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 ''La calligrafia, acrostico e anagramma''

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 ''La calligrafia, acrostico e anagramma''

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Power point!

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Bruno Munari: scopri le opere e la biografia del designer e artista italiano. Su Domus trovi tutti gli articoli dedicati ai progetti di Bruno Munari.

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L'arte di tracciare la scrittura in forma elegante e regolare.

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Corso base di calligrafia lez.1 lettera A

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Corso base di calligrafia lez.1 lettera A

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Corso Base  di Calligrafia Moderna, Lez.1: la lettera "A"  (Brush lettering) Arte per Te

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Da Wikipedia, l'enciclopedia libera.

Bibbia latina scritta da Gerard Brils in Belgio nel 1407. Conservata all'Abbazia di Malmesbury, Inghilterra.
suarum recensiti sunt per nomina sin /
gulorum a viginti annis et supra omnes /
qui ad bella procederent:(25) quadragin /
ta quinque milia sescenti quinqua /
ginta. (26) De filiis Iuda per genera /
tiones et familias ac domos /
cognationum suarum per nomina /
singulorum a vicesimo anno et /
(Numeri 1:24-26)
Da notare le abbreviazioni: il simbolo per (-rum), (prima parola della seconda riga), le sbarre sopra le vocali a indicare una n, "viginti annus" (seconda riga), il simbolo per "et" (ma a fine testo è scritto per intero), la 'p' modificata al posto di 'per', i punti sopra le lettere a indicare lettere mancanti

La calligrafia (dal greco καλός calòs "bello" e γραφία graphìa "scrittura") è la disciplina che insegna a tracciare una scrittura regolare, elegante e ornata e l'arte che la manifesta.

Nell'antichità è stata sviluppata spesso in ambito religioso, laddove era possibile indulgere all'arte come forma di comunicazione.

Calligrafia occidentale[modifica | modifica wikitesto]

La calligrafia occidentale risale agli scribi greci e romani e si sviluppò poi nel periodo romanico con la grafia semionciale, che si distinse da quella bizantina, e poi con la fioritura del Gotico nel Medioevo, che produsse pregevoli manoscritti miniati. I libri scritti e decorati a mano divennero meno comuni dopo l'invenzione della stampa a opera di Johannes Gutenberg nel XV secolo.

Verso la fine del Quattrocento si diffusero i primi manuali in coincidenza con il successo della lettera corsiva, tra i quali il manoscritto dell'umanista Felice Feliciano, che nel 1463 istruì i lettori sulla costruzione geometrica delle lettere, e soprattutto l'Operina da imparare di scrivere littera cancellarescha del 1522 scritto da Ludovico degli Arrighi e i popolarissimi trattati di Giambattista Palatino del 1540 e del Cresci (1560) con una ornamentazione più barocca.[1]

Dopo che nel XVII secolo si diffuse il gusto barocco che modificò alcune caratteristiche della calligrafia del Cinquecento, introducendo una maggiore rotondità, si assistette per tutto il Seicento a una lotta tra il sistema cancelleresco italiano e quello francese, detto cursive françoise. Alla fine prevalse il modello italiano anche se i più grandi calligrafi francesi, come il Barbedor riuscirono a raggiungere una soluzione di compromesso.[2].

Grazie alla supremazia culturale conquistata dalla Francia di Luigi XIV, i modelli francesi, seppur in origine italiani, si diffusero un po' dovunque, dando vita a un periodo aureo francese grazie alla presenza di ottimi trattatisti, incontrando resistenza in Inghilterra, dove i maestri di letteratura dell'Università di Oxford misero a punto la corsiva inglese, solo in parte influenzato dai francesi, e in Germania, dove lo spirito riformista e nazionalista spinse i calligrafi locali verso una posizione vicina alla gotica, chiamata Fraktur.

