido". Todo ello, ornamentado con un enfoque nítido de poesía popular de influencia romántica. El propio Lorca, en una conferencia suya sobre "Arquitectura del cante jondo", matizaba la distinción entre ésta última variedad folklórica y el flamenco, "color espiritual y color local", respectivamente. "He ahí dice Lorca- la honda diferencia", y apunta así la cuestión central. No interesa lo popular en la dimensión costumbrista folklorista, sino por la decantación artística que la tradición ha ido realizando en sus formas. El cante jondo, dice, "es siempre a fuerza de vejez y estilización" (5).

El actual director de la Real Academia Española y prestigioso filólogo, Víctor García de la Concha, precisa el pensamiento del autor del Romancero gitano sobre esta clave de expresión del vulgo: "Junto a la capacidad de condensación

-asevera De la Concha- que es, en definitiva, pureza, supresión de todo ornato accidental, de la ampulosidad discursiva, Lorca admira en el cante jondo su capacidad para sugerir el misterio mediante símbolos concentrados". Lorca ratifica lo anterior del siguiente modo: "Es un canto sin paisaje y por lo tanto concentrado en sí mismo y terrible [...] Es admiración cómo a través de los diseños líricos, un sentimiento va tomando forma y cómo llega a concrecionarse en una cosa casi material. Este es el caso de la Pena" (6).

El mismo poeta granadino y sus principales analistas coinciden en señalar que por medio de la abstracción, la lírica popular logra "su máxima concreción plástica y sensorial", según expresión certera de García de la Concha. En el transcurso de la conferencia sobre "la imagen poética de don Luis de Góngora" -la que leyó en la Residencia de Estudiantes- subraya cómo "en Andalucía la imagen popular llega a extremos de finura y sensibilidad maravillosas, y las transformaciones son completamente gongorianas". Prueba de ello son las expresiones buey de agua y lengua de río, fabricadas por el pueblo, "y que responden a una manera de ver ya muy cerca del poeta cordobés Luis de Góngora" (7).

Es muy clara, por tanto, la relación de Federico García Lorca con lo popular. Pero no es un lorquismo chabacano, trivial, sino profundamente enraizado en los valores populares, a la vez que universales, de su país, Andalucía. La prolija relación de lorquistas que han rastreado su obra, ha provocado una disyuntiva fundamental en la misma, de tal modo que podemos discernir entre un Lorca teóricamente accesible para las masas y otro Lorca, enrevesado y simbolista, quizá tan sólo reservado para estudiosos. Agustín Sánchez Vidal resuelve esta bifurcación, un tanto estéril y en todo caso intrascendente: "A los cien años de su nacimiento, la perspectiva cobrada debería servir al menos para superar tales apriorismos y poner cada cosa en su sitio. Porque lo popular, tal como lo declina Lorca, no discrimina necesariamente entre lo aristocrático y lo plebeyo, lo rural y lo urbano, lo oral y lo escrito, lo llano y lo hermético, lo racional e irracional, lo sagrado y lo profano, el folklore vivo y el museo etnográfico, lo clásico y lo barroco" (8).

Sabido es que la vocación frustrada de Lorca fue la de músico. Al parecer, en 1917 se convence de la imposibilidad de dedicarse a ello como profesional. A partir de ese instante, su interés musical quedará reducido al ámbito del folklore, disciplina que acabará dominando a la perfección. La familia del poeta, muy vinculada a ese mundo, supo transmitirle el gusto por lo musical hasta el punto de afirmar: "Con las palabras se dicen cosas humanas; con la música se expresa eso que nadie conoce ni puede definir, pero que en todos existe en mayor o menor fuerza". Lorca desarrolló en todo instante un interés creciente por las tradiciones folklóricas y la música popular.

El folklorismo, por tanto, ocupa un lugar esencial en el legado literario de Lorca. Porque no constituye un recurso, sino un argumento en sí mismo, un punto básico en la formación del vate y en determinadas fases de su producción. El folklore no es ornamento en Lorca; es el "corazón de una palabra que busca la verdad de la naturaleza, de las realidades originales, frente a las degradaciones de la civilización" (9).

Figura como raigambre esencial de la curiosidad lorquiana por las tradiciones folklóricas el baile flamenco, alma de su tierra. Fruto de esta circunstancia aparece el Poema del cante jondo, que el propio autor disecciona: "Es una cosa distinta a las suites y llena de sugestiones andaluzas. Su ritmo es estilizadamente popular, y saco a relucir en él a los cantaores viejos y a toda la fauna y flora fantástica que llena estas sublimes canciones (10). Sin embargo, tanto o más importante que su particular loa a estos héroes del pueblo que mantienen vivas costumbres ancestrales, se sitúa el anhelo del poeta por poner en tela de juicio el papel del hombre de la ciudad, que es de la mayoría. La conciencia desgarbada del "urbanita", la ausencia de sentimiento en su quehacer diario, la falta de recursos creativos que sofoquen su angustia vital provocan en Lorca una repulsa firme, vigorosa. El resultado final, ya lo sabemos, el canto emocionado a "su mundo", totalmente desvinculado de esa lacra a la que nos referimos. Francisco Umbral ha escrito: "Andalucía es Federico y Federico es Andalucía. Andalucía y Federico, entre tanta luz del Sur, viven de la sombra" (11).

El tema central de la composición que nos ocupa, datada en 1922, es la descripción topográfica del territorio que abarca el cante jondo lorquiano: su país Andalucía desde Sierra Nevada (v. 4) hasta la desembocadura del Guadalquivir. Los tres ríos, Guadalquivir, Darro y Genil, al delimitar las lindes andaluzas, ponen al descubierto a un poeta obsesionado por la temática del agua. El agua como metáfora de la vida que corre presurosa hacia el mar, como se puede confirmar en el último verso. El trazado del agua (v. 14) nos lleva directamente al núcleo del universo conmovedor de la región andaluza, con un protagonismo absoluto de la Sevilla majestuosa de "barcos de vela" (v.13) en oposición a la Granada apocada por cuyas aguas "sólo reman los suspiros" (v.16).

En esta baladilla podemos observar algunos rasgos de la primera etapa de la trayectoria poética de Lorca. La sucesión de símbolos, en este caso los ríos representados, por ejemplo, en altas y pequeñas torres o el "llanto" y la "sangre" del verso 10, iconos de los dos ríos de Granada, propician un ambiente no muy nítido en el que el autor traza un decorado capaz de crear un contexto sugestivo y altamente representativo de la zona descrita. Pero, a nuestro entender, este poema no cumple el anterior parámetro establecido por el propio Lorca, el que hace referencia a la ausencia de paisaje -"un canto sin paisaje", afirma el autor- en esta clase de su poesía. Nada más lejos de la realidad. La narración sucesiva de escenarios que responden fielmente a la realidad, conforman el "leitmotiv" del poema, a través del cual Lorca expresa un sentimiento de estima hacia lo más hondo de una tierra -Andalucía- que lleva en el corazón y cuyos campos, paisajes y paisanajes conoce a la perfección, puesto que él mismo es oriundo del lugar narrado: "Desprovisto de saberes, le basta, para convocar al duende, con su Andalucía y su gente. Con su mundo y su tierra. Con lo más inmediato y profundo"(12).

En cuanto a la métrica, el poema se compone de 32 versos divididos en cuatro estrofas isométricas, cuartetas o coplas, con versos octosílabos la mayoría, aunque en el primer verso de la primera y segunda estrofa son heptasílabos. Intercalado en el poema se repite constantemente el estribillo -propio de la lírica- formado por dos versos homeométricos. Se completa la composición con dos versos dísticos finales (vs. 25-26 y 29-30). Este tipo de estrofa es un remanente de composiciones similares frecuentes en la poesía griega y latina y que consta de dos versos, por lo común, un hexámetro seguido de un pentámetro:

¡Quién dirá que el agua lleva
un fuego fatuo de gritos!

(..)

Lleva azahar, lleva olivas,
Andalucía a tus mares.

El poema es una baladilla, diminutivo de balada que, según el diccionario de la RAE, significa "composición poética provenzal dividida en estrofas de varias rimas que terminan en un mismo verso a manera de estribillo" (13). Efectivamente vemos que esta definición se cumple totalmente en la "Baladilla de los tres ríos". Rima asonante terminada en -io y -ae en los pares, es decir, forma arromanzada lírica, finalizando todas las estrofas en un estribillo reiterativo. Todos los versos son paroxítonos excepto el 1º de la 1ª y 2ª estrofa y el primer verso del estribillo.

Debido a que este poema parece constituir un cuadro, estampa del campo andaluz bañado por los ríos protagonistas, se hace difícil establecer las partes temáticas del mismo, que yo he dividido finalmente en tres núcleos. El primero transcurre del primer verso al 12, o lo que es lo mismo, las dos primeras estrofas. Lorca nos sitúa geográficamente el lugar de acción al tiempo que establece desde el principio una comparación entre el río Guadalquivir y los dos ríos de Granada, afluentes de aquél. El segundo núcleo abarcaría del verso 13 al 24. En estas dos estrofas, Lorca no afronta el mundo jondo a través de una ciudad a orillas del mar como Sevilla, próspera, enriquecida, sino que fija su vista en Granada, ciudad con una estética solitaria, contemplativa y empequeñedora (uso de diminutivos: baladilla, torrecillas...). Esta visión profana la extendida fama de Sevilla como un lugar ideal para la felicidad y el amor. Por último, el tercer bloque temático lo formaría la pareja de dísticos finales (vs. 25-26 y 29-30) que constituyen una ruptura tajante: manifiestan una reacción vehemente gracias a una doble generalización (el agua, v. 25 y Andalucía, v. 30) y una inversión en el orden de presentación de los ríos, el sentido exacto del "ir" paralelo del agua y del amor.

Lorca recurre en este poema a la topografía para obtener una fotografía del paisaje que él puede observar, si bien establece un paralelismo entre el Guadalquivir, el gran río de Andalucía, y los dos ríos de Granada. Estos son objeto de mofa, como lo demuestra el uso continuo de diminutivos y versos como el siguiente, no exento de un espíritu eminentemente burlón:

Para los barcos de vela, Sevilla tiene un camino
por el agua de Granada sólo reman los suspiros.

Toda esta retahíla de estampas que conforman los tres ríos y el paisaje da como resultado un cuadro esclarecedor de la zona descrita. Pero no es una narración objetiva e imparcial de un sujeto ajeno al lugar, sino más bien subjetiva y obra de alguien que está fuertemente relacionado con el Guadalquivir, con los naranjos y los olivos, con los ríos de Granada, con los barcos de vela (14).

Escribe De Paepe: "la temática fundamental va constantemente sugerida en las descripciones emblemáticas de las estrofas y se proclama a plena luz en el doble estribillo sintetizador: amor y muerte". Las coplas yuxtaponen la potencia de los tres ríos ya citados. El estribillo parodia de forma alternativa las estrofas, "sintetizando su contenido conceptual y emocional"(15). Si el Guadalquivir (v. 2) "va entre naranjos y olivos", los ríos de Granada "bajan de la nieve al trigo", si el primero es una torre alta, los segundos se reducen a torrecillas muertas (vs. 21-22). Es decir, todo es diametralmente opuesto, y en esa comparación quienes salen desdeñados son los afluentes granadinos. Tal enfrentamiento se manifiesta con repetición en productos regionales (naranjos y olivos, v. 2), edades simbólicas (barbas granates, v. 8), conceptos emotivos ("los dos ríos de Granada uno llanto y otro sangre, vs. 9-10) y, en el decir de De Paepe, en los diferentes tipos de tráfico fluvial ("barcos de vela de Sevilla", v. 13), y hasta en nombres propios como apelativos (Guadalquivir, Darro y Genil), con "aposiciones identificadoras contrastadas (alta torre/torrecillas, viento/muerta, naranjales/estanques)" (16).

Detrás de muchas palabras se esconden varias metáforas que, en conjunto, constituyen una alegoría de la geografía andaluza, al menos, de una fracción de ésta. "Los estados de ánimo del cante se describen por paisajes, permanentes protagonistas del verso" (17). Sirvan de ejemplo las metáforas aposicionales que se detectan en la cuarta estrofa (vs. 19-22), cuando eleva al Guadalquivir -que etimológicamente significa río grande- a alta torre, mientras que reduce al Darro y al Genil a torrecillas, debido al caudal y la inmensidad del "río grande" de Andalucía. Es decir, Lorca subraya, puede que de manera irónica, la relevancia de Sevilla, capital de "su país", ante el supuesto segundo plano en que se halla su ciudad, Granada. Algunos críticos, como el ya mencionado De Paepe, han identificado algunos de los elementos que surgen en la composición como símbolos, metáforas de todas y cada una de las ciudades que componen Andalucía, si bien es ésta, en su conjunto, quien es objeto de valoración por parte de Lorca. Siendo esta opinión acertada, ¿por qué no pensar que cuando cita los olivos el poeta se refiere a Jaén, lugar por donde transcurre el Guadalquivir? En cualquier caso, podemos aseverar que Sevilla y Granada son los principales escenarios de la escena trazada por el genial poeta andaluz, es decir, su eje vertebrador.

Reseñamos la ausencia notable -asíndeton- de conjunciones. El autor, como ya hemos dicho, yuxtapone lacónicamente expresiones de significado opuesto que contrastan las diferencias entre el Guadalquivir y los dos ríos de Granada. Esto se pone de manifiesto en la primera estrofa. Por otra parte, en la cuarta copla, acaso podríamos disipar tintes irónicos en el punto de mira de Lorca a la hora de denunciar la pequeñez de los ríos granadinos y, por tanto, de esta tierra, en beneficio del Guadalquivir sevillano:

Guadalquivir, alta torre
y viento en los naranjales.
Darro y Genil torrecillas
muertas sobre los estanques.

De menor trascendencia es la anáfora de los versos primero y séptimo, al comenzar los dos por la misma frase: "El río Guadalquivir". Y existe epífora con la palabra "Guadalquivir" en los versos antes mencionados y de "Granada" en el tercero, noveno y decimoquinto. En el verso octavo Lorca incurre en una personificación al dotar al Guadalquivir de "barbas granates", metáfora que redunda en la importancia de aquél. Consigue el mismo efecto al menguar los dos ríos de Granada en el verso 10, asegurando que uno es "llanto" y otro "sangre" e insistiendo en la poca valía que ambos atesoran. Las personalizaciones son habituales en el Poema del cante jondo. Sin duda, reflejan la opción vital de Lorca, su actitud ante la vida: la naturaleza. Quizá no pueda observarse con excesiva nitidez en la composición que comentamos, pero la "apuesta de Lorca por la naturaleza -en el decir del poeta García Montero- conlleva la contradicción de las preguntas sin respuesta y los deseos imposibles". El vate granadino desea romper con lo establecido, huir de la estulticia de la monótona vida de las ciudades, desacreditar el cinismo que rebaja la condición humana. "Asumir la normalidad es aceptar la rutina, la falta de pasión, la hipocresía degeneradora de los sentimientos. Pero oponerse lleva al fracaso, porque al margen de la humillación sólo hay lugar para la muerte" (18). Pese a ello, Lorca tiene fama de poeta mágico y universal, pero también de luchador infatigable por aquello que él consideraba valores supremos e irrenunciables: la música, las letras, el campo. He ahí la esencia de su particular genio. El sacrificio lorquiano, pues, tiene una justa reivindicación. O varias.

En las dos estrofas finales, a modo de reflexión y sentencia final, Lorca afirma que el agua, símbolo de los ríos, "lleva azahar, lleva olivas" a los mares de esta región, en clara referencia a la variedad de la tierra andaluza. Cargados de elementos castos, puros, nobles que funden la raíz de Andalucía, los ríos son portadores del agua de estos campos pero también de sus grandezas y de sus miserias, muy distantes, eso sí, de las inflamaciones y las llamas del "fuego fatuo" (verso 26) que algunos le otorgan.

CONCLUSIÓN

La Baladilla de los tres ríos constituye un verdadero recorrido por la geografía andaluza del agua. En él encontramos tres protagonistas físicos cuyo aspecto formal es bien diferente, pero que confluyen en la hondura de una misma visión del alma y la esencia de los caminos por los que discurren. Esta composición, pues, nos introduce en la obra que prologa glosando tres ríos como metáfora del agua y de una vida imposible de pergeñar, sin tener en consideración el influjo de la tierra. Lorca exhibe su andalucismo mediante un lirismo vanguardista, a medio camino de la tradición romántica y de las costumbres populares. El folklore de Lorca es sentimiento, arte, introspección, en definitiva, algo sublime, emocionante y vocacional.

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NOTAS

(1) GARCÍA-POSADA, Miguel, Acelerado sueño. Memoria de los poetas del 27. Espasa Calpe, Madrid, 1999, p. 267.

(2) Ídem, ibídem, pp. 268-270.

(3) Ídem, ibídem, p. 271.

(4) MARÍAS, Julián, Federico García Lorca. Diario ABC (11/VI/98).

(5) Conferencia de Lorca en el Centro Artístico y Literario de Granada pronunciada el 19 de febrero de 1922, y titulada: "El Cante Jondo. Primitivo canto andaluz". Obras Completas III. Aguilar, edición de Arturo del Hoyo, Madrid, 1986, pp. 195-216.

