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25 de agosto de 2020

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Desde antes de entrar, la estructura del museo de por sí es imponente. El edificio, que data al s. XVIII, es muy grande y elegante. Una vez adentro se puede sentir esta amplitud; cada obra tiene el espacio que merece para ser apreciada desde lo lejos y lo cerca, pero al mismo tiempo las colecciones conviven en armonía mostrando la historia del arte holandés.
Como es de esperarse, el museo tiene una colección inmensa y es difícil escoger qué ver y cuáles cuadros llaman más la atención. Me pareció un poco complejo ubicarme, pero la distribución del espacio me pareció muy buena.

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Madrid, España. 26 de agosto de 2020

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Luego de ver el palacio de cristal, completamente iluminado desde todos los ángulos, las paredes blancas del museo dan la sensación de luminosidad del palacio pero de manera artificial. Me gustaría que las paredes tuvieran colores que contrastaran con las obras que exponen, puesto que el blanco no me genera ninguna emoción; tal vez sea cuestión del manejo del espacio.
El museo tiene obras principalmente de la época de la Guerra Civil Española y pinturas abstractas del cubismo.

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El museo tiene bastantes obras (pósters, fotografías, cuadros.. entre otros) que retratan la época de la Guerra Civil Española. En todos estos se puede observar que la guerra representó un periodo de transformación en cuanto a la lucha clases, cambios ideologías y de formas de gobierno. Lo que más me llama la atención es la alusión que muchas de las obras hacen al fascismo o al comunismo.

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Juan Gris, Portrait of Josette Gris, 1916, cubismo, Museo Reina Sofía, Madrid.

Para retratar a su esposa, Juan Gris utilizó la técnica del cubismo, bastante común y al mismo tiempo llamativa para la época.
La paleta de colores es fría; utiliza bastantes tonalidades de gris, negro, azul y algunos colores claros que parecen ser piel y café. Las figuras están delimitadas claramente y son figuras geométricas que dan a entender que se trata de un cuerpo humano. Nada en el cuadro imita la realidad, ni siquiera el espacio del fondo, aunque, el uso de diferentes tonalidades da la sensación de que haya sombras, por lo que, aunque en la figura central no, en el fondo sí parece haber cierta profundidad.
El balance de la obra es claramente asimétrico, las pinceladas son delicadas pero las lineas son fuertes; contrastan y resaltan creando la imagen de una figura abstracta. Por lo mismo, hay mucha variedad dentro de la obra, que generan, sin embargo, una unidad compacta y armónica.
No hay un uso de luz notable, ni hay sensación de movimiento. Tampoco hay líneas implícitas que ayuden a dirigir la mirada hacia algún foco de atención. Esto último sucede en contraste con las líneas fuertes y marcadas de todas las figuras geométricas que hay dentro del cuadro.

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Gustave-Adolphe Diez, The Hebe with Jupiter in the Guise of an Eagle, 1820-1826, Rijksmuseum, Amsterdam.

Al ver el cuadro por primera vez, a pesar de que no haya simetría, se puede sentir un balance armónico. Sin duda llama la atención la figura central; un cuerpo real y natural, blanco alto y desnudo. La palidez de su cuerpo contrasta con el rojo de la tela que carga sobre los brazos. La luz viene de atrás, de la esquina superior izquierda, lo que ayuda al ave que está tomando del cáliz a sobresalir. La atención también está en el centro puesto que los colores del cielo son más claros (azules) en el centro que en las esquinas, donde se tornan más grises. Sobre la paleta de colores se puede notar que hay una prevalencia de colores fríos, a excepción del amarillo del sol y el rojo de la tela, que sobresalen notoriamente. La mirada de la mujer y sus brazos hacen que uno se fije en el ave. El fondo de la obra es real y natural, aunque el escenario de la obra como tal no parece tan común (ya que se basa en la mitología griega). La unidad y la variedad también están presentes. Las proporciones son de los elementos son reales y las figuras parecen ligeras, tal vez por que están flotando en las nubes. Las figuras están delimitadas por lineas definidas, las pinceladas son delicadas, al igual que la mujer retratada.

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Esta obra de Pablo Picasso podría ser la más emblemática del momento de la guerra civil, además que representa a la perfección mi experiencia visitando este museo. Esta obra hoy en día es un símbolo en contra de la violencia fascista hacia el pueblo; es abstracta y puede tener muchas implicaciones, pero la selección de colores, la variedad, la cantidad de detalles y el sufrimiento que se transmite en las caras de todas las figuras sin lugar a dudas conmueven a quien la mire. Es probablemente la obra que más me gusta del museo.

