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Au Moulin de la Galette. Madeleine, 1892. 

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Retrato con monotipia

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Spero ha sido un referente muy importante a lo largo de toda esta carrera. Y a pesar de que su obra más tardía es la que me parece más potente y me conecta con esa rabia que sentía  ella, la verdad es que sus primeros óleos son con los que más me identifico a la hora de crear.

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Estoy en un punto en el que creo que ya no necesito ver un cuerpo para saber como es, o como quiero que sea. Mancho el lienzo con el aguarrás y espero a que la figura salga sola.

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Siempre tengo aprendido que la pintura hay que trbajarla, que hay que trabajar los matices, las formas y las composiciones. Y la suma de todo eso siempre me da los mismos resultados. El proceso es encantador y palcentero pero el final es una imagen plana y vacía de sentido. ¿Como puedo expresar el dolor, sin hacerlo con el gesto de la mano? No puedo.

-Abril Cano

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Ejemplo de lo dicho en el post anterior.

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Anna es de las pocas artistas que conozco que es capaz de poner un naranja butano sobre un fondo gris y una linia de carbón negro, y que eso le quede hermoso.

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Ni artista, ni ilustradora.
Todo bien.

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No sé como trabajar, o retrabajar las pinturas una vez secas. Cuando dejo la pintura no la quiero revisitar, no la quiero retocar, porque no sé como hacerlo. Tal vez sea porque tengo miedo de estropearlas, y realmente siento que lo hago. Durante esta sesión he querido cambiar los tonos de la piel y del fondo, y al hacerlo, he perdido la forma de como estaba. He perdido mi lenguaje, y no sabía como seguir. Aun así he seguido, y este es el resultado. Ni bien ni mal. Siento que esta debería haber sido una pintura trabajada toda el mismo día.

Hoy he recordado cuando en primer curso de carrera tacharon una pintura mía de clasista y machista, debido a que el cuerpo de la mujer ha sido objeto de representación durante toda la historia del arte, y la pintura al óleo siempre ha sido un territorio agenciado de los hombres. Pero mi obra no iba de eso. En ningún momento querría promover ese discurso, mi territorio es la belleza, la representación. No considero que el hecho de agarrar un pincel y pintar óleo  sobre una tela me convierta en hombre o transforme mi obra en un discurso clásico. Al contrario, al ser una mujer en el siglo XXI quien lo hace, esta democratizando ese lenguaje. Pintar al óleo ya no es, ni será únicamente territorio de hombres, hace muchos años que ya no lo es. Y si hubiera tenido medios, lo hubiera defendido como tal. Aunque eso significara suspender.
Es muy hipócrita generar arte en base a un cocnepto (ya sea político o no), sin sentir ese mensaje que quieres transimitir.  Yo no soy una artista activista, ni conceptual, porque si lo fuera, lo sería todo el rato, no solo cuando hay que trabajar en un proyecto. Ser artista significa serlo todo el tiempo. A mi me fascina el rostro y el cuerpo humano, y me fascina a todas horas, desde siempre. Siento las formas, siento los colores y tengo inquietudes por saber como resolver mis composiciones. Al volver a las pinturas que hacía en primero de carrera, lo tengo más claro que nunca.

Sí, soy artista, soy feminista, y pinto en el terreno de la belleza usando mi propio cuerpo. ¿Qué vas hacer ahora?

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Patri encendiendose un cigarro. Óleo sobre madera. 30 x 21 cm

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Autorretrato. Lapiz de grafito y acuarela. 2023.

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Visita a la exposición de Georg Baselitz en la galeria Serpentine, Londres.

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Nada nos impide decir que, comprada esta realidad como la apariencia del arte es ilusorio; pero con la misma razón se puede decir que lo que nosotros llamamos realidad es una ilusión más fuerte, una por encima más engañoso que la apariencia del arte. (Georg Wilhelm Friedrich Hegel & Mazo, 1979. P. 33)

Georg Wilhelm Friedrich Hegel, & Mazo, R. (1979). Introducción a la estética. Península.

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Cuando dibujo, casi nunca percibo el valor de la luz, y lo que esta indica. Casi nunca le doy importancia, porque la importancia esta en la veracidad del rostro. Esta vez sí me he dado cuenta, y me he preguntado, ¿qué pasa cuando hay partes del rostro que no puedo ver? ¿Y si intento reflejar el valor de la luz?
Es evidente que no lo he conseguido, pero la intención sí estaba allí.

Además, también me he dado cuenta de que no tengo ningún problema en no acabar el dibujo. Valen mucho más cuando no estan terminados.

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Hoy he optado por no partir de imagenes de referencia, solamente he usado una fotografia de larga exposicón para usarla de composicón y de la que he partido para empezar a pintar. He encontrado un increíble gusto en usar estos colores azulados y estos contrastes tan marcados. Y también me ha recordado a una de las primeras pinturas figurativas que hice a inicios de la carrera, pero que al profesor, quien no creía en la pintura tradicional, me desprestigió, y por lo cual acabé arruinando.

Seguimos trabajando en ella el próximo día.

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Autorretrato. 2023. Óleo sobre madera. 29'7 x 21 cm

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A medida que revisito la tela anterior, menos ganas tengo de seguir luchando por ella.

-Abril Cano

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Emilio Villalba. The Lonely Painter Facing Death. Óleo sobre tela. 2016.