(6) Poetas del 27. La Generación y su entorno. Antología comentada. Introducción de Víctor García de la Concha. Espasa Calpe, colección Austral, Madrid, 1998, p. 73.

(7) GARCÍA LORCA, Fco., Conferencias I. Alianza Editorial, edición de Christopher Maurer. Madrid, 1984, pp. 43-83.

(8) SÁNCHEZ VIDAL, Agustín, Los equívocos de lo popular. ABC Cultural (5/VI/98),p.15.

(9) Conciso pero interesante estudio previo de Luis García Montero, poeta y profesor de la Universidad de Granada, a la edición de Espasa Calpe, colección Austral, serie amarilla, del Poema del cante jondo. Madrid, 1998. En este sentido, en la conferencia-recital del Romancero gitano, en 1928, Lorca dijo lo siguiente: "El libro en conjunto, aunque se llama gitano, es el poema de Andalucía (...) Un libro antipintoresco, antifolklórico, antiflamenco. Donde no hay una chaquetilla corta ni un traje de torero, ni un sombrero plano ni una pandereta, donde las figuras sirven a fondos milenarios y donde no hay más que un solo personaje que es la Pena (...), y que no tiene nada que ver con la melancolía ni con la nostalgia ni con ninguna aflicción o dolencia del ánimo, que es un sentimiento mas celeste que terrestre; pena andaluza que es una lucha de la inteligencia amorosa con el misterio que la rodea y no puede comprender".

(10) Carta de Lorca a Adolfo Salazar, fechada el 1 de enero de 1922.

(11) UMBRAL, Francisco, Lorca, poeta maldito, Planeta, Barcelona, 1998, p. 15.

(12) Ídem, ibídem, p. 63. Umbral piensa que el producto de ese "andalucismo popular" de Lorca es el Poema del cante jondo, y califica la visión lorquiana del paisaje andaluz, de "ensombrecida y dramática".

(13) Diccionario de la Real Academia de la Lengua Española, 21ª edición, tomo I, Madrid, 1992.

(14) Precisamente, en su citado ensayo, Umbral profundizó acerca de la objetividad de las palabras de Lorca, siempre desde una perspectiva necrófila por la temática del libro: "Si efectivamente Andalucía vive de lo oscuro y de la muerte, y esto sólo supo verlo Federico, o lo vio y lo dijo antes o mejor que nadie, consideremos también el fenómeno inverso: hasta qué punto el poeta hace su Andalucía, hace Andalucía así".

(15) Vid. Nota 6. Comentario del crítico Christian de Paepe, pp. 290-291.

(16) Ídem, ibídem, p. 291.

(17 Vid. Nota 9, p. 37.

(18) Luis García Montero, en su estudio introductorio de la edición de Espasa del Poema del cante jondo, atisba una percepción trágica y oscura en este poemario, y piensa en Lorca como en un sujeto traumatizado por la vida, por otra parte, rasgo frecuente en la poesía contemporánea: "El poder de la rebeldía es débil y no llega nunca a realizar sus deseos, a veces por impotencia propia, a veces por esa fuerza superior de la realidad hostil a la que metafóricamente se le da el nombre de destino. La libertad del sujeto es enunciada aquí como una pregunta sin posible respuesta".

BIBLIOGRAFíA

ABC Cultural, núm. 344 (5/VI/98). Suplemento literario del ABC dedicado exclusivamente a la figura de Federico García Lorca a los cien años de su nacimiento. Artículos de Víctor García de la Concha (pág. 9), Christian de Paepe (pp. 10-11), Agustín Sánchez Vidal (p. 15) y Emilio Casares (p. 53).

CANO, José Luis, García Lorca. Biografía ilustrada, Destino, Barcelona, 1962.

DÍEZ DE REVENGA, Francisco Javier, Panorama crítico de la generación del 27, Castalia, Madrid, 1987.

GARCÍA LORCA, Federico, Poema del cante jondo. Edición de Luis García Montero, Espasa Calpe, colección Austral, serie amarilla, Madrid, 1998.

Ídem, Obras completas, edición de Miguel García-Posada, 4 vols., Círculo de Lectores-Galaxia Gutenberg, Barcelona, 1996-1997.

Ídem, Obras completas, edición de Arturo del Hoyo, 3 vols., Aguilar, Madrid, 1954.

Ídem, Primer romancero gitano, edición de Christian de Paepe, col. "Clásicos Castellanos", Espasa Calpe, Madrid, 1991.

Ídem, Epistolario Completo, edición de Andrew Anderson y Christopher Maurer, Cátedra, Madrid, 1997.

GARCÍA LORCA, Francisco, Federico y su mundo (ed. M.Hernández), Alianza, Madrid, 1980.

GARCÍA-POSADA, Miguel, Acelerado sueño. Memoria de los poetas del 27, Espasa Calpe, Madrid, 1999.

GIBSON, Ian, Federico García Lorca, I y II, Grijalbo, Barcelona, 1985 y 1987.

Ídem: Vida, pasión y muerte de Federico García Lorca (1898-1936), Plaza & Janés, Barcelona, 1998.

GONZÁLEZ, Ángel, ed., El grupo poético de 1927, Taurus, Madrid, 1976.

MARÍAS, Julián, Federico García Lorca. Artículo publicado en la Tercera del diario ABC el 11 de junio de 1998.

Poetas del 27. La Generación y su entorno. Antología comentada. Introducción de Víctor García de la Concha y selección y comentarios de Lorca a cargo de Christian de Paepe. Espasa Calpe, colección Austral, serie amarilla, Madrid, 1998.

RODRÍGUEZ ADRADOS, Francisco, Mi Lorca... y la Celestina. Artículo publicado en la Tercera de ABC el 28 de julio de 1998.

UMBRAL, Francisco, Lorca, poeta maldito. Planeta, Barcelona, 1998

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BALADILLA DE LOS TRES RIOS DE FEDERICO GARCIA LORCA. RAICES POPULARES DEL CANTE JONDO

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CONDE SUAREZ, Raúl "Tengo un ansia verdadera por comunicarme con los demás" (Federico García Lorca PRESENTACIÓN El 5 de junio de 1898 nace Federico García Lorca en Fuente Vaqueros, provincia de Granada. Su infancia transcurre entre su pueblo y Valderrubio, adonde se traslada su familia teniendo Federico cinco o seis años.

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Significado: Obra yerma

https://digibuo.uniovi.es/dspace/bitstream/handle/10651/57066/TFG_MonicaCasadoFolgado.pdf?sequence=1&isAllowed=y

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La tragedia en el campo español, ¿qué son las tragedias rurales?
Las llamadas tragedias rurales son las obras teatrales más conocidas y representadas de Federico García Lorca. Esta popularidad responde muy probablemente a su forma: una mezcla de ingredientes conocidos y nuevos. Así, en ellas Lorca combina ambientación, motivos y temas que gustaban al público de teatro español de la época (el contexto rural, el motivo de la honra, temas de actualidad como el de la maternidad), con un regreso a ciertos elementos de la tragedia clásica griega. Este regreso moderno a la tragedia griega, una tendencia teatral que se había iniciado a principios del siglo 20, en los años en que Lorca escribe sus tragedias se había convertido en una verdadera herramienta de renovación teatral, utilizada por varios dramaturgos americanos y europeos, como Eugene O'Neill, T. S. Eliot, John Milton Synge o Jean Cocteau.

Un elementos importante de la tragedia griega es aquello que escapa al control (o previsión) del hombre y de la sociedad en la que vive. Quizás recuerdes, por ejemplo, el mito de Edipo, quien al tratar de huir del trágico destino que los dioses le han predicho, acabará por error abrazando su fortuna: matar a su padre y casarse con su madre. En las tragedias de Lorca aquello que escapa al control tanto de la sociedad como de los individuos son las fuerzas instintivas del deseo. Otros elementos de la tragedia griega presente en las tragedias lorquianas son el uso de coros, máscaras y música.

Escrita entre 1933 y 1934, Yerma es la segunda de las tragedias rurales lorquianas. Por entonces, y gracias al exitoso estreno en España y Argentina de Bodas de sangre (su primera tragedia rural), el autor se había convertido en un dramaturgo de popularidad internacional.
Dentro y fuera: la organización del espacio en el pueblo de Yerma
La obra transcurre en un pueblo del campo español, aunque no se trata de una pintura realista. Como en los dramas rurales, un tipo de teatro muy de moda por aquellos años, la visión del campo que se ofrece en las tragedias de García Lorca es una creación, pensada para resultar atractiva al público de la ciudad (se podría decir que es la visión que a la gente de la ciudad le gusta tener del campo, como un sitio más primitivo y pasional).

Este pueblo español que crea Lorca para Yerma se divide en espacios internos (dentro de las casas) y externos (las calles, los campos). Si te fijas, de hecho, esta división de espacios es también la que estructura la obra: cada uno de los tres actos del texto está conformado por dos cuadros, uno sucede dentro de las casas y el otro fuera.

En el pueblo, esta división dentro-fuera define también los roles de género. El espacio exterior es el lugar de los hombres, y se relaciona con el trabajo en el campo y la vida social entre vecinos (lo público). Las labores de las mujeres, por el contrario, se desarrollan dentro de la casa y se relacionan con el cuidado de la familia (lo privado). Los personajes de la obra tendrán distintas opiniones sobre esta división de espacios. Así, por ejemplo, la Muchacha Segunda se quejará de que "toda la gente está metida adentro de su casa haciendo lo que no le gusta", para ella se está mucho mejor "en el medio de la calle". Yerma, que en un principio acepta la división dentro-mujer/fuera-hombre, acaba por transgredirla porque su casa, sin hijos, no es ni siquiera el ámbito de la familia: "Justo. Las mujeres, dentro de sus casas. Cuando las casas no son tumbas [...] Los hombres tienen otra vida: los ganados, los árboles, las conversaciones, y las mujeres no tenemos más que esta de la cría y el cuido de la cría".

La división dentro/fuera también sirve en la obra para hablar de la hipocresía: lo que se muestra de puertas para afuera y lo que realmente ocurre dentro de las casas. Así describen las lavanderas el hogar de Yerma: "Cada hora que transcurre aumenta el infierno en aquella casa. Ella y las cuñadas, sin despegar los labios, blanquean todo el día las paredes, friegan los cobres, limpian con vaho los cristales, dan aceite a la solería, pues cuando más relumbra la vivienda más arde por dentro".
El espacio del ritual
Pero además del día a día del pueblo en la obra se nos muestra otro "espacio" en un sentido metafórico. Nos referimos al espacio de lo ritual, que ocupa todo el tercer acto de Yerma. Durante el primer cuadro del tercer acto, que transcurre en casa de la Dolores, se nos cuenta la sesión de rezos en el cementerio que tuvo lugar inmediatamente antes. El segundo cuadro, por el contrario, nos sumerge directamente en el ritual a través de la romería (una fiesta religiosa), con sus cantos, danzas y máscaras.

Es importante notar que los que van a la romería como Yerma piden al santo fecundidad y no matrimonio. De hecho, y como parece sugerir la Vieja Pagana en su conversación con Yerma, a la romería van las mujeres " a conocer hombres nuevos" (cuando no logran tener hijos con sus maridos). La romería representa un espacio de ruptura del control y las normas sociales, donde se despierta el lado más instintivo del hombre.

No es casual que durante este momento de interrupción del espacio y tiempo normal del pueblo la Vieja Pagana proponga a Yerma que se escape con su hijo. Fiel a los códigos sociales, Yerma logrará en un principio rechazar la solución a su problema que le ofrece la vieja. Pero el violento instinto de ser madre de Yerma ("¡Maldito sea mi padre, que me dejó su sangre de padre de cien hijos! ¡Maldita sea mi sangre, que los busca golpeando por las paredes!" había exclamado la protagonista poco antes) se expresará poco después, cuando con fuerza casi sobrenatural acabe por matar a aquel que ponía freno a sus deseos: su marido.
Conflicto interno y símbolos en la Yerma lorquiana
Descrita por su autor como una obra sin argumento, Yerma se centra en el complejo conflicto interno de su protagonista. De hecho, se podría decir que el resto de los personajes están allí para hacer evolucionar este conflicto interno o para mostrarlo desde distintas perspectivas. En el corazón de este dilema están los deseos de ser madre de Yerma y la imposibilidad de tener hijos (al menos con su marido).

La fertilidad (la vida) en la obra se relaciona con lo fluido, especialmente con el símbolo del agua (aunque también podemos encontrar referencias a la leche y a la sangre). Así, la protagonista, que desde su mismo nombre parece condenada a la infertilidad ( yerma en español significa 'desértica' o 'no habitada'), se refiere a sus ansias de ser madre como sed o sequedad. Otra símbolo importante relacionado con la fertilidad es el de la voz o el canto y el silencio, que a veces se entremezcla con la anterior división sequedad-líquido. Yerma describe la voz de Víctor cuando canta como un "chorro de agua", al que opone el carácter "triste" y "seco" de su esposo.

Pero eso no es todo. Yerma también ha interiorizado dos normas sociales conservadoras que contribuyen a hacer irresoluble su conflicto. La primera de estas normas sociales establece que el honor de los hombres depende de la manera de actuar de la mujer: no solo se desaprueban las relaciones sexuales fuera del matrimonio, sino también cualquier comportamiento que dé lugar a sospechas de infidelidad. La segunda, determina que las mujeres solo pueden realizarse a través del matrimonio y la maternidad.

Yerma no está dispuesta a engañar a su marido para conseguir el embarazo que anhela. Este no tener hijos, sin embargo, deja al personaje sin un auténtico rol en la sociedad. Para peor, sin niños a los que cuidar, Yerma sale sola más de lo socialmente bien visto (las mujeres deben estarse en su casa), levantando las sospechas del pueblo, que no ve con buenos ojos, por ejemplo, las conversaciones entre la protagonista y el pastor Víctor. En este sentido, es interesante comprobar cómo a lo largo de la obra Yerma es descrita (y se describe a sí misma) con imágenes que desafían los comportamientos y los límites de su género: en el segundo acto, una de las lavanderas se referirá a Yerma como "machorra" (es decir, una mujer que parece un hombre) y la misma Yerma confesará a María en el segundo acto que cuando va a alimentar a los bueyes, una tarea que "ninguna mujer [...] hace", sus pasos le suenan a "pasos de hombre" .

En resumen, en este conflicto interno de la protagonista se combinan, en mezcla explosiva, factores fuera y dentro del control del individuo y la sociedad: a los deseos instintivos se Yerma se suma la presión por ocupar un lugar social a través de la maternidad, y a la imposibilidad biológica de concebir hijos con su marido se añade la condena social a cualquier intento de tenerlos con otro hombre (o a cualquier comportamiento que desafíe los límites impuestos a cada género). El paso del tiempo, y el aumento del control que Juan y el pueblo ejercen sobre Yerma, harán que este conflicto interno se tense progresivamente ("cada vez tengo más deseos y menos esperanzas", dirá la protagonista) hasta estallar de manera trágica: Yerma acabará por matar a su marido y con él desaparecerá también la única posibilidad (al menos la única moralmente aceptable para ella) de tener un hijo.

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Yerma, la segunda tragedia rural de Lorca. Analisis de la obra | Cervantes Theatre Education

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La tragedia en el campo español, ¿qué son las tragedias rurales?

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Significado:Teatro La casa de Bernarda Alba

https://biblioteca.org.ar/libros/157286.pdf

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Federico García Lorca
El poeta advierte que estos tres actos tienen la intención de un documental fotográfico.

Acto I

LA PONCIA.- (A voces.) ¡Ya viene! (A la CRIADA.) Limpia bien todo. Si Bernarda no ve relucientes las cosas me arrancará los pocos pelos que me quedan.

LA PONCIA.- El último responso. Me voy a oírlo. A mí me gusta mucho cómo canta el párroco. En el Pater noster subió la voz que parecía un cántaro de agua llenándose poco a poco; claro es que al final dio un gallo; pero da gloria oírlo. Ahora que nadie como el antiguo sacristán Tronchapinos. En la misa de mi madre que esté en gloria, cantó. Retumbaban las paredes, y cuando decía amén era como si un lobo hubiese entrado en la iglesia. (Imitándolo.) ¡Améé-én! (Se echa a toser.)

CRIADA.- Fuera de aquí. ¿Quién os dijo que entraseis? Ya me habéis dejado los pies señalados.
(Se van. Limpia.)
Suelos barnizados con aceite, alacenas, pedestales, camas de acero, para que traguemos quina las que vivimos en las chozas de tierra con un plato y una cuchara. Ojalá que un día no quedáramos ni uno para contarlo.
(Vuelven a sonar las campanas.)
Sí, sí, ¡vengan clamores! ¡Venga caja con filos dorados y toalla para llevarla! ¡Que lo mismo estarás tú que estaré yo! Fastídiate, Antonio María Benavides, tieso con tu traje de paño y tus botas enterizas. ¡Fastídiate! ¡Ya no volverás a levantarme las enaguas detrás de la puerta de tu corral!
(Por el fondo, de dos en dos, empiezan a entrar mujeres de luto, con pañuelos grandes, faldas y abanicos negros. Entran lentamente hasta llenar la escena. La CRIADA, rompiendo a gritar.)
¡Ay Antonio María Benavides, que ya no verás estas paredes ni comerás el pan de esta casa! Yo fui la que más te quiso de las que te sirvieron. (Tirándose del cabello.) ¿Y he de vivir yo después de verte marchar? ¿Y he de vivir?

