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"El cuerpo es tu hogar, no un escaparate"

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"El cuerpo es tu hogar, no un escaparate"

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La fisiosexóloga Marta Torrón firma 'Tu cuerpo mola', un libro para niñas a partir de 9 años que disuelve mitos tóxicos y vergüenzas sobre el cuerpo y el despertar sexual

A veces apenas hay que aguzar el oído en corrillos de niñas que aún no llegan ni a la pubertad para constatar lo pronto que empiezan a activar ese tóxico escáner de imperfecciones físicas que luego ponen la alfombra a la inseguridad y el autodesprecio adolescente. La altura. La barriga. El grosor de las piernas. "Nuestras hijas están bombardeadas por información corporal estética -ahí están desde la moda hasta la distopía 'influencer'- y, en cambio, conocen muy poco de su organismo y su funcionamiento de forma profunda", explica la fisiosexóloga Marta Torrón, autora de ' Tu cuerpo mola'. Un libro para niñas que, ilustrado por Cristina Torrón, actúa como un auténtico disolvente de mitos y vergüenzas vinculadas al cuerpo, las emociones y a la sexualidad. "Al final, se trata de que nuestras hijas puedan ser personas críticas para así ayudarles a que se quieran desde otro lugar, que no vivan su cuerpo como si fuera un escaparate y una lista odiosa de cosas que deben mejorar, sino un hogar en el que vivirán para siempre y del que disfrutarán si lo conocen y saben cuidarlo".

Desde la primera infancia

Iniciar esta conversación en la adolescencia -cuando habitualmente se empieza a hablar de preservativos y de prevenir enfermedades de transmisión sexual y embarazos no deseados- es llegar al asunto extremadamente tarde. "Supone un trabajo enorme a esas alturas comenzar a desmontar pieza a pieza todos los estereotipos, informaciones sesgadas y una visión de las relaciones que les han estado llegando" desde el entorno, la ficción y las pantallas y, más tarde, desde el porno 'mainstream', el villano oficial, pero no único, de todo este asunto.

La educación sexoafectiva en un sentido amplio, apunta la especialista, empieza desde la primera infancia. El valor de las caricias, el contacto humano, la relación con el propio cuerpo, el respeto al otro, y el reconocimiento de lo que gusta y lo que no. También es conveniente, añade, contestar las preguntas de forma clara y adecuada a cada edad; entender que la autoexploración y el autoconocimiento es algo "absolutamente normal" desde los primeros años, y, a partir de los 4 o 5, hablarles del concepto intimidad y de que su habitación es un espacio íntimo. "El cuerpo es sabio y es normal que lo hagan, y si nosotros, en lugar de volvernos bichos raros ante esas situaciones, brindamos información y la naturalizamos, contribuiremos a que no crezcan desconectadas de sí mismas".

Nombrar, tocar, mover

Algo que aún sorprende a Marta Torrón es que muchas mujeres no saben cómo es su vulva, auténtico pararrayos de vergüenzas y culpas milenarias (un apunte histórico: el padre de la Iglesia Tertuliano la calificó como "un templo construido sobre una cloaca" y "la puerta de entrada del diablo"). Así que un mantra que quiere transmitir el libro a las niñas es que "la vulva es tan normal como un brazo: no es delicadísima, sino que se puede mirar, tocar, mover; verbalizarlo así puede dar la posibilidad a las niñas de que la piensen de otra manera".

También, explica, es necesario que conozcan bien los órganos sexuales por dentro y fuera "antes de que esa zona se llene de pudores y preguntas". Que por ejemplo la vulva no es sinónimo de vagina. Qué es el clítoris y dónde se ubica. Dónde está la uretra. Y el útero. Y los ovarios. Y doblando la esquina hacia la pubertad, qué son y cómo funcionan desde las hormonas sexuales hasta el ciclo menstrual. "Las mujeres hemos crecido con esa parte del cuerpo borrada, como si no existiera y como si fuera más de los demás que nuestra. Y eso también es perjudicial para problemas adultos habituales, aunque tratables, como el vaginismo, la insatisfacción, la incontinencia urinaria o el prolapso uterino".

Mitos y prevención de abusos

La especialista también anima a que las niñas hablen entre ellas de sus cambios e inquietudes y que lleguen a la pubertad con un puñado de mitos triturados. Uno urgente: el de la virginidad. "Está en el adn del inconsciente colectivo, pero no es cierto que se rompa el himen y que eso provoque sangre y dolor, ya que si eso sucede se debe a otras causas, vinculadas a que el cuerpo no está preparado para el coito".

Vital también es la prevención de abusos. Sin caer en el alarmismo, explica Torrón, pero dando consignas claras desde las primeras edades. Tu cuerpo es tuyo. No lo puede tocar nadie y, llegado el caso, los juegos deben ser por edades -pequeños con pequeños, medianos con medianos y mayores con mayores-. Este requisito, que evita abusos de poder, también actúa como antídoto contra los abusos de los adultos, que suelen manipular hablando de secretos y haciendo cundir la culpa. "Si nombramos las armas de los abusadores, ya los estamos desmontando", explica Torrón, que ve imprescindible que desde los primeros años también se sepa pedir ayuda.

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Educación no es precocidad

"Si les damos toda esta información, ¿no estaremos alentando la precocidad?", le plantean constantemente a la especialista. La respuesta es rotunda. No. Al contario. Recuerda Torrón que en los países nórdicos, donde se toman en serio la educación afectiva y sexual -que también incluye la diversidad de género y sexual- , hay menos embarazos no deseados y las relaciones sexuales empiezan más tarde. Aquí, un estudio apunta a que el 21% de las adolescentes de 3º y 4º de la ESO han masturbado a otra persona y solo el 9% lo ha hecho consigo misma.

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"El cuerpo es tu hogar, no un escaparate": educación sexual y afectiva para niñas

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A veces apenas hay que aguzar el oído en corrillos de niñas que aún no llegan ni a la pubertad para constatar lo pronto que empiezan a activar ese tóxico escáner de imperfecciones físicas que luego ponen la alfombra a la inseguridad y el autodesprecio adolescente. La altura. La barriga.

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Recursos para trabajar nuevas masculinidades 

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Recursos para trabajar nuevas masculinidades 

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Usted tiene javascript desactivado por lo que algunos elementos de la página puede que no funcionen correctamente. Promover y potenciar la realización de prácticas no laborales, en Canarias, que mejore la empleabilidad de las personas jóvenes. Plazo de presentación hasta el 24/05/2021.

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Recurso contra la homofobia

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escuelacomunitaria.sbc@gmail.com

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La Escuela Comunitaria (EC) es una herramienta para el barrio y distrito de San Blas - Canillejas. Es un espacio pedagógico enmarcado en la educación popular para formar y educar a personas y grupos del territorio. Tiene un marcado acento en la participación vecinal y la voluntad de los recursos técnicos de buscar la colaboración público-social.

1- Facilitar la acción trasformadora a las personas vecinas para mejorar sus condiciones de vida.

2- Crear una red que permita compartir experiencias y recursos de las personas que conformen el territorio de actuación.

Mejorar condiciones de vida de los vecinos del barrio.

Generar recursos nuevos.

Facilitar la colaboración público social.

Poner en contacto/conocimiento a personas vecinas del barrio los recursos disponibles en su entorno.

Crear grupos de apoyo mutuo.

Favorecer y promover la autonomía de las personas.

Esta Escuela Comunitaria se estructura en un sitio web, si bien serán las participantes las que desarrollen el proyecto pedagógico de la escuela, adaptándola a las necesidades y objetivos que se vayan fijando. Los contenidos en este espacio no presencial se organizan de la siguiente manera:

Además de los espacios no presenciales, la Escuela dispone de espacios presenciales que reduzcan la brecha digital y que doten de herramientas digitales a las participantes.

¿Cómo puedo participar?

1.- Grupo de Gestión técnica:

Coordinación de tareas y trabajos a desarrollar para la labor pedagógica de la escuela comunitaria

Apoyo y acompañamiento en funciones prácticas metodológicas, didácticas, tecnológicas, comunicativas...

2.- Espacio de decisión/Asamblea General:

Pueden participar todos los protagonistas de la Escuela: grupos, entidades, recursos y también vecinos y vecinas a título individual.

Adecuación y aceptación en el espacio de los cursos, formaciones, contenidos.... A la línea pedagógica y objetivos de la escuela.

Decidir sobre acciones concretas y la decisión general ante problemáticas o potencialidades.

Establecimiento de la línea pedagógica y estratégica de la escuela.

Evaluación y modificación de la actividad general de la escuela.

Espacio de información de los diferentes grupos de trabajo.

Decisiones y acuerdos para la participación de la Escuela Comunitaria en una posible red de Escuelas comunitarias o la colaboración con otros agentes.

3.-Disfrutando de los contenidos y realizando formaciones.

En el apartado de formación podrás encontrar cursos y formaciones que se impartirán desde la herramienta https://escuelacomunitariasbc.milaulas.com/

En este espacio podrás encontrar dos tipos de cursos:

Formación: Son formaciones que tienen un seguimiento y personas tutoras que resolverán dudas, gestionaran los tiempos y evaluaran el proceso de aprendizaje. Al completar la formación tendrá una certificación de la realización del curso, por parte de la entidad, colectivo, o de la propia escuela en caso de que la formación sea promovida por una persona vecina individualmente.

Auto-Formación: Son formaciones, cuyos materiales formativos serán gestionados por la personas que realiza la formación, gestionando su tiempo y afrontándolo a su ritmo. La propia formación tendrá herramientas de auto evaluación para que las personas que lo cursen puedan comprobar como ha sido su proceso de aprendizaje.

En el apartado de los espacios compartidos puedes encontrar grupos y espacios de reunión de personas vecinas. Estos espacios son diversos y pueden ser grupos formales o informales. Estos espacios son espacios de participación que pueden ser contactados por otras personas para interesarse por participar.