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París, Francia
31/08/2020

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El ambiente del museo es el que más me ha gustado hasta ahora. El espacio re habituado le da un toque distinto; uno se siente en un tren en Europa en alguna época pasada. Además de esto, el impresionismo es de mis movimientos artísticos favoritos. Como se concentra en este movimiento y esta época, la visita virtual resulta un poco más amena, ya que uno se siente rodeado de una misma corriente y la mayoría de los cuadros que uno ve presentan características parecidas, por lo que uno realmente puede sumergirse en el arte europeo del S.XIX

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Van Gogh es mi artista favorito. En el 2016 hice un tour por Francia visitando los lugares emblemáticos en su vida. En lugar de la foto es un campo en Auvers Sur-Oise, donde murió. Me impacta esta foto porque en varios de los cuadros de Van Gogh se puede apreciar un paisaje parecido, sin embargo con una visión mucho mas ilusioria (aunque manteniendo su parecido con la realidad; la comparación de la iglesia del pueblo con su obra es también impresionante).

Hay tanto para analizar de Van Gogh que ni se por donde comenzar. Me llama mucho la atención las pinceladas tan fuertes que utiliza, los colores vibrantes pero al mismo tiempo siempre hacen parecer la pintura como un sueño por la predominancia de tonos de azul y verde. Estos aspectos de sus obras me llevan a preguntarme sobre la relación entre el progreso de la salud mental del artista con el contenido de sus obras; a medida que avanza el tiempo se puede notar un aumento de una técnica más frenética en sus cuadros. De hecho, la Iglesia de Auvers Sur-Oise la pintó en un lapso de tiempo muy corto, periodo en el cuál produjo innumerables obras antes de su intento de suicidio.

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Vincent Van Gogh, Portrait de l'artiste, 1889, óleo sobre lienzo, Musée d'Orsay, París.

El color en esta obra es sumamente llamativo; predomina el color aguamarina, que se encuentra tanto  en el fondo como en el saco que lleva puesto Van Gogh. Los colores fríos sobresalen, sin embargo los colores no están totalmente saturados. Hay un gran contraste con el naranja del pelo, lo que genera cierta armonía puesto que el azul y el naranja son complementarios. Las pinceladas son muy marcadas. Está llena de líneas curvas y espirales que generan un ambiente como de ensueño o ilusorio, por lo cual se puede decir que, a pesar de que el retrato de la figura si sea una alusión a la realidad, existe una mezcla entre la realidad y la ilusión. La figura central está formada por líneas orgánicas, imitando el rostro del artista. La figura se separa del fondo con líneas más delimitantes y marcadas en el saco y más difuminadas en el rostro, donde el uso del color determina la figura. No se puede apreciar mucha variedad en la obra, pero si hay una unidad, al igual que un balance simétrico. La luz no es muy llamativa, pero se puede apreciar que viene del lado superior derecho, ya que la cara está más iluminada en este lado.
No hay muchas líneas implícitas más que la mirada del artista. Los ojos, también de la misma tonalidad del fondo y de su abrigo, son profundos y denotan una emoción cruda y seria, tal vez incluso triste.

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1/09/2020

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A comparación de los otros museos que hemos visitado virtualmente, este es un espacio mucho más reducido. Es una casa que cuenta con un jardín en donde únicamente se exponen obras de una sola artista: Frida Kahlo. Esto me gusto puesto que es casi como aprender de la vida de una persona, su estilo y comprender su trabajo en lugar de comparar millones de técnicas, épocas, artistas como normalmente sucede en los museos más grandes. El espacio es muy colorido,  rasgo que combina perfectamente con el personaje que homenajea. Ubicarse virtualmente se me complicó un poco puesto que la iluminación no me gustó y por alguna razón siempre terminaba saliéndome al jardín e incluso a la calle.
Me gustó mucho que fuera una casa, porque los espacios habituados realmente tienen una historia detrás.

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Me gustó mucho la variedad de objetos que hay en el museo; pinturas, fotografías, trajes, objetos.. todos componen la imagen y la historia de Frida Kahlo de alguna manera. Me pareció una manera diferente e interesante de contar una biografía. A partir de los objetos se transmiten varios aspectos de la persona que era la artista, por ejemplo, mediante los colores tan vibrantes que usaba en sus obras y en su vestimenta. Además, como hay bastantes autoretratos, es posible hacerse una idea de cómo ella se veía a sí misma.