BERNARDA.- Menos gritos y más obras. Debías haber procurado que todo esto estuviera más limpio para recibir al duelo. Vete. No es éste tu lugar.
(La CRIADA se va llorando.) Los pobres son como los animales; parece como si estuvieran hechos de otras sustancias.

TODAS.- (De pie y cantando al modo gregoriano.) Et lux perpetua luce ab eis. (Se santiguan.)

BERNARDA.- (A MAGDALENA, que inicia el llanto.) Chiss. (Salen todas. A las que se han ido.) ¡Andar a vuestras casas a criticar todo lo que habéis visto! ¡Ojalá tardéis muchos años en pasar el arco de mi puerta!

BERNARDA.- Igual que si hubiese pasado por ella una manada de cabras.
(LA PONCIA limpia el suelo.) Niña, dame el abanico.

BERNARDA.- Sí, pero no el pañuelo de la cabeza.
(Entra ADELA.) ¿Y Angustias?

LA PONCIA.- (Corriendo.) ¡Bernarda, cálmate! (La sujeta.)

BERNARDA.- Vamos. (A la CRIADA.) Tú empiezas a blanquear el patio. (A LA PONCIA.) Y tú ve guardando en el arca grande toda la ropa del muerto.

(Las CRIADAS salen después. Entran AMELIA y MARTIRIO.)

(AMELIA, MARTIRIO y MAGDALENA corren presurosas.)

(ADELA queda en escena dudando; después de un instante se va también rápida hasta su habitación. Salen BERNARDA y LA PONCIA.)

Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes

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Selecciona una palabra y presiona la tecla d para obtener su definición. Federico García Lorca El poeta advierte que estos tres actos tienen la intención de un documental fotográfico. Acto I LA PONCIA.- (A voces.) ¡Ya viene! (A la CRIADA.) Limpia bien todo.

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Significado: generación del 27.

https://www.enforex.com/espanol/cultura/generacion-27.html

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¿Qué es la Generación del 27?

De forma resumida, la Generación del 27 fue un grupo de poetas españoles que surgieron en torno al año 1927 y que tuvo una gran influencia en la cultura española y latinoamericana. Este grupo literario estuvo marcado por la renovación y la modernización de la poesía en España.

Entre los poetas más destacados de la Generación del 27 se encuentran Federico García Lorca, Luis Cernuda, Rafael Alberti, Pedro Salinas, Jorge Guillén, Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre, entre otros. Estos poetas compartían una pasión por la poesía, la cultura española y la tradición literaria, pero a la vez buscaban innovar y romper con las formas poéticas tradicionales.

La Generación del 27 tuvo una gran importancia en el desarrollo de la poesía española y latinoamericana, y su legado sigue siendo relevante en la actualidad.

Características de la Generación del 27

Presentan rasgos comunes en cuanto a vida, estética e ideas:

Edad relativamente similar.

Formación intelectual.

En política, predominan unas ideas liberales y republicanas.

Las amistades rodean la Residencia de Estudiantes, la Institución Libre de la Enseñanza, donde también se encuentran Dalí (pintor) y Buñuel (cineasta).

Participación cоnjunta en eventos culturales (Centenariо de Góngora) y en revistas como La Gaceta Literaria y La Revista de Occidente, en Madrid; Litoral en Málaga; Carmen en Santander; y Versо y Prоsa, en Murcia. La existencia de la Antolоgía de la pоesía española, cоmpuesta en 1932 por Gerardо Diegо, reveló una estética marcada por la aspiración de mоdernizar la pоesía.

Fuerоn conоcidos como maestrоs Juan Ramón Jiménez , por sus ideales de pоesía pura, y Ortega y Gasset pоr sus ideas sоbre cómо encarnar el arte. También están influenciadоs por el surrealismо (este arte pretende el surgimientо de lо que reprimen las normas sоciales).

Influencias de la lírica tradiciоnal culta (Cancionerо, Jоrge Manrique, Lоpe, Góngоra) y pоpular (Rоmancero, fоlklore). Además de Bécquer, Machadо, J.R. Jiménez, Vanguardias.

Sus ideales estéticos se basaron, al menos inicialmente, en la estética y en un culto a las metáforas y las imágenes.

Logran la síntesis y el equilibrio entre clásico y moderno, tradicional.

Diversidad de estilos, muchas reglas, metáforas sin sentido, estrofas nuevas, versos libres, estrofas folclóricas,...

La Generación del 27 se caracteriza por un uso muy rico de la imagen, llevarán la metáfora a cotas solo comparables a la que lograron los poetas del Siglo de Oro entre los siglos XVI y XVII. De este esplendoroso periodo recuperan también composiciones como la canción, la égloga o el soneto.
Se produce una notable reducción de los versos y se prescinde del tipo de versos y estrofas modernistas. Surge el verso libre (sin métrica) y el versículo (verso corto). Se busca crear ritmo con la repetición de conceptos o ideas así como de oraciones o estructuras sintácticas.

Etapas de la Generación del 27

Respecto al recorrido general del grupo, aunque existen diferencias individuales, se pueden establecer tres etapas cronológicas:

Etapa inicial (hasta 1927)

Este será el períоdo del esteticismо en el que las influencias de Góngоra, la Poesía pura de Juan Ramón Jiménez y las vanguardias, también de las influencias de Bécquer y la pоesía popular. Es el mоmento de títulоs como Manual de Espumas de Gerardо Diegо, Marinerо en Tierra de Rafael Alberti, y Cántico de Jоrge Guillén, publicadо entre 1928 y 1950.

De 1928 a la Guerra Civil

La influencia del surrealismо, principalmente a través del pоeta chilenо Pablо Neruda y su crítica al Caballo Verde para la pоesía. Abоga por un humanismо cultural y defiende la pоesía sin pureza. La lírica se hará eco de la angustia y y los deseos de rebeldía de los poetas, así cоmo de los prоblemas sоciales y pоlíticos que atraviesa el país (Alberti, Pradоs, Miguel Hernández). Destacan librоs como La vоz a ti debida de Pedrо Salinas, Sobre los ángeles de Rafael Alberti, Pоeta en Nueva Yоrk de García Lоrca), La destrucción о el amоr de Vicente Aleixandre, Dоnde habite el оlvido de Luis Cernuda.

Tras la Guerra civil

Lorca fue asesinadо y gran parte del grupо se exilió. Sin embargо, mantuvieron un vínculо de amistad y su pоesía cоmparte la expresión del dоlor existencial, así comо preоcupaciones estéticas y sоciales. Temas de la nоstalgia española, amigоs muertоs y desarraigо general. Así, оbservamos una prоgresión del interés formal al interés emоcional.

Autores de la Generación del 27

Pedrо Salinas. Pоeta del amоr intelectual. La vоz a ti debida y Razón de amоr.

Jоrge Guillén. Representante de la pоesía pura. Cántico y Clamоr.

Gerardо Diegо. Aúna vanguardia y pоesía pоpular. Manual de espumas. Alоndra de verdad.

Federicо García Lоrca. Su pоesía gira en tоrno a temas de amоr, supresión de los instintоs, la decepción y el destinо trágico y, a menudо, es interpretadо por personajes sоcialmente marginadоs como gitanоs o negrоs. Excelente dominiо de los recursоs pоéticos. Su pоesía es una expresión de los trágicоs sentimientоs de la vida. En sus iniciоs cоmbinó influencias pоpulares (rоmánticas) y cultas (metáfora absurda), en оbras cоmo el Pоema del Cante Jondо y el Rоmancero Gitanо. Su segundо períоdo estuvо marcado por la influencia del surrealismо en su librо Pоeta en Nueva Yоrk, dоnde esta ciudad simbоliza la civilización materialista y mecanizada.

Rafael Alberti. Cоmenzó en una línea de pоesía neоpopular, Marinerо en tierra, para reflejar luegо la influencia de las vanguardias en Sоbre los ángeles. Unifica tanto la tradición como las formas de vanguardia. Desarrollará gran variedad de temas y registrоs. Su pоesía está basada en en la nоstalgia por la pérdida de su tierra natal y España debido al exilio al que se vio obligado después de la Guerra civil española (1936-1939).

Vicente Aleixandre. Entiende la pоesía cоmo un mоdo de cоmunicación. Muy influenciadоpor el Surrealismо. La destrucción o el amоr y Sоmbra del Paraísо.

Dámaso Alonso. Trаs algunas primeras obras en la líneа de la poesíа purа, publicа en 1944 Hijos de la irа. En él se pоne de manifiestо una poesíа sоcial, desаrraigada,mtremendamente humanizadа. Utilizа un estilо directо y muy intensо. Estа оbra, juntо a Sombrа del Pаraísо de Aleixаndre, supоndrá un puntо de inflexión en la pоesíа de pоsguerrа y tendrán una influenciа decisivа en los pоetаs de las generаciоnes siguientes.

Luis Cernudа. Bellezа perfectа, soledad, аmor, аñoranza del mundo clásico. Lа reаlidad y el deseo es un resumen de todа su obrа. A partir de Donde hаbite el olvido encuentrа un estilo más personаl. Rechаzará la rimа y los ritmos muy mаrcados. Tendenciа a un cierto coloquiаlismo que enlazаrá muy bien con la sensibilidаd de los jóvenes poetаs del siglo XX.

Manuel Altolаguirre. Poemаs de Américа y Jаrdín cerrado

Emilio Prаdos. Lаs islаs invitadаs y La voz cautivа.

Miguel Hernández. Conocidо comо "poetа del pueblо". Se considerа un epígonо de la Generación del 27. Evoluciоnа desde la influenciа de Góngоra en Peritо en lunаs, hаsta Vientо del pueblo de pоesíа comprоmetidа y Canciоnero y rоmancero de ausenciаs en la que nоs muestrа la аngustia existencial. En su pоesíа predоminаn lоs sentimientоs y lаs preоcupаciones esenciаlmente humanаs.

Por otro lado, uno de los integrantes de la Generación del 27, Luis Cernuda propondrá una clasificación dividida en cuatro etapas:

Poesía pura

Los poetas de esta línea, entenderán por Poesía pura aquello que queda en el poema después de prescindir de todo aquello que no es poesía propiamente dicha. El poeta del 27 busca crear otra realidad dentro del contexto poético. Se valdrá principalmente de la metáfora como recurso literario para lograr este fin y crear una realidad nueva unión elementos reales y elementos ficticios.

Actitud clasicista

En esta segunda etapa propuesta por Cernuda, los poetas se interesan por autores y obras clásicas, tales como: Gonzalo de Berceo, Cervantes, Poema del Mio Cid, Fray Luis de León, los cancioneros, los romanceros, San Juan de la Cruz, Cervantes y, por supuesto, Luis de Góngora. Realizarán en sus creaciones claros homenajes a estos autores y recuperarán algunos tipos de poemas como son los sonetos. Uno de los autores clásicos será Góngora, no en balde, el nombre del grupo procede de un homenaje a este autor. De él admiran su técnica y su ingeniosa capacidad para manejar la metáfora y la imagen.

Contacto con el surrealismo

Algunos poetas de la Generación del 27 tomaron contacto con un movimiento de vanguardia llamado surrealismo. Esta tendencia pretende evocar en el arte el mundo del subconsciente y las imágenes oníricas de los sueños. Muchos de los poetas que se dejaron influenciar por el surrealismo negaron su vinculación. Encontramos a Vicente Aleixandre con La destrucción o el amor, o Pasión de la tierra. También podemos citar a Federico García Lorca con Poeta en Nueva York; Los placeres prohibidos de Luis Cernuda; y Sobre los ángeles de Rafael Alberti.

Rehumanización

Este periodo comienza a partir de 1930, una época en la que la situación política y literaria se encontraba en un momento de cambio, ya que, se proclamó la Segunda República en 1931. A estos acontecimientos hay que sumarle la llegada a Europa de dos importantes poetas latinoamericanos: César Vallejo y Pablo Neruda, este fue nombrado cónsul de Chile en nuestro país. Neruda escribió en su revista Caballo verde para la poesía un manifiesto titulado Sobre una poesía sin pureza, en el que se mostraba contrario a la poesía pura, ya que, consideraba que esta era para las elites. Por el contario, apostará por una poesía comprometida que llegue al gran público y que se ocupe de los problemas humanos.

Diferencias entre la Generación del 98 y la del 27

La Generación del 27 y la Generación del 98 son dos movimientos literarios importantes en la cultura española, aunque surgieron en momentos y contextos históricos diferentes.

La Generación del 98 fue un grupo de escritores españoles que surgió a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, en un momento de crisis política, social y cultural en España. Estos escritores, entre los que destacan Miguel de Unamuno, Pío Baroja y Azorín, entre otros, reflexionaban sobre el sentido de la identidad española y la situación del país, tras la pérdida de las últimas colonias en 1898.

Por otro lado, la Generación del 27 surge en la década de 1920, en un momento en el que España se estaba abriendo a la modernidad y la vanguardia europea. Estos poetas, como García Lorca, Alberti, Cernuda y Salinas, entre otros, se interesaban por la poesía y las corrientes artísticas de vanguardia y buscaban una renovación de la literatura española.

En resumen, la Generación del 98 se centró en la reflexión sobre la identidad española y la crisis social y política, mientras que la Generación del 27 se enfocó en la renovación de la poesía y la literatura en España, buscando nuevas formas de expresión.

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En este post podrás ver un resumen de la Generación del 27, un grupo de escritores y poetas españoles que influenciaron la cultura española.

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Significado:Bodas de Sangre

http://www.edicionesirreverentes.com/teatro/LORCA_bodas_de_sangre.html

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Por Elia Tabuenca, Filóloga hispánica - UNED.

Una de las obras de teatro más conocidas de Federico García Lorca es "Bodas de sangre", una tragedia que se publicó en el año 1931 y que se inspiró en hechos reales, un crimen que tuvo lugar en Níjar en el 1928. Es una obra que está ambientada en la Andalucía más rural y que, por tanto, es considerada como una auténtica joya del costumbrismo español donde Lorca reúna elementos propios del folklore y la tradición andaluza. En esta lección de unPROFESOR vamos a descubrir un completo resumen de "Bodas de sangre" para que, así, puedas profundizar mejor en esta obra de Lorca y conocer tanto el argumento, como los personajes y las ideas principales de la pieza. ¡Comenzamos!

Introducción a Bodas de Sangre de Federico García Lorca

Antes de empezar con el resumen de "Bodas de sangre" y su argumento es importante contextualizar esta pieza teatral. Se trata de una obra que fue escrita por el poeta y dramaturgo Federico García Lorca y que se estrenó en el 1934 aunque, como ya hemos dicho, se escribió 3 años antes. Hoy en día es una de las obras más estudiadas y destacadas de este literato ya que consiguió retratar fielmente la Andalucía de la época.

Una de las características más destacadas de "Bodas de sangre" es que se trata de una obra que mezcla tanto la prosa como el verso aunque, según muchos estudiosos, se cree que las escenas en verso estaban pensadas para ser cantadas por los protagonistas. La trama se desarrolla en tres actos y los personajes principales no están individualizados, es decir, ni siquiera tienen nombre: se llaman El Novio y La Novia; con este recurso, Lorca está creando personajes-tipo que le servirán para poder lanzar un mensaje mucho más profundo que el de la propia historia.

El tema principal de "Bodas de sangre" es la relación entre el amor y la muerte aunque, también, nos encontramos con subtemas como tradiciones legendarias o mitos que le dan un aporte mucho más tradicional y fantástico a la narración. Durante la obra nos encontraremos con mucas costumbres propias de la región andaluza y con símbolos muy frecuentes en la producción literaria de Lorca como, por ejemplo, el símbolo del cuchillo.

Primer Acto de Bodas de Sangre

Comenzamos este resumen de "Bodas de sangre" hablando del primer acto de la obra. Como ya hemos comentado, la estructura interna de esta pieza teatral se divide en 3 actos y, el primero de todos ellos, cuenta con tres cuadros.

Este acto comienza con una conversación llevada a cabo por El Novio y su madre ya que él tiene intención de pedirle matrimonio a su novia. Antes de terminar la conversación, el hijo le pedirá una navaja a la madre pero, al final, ella se negará porque recordará la muerte tan violenta que vivieron sus otros hijos y su marido.

En cuanto El Novio desaparece de escena, la madre empezará a hablar con una vecina sobre su futura nuera. Ella todavía no la conoce pero la vecina sí y le cuenta que, anteriormente, fue la novia de Leonardo Félix, el hijo de la familia que causó la muerte de sus propios hijos y de su marido. Aunque la madre se preocupa, después decide no darle más importancia al asunto porque ya hace muchos años de este crimen.

En este primer acto nos encontramos con una canción que entona la suegra de Leonardo para acunar a su hijo. Esta canción no es más que un presagio de lo que ocurrirá; aquí os dejamos un fragmento:

Al finalizar este acto, Leonardo se entera de que su exnovia, La Novia, está a punto de casarse y su nueva mujer se entera en ese momento que ella fue la antigua novia de su actual marido.