La participación en estos grupos pueden tener como objetivo la transformación positiva de los espacios, la mejora de la comunidad, el apoyo mutuo, la convivencia y las relaciones positivas, los cuidados, la mejora de la salud o intereses compartidos como diversos ocios, cultura, deporte, etc.

En el apartado de biblioteca, encontrarás recursos diversos y píldoras formativas que pueden servir para conocer el barrio, nuevos recursos, facilitar el acceso a recursos, conocer diversas informaciones de interés e incluso algunas herramientas para participar en el barrio.

Estos recursos de la biblioteca, pueden ser documentos, vídeos, presentaciones y cualquier herramienta audiovisual que sea util para trasmitir informaciones de interés.

En el apartado de noticias podrás encontrar hechos significativos que afecten a la escuela comunitaria SBC y a los barrios del Distrito de San Blas Canillejas. Así podrás encontrar oportunidades participación, recursos del distrito, espacios comunitarios y procesos de mejora del barrio.

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La Escuela Comunitaria (EC) es una herramienta para el barrio y distrito de San Blas - Canillejas. Es un espacio pedagógico enmarcado en la educación popular para formar y educar a personas y grupos del territorio. Tiene un marcado acento en la participación vecinal y la voluntad de los recursos técnicos de buscar la colaboración público-social.

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14MITOSDELAMORROMÁNTICO

Un mito es una creencia imaginaria compartida socialmente que se acepta como verdadera y que constituye una simplificación sobre algún aspecto de la realidad pero que influye en cierta medida en nuestro comportamiento.

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Pincha sobre los corazones ydescubre los mitos del amor romántico

ERES MI MEDIA NARANJA

Creencia en que nuestra pareja es la persona ideal que teníamos predestinada y la única elección posible, con la que nos complementamos y compatibilizamos a la perfección.

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El amor todo lo puede

Creencia sobre la onmipotencia del amor, por tanto, el amor sería suficiente para superar cualquier dificultad, obstáculos e inconvenientes planteados en la relación porque no influyen sobre la pareja, sino que se debe perdonar y aguantar todo

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Eres mi amor verdadero

Creencia sobre que solo hay un amor verdadero en la vida y no se debe dejar pasar porque sino nunca volverá

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El amor y la pasión son eternas

Creencia en la perdurabilidad de la pasión y el enamoramiento, de forma que el enamoramiento y elamor pasional de los primeros meses de relación amorosa debe continuar siempre y si desaparece la pasión, entonces es que se ha acabado el amor.

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Los/las que se pelean, se desean

Creencia en una normalización del conflicto en la pareja como proceso de adaptación normal entre ambas partes.

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Cambiará por amor

Creencia en que las personas cambian por amor por tanto hay que aceptar y tolerar algunos comportamientos de la pareja bajo el convencimiento de que cambiará por el amor que siente por la otra persona.

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El amor requiereentrega total

Creencia en que el amor es un proceso de despersonalización que implica fusión, sacrificio y dependencia de la otra persona, postergando y olvidandola propia vida para identificarse con el otro/a, sin esperar reciprocidad ni gratitud.

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Los celosson una muestra de amor

Creencia sobre que el requisito indispensable de un amor verdadero es sentir celos en la pareja, bajo la premisa de que la otra persona es una posesión propia.

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Es necesario vivir en pareja

Creencia en que el objetivo de la vida es vivir en pareja y es necesario para la realización personal.

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Los polos opuestos se atraen

Creencia en que las personas más diferentes a nosotras/os mismos/as nos atraen mucho más que con las que compartimos afinidades.

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Es amor a primera vista

Creencia en la idea del "flechazo" y de el azar interfiere de alguna manera para propiciar un encuentro entre dos personas predestinadas a estar juntas.

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Quien bien te quiere,te hará llorar

Creencia en que el amor es sufrimiento, por lo que es necesario aguantar todos los conflictos dolorosos que hay en la pareja.

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Esperar al príncipe azul

Creencia en que hay un amor predestinado para uno/a mismo/a y que hay una persona en exclusividad a la que debes esperar hasta que aparezca en tu vida

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Casarse conel príncipede tus sueños

Creencia de que elamor románticoy pasional debe conducir a la unión estable y al matrimonio de la pareja

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14MITOSDELAMORROMÁNTICO Un mito es una creencia imaginaria compartida socialmente que se acepta como verdadera y que constituye una simplificación sobre algún aspecto de la realidad pero que influye en cierta medida en nuestro comportamiento.

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Mucho antes de que Kim Gordon, bajista de Sonic Youth, animara a "bombardear el centro neurálgico de la falocracia del rock", las mujeres ya llevaban tiempo demostrando que podían ser excelentes guitarristas y aportar páginas a la evolución de la historia de las seis cuerdas. No ha sido un camino fácil, pero, a pesar de la tradicional falta de visibilidad y de oportunidades, la situación está cambiando.

La penúltima resurrección de AC/DC con un nuevo disco y la promesa implícita de otra gira

Aún así, cuando una guitarrista solista se baja del escenario, puede que entre las enhorabuenas se cuele algún 'tocas como un tío'. June Millington, fundadora de las históricas Fanny, tampoco entiende el matiz negativo que tiene la frase 'tocar como una chica': "Claro que toco como una chica -explica convencida a elDiario.es-. Los ritmos están en mi cuerpo, en mi ADN. No trato de copiar a nadie, es que literalmente soy eso".

Sentada en su cama, con un póster de Bob Marley a sus espaldas, la joven promesa del R&B Melanie Faye se lo toma un poco a broma. "En estos momentos, ¿qué es música de chicos o de chicas? ¿Es el metal de chicos o el pop para chicas? No lo creo", explica por videollamada. Susan Santos, nombre clave del blues en España y con reconocimiento internacional, coincide con sus compañeras de profesión. Quiere, como todas, que se las valore únicamente por las notas que arrancan de sus instrumentos: "Si cierras los ojos y la música que escuchas te transmite algo, qué más da quien la toque. La música no tiene género".

Desde los fabricantes de guitarras hasta la industria discográfica empiezan a dedicar más espacio a mujeres intérpretes como la virtuosa Lari Basilio o la metalera Nita Strauss, que este año ha ocupado el primer puesto en la lista de los diez mejores guitarristas del momento de la revista Total Guitar. El reconocimiento llega también, aunque con años de retraso, para pioneras como Beverly 'Guitar' Watkins (1939 - 2019), una mítica guitarrista de blues, que limpiaba casas cuando la música no le pagaba lo suficiente, y que finalmente grabó su primer álbum a los 60 años.

Un lanzamiento pionero

"Mi madre nos acompañó a la tienda de música y alquiló los instrumentos", recuerda Millington. Eran los años sesenta, en California, y al padre de June y Jean no le entusiasmaba que sus hijas fueran a dar su primer concierto. "Ella creyó totalmente en nosotras. Al final de año, ya lo habíamos pagado todo -rememora Millington-. "¡Tienes que tener a tu madre apoyándote si vas a montar una banda de rock!".

El resultado: las hermanas Millington acabaron formando una banda, Fanny (coño, en inglés) que pasó a la historia en 1970 como la primera formación de mujeres que consiguió grabar un álbum con una de las grandes discográficas, llegar a las listas de éxitos y coincidir en sus conciertos con lo mejor de la escena, como Slade o Jethro Tull.

Millington es rápida en mencionar a quienes les ayudaron a crecer, pero también señala las resistencias que encontraron: "Mucha gente tenía prejuicios contra nosotras y creo que es porque llegamos demasiado pronto al juego. Cuestión de misoginia, no podían soportarlo". The New York Times dijo de ellas en 1971 que eran " extremadamente buenas" pero también apuntaba que suponían "un desafío al ego masculino". Ante los obstáculos, el camino estaba claro. "Ensayar-subraya, una y otra vez, Millington-. Nosotras estábamos totalmente obsesionadas".

"La madre del rock and roll"

Si en los sesenta había prejuicios, la cosa empeora si se retrocede a los Estados Unidos de los años treinta, cuando llegaron las primeras guitarras eléctricas y nadie imaginaba que se convertirían en reinas de la música moderna. Eran los tiempos de Sister Rosetta Tharpe, guitarrista cuyo legado llega mucho más lejos que su nombre. Los llamados padres del rock 'n' roll reconocieron la contribución de esta cantante de gospel que, ya en 1938, grabó su primer éxito, . Parece justo que ahora se le suela presentar como "la madre del rock 'n' roll" y que la revista Guitar Player la haya nombrado número uno en su lista de 50 guitarristas mujeres sensacionales. Con todo, Rosetta Tharpe no entró en The Rock 'n' Roll Hall of Fame hasta 2018.

"Si miramos la historia del blues, las pioneras eran mujeres, con el añadido de que encima eran negras. Pero cuando el blues se empieza a mezclar con el rock y los blancos se apropian del estilo, se empieza a masculinizar", explica Susan Santos. Esta compositora, cantante y guitarrista -reconocida en los European Blues Awards como Best Musician Performance en 2018- cree que es vital que se conozca más esa parte de la historia: "Mucha gente aún se sorprende al ver vídeos y darse cuenta de que esa mezcla de blues y rock and roll, que muchos conocieron por Chuck Berry o Elvis, ya la tocaban mujeres antes".

Esas mujeres acompañaron a la guitarra eléctrica desde sus primeros pasos, dentro del folk, el blues o el country. Pese a que la historia no les ha concedido siempre el lugar que merecen, no deben olvidarse talentos como la blues woman Memphis Minnie (1897-1973), Mary Ford (1924-1977) o la artista country Maybelle Carter (1909-1978), a quien la guitarra debe el Carter scratch, una técnica rítmica que combina acordes con melodía y que fue muy emulada después.

Tampoco a Elisabeth Cotten (1893-1987), creadora de la técnica Cotten picking. Pioneras que allanaron el camino para artistas como Bonnie Raitt y, más recientemente, para blues woman como Susan Tedeschi o Ana Popović. También ha habido mujeres que han destacado ocupándose de las notas graves del bajo: la amplísima hoja de servicios de la bajista Carol Kaye abarca más de 10.000 sesiones, desde La bamba a Good vibrations de The Beach Boys, pasando por el tema de Misión Imposible.