Successivamente la calligrafia subì un calo di interesse e decadde fino alla fine del XIX secolo, quando William Morris, l'Arts and Crafts Movement ed Edward Johnston la rivalutarono e la resero nuovamente popolare, imponendo la corsiva inglese. Molti importanti calligrafi contemporanei sono originari di Paesi anglosassoni, benché l'intera Europa esprima a tutt'oggi solide personalità in questa poco nota arte. Tra i contemporanei, nomi rilevanti sono Hermann Zapf, Thomas Ingmire, Fernando Lembo di Pino, Rudolf Koch.

Calligrafia estremo-orientale[modifica | modifica wikitesto]

La calligrafia estremo-orientale usa tipicamente pennelli e inchiostro per scrivere i sinogrammi.

La calligrafia (in cinese, shūfǎ 書法, lett. "via/regola/metodo della scrittura", in lingua vietnamita thư pháp (書法), in coreano sŏye (서예?, 書藝?), lett. "abilità nella scrittura" in giapponese shodō 書道, lett. "la via della scrittura") è considerata un'arte importante nell'Asia orientale e la più raffinata forma di pittura.

La calligrafia ha avuto ripercussioni sulla maggior parte delle forme d'arte delle aree influenzate dalla civiltà cinese, ad esempio la pittura ad inchiostro e acqua, uno stile di pittura orientale che impiega l'inchiostro di china.

Molti sono stati, inoltre, i calligrafi e gli artisti occidentali affascinati dalle scritture orientali che hanno operato in questi "diversi territori" dell'Arte della scrittura (shodō).

Un calligramma arabo usato come ornamento architettonico. Mekhnes, Marocco

Calligrafia araba o ottomana[modifica | modifica wikitesto]

La calligrafia araba è spesso rappresentata nell'arte musulmana e svolge una funzione di ispirazione. Le scuole calligrafiche facevano parte del curriculum degli studenti di teologia.

L'uso della calligrafia nell'arte fu favorito dalle restrizioni religiose sull'arte figurativa. Quando usata in maniera decorativa, la calligrafia araba è spesso così ornata da risultare difficilmente leggibile anche a un occhio esperto ed è spesso impreziosita da elaborati di oro e da incorniciature a colori.[1]

Note[modifica | modifica wikitesto]

1. ^ a b "Le Muse", De Agostini, Novara, 1964, Vol. III, pag. 1

2. ^ Universo, De Agostini, Novara, Vol. II, pag. 522-523

Bibliografia[modifica | modifica wikitesto]

Cesare Torricelli, Manuale di Calligrafia, G.B. Paravia & C., Torino 1939.

Gabriel Mandel, Storia del libro tabellare, Torino, 1964.

Francesco Ascoli, Dalla cancelleresca all'inglese, Alessandria, 2012.

Altri progetti[modifica | modifica wikitesto]

Collegamenti esterni[modifica | modifica wikitesto]

(EN) Calligrafia, su Enciclopedia Britannica, Encyclopædia Britannica, Inc.

Shodo.it, il sito italiano sulla calligrafia sino-giapponese, su shodo.it.

Shodo. Calligrafia giapponese, su japancalligraphy.eu.

Shodo, l'arte della calligrafia giapponese [1]

Associazione Calligrafica Italiana A.C.I., su calligrafia.org.

Video Esplicativo Calligrafia secondo Monica Dengo https://vimeo.com/163822981

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La calligrafia nelle varie parti del mondo

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La calligrafia nelle varie parti del mondo

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C'è la calligrafia:
- Estrema-Orientale
- Occidentale
- Araba e Ottomana

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Biografia

Gianni Rodari è nato a Omegna nel 1920. Dopo aver conseguito il diploma magistrale, per alcuni anni ha fatto l'insegnante. Al termine della Seconda guerra mondiale ha intrapreso la carriera giornalistica, che lo ha portato a collaborare con numerosi periodici, tra cui "L'Unità", il "Pioniere", "Paese Sera". A partire dagli anni Cinquanta ha iniziato a pubblicare anche le sue opere per l'infanzia, che hanno ottenuto fin da subito un enorme successo di pubblico e di critica. I suoi libri hanno avuto innumerevoli traduzioni e hanno meritato diversi riconoscimenti, fra cui, nel 1970, il prestigioso premio "Hans Christian Andersen", considerato il "Nobel" della letteratura per l'infanzia.