Resumen del Acto 2 de Bodas de Sangre

Continuamos con este resumen de "Bodas de sangre" para centrarnos ahora en el Acto 2 de esa obra. Aquí Lorca nos narra el viaje que El Novio emprende con su madre para ir a pedirle la mano a su novia. Tienen que viajar por un terreno muy ancho ya que el padre de La Novia vive en los secanos. El hombre aceptará la proposición de matrimonio y La Novia también la aceptará.

El Novio, en su visita, le habrá llevado algunos regalos a su futura esposa y, en cuanto se marcha de la casa, la criada arde en deseos de ver qué le ha regalado. Sin embargo, La Novia no tiene ningún interés en abrir los regalos y la criada detecta que esa falta de interés puede deberse a que, en realidad, no tiene ganas de casarse.

La criada le contará que a las 3 de la madrugada vio a Leonardo, su exnovio, en la ventana de su casa, subido sobre su caballo. La Novia no creerá a la mujer pero, por la noche, se asomará a la ventana y se encontrará con que, efectivamente, Leonardo está allí. Él no se da cuenta de que ella le ha visto pero La Novia se quedará con la incertidumbre en su interior.

Justamente el día antes de la boda nos encontramos con una escena muy reveladora: la criada estará haciéndole las pruebas de peinado a La Novia y esta, en lugar de estar ilusionada y feliz, se mostrará muy molesta y disgustada. Cuando la criada le pregunta qué es lo que le sucede, la chica admitirá que, aunque quiere a El Novio, lo cierto es que el paso del matrimonio le da un poco de miedo ya que es un paso importante y definitivo.

El día de la boda, el primer invitado que llega a la celebración no es, ni más ni menos, que el mismo Leonardo. En cuanto ve a La Novia le preguntará qué significó él para ella, una pregunta que hará tambalear a la chica y por la que le acabará pidiendo que se marche. La criada intentará interrumpir esta conversación pero no hará falta porque Leonardo termina dejándole vía libre a La Novia para que se case diciéndole:

Resumen de Bodas de Sangre, Acto 3

Y para terminar este resumen de "Bodas de sangre" tenemos que situarnos ahora en el Acto 3, es decir, en el desarrollo final de la trama. Estamos en el día de la boda, los novios ya se han dado el "Sí, quiero" y nos encontramos en medio del banquete y de la celebración. La Novia, en un momento dado, le dice a su recién estrenado marido que tiene que descansar un rato porque está agotada, sin embargo, en realidad huirá con Leonardo.

En cuanto El Novio se da cuenta del engaño, saldrá con su caballo a buscar a su mujer y al amante traidor. Se adentrará por los bosques y, en una escena, la Luna se personificará y le tenderá la mano al Novio diciéndole lo siguiente:

¿Quién se oculta? ¡Afuera digo! ¡No! ¡No podrán escaparse! Yo haré lucir al caballo una fiebre de diamante.

Por tanto, la Luna nos revela que va a iluminar el bosque para que El Novio pueda ver mejor y encontrar a los dos traidores. En escena aparecerán los dos amantes huidos y La Novia dirá que no quiere volver con El Novio y que solo se irá con él si es a la fuerza. Termina afirmando que ama a Leonardo y que de él solo la muerte la podrá separar. Fuera de escena se oyen unos gritos y, finalmente, terminará entrando una mendiga que simbolizará la muerte.

Más tarde, la mendiga acudirá a la casa de Los Novios e indicará a los familiares que se ha encontrado con dos hombres muertos en el bosque.

El final de "Bodas de sangre" es la llegada de La Novia cubierta de sangre a la casa de su suegra. Dice que ha venido para que la maten por sus pecados pero que, por mucho que huyera con Leonardo, ella sigue siendo honrada. Defiende que ella no es así, que se ha dejado llevar por culpa de un hombre. Esta imagen de la mujer víctima del amor y de la pasión es aceptada por la suegra que termina abrazando a La Novia y llorando, junto a ella, la tragedia de la vida.

Principales personajes de Bodas de Sangre

Ahora que ya has podido conocer todo el resumen de "Bodas de sangre", vamos a hablar brevemente sobre los personajes principales de la obra. A continuación te dejamos un listado con los más representativos de esta pieza teatral:

La Novia: es una mujer que se deja llevar por sus sentimientos sin tener en cuenta a los demás. Una persona impulsiva y con mucho carácter que es la desencadenante de toda la trama.

El Novio: es un hombre enamorado y con buenas intenciones que solamente quiere casarse con su novia. Pero al final será corrompido por el amor y por el dolor y terminará asesinando a Leonardo.

La madre: es un personaje que tiene un gran sentimiento de protección hacia sus hijos. Se vincula mucho con la fidelidad a la tierra, a la familia y a la sangre. Es una persona muy paciente, fuerte y valiente para que su familia es lo primero de todo.

La criada: es un personaje muy representativo de la época y también muy típico en el teatro español. Se trata de la "aliada" de la novia, de la consejera y la protectora. Una amiga-hermana que quiere lo mejor para ella y que se preocupa por su bienestar.

Padre de la novia: representa el "negocio" que había con las bodas y los matrimonios en la España de principios del XX. Y es que está más interesados en las tierras que tiene su futuro yerno que en la felicidad de su propia hija. Ni siquiera se percata de que su hija no está enamorada de él.

Leonardo: es un personaje egoísta y poco honrado. Por celos o por sentimiento de posesión, termina perjudicando la vida de La Novia y abandonando a su propia mujer. Es un personaje apasionado y que termina cometiendo el peor crimen que una persona puede hacer al asesinar a El Novio. Es importante destacar que Leonardo es el único personaje al que Lorca le pone un nombre propio y, por tanto, es un elemento imprescindible de la trama.

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García Lorca, F. (2018). Bodas de sangre.

del Valle, L. T. G. (1971). "Bodas de sangre" y sus elementos trágicos. Archivum: Revista de la Facultad de Filología, (21), 95-120.

Pinto, F. C. (1969). Para un análisis de" Bodas de Sangre". Revista Signos, 3(1), 97.

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RESUMEN CORTO de Bodas de Sangre de Federico García LORCA - ¡¡Con ESQUEMAS!!

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Por Elia Tabuenca, Filóloga hispánica - UNED. Una de las obras de teatro más conocidas de Federico García Lorca es "Bodas de sangre", una tragedia que se publicó en el año 1931 y que se inspiró en hechos reales, un crimen que tuvo lugar en Níjar en el 1928.

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Significado: Romancero gitano

https://lacuevademontesinos.wordpress.com/2017/01/26/el-romancero-gitano-origen-y-estructura/

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Significado: Los premios de Federico Garcia Lorca

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Premios y Distinciones
Premios

Premio de la Crítica Literaria 1987 porHablar de la poesía.

Premio Nacional de Literatura de Cuba 1990.

Premio de la Crítica Literaria 1991 porCréditos de Charlot.

Premio de la Crítica Literaria 1992 porLos Rembrandt de l'Hermitage.

Premio de la Crítica Literaria 1996 porHabana del centro.

Premio de la Crítica Literaria 2001 porDarío, Martí y lo germinal americano.

Premio Nacional de Investigación Cultural 2005.

Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda 2007.

Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana 2011.

Premio Internacional de Poesía Ciudad de Granada Federico García Lorca 2011.

OrdenAlejo Carpentier, 1988.

OrdenFélix Varela, 1995.

Medalla30 aniversario de la Academia de Ciencias de Cuba.

MedallaFernando Ortiz.

Distinción por la Cultura Nacional.

DistinciónRaúl Gómez García.

Distinción23 de agosto, de la Federación de Mujeresubanas.

Hija Adoptiva de Bayamo.

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Premios Premio de la Crítica Literaria 1987 porHablar de la poesía. Premio Nacional de Literatura de Cuba 1990. Premio de la Crítica Literaria 1991 porCréditos de Charlot. Premio de la Crítica Literaria 1992 porLos Rembrandt de l'Hermitage. Premio de la Crítica Literaria 1996 porHabana del centro.

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Significado: viajes de Federico García Lorca.

(+ Importante: New York)

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Por Juan Ignacio Siles del Valle. Secretaría General Iberoamericana

García Lorca en Radio Stentor de Buenos Aires, 1934

Para la Secretaría General Iberoamericana es de especial satisfacción participar y apoyar la puesta en marcha de este I Encuentro Internacional. Lorca: Viajero por América, porque privilegia un acercamiento distinto tanto a la vida como a la obra del poeta granadino, y puesto que abarca un espacio de tiempo que, si bien ha sido recordado por sus amigos, por biógrafos y académicos, resulta poco conocido para los lectores de hoy.

Ese espacio americano fue en algunos casos muy determinante en la afectada personalidad del poeta, pero también, aunque en menor grado, en su obra. Nueva York, Cuba, Buenos Aires o Montevideo marcan, sin duda, un cambio en García Lorca y amplían su mundo hacia horizontes para entonces desconocidos para la inmensa mayoría de los artistas o intelectuales españoles de su época.

Después de la Guerra Civil sí, serían muchos los que tendrían posibilidades de redescubrir América a partir de la experiencia del exilio, especialmente en México y en Argentina, aunque también en Estados Unidos. Allí partieron gran parte de los compañeros de generación de Lorca: Alberti, Guillén, Salinas, Cernuda, Prados, Altolaguirre, Bergamín.

Pero antes de la guerra, la experiencia americana estaba reservada apenas a unos pocos. Los nexos, rotos tras las luchas por la independencia en las primeras décadas del siglo xix, se habían ido recomponiendo gracias a las masivas emigraciones de españoles a tierras argentinas o uruguayas a principios del siglo xx. Quienes allí partían lo hacían a sabiendas de que el camino de retorno apenas era factible para los pocos que pudieran hacer fortuna.

Los viajes de Lorca estuvieron marcados por otro signo. Iba acompañado de un prestigio ya consolidado. Llevaba consigo contratos para dar conferencias, leer su poesía o representar sus obras de teatro. El éxito alcanzado y el recibimiento que tuvo en Buenos Aires o Montevideo no tienen parangón entre los poetas iberoamericanos. Salvo quizás el que Rubén Darío tuvo en España unas décadas antes o el que Neruda tendría después de su experiencia en el sudeste asiático o durante su estadía madrileña previa a la guerra.

Por lo demás, García Lorca llevaba consigo una importante marca americana. Su poesía había estado impregnada -al menos la inicial- por la influencia de la poesía de Darío. No se trataba solo del afán por lo mitológico, la afinidad en las lecturas, Verlaine o Lautreamont, por ejemplo, o el desbordamiento de la sensibilidad, sino también por la búsqueda de nuevas formas de lenguaje poético. Su aproximación al modernismo -un lenguaje esencialmente americano- le llegaría también a través de Juan Ramón Jiménez o Machado, pero fue el nicaragüense quien más se reflejaría en el granadino.

Su voz, sin embargo, pronto adquiriría sus propios rasgos. Su esencia será siempre andaluza, pero su modo de decir, sus imágenes poéticas, sus símbolos, sus ritmos serán absolutamente personales, al punto de que sea difícil emparentarlo (excepto en su temática, especialmente en lo que toca a su obsesión por la muerte) con los poetas clásicos a los que conocía muy bien o con las vanguardias europeas tan en boga en esos años. Tampoco es fácil reconocer influencias suyas en las generaciones posteriores, bien sea por el corte brutal que se produce tras la guerra o bien por la imposibilidad de repetir una voz tan única.

Resulta por lo tanto difícil establecer cuánto determinaron sus viajes a Lorca. Extraño es comprobar que casi no tuvo interés por dar el salto que algunos de sus antiguos amigos, como Dalí o Buñuel, dieron a París, destino y centro de la producción y la vanguardia más cosmopolita -solo estuvo de paso- en busca de una modernidad artística que para él posiblemente no tenía interés: del surrealismo tomará prestado lo indispensable, pero nunca entrará en los márgenes del automatismo y privilegiará en lo esencial la claridad antes que el hermetismo. Ni siquiera le interesaba la bohemia, prefería la tertulia o la intimidad familiar.

Los viajes lo llevaron, más bien, a América. ¿Qué fue lo que lo impulsó primero que nada a ir a Nueva York? Tiene que haber sido algo más que los ofrecimientos que le había conseguido Fernando de los Ríos. Era seguramente el gran desafío de la modernidad, del progreso, de la técnica. Pero también el que se le ofrecía frente al bienestar y la libertad individual.

El impacto que la ciudad de Nueva York tuvo sobre Lorca fue enorme y está recogido en una de sus obras poéticas más significativas. Pero cabría preguntarse si lo que determina la escritura es el espacio geográfico y las gentes que lo habitan o si es más bien el choque cultural frente a una modernidad que el poeta no logra comprender (o que comprende mejor que nadie en su degradación e inhumanidad). Lo cierto es también que Poeta en Nueva York es uno de sus libros formalmente más arriesgados y posiblemente aquel en el que mejor puede vislumbrarse la huella surrealista.

Acaso pueda incluso pensarse que El público, la pieza teatral más ambiciosa y vanguardista de Lorca, hubiera sido iniciada o al menos concebida en Nueva York. Su inquietante surrealismo, su concepción teatral tan revolucionaria, su misma desenfadada defensa de la homosexualidad, ¿no nacen quizás de la experiencia neoyorquina, abierta a una libertad formal y conceptual antes no del todo asumida?

¿O es en la estadía en Cuba, donde redacta finalmente el texto, que esa libertad termina por decantarse?

¿Pero son los espacios geográficos los que determinan la creación poética? ¿O lo son las lecturas y las experiencias de vida? ¿Podríamos imaginar Poeta en Nueva York si Lorca no hubiese estado nunca en Manhattan? Pero, por otra parte, ¿podríamos entender la Oda a Walt Whitman si Darío no hubiese escrito mucho antes otro texto dedicado al poeta americano?

El viaje a la Argentina tiene una significación muy diferente. Si bien es cierto que la ciudad de Buenos Aires era probablemente la urbe latinoamericana más desarrollada, lo que atrae al poeta es búsqueda de un público nuevo, de un espacio que no le fuera tan irreconocible como Nueva York y en el que pudiera desenvolverse en su propia lengua. Iba en busca del suceso que tal vez no sentía tener en su propio país.

El resonante éxito de Lorca en Buenos Aires y Montevideo no viene, sin embargo, acompañado de una producción poética tan rica como la que trajo consigo de su viaje a Nueva York y Cuba. Ni siquiera pudo terminar de escribir Yerma, como en más de una ocasión se había propuesto durante sus seis o siete meses de estadía rioplatense. Sí pudo, en cambio, realizar la adaptación de una comedia de Lope. Las muchas ocupaciones sociales tal vez le impidieron concentrarse en la poesía, pues no tuvo allí la soledad y el recogimiento que le hacían falta para trabajar.

Las crónicas y los testimonios de la época, sus propias cartas, recogen las innumerables muestras de aprecio que tuvo durante su estadía. El mundo parece girar únicamente en torno a él. Poco hay, sin embargo, que nos manifieste el modo en que Buenos Aires pudo haber repercutido sobre Lorca. Queda de manifiesto sin duda la admiración que los círculos de escritores y artistas argentinos le prodigaban (con algunas excepciones notables como la de Jorge Luis Borges), pero casi nada hay de lo que Lorca pudo haber leído o aprendido de los argentinos en sus largos meses en Buenos Aires.

Poco tiempo de vida le quedaría a Lorca a su regreso. El suficiente para dar término a Yerma y a La casa de Bernarda Alba. Sus otros proyectos, seguramente los más personales, incluido el de viajar a México, quedarían pendientes y hasta inconclusos. Algunos de ellos no los conoceríamos sino hasta mucho tiempo después de su muerte. De una u otra manera, eran producto también de sus viajes americanos.

En todo caso, sus viajes, sus pioneros viajes hacia América, especialmente hacia el sur, importan no solo por la influencia que hayan tenido sobre él o la repercusión que tuvo entre quienes lo trataron o lo conocieron, sino también porque en su momento reestablecieron y enriquecieron los puentes culturales de la identidad común y del mutuo conocimiento que subsisten en ambas orillas de la comunidad iberoamericana.

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Por Juan Ignacio Siles del Valle. Secretaría General Iberoamericana García Lorca en Radio Stentor de Buenos Aires, 1934 Para la Secretaría General Iberoamericana es de especial satisfacción participar y apoyar la puesta en marcha de este I Encuentro Internacional.

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Sofía: Fotografía de Lorca con sus amigos 

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Sofía: Fotografía de Lorca con sus amigos 

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Significado: Amigos de Federico García Lorca

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Biografía de Federico García Lorca - Federico García Lorca

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Perfil biográfico de Federico García Lorca

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FEDERICO GARCÍA LORCA EN 2024: PABLO.M                                                     

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FEDERICO GARCÍA LORCA EN 2024: PABLO.M                                                     

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Significado:Aniversario de su nacimiento

https://www.educaciontrespuntocero.com/libros/lorca-libros/

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En 2020 se conmemoraba el 90º aniversario de la edición de 'Poeta en Nueva York', la obra que proyectó a García Lorca fuera de España, y en 2021 el centenario de 'Canciones', su primer libro de poemas. Estas efemérides justifican el germen del festival Canarias es Cultura, que no nace ahora por casualidad. Empezó a gestarse en 2019 con idea de celebrarse en los dos años siguientes, pero la pandemia frustró el intento y el estreno el año pasado de la última experiencia profesional del cineasta Carlos Saura, creador de 'Lorca por Saura' antes de su lamentable pérdida, vino a favorecer los contenidos de esta primera edición del festival que se celebra en marzo y abril con cinco propuestas multidisciplinares.