El relevo generacional

"Nunca he tenido una canción en la radio o en la televisión, pero he trabajado con Quincy Jones. ¡Lenny Kravitz me sigue!", dice, casi como si no se lo acabase de creer, Melanie Faye. La carrera de esta guitarrista de 22 años explotó en Instagram en 2017, gracias a un vídeo viral en el que demostraba cómo conjuga el sabor de los acordes de jazz con ritmos R&B y que es capaz de rendir homenaje tanto a Jimi Hendrix como a Mariah Carey. Toda una prueba de que las nuevas generaciones buscan abrir nuevos caminos y canales, como hicieron sus antecesoras.

Hasta llegar a nuestros días, sorteando barreras y apoyándose en quienes sí creían en ellas, muchas mujeres fueron consiguiendo reconocimiento. En el jazz, nadie discute el talento de Emily Remler o Mary Osborne; en el rock, la originalidad y carisma de la propuesta de Jennifer Batten se traduce en tres discos en solitario, giras y grabaciones con Michael Jackson o Jeff Beck y muchos, muchos viajes para enseñar su excelente técnica. Con planteamientos muy distintos, Joan Jett o el movimiento Riot Grrrl demostrarían que los registros más crudos también contaban con mujeres talentosas.

Empujando los límites del instrumento, los caminos descubiertos por aportaciones como la experimentación con afinaciones abiertas de Joni Mitchell enlazan con la exploración, ya en en siglo XXI, que propone Kaki King o, en otro plano, St Vincent, que incluso ha diseñado su propia guitarra con la marca Ernie Ball. Estrellas en estilos tan distintos como Lita Ford, Orianthi, Badi Assad, Ani DiFranco, Poison Ivy, Gabriela Quintero, Yvette Young o las hermanas Rebecca y Megan Lovell (Larkin Poe) dan fe de que hay audiencias dispuestas a valorar lo que tienen que ofrecer.

Es imposible repasar todas las instrumentistas que, de una u otra manera, han contribuido a que la guitarra eléctrica se convirtiera en la reina omnipresente de la música moderna. Mucho más si se amplía el foco para incluir a la guitarra clásica, con nombres como Sharon Isbin y Charo; o a la flamenca, con la que destaca Antonia Jiménez. Incluso ahora, con los ritmos urbanos ganando cada vez más terreno a los estilos que abrazaron la guitarra como bandera y parte indisoluble de su ADN, nuevas compositoras e intérpretes se añaden a la lista, y muestran que es precipitado dar por muerto a este instrumento.

"La guitarra va a sobrevivir siempre que los músicos se adapten, como sobrevivió el piano -dice Faye cuando se le recuerda que hay quien cree que el instrumento está en coma-. Los estilos se adaptan a los nuevos tiempos". Faye descubrió la guitarra y el rock a través del videojuego Guitar Hero III. Cambió el mando de plástico por una eléctrica real, estudió música en serio y, cuando Internet la descubrió, empezaron a pasarle cosas como que Bibi McGill, la guitarrista y directora musical de la banda de Beyoncé, le pidiera una de sus clases particulares.

Estas mujeres insisten en la importancia de esforzarse por mejorar, dejar a un lado los insultos y seguir adelante. "En el circuito del blues hace diez años había muy pocas mujeres, y menos jóvenes. Yo iba a las jam sessions y, al principio, por ser chica no me daban la oportunidad de subir al escenario. Los inicios fueron muy complicados, con el tiempo fue cambiando y ahora me siento muy querida en Madrid. Hoy es más fácil ver mujeres -apunta Santos-. Si tienes algo que aportar a la música al final encuentras tu sitio, pero lo tienes que luchar más que los hombres".

Revolucionar la industria

La industria ha cambiado por el camino. "En los últimos años, muchos medios de comunicación, e incluso muchos hombres, han intentado apoyar a aquellas mujeres que tienen algo que aportar. Pero aún están en minoría -apunta Santos, que acaba de publicar The L.A. Sessions-. A la mujer, por el hecho de ser mujer, se le exige más: ser guapa, maravillosa y hacerlo bien".

"Tienes que ver quién eres, qué quieres y hacer eso. Si eres buena, nadie va a ser capaz de detenerte. Pero ser buena significa trabajar mucho, muy duro", subraya Millington, la guitarrista de Fanny, que también es cofundadora de Institute for the Musical Arts (IMA), una organización sin ánimo de lucro para empoderar a las mujeres que quieren ser músicas. "Hay mucha información que estamos pasando a la siguiente generación, y ellas la transmitirán a la siguiente", apunta. Es el mismo espíritu que ha empujado su canción Play like a girl, surgida de un comentario desafortunado que las Millington han transformado en lema: "Si te dicen que no puedes hacerlo, simplemente sube el volumen y toca como una chica".

La icónica marca Fender, creadora de la omnipresente stratocaster, desveló en 2018 que el 50% de las ventas a guitarristas debutantes correspondían a mujeres. Ese mismo año, Nita Strauss se convertía en la primera mujer espónsor de Ibanez, marca que desde este año también representa la brasileña Lari Basilio. En Fender, han rematado 2020 confirmando el modelo signature diseñado para H.E.R., la primera artista negra en firmar este tipo de acuerdo con la marca; también el de la multinstrumentista Tash Sultana.

Santos, que ha sido endorser de Fender, y ahora de la también icónica Gibson, cree que hay marcas que están intentando apoyar: "Gracias a eso, vaya a donde vaya, me dan una guitarra y amplis. Hay que potenciar y ayudar a las mujeres que se dedican a la música. Esto hace diez años, era muy raro. Era inusual que en un catálogo de guitarra vieras a alguna guitarrista como referencia o endorser ". Un gran cambio que ha saltado también al marketing, donde las fotografías sexistas de modelos van dejando paso a las músicas.

Da igual lo que digan las listas de tops, las convenciones sociales o las crónicas y portadas dictadas por la industria musical. Desde el blues al hip hop, de lo más técnico a lo más instintivo, ejemplos de mujeres con talento hacen sonar su música en los silencios que la historia les ha querido imponer. "Establecer tu propio estilo, tocar tus canciones y volar: esa es la libertad definitiva -dice June Millington-. Nadie puede atarme cuando estoy tocando la guitarra. Nadie".

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El rock no es solo Jimi Hendrix o Chuck Berry: el camino de las guitarristas que hicieron (y hacen) historia, aunque sus nombres apenas suenen

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Mucho antes de que Kim Gordon, bajista de Sonic Youth, animara a "bombardear el centro neurálgico de la falocracia del rock", las mujeres ya llevaban tiempo demostrando que podían ser excelentes guitarristas y aportar páginas a la evolución de la historia de las seis cuerdas.

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Mitos del amor romántico

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"El amor para toda la vida", "la media naranja", "los celos como signo de amor" o la esperanza de que "el amor lo cambia todo" son ideas, creencias, mitos del amor romántico que se transmiten también a través de las redes sociales. Debemos cuestionarnos qué tipo de relaciones y estilos amorosos son los que la juventud está mostrando actualmente, utilizando como medio de expresión las nuevas tecnologías, en especial las redes sociales, al ser uno de los principales recursos que utilizan para su socialización y comunicación. ¿Influye Internet en la perpetuación del ideal romántico entre los adolescentes y jóvenes?

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"El amor para toda la vida", "la media naranja", "los celos como signo de amor" o la esperanza de que "el amor lo cambia todo" son ideas, creencias, mitos del amor romántico que se transmiten también a través de las redes sociales.

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Unidad didáctica

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MUJERES EN LA LITERATURA A LO LARGO DE LA HISTORIA

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MUJERES EN LA LITERATURA A LO LARGO DE LA HISTORIA

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Carteles para imprimir

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Comunicar en igualdad. Guía del gobierno de canarias 

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Comunicar en igualdad. Guía del gobierno de canarias 

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Evocar la vida y la obra de Rosalía de Castro es recuperar la literatura más hermosa en lengua gallega y castellana. Con un talento excepcional para las letras y los versos, Rosalía tuvo la suerte de superar socialmente un nacimiento poco convencional y encontrarse con un marido que respetó e incluso ensalzó su arte con la pluma en un tiempo en el que las mujeres que destacaban por alguna razón eran consideradas extraños casos que se debían esconder. Rosalía de Castro protagonizó el renacimiento de la literatura gallega, cuando el gallego estaba considerado una lengua de labriegos. También escribió en castellano, dejando un corpus literario de poemas y novelas para el recuerdo y el deleite de todos aquellos que se topen con su obra.

Rosalía de Castro nació el 24 de febrero de 1837 en Santiago de Compostela. Rosalía fue hija natural de un sacerdote llamado José Martínez Viojo y María Teresa de la Cruz Castro. El destino de la pequeña, bautizada y registrada como hija de padres desconocidos, era un orfanato. Pero tuvo la suerte de que su madrina, María Francisca Martínez se hiciera cargo en un primer momento de ella. Su tía Teresa Martínez Viojo fue quien la acogió bajo su techo hasta que cumplió los ochos años. Rosalía no perdió el contacto con su madre, quien, en la década de 1850 consiguió recuperarla. Mientras tanto, recibía una buena educación y participaba en actividades culturales.

En 1856 Rosalía de Castro se trasladó a vivir a Madrid junto a unos parientes. Un año después publicaba sus primeros versos en lengua castellana bajo el título de La flor. Un literato llamado Manuel Murguía escribió una crítica sobre su primera obra publicada. Pocos años después se convertiría en su fiel esposo. Manuel y Rosalía se casaban el 10 de octubre de 1858 iniciando una relación de mutuo respeto y admiración. Él apoyó en todo momento la incipiente carrera literaria de su esposa, con quien además tuvo una numerosa familia, siete hijos, de los cuales dos no sobrevivieron a la infancia.