Negli anni Sessanta e Settanta ha partecipato a conferenze e incontri nelle scuole con insegnanti, bibliotecari, genitori, alunni. E proprio dagli appunti raccolti in una serie di questi incontri ha visto la luce, nel 1973, Grammatica della fantasia, che è diventata fin da subito un punto di riferimento per quanti si occupano di educazione alla lettura e di letteratura per l'infanzia. Gianni Rodari è morto a Roma nel 1980. Tra le sue opere più significative: Le avventure di Cipollino, Gelsomino nel paese dei bugiardi, Filastrocche in cielo e in terra, Favole al telefono, Il libro degli errori, C'era due volte il barone Lamberto.

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Gianni Rodari: biografia dello scrittore per l'infanzia e pedagogista

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Gianni Rodari è nato a Omegna nel 1920. Dopo aver conseguito il diploma magistrale, per alcuni anni ha fatto l'insegnante. Al termine della Seconda guerra mondiale ha intrapreso la carriera giornalistica, che lo ha portato a collaborare con numerosi periodici, tra cui "L'Unità", il "Pioniere", "Paese Sera".

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La calligrafia occidentale risale agli scribi greci e romani e si sviluppò poi nel periodo romanico con la grafia semionciale, che si distinse da quella bizantina, e poi con la fioritura del Gotico nel Medioevo, che produsse pregevoli manoscritti miniati. I libri scritti e decorati a mano divennero meno comuni dopo l'invenzione della stampa a opera di Johannes Gutenberg nel XV secolo.

Verso la fine del Quattrocento si diffusero i primi manuali in coincidenza con il successo della lettera corsiva, tra i quali il manoscritto dell'umanista Felice Feliciano, che nel 1463 istruì i lettori sulla costruzione geometrica delle lettere, e soprattutto l'Operina da imparare di scrivere littera cancellarescha del 1522 scritto da Ludovico degli Arrighi e i popolarissimi trattati di Giambattista Palatino del 1540 e del Cresci (1560) con una ornamentazione più barocca.[1]

Dopo che nel XVII secolo si diffuse il gusto barocco che modificò alcune caratteristiche della calligrafia del Cinquecento, introducendo una maggiore rotondità, si assistette per tutto il Seicento a una lotta tra il sistema cancelleresco italiano e quello francese, detto cursive françoise. Alla fine prevalse il modello italiano anche se i più grandi calligrafi francesi, come il Barbedor riuscirono a raggiungere una soluzione di compromesso.

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ASPETTATIVE E CONTRIBUTI.

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IN MESOPOTAMIA

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IN MESOAMERICA

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Poesia realizzata anche mediante una studiata disposizione tipografica di versi.

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Cos'è la poesia?

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LIBRO ILLEGIBILE  MUNARI

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Guillaume Apollinaire nel XX sec.

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La prima poetessa della storia di cui si abbia notizia fu la sacerdotessa sumera Enheduanna, vissuta nella Mesopotamia del XXIV secolo a.C. Nell'età romana la poesia si basava sull'alternanza tra sillabe lunghe e sillabe brevi: il metro più diffuso era l'esametro.

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Il caviardage significa censurare, ma non prevede la cancellazione del testo come azione primaria, bensì la scelta delle parole che insieme hanno un senso compiuto:
la censura viene fatta di solito con disegni e colori coerenti all'argomento.

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video spiegazione

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Esempi

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Il caviardage

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Bruno Munari Premio Compasso d'oro nel 1954
Premio Compasso d'oro nel 1955
Premio Compasso d'oro nel 1979

È stato "uno dei massimi protagonisti dell'arte, del design e della grafica del XX secolo", dando contributi fondamentali in diversi campi dell'espressione visiva ( pittura, scultura, cinematografia, disegno industriale, grafica) e non visiva ( scrittura, poesia, didattica) con una ricerca poliedrica sul tema del movimento, della luce e dello sviluppo della creatività e della fantasia nell'infanzia attraverso il gioco. Bruno Munari è figura leonardesca tra le più importanti del novecento italiano. Assieme allo spaziale Lucio Fontana, Bruno Munari il perfettissimo domina la scena milanese degli anni cinquanta-sessanta; sono gli anni del boom economico in cui nasce la figura dell'artista operatore-visivo che diventa consulente aziendale e che contribuisce attivamente alla rinascita industriale italiana del dopoguerra.

