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The history of the museum, of its building is quite unusual. In the centre of Paris on the banks of the Seine, opposite the Tuileries Gardens, the museum was installed in the former Orsay railway station, built for the Universal Exhibition of 1900. So the building itself could be seen as the first "work of art" in the Musee d'Orsay, which displays collections of art from the period 1848 to 1914.

Open from 9.30am to 6pm daily, except Mondays
Late night on Thursdays until 9.45pm
Last tickets sold at 5pm (9pm Thursdays), museum cleared at 5.30pm (9.15pm Thursdays)
Closed on Mondays, on 1 January, 1 May and 25 December

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Musée d'Orsay, Paris, Paris, France - Google Arts & Culture

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The history of the museum, of its building is quite unusual. In the centre of Paris on the banks of the Seine, opposite the Tuileries Gardens, the museum w...

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Información general- fecha de visita: 12/02/2024

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Información general- fecha de visita: 12/02/2024

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El Museo de Orsay está situado en la orilla izquierda del río Sena, en el 7º distrito de París, muy cerca del Louvre. Se encuentra en el antiguo edificio de la estación de ferrocarril de Orsay, construido originalmente para la Exposición Universal de 1900.

Este museo alberga una enorme colección de arte principalmente del siglo XIX y principios del XX. Su enfoque principal es el arte impresionista y postimpresionista, con obras maestras de artistas como Claude Monet, Vincent van Gogh, Edgar Degas, Auguste Renoir, Paul Cézanne, Édouard Manet, y muchos más.

El edificio del Museo de Orsay fue originalmente una estación de ferrocarril construida entre 1898 y 1900. Sin embargo, a medida que los trenes modernos se hicieron más largos, la estación se volvió obsoleta y se cerró en 1939. Durante varias décadas, el edificio estuvo en desuso hasta que se decidió convertirlo en un museo dedicado al arte del siglo XIX y principios del XX. El Museo de Orsay abrió sus puertas al público en 1986.

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Mi experiencia en el recorrido virtual del Museo de Orsay fue verdaderamente maravillosa. Nunca había imaginado un museo de París, a pesar de siempre haber soñado con visitar uno. Aunque solo sea por un medio virtual, me dejó muy impresionada y desde el momento en que vi al imponente edificio de la antigua estación de ferrocarril, pude sentir su majestuosidad, la atmósfera es única y cautivadora, esta construcción grita historia por todos lados. La combinación de la fachada de piedra y el interior espacioso y luminoso crea un ambiente perfecto para la apreciación.

Cuando recorrí las salas del museo, me di cuenta que las obras estaban meticulosamente dispuestas, y la forma en que las pinturas se complementaban entre sí y se relacionaban con el contexto histórico y artístico de la época fue otro nivel.

Además, quedé muy satisfecha con el montaje de las obras y la atención al detalle en cada exposición, por ejemplo, la iluminación es perfecta y no opaca ninguna pieza.

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Título: Hand with Seaweed and Shells

Creador: Emile Gallé

Vida del creador: 1846 - 1904

Nacionalidad del creador: French

Género del creador: Male

Fecha de creación: 1904

Provenance: Gift of the artist's descendants, 1990

Original Title: La main aux algues et aux coquillages

Dimensiones físicas: w130 x h330 mm

Credit Line: © Musée d'Orsay, dist.RMN / Patrice Schmidt

Tipo: Glass

Vínculo externo:

https://www.musee-orsay.fr/en/collections

Derechos: © Musée d'Orsay, dist.RMN / Patrice Schmidt

Balance: En esta escultura puedo decir que Gallé logra un equilibrio asimétrico. Cuando trazamos una línea imaginaria en la mitad de la obra ambos lados no se reflejan, pero a pesar de eso, se logra un equilibrio visual a través de la disposición simétrica de los elementos alrededor de la mano extendida.

Espacio: El material que usa el autor genera transparencias y aunque de por si la obra ya es tridimensional, estas transparencias generan mas profundidad junto a los elementos naturales que la rodean. La disposición de las conchas y las algas en diferentes planos dentro del espacio tridimensional añade interés visual.