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Rosalía de Castro escribió en lengua castellana, pero también escribió varias obras en gallego, entre ellas los Cantares gallegos y Follas novas. Con sus textos gallegos, Rosalía de Castro contribuyó ampliamente al renacimiento literario de la lengua gallega, en un momento de fuerte centralismo castellano en el que las lenguas periféricas habían quedado en un marginal segundo plano.

Rosalía de Castro nunca gozó de muy buena salud y tuvo un carácter pesimista y melancólico. Un cáncer de útero terminó con su vida el 15 de julio de 1885, cuando tenía cuarenta y cinco años de edad y hacía tiempo que se había vuelto a instalar en su Galicia natal. Seis años después de su muerte, sus restos fueron trasladados a la Capilla de la Visitación del Convento de Santo Domingo de Bonaval, en el Panteón de Gallegos Ilustres.

© www.postbeeld.nl/nspvfp157-500-ptas

En 1979 se emitía el último billete de 500 pesetas. En él aparecía un retrato de Rosalía de Castro. Solamente ella e Isabel I de Castilla fueron las únicas mujeres en aparecer en un billete español.

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http://escritoras.com/escritoras/Rosalia-de-Castro
http://www.cervantesvirtual.com/portales/rosalia_de_castro/autora_biografia/
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/castro_rosalia.htm

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Versos desde el alma gallega, Rosalía de Castro (1837-1885)

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Evocar la vida y la obra de Rosalía de Castro es recuperar la literatura más hermosa en lengua gallega y castellana. Con un talento excepcional para las letras y los versos, Rosalía tuvo la suerte de superar socialmente un nacimiento poco convencional y encontrarse con un marido que respetó e incluso ensalzó su arte con la pluma en un tiempo en el que las mujeres que destacaban por alguna razón eran consideradas extraños casos que se debían esconder.

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Ana Caro de Mallén (1590-1646)

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Poco sabemos sobre la biografía de esta autora andaluza, asentada la mayor parte de su vida en Sevilla. Hasta nuestros días han llegado muy pocas piezas teatrales del siglo XVII escritas por mujeres  y, en la mayoría de los casos, no sabemos si estas llegaron a ser representadas o no. La importancia de Ana Caro no radica solo en la calidad literaria de su obra, sino en que es la única escritora de esta época de la que se sabe fehacientemente que escribió obras por encargo, por las que cobró, y que en algunos casos fueron llevadas a escena. Esta autora consiguió hacer de la escritura su medio de vida y fue reconocida y aplaudida en su época. De su obra tan solo se conservan dos comedias (“El conde Partinuplés” y “Valor, agravio y mujer”), cinco poemas sueltos y otros escritos menores. Además, fue una de las cronistas más destacadas de la época de Felipe IV y estuvo protegida por el Conde Duque de Olivares. Publicó sus obras teatrales en solitario pero también apareció en diferentes antologías de la época en las que aparecía junto a autores de la talla de Lope de Vega, Calderón de la Barca o Vélez de Guevara, lo cual nos da pistas sobre su fama y reconocimiento.

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Ana Caro representa un nuevo tipo de escritora que comienza a surgir en esta época y que defiende la capacidad de las mujeres para poder vivir de su trabajo como poetas, dramaturgas o novelistas. Unos de los versos más famosos de esta escritora los encontramos en la obra “Valor, agravio y mujer”:

Ya es todo muy viejo allá;

sólo en esto de poetas

hay notable novedad

por innumerables,tanto

que aún quieren poetizar

las mujeres, y se atreven

a hacer comedias ya.

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"La figura de Doña Emilia no podía caber, con sus diversos aspectos, en el estrecho marco de un artículo. Esta mujer superior, de talento positivo, que supo en época hostil a la educación femenina demostrar su valer y su esfuerzo; esa polígrafa ilustre, honra de nuestro sexo, necesitaría un libro voluminoso, (...) ¿Quién no conoce y admira a la Pardo Bazán?".

Con estas palabras presentaba Carmen de Burgos la entrevista que le hizo a la escritora gallega en 1911 para el periódico El Liberal. Un encuentro donde hablaron de literatura, actualidad y feminismo y en el que, cuando la periodista le preguntó a Doña Emilia si esperaba recibir algún día la Cruz de Alfonso XII, destinada a las grandes personalidades del país, Pardo Bazán le respondió con franqueza que prefería una cátedra. "Los honores no valen lo que el trabajo", le dijo.

El voto femenino y la lucha por la igualdad política entre hombres y mujeres sería uno de los principales caballos de batalla de Carmen de Burgos ﻿Clic para tuitear

Para aquel entonces, apenas 20 años antes de la muerte de Carmen de Burgos Seguí (primera mujer periodista profesional de la historia de España, primera corresponsal de guerra, primera que inicia una campaña pidiendo el voto femenino, primera que plantea un debate sobre el divorcio legal en una sociedad regida por chisteras y sotanas, aquella que se hizo llamar por medio mundo Colombine, que impulsó la primera manifestación feminista, que recorrió la Europa y América del primer tercio del siglo XX entre agasajos de presidentes e intelectuales, la mujer que hablaba con reinas y cigarreras, pontífices y prostitutas) probablemente no sospechaba que su propia trayectoria, como la de la Pardo Bazán, sería incontenible en los pocos miles de caracteres que componen un artículo como éste. Lo intuiría mucho después, cuando en otra entrevista en la que esta vez sería ella la protagonista, tras repasar por encima su obra escrita (más de 10.000 artículos publicados en prensa, 134 novelas y otros tantos ensayos, biografías, libros de viaje y hasta recetarios de cocina) acabaría concluyendo que se trataba de "toda una vida deshojada en miles de cuartillas".

A continuación se presentan unas pocas de esas cuartillas, recogidas de debajo de una alfombra hecha de 40 años de dictadura y olvido, gracias a la recuperación de cientos de sus artículos periodísticos en la obra Colombine, Periodista Universal (Junta de Andalucía, 2019), de Concepción Núñez Rey.

Cuartilla 561

- Usted debe firmar Colombine.

Se lo propuso el director de Diario Universal, Augusto Sánchez de Figueroa, tras encargarle una columna diaria con el nombre de "Lecturas para la mujer". Aquel enero de 1903, dos años después de su llegada a Madrid, De Burgos se convertía en la primera periodista profesional española, oficio que aprendió en su Almería natal de su marido, un redactor borracho y mujeriego de cuyos malos tratos huyó con su hija María. Colombine, Colombina, era un personaje de la comedia clásica italiana que representaba el arquetipo de mujer frágil y caprichosa, y la adopción de ese sobrenombre, que nada tenía que ver con ella, fue posiblemente la mayor boutade que brindaría la periodista en su carrera. Años después vendrían más seudónimos (Raquel, Claudine, Marianela, C, Gabriel Luna, Perico el de los Palotes...), pero sería Colombine el único que le acompañaría hasta su muerte; a pesar de que, tal y como reconoció, "la escritora que sueña, piensa y analiza no pueda reír con la alegre despreocupación de la pagana Colombine".

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La habían insultado con esa palabra, la primera con la que durante toda la historia el hombre ha insultado a la mujer, y lo habían hecho desde las páginas del diario El Siglo Futuro. El lamentable ataque vino a propósito de la polémica encuesta sobre el divorcio impulsada desde su columna. Colombine fue a las oficinas del periódico conservador y exigió ver al director, pero en su lugar se presentó un redactor jefe, a quien le exigió una rectificación. " Se negó a ello y le di dos bofetadas... Muy poco después, Nocedal, director del periódico, rectificaba extensa y absolutamente", contaba ella, satisfecha, en una entrevista de 1931.

La campaña sobre el divorcio, que le valió durante un tiempo el apelativo de La Divorciadora por parte de los sectores más conservadores, la inició en 1904, cuando, con la excusa de informar de un supuesto club de matrimonios mal avenidos que había surgido en Madrid, planteó a incontables personalidades de su tiempo que opinaran sobre la regulación de la ruptura matrimonial. Las respuestas recibidas, junto con otras muchas que no llegaron a ser publicadas en Diario Universal por culpa de las presiones, fueron recogidas poco después en El Divorcio en España, el primer libro que desde el periodismo abordó esta cuestión. Una obra con la que De Burgos pretendía atacar "la gazmoñería, mojigatería y beatería ambiente".

Cuartilla 6.719

Hay quien lo celebró como el triunfo de una nueva generación de mujeres modernas, con hambre de justicia y libertad, pero hubo quien recordó a la mujer que puso la primera semilla. El periódico cubano Diario de la Marina, el 10 de octubre de 1931, publicaba junto con la noticia a toda página de la concesión del voto a las mujeres españolas, el rostro de Carmen de Burgos entre los de Victoria Kent y Clara Campoamor. Después de todo, fue ella la primera que planteó un debate público en España sobre el sufragio femenino, con otra encuesta en 1906 lanzada desde las páginas de El Heraldo y similar a la que dos años antes abordó el tema del divorcio.

El resultado de aquel sondeo (4962 votos emitidos por los lectores, de los cuales 922 estaban a favor del voto y 3640 en contra) se acompañaba de la opinión de intelectuales de su tiempo - los hermanos Quintero preferían que no pudieran votar las mujeres, "porque lo que hay en ellas de bueno se echaría a perder"; por su parte, el progresista José Ferrandiz, convencido de la necesidad de educar antes a la población femenina, sostenía que "si hoy diésemos el voto a la mujer la Inquisición estaría reestablecida antes de un año"-. Desde ese momento, el voto femenino y la lucha por la igualdad política entre hombres y mujeres sería uno de los principales caballos de batalla de Colombine... y solo por un inesperado giro del destino se borró su nombre en aquel capítulo de la Historia en la que el Congreso aprobó el sufragio universal en el primer año de la II República: el Partido Republicano Radical Socialista, entre cuyos cuadros figuraba Carmen de Burgos, decidió no presentar diputados a las elecciones constituyentes. Un hecho que impediría su presencia en el histórico debate que enfrentó a Kent y Campoamor en el Parlamento.