Munari partecipa giovanissimo al Futurismo, dal quale si distacca con senso di levità ed umorismo, inventando la macchina aerea (1930), primo mobile nella storia dell'arte, e le macchine inutili (1933). Nel 1948 fonda il MAC (Movimento Arte Concreta) assieme a Gillo Dorfles, Gianni Monnet e Atanasio Soldati. Questo movimento funge da coalizzatore delle istanze astrattiste italiane prospettando una sintesi delle arti, in grado di affiancare alla pittura tradizionale nuovi strumenti di comunicazione ed in grado di dimostrare agli industriali e agli artisti la possibilità di una convergenza tra arte e tecnica. Nel 1947 realizza Concavo-convesso, una delle prime installazioni nella storia dell'arte, quasi coeva, benché precedente, all'ambiente nero che Lucio Fontana presenta nel 1949 alla Galleria Naviglio di Milano. È il segno evidente che è ormai matura la problematica di un'arte che si fa ambiente e in cui il fruitore è sollecitato, non solo mentalmente, ma in modo ormai multi-sensoriale.
Nel 1950 realizza la pittura proiettata attraverso composizioni astratte racchiuse tra i vetrini delle diapositive e scompone la luce grazie all'uso del filtro Polaroid realizzando nel 1952 la pittura polarizzata, che presenta al MoMA nel 1954 con la mostra Munari's Slides. È considerato uno dei protagonisti dell' arte programmata e cinetica, ma sfugge per la molteplicità delle sue attività e per la sua grande ed intensa creatività ad ogni definizione, ad ogni catalogazione, con un'arte assai raffinata.

"Quando qualcuno dice: questo lo so fare anch'io, vuol dire che lo sa rifare altrimenti lo avrebbe già fatto prima."

( Bruno Munari, Verbale scritto, 1992)

Nato a Milano, Bruno Munari passò l'infanzia e l'adolescenza a Badia Polesine, dove i suoi genitori gestivano un albergo. Nel 1925 tornò a Milano per lavorare in alcuni studi professionali di grafica. Nel 1927 cominciò a frequentare Marinetti e il movimento futurista, esponendo con loro in varie mostre. Nel 1929 Munari aprì uno studio di grafica e pubblicità, di decorazione, fotografia e allestimenti insieme a Riccardo Castagnedi, un altro artista del gruppo futurista milanese, firmando i lavori con la sigla R + M almeno fino al 1937. Nel 1930 realizzò quello che può essere considerato uno dei primi mobile della storia dell'arte, noto con il nome di macchina aerea e che Munari ripropose nel 1972 in un multiplo a tiratura 10 esemplari per le edizioni Danese di Milano.
Nel 1933 proseguì la ricerca di opere d'arte in movimento con lemacchine inutili, oggetti appesi, dove tutti gli elementi sono in rapporto armonico tra loro, per misure, forme, pesi.
Durante un viaggio a Parigi, nel 1933, incontrò Louis Aragon e André Breton.
Dal 1939 al 1945 lavorò come grafico presso l'editore Mondadori, e come art director della rivista Tempo, cominciando contemporaneamente a scrivere libri per l'infanzia, inizialmente pensati per il figlio Alberto. Nel 1948, insieme a Gillo Dorfles, Gianni Monnet, Galliano Mazzon e Atanasio Soldati, fondò il Movimento Arte Concreta.