Color: Los colores usados en la obra son en su mayoría tonalidades frías como el azul, el blanco o el verde, lo que nos transporta inmediatamente a un ambiente marino, aunque Gallé también hace uso de colores complementarios en algunas partes de la mano, como lo son el azul y el naranja. Los reflejos del material podrían intensificar los tonos y agregar brillo, mientras que las sombras podrían crear contrastes dramáticos y resaltar detalles específicos de la escultura.

Interpretación: Desde mi propia interpretación, pensaría que trata de alguien escapando del mundo marino o de su propia mente que lo ahoga, aunque podría leerse como una persona muy espiritual conectada a ese mismo mundo natural.

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Nature Unveiling Herself to ScienceLouis-Ernest Barrias, 1899

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Boat in the Flood at Port Marly, Alfred Sisley, 1876

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Musée d'Orsay, première salle de la galerie impressionniste

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The Rijksmuseum is the museum of the Netherlands. Its world-famous masterworks from the Dutch Golden Age include the Milkmaid by Vermeer and Rembrandt's Night Watch. The Rijksmuseum itself is also a masterpiece. The collection is presented in a stunning building with amazing interior design. In 80 galleries 8,000 objects tell the story of 800 years of Dutch art and history, from the Middle Ages to Mondrian. Every year, over 2.5 million visitors travel through the ages and experience a feeling of beauty and sense of time.

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Rijksmuseum, Amsterdam, Netherlands - Google Arts & Culture

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The Rijksmuseum is the museum of the Netherlands. Its world-famous masterworks from the Dutch Golden Age include the Milkmaid by Vermeer and Rembrandt's Ni...

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Información general- fecha de visita: 13/02/2024

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Información general- fecha de visita: 13/02/2024

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El Rijksmuseum está situado en la famosa plaza Museumplein, en el centro de Ámsterdam.

El museo alberga una impresionante colección de arte y historia de los Países Bajos, que abarca desde el siglo XIII hasta la actualidad. Sus colecciones incluyen pinturas de artistas como Rembrandt van Rijn, Johannes Vermeer, Frans Hals y Jan Steen, así como importantes obras de arte aplicado, muebles, esculturas, arte asiático y artefactos históricos.

El Rijksmuseum fue fundado en 1800 en La Haya y posteriormente trasladado a Ámsterdam en 1808 por orden del rey Luis Bonaparte, hermano de Napoleón. El edificio actual del museo, diseñado por el arquitecto neerlandés Pierre Cuypers, fue inaugurado en 1885. A lo largo de los años, el museo ha experimentado renovaciones y ampliaciones, la más reciente de las cuales concluyó en 2013, restaurando y modernizando el edificio principal.

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La primera impresión que me dio el edificio en el exterior fue que parecía un castillo o una mansión gigante, el museo tiene un estilo neogótico muy marcado y eso hace que, además de verse elegante, también te transporta al pasado inmediatamente.

Una vez dentro, me impresionó como las obras están dispuestas en completo orden dentro de salas con una iluminación perfecta, cada obra tiene protagonismo. Quiero resaltar que es importante cuidar de las obras pero también del espectador, y cada sala cuenta con asientos para la comodidad del visitante, ese detalle me encantó porque le dan importancia a todo.

Respecto al recorrido virtual en especifico, los paneles informativos y las guías disponibles brindaban contextos históricos y artísticos útiles que enriquecieron mi comprensión.

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Título: Portret van een jonge vrouw met de hond Puck

Creador: Schwartze, Thérèse

Fecha de creación: ca. 1879 - ca. 1885

Dimensiones físicas: doek

Técnica: óleo sobre tela

Balance: La mujer está ubicada en el centro de la composición, con el perro a su lado. Sin embargo, la postura y los elementos dentro de la pintura generan mas peso visual a la izquierda.

