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El motivo de porque he elegido la obra del Fusilamiento del 3 de mayo, es porque te trasmite la sensación de que siempre los buenos salen perdiendo, es algo muy injusto por el simple hecho de que los culpables siempre son los inocentes y da bastante rabia.

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1. Fin del Antiguo Régimen y transición hacia el liberalismo La Guerra de Independencia marcó el principio del fin del Antiguo Régimen en España. Fue clave porque permitió que durante el conflicto_compressed

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La temática de esta obra es poder mostrar como en medio de una guerra los soldados de un ejercito no español están atacando a unos ciudadanos que no han echo nada y lo están pagando ellos por culpa de otros. Como se puede ver los soldados apuntando a los hombres, y el que resalta es el hombre del centro con una camisa blanca en expresión de que ellos no han echo nada.

En conclusión, este cuadro en la actualidad se ve muy claro en las guerras que sufren ciertos países que siempre salen perdiendo los inocentes y son lo que quedan como los malos.

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“SATURNO” de GOYA y su RELACIÓN con FERNANDO VII

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Dos viejos comiendo sopa

Esta obra de Goya me llamó la atención por sus luces y sombras.

El rostro más iluminado es el del viejo con la cuchara, un señor que come sopa, desde mi punto de vista un símbolo de vitalidad.

Por otro lado, el viejo a su izquierda está menos iluminado y, en vez de comer, está arropado por una manta. Se podría decir que está durmiendo, pero su rostro está más cerca de ser un cadáver que el de un viejo hombre, con esa cara gris y esquelética, con los ojos negros.

Mi reflexión sobre esta pintura negra es que representa la vida, con un viejo que come sopa, y la muerte, con lo que parece un cuerpo inerte tumbado.

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He elegido esta obra debido a que aunque no se vea como una pintura tétrica desde el primer momento, yo le veo un gran fondo que se puede asociar a su época.

En esta obra a simple vista se puede una posible escena de caza, dos perros en una posición aparentemente tranquila junto a dos armas de caza. Esta situación puede ser vista como algo normal pero, personalmente a los perros encadenados lo veo como las personas que sufrían en la guerra, privados de libertad con un límite mínimo de movilidad. Delante de ellos dos armas que interpreto como si se tratase de las tropas napoleónicas intimidando a las personas que solo quieren vivir en tranquilidad sin tener que presenciar la tortura que es ver a familiares, amigos o incluso a ellos mismos fallecer por culpa de una guerra por el poder en España.

En conclusión, me ha parecido una obra muy interesante para asociar con las vivencias que pudo tener Goya en su época de las "Pinturas negras".

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He escogido esta obra porque me parece interesante la forma el la que Goya ilustra al general Palafox de una forma heroica y lleno de valentía. Este se destacó por defender Zaragoza durante la Guerra de la Independencia Española , aunque este nunca gano una batalla se negaba a entregar el pueblo al ejercitó Napoleónico , por eso Goya en esta obra trata de representar su poder militar y simbolizar la resistencia en aquella época de guerra contra los franceses.

En el cuadro el general Palafox esta montado a caballo , lo cual representa su autoridad y liderazgo . Su postura recta y mirada seria y decidida nos muestra su firmeza y valentía , cualidad clave que tenia que tener un líder.

Goya no buscaba idealizarlo si no darle un toque serio y realista, algo común en su estilo , el cual trataba de transmitir emociones.

En conclusión , este cuadro además de representar a un personaje importante , nos muestra la tensión del momento, en la lucha constante por la libertad .

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Check out this Infographic designed by ESTHER CABALLERO MORENO.

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Infografía Newsletter Periódico Histórico Antiguo Marrón

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"Aun podrán servir" es uno de los muchos grabados de goya pertenecientes a la serie de grabados "Los desastres de la guerra"

En esta obra se pueden observar a un grupo de soldados lisiados y aterrorizados imagino que tras una batalla.