Cuartilla 19.689

La fotografía fue tomada en agosto de 1909, en Melilla. Colombine está en el centro, con un vestido claro y un enorme sombrero adornado con flores. Al contrario que el resto de las figuras que aparecen -decenas de soldados españoles mirando a cámara, como desafiando al futuro incierto que les espera-, Carmen se encuentra de perfil. Casi distraída. Su atención estaba en otra parte...

De Burgos escribió Guerra a la guerra, un manifiesto pacifista en el que llamaba a la legalización de la objeción de conciencia y a la supresión del servicio militar obligatorio. ﻿Clic para tuitear

El Heraldo de Madrid la había enviado poco antes a Málaga para que mandara artículos sobre los campamentos que la Cruz Roja había establecido allí para tratar a los miles de combatientes heridos por las cabilas rifeñas. Como la censura militar apenas le permitía criticar la falta de recursos con que eran atendidos los soldados, consiguió cruzar el Estrecho en un barco de vapor para reportajear la guerra desde primera línea. Esta decisión la convirtió en la primera corresponsal de conflictos española. Solía acompañar sus crónicas con la lista de nombres de heridos y fallecidos, para el conocimiento de sus seres queridos en España. A su regreso a la península, escribiría otro de los artículos que consagrarían la firma de Colombine, Guerra a la guerra, un manifiesto pacifista en el que llamaba a la legalización de la objeción de conciencia y a la supresión del servicio militar obligatorio.

Una vida deshojada en miles de cuartillas

En otra de sus páginas relataría cómo le sorprendió la I Guerra Mundial en la frontera sueco-alemana mientras regresaba de un viaje por el norte de Europa. Allí contaría el estado de sospecha y terror al que los alemanes sometieron a todas las personas extranjeras que tenían el pelo negro o cómo ella misma golpeó a un soldado que la confundió por su fuerza con "un ruso vestido de mujer".

Si pudiéramos recoger más cuartillas de su vida encontraríamos la denuncia que hizo sobre una venta de pinturas de El Greco en Toledo, y cómo gracias a sus informaciones se decidió crear el museo dedicado a este pintor que ahora corona orgullosa esta ciudad. O la primera marcha feminista en España, que encabezó en 1921 hasta el Congreso y en donde repartió a sus señorías un manifiesto exigiendo, entre otras cuestiones, la igualdad política de hombres y mujeres y la equiparación de ambos en los códigos civil y penal (el artículo 438 de este último, combatido por Colombine durante años, establecía un eximente de la pena si el marido asesinaba a la mujer por razones de adulterio). Más páginas mostrarían sus eruditas crónicas de viaje por medio mundo; o la publicación de la que hoy sigue siendo la biografía de referencia de su admirado Larra; o relatarían su relación de más de dos décadas con Ramón Gómez de la Serna y cómo éste acabó traicionándola con su propia hija, agravando el problema cardíaco que sufría y que acabó quitándole la vida; o cómo su mirada infalible predijo mucho antes de que ocurriera el desastre de la II Guerra Mundial, el turismo de sol y playa español o el timo generalizado de los contratos en prácticas; o recordarían el que se puede considerar el primer libro de ciencia feminista publicado en España, La Mujer Moderna y sus Derechos, en 1927...

En otra cuartilla de su vida deshojada, referente a uno de sus últimos libros (una biografía sobre Rafael de Riego, cuyo himno fue adoptado por la II República gracias en parte a su labor), lamentaría la manipulación histórica y la destrucción de fuentes documentales por parte de aquellos que han pretendido ofrecer una versión limitada y conveniente de nuestro pasado: "Se puede asegurar que las llamas de las hogueras españolas han significado un atraso para la civilización del mundo".

Precisamente, bajo las llamas, se perdió su memoria.

El franquismo incluyó a Carmen de Burgos entre las autoras prohibidas y cientos de libros suyos pudieron ser quemados ﻿Clic para tuitear

Según la periodista Asunción Valdés, cientos de libros de Colombine pudieron ser quemados por orden del Gobierno Civil de Almería después de que el franquismo incluyera a Carmen de Burgos en una lista de autores prohibidos, junto con nombres como Gorki, Zola o Sénder. La conservación de su obra en bibliotecas y librerías o su reedición serían así fuertemente perseguidas por la dictadura durante décadas.

¿La razón? La también periodista y experta en la figura de Carmen de Burgos, Mar Abad no tiene duda: "Por ser mujer, socialista, laica, republicana...y masona. Ella formó parte de una de las primeras logias exclusivamente femeninas del país, la Logia Amor".

...Y la memoria

Desde los actos por el 150 aniversario del nacimiento de Colombine, en 2017, y gracias en parte a la Fundación Carmen de Burgos que preside María Serrano y a la Asociación de Periodistas de Almería, se está recuperando en la conciencia colectiva el lugar de absoluta relevancia que ocupó Colombine en la España del primer tercio del siglo XX y en la historia del feminismo ibérico y el periodismo español en general.

De momento, la memoria urbana (unas pocas calles con su nombre, una placa en el último lugar donde vivió, una biblioteca en el Instituto Cervantes en Brasil y algún que otro instituto público) aún le debe mucho a Carmen de Burgos. Entre los proyectos de la Fundación a medio plazo, explica Serrano, se encuentra el proponer a los gobiernos autonómicos que incluyan el estudio de su vida y obra en los planes educativos, de la misma manera que ya están autores como Azorín (seudónimo de José Martínez Ruiz), Miguel de Unamuno o Emilia Pardo Bazán.

En una entrevista de 1916, la periodista afirmó que esperaba "resucitar por la fuerza del libro que no habré podido escribir o por hacer alguna información que se le escape a los futuros reporteros y que exija inaplazablemente la actualidad".

Larga vida sea, pues, a Colombine.
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Cuartillas para la memoria: Colombine, la maestra de todas nosotras

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Cuartillas para la memoria: Colombine, la maestra de todas nosotras -

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"La figura de Doña Emilia no podía caber, con sus diversos aspectos, en el estrecho marco de un artículo. Esta mujer superior, de talento positivo, que supo en época hostil a la educación femenina demostrar su valer y su esfuerzo; esa polígrafa ilustre, honra de nuestro sexo, necesitaría un libro voluminoso, (...)

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Pintora

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La fecha marcada en el calendario era el 4 de abril. Ese día debió haberse inaugurado en la National Gallery de Londres una exposición, finalmente aplazada por la crisis sanitaria, dedicada a Artemisia Gentileschi, la pintora italiana del siglo XVII. Nacida en un país marcado desde antiguo por grandes figuras de la pintura, que no le hacen sombra, se ha convertido desde el último tercio del siglo XX y hasta nuestros días en una artista mediática, sobre todo por la corriente feminista de la historia del arte, que la ha presentado como una víctima de los hombres y cuyo arte surgiría, freudianamente, como venganza ante la violencia ejercida contra ella en su adolescencia. Es la única mujer artista de la cultura occidental que ha suscitado el interés de novelistas y cineastas, y han sido varias las obras que han tratado de su vida, más que de su arte, intentando encontrar respuestas al misterio que sigue encarnando la pintora en la actualidad.

Mucho después de la publicación en italiano, en 1947, de la conocida novela de Anna Banti dedicada a la artista -que tituló, con sencillez, Artemisia-, Periférica reedita ahora la obra en castellano, sin duda por el efecto llamada que tiene en nuestros días la proyección de la mujer. Conocí a Banti cuando yo tenía 22 años y era becaria del primer grupo de jóvenes, tres chicos y tres chicas, que, habiendo estudiado Historia del Arte en varios países europeos y en Estados Unidos, queríamos avanzar en nuestras investigaciones sobre el arte italiano. La Fundación Roberto Longhi, creada por el importante historiador italiano del arte y marido de la escritora, ella también historiadora del arte, iniciaba su camino tras la muerte de este, con sede en la Villa il Tasso, a las afueras de Florencia.

Un día, cuando estudiaba en la biblioteca, me llamó Anna Banti, es decir Lucia Lopresti, vedova Longhi, a su casa. Vestía de negro, el rostro surcado por infinitas arrugas, la voz grave, seria y de mirada profunda, hacia dentro, pero escudriñadora, hacia fuera, hacia mí. Yo estaba sentada en una silla más baja, donde ella me había colocado, y su mirada iba de arriba abajo, pero no me intimidó; sobre una mesa redonda, a su lado, había un gran jarrón de flores y encima, detrás y muy cerca, colgaba en el muro el cuadro de Caravaggio Joven mordido por una lagartija, que inesperadamente surge de las flores de un jarrón de cristal. Longhi había sido el gran descubridor moderno del artista y tenía uno de los cuadros más misteriosos de aquel, desde el que su bello protagonista, como Banti, me miraba también a mí, como si me avisara del peligro de meter el dedo en el jarrón de flores de su dueña. La presencia y el magnetismo del cuadro me impiden recordar hoy la conversación con la escritora. De todas formas, nunca me quedó claro lo que quería de mí.

'Judith y su doncella' (1618-1619), óleo conservado en el palacio Pitti de Florencia. ALAMY

En 1917, unos años antes de casarse con su brillante alumna, Longhi había escrito el primer artículo moderno, que redescubría y valoraba modernamente a la artista como figura de interés en la órbita de los caravaggistas. Artemisia Gentileschi, aún niña, había tenido que conocer en directo a Caravaggio, muy amigo de su padre, Orazio, y lo sabemos porque un día aquel fue a buscar en el taller de este unas grandes alas de ángel, que debió de utilizar para alguno de los suyos, y me gusta pensar que fueron las de su desvergonzado y tentador Cupido adolescente de Amor vincit omnia, que pintó, completamente desnudo, en 1602, cuando Artemisia tenía nueve años. En 1606, Caravaggio dejaba Roma tras el juicio por haber matado a un hombre en una reyerta callejera. Tal vez el artista pasó la mano por los cabellos de la pequeña Artemisia en sus visitas al taller de Orazio, como se hace con los niños de amigos, y la pequeña, viva e inteligente, debía de estar muy atenta a lo que ocurría a su alrededor, como lo estuvo el resto de su vida.