Color y luz: Schwartze utiliza una paleta de colores suaves y delicados para representar tanto a la mujer como al perro. Los tonos fríos predominan en la obra, pero tiene toques cálidos dispuestos intencionalmente para llamar resaltar. La iluminación suave y difusa crea una atmósfera íntima y acogedora en la obra.

Espacio: Más que todo en las sombras de la ropa de la mujer, el pelaje del perro y los elementos del entorno se puede apreciar la profundidad que esta genera y da la impresión de un espacio tridimensional.

Línea: Se pueden apreciar líneas implícitas en las miradas de los dos personajes de la pintura, la mujer se dirige al perro y este a ella, también la posición del brazo de la mujer genera dinamismo.

Interpretación: A pesar de que los colores fríos predominan, la luz y y las expresiones de los personajes generan calidez en el ambiente y podría decir que es una obra que resalta la cotidianidad, pero también, comunicar el vinculo que tienen la mujer y su perro.

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Kind met drie schedels, Barthel Beham1529

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Maria Stuart als weduwe van Willem II, Bartholomeus van der Helst1652

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De grote golf bij Kanagawa, Katsushika Hokusai1829 - 1833

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Sala de Arte Bancolombia - Arte que emana vida

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Nuestra exposición de arte llena de creación está ubicada en el edificio Atrio en Bogotá. Alberga una colección de 350 obras. ¡Conoce nuestra agenda cultural!

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Información general- fecha de visita: 15/02/2024

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Información general- fecha de visita: 15/02/2024

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La Sala de Arte Bancolombia en el Edificio Atrio de Bogotá es un espacio cultural gestionado por Bancolombia, una de las entidades financieras más importantes de Colombia. Este espacio está dedicado a promover y difundir el arte colombiano contemporáneo, ofreciendo una plataforma para artistas locales y nacionales. Se encuentra ubicado en el corazón financiero de Bogotá, y la entrada es gratuita, lo que lo convierte en un lugar accesible para el público en general.

Además de servir como espacio de exposición, la Sala de Arte Bancolombia puede albergar eventos culturales, charlas, talleres y otras actividades relacionadas con el arte y la cultura. Esto contribuye a enriquecer la oferta cultural de la ciudad y a fomentar el diálogo y la participación en torno al arte contemporáneo.

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Es una experiencia muy agradable apenas entras a la sala, todo está muy organizado al inicio de la guía, sin embargo el ambiente no es muy inmersivo como en los anteriores.

En el espacio donde se encuentran la mayoría de las obras hay una iluminación excelente, pero de cierta manera el recorrido no es muy intuitivo, si no vas con un guía no hay forma de saber como va el orden o por donde deberías iniciar tu recorrido una vez pasas la obra que se encuentra al entrar.

Casi al final del recorrido hay un espacio que es como una mini sala ( la foto que puse aquí) que logra darte algo de ambientación, ese detalle me encantó porque dejó de ser monótono el espacio.

La sala de arte es pequeña y tal vez por eso no se encuentran asientos en el lugar, pero creo que si es algo necesario para las personas con dificultades físicas que quieran apreciar las obras.

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Titulo: Aguila Arpia

Artista: Alejandro Obregón

Fecha: 1976

Técnica: Acrílico sobre madera

Balance: La pieza tiene equilibrio asimétrico, la nube negra de atrás y el agua del lado izquierdo balancea el peso que hace la ala del águila y las piedras atrás en el lado derecho. El águila ocupa la mayor parte del espacio visual y se encuentra centrada, lo que enfatiza su importancia como sujeto principal en la obra.

Color: Obregón utiliza una paleta de colores vibrantes y saturados. El águila está pintada con tonos de azul, blanco y amarillo, que contrastan con el fondo oscuro y sugerente de un bosque o selva. Los colores intensos y llamativos contribuyen a la sensación de vitalidad y energía que emana la obra.

Línea: En la obra no se ven líneas de contorno marcadas pero si cuenta con líneas implícitas, las cuales son la dirección de las pinceladas que da el efecto de la dirección del viento, dándole así, más dinamismo.