Si bien la representación de este grupo de hombres en esas condiciones ya nos genera una triste imagen de la dura realidad que pasaron los españoles de la época, el titulo nos hace entender una realidad aun mas dura, y es que pese a las condiciones en las que se encontraban aun seguirían luchando contra la invasión napoleónica, ya que fue una guerra surgida en unas condiciones tan deplorables, que no se podía prescindir de ningún tipo de ayuda.

Me paraliza el mero hecho de pensar en todo lo inhumano que sucedió en esa guerra, que por desgracia, como se refleja en las obras de goya, no fue poco.

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CRISIS BORBÓNICA Y ABDICACIÓN DE BAYONA

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crisis de la monarquía borbónica y la abdicación de Bayona en 1808

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“Tribunal de la Inquisición” Francisco de Goya entre 1812- 1819

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Ismael Adonai Maya Caparros

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La guerra de la independecia - Ismael Adonai Maya Caparros  (1)

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Este cuadro enseña a dos perros atados entre ellos con una cadena, sentados junto a objetos de caza como escopetas y bolsas. El paisaje es tranquilo, con un cielo azul y vegetación alredfedor. El cuadro da una sensación de calma, pero los perros parecen estar esperando a algo, igual es a su dueño. Usa colores suaves y el entorno natural sugieren una escena de caza relajada, donde los perros están listos para servir a su dueño, o para pasearse el uno al otro.

Lo he elegido porque visualmente es muy chulo y me genera paz interior.

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"La familia de Carlos IV" obra realizada en 1800 por Goya durante las vísperas del consulado de Napoleón.

En esta obra se puede ver claramente como Goya refleja a la familia sin idealizarla y al mismo tiempo me llevo a reflexionar que los protagonistas carecen de grandeza, incluso de emociones . También se ve como Goya le da una mayor importancia a los accesorios que llevan cada uno para entenderse que provienen de una familia real. Otro dato que me sorprendió fue como pinto a la reina Maria Luisa en el centro, mostrando como la reina tenia una importancia en la toma de decisiones y dejando al rey Carlos IV un poco desplazado.

Desde mi punto de vista, este cuadro refleja la superficialidad de la corte teniendo en cuenta que España se encontraba en graves conflictos en ese momento.

Otro aspecto que me llamo la atención fue como Goya se autorretrata atrás del todo en unas tonalidades oscuras, recordando así que aunque no tuviese una gran importancia en la escena principal, el artista tiene un papel importante en el momento histórico, siendo así testigo del acontecimiento.

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TRIENIO LIBERAL

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Historia Instagram Frase Colorido Cool Verde

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Desde que inició mi interés por el arte y conocí a Goya, lo que más me llamó la atención fue su estilo al dibujar personas fuera de los retratos oficiales, pues estas pinturas para mí siempre tenían un estilo caricaturesco que se mezclaba con el ambiente grotesco que conseguía transmitir.

Ahora que he podido observar con mayor detenimiento y conciencia sus obras, han dejado de parecerme caricaturas, ya que soy capaz de distinguir las pinceladas tan marcadas del autor que con anterioridad confundía con un dibujo simple y asociaba con un estilo semejante a las caricaturas infantiles. Sin embargo, El aquelarre, con su gama cromática tan llamativa y el foco en el macho cabrío del centro, consigue de nuevo que perciba ese ambiente caricaturesco y de cierta forma infantil que hace que la obra sea aún más oscura y grotesca para mí gracias al contraste entre lo que me transmite el estilo por sí sólo y el mensaje de la obra como tal, haciéndola resaltar frente a otras obras más oscuras de Goya.

Por último, al igual que al autor, la brujería siempre me ha parecido un tema interesante y la afición de Goya por representar escenas relacionadas con este ámbito consigue crearme un mayor interés por su obra y su visión sobre estas prácticas. Además, el hecho de que fuese un tema tan complicado y perseguido durante esa época sólo le añade atractivo a la obra.

En conclusión, El aquelarre me parece una pintura muy interesante que consigue transmitir una sensación de peligro y temor gracias a los sacrificios que ofrecen las brujas y nos puede llegar a recordar a los caprichos del autor, a la vez que mantiene un atractivo visual gracias a su variedad cromática y composición inusual dentro de las obras de la misma época de Goya.