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Esta exposición reafirmó la idea que tenía sobre Frida Kahlo. A través de su vestimenta creó un elemento casi caricaturesco con la cual relacionarla. Creó una identidad, obviamente con connotaciones políticas y probablemente también sentimentales. La forma en la que la artista aceptó su enfermedad y la incorporó a su vida, junto con sus trajes tradicionales de la mujer indígena mexicana es una fuente de inspiración impresionante y refleja que la creatividad y el talento no se frenan por condiciones patológicas. Esto me recuerda a Van Gogh, quien también sufrió de varias enfermedades mentales que únicamente enriquecieron sus pinturas.

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Frida Kahlo, Autorretrato con traje de terciopelo, 1926, fotografía pintada con óleo,  Museo Frida Kahlo, México.

Esta pintura me llamó la atención porque no está llena los colores vibrantes tan característicos de la artista. Al analizar el color, se puede notar que, por estar los colores tan poco saturados, da la sensación de una predominancia de colores fríos (así el traje que lleva la figura sea rojo). El cuadro es simétrico y está compuesto por lineas orgánicas imitando la realidad, al menos en lo que respecta a la figura. Las lineas delimitan la figura, diferenciando a esta del fondo. El fondo de la obra tiene un aspecto menos real. Varias pinceladas y líneas componen las olas del mar pero no representando como este luce en realidad. De igual manera, la forma de las olas da la sensación de movimiento. El cielo es de un azul casi negro, generando la sensación de penumbra y tal vez por eso menos calidez. Una sola nube blanca rompe la armonía del cielo, en el lado izquierdo de la obra. A pesar del color del cielo, la figura está bastante iluminada, pero no hay una fuente de luz clara. Tampoco parece haber tanta tridimensionalidad. La figura central, Frida Kahlo, es delicada y seria. Ocupa gran parte de la pintura y a partir de su mirada se puede sentir el carácter fuerte que tenía la artista.

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4/09/2020

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El hecho de que haya un hueco en el centro del edificio me hizo sentir como si estuviera en una clínica y no en un Museo. Tal vez en este museo me costó más la experiencia virtual ya que es el primero que no conozco en persona. La iluminación me pareció muy buena; hay ciertos lugares en donde está más oscuro y los proyectos presentados involucraban luz sintética así que ese balance entre iluminación y oscuridad funciona muy bien. El hecho de que esté ubicado en la Quinta Avenida le da un aire de sofisticación elevado. Me gustó que haya siempre exposiciones temporales especiales y que tuviera una muestra fija de arte impresionista, pues personalmente es mi favorito.

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Personalmente no he tenido mucha cercanía al arte abstracto. Sin embargo, tengo un gran interés por otras formas de expresión artísticas de América Latina: desde la literatura hasta la historia o la música. Decidí visitar esta exposición para aprender más tanto sobre el arte abstracto como de mi continente.

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Encontré cierto encanto en el arte abstracto. Mayormente son expresiones de inconformidad política y social vistas desde una perspectiva romántica de un artista. Me gusta que sea no tenga reglas. Se puede usar comida, pintura, información y cualquier material que la creatividad permita. Es por esto que tiene una importancia subjetiva aún más grande.

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Truong Tang, What do we want, 1993-94, óleo sobre lienzo con cuerda, Guggenheim Museum, Nueva York.

La obra del artista vietnamita llama la atención por su mezcla de materiales y uso casi monocromático del azul. Hay líneas geométricas y naturales que crean la figura de lo que parece ser el cuerpo de un hombre recostado a lo largo de la obra. El hecho de que el cuerpo sea blanco hace que la figura creada por las líneas resalte. Pareciera ser que el cuerpo estuviera acostado sobre una cruz, crucificado, podría decirse, por la posición y los clavos en las manos y los pies. Esto es una alusión a la imagen de la cruz de Cristo. También parece estar sujetado a la cruz por la cuerda que es tridimensional y resalta el cuadro, generando la sensación de unidad. La obra es casi perfectamente geométrica, a excepción de que el hombre tiene solo un ojo. En cuanto a su cuerpo, se puede observar por las pequeñas pinceladas rojas que el cuerpo está vulnerable y lleno de sangre. El cuerpo está desnudo y se ve frágil y débil. Por la fecha de la obra se podría decir, que pertenece al vanguardismo. La obra imita la realidad de una manera poco natural, más bien con una mirada poética de la realidad. La crucificación de este hombre, que tal vez no sea Cristo, podría reflejar la censura que este tipo de arte, donde se muestran cuerpos desnudos, obtuvo por parte de la sociedad vietnamita, lo que lleva a pensar que es, como gran parte de las obras en este museo, una forma de protesta social contra las normas sociales que privan a los individuos de su libertad de expresión.