Espacio: A pesar de que no está muy marcada la diferencia del espacio con sombras como lo vimos en lo vi antes, Obregón logra crear una sensación de profundidad mediante la representación de la selva en el fondo, con capas de vegetación que se desvanecen gradualmente hacia la distancia. Esta técnica de perspectiva crea un espacio y una tridimensionalidad sin hacer uso del realismo.

Interpretación: Creo que en esta obra, Obregón solo intenta mostrar a su manera un animal majestuoso que es representante de América Central y del Sur, mostrar su personalidad vivaz y dominante.

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Simon Bolivar, Pietro Tenerani, Siglo XIX, Sala de Arte Bancolombia- Bogotá-Colombia

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Colombia, Antonio Caro, Siglo XX, Sala de Arte Bancolombia, Bogotá- Colombia

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Retrato de un gentil hombre, David Manzur, Siglo XX, Sala de Arte Bancolombia- Bogotá-Colombia                                                                                                  

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Founded in 1990 after originally being created as an art centre, Museo Reina Sofía is among the culminating events of the Spanish transition to democracy, recovering Pablo Picasso's Guernica as well as an outstanding representation of the international avant-gardes and neo-avant-gardes. In short, the founding of this museum means the recuperation of the experience of modernity previously missing from the Spanish context and the opportunity to try out new models of narration from a periphery that is neither lateral nor derivative, but is rather an entry way for new stories, historiographic models and artistic episodes that tip the balance of the orthodox canon of the main museums.

Therefore, the Museo Reina Sofía program is three-fold: on the one hand, rethinking the function of the museum today; on the other hand, analysing the mechanisms for mediation between the public and the institution; and finally, proposing new contexts and stories through the collection and exhibits that lead to a new notion of modernity.

The institution no longer considers its task to be simply the transmission of culture. Instead, it works with other agents and institutions, creating networks and alliances that strengthen the public sphere and position Museo Reina Sofía as a reference of prime importance in the geopolitical South. Similarly, the public is no longer conceived of as a homogenous and uniform multitude, but rather as a collective, multiple agent that questions, rejects and forms opinions, that builds, so to speak, its relationship with the Museum through the singularity of the artistic experience.

The building that houses Museo Reina Sofía is comprised of two parts: the museum's new wing, inaugurated in 2005 and built under the direction of the French architect Jean Nouvel, and the part that was originally built as the General Hospital, promoted by Philip II of Spain in the 16th century and later by Charles III of Spain. The original plans were drawn up by the engineer and architect Jose Agustín de Hermosilla in 1756 and continued by the Italian architect Francesco Sabatini during the second half of the 18th century. Today its appearance is far from the initial conception, due to the multiple modifications it has undergone despite the fact that it continued to be used as a hospital until 1968. It was then abandoned, leading to its deterioration during the subsequent years, until it was acquired by the Ministry of Education, in 1976, to be renovated and transformed into a cultural centre. In 1986, as a culmination of Spain's transition to democracy, the Reina Sofia Art Centre (Centro de Arte Reina Sofía) was created. Four years later it would become a National Museum (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), with the founding of the current museum.

The Museum's continual development in terms of its collections and activities led to the decision to study the possibility of increasing its floor area. The studies performed ended in 1999 and, following an international call for bids, the architect Jean Nouvel was chosen to direct the construction of the new building. His plans, in addition to meeting the needs expressed by the Museum, called for playing an active role in the neighbourhood, intervening and transforming the urban surroundings, while generating new services and a public square. The creation of the latter, made possible by the arrangement of new buildings and the southwest façade of the current Museum, gave a new space to the city.

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Museo Reina Sofia, Madrid, Spain - Google Arts & Culture

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Founded in 1990 after originally being created as an art centre, Museo Reina Sofía is among the culminating events of the Spanish transition to democracy, recovering Pablo Picasso's Guernica as well as an outstanding representation of the international avant-gardes and neo-avant-gardes.