Tras la muerte de su madre cuando ella tenía 12 años, Gentileschi organizó para su hija los cuidados femeninos de una vecina casada, Tucia, como era costumbre entonces, pero, junto a ella, la adolescente Artemisia tenía a su alrededor la vida cotidiana del atareado taller, situado en una de las zonas más populares del centro de Roma, cuya vida en ese periodo ha quedado reflejada con agudeza por Montaigne, en sus recuerdos del viaje por Italia, entre 1580 y 1581, en que describía la violencia inaudita de las ejecuciones públicas, los muchos mendigos, las procesiones y carnavales, las carreras de caballos, el tráfico de los poderosos en sus carrozas, el paseo constante y sin rumbo de los romanos por las callejuelas de la ciudad, y las numerosas cortesanas en los balcones (hay que recordar que el gran cuadro de Caravaggio Muerte de la Virgen para el Vaticano, hoy en el Louvre, fue retirado del altar porque la modelo para pintar a la Virgen fue una reconocida prostituta). Era el mundo en que vivía Artemisia, en que había normas de moralidad regidas por la Iglesia, pero en que la sociedad tenía rendijas de libertad por las que corrían, como siempre, las pasiones, el engaño, los intereses y la violencia. Orazio Gentileschi, como pintor de éxito, encaminó a sus hijos por sus mismos derroteros, pero no consiguió que los tres varones, que formó en su taller con Artemisia, llegaran a algo más que a discretos ayudantes.

El arte no es un privilegio familiar, pero esa "chispa divina" que tenía Orazio sí la recibió, y con creces, Artemisia. A los 17 años, en 1610, la pintora revelaba ya una personalidad diferente a la de aquel, un mundo distinto en la expresión de los "afectos del alma", que constituían la novedad máxima en el arte del siglo XVII, y que aparece en su primera obra, Susana y los viejos (palacio de Weissenstein, Pommersfelden). Su preparación técnica, a los 17 años, era notable, y había tomado los pinceles desde niña, ya que domina con efectividad el óleo, el colorido y la luz, y revela asimismo su dominio del dibujo. Era este una práctica imprescindible para representar una figura, sus proporciones, su anatomía y el movimiento, así como la naturalidad y belleza de los ropajes y de sus plegados, o la perfección, intensidad y variaciones de las fisonomías. Por otra parte, salta a la vista que Artemisia había copiado del natural, como cualquier aprendiz del siglo XVII. En Italia eso no era difícil, como sí lo era en España, por un temor desmedido al pecado por contar con modelos desnudos -que muchas veces eran los jóvenes ayudantes de un taller, como en el Cupido de Caravaggio, seguramente su sirviente Cecco- o asistir a las accademie di nudo, donde los artistas se reunían por las noches para copiar del natural bajo la iluminación de las velas, que marcaban mejor la anatomía de los modelos.

'Judith y su doncella' (1628), conservado en el Detroit Institute of Arts. DIA

Artemisia había tenido esa misma enseñanza. Hay que imaginarla en el taller del padre, pero no como una adolescente temerosa e indecisa, sino como una artista en ciernes, mezclada con otros ayudantes y discípulos y copiando como ellos del natural. La belleza de sus desnudos femeninos y su realismo es tal que podemos imaginarla ante el espejo, estudiando su propio cuerpo, a la vista de esa Susana de difícil escorzo de su primer cuadro, o el desnudo de esa vecina, Tucia, que no evitó o que, incluso, pudo favorecer que el gallardo y petulante Agostino Tassi, colaborador de Orazio, tuviera fácil acceso a ella. Era costumbre entre los artistas, los mejores y con mayores posibilidades de éxito, casarse con la hija del maestro, y esa situación se dio en el caso de los Gentileschi. Pero las promesas de matrimonio de Tassi eran un engaño, pues estaba ya casado. El padre llevó a juicio a Tassi, que había intentado, además, robar cuadros del maestro e incluso asesinar a su propia esposa, como revelan los documentos de un proceso que pretendía probar no la violación, sino que Artemisia era virgen antes de sus relaciones con Tassi, que continuaron después de esa agresión, y poder conseguir así la reparación de su honor. Al demostrarse, se condenó al destierro a su asaltante, que nunca lo cumplió.

Orazio casó de inmediato a Artemisia con un ayudante secundario del taller, el florentino Pierantonio Stiattesi, que había declarado a favor de Tassi en el juicio, y ambos se marcharon a Florencia. Esos inicios en falso de la vida de la joven no tuvieron eco más adelante en su reputación, tal vez porque eso era frecuente y se cerraba el tema con el casamiento, pero tuvo que ser, sobre todo, por la evidente calidad de su arte, original en el rico panorama italiano, y por su propia personalidad. Era fuerte de carácter y decidida, atractiva, inteligente e ingeniosa. Se le reconocía una voz bella en el canto y tal vez tocaba el laúd, como se representa en su autorretrato como santa Cecilia, y fue acogida de inmediato por los mejores artistas de la ciudad, como Cristofano Allori, mientras que Michelangelo Buonarroti, sobrino de Miguel Ángel y admirador de la pintora, le encargó uno de los frescos de la casa que organizaba en memoria de su tío. Fue, además, la primera mujer aceptada en la prestigiosa Accademia del Disegno, y entre sus patronos se contaban nada menos que los Medici, para quienes pintó el tema, con el que tuvo gran éxito, de Judith y Holofernes.

Artemisia había hecho amistad en Florencia con Galileo Galilei, a quien seguía escribiendo años después desde Nápoles, mientras que los poetas escribían versos en su honor. Fue en esa ciudad donde Artemisia se enamoró, tal vez por primera vez, de un joven patricio de 20 años, Francesco Maria Maringhi, que se ha sabido solo desde hace unos años al localizarse en Florencia, en el archivo Frescobaldi, las cartas de la pintora dirigidas a su amante. Sus amores eran conocidos de su marido, que se benefició del apoyo económico de aquel, si bien esa relación determinó que marcharan a Roma en 1621 y que Artemisia comenzara una vida libre, separada de su esposo. Viajera sin miedo en el difícil mundo del siglo XVII, buscó los centros mejores para su arte, como Venecia, donde perteneció a la Accademia dei Deseosi, y tal vez pasó un tiempo en Génova, donde vivía entonces su padre, mientras que desde 1630 residió, con sus dos hijas vivas, de los cinco que había tenido, en la rica e importante Nápoles, centro artístico donde esta hábil emprendedora fundó un taller que competía con los mejores artistas de la ciudad, como Ribera o Stanzione, y con encargos de patronos de importancia. Entre otros, del virrey de España, que tenía tres obras suyas y encargó para Felipe IV el Nacimiento de san Juan Bautista. El cuadro cuelga, desde hace unos días, en el Museo del Prado, que lo ha incluido en su nuevo recorrido expositivo, Reencuentro, hasta el 13 de septiembre.

Hay cuestiones en las que Artemisia fue mucho mejor que los pintores de su tiempo. Por ejemplo, a la hora de representar a la mujer. A pesar de la perfección de los artistas del siglo XVII en los desnudos de sus Venus y Dianas -entre los que se cuentan los italianos, como Carracci, Reni, Guercino y Sacchi, o los extranjeros, como Rubens, Velázquez o Rembrandt-, los desnudos de Artemisia no solo captan con una veracidad no alcanzada por los hombres el cuerpo de la mujer y sus emociones, como si ella con su pincel quitara el velo de castidad que cubre a todas las diosas pintadas por aquellos. Esa capacidad de la pintora -en sus Lucrecias, Venus dormidas, Cleopatras y Magdalenas, e incluso en la mujer fuerte por excelencia, Judith- fue admirada y buscada por sus mecenas, que encargaron repetidamente esas composiciones que permitían ver a las féminas no como protagonistas timoratas, sino como seres fuertes, conscientes de su belleza, con la misma energía de sus compañeros y que disfrutaban del amor sin reservas.

'Judith decapitando a Holofernes' (1612-13). Museo Capodimonte (Nápoles)

Artemisia fue tratada en su momento con respeto, con admiración y con igualdad, como una artista más, una pintora a la que pagar por sus obras más que a un hombre, como hizo el sobrino de Miguel Ángel por la pintura que le había encargado, Alegoría de la inclinación, cuyo desnudo, como en otras ocasiones, fue "adecentado" después con los paños que cubren su cuerpo. También por la intensidad única del claroscuro, con una iluminación alcanzada solo en el cine, más misterioso incluso que el de su creador, Caravaggio. Destaca en Artemisia su captación de la sangre, que ha visto en vivo, y que retrata con una fuerza simbólica. La garganta de Holofernes, seccionada cruelmente por Judith, la deja escapar en abundancia, roja, oscura, a borbotones, salpicando y manchando las sábanas blancas de su lecho. Hay solamente en ese siglo una sangre como esa, en una composición muy distinta, el famoso Cristo en la cruz de Velázquez, pintado justamente en 1631, al poco de regresar de Italia, en enero de ese año. Y si es verdad que el artista no pudo ver la versión de Judith y Holofernes, pintada por Artemisia en Florencia para los Medici, ya que el español no se detuvo allí durante su primer viaje a Italia, sí que visitó Nápoles a su regreso, donde se conservaba ya la segunda versión de ese tema. El paralelismo entre la sangre de Artemisia y la de Velázquez es sorprendente. Tal vez el pintor aprendió en directo, como solo hacen los artistas, algo de la excelencia de Artemisia: el color y la textura de ese rojo.