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La Batalla de Trafalgar, Mirari Díaz Alcorta

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La Batalla de Trafalgar, Mirari Díaz Alcorta

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"Cazador con sus perros" es uno de los muchos cuadros de Goya, en este se representa algo sencillo pero profundamente humano, ya que solamente podemos ver al hombre con sus perros y la naturaleza, demostrándonos la conexión que hay entre estos elementos. El cazador parece estar tranquilo, ya que incluso la correa de los perros no está en tensión. A pesar de estar cometiendo algo tan brutal como la caza, aún los perros parecen estar serenos.

El cuadro a mi parecer incluso tiene trazos tranquilos, con colores no saturados y terrosos, formando una atmósfera melancólica, transmitiendo así una sensación de soledad, introspección y armonía con la naturaleza.

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El cuadro de Goya " Perros en traílla " me parece muy triste y extraño. En la pintura se ven unos perros amarrados a una cuerda, como si estuvieran atrapados, sin poder moverse ni ser libres. La forma en que Goya los pinta, con esos ojos tan tristes y desesperados, me hace pensar en lo mal que se puede sentir alguien cuando no tiene opciones y está atado a algo que no quiere. Aunque no hay muchas otras cosas en la pintura, la atmósfera es tan oscura y pesada que te hace pensar en la soledad y la tristeza que viven esos perros.

Creo que Goya nos quiere decir algo sobre el sufrimiento, no solo de los animales, sino también de las personas que a veces se sienten atrapadas en una situación que no pueden cambiar. Los perros parecen estar esperando algo, pero no hay esperanza a la vista. Eso me hace pensar que a veces, cuando uno siente que no tiene salida, es muy difícil ver que las cosas puedan mejorar. La pintura, aunque no sea una historia feliz, tiene algo que me toca porque me hace pensar en la importancia de ser libres y no estar atados a cosas que no nos dejan ser quienes realmente somos.

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Brown Scrapbook Museum of History Infographic

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Aquí te dejo el enlace por si quieres verlo de forma animada:

https://www.canva.com/design/DAGZYPk7D_o/Rd6XBdakn2cy4-CnF6yMfg/watch?utm_content=DAGZYPk7D_o&utm_campaign=designshare&utm_medium=link2&utm_source=uniquelinks&utlId=h2a931bec95

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Vuelo de brujas.

Me ha llamado la atención este cuadro por lo divertido que parece y lo absurdo que pude llegar a resultar de primera impresión. Además, el contraste de la fuerte luz que emiten las pequeñas brujas con el oscuro y frío paisaje de detrás.

Forma parte de una serie de seis lienzos, sin embargo, solo podemos conservar uno en el museo del Prado, y es este.

Lo he escogido sobre todo porque me gusta las historias relacionadas con brujas y sobre todo su pasado.

Para terminar quería añadir que Goya tenía un cierto interés en este tema por todas las obras que tiene, dejando a parte las seis que mencioné anteriormente.

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Esta obra titulada vuelo de brujas fue realizada por el pintor aragonés Francisco de Goya.

Realizada en técnica de óleo sobre lienzo, esta obra destaca por lo perturbadora que es. Esta representación  nos muestra tres figuras que parecen brujas situadas en el centro, llevan como unos capiruchos largos y unas faldas. Uno de ellos sostiene a un hombre desnudo, lo cual destaca es la expresión de su cara dramática y aterrada.

Debajo de ellas, se encuentran dos figuras. Tapándose el rostro y las orejas por una extraña razón. A la izquierda del cuadro, el burro está inexpresivo y pasivo. Goya lo interpreta como  un símbolo de la ignorancia. Y detrás un fondo totalmente negro.

Esta es la que más me sorprendió de todos sus cuadros. La he seleccionado porque me llamó mucho la atención lo monstruoso, lo grotesco, lo siniestra y lo fascinante que me parece. Me fascina el tema de la brujería al igual que Goya y todo lo relacionado con duendes, fantasmas, gigantes y sirenas.