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Información general- fecha de visita: 20/02/2024

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Información general- fecha de visita: 20/02/2024

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El Museo Reina Sofía se encuentra en el centro de Madrid, en el histórico barrio de Atocha, en la calle Santa Isabel 52. Ocupa el antiguo Hospital General de Madrid, un edificio emblemático de la arquitectura del siglo XVIII, adaptado y renovado para albergar las colecciones de arte moderno y contemporáneo del museo.

Es conocido principalmente por su destacada colección de arte español del siglo XX y contemporáneo. Alberga obras maestras de artistas como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Joan Miró y otros exponentes del arte moderno español. Una de sus piezas más famosas es el icónico cuadro "Guernica" de Picasso. Además del arte español, el museo también cuenta con una colección internacional que incluye obras de artistas como Francis Bacon, Mark Rothko, Yves Klein y muchos más.

Respecto a su arquitectura, es una mezcla de estilos que van desde el barroco hasta el modernismo. Destaca su impresionante patio interior y su emblemática torre de vidrio, que sirve como entrada principal al museo.

Además de sus exposiciones permanentes y temporales, el museo ofrece una amplia gama de actividades y programas culturales, que incluyen conferencias, seminarios, talleres, conciertos y proyecciones de cine. También cuenta con una biblioteca y un centro de documentación especializado en arte moderno y contemporáneo.

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Cuando se empieza el recorrido virtual, primero se ve el Palacio de Cristal el cual es precioso, parece un castillo antiguo, casi como el espacio de un jardín invernadero, me transporta inmediatamente en el tiempo como si yo fuera una persona de alta clase en aquella época.

El estilo del museo es realmente muy moderno, todo es completamente blanco (piso, paredes, ventanas...) tal vez para dar la sensación de elegancia y tranquilidad, aunque ya sabiendo lo que el edificio era antes, da la impresión de estar en un hospital y eso me genera algo de incomodidad. Todo en el museo en muy pulcro, y la forma en que se encuentran ubicadas las obras en el espacio, me recordó mucho a algunos museos que he visitado en Bogotá, por ejemplo, el museo de Botero y algunas exposiciones del Museo de Arte Miguel Urrutia, además, es interesante que combinan obras modernas con algunas no tan modernas dentro de la misma sala, ese contraste es muy bueno. La iluminación es perfecta, cada obra o conjunto de obras están muy bien iluminadas y genera un ambiente algo acogedor.

De igual forma, me habría gustado mucho que en el museo tengan asientos en cada sala , o al menos en algunas, pero no me gusta que la gente no pueda sentarse a disfrutar de las obras sin que se sientan agotadas, y a la larga, eso hace que las visitas sean más rápidas y no aprovechen el museo al 100%.

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Título: Franco's Spain has Arrived / Civil War Poster, 58

Creador: Unknown. Signed by

Fecha de creación: 1939

Style: Graphic art

Provenance: Private Collection

Original Title: Ha entrado la España de Franco / Cartel Guerra Civil, 58

Dimensiones físicas: w680 x h950 mm

Tipo: Poster

Técnica artística: Photolithography

Color: El uso del color en el póster puede ser significativo. Por ejemplo, se usan tanto colores fríos como cálidos, los colores en general se encuentran muy saturados aunque el verde se ve mezclado con blanco, también el autor hace uso de colores complementarios como el azul y el naranja o el rojo y el verde. El color negro es el que más predomina en el poster, y el rojo es usado para las llamas y algunos detalles, lo que podrían evocar emociones de poder, peligro o incluso violencia.

Espacio: No es una pieza muy realista, sin embargo cuenta con algunas sombras que llegan a generar un poco de profundidad, como en el rostro o el vestido de la mujer. También, al poner elementos pequeños o con más sombra, pareciera que se encuentran en otro plano y eso igualmente genera una sensación de profundidad.

Línea: Aquí encontramos bastantes líneas de contorno y líneas inorgánicas ya que los elementos dentro de la pieza pueden llegar a ser bastante geométricos.

Interpretación: Por los elementos de la obra, yo creo que este poster es algo así como el descontento de la gente respecto al régimen de Franco en España, es una critica hacia la situación política de ese entonces.

