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TRABALHO SOBRE BARROCO A DUVIDA DE TOME SENAI

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Brasil: Moça com o Brinco de Pérola /Portugal: Rapariga com o Brinco de Pérola (em neerlandês: Meisje met de parel) é uma pintura do artista neerlandês Johannes Vermeer de 1665. Como o seu nome indica, é utilizado um brinco de pérola como ponto focal. A pintura está no Mauritshuis de Haia. É muitas vezes referido como "a Mona Lisa do Norte" ou "a Mona Lisa holandesa".

Em geral, muito pouco se sabe sobre Vermeer e as suas obras. Esta pintura está assinada como "IVMeer", mas não está datada. Não está claro se este trabalho foi encomendado, e em caso afirmativo, por quem. Em qualquer caso, é provável que não pretenda ser um retrato convencional. Mais recentemente a literatura sobre Vermeer aponta para a imagem de ser um "tronie", a descrição para o holandês do século XVII de que uma "cabeça" não era para ser um retrato. Após a restauração mais recente da pintura em 1994, o esquema de cores subtis e a intimidade da menina olhando para o espectador foi muito aumentado. Não se conhece quem foi a modelo para a pintura.

A modelo delicada, com seu olhar direto e os lábios entreabertos, é a obra mais famosa do pintor holandês Johannes Vermeer, sendo considerada a Mona Lisa da arte barroca.

Foi pintanda a cerca de 1665 e foi feita de óleo sobre tela.

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Michelangelo Merisi conhecido também como caravaggio, foi o criador da obra" A crucificação de São Pedro.

​Foi criada em 1600 no século XVI(16), no período barroco. ​

A pintura representa o martírio de São Pedro por crucificação — segundo a tradição, Pedro pediu para ser crucificado de ponta-cabeça para que não imitasse Jesus 🤬. A grande tela mostra romanos, com as faces obscurecidas ou escondidas, lutando para erguer a cruz com um idoso (e musculoso) apóstolo. Pedro parece mais pesado do que seu corpo envelhecido faria supor e erguê-lo requer o esforço combinado de três homens, um símbolo do crime que já estaria pesando sobre eles.

​Uma técnica utilizada na pintura foi : óleo sobre a tela, A pintura a óleo é uma técnica artística, que se utiliza de tintas a óleo, aplicadas com pincéis, espátulas, ou outros meios, sobre telas de tecido, superfícies de madeira ou outros materiais.
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Rembrandt, pintada em 1632
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A rendeira, por Johannes Vermmer, feita por volta dos anos 1669 e 1670. Como muitas outras obras do artista, A Rendeira retrata uma pessoa realizando uma tarefa, rodeada de seus elementos de trabalho. A jovem está absolutamente envolvida em seu trabalho minucioso, manipulando cuidadosamente pinos e fios coloridos. Para a época, o trabalho doméstico é o indicador de sua virtude.

As características da pintura é a riqueza nos detalhes, a expressão dramática e concentrada da mulher, o jogo de luzes e sombras e  à semelhança dela com o divino.

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Narciso é uma pintura do mestre barroco italiano Caravaggio,

pintada entre 1597 e 1599. .

O artista utiliza o efeito claro-escuro (chiaroscuro) para apresentar o personagem iluminado por um refletor de palco que mostra o que devemos ver, o restante é um bloco negro sobre as costas do personagem, refletido mais abaixo em tons lavados.

Caravaggio retrata o jovem agachado com as mãos na beira d’água numa composição que o aprisiona numa dança consigo mesmo: o braço esquerdo imerso na água até o pulso, se prolonga no reflexo. Igualmente, a mão direita encontra o seu duplo na superfície da água, parecendo um ouroboro humano, uma figura antropomórfica presa num círculo.

Anestesiado de si mesmo, o personagem inclina a cabeça para baixo num movimento em direção ao seu reflexo. Pelos músculos do pescoço e do braço direito, vemos que Narciso faz um esforço descendente e gradual.

Um dos pontos mais impressionantes é esse movimento: quando nos distraímos e voltamos a ele, a impressão é de que Narciso está um pouco mais perto do espelho.

Quanto aos olhos, talvez seja o esforço, talvez o encanto, mas ele os fecha em dois traços negros.

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A arte rococó foi uma corrente que teve seu início na França, mais precisamente em Paris, em 1700. Em seguida, esse movimento se estendeu por toda a Europa, chegando à América no século XVIII.

O estilo rococó nasceu como uma prolongação do barroco, um movimento marcado por seu caráter exuberante e suntuoso. Assim, com a proposta de combater os excessos dessa corrente, o rococó surgiu, promovendo a delicadeza e o refinamento em suas mais variadas formas, como na pintura, no design de interiores, na escultura e, até mesmo, na arquitetura.

Buscando equilibrar o exagero ornamental do barroco, a arte rococó estimulou a harmonia e a moderação na decoração. Nesse contexto, também procurou se desvencilhar do barroco ao apresentar uma estética menos ligada à religião.

Propondo um estilo artístico mais delicado, principalmente em relação à decoração, a arte rococó apresentou uma conexão significativa com a aristocracia e seus valores.

Essa ligação pode ser observada principalmente na pintura rococó que, no geral, prestigiava questões mundanas, como a jovialidade, a sensualidade e o prazer, promovendo também a despreocupação e a expressividade por meio de um fazer artístico mais leve.