Canarias es Cultura arranca este año en Gran Canaria, Tenerife, La Palma y La Gomera con el patrocinio de Promotur y el Instituto Canario de Desarrollo Cultural del Gobierno de Canarias, dedicado a elevar la figura artística del poeta granadino. Un poco más, si cabe, con el despliegue de distintas herramientas multidisciplinares que evocan la propia condición multimedia de Federico García Lorca: arte dramático abordado desde esta perspectiva por la genialidad de Saura, audiovisual de carácter documental, disertación sobre los poetas canarios que han escrito a su colega andaluz, un encuentro de música y poesía en Breña Alta y un espectáculo de Telúrica Free Experience que incluye canciones, poemas, teatro y danza. De modo que arranca el festival en los próximos meses de marzo y abril con la posibilidad de afirmar que "Lorca siempre es un buen plan".

Canarias es Cultura se inicia por tanto con el montaje 'Lorca por Saura', en el que una extraordinaria María Peláe interpreta, canta, baila, recita y lo que le echen porque lleva el flamenco en sus venas y hace del show un espectáculo digno de admirar. Después de un exitoso camino el año pasado y del gran papel que hizo la cantante India Martínez, 'Lorca por Saura' debuta en Canarias con la renovación del papel protagonista que ahora recae en la malagueña, al que se suman Alberto Amarilla y Saturna Barrio en la escena, acompañados por Antonio Bejarano al piano, y que podrá verse los días 9, 13, 15 y 16 en Adeje, La Laguna y las dos últimas fechas en Santa Lucía de Tirajana ( Vecindario).
Este montaje que el año pasado recorrió buena parte del país con India Martínez en el primer plano, se ha renovado con la figura de Peláe y es la cita más destacada del festival Canarias es Cultura, con estas cuatro funciones en Tenerife y Gran Canaria. Sin embargo, la cita festivalera abarca mucho más y continuará en abril con la proyección de un documental, una conferencia de Javier Cabrera y dos recitales que tendrán mucho más que música, aunque todo con el mismo objetivo de engrandecer la obra y el legado vital de García Lorca.

Canarias es Cultura se distribuye en las siguientes fechas, islas y lugares entre los meses de marzo y abril próximos:
* 09/03: 'Lorca por Saura', en el Auditorio de Adeje (Tenerife)
* 13/03: 'Lorca por Saura', en el Teatro Leal de La Laguna (Tenerife)
* 15 y 16/03: 'Lorca por Saura', en el Teatro Víctor Jara de Vecindario, en Santa Lucía de Tirajana (Gran Canaria)
* 08/04: Proyección del documental 'El Ruiseñor y la Noche', con Chavela Vargas cantando a Lorca, en el TEA Espacio de las Artes (Santa Cruz de Tenerife)
* 11/04: Conferencia del escritor y editor canario Javier Cabrera sobre su compilación 'Coplas canarias a la memoria de Federico', en el Archivo Insular de San Sebastián de La Gomera
* 13/04: Recital 'Algo que c@ntar', un encuentro de las poéticas de Francisco Viña y Federico García Lorca, en el Museo del Puro de Breña Alta (La Palma)
* 27/04: Vuelo 4.32. 'Impresiones y Paisajes de Lorca', espectáculo multimedia de Telúrica Free Experience, en el ECLA (Espacio Cultural Los Ángeles) de Güímar (Tenerife)

Canarias es Cultura se inicia con el montaje 'Lorca por Saura', en el que una impecable y arrolladora María Peláe lleva esta obra de teatro musical a la excelencia. Es un espectáculo que incorpora diversas facetas artísticas: el cine, la música, la fotografía, el baile y la pintura se van entremezclando en un montaje artístico único que engloba disciplinas no elegidas al azar, sino en las que ha tenido gran influencia la obra del poeta Federico García Lorca. Peláe, fiel a su estilo, está mejor que nunca en este papel de dar vida a determinados pasajes de la corta pero intensa vida del poeta, desde luego los más conocidos o por los que vale la pena volver a pasar.

Es reseñable que se trata del último trabajo en el que estuvo activo Carlos Saura antes de su partida, por eso merece mención ensalzar este show como el último proyecto artístico a cargo del director, fallecido ahora hace un año. Sus escritos revolotean con los propios de Lorca y la obra, al fin y al cabo, funciona también como un homenaje póstumo a su director, que también destacó en el mundo de la fotografía y la literatura. Saura, veterano y reconocido cineasta español, se embarcó en la aventura de crear un espectáculo de primera calidad, haciendo un sincero homenaje a uno de los escritores que más marcó su juventud, en una obra que incluso en su estreno, marzo de 2023, fue póstuma para los dos, ya que Carlos se fue en febrero.

Danza, cine, música, fotografía e, incluso, la pintura son las disciplinas artísticas que se ven incluidas en esta obra de teatro musical, logrando una atmósfera perfecta para rendir homenaje a uno de los poetas más importantes del siglo XX. Su creador consiguió fusionar en este show dos de sus grandes pasiones: la poesía y el flamenco, que hacen que los espectadores puedan emocionarse profundamente mientras redescubren la obra y vida de Lorca.

A través de los ojos de una mujer, el espectáculo recrea los momentos clave de la vida del poeta, desde su infancia en la vega de Granada hasta su fusilamiento durante la Guerra Civil. Y lo hace condensando todos los elementos idóneos para revivir y aplaudir las majestuosas hazañas del escritor, en un recorrido de 90 minutos.

Las entradas para disfrutar de la cita en Adeje están en www.tomaticket.es; para el Teatro Leal, en www.tickety.es; y en www.entrees.es para el montaje en el Teatro Víctor Jara, ya en Gran Canaria.

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En 2020 se conmemoraba el 90º aniversario de la edición de 'Poeta en Nueva York', la obra que proyectó a García Lorca fuera de España, y en 2021 el centenario de 'Canciones', su primer libro de

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Significado: explicar un poco la vida de Federico Garcia Lorca

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Biografía español. Federico García Lorca, poeta y dramaturgo español. Biblioteca español. Instituto Cervantes

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Instituto Cervantes. Aprender español. Enseñar español. Exámenes y diplomas de español. Cultura española e hispanoamericana. Todo sobre el español en España y en el mundo.

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Significado : La familia de Federico García Lorca .

https://www.elconfidencial.com/cultura/2023-03-19/ian-gibson-franco-lorca-memoria-historica_3594641/

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Unos 84 años después del asesinato de Federico García Lorca en los primeros meses de la Guerra Civil no se sabe todavía donde está su cadáver. No han sido pocas las teorías ni tampoco las búsquedas (aunque a día de hoy no hay ninguna activa). La Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica, de ámbito estatal, mantuvo ayer, en el 84 aniversario del fusilamiento de Federico en Granada, que la familia del poeta "conoció la ubicación" de la fosa en la que fue enterrado el cuerpo del querido poeta.

Así lo señaló la asociación en una nota de prensa, con base, entre otras fuentes, a una conferencia dada en octubre de 1937 en Nueva York por Fernando de los Ríos, que fue suegro de Francisco, hermano de Federico, quien habría asegurado que "alguien cercano al crimen les informó del emplazamiento exacto".

En este sentido, la familia de García Lorca podría haber conocido "los detalles" de su asesinato "pocos días después" de que fuera cometido. Fernando de los Ríos, ministro en la Segunda República, "estrechamente allegado y emparentado con la familia, afirmó públicamente, al menos en dos ocasiones, que había tenido conocimiento del lugar exacto de su enterramiento".

La primera de ellas habría sido en el Congreso de Intelectuales Antifascistas, en Valencia, en julio de 1937, en el que Fernando de los Ríos comenzó su discurso haciendo referencia a que el cementerio de Granada "se había quedado pequeño por la cantidad de crímenes que estaban cometiendo los fascistas".

"En él fusilaron a la poesía"

Y añadió: "Hace cinco días, en la madrugada del día 5, llegaba el que os habla al frente de Granada. Podéis imaginaros, aquellos que me conocéis, con qué ansiedad yo preguntaría por la suerte cierta que había cabido a una persona que no necesita ser nombrada porque está en la conciencia de todos... En uno de los pueblos vecinos a Granada, y cuando iba por el camino hacia ese pueblo, fue fusilado Federico García Lorca. Hoy, ya sé dónde está enterrado. Fusilado, ¿por qué? No porque se llamara Federico García Lorca. En él fusilaron a la poesía, no al poeta".

Tres meses después, en la conferencia impartida en Estados Unidos, afirmó nuevamente conocer el lugar del enterramiento. Fernando de los Ríos era embajador de España en Estados Unidos, y "sus afirmaciones fueron recogidas por el diario La Prensa, publicado en Estados Unidos para la población de habla hispana". Además, afirmó que " Lorca murió a manos de los soldados de Franco, cuando se le conducía desde Granada a un pueblecito próximo, y sé dónde está sepultado, por las confidencias de unos soldados que después se pasaron a las filas leales".

"A Lorca lo asesinaron porque representaba el pensamiento español"

De los Ríos terminó su intervención asegurando que " a Lorca lo asesinaron porque representaba el pensamiento español y he venido aquí esta noche a rendir un homenaje a su memoria".

Se trata, resaltó la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica, de la persona que gestionó el traslado de la familia García Lorca a Estado Unidos; y finalmente, emparentaría con ella a través de su hija Laura, que contrajo matrimonio con Francisco García Lorca, hermano menor del poeta.

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La familia de Lorca "conoció la ubicación" de la fosa del poeta, según una asociación

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El grupo para la Recuperación de la Memoria Histórica sostiene que podría haber conocido "los detalles" de su asesinato "pocos días después" de lo ocurrido

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Significado: Federico García Lorca y la guerra civil.

https://www.elsaltodiario.com/guerra-civil/federico-garcia-lorca-rojo-y-maricon

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Especial 20 aniversario: Historia National Geographic por solo 1€/mes ¡Últimos días!

En la parte occidental de la comarca de la Vega de Granada, la población granadina de Fuente Vaqueros vio nacer el 5 de junio de 1898 a uno de los poetas más brillantes de la historia de España: Federico García Lorca. El autor español más celebrado del siglo XX, símbolo de todos los desaparecidos en la Guerra Civil española y cuyos restos, más de 80 años después de su muerte, aún permanecen en una fosa común.

Matriculado en la Universidad de Granada en 1914, el joven Lorca estudió las carreras de Filosofía y Letras y Derecho, y fue en esta época cuando se unió, junto con otros jóvenes intelectuales, a un centro de tertulias -cuna de ilustres personajes, algunos de ellos ya destacados artistas y otros que llegarían a ser reconocidos en distintas disciplinas como la poesía, la literatura, el periodismo, las artes, la política o la música- llamado El Rinconcillo. Los viajes por diferentes regiones de España con sus compañeros de estudios despertaron en Lorca la vocación de escritor, y de ellos surgió su primer libro en prosa titulado Impresiones y Paisajes, publicado en 1918.

Primeras obras de Lorca

La Residencia de Estudiantes de Madrid, a la cual se trasladó en 1919, era en aquel entonces un hervidero intelectual. Por ella pasaron figuras de la talla de Albert Einstein, John Maynard Keynes o madame Curie, personajes que influyeron enormemente en la formación intelectual de Lorca. Según palabras de su amigo Adolfo Salazar, conocer a Luis Buñuel, Rafael Alberti o Salvador Dalí supuso para Federico huir del tedio intelectual que tanto odiaba.

Por la Residencia de Estudiantes de Madrid pasaron figuras de la talla de Einstein, Keynes o Madame Curie, que influyeron enormemente en Lorca

En 1921, Lorca publicó Libro de poemas y estrenó su primera obra teatral, El maleficio de la mariposa. En mayo de ese año, regresó a Granada donde conoció al famoso compositor Manuel de Falla, con quien emprendió varios proyectos en torno a la música y el cante jondo. El día de Reyes de 1923, Falla interpretó una adaptación lorquiana de un cuento andaluz atribuido a Cervantes llamado La niña que riega la albahaca y el príncipe preguntón así como El Misterio de los Reyes Magos, un auto sacramental del siglo XIII.

García Lorca y Salvador Dalí

Su gran amistad con el pintor Salvador Dalí le llevó a Cadaqués en 1925 y en 1927. Estas estancias marcarían profundamente la vida de ambos, como se aprecia en la obra Oda a Salvador Dalí, publicada por Lorca en 1926. Dalí consiguió incluso que Lorca se iniciara en la pintura y presentase su primera exposición en la Sala Dalmau de Barcelona en 1927.

Las dos estancias que Lorca pasó en Cadaqués junto a Dalí, en 1925 y 1927, influyeron enormemente en la vida de ambos

Lorca obtuvo un gran éxito con su obra Canciones, pero la publicación de su obra Primer romancero gitano provocó en Lorca una crisis muy profunda. Se le tachó de costumbrista y defensor de los gitanos, recibiendo duras críticas incluso por parte de sus amigos Buñuel y Dalí. A este hecho se añadió su ruptura con Emilio Aladrén, un escultor con el que Lorca había mantenido una intensa relación afectiva.

Un poeta en Nueva York

Para dar un giro a su vida y cambiar de aires, Lorca se embarcó en el Olympic rumbo a Nueva York, donde llegó en 1930. Describió la ciudad como un lugar "de alambre y muerte", y se vio sorprendido por la economía capitalista y el trato dado a los afroamericanos. Sus experiencias le llevaron a escribir Poeta en Nueva York, donde buscó expresar "la esclavitud dolorosa del hombre y la máquina juntos". Esta obra no se publicaría hasta cuatro años después de su muerte.

En 1931, Lorca escribió Bodas de Sangre, la primera parte de una trilogía. Una tragedia en verso y prosa inspirada en un crimen real que tuvo lugar en 1928 en la localidad de Níjar, en la provincia de Almería. En 1934 escribió Yerma, la segunda parte de la trilogía. Lorca nunca llegó a escribir la tercera y última parte a pesar de que, según decía, ya tenía el título en mente.

Regreso a España y muerte

Tras una estancia en Buenos Aires, Lorca regresó a España en 1934, donde la situación política era insostenible y se respiraba un clima prebélico que hacía presagiar el estallido de una guerra civil. Mientas el mundo entero admiraba a Lorca como "el Homero español", las críticas hacia él se recrudecieron en el contexto de tensión previo al conflicto, y aunque se resistió a la presión de sus amigos para afiliarse al Partido Comunista, sufrió las arremetidas de los conservadores por su amistad con personalidades abiertamente socialistas como la actriz Margarita Xirgu. La popularidad de García Lorca y sus numerosas declaraciones contra las injusticias sociales le convirtieron en un personaje incómodo para la derecha.

Para saber más

A pesar de la protección que le ofrecieron México y Colombia, Lorca prefirió volver a Granada con su familia ya que la situación en Madrid era cada vez peor, e incluso sopesó la posibilidad de encontrar refugio en la zona republicana o en casa de su amigo Manuel de Falla. Finalmente, el poeta decidió refugiarse en casa de los padres de su amigo Luis Rosales, donde el 16 de agosto de 1936 fue detenido por Ramón Ruiz Alonso, un ex diputado de la CEDA (Confederación Española de Derechas Autónomas).

Lorca se refugió en casa de los padres de su amigo Luis Rosales, y allí fue detenido el 16 de agosto de 1936

Lorca era consciente de la terrible situación en la que se encontraba. El poeta fue trasladado a la localidad de Víznar y dos días después, en la madrugada del 18 de agosto de 1936, fue fusilado en el barranco de Víznar, a pocos kilómetros de la capital granadina, en la conocida como "carretera de la muerte". Su cuerpo, que jamás se recuperó, descansa en una fosa común anónima, posiblemente cerca del mismo lugar de su muerte.

Investigaciones realizadas en 2006 parecen indicar que en la muerte de García Lorca estarían directamente implicadas las familias Roldán y Alba, enfrentadas con el padre del poeta por viejas rencillas relacionadas con el reparto de unas tierras compradas a medias. Aprovechando el golpe militar y la publicación, en la primavera de 1936, de La Casa de Bernarda Alba, un libro donde Lorca hace una crítica ácida y feroz de estas familias, fue cuando, al parecer, estas decidieron ajustar cuentas con el poeta.

Para saber más

La verdad sobre el asesinato de García Lorca. Miguel Caballero y Pilar Góngora. Ibersaf Ed. Madrid, 2007.

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Federico García Lorca, el poeta brillante que perdió España

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El 5 de junio de 1898 nació en Fuente Vaqueros, Granada, Federico García Lorca.

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Significado: Federico García Lorca fue quien creo los poemas, pero muchos cantantes importantes cogieron los poemas y los hicieron canciones.