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Goya refleja en su serie Los desastres de la guerra la violencia y sufrimiento humano como podemos ver en este grabado. Desde mi punto de vista nos hace reflexionar sobre si todos pasaremos el sufrimiento y crueldad mostrándonos imágenes desgarradoras como esta a través de un punto de vista cercano de la población española de la época.

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Goya vivió durante un periodo de transición, final del S. XVIII y principios del XIX, entre el declive del poder de la monarquía absolutista de los Borbones y la aparición de las ideas ilustradas, que venían de Francia y que promovían la razón, el progreso y los derechos del individuo, y tambien las primeras manifestaciones de las ideas del romanticismo. El pintor aragonés fue defensor de estos ideales y los plasmó en su obra. El tenía un espíritu critico hacia la sociedad y el orden establecido y una visión provocativa de la realidad que lo llevaron a desafiar los normas y las convenciones de la sociedad de su época.

Entre su abundante obra es en los grabados donde se expresa una crítica amarga de los vicios, la corrupción, la superstición, la ignorancia de aquella sociedad y su decadencia moral, las costumbres y los abusos de poder en la España del S. XVIII y de la guerra. Esta obra esta enmarcada dentro de la serie conocida como “Los Caprichos” que se publicó por primera vez en 1799, esta compuesta por ochenta grabados con imágenes satíricas y alegóricas, con un fuerte lenguaje simbólico. Goya utiliza el grabado como un medio para expresar sus ideas críticas desafiando las normas estéticas y sociales de la época.

El grabado conocido “El sueño de la razón produce monstruos”, es el grabado nº 43 de la serie, su técnica es una aguatinta de dos tonos, donde se ha dejado una reserva para escribir el título en letras blancas. Se representa a una hombre, posiblemente el propio Goya, sentado en un sillón que apoya sus brazos sobre un cubo con el titulo del grabado. Sobre este cubo reposan diversos objetos que se refieren al trabajo del personaje: plumas, lápices y folios de papel. En el cubo y en el fondo se observan varios animales nocturnos (murciélagos y buhos de diversos tamaños) que se dirigen hacia el, También aparecen un gato y un lince que observan la escena.

¿Que es lo que quiere decir Goya en este grabado? Podemos orientarnos por lo que señala el propio pintor en el dibujo preparatorio del grabado: “El Autor soñando. Su intento solo es desterrar vulgaridades perjudiciales y perpetuar con esta obra de caprichos, el testimonio sólido de la verdad.” Además los comentarios escritos por amigos del pintor que se encuentran en el manuscrito del Prado se puede leer: “La fantasía abandonada de la razón produce monstruos imposibles: unida con ella es madre de las artes y origen de las maravillas”. Y en el comentario que se encuentra en la Biblioteca Nacional se dice: “Cuando los hombres no oyen el grito de la razón, todo se vuelve visiones”.

Por ello parece claro que la interpretación mas próxima a lo que quería expresar el pintor es la relacionada con el pensamiento ilustrado de su época, que defendían filósofos como Descartes o Kant. Por tanto es necesario que la racionalidad se encuentre despierta para hacer frente a lo irracional de lo fantasioso y el mito. Los monstruos se deben interpretar como metáforas de nuestros miedos, obsesiones, deseos descontrolados y pensamientos irracionales. Y la razón los puede ser una herramienta fundamental para para mantener la coherencia, la estabilidad y la comprensión de la realidad.

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"Disparate volante" es un grabado perteneciente de Goya de la serie "disparates" donde se puede contemplar un animal fantástico, podría decirse que un pájaro. Aparece una figura humana con una postura algo extraña. Si entramos en un poco de contexto, Goya realizó esta obra en los últimos años de su vida cuando España sufría una crisis.

Basándome en mi observación, podría deducir que es una obra con una visión pesimista. Si hablamos de la criatura, tiene un aspecto tétrico y aterrador a la vista lo que nos puede llevar a pensar el atrevimiento de ese hombre al estar sobre esta, ya que desconocemos que criatura podría ser. Respecto a la postura del hombre podría reflejar un sentimiento de agonía o pérdida de la razón teniendo en cuenta lo anterior, hasta locura podría reflejar.