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Autorretrato. Grafito sobre papel. 29'7x21 cm

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He empezado dibujando sobre la tela como dibujaria en un papel, y luego he pintado como si siguiera dibujando, pero con el pincel. Siento que estoy un poco más cerca. Tengo que darle un par de vueltas más  porque me estan fallando cosas que todavía no sé, pero siento más libre ahora.

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Recordemos, de paso, que no hay una verdadera experiencia en el Mundo -en el mundo propio de la experiencia sensible-sino por mediación del egocentrismo de un presente viviente, esto es, por la existencia de un cuerpo propio viviente aquí y ahora. Pag. 57.

(Paul Virilo. La velocidad de la liberación. París,1995.)

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Daniel Segrove. Small Portraits and Mistakes Drawing. 2015. 

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Saatchi Art is pleased to offer the drawing, “Small Portraits and Mistakes,” by Daniel Segrove. Original Drawing: Paint, Charcoal, Graphite, Ink on Paper. Size is 0 H x 0 W x 0 in.

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Odio que todo sea perfecto. Odio cuando cada trazo esta calculado perfectamente para que esté allí. Odio que me digan que en el dibujo me sobra pero en la pintura me falta. ¿El qué? ¿Qué me sobra?, ¿Qué me falta? Odio también,  cuando el azar no me da los resultados perfectos que quiero. Y adoro, sin embargo, el azar de las manchas de Kobayashi cuando dan resultados tan precisos y exactos.
¿Cuántos errores más tengo que cometer para poderle ver la cara a mi hijo por fin?

-Abril Cano.

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"Soy una alcoholica obsesionada de mi misma"
-Tracey Emin.

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Jake Berthot. Study for mills pasture. 2004.

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Sergi tranquilo, Abril Cano. 2023. Óleo sobre tela.

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¿Importa algo lo que tenga que decir? Abril Cano, 2023. Óleo sobre madera.

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En esta obra siento que la barrera que separa lo que hago cuando dibujo y lo que hago cuando pinto esta cada vez más rota. Me interesa el resultado expresivo que obtengo de la sintesis del lapiz junto al tratamineto pictórico de la pintura.

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Pequeña reflexión sobre el trabajo pictórico reciente.

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Pequeña reflexión sobre el trabajo pictórico reciente.

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Pintando esta obra siento que he roto un poco el cristal que separaba lo que hago cuando dibujo y lo que hago cuando pinto. No quiero que ambas disciplinas se contradigan, quiero que se fusionen para aprender tanto de una como de la otra, que dialogen entre ellas.

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Pintor británico del siglo XIX, basa su obra en retratos de escenas cuotidianas encajadas en el marco del realismo. Me interesa especialmente esta pieza por su composición y uso de colores.

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The Last Thing I Said to You was Don’t Leave Me Here II, 2000.

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La obra física de Tracey Ermin no es un referente en sí por lo que refiere a mi proyecto, pero a nivel conceptual sí lo es. Ella basa toda su obra en exponer la intimidad a base de diferentes medios y lenguajes. Me parece muy identificativa con lo que quiero expresar cuando trabajo en mis pinturas y dibujos.

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Nuevo descubrimiento. Me interesa especialmente la sintetización de los elementos, y el juego cromático que le da a esta obra en concreto.

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Zoran Music no es un artista que considere un referente pero su obra me resulta fascinante. Casi todo su trabajo conocido es el diario de la experencia de vivir en un campo de concentración. Canaliza toda esa traumática viviencia por la via de la pintura y el dibujo,  y a la vez nos deja su testimonio en forma de objeto artístico.

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Malcolm T. Liepke es el referente que me ha estado acompañando en mis primeros pasos hacía la pintura figurativa. Tanto a nivel técnico como a nivel formal.  Este artista trabaja sus pinturas con veladuras gruesas, y siempre en mojado, es decir, no respeta los tiempos de secado para seguir trabajando.
Por lo que confiere al marco conceptual de su obra, Malcom retrata personajes en situaciones muy íntimas, aunque estos encuentran en lugares públicos. A pesar de ser un artista contemporáneo, sus obras parecen encontrase en un limbo entre el pasado y el presente. Como si dialogasen entre el siglo XXI y el siglo XIX

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Muy en línea del anterior referente. Milt Kobayashi, también me ha acompañado sobre todo a nivel técnico durante mi proceso pictórico. Me interesa, especialmente, el trazo de sus obras y como compone sus paletas de colores. Se puede apreciar, igual que en Malcom T.Liepke, una gran influencia del impresionismo americano.

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Ilustracón del libo La Sed, 2016. ed. Lunwerg 

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Paula Bonet es un principal referente, no sólo estético, sino conceptual también. Ella trabaja el retrato en la ilustración, y casi siempre, en sus obras, trata los conceptos de la mujer, la intimidad y la feminidad, el duelo y lo doméstico.

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Estic molt cansada, 2023. Óleo sobre madera. 30 x 24 cm

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Mi trabajo orbita alrededor del concepto de la intimidad, tratada desde el marco de lo doméstico, de las relaciones sociales y la soledad. En ella trabajo sobre el autorretrato manipulado y escenarios inventados, con el fin de obtener obras narrativas que establecen lazos entre ellas. Los colores que componen la luminosidad de las pinturas evocan un escenario doméstico y reflexivo sobre la soledad y la auto-introspección, respaldado, en algunas pinturas, con textos generados de manera espontánea al terminar la obra.
Actualmente me encuentro explorando el dialogo entre la abstracción y la figuración, en conseguir resultados más expresivos, y que funcionen la obra.

A continuación de esta publicación comentaré algunas de mis referencias.