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"Lorca: "Las canciones son criaturas, delicadas criaturas, a las que hay que cuidar para que no se altere en nada su ritmo""

Tal y como recogemos en el Cuadernos Efe Eme número 38, la huella de Lorca en canciones contemporáneas es innumerable, y no es casual, pues la música fue su primer amor, como demostró a lo largo de su obra, en sus investigaciones y en el disco de canciones populares que grabó con La Argentinita. Por Arancha Moreno.

Texto: ARANCHA MORENO.
Foto: WIKIMEDIA COMMONS / COLECCIÓN FUNDACIÓN FEDERICO GARCÍA LORCA.

A Lorca le han cantado todos. Desde Paco Ibáñez hasta Ana Belén, desde Enrique Morente hasta Leonard Cohen, pasando por Miguel Poveda, Amancio Prada, Carmen Linares, Javier Ruibal o Los Planetas. Tal y como hemos visto en el reportaje "Los músicos cantan a Lorca", recogido en el número 38 de Cuadernos Efe Eme, su obra pervive más allá del papel gracias al teatro y a la música, que siempre tuvo un papel muy relevante en su vida y en su obra, tanto en sus piezas teatrales como en sus investigaciones y en el disco de canciones populares que registró junto a La Argentinita. No en vano, Lorca siempre vibró junto al piano, contagiando sus palabras de una musicalidad como pocos poetas.

"Las canciones son criaturas, delicadas criaturas, a las que hay que cuidar para que no se altere en nada su ritmo. Cada canción es una maravilla de equilibrio, que puede romperse con facilidad: es como una onza que se mantiene sobre la punta de la aguja". Con esas palabras describe la música Federico García Lorca en el tercer tomo que recoge sus Obras completas (editorial Aguilar, 1990). Consciente de que la canción es material tan sensible como un poema o una obra literaria, Lorca se acercó a la música desde niño y la cultivó todo lo que pudo en paralelo a su actividad como escritor y poeta. No es de extrañar, pues, que su obra tenga una musicalidad propia que ha acabado saltando de generación en generación hasta llegarnos en forma de múltiples canciones, con una huella tan diluida y popular que muchas veces no sabemos que aquello que cantamos lo escribió o musicó el granadino hace ya un siglo.
Primeros pasos musicales
Para entender cómo ha llegado la huella de Lorca hasta nuestros días, hay que empezar buscando el rastro de la música en sus manos. Porque, además de ser un magnífico dramaturgo, poeta y ensayista, aficionado al dibujo y la pintura, estuvo muy ligado a la música desde sus primeros años de vida. Tan importante fue esa disciplina para él que se llegó a reconocer en ella más que en cualquier otra. Él mismo llegó a confesarlo en una entrevista que le hizo Pablo Suero en 1933: "Ante todo, soy músico" ( García Lorca. Obras completas III).

Estudiante de piano en su juventud, Federico acostumbraba a tocar en público con frecuencia, por lo que era considerado músico en su círculo íntimo. Lo cuenta Luis Antonio de Villena en el libro Los mundos infinitos de Lorca (Tintablanca, 2023): " Es bien sabido que la primera vocación de Federico, y que subsistió siempre, fue la música. Lorca tocaba el piano y memorizó y estudió muchas canciones populares, incluyendo las nanas, lo que influyó en su primera poesía. Se asegura que el gusto musical le vino inicialmente de su madre, aunque se menciona a un tío suyo paterno, Baldomero García Rodríguez, si bien parece que se le consideraba como la oveja negra de su familia. Juglar, bohemio, bebedor, personaje irregular, este pariente cercano de Lorca "cantaba como un serafín", había publicado un librito de poemas, Siemprevivas (1892), componía canciones y tocaba bien la guitarra y la bandurria". "Sería un honor para mí ser como él", llegó a decir Federico, cuyo maestro de música fue un compositor fracasado, Antonio Segura Mesa, que falleció en 1916 y a quien Lorca dedicó, al año siguiente, su primer libro, Impresiones y paisajes.

Dicen, pues, que Lorca fue un buen intérprete de piano y que conoció a los principales compositores de la España de su época. Así lo recoge Marco Antonio de la Ossa Martínez ―maestro en Educación Musical, doctor en Bellas Artes y Licenciado en Historia y Ciencias de la Música― en el libro Ángel, musa y duende. Federico García Lorca y la música (Universidad de Castilla La Mancha / Editorial Alpuerto, 2014), una completa guía en la que rastrea las conexiones musicales de Lorca. En ella se refleja que fue también un gran amante del flamenco y de la música tradicional, que investigó en profundidad durante años. Y, en paralelo a su actividad literaria, nunca desdeñó la música, incluyendo numerosas canciones en sus obras teatrales y en los montajes que realizó con la compañía La Barraca. Tanto es así que en muchas de sus obras literarias dio indicaciones sobre las canciones que debían cantarse como parte del desarrollo. Por ejemplo, "Canción de las niñas" en Mariana Pineda (1927) y "Canción de las hilanderas", "Coplas de la criada", "Copla del cortejo de bodas", "Viejo romance infantil", "Cantar de boda" y "Canción de cuna" en Bodas de sangre (1931).

Ese interés por la música fue más propio de su generación, la del 27, que la del 98, a quienes acusaban de cierta "sordera musical". Entre los poetas y escritores del 27 la literatura y la música estaban muy entrelazadas, por lo que muchos artistas se movían en ambas disciplinas: los compositores se expresaban literariamente y los poetas a través de la música. Fue el caso de Lorca, quien, durante la década que pasó en la Residencia de Estudiantes de Madrid ―desde 1919 hasta 1933―, donde compartió aventuras con ilustres como Rafael Alberti, Salvador Dalí, Luis Buñuel, el musicólogo Adolfo Salazar o el propio Manuel de Falla, d emostró su doble talento en público en multitud de ocasiones, actuando en público y en privado como cantante folclórico, acompañándose él mismo al piano.
Investigación de campo
Su inclinación melómana, especialmente por música tradicional, la demostró también con sus dotes de investigador. "He estudiado durante diez años el folclore de mi país con sentido de poeta", comentó en una ocasión ( García Lorca. Obras completas III, 459). De hecho, desde muy joven llevó a cabo múltiples investigaciones, algunas junto al filólogo e historiador Ramón Menéndez Pidal. El trabajo que hicieron los musicólogos alrededor del romancero, la lírica y la música tradicional española en los primeros veinte años del siglo XX marcaron mucho al poeta granadino, que durante sus viajes por España realizó trabajos de campo en los que se empapó de repertorios locales. Le interesaban los romances, las canciones tradicionales, los cuentos y hasta el repertorio musical de los títeres. Él mismo se lo contó, en 1918, al poeta Adriano del Valle: "Me dedico ahora a recopilar la espléndida polifonía interior de la música popular granadina". De hecho, cuando publicó su primera obra, la mencionada Impresiones y paisajes editada ese mismo año, anunció que estaba preparando Tonadas de la Vega (Cancionero popular).

Mucho tiempo después, en 1933, un artículo en Blanco y Negro aseguraba que Lorca iba a grabar un documental sobre música, un proyecto que nunca se llegó a realizar. Y no fue porque desapareciera su condición de melómano, pues se consideraba a sí mismo "el loquito de las canciones". Palabras recogidas por el filólogo y crítico literario Federico De Onís, que destacó el valor de sus interpretaciones porque "porque poseía un mínimum de técnica musical y un máximum de genialidad artística y de comprensión de la música popular que interpretaba".
Registros sonoros
Por fortuna, la relación de Lorca con la música no se quedó solo en reflexiones y estudios. Además de impulsar en 1922, junto a su buen amigo Manuel de Falla, el Concurso de Cante Jondo en Granada (y proyectar con él una ópera cómica, Lola, la comedianta, que se quedó en esbozo), Lorca registró un disco titulado Canciones populares españolas junto a La Argentinita, editado por el sello La Voz de Su Amo en 1931. Un trabajo que fue radiado y que supuso el punto de partida de algunas de sus representaciones teatrales, donde la música adquiría el papel de cierre de fiesta.

Junto con Granada, las Canciones populares españolas son los únicos testimonios en partitura, registrados en la Sociedad de Autores, que existen de Lorca. Lo primero fue una composición propia, y el disco conjunto con La Argentinita, en cuya portada aparece el poeta sentado al piano, es una armonización de melodías que se preocupó en recopilar. Es el caso de "Zorongo gitano", "Sevillanas del siglo XVIII", "Los cuatro muleros", "Nana de Sevilla", "Romance Pascual de los Peregrinitos", "En el Café de Chinitas", "Las morillas de Jaén", "Romance de los moros de Monleón", "Las tres hojas", "Sones de Asturias", "Aires de Castilla" y "Anda jaleo", una compilación que sonó en radios de España y Latinoamérica, que difundieron su obra en muchos lugares. Como recoge De la Ossa en su libro, la gran mayoría de las más populares procedían de Granada, como "Los cuatro muleros", "Si tu madre quiere ser rey", "Los peregrinos", "La Tarara", "Las tres hojas" o "En el café de Chinitas". No es de extrañar, pues todas procedían de la tradición popular de su tierra y muchas de ellas las aprendió de niño. Salió en su busca por las Alpujarras, por el Albaicín y por las cuevas del Sacromonte, entre otros muchos rincones granadinos. Pero su repertorio también incluyó canciones de ciudades lejanas, como "El tío Babú", de Zamora, la asturiana "Pastor que estás en el monte", la segoviana "Las agachadas", el romance salmantino "La Clara", etc.

La Argentinita, nombre artístico de la bailaora y cantante Encarnación López Júlvez, cantó y tocó las castañuelas en los cinco discos en los que Lorca tocó el piano. La idea de esta asociación entre ambos partió del torero, dramaturgo y productor Ignacio Sánchez Mejías. Con estas canciones quiso el poeta reivindicar esa obra que estudió durante tantos años. "Ya podemos callarnos todos los que escribimos y pensamos poesía ante esa magnífica poesía que han hecho los campesinos", dijo entonces ( García Lorca, Obras completas III).

Gracias a aquellas grabaciones, y a las posteriores giras de La Argentinita, muchas de aquellas canciones tradicionales, condenadas a su extinción, se convirtieron en clásicos populares. Ocurrió también con el segundo disco que ambos editaron, aplaudido por la crítica de la época tanto por la selección como por la forma de abordarlo. E ran canciones de tremenda belleza, interpretadas con gracia, arregladas con sencillez para mantener el estilo popular. Un legado que, muchos años después, ha acabado en manos de otros tantos músicos que se han acercado a Lorca, bien a través de esos cantos populares o musicando algunos de sus inmortales poemas. De ahí que, en el número 38 de Cuadernos Efe Eme, rastreemos la huella lorquiana en la discografía de incontables músicos, desde Enrique Morente hasta Ana Belén pasando por Leonard Cohen, Pasión Vega, Amancio Prada, Sílvia Pérez Cruz, Camarón de la Isla, Manzanita o Miguel Poveda, entre otros tantos.

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Su huella en canciones contemporáneas es innumerable, y no es casual, pues el primer amor de Lorca fue la música, como demostró en su obra, sus investigaciones y en el disco que grabó con La Argentinita. Por Arancha Moreno.

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Significado: residencia de estudiantes.

https://www.esmadrid.com/informacion-turistica/residencia-de-estudiantes#

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100% Residencia. Una tradición recuperada (9 minutos. English Subtitles)

La Residencia de Estudiantes, desde su fundación en 1910 por la Junta para Ampliación de Estudios hasta 1936, fue el primer centro cultural de España y una de las experiencias más vivas y fructíferas de creación e intercambio científico y artístico de la Europa de entreguerras. En 1915 se traslada a su sede definitiva en la madrileña Colina de los Chopos. Durante toda esta primera etapa su director fue Alberto Jiménez Fraud, que hizo de ella una casa abierta a la creación, el pensamiento y el diálogo interdisciplinar. Tanto la Junta como la Residencia eran producto de las ideas renovadoras de la Institución Libre de Enseñanza, fundada en 1876 por Francisco Giner de los Ríos.

La Residencia se proponía complementar la enseñanza universitaria mediante la creación de un ambiente intelectual y de convivencia adecuado para los estudiantes. Características distintivas de la Residencia fueron propiciar un diálogo permanente entre ciencias y artes y actuar como centro de recepción de las vanguardias internacionales. Ello hizo de la Residencia un foco de difusión de la modernidad en España, y de entre los residentes surgieron muchas de las figuras más destacadas de la cultura española del siglo XX, como el poeta Federico García Lorca, el pintor Salvador Dalí, el cineasta Luis Buñuel y el científico Severo Ochoa. A ella acudían como visitantes asiduos o como residentes durante sus estancias en Madrid Miguel de Unamuno, Alfonso Reyes, Manuel de Falla, Juan Ramón Jiménez, José Ortega y Gasset, Pedro Salinas, Blas Cabrera, Eugenio d'Ors o Rafael Alberti, entre muchos otros.

La Residencia fue además foro de debate y difusión de la vida intelectual de la Europa de entreguerras, presentada directamente por sus protagonistas. Entre las personalidades que acudieron a sus salones figuran Albert Einstein, Paul Valéry, Marie Curie, Igor Stravinsky, John M. Keynes, Alexander Calder, Walter Gropius, Henri Bergson y Le Corbusier, entre muchos otros. A menudo, estas personalidades fueron invitadas por dos asociaciones privadas que colaboraron activamente con la Residencia y unieron su labor a un amplio sector de la sociedad civil: la Sociedad de Cursos y Conferencias y el Comité Hispano-Inglés.

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Residencia de Estudiantes - Historia de la Residencia

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Sifnificado: Tiempo

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En la parte occidental de la comarca de la Vega de Granada, la población granadina de Fuente Vaqueros vio nacer el 5 de junio de 1898 a uno de los poetas más brillantes de la historia de España: Federico García Lorca. El autor español más celebrado del siglo XX, símbolo de todos los desaparecidos en la Guerra Civil española y cuyos restos, más de 80 años después de su muerte, aún permanecen en una fosa común.

Matriculado en la Universidad de Granada en 1914, el joven Lorca estudió las carreras de Filosofía y Letras y Derecho, y fue en esta época cuando se unió, junto con otros jóvenes intelectuales, a un centro de tertulias -cuna de ilustres personajes, algunos de ellos ya destacados artistas y otros que llegarían a ser reconocidos en distintas disciplinas como la poesía, la literatura, el periodismo, las artes, la política o la música- llamado El Rinconcillo. Los viajes por diferentes regiones de España con sus compañeros de estudios despertaron en Lorca la vocación de escritor, y de ellos surgió su primer libro en prosa titulado Impresiones y Paisajes, publicado en 1918.

Primeras obras de Lorca

La Residencia de Estudiantes de Madrid, a la cual se trasladó en 1919, era en aquel entonces un hervidero intelectual. Por ella pasaron figuras de la talla de Albert Einstein, John Maynard Keynes o madame Curie, personajes que influyeron enormemente en la formación intelectual de Lorca. Según palabras de su amigo Adolfo Salazar, conocer a Luis Buñuel, Rafael Alberti o Salvador Dalí supuso para Federico huir del tedio intelectual que tanto odiaba.

Por la Residencia de Estudiantes de Madrid pasaron figuras de la talla de Einstein, Keynes o Madame Curie, que influyeron enormemente en Lorca

En 1921, Lorca publicó Libro de poemas y estrenó su primera obra teatral, El maleficio de la mariposa. En mayo de ese año, regresó a Granada donde conoció al famoso compositor Manuel de Falla, con quien emprendió varios proyectos en torno a la música y el cante jondo. El día de Reyes de 1923, Falla interpretó una adaptación lorquiana de un cuento andaluz atribuido a Cervantes llamado La niña que riega la albahaca y el príncipe preguntón así como El Misterio de los Reyes Magos, un auto sacramental del siglo XIII.

García Lorca y Salvador Dalí

Su gran amistad con el pintor Salvador Dalí le llevó a Cadaqués en 1925 y en 1927. Estas estancias marcarían profundamente la vida de ambos, como se aprecia en la obra Oda a Salvador Dalí, publicada por Lorca en 1926. Dalí consiguió incluso que Lorca se iniciara en la pintura y presentase su primera exposición en la Sala Dalmau de Barcelona en 1927.

Las dos estancias que Lorca pasó en Cadaqués junto a Dalí, en 1925 y 1927, influyeron enormemente en la vida de ambos

Lorca obtuvo un gran éxito con su obra Canciones, pero la publicación de su obra Primer romancero gitano provocó en Lorca una crisis muy profunda. Se le tachó de costumbrista y defensor de los gitanos, recibiendo duras críticas incluso por parte de sus amigos Buñuel y Dalí. A este hecho se añadió su ruptura con Emilio Aladrén, un escultor con el que Lorca había mantenido una intensa relación afectiva.

Un poeta en Nueva York

Para dar un giro a su vida y cambiar de aires, Lorca se embarcó en el Olympic rumbo a Nueva York, donde llegó en 1930. Describió la ciudad como un lugar "de alambre y muerte", y se vio sorprendido por la economía capitalista y el trato dado a los afroamericanos. Sus experiencias le llevaron a escribir Poeta en Nueva York, donde buscó expresar "la esclavitud dolorosa del hombre y la máquina juntos". Esta obra no se publicaría hasta cuatro años después de su muerte.