En mi opinión, esta obra se puede reflejar como una situación en la que te encuentras perdido tras desviarte de tu propio camino con unos sentimientos respectivos al acontecimiento. Un sentimiento de soledad que invade profundamente que lleva a realizar ciertos actos sin sentido como se muestra en la obra, apenas puedes descifrar que podría estar ocurriendo con certeza.

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Duelo a garrotazos es una obra que pertenece a la colección de pinturas negras de Goya

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En esta obra podemos visualizar dos figuras de dos hombres teniendo una confrontación en un campo.

Según mi perspectiva este cuadro, como muchos de los que pertenecen a pinturas negras, representa una parte animal y salvaje del ser humano, con solo echar un vistazo al ambiente se viene a la mente una escena propia de una bestia. Las dos personas llenas de barro hasta las rodillas, con dos garrotes utilizados como armas blancas, las poses fuera de la cordura y consciencia y sobretodo la falta de expresión por los tonos oscuros del cuadro. La expresión facial es una de los elementos que más nos caracterizan al ser humano y sobretodo lo que nos da la humanidad pudiendo magnificar nuestros sentimientos, al no estar pintado para mí puede representar la falta de humanidad y la entrega total a un sentido más básico y primitivo, donde no hay buenos o malos ni si quiera consciencia de uno mismo.

También cabe mencionar que este dato y el de que el lugar también no esté definido puede simbolizar que esto nos puede pasar a todos en cualquier luegar o incluso como guerras o conflictos están faltos de humanidad y razocionio.

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He elegido esta obra que forma parte de sus obras negras porque considero que es una obra increíble y llena de simbolismo de la que se habla bastante poco

Esta obra tiene dos versiones, una anterior, concretamente de 1798 que no forma parte de las obras negras de Goya y fue encargada por los Duques de Osuna.

La versión de la que yo voy a hablar se encuentra en el Museo del Prado, aunque principalmente se encontraba en su casa, La Quinta del Sordo, pues la pintó en su pared, lo que para mí la hace aún más tétrica e intrigante de lo que ya es la obra por sí misma.

El cuadro es horizontal y con un fondo que no es plano como tal pero no tiene elementos, haciendo destacar a las figuras. La escena se compone de un grupo de personas que están alrededor de una cabra que representaría al diablo. Las personas están deformadas y tienen expresiones de terror pero atendiendo al ser mientras que este tiene una expresión facial que pese a que no se puede ver con claridad por el color de la obra se distingue una expresión facial extraña que sinceramente no sabría describir y esta es una de las cosas que me encantan del cuadro. Tiene colores oscuros y repetitivos, realmente no destaca ninguno, porque hasta el color de la cabra se repite en la vestimenta de algunas personas pero esto hace que el cuadro transmita un aire aún más extraño y tétrico.

Se dice que esta obra es una crítica a la superstición y las creencias que existían en la época pero a mi me gusta pensarla desde algo más profundo como que es una representación de la misma cabeza de Goya, ya que hizo la obra en sus últimos años de vida, estando enfermo y aislado y en un momento en el que no le gustaba para nada la humanidad. La primera vez que vi esta obra me enamoré de ella por su estética y qué me hacía sentir verla, porque aún sin haberla visto en persona me quedé un rato mirándola embobada. Cuando busqué contexto y lo leí pensé en que podría ser el reflejo de la cabeza de Goya y como se sentía personalmente porque me parecía más tétrico aún pensarla así  aunque también podría ser el como veía a la población, como un grupo de personas aterradas por cosas de las cuales no tienen certeza de su existencia. Sea cual sea su objetivo o significado, esta obra me intriga tanto que cada vez que la veo o pienso en ella me viene la pregunta de “¿por qué Goya pintaría esto?” Me encantaría saber directamente de Goya el porqué de esta maravilla de obra, pero supongo que me quedaré con la intriga, que al final es más divertido porque cada persona la interpreta a su manera y se pueden discutir las conclusiones.