Negli anni cinquanta le sue ricerche visive lo portano a creare i negativi-positivi, quadri astratti con i quali l'autore lascia libero lo spettatore di scegliere la forma in primo piano da quella di sfondo. Nel 1951 presenta le macchine aritmiche in cui il movimento ripetitivo della macchina viene spezzato dalla casualità mediante interventi umoristici. Sempre degli anni cinquanta sono i libri illeggibili in cui il racconto è puramente visivo. Nel 1954 utilizzando le lenti Polaroid costruisce oggetti d'arte cinetica noti come Polariscopi grazie ai quali è possibile utilizzare il fenomeno della scomposizione della luce a fini estetici. Nel 1953 presenta la ricerca il mare come artigiano recuperando oggetti lavorati dal mare, mentre nel 1955 crea il museo immaginario delle isole Eolie dove nascono le ricostruzioni teoriche di oggetti immaginari, composizioni astratte al limite tra antropologia, humour e fantasia.
Nel 1958 modellando i rebbi delle forchette crea un linguaggio di segni per mezzo di forchette parlanti. Nel 1958 presenta le sculture da viaggio che sono una rivisitazione rivoluzionaria del concetto di scultura, non più monumentale ma da viaggio, a disposizione dei nuovi nomadi del mondo globalizzato di oggi. Nel 1959 crea i fossili del 2000 che con vena umoristica fanno riflettere sull'obsolescenza della tecnologia moderna.

Negli anni sessanta diventano sempre più frequenti i viaggi in Giappone, verso la cui cultura Munari sente un'affinità crescente, trovando precisi riscontri al suo interesse per lo spirito zen, l'asimmetria, il design e l'imballaggio nella tradizione giapponese. Nel 1965 a Tokyo progetta una fontana a 5 gocce che cadono in modo casuale in punti prefissati, generando una intersezione di onde, i cui suoni, raccolti da microfoni posti sott'acqua, vengono riproposti amplificati nella piazza che ospita l'installazione.

Negli anni sessanta si dedica: alle opere seriali con realizzazioni come aconà biconbì, sfere doppie, nove sfere in colonna, tetracono (1961-1965) o flexy (1968); alle sperimentazioni visive con la macchina fotocopiatrice (1964); alle performance con l'azione far vedere l'aria (Como, 1968); alle sperimentazioni cinematografiche con i film i colori della luce (musiche di Luciano Berio), inox, moire (musiche di Pietro Grossi), tempo nel tempo, scacco matto, sulle scale mobili (1963-64). Infatti, insieme a Marcello Piccardo e ai suoi cinque figli a Cardina, sulla collina di Monteolimpino a Como, tra il 1962 e il 1972 ha realizzato pellicole cinematografiche d'avanguardia. Da questa esperienza nasce la " Cineteca di Monteolimpino - Centro internazionale del film di ricerca".
A Cardina, conosciuta anche come "La collina del cinema", Bruno Munari ha vissuto e lavorato a lungo tutte le estati, fino agli ultimi anni della sua vita. La sua abitazione-laboratorio, tuttora esistente e oggi sede dell'Associazione Cardina, era situata proprio in fondo alla strada carrozzabile, in via Conconi, di fronte al ristorante Crotto del Lupo.
Nel libro " La collina del cinema" di Marcello Piccardo (NodoLibri, Como 1992) è riassunta l'esperienza di quegli anni. Nel racconto "Alta tensione" (1991) di Bruno Munari, l'artista espone il suo stretto rapporto con i boschi della collina di Cardina.

Nel 1974 esplora le possibilità frattali della curva che prende il nome del matematico italiano Giuseppe Peano, curva che Munari riempie di colori a scopi puramente estetici.

Nel 1977, a coronamento dell'interesse costante verso il mondo dell'infanzia, crea il primo laboratorio per bambini in un museo, presso la Pinacoteca di Brera a Milano.

Negli anni ottanta e novanta la sua creatività non si esaurisce e realizza diversi cicli di opere: le sculture filipesi (1981), le costruzioni grafiche dei nomi di amici e collezionisti (dal 1982), i rotori (1989), le strutture alta tensione (1990), le grandi sculture in acciaio corten esposte sul lungomare di Napoli, Cesenatico, Riva del Garda, Cantù, gli xeroritratti (1991), gli ideogrammi materici alberi (1993).