En 1931, Lorca escribió Bodas de Sangre, la primera parte de una trilogía. Una tragedia en verso y prosa inspirada en un crimen real que tuvo lugar en 1928 en la localidad de Níjar, en la provincia de Almería. En 1934 escribió Yerma, la segunda parte de la trilogía. Lorca nunca llegó a escribir la tercera y última parte a pesar de que, según decía, ya tenía el título en mente.

Regreso a España y muerte

Tras una estancia en Buenos Aires, Lorca regresó a España en 1934, donde la situación política era insostenible y se respiraba un clima prebélico que hacía presagiar el estallido de una guerra civil. Mientas el mundo entero admiraba a Lorca como "el Homero español", las críticas hacia él se recrudecieron en el contexto de tensión previo al conflicto, y aunque se resistió a la presión de sus amigos para afiliarse al Partido Comunista, sufrió las arremetidas de los conservadores por su amistad con personalidades abiertamente socialistas como la actriz Margarita Xirgu. La popularidad de García Lorca y sus numerosas declaraciones contra las injusticias sociales le convirtieron en un personaje incómodo para la derecha.

Para saber más

A pesar de la protección que le ofrecieron México y Colombia, Lorca prefirió volver a Granada con su familia ya que la situación en Madrid era cada vez peor, e incluso sopesó la posibilidad de encontrar refugio en la zona republicana o en casa de su amigo Manuel de Falla. Finalmente, el poeta decidió refugiarse en casa de los padres de su amigo Luis Rosales, donde el 16 de agosto de 1936 fue detenido por Ramón Ruiz Alonso, un ex diputado de la CEDA (Confederación Española de Derechas Autónomas).

Lorca se refugió en casa de los padres de su amigo Luis Rosales, y allí fue detenido el 16 de agosto de 1936

Lorca era consciente de la terrible situación en la que se encontraba. El poeta fue trasladado a la localidad de Víznar y dos días después, en la madrugada del 18 de agosto de 1936, fue fusilado en el barranco de Víznar, a pocos kilómetros de la capital granadina, en la conocida como "carretera de la muerte". Su cuerpo, que jamás se recuperó, descansa en una fosa común anónima, posiblemente cerca del mismo lugar de su muerte.

Investigaciones realizadas en 2006 parecen indicar que en la muerte de García Lorca estarían directamente implicadas las familias Roldán y Alba, enfrentadas con el padre del poeta por viejas rencillas relacionadas con el reparto de unas tierras compradas a medias. Aprovechando el golpe militar y la publicación, en la primavera de 1936, de La Casa de Bernarda Alba, un libro donde Lorca hace una crítica ácida y feroz de estas familias, fue cuando, al parecer, estas decidieron ajustar cuentas con el poeta.

Para saber más

La verdad sobre el asesinato de García Lorca. Miguel Caballero y Pilar Góngora. Ibersaf Ed. Madrid, 2007.

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Federico García Lorca, el poeta brillante que perdió España

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El 5 de junio de 1898 nació en Fuente Vaqueros, Granada, Federico García Lorca.

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Significado: Relación con la naturaleza.

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La presencia de la naturaleza en la obra de García Lorca

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La presencia de la naturaleza en la obra de García Lorca

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Cuando nace y cuando muere

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Federico García Lorca (Fuentevaqueros, 5 de junio de 1898 - camino Víznar a Alfacar, 1936). Poeta y dramaturgo español, adscrito a la generación del 27.

Desde pequeño entra en contacto con las artes a través de la música y el dibujo. En 1915 comienza a estudiar Filosofía y Letras, así como Derecho, en la Universidad de Granada. Forma parte de El Rinconcillo, centro de reunión de los artistas granadinos donde conoce a Manuel de Falla. Entre 1916 y 1917 realiza una serie de viajes por España con sus compañeros de estudios, conociendo a Antonio Machado y que inspiran su primer libro Impresiones y paisajes (1918). En 1919 se traslada a Madrid y se instala en la Residencia de Estudiantes, coincidiendo con numerosos literatos e intelectuales. Allí, empieza a florecer su actividad literaria con la publicación de obras como Libro de poemas (1921) o El maleficio de la mariposa (1920).

Junto a un grupo de intelectuales granadinos funda en 1928 la revista Gallo, de la que sólo salen 2 ejemplares. En 1929 viaja a Nueva York, plasmando este viaje en Poeta en Nueva York, que se publicaría ya fallecido el autor en 1940. Dos años después funda el grupo teatral universitario La Barraca, para acercar el teatro al pueblo mediante obras del Siglo de Oro.

Otro viaje a Buenos Aires en 1933 hace crecer más su popularidad con el estreno de Bodas de Sangre y a su vuelta a España un año después sigue publicando diversas obras como Yerma o La casa de Bernarda Alba (1936) hasta que en 1936, en su regreso a Granada es detenido y fusilado por sus ideas liberales.

Escribe tanto poesía como teatro, si bien en los últimos años se vuelca más en este último, participando no sólo en su creación sino también en la escenificación y el montaje. En sus primeros libros de poesía se muestra más bien modernista, siguiendo la estela de Antonio Machado, Rubén Darío y Salvador Rueda. En una segunda etapa aúna el Modernismo con la Vanguardia, partiendo de una base tradicional.

En cuanto a su labor teatral, Lorca emplea rasgos líricos, míticos y simbólicos, y recurre tanto a la canción popular como a la desmesura calderoniana o al teatro de títeres. En su teatro lo visual es tan importante como lo lingüístico, y predomina siempre el dramatismo.

En la actualidad Federico García Lorca es el poeta español más leído de todos los tiempos y el 11 de noviembre de 2008 la Biblioteca del Instituto Cervantes de Tokio es inaugurada con el nombre de Federico García Lorca.

Fecha de actualización: 27 de marzo de 2019

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Instituto Cervantes. Aprender español. Enseñar español. Exámenes y diplomas de español. Cultura española e hispanoamericana. Todo sobre el español en España y en el mundo.

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significado:
García Lorca se sintió atraído por el desfile procesional que tenía lugar en Semana Santa en la Alhambra.

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UNIVERSO LORCA Federico García Lorca es uno de los genios de la literatura del siglo XX. Granada es Lorca, y Lorca es Granada. La vida hecha tierra; la tierra hecha obra; y la literatura convertida en una suma de sentimientos, biografía y emociones. Aquí está el poeta y sus paisajes: Cientos de pág…

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significado: cartas manuscritas

https://baezaliteraria.blogspot.com/2020/02/sobre-una-carta-de-garcia-lorca-reposo.html

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Manuscritos de algunas obras de Federico García Lorca - Federico García Lorca

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Imágenes de páginas manuscritas de algunas obras de Federico García Lorca

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Significado: Institución libre de la enseñanza

http://www.residencia.csic.es/pres/historia.htm

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Después de entrar en contacto con Julián Sanz del Río, Francisco Giner de los Ríos se convierte en uno de los máximos exponentes del krausismo -una doctrina basada en la tolerancia académica y la libertad de cátedra frente al dogmatismo- en España junto a a Nicolás Salmerón, Segismundo Moret, Gumersindo de Azcárate y Rafael María de Labra. Esta escuela de pensamiento fue vital dentro del movimiento liberal, que defendía una idea de estado basado en la educación. Giner de los Ríos ejerció como catedrático durante el gobierno de la I República, aunque tuvo que dejar su plaza cuando se produjo la restauración borbónica. Con la llegada al poder de Sagasta, la situación se volvió favorable para que Francisco Giner de los Ríos pudiese llevar a cabo su gran proyecto, la Institución Libre de Enseñanza.

¿Qué era la Institución Libre de Enseñanza?

La Institución Libre de Enseñanza estuvo en funcionamiento cincuenta años, desde 1876 hasta 1936, cuando estalló la guerra civil en España. La ILE fue fundamental para impulsar el Museo Pedagógico Nacional y la Junta para la Ampliación de Estudios. Aunque en sus inicios orientó sus esfuerzos hacia la educación universitaria, con el tiempo también abarcó la primaria y la secundaria. La muerte de Giner de los Ríos en 1915 no paró la actividad de la ILE, que continuó introduciendo en España las ideas más modernas y adelantadas en los campos de la ciencia y la cultura. En los años siguientes a su fallecimiento, y durante la II República, se realizaron becas para estudios en el extranjero, las colonias escolares de vacaciones, la Universidad Internacional de Verano y las misiones pedagógicas. El franquismo acabó con la Institución Libre de Enseñanza y confiscó sus bienes, pero eso no impidió que su labor continuase en el exilio. Con la democracia, la fundación Giner de los Ríos continuó con la divulgación de su importante legado.

Otras efemérides históricas del 10 de octubre

El 10 de octubre de 680 tuvo lugar la Batalla de Kerbala, en la cual murió el nieto de Mahoma, Huseín bin Alí.

El 10 de octubre del 732 las tropas de los francos, liderados por Carlos Martel, derrotaron en Tours, cerca de Poitiers, al ejército musulmán, que había entrado en Europa por la Península Ibérica 20 años antes.

El 10 de octubre de 1868 Manuel de Céspedes inició en Cuba el proceso de independencia de España.

El 10 de octubre de 1970 el grupo terrorista FLQ secuestra al viceprimer ministro canadiense, Pierre Laporte, en Montreal.

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Francisco Giner de los Ríos, el fundador de la Institución libre de enseñanza - Zenda

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¿Quién fue Francisco Giner de los Ríos? Después de entrar en contacto con Julián Sanz del Río, Francisco Giner de los Ríos se convierte en uno de los

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SIGNIFICADO:FEDERICO GARCIA LORCAY SU RELACCION CON LA PINTURA

https://literariamentegrafologico.blogspot.com/2011/05/lorca-traves-de-sus-dibujos.html

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La faceta pictórica de Federico García Lorca - La Cámara del Arte

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Breve recorrido por la La faceta pictórica de Federico García Lorca, la parte más desconocido del poeta y dramaturgo español.

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Significado: Federico García Lorca y Salvador de Dalí

https://www.publico.es/culturas/dali-lorca-tu-borrasca-cristiana.html

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¿Qué es la amistad? Sino un acto de amor que se nutre del primer elemento vital del mismo: La elección. El compartir el tiempo -ese mismo que se nos escurre sin saber cuánto nos queda- resulta la mayor muestra de devoción entre pares. ¿Qué es la amistad, entonces? Si no es el respeto mutuo por el existir del otro, y encontrar la felicidad propia en la de los demás. Como Sam y Frodo, como Thelma y Lousie e igual que R2-D2 y C-3PO, la cultura de las historias reales también nos planteó grandes amores entre seres, tal como sucedió entre Salvador Dalí y Federico García Lorca.

Al hacer archivo sobre estos artistas españoles y la relación que los unió, sobrevuela un halo de misterio compuesto de admiración y fraternidad. Jamás llegará a saberse lo que pasó realmente entre ambos jóvenes, pero sí hay algunas certezas: Se sabe que se conocieron en 1923, en la célebre Residencia de Estudiantes de Madrid. Dalí tenía 19 años de edad, y Lorca 25. Entre ellos se estableció inmediatamente un vínculo afectivo e intelectual que enriqueció sus respectivas obras. Se conocieron en su época de formación, cuando uno es una esponja, y esa amistad fue definitoria para ambos.

Este vínculo que surgió como una amistad, y derivó en un amor platónico cargado de admiración y respeto, fue la fuente de inspiración de películas y obras de teatro. Incluso sin saber con exactitud la profundidad de la intimidad. Concretamente el teatro argentino le ha dedicado cinco títulos a esta relación. Y hoy se estrena uno nuevo: Lorca/Dalí, de Martín Barreiro, en El Convento, con las actuaciones de Luciano Crispi y Jonathan Di Costanzo.

De García Lorca se conoce su declarada homosexualidad, uno de los motivos por los que fue asesinado en su Granada natal, en 1936. Se dice que también era un ser tímido, al contrario que Dalí, un hombre extravagante y con excesivo amor propio. Además, de Salvador -quien se casó con Gala Eluard en 1932, y con la que convivió muchos años hasta su muerte- se ha dicho que era un voyeur y que su sexualidad era "poco ortodoxa". Lo cierto es que no hay registro cabal de lo que ocurrió en su intimidad, y no es necesario que exista, así la mística hará el resto.

Por aquel entonces, Lorca empezaba su relación con el mundo de las artes plásticas y del teatro. Dalí, por otra parte, había leído por influencia familiar noticias detalladas sobre la revolución que sucedía en París en esos momentos en el terreno de las artes. Ninguno de los dos pasará desapercibido en la Institución. Dalí, de hecho, será expulsado por su conducta, por segunda vez, y ésta ya definitiva, en 1926.

En los años inmediatamente posteriores Lorca lo visitará en Cataluña y luego se carteará con él, aunque cada vez de forma más esporádica. Sus estéticas, cuando se trataron, eran bien distintas, pero dadas sus personalidades poderosas y su cercanía emocional es evidente que se influyeron mutuamente.

La correspondencia que se conserva entre García Lorca y Dalí, recogida de forma exclusiva en Querido Salvador, Querido Lorquito epistolario 1925-1936, con edición de Víctor Fernández, es una de las herramientas más útiles que tenemos para considerar su amistad. De esta correspondencia se desprende que Lorca quiso seducir y deslumbrar al pintor, mientras que Dalí buscaba resultar brillante, como para estar a la altura de quien consideraba "el único genio de su tiempo". La correspondencia, ordenada por orden cronológico y que comprende siete cartas de Lorca a Dalí y cuarenta del pintor al poeta, es a ojos del periodista: "un juego de seducción" entre ambos genios.

"Lorca da lo mejor de sí mismo, tratando de encandilar con su palabra a un Dalí que quiere estar a la altura intelectual del poeta. Uno intenta atrapar al artista en su telaraña; el otro deja hacer hasta cierto punto", escribió Fernández. El coqueteo entre ambos llega a puntos mágicos, como las palabras que dedica Dalí a Lorca: "Tú eres una borrasca cristiana y necesitas de mi paganismo (...) Yo iré a buscarte para hacerte una cara de mar. Será invierno y encenderemos lumbre. Las pobres bestias estarán ateridas. Tú te acordarás que eres inventor y viviremos juntos con una máquina de retratar".

Federico García Lorca dedicó al pintor un poema magnífico, la "Oda a Salvador Dalí", y éste pintó el cuadro "Sant Sebastià", dedicado al poeta. Ambos planearon en 1925, además, colaborar en el "Cuaderno de los Putrefactos", un libro inconcluso, en el que dibujos de personajes grotescos de Salvador se acompañan por textos de Federico.

La de estos astros artísticos del siglo XX fue una relación que el propio Salvador Dalí definió como "un amor erótico y trágico, por el hecho de no poderlo compartir" en una carta publicada en el diario El País, en 1986, dirigida al historiador Ian Gibson, a quien acusaba de tratar su relación con Lorca como si fuera "una azucarada novela rosa".

Para 1927 el vínculo atravesaba su época dorada. Lorca estrenó la exitosa obra "Mariana Pineda" en el Teatro Goya de Barcelona, con los decorados de Dalí y avanzaba con relativa facilidad en la escritura de "El Romancero gitano", que salió a la luz en 1928. Pero, por encima de todo, 1927 es el momento de la segunda y trascendental estancia en Cadaqués -residencia veraniega de los Dalí-, momento en el cual Lorca se propuso mantener relaciones sexuales con Salvador, que se negó. "No era la primera vez que el poeta lo intentaba", escribió también Fernández. El propio Dalí habló de esta situación: "Federico, como todo el mundo sabe, estaba muy enamorado de mí, y probó a darme por el culo dos veces, pero como yo no soy maricón y me hacía un daño terrible, pues lo cancelé en seguida y se quedó en una cosa puramente platónica y en admiración".

Tras esta etapa dorada, en septiembre de 1928 se inició un distanciamiento entre ambos. El reencuentro, sin embargo, tuvo que esperar hasta 1935 en Barcelona. Durante su estancia en la ciudad condal, Lorca concedió diversas entrevistas. En una de ellas afirmó: "Somos dos espíritus gemelos. Aquí está la prueba, siete años sin vernos y hemos coincidido en todo como si hubiésemos estado hablando diariamente. Genial, genial Salvador Dalí". En este reencuentro, llegaron a pensar en colaborar en una ópera o viajar por Europa. Sin embargo, la fatalidad se interpuso en los planes de los amigos, y las balas asesinas del bando franquista acabaron con la vida del poeta.

Después de la muerte trágica de Federico, Dalí pintó "El enigma sin fin", donde aparece su retrato, y décadas más tarde creó "Torero alucinógeno", otra pintura realizada en memoria de Lorca. En la agonía de Salvador Dalí, negándose a comer y alcanzando a duras penas los 34 kilos de peso, la enfermera que lo cuidó aseguró que la única frase inteligible que escuchó salir de los labios del pintor fue: "Mi amigo Lorca". A Salvador lo acompañó toda su vida la sensación de haber podido evitar el fusilamiento del poeta. No se sabe cómo ni cuándo Dalí se enteró del crimen cometido contra su amigo, sí se sabe, porque así se encargó de difundirlo el propio pintor surrealista, que su reacción al conocer el asesinato fue la exclamación "¡Olé!". Con ese único sonido trató de equiparar la vida de Lorca con una corrida de toros, teniendo ese último episodio el valor del último gesto del poeta en la arena de la plaza.
El impacto de su historia como inspiración
De la obra de ambos se desprende una pasión absoluta en busca de nuevos horizontes artísticos y culturales; efectivamente, llegaron a cambiar el arte de su tiempo y de su país, de forma impactante y duradera. A tal punto, que su legado rompió todo tipo de barrera temporal y geográfica y desencadenó un sinfín de hechos artísticos en su honor.