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Civil War Poster, 39-Unknown. Signed by1937 - 1938

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Museo de Arte Miguel Urrutia, exposición Sembrar la duda

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Museo de Arte Miguel Urrutia, exposición Sembrar la duda

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Subgerencia Cultural del Banco de la República

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Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU) | La Red Cultural del Banco de la República

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El Museo de Arte Miguel Urrutia - MAMU es un espacio dedicado a la exhibición gratuita y permanete de obras representativas del arte colombiano, latinoamericano y del mundo, que forman parte de la Colección de arte del Banco de…

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Información general- fecha de visita: 22/02/2024

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Información general- fecha de visita: 22/02/2024

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El Museo de Arte Miguel Urrutia se encuentra en la capital colombiana, en la Carrera 10 # 7-76, en el centro histórico de Bogotá, cerca de la Plaza de Bolívar y otros importantes puntos de interés cultural de la ciudad.

El museo fue inaugurado en 2004 y lleva el nombre del empresario y coleccionista de arte Miguel Urrutia, quien donó gran parte de su colección privada para la creación de este espacio cultural. Desde su apertura, el MAMU se ha convertido en un importante centro de arte contemporáneo en Colombia, promoviendo el diálogo entre artistas locales e internacionales.

El museo alberga una destacada colección de arte contemporáneo, con énfasis en artistas colombianos y latinoamericanos. La colección incluye pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías y demás, que reflejan la diversidad y la riqueza del panorama artístico de la región. Además de su colección permanente, el museo también organiza exposiciones temporales.

El museo ocupa un edificio histórico restaurado, que combina elementos arquitectónicos tradicionales con instalaciones modernas. Además de sus exposiciones, el Museo de Arte Miguel Urrutia ofrece una variedad de programas y actividades para todo tipo de público. Estos incluyen visitas guiadas, charlas con artistas, talleres educativos, proyecciones de películas y eventos culturales especiales que buscan involucrar a la comunidad en un diálogo enriquecedor sobre el arte y la cultura contemporánea.

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Este museo ya la he visitado varias veces en varios años, lo que tiene de especial es que las exposiciones temporales siempre te sorprenden, cada cierto tiempo traen nuevas exposiciones que te dejan una experiencia inolvidable. En esta ocasión, vimos la exposición llamada Sembrar la Duda y realmente me impactó todo el montaje de las obras, desde que entras observas todo un arco hecho de bambú que te da la bienvenida y te hace crear casi una experiencia inmersiva, es como cambiar de lugar de un momento a otro, un ambiente muy especial.

En el recorrido te vas dando cuenta todo el cuidado que tuvieron al ubicar cada pieza, todo genuinamente calculado, y aquí desde un inicio se puede observar que combinan obras actuales contemporáneas con pinturas y esculturas antiguas. Tanto como el color de las paredes (verdes y rojas algunas), el material de algunas divisiones hechas en arcilla, y la iluminación te dan una experiencia completa y hermosa, la cual concuerda totalmente con el tema de la exposición.

Hablando de iluminación, solo debo decir que en ciertos lugares no era tan buena, en especifico una parte donde habían videos y al otro lado unas obras enmarcadas con vidrio ( los videos se reflejaban en las obras con los vidrios y no permitían una buena apreciación).

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Titulo: Bachué

Creador: Rómulo Rozo

Fecha: 1925

Técnica: Bronce vaciado

Colección Proyecto Bachué

Balance: Exhibe un equilibrio visual ya que la postura de la figura suele es simétrica y estable, con un peso visual bien distribuido entre las diferentes partes del cuerpo.

Color: En términos de color es monocromática, ya que se realizó en bronce lo cual no requieren coloración adicional. El uso del bronce puede proporcionar una rica paleta de tonos dorados y marrones que añaden profundidad y calidez a la obra, resaltando los detalles de la figura y creando un contraste con el entorno.

Ritmo, repetición y patrón: La escultura presenta varios patrones, en los pies de la escultura, los brazos y la corona, todos estos son una repetición por aparte y generan un cierto ritmo.