La artista está ciertamente con los tiempos que corren y no solo por ser un icono del feminismo, sino porque murió posiblemente, según las últimas hipótesis, en la terrible epidemia de peste que asoló Nápoles en 1656. Desapareció más de la mitad de la población y entre las víctimas se contaban algunos de los más importantes artistas de la ciudad, como Bernardo Cavallino o Stanzione, amigo y colaborador de Artemisia. De ella, sin embargo, no hay noticias, aunque según un documento de 1654 aún estaba viva ese año. Su nombre no figura entre los artistas muertos en la epidemia y tal vez habría que buscarla entre las más de 40.000 capuzelle (calaveras) que yacen en el cementerio napolitano de Fontanella. Una inscripción en la iglesia napolitana de San Giovanni dei Fiorentini, destruida en la Segunda Guerra Mundial, señalaba, tal vez, la ubicación de su tumba: Heic Artemisia ("Aquí Artemisia"), aunque dieran cuenta de ella noticias tardías, ya del siglo XVIII, seguramente imaginadas.

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Artemisia Gentileschi, de pintora olvidada a icono feminista

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Su regreso a las salas del Prado, la reedición de la novela que le dedicó la historiadora Anna Banti y la exposición que prepara la National Gallery recuerdan la fascinación que la gran artista barroca sigue ejerciendo en nuestro tiempo

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Artemisia Gentileschi representa el ejemplo de la discípula que supera al maestro, en este caso su padre, Orazio Gentileschi, uno de los grandes exponentes de la escuela romana de Caravaggio. Tanto es así que durante mucho tiempo se dudó entre ambos de la autoría de muchos de los cuadros, aunque Artemisia siempre se acercó más al maestro lombardo del claroscuro por la violencia y el dinamismo que reflejan sus obras.

En un mundo y en una época en las que solo han trascendido nombres y obras de pintores, Artemisia fue tratada con respeto, admiración e igualdad que el resto de artistas. No se puede decir lo mismo en su vida personal, donde sufrió abusos sexuales por parte de un ayudante del taller de su padre y fue vejada y humillada en un juicio público para probar su honra.

Hizo amistad con Galileo y se carteó con él, Buonarroti, el sobrino de Miguel Ángel, la admirada y le encargó una obra, trabajó bajo los auspicios de los Medici, conoció a Anthony Van Dyck, también junto a su padre bajo el patrocinio de Carlos I de Inglaterra y viajó por las ciudades bandera de la pintura barroca de Europa en el siglo XVII para impregnarse de todos los matices, escuelas y tendencias.

Pero si en algo destacó Artemisia por encima del resto de pintores fue a la hora de representar a la mujer. Los desnudos que pintó, siempre de temas religiosos o históricos, transmiten unas emociones y una fortaleza que nunca alcanzaron otros maestros del desnudo femenino como Rubens, Velázquez, Rembrandt, Carracci, Reni, Guercino o Sacchi.

En sus pinturas de personajes femeninos como Lucrecia, Betsabé, Judith, Cleopatra, santa Cecilia o Magdalena se han leído rasgos feministas rescatados el pasado siglo después de un gran olvido. Diversos análisis de su obra la sitúan como la pintora más importante del Barroco, habiendo sido su vida inspiración para novelas, ensayos e incluso para una película.

Artemisia Gentileschi logró en su vida altas cuotas de independencia personal y gran reconocimiento a su valía creativa, y tal vez por ello, y también marcada por el trauma de la agresión sexual que sufrió en su juventud, ofrece siempre en sus cuadros algún rasgo de la mujer valerosa y excepcional que formaba parte del imaginario dominante pero con actitudes especiales de coraje y llenas de fuerza física y moral que se resisten a ser controladas.

Artemisia nació en Roma tal día como hoy, 8 de julio, hace 427 años, en 1593. Su familia estaba compuesta por cuatro hijos y ella era la única mujer. Su padre, el pintor Orazio Genteleschi, fiel seguidor de Caravaggio, enseñó a sus hijos dibujo, cómo empastar los colores y la forma de dar brillantez a los cuadros. Todo giraba en torno a Caravaggio, que de vez en cuando visitaba el taller, pero solo Artemisia asimiló los conceptos mientras que sus hermanos se quedaban en meros aprendices.

Artemisia Gentileschi se quedó huérfana de madre cuando tenía 12 años pero continuó con sus progresos pictóricos. En 1610 firmó su primera obra, 'Susana y los viejos', que fue atribuida durante mucho tiempo a su padre. En el cuadro ya se observa asimilado el realismo de Caravaggio y el nuevo enfoque, en el que la protagonista rehúye, avergonzada, la atención de los viejos que la miran y en una postura que no era habitual, ya que hasta entonces los desnudos femeninos solían pintarse en la acción del baño.

En mayo de 1611 Artemisia sufrió otra tragedia que marcó su vida: los abusos sexuales de uno de los colegas de su padre, Agostino Tassi, que ante la imposibilidad de que entrara en las escuelas de Bellas Artes, reservadas para hombres, lo nombró su tutor. Era costumbre entre los artistas que los de mayores posibilidades se casaran con la hija del maestro, pero Tassi se negó a hacerlo, a pesar de su promesa, así que Orazio inició un juicio contra él que duró varios meses y que resultó especialmente traumático para Artemisia al tener que demostrar en público su virginidad anterior. El honor de Artemisia quedó a salvo y se demostró que Tassi estaba casado, que quería asesinar a su esposa e incluso robar cuadros a Orazio. La corte exilió a Tassi de Roma, pero la orden nunca se cumplió.

La pintura 'Judith decapitando a Holofernes' (1612-1613), que se exhibe en la Galleria degli Uffizi de Florencia impresiona por la violencia de la escena que representa, y ha sido interpretada en clave psicológica y psicoanalítica como un deseo de venganza respecto a la violencia que ella había sufrido.

Gentileschi se casó un mes después con un ayudante secundario del taller, llamado Pietro Antonio di Vicenzo Stiattesi. Con él se mudó a Florencia, aunque su unión no fue feliz, pero le dio la oportunidad de prosperar como artista. En Florencia Gentileschi disfrutó del patrocinio de Cosimo de Medici y se hizo amigo de muchos artistas, escritores y pensadores de su tiempo, incluido el famoso astrónomo Galileo Galilei y el sobrino de Miguel Ángel, Buonarroti. Fue la primera mujer en ingresar en la Academia del Dibujo de Florencia.

En esa ciudad Artemisia se enamoró, quizá por primera vez, de un joven patricio de 20 años. Su aventura era conocida por su marido según las cartas encontradas recientemente y se marcharon a Roma en 1621, donde la pintora comenzó una vida libre e independiente que incluyó viajes con una estancia en Génova, donde vivía entonces su padre. En 1630 se trasladó a Nápoles, donde residió con sus dos hijas vivas, de los cinco que había tenido. Allí fundó un taller que competía con los mejores artistas de la ciudad, como Ribera o Stanzione, y con encargos de patronos de importancia como el virrey de España, que ya tenía tres obras suyas y encargó para Felipe IV el 'Nacimiento de san Juan Bautista'.

En Nápoles Artemisia trabajó por primera vez en cuadros para una catedral, dedicados a San Jenaro en Pozzuoli. En 1638 Artemisia se reunió con su padre en Londres, en la corte de Carlos I de Inglaterra, donde Orazio se convirtió en pintor cortesano y recibió el importante encargo de decorar un techo en la Casa delle Delizie de la reina Enriqueta María de Francia en Greenwich con la alegoría del 'Triunfo de la Paz y de las Artes'.

El padre de Artemisia murió repentinamente en 1639 y ella tuvo que cumplir sus encargos, aunque no hay muchas obras que puedan asignarse con certeza a este periodo. Poco después, en 1642, Artemisia abandonó Inglaterra cuando se produjeron las primeras escaramuzas de la guerra civil.

La reconocida artista regresó definitivamente a Nápoles, donde pasó el resto de su vida. Allí tuvo como mecenas a Antonio Ruffo, de Sicilia, y en la correspondencia que mantuvieron siempre se mostró activa y con proyectos.

Hasta hace poco se pensaba que Artemisia había muerto en 1653, aunque evidencias recientes vienen a confirmar su muerte en la devastadora epidemia de peste que asoló Nápoles en 1656 y que se llevó por delante a la mitad de la población y con ella a toda una generación de artistas.

Su tumba se encontraba en la iglesia de San Giovanni Battista dei Fiorentini de Nápoles, que fue demolida tras la Segunda Guerra Mundial. En su lápida estaba escrito un sencillo "HEIC ARTEMISIA" (Aquí Artemisia).

Después de su muerte fue prácticamente olvidada hasta el siglo XX, cuando un ensayo de 1916 del crítico de arte italiano Roberto Longhi titulado 'Gentileschi padre e figlia' (Gentileschi padre e hija) tuvo el mérito de llamar la atención de la crítica sobre la estatura artística de Artemisia Gentileschi en el ámbito de los caravaggistas en la primera mitad del siglo XVII.

A partir de ese momento surgió también el interés feminista en Artemisia Gentileschi. La historiadora de arte Linda Nochlin publicó un artículo titulado '¿Por qué no han existido grandes artistas mujeres?' Nochlin asegura que los estudios sobre Artemisia y otras artistas femeninas "valían la pena" para "aumentar nuestro conocimiento sobre los logros de las mujeres y de la historia del arte en general", y su artículo llevó a los académicos a hacer un mayor esfuerzo por "integrar a las mujeres artistas en la historia del arte y la cultura".

Artemisia tiene alrededor de un centenar de obras en las principales pinacotecas del mundo. Si bien es cierto que hubo mujeres pintoras coetáneas, como Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana, Fede Galizia o Barbara Longhi, ella destacó por encima de todas por su manejo de los pinceles, de la luz y de la veracidad de las mujeres que pintó, más allá del realismo, imprimiendo retazos en su carácter desconocidos hasta entonces en la pintura.