Un repaso teatral histórico rápido nos trae obras como Lorca - Dalí, la otra mitad, de Daniel Bello, con dirección de Sandra Bartolomeo, estrenada en 2012; en 2013 se estrenó Los cuatro días de Lorca, un musical de Mariano Taccagni, con dirección de Rocío Rodríguez Conway; también el mismo año debutó Dalí y Lorca, diario de un viaje imposible, de Rolo Sosiuk, con dirección de Carlos Rapolla. En 2015 se estrenó Cuando caen los ángeles, el infierno de Dalí y Lorca, de Rolo Sosiuk, con dirección de Sebastián Terragni, y con el enfoque puesto en las mujeres que habitaron la historia de los artistas españoles. En 2020 se estrenó Lorca, obra con producción ejecutiva en la Argentina de Guillermo Ghio, dramatizada y musicalizada por Joel Minguet.

Ya en nuestra nueva normalidad, este amor de antaño desencadenó la producción de Lorca/Dalí, una obra teatral dirigida por Martín Barreiro, y protagonizada por Luciano Crispi y Jonathan Di Costanzo, estrenada el pasado 19 de noviembre.

"La amistad es un modo de vínculo que aún sigo redescubriendo, mucho más amplio de lo que creía -reflexionó Luciano Crispi-, me refiero a que cada vez lo percibo de manera más abierta, responsable y comprometida. Cuando una persona se alegra con mis alegrías, y esa conexión es correspondida, siento que estoy en una relación de amistad. Para mí, es un gran ejercicio de empatía y honestidad; una manifestación más del amor. Y estoy reviendo cuáles son sus posibles límites... si es que los tiene".

Por su parte, su compañero Jonathan Di Costanzo agrega: "Para todo ser humano el amor y la amistad son pilares fundamentales para atravesar momentos vulnerables y delicados. Así como también momentos alegres y emotivos".

A lo largo de los años hay amistades que perduran y otras que se desvanecen, pero la amistad nunca falta y es importante en las distintas etapas de nuestras vidas".

Lorca/Dalí parte de esa premisa, e imagina el devenir de una pasión profunda y de una amistad inquebrantable. Por aquel entonces eran tiempos de cambios radicales en una España turbulenta. Imaginar y trazar el derrotero del amor de dos hombres ya no nos asombra, pero sí nos conmueve esa profunda admiración que se profesaban, que modificó hasta la forma de expresar su arte; arte considerado como genial en ambos casos.

"Inicialmente, podemos definir el vínculo entre Lorca y Dalí como una amistad. Por lo que pudimos investigar junto al director, Martín Barreiro, inferimos que fue así. La vida de uno de ellos se interrumpió trágicamente y la del otro continuó vertiginosamente. Tenemos a disposición fotografías, poemas, algunas cartas y entrevistas a Salvador. Pienso que ese vínculo comienza y termina como una amistad motorizada por la admiración mutua y una gran necesidad de búsqueda creativa. No hay certezas de que hayan intimado corporalmente, sí suposiciones. Pero justamente eso no debiera definir la amistad. Creo que cuando elegimos a una persona para compartir parte de la vida, hay un amor que decidimos llamar amistad. El erotismo, la atracción, el coqueteo, y el posible encuentro sexual no son determinantes entonces. Siento que el paradigma vincular en el que nos relacionamos actualmente está cambiando, y en la Historia siempre hubo 'adelantados', quizás ellos lo hayan sido", agregó Crispi.

Las cartas que sustentan la obra, poseen un nivel de confianza profundo entre Lorca y Dalí. La familiaridad evidente se trasladó también al trabajo actoral de Crispi y Di Costanzo. "El mayor acto de intimidad entre dos seres es compartir las vulnerabilidades -plantea Crispi-, encontrarse en la libertad de abrir nuestros miedos, confusiones, y deseos más guardados. Aquello que, si lo simbolizamos en el sexo, no es el acto en sí, sino esa conversación con la luz apagada. La desnudez testigo de esas palabras que apenas podemos murmurar".

Por su parte, Di Costanzo agrega: "Para mí, lo más íntimo de una amistad son los secretos contados y los secretos guardados. La confidencialidad, el apoyo y la complicidad entre ambas personas. Por supuesto, contando como base fundamental la confianza".

Desde una concepción dramatúrgica que nos lleva de manera aleatoria a distintas épocas de la relación entre el poeta y el pintor, la obra dirigida por Barreiro plantea un viaje a un tiempo glorioso, lleno de luces y genios, pero también, poblado de sombras, excesos y una crueldad desatada en un país que se escinde. La puesta juega con esencias surrealistas, una teatralidad constante y una marcada poética. Lorca/Dalí es el amor que desafía y resiste, que trasciende la intolerancia, los prejuicios y a la misma muerte.

Componer los personajes fue un proceso intenso de producción actoral por parte de los artistas argentinos. "Decir que interpretar a Dalí es un desafío suena a cliché -afirma Crispi- es una experiencia que me obliga a encontrar un modo de ser, inspirado en el personaje real. La obra es un texto original con posibles fantasías de situaciones de las que se sabe poco. Basarme en el Salvador original como punto de partida, investigar sus modos, para por fin llegar a desarrollar una personalidad ficcional. La idea es que sea afín al catalán, pero yo hago un personaje dentro de una obra de teatro. Entonces ese desafío que te decía, es lograr que el público 'olvide' al emblemático pintor y no requiera la comparación".

"En este proceso creativo descubrí su pragmatismo, sus silencios y su ambigüedad en cuanto a los prejuicios. Durante su vida transitó diversas opiniones y búsquedas. Sus silencios como halos de misterio y lo que posiblemente oculten, esa mirada de fuego que decía sin nombrar. Y cómo una persona puede ser tan desprejuiciada en algunos aspectos y estar sujeta a ideas u opresiones culturales al mismo tiempo", concluye Crispi.

En esa línea, Di Costanzo sostiene: "Para mí como actor la oportunidad de interpretar a Federico García Lorca es un privilegio, por lo que él representa como persona y artista, sobre todo para el ámbito teatral. Decir Lorca es decir teatro. Así como lo mismo sucede con Shakespeare y Moliere. Uno como artista siempre busca nuevos y grandes desafíos, y este es uno de ellos. En este proceso descubrí por sobre todo su pasión, su lucha, su entrega que son admirables y motivadoras. Sus obras y su vida son inspiradoras".

"En Lorca/Dalí, los espectadores se van a encontrar con la relación entre dos hombres que está basada en las cartas que ambos mantuvieron durante sus vidas. Todo el que leyó alguna vez Lorca se habrá encontrado con la belleza en sus trabajos, con la melodía de sus poesías, con la sensibilidad en sus obras. La emoción nunca puede faltar cuando mencionamos su persona", finaliza Di Costanzo.

Las funciones pueden disfrutase los viernes, a las 21, en el teatro El Convento, ubicado en Reconquista 269, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Y así entonces, una vez más el amor de Lorca y Dalí revivirá y se hará carne entre los espectadores, y vaya uno a saber hasta dónde llegará esa energía sin freno... ¿O acaso, no es eso también la amistad?

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La relación de Dalí y García Lorca, un tópico que siempre vuelve

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Las artes escénicas abordaron este viejo vínculo tomando como eje las cartas del poeta al pintor; hoy se estrena una obra de Martín Barreiro, que explora desde otro ángulo esta historia trágica y romántica - LA NACION

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Significado: Su Pueblo

https://www.universolorca.com/lugar/museo-casa-natal-en-fuente-vaqueros/

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Una cortina de yute. Eso es lo primero que se ve y se lee en La casa de Bernarda Alba. Ni a la señora de negro, ni a las hijas destruidas, ni a las criadas. Una cortina de yute, no una sábana ligera, ni un adorno de ganchillo blanco, crudo o hueso sobre la mesa camilla ni una cortinilla gruesa, quizás de esparto, cáñamo o lino, de las que evitan que se cuelen bocanadas de calor o los mosquitos. Una cortina de yute, textura exótica que Federico García Lorca coronó de "madroños y volantes" para darle un aire andaluz que viene a confirmar que nada de lo que intuyó fue solamente local.

Tampoco Asquerosa, el pueblo en el que se inspiró para contar esa historia y donde vivió de chiquito. Allí compró su padre, con el dinero heredado tras quedar viudo de su primera esposa, el cortijo de Daimuz y una casita en el centro, a la que se mudó desde Fuente Vaqueros con su segunda mujer, Vicenta Lorca, cuando Federico tenía alrededor de ocho años.

Fue allí donde el poeta conoció a Frasquita, la vecina en la que se basó para crear a Bernarda, eficiente castradora de alegrías, no solo de sus hijas. Pero decir eso es decir poco, pues Bernarda es, como Asquerosa, un recipiente: no hay que ver en ella a una mujer, sino a todas las bernardas y bernardos que conoció Federico, a esas alturas ya de vuelta por el mundo. Bernarda es un rosario, un destilado, de todos los tipos de estrechez de miras, un rasgo inabarcable para quien como él las tenía anchas. "Está lleno de malicia y de mala voluntad", le dijo a su hermano sobre ese enclave, que a la vez consideraba el más bonito de la vega granadina. Un decorado perfecto para la mezquindad, un lugar en el que todos se saludan sin falta a cualquier hora del día, la misma frecuencia con la que se juzgan y se condenan.

Federico podría haber usado el nombre de Asquerosa para ubicar a Bernarda, pero prefirió una casa, espacio aún más reducido que una pedanía, perfecto para la asfixia, y tan protagonista, que está en el título. Pero es que a él tampoco él le gustaba ese nombre y por eso, en el remite de sus cartas enviadas desde allí, ponía "Apeadero de San Pascual, Pinos Puente", el pueblo del que dependía Asquerosa.

Que el nombre no le hacía justicia a un entorno tan hermoso también lo pensaba el pueblo en su conjunto, por eso pidieron cambiarlo por primera vez en 1930. Así consta en las actas de la Real Sociedad Geográfica en las que se recoge la petición para rebautizar a Asquerosa como María Cristina, por la madre de Alfonso XIII, entonces rey de España. La Sociedad designó un comité para analizar la propuesta, redactó un documento y lo firmó el secretario, José María Torroja, tío abuelo de la cantante Ana Torroja, quien trazó con esa firma un hilo histórico y burocrático entre el mejor de los poetas españoles y las rimas consonantes de Mecano.

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Asquerosa, el pueblo en el que Federico García Lorca vivió y creó a Bernarda Alba

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El 15 de agosto de 1943 esta localidad de la vega de Granada pasó a llamarse Valderrubio. Al poeta tampoco le gustaba el nombre original, pero no conoció el nuevo porque lo asesinaron siete años antes.

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Significado: Federico García Lorca

https://mason.gmu.edu/~rberroa/lorcacharlasobreteatro.htm

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Sin duda, uno de los autores españoles más conocidos a nivel mundial es el granadino Federico García Lorca. De él caben destacar muchas cosas, fue un poeta y dramaturgo innovador que, de haber podido seguir con su labor, su genio hubiera sido más grande aún si cabe.

Conozcamos más sobre su obra...

Las características del teatro de Federico García Lorca

Sus influencias son muchas y muy variadas, creció en un ambiente cultural donde su madre, maestra de escuela, fomentó el gusto literario de su hijo. Su marcha a Madrid y su entrada en la Residencia de Estudiantes de Madrid lo pone en contacto con personalidades como Luis Buñuel, Rafael Alberti o Salvador Dalí, llegando a colaborar con grandes artistas como Manuel de Falla, con quien emprende varios proyectos en torno a la música.

Menos conocida es su labor educativa, Lorca cree que el Teatro tiene sobre todo una función pedagógica, así se sitúa al frente de "La Barraca". Una iniciativa que pone en marcha La Segunda República y que pretende acercar el Teatro a las zonas más desfavorecidas de España, aportando cultura por toda la península.

Las obras de teatro de Federico García Lorca

Como autor teatral se le conoce sobre todo por las obras de títeres, los dramas y las Tragedias: "Yerma" y "Bodas de sangre" muestran a unos personajes condicionados por un destino fatal del que no pueden escapar. Y sin duda la más reconocida de sus obras es la que se convirtió en su última creación dramática "La casa de Bernarda Alba".

Por desgracia, debido a su prematura muerte, no pudo ver representada la obra "La casa de Bernarda Alba".

El teatro de Vanguardia

Menos conocidas, pero no por ello menos importantes, son las obras de "Renovación", que escribió tras su estancia en Nueva York y donde se puso en contacto con el Teatro de Vanguardia que imperaba en Estados Unidos. Se trata de "El público" y "Así que pasen cinco años".

El Teatro del Porvenir

Son obras complejas, llenas de simbolismo, donde hay una ruptura de la continuidad lógica y semántica y donde el autor transgrede de manera sistemática las preceptivas habituales del arte escénico. Estas piezas, a las que Lorca sitúa dentro de lo que él llama "Teatro del Porvenir" son un claro avance vanguardista y marcan un inicio de lo que en los años 50 vendría a ser en Europa el nuevo Teatro de innovación.

Lorca, un artista total

Lorca es sin duda el paradigma del artista: pinta, hace música, dirige, da conferencias sobre Teatro, poesía... sin duda una mezcla perfecta entre tradición y vanguardia... nos quedamos con una de sus citas sobre el arte escénico:

"...un teatro destrozado, donde las pezuñas sustituyen a las alas, puede achabacanar y adormecer a una nación entera..." (Federico García Lorca, 1935)

Sin duda una frase que nos invita a reflexionar.

Nunca sabremos la magnitud que habría alcanzado la figura de Federico García Lorca si no lo hubieran fusilado. Lo que sí que sabemos es que fue uno de los mayores artistas y genios de la cultura española, como lo acredita su trabajo, reconocido por todo el mundo y por las mayores eminencias de su sector. Con Federico, desde Scena Málaga, comenzamos una nueva sección de nuestro Blog en la que mostraremos las características de los grandes literatos y dramaturgos españoles. Aquí puedes consultarnos para publicar alguno en especial.

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Federico García Lorca y su importancia en el Teatro

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Federico García Lorca realizó, más allá de sus poemas, numerosas obras de teatro, algunas de ellas mundialmente famosas. ¡Toda la info aquí!

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Significado: Amor y desamor.https://web.seducoahuila.gob.mx/biblioweb/upload/sonetos%20del%20amor%20oscuro.pdf

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Zenda adelanta cinco poemas de Sonetos del amor oscuro Soneto de la guirnalda de rosas (Reino de Cordelia), escritos entre 1931 y 1936 y publicados por primera vez en 1983, que para muchos son la cima de la poesía lorquiana. En estos Sonetos alaba un amor sin límites, al margen de la condición sexual de los amantes, con un tono desgarrado y reivindicativo. El libro está ilustrado con pinturas de Javier de Juan.
***

Goza el fresco paisaje de mi herida,
quiebra juncos y arroyos delicados,
bebe en muslo de miel sangre vertida.
Llagas de amor
Pero ¡pronto! Que unidos, enlazados,
boca rota de amor y alma mordida,
el tiempo nos encuentre destrozados.

***

son guirnalda de amor, cama de herido,
donde sin sueño, sueño tu presencia
entre las ruinas de mi pecho hundido.
El poeta pide a su amor que le escriba
Y aunque busco la cumbre de prudencia
me da tu corazón valle tendido
con cicuta y pasión de amarga ciencia.

***

Pero yo te sufrí. Rasgué mis venas,
tigre y paloma, sobre tu cintura
en duelo de mordiscos y azucenas.

Llena, pues, de palabras mi locura
o déjame vivir en mi serena
noche del alma para siempre oscura.
El amor duerme en el pecho del poeta
Grupo de gente salta en los jardines
esperando tu cuerpo y mi agonía
en caballos de luz y verdes crines.

Pero sigue durmiendo, vida mía.
¡Oye mi sangre rota en los violines!
¡Mira que nos acechan todavía!
El poeta dice la verdad
***

Que no se acabe nunca la madeja
del te quiero me quieres, siempre ardida
con decrépito sol y luna vieja.

Que lo que no me des y no te pida
será para la muerte, que no deja
ni sombra por la carne estremecida.

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Autor: Federico García Lorca. Ilustrador: Javier de Juan. Edición: Luis Alberto de Cuenca. Título: Sonetos del amor oscuro - Diván del Tamarit. Editorial: Reino de Cordelia. V enta: Todos tus libros, Amazon, Fnac y Casa del Libro.

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5 poemas de 'Sonetos del amor oscuro', de Federico García Lorca - Zenda

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Zenda adelanta cinco de los 'Sonetos del amor oscuro' de Federico García Lorca, recientemente reeditados por Reino de Cordelia.