Dopo vari e importanti riconoscimenti in onore della sua attività vastissima, Munari realizzò la sua ultima opera pochi mesi prima di morire a 91 anni nella sua città natale.

Il pittore e poeta Tonino Milite fu suo collaboratore e lavorò nel suo studio per anni.

Munari è stato cronologicamente il sesto fra i sette grandi di Milano tumulati nel Famedio del Cimitero Monumentale.

Tra i libri di Bruno Munari, troviamo Fantasia, nel quale egli divide e analizza singolarmente le facoltà umane (creatività, fantasia, immaginazione e invenzione), per poi riunirle a fine libro, spiegando come agiscono nell'uomo. Per quanto concerne la creatività, potremmo dire che esistono diversi modi di pensarla e che dunque non esiste una definizione univoca. Una conferma, a tal proposito, si può riscontrare nella scissione della creatività in quattro categorie: fatalisti genetici, selettivi, universalisti e utopisti. Per Munari, la creatività consiste in tutto ciò che prima non c'era, ma che è realizzabile. Fondamentale inoltre, per essere creativi è la conoscenza, poiché noi creiamo rielaborando cose già presenti nella nostra mente, riproponendole però in una forma alternativa. Una persona creativa è una fonte inesauribile, senza alcun problema nell'adattamento e che potrà donare sempre il suo contributo culturale alla comunità. A tal proposito, si può parlare di due forme di pensiero: convergente o divergente. Vi è poi un vocabolario specifico legato alla creatività, ad esempio: mente, fantasia, corpo, immaginazione e invenzione. Tutte queste facoltà, agiscono nell'uomo simultaneamente, generando un prodotto finale. Munari, nel libro "Fantasia", descrive diverse tecniche per generare qualcosa di nuovo, riportando anche molte opere artistiche esemplificative del tutto divergenti. Alcune tecniche riportate ad esempio sono: il cambio di colore, il mondo alla rovescia, la sostituzione, la moltiplicazione di alcuni elementi, il cambio di moto, di dimensione, di peso e di materia. Particolare è la "relazione fra le relazioni", la quale consiste nell'unione di più tecniche. Inoltre, nel libro, Munari fornisce diversi spunti didattici con il fine ultimo di spiegare come stimolare nei bambini la creatività e la scoperta autonoma, insieme all'apprendimento di competenze e abilità. La gran mole di immagini presenti nel libro permette di cogliere il significato di creatività e di far vivere un viaggio nella mente, facendo riflettere su cosa potremmo creare e dunque sulla potenzialità dell'uomo.

"Il sogno dell'artista è comunque quello di arrivare al Museo, mentre il sogno del designer è quello di arrivare ai mercati rionali."

( Bruno Munari, Artista e designer, 1971)

La vulcanica produzione "artistica" in senso stretto di Munari, apparsa in più di 200 mostre personali e 400 mostre collettive, è un pot-pourri di tecniche, metodi e forme.

Negli anni del fascismo, Munari lavorò come grafico nel campo del giornalismo, realizzando le copertine di diverse riviste. Con i futuristi espose alcuni dipinti, ma già nel 1930 crea le prime "macchine inutili" vere opere astratte sviluppate nello spazio che coinvolgono ambiente circostante, dedicandosi a opere via via meno convenzionali, come la "macchina aerea" ( 1930), la "tavola tattile" ( 1931), le "macchine inutili" ( 1933), i collage ( 1936), il mosaico per la Triennale di Milano ( 1936), le strutture con elementi oscillanti ( 1940).

Negli anni quaranta e cinquanta, cominciò a delineare alcune linee guida della sua esplorazione:

l'arte come ambiente: Munari è tra i primi a ideare e anticipare le installazioni ("Concavo-convesso", 1946) e le videoinstallazioni ("proiezioni dirette", 1950) e "proiezioni a luce polarizzata", 1953)

l'arte cinetica ("Ora X" del 1945 è probabilmente la prima opera cinetica prodotta in serie nella storia dell