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Artemisia Gentileschi, la maestra de las representaciones femeninas del Barroco

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Artemisia Gentileschi representa el ejemplo de la discípula que supera al maestro, en este caso su padre, Orazio Gentileschi, uno de los grandes exponentes de la escuela romana de Caravaggio. Tanto es así que durante mucho tiempo se dudó entre ambos de la autoría de muchos de los cuadros, aunque Artemisia siempre se acercó más al maestro lombardo del claroscuro por la violencia y el dinamismo que reflejan sus obras.

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La relación de la mujer con el teatro es muy compleja: excluidas de los escenarios, en España no se profesionalizan hasta el 18 de noviembre de 1587 cuando el Consejo de Castilla aprueba que las mujeres participen en el acto teatral como actrices. Sin embargo, se les exigen dos condiciones: estar casadas e ir acompañadas de sus maridos. A partir de este momento las mujeres han de actuar“en hábito y vestido de muger y no de hombre y con que de aquí adelante tampoco pueda representar ningún muchacho vestido como muger”. Como se observa, a la mujer no se le concede la libertad de ser actriz, sino que este pequeño "privilegio" se le otorga para acabar con el travestismo de los actores que representaban papeles femeninos.
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En el s. XVII contamos ya con algunas actrices muy famosas, como es el caso de María Calderón, más conocida como La Calderona. Pocos datos se conservan sobre su vida, pero se sabe que fue amante de Felipe IV, con quien tuvo un hijo a quien el rey reconoció como bastardo. Después de dar a luz fue obligada a abandonar los escenarios y se la recluyó en un convento en Guadalajara del que llegó a ser abadesa y donde permaneció hasta su muerte. No obstante, la leyenda cuenta que la Calderona logró escapar del convento y vivió oculta en una sierra al norte de Valencia que actualmente lleva su nombre.
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La vida de esta gran actriz, que cosechó amplia fama en el teatro barroco, debió de ser apasionante; sin embargo, el hecho de ser mujer y de disfrutar de su sexualidad la apartó de los escenarios, y es de suponer que si hubiera sido un hombre el hecho de tener uno o más hijos fuera del matrimonio no le hubiera acarreado tan dura pena.
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¿Estáis de acuerdo con la última afirmación? ¿Conocíais a esta gran mujer? Os leo en comentarios y si os ha gustado... dejad un 💜.
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(Cita extraída del artículo " La incorporación de la mujer a la empresa teatral: actrices, autoras y compañías en el Siglo de Oro" de Teresa Ferrer Vales

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Nace en Venecia hacia 1364 y desde los cuatro años vive en la corte de Carlos V de Francia, a cuyo servicio se hallaba su padre en calidad de médico y astrólogo. La educación de la joven fue exquisita, iniciándose incluso en los estudios científicos. Se casó a los 15 y a los 25 años enviudó, tras haber sido madre de tres hijos a los que mantuvo, en buena medida, gracias a sus escritos. Comenzó cultivando la poesía, con la que alcanzó gran notoriedad, y posteriormente escribió sobre política e historia.
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Estuvo implicada en la llamada “querella de las mujeres”, debate académico que, desde el s.XIV, surge en torno al derecho de las mujeres a acceder a la política o la universidad y se basa en la afirmación de su capacidad intelectual (que se le había negado durante siglos). Una de las obras más importantes de esta escritora es “Epístola del dios del Amore” en la que critica a Ovidio y a un autor misógino contemporáneo, el conocido Jean de Meun, segundo autor de "Le Roman de la Rose", por difundir falacias morales sobre las mujeres. Su obra más conocida es “La ciudad de las damas” (1405), una colección de relatos sobre heroínas del pasado, tanto históricas como mitológicas. Con ella combate las afirmaciones misóginas de Meun creando una ciudad alegórica en la que aparecen mujeres fuertes, valientes y leales.

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Recursos coeducativos en torno al Día del Orgullo LGTBI, consistente en una selección de lecturas, vídeos, cortometrajes y películas.

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Recursos coeducativos en torno al Día del Orgullo LGTBI, consistente en una selección de lecturas, vídeos, cortometrajes y películas.

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El 28 de Junio se celebra el Día del Orgullo LGTBI+, en el que se conmemora los disturbios de Stonewall (Nueva York) de 1969, que marcaron el inicio de la liberación homosexual.

Se trata de un momento de visibilizar y reivindicar la instalación de la igualdad de su colectivo.

Este año, aunque con las medidas de seguridad sanitarias que vivimos no puedan realizarse actos multitudinarios y presenciales, se debe seguir visibilizando esta efeméride por vías no presenciales y desde la coeducación.

Para ello, se facilitan algunos recursos que desde casa se pueden utilizar para inculcar el respeto, la igualdad, la justicia y al fin al cabo la "normalidad" (concepto tan utilizado ultimamente) de este colectivo entre grandes y pequeños/as.

Por último, os dejo el vídeo realizado para el día del orgullo de este año de la Diputación Provincial de Huelva, así como el bonito vídeo del 40 aniversario del Orgullo en Madrid realizado en 2018:

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El 28 de Junio se celebra el Día del Orgullo LGTBI+, en el que se conmemora los disturbios de Stonewall (Nueva York) de 1969, que marcaron el inicio de la liberación homosexual. Se trata de un momento de visibilizar y reivindicar la instalación de la igualdad de su colectivo.

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PERSONAJES LITERARIOS FEMINISTAS EN LOS SIGLOS DE ORO

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PERSONAJES LITERARIOS FEMINISTAS EN LOS SIGLOS DE ORO

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Personajes literarios feministas en los Siglos de Oro

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Filósofa

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La historia de la primera filósofa del mundo: Hypatia de Alexandria

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Hipatia de Alejandría fue mártir de la cruel lucha entre ciencia y religión, asesinada por ser fiel a sus ideas científicas y políticas.

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🎭TEATRO Y MUJER EN LA EDAD MEDIA🎭
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La mujer está ligada al teatro medieval desde sus orígenes, ya que la primera persona, cuyo nombre conocemos, en escribir una obra teatral (o al menos un texto cercano a este género que aún se está gestando en el medievo) fue Roswitha de Gandersheim, escritora alemana del s. X. En el siglo XI nos encontramos con Hildegarda von Bingen, también escritora alemana, que compuso el drama moral más antiguo que se conserva en Europa.
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En cuanto al teatro castellano, tenemos constancia de que se realizaron representaciones en conventos femeninos como atestigua esta obra de Gómez Manrique (tío de Jorge Manrique): «La Representación del Nascimiento de Nuestro Señor, a instancia de doña María Manrique, vicaria en el monesterio de Calabaçanos, hermana suya. De Gómez  Manrique». Se puede suponer que más representaciones de esta índole tuvieron lugar en la Edad Media en diferentes monasterios femeninos de monjas nobles. Cabe recordar que estos espacios supusieron, para muchas mujeres, un lugar de libertad, ya que estas pasaban de manos del padre a las del marido, sometidas siempre a la autoridad masculina.
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¿Conocíais a estas escritoras? ¿Y la relación entre la mujer medieval y el teatro? Creo que es fundamental sacar del olvido a todas estas mujeres y reivindicarlas 💜. Espero que os haya gustado la ilustración y la historia si es así dadle mucho ❤️❤️ para poder difundir ☺️.
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#lasescritorastambiénmolan #yoleoescritoras #escritoras #mujeresenlaliteratura #mujeresescritoras #profedelenguayliteratura #lenguayliteratura #literaturamedieval #literaturacastellana #historiadelaliteratura #literaturailustrada

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Pedro Cifuentes (@krispamparo) es profesor de ciencias sociales, ilustrador, dibujante de webcómics, y muchas más cosas. Su blog Pizarra con garabatos contiene diferentes propuestas, en particular, parte de su trabajo como ilustrador. Os aconsejo que lo visitéis.

Compartimos anteriormente otro de sus trabajos en la entrada Siete mujeres en un 'Abecedario Científico'.

Esta vez, la filosofía y algunas de sus más insignes representantes son las protagonistas del Abecedario de filósofas, que Pedro Cifuentes retrató en el Día de la Mundial de la Filosofía del pasado año.

Como podéis comprobar, ellas son:

Como comenta su autor, Pedro Cifuentes, puede compartirse y usarse con fines no comerciales:

Cuanto más compartamos, más aprenderemos.

Más información

Pedro Cifuentes, Abecedario de filósofas, Pizarra con garabatos, 6 noviembre 2017.

Un especial agradecimiento a Pedro Cifuentes por permitirnos reproducir sus ilustraciones en Mujeres con ciencia.

Edición realizada por Marta Macho Stadler

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Abecedario de filósofas - Mujeres con ciencia

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Filosofía. Hannah Arendt. Simone de Beauvoir. Margaret Cavendish. Victoria Camps. Chantal Delsol. Nancy Fraser. Hipatia. Graciela Hierro. Isabel de Bohemia. Luce Irigaray. Julia Kristeva. Susanne Lager. Maria Montessori. Martha Nussbaum. Ayn Rand. Susan Sontag. Teresa de Jesús. Mary Wollstonecraft. María Zambrano

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Documental "Clonar a un hombre"

El estreno del documental el pasado 7 de junio el canal de Youtube fue un éxito con más de 250 visualizaciones en directo y 3.000 visitas en los siguientes tres días.

En el vídeo de la izquierda puedes ver el documental, que tiene licencia Creative Commons y por tanto te animamos a que lo difundas y lo utilices para las actividades que se te ocurran.

Con este objetivo, hemos creado además una Guía de apoyo a la reflexión que podrás descargar de forma gratuita y que esperamos que te sirva para dinamizar grupos de hombres, grupos de estudiantes o cualquier actividad social en la que decidáis compartir el visionado del vídeo.

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El estreno del documental el pasado 7 de junio el canal de Youtube fue un éxito con más de 250 visualizaciones en directo y 3.000 visitas en los siguientes tres días. En el vídeo de la izquierda puedes ver el documental, que tiene licencia Creative Commons y por tanto te animamos a que lo difundas y lo utilices para las actividades que se te ocurran.

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Masculinidades