Interpretación: Es una representación evocadora de la madre Bachué en la mitología Muisca, que transmite una sensación de fertilidad, protección y conexión con la naturaleza.

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Banco de la República 
(Imprenta de Billetes del Banco de la República)
Diez mil pesos
1992

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El placer del paisaje. Pintura y poesía en Colombia (1840 -1940) - Instituto Caro y Cuervo

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Inicio > Gestión de Museos > Exposiciones > Futuras > El placer del paisaje. Pintura y poesía en Colombia (1840 -1940)

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Información general- fecha de visita: 27/02/2024

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Información general- fecha de visita: 27/02/2024

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El Instituto Caro y Cuervo es un centro colombiano de altos estudios en literatura, filología y lingüística del idioma español, y las lenguas nativas de Colombia, orientado a la investigación y a la divulgación de la cultura del libro y la lectura. Realiza ediciones críticas, especialmente referidas a la obra de los autores colombianos, y mantiene una política editorial referida a la construcción y divulgación del patrimonio bibliográfico general.

El Instituto Caro y Cuervo, llamado así en honor a los grandes humanistas y filólogos colombianos Miguel Antonio Caro (presidente de Colombia) y Rufino José Cuervo Urisarri. Es una entidad adscrita al Ministerio de Cultura y ejecuta políticas para documentar, consolidar y enriquecer el patrimonio idiomático de la nación, para lo cual desarrolla investigaciones enmarcadas en los siguientes campos: Lenguas en Contacto, Lenguas Indígenas y Criollas, Literatura Colombiana e Hispanoamericana, Análisis del Discurso, Pensadores del Siglo xix, Oralidad y Escritura.​

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A este instituto ya había venido antes con mi familia pero a una exposición diferente, el espacio como tal es bastante reducido a comparación de otros, sin embargo, cuando entras se siente un ambiente muy especial y tranquilo porque es una casa bastante colonial y te transporta a esa época ( el olor, la arquitectura, las decoraciones...etc). En el primer piso no hicimos ningún recorrido pero el pequeño jardín junto a su fuente hace que creas que estás en otra ciudad o en un pueblo, alrededor hay pequeños salones y oficinas pero en el segundo piso es donde se encontraba la exposición.

Al subir al segundo piso nos avisaron que aún no se había organizado la exposición, pero, nos dejaron entrar y observar algunas de las obras que estaban dispuestas contra la pared y que pronto se ubicarían. Debido a esto no se puede hacer una evaluación clara de la curaduría o el montaje, había que agacharse para poder tomar fotos y ver las obras, y en otras, el brillo de las luces no permitía una buena apreciación. Quiero destacar que a pesar de no estar preparada la exposición, las persona que nos contó algo de la historia y nos hizo una pequeña actividad le puso toda la actitud del mundo y eso me hizo disfrutar un poco más la visita.

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Autor: Domingo Gutiérrez Acosta.

Titulo: Carolina Samper

Fecha: 1874.

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 138 x 118 cm

Balance: La pintura se ve con equilibrio asimétrico, cuando se observa se siente el mismo peso visual de ambos lados, por ejemplo, la mesa le da el el peso que pone la cortina del otro lado.

Color: Se puede ver que el artista hace uso de colores complementarios para resaltar detalles, por ejemplo, el azul predomina pero usa naranja para el mantel de la mesa y algunos detalles de los collares, también, predomina el verde pero usa el rojo para las rosas. En general son tonos fríos y no tan saturados.

Espacio: La pintura es bastante realista, por lo tanto, las sombras en los pliegues de la ropa, el rostro y en general, producen un efecto de profundidad junto a los planos de esta. Los elementos detrás de la figura principal se encuentran un poco más difuminados o con más sombra, lo que hace que los planos se diferencien.

Interpretación: Puede que sea solo un retrato pero con una intención narrativa (por las flores y el paisaje algo oscuro detrás).

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Paisaje con Casa- Ricardo Borrero Álvarez, 1874-1931