Intelectualmente, a arte rococó estava ligada ao caráter espirituoso e animado demonstrado nos salões do Iluminismo, revelando uma oposição à característica dramática assim expressa pelo barroco.

Em outras palavras, o estilo rococó espelhou a superficialidade da sociedade aristocrática. Assim, retratou assuntos que remetiam à essa atmosfera, abordando temas de ordem erótica, mitológica e, também, por meio de referências ao teatro da época.

Características da arte rococó

Esse movimento contou com características particulares, tanto em relação à arte, como em design de interiores e na arquitetura. Foram elas:

leveza dos traços;
linhas curvas e delicadas;
suavidade das cores;
gosto pelo refinado e exótico;
design elegante;
paisagens e retratos da natureza pintados nos tetos;
proporções mais suaves e menores;
uso de elementos semelhantes ao mármore;
formatos ovais;
paredes e revestimentos claros;
caráter intimista;
representação de costumes da época.
Em relação à arquitetura rococó, esse movimento se desenvolveu principalmente na decoração de espaços interiores. Assim, contou com pinturas suaves e salões em formato oval. Exteriormente, os palácios promoviam um barroco contido ou então uma proposta mais clássica influenciada pelo renascentismo italiano.

O Balanço (1766), de Jean-Honoré Fragonard

A pintura, feita sob encomenda para o marquês de Véri, retrata uma jovem elegante, usando um vestido cheio de babados rosa e branco, que reproduzem o movimento conforme a brisa o levanta, no vai-e-vem do balanço

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Trabalho de barroco

*O RAPTO DAS FILHAS DE LEUCIPO*

*DATA:* 1618

*AUTOR:* Peter Paul Rubens

*CARACTERÍSTICAS:*

Sensualidade, dramatização e técnica são componentes que caracterizam o estilo barroco, adjetivos presentes na obra marcada por traços vigorosos e o contorno exuberante dos corpos femininos, o que caracterizam suas composições mitológicas.

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Michelangelo Merisi, dito Caravaggio, Davi com a cabeça de Golias, óleo sobre tela, 125 x 101 cm, provavelmente realizada em 1609-1610. Conservada na Galleria Borghese, Roma, Itália.

As telas de Caravaggio são facilmente reconhecíveis pela dramaticidade da iluminação e o uso aperfeiçoado da técnica do chiaroscuro, criando contrastes intensos entre as áreas claras e escuras da pintura, prática que influenciaria direta ou indiretamente toda uma geração de artistas por toda a Europa.

Nessa obra, de datação controversa, criada no final da vida do artista – que morreu misteriosamente em 1610, aos 38 anos, tendo sido ele mesmo exilado de Roma por causa de uma acusação de homicídio -, vemos a figura do Antigo Testamento Davi, que depois se tornaria rei de Judá e Israel, representado sob os traços de um jovem – provavelmente com inspiração de modelos antigos, por exemplo, a túnica remete às estátuas de Antínoo, amante do imperador romano Adriano – que carrega a cabeça do gigante Golias – um filisteu que aterrorizava os judeus – que ele decapitou e apresentará ao rei Saul. No século XVII, as imagens de Davi se preparando para a luta, popular na Renascença, como na famosa estátua de Michelangelo, por exemplo, é substituída por criações que mostram o momento após a batalha, ostentando a cabeça do inimigo cortada.

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Infanta margarita

Autor: Diego Velasquez

Data: 1659

A infanta Margarita Teresa de vestido azul é um dos retratos mais conhecidos do pintor espanhol Diego Velázquez . Executado em óleo sobre tela, mede 127 cm de altura por 107 cm de largura e foi uma das últimas pinturas de Velázquez, produzida em 1659, um ano antes de sua morte. Mostra Margarida Teresa da Espanha que também aparece no artista Las Meninas . Atualmente, a pintura está no Museu Kunsthistorisches . Este é um dos vários retratos da corte feitos por Velázquez em diferentes ocasiões da Infanta Margaret Theresa que, aos quinze anos, se casou com seu tio, Leopoldo I, Sacro Imperador Romano . Ela é a pequena infanta que aparece em Las Meninas (1656). Essas pinturas a mostram em diferentes estágios de sua infância; eles foram enviados a Viena para informar Leopold sobre a aparência de sua jovem noiva.

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As Três Graças.
Peter Paul Rubens.
1630 - 1635
A composição denominada As Três Graças é uma obra do pintor belga Peter Paul Rubens, tido como o mais importante pintor flamengo do barroco. Dentre as suas obras estão várias pinturas mitológicas.
As Três Graças, divindades que fazem parte da mitologia grega, exerceram grande fascínio sobre os pintores do Renascimento, sendo pintadas por Rafael e Botticelli, entre outros. E Rubens, grande conhecedor de arte antiga, pintou as três divindades no estilo do barroco.

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Diego Velázquez
1656

Uso constante de metáforas e metonímias e a riqueza de detalhes

A pintura mostra um grande aposento no Real Alcázar de Madrid durante o reinado do rei Filipe IV da Espanha, mostrando várias figuras da corte espanhola contemporânea representadas.

A composição enigmática e complexa da obra levanta questões sobre realidade e ilusão, criando uma relação incerta entre o observador e as figuras representadas.

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https://en.wikipedia.org/wiki/Palace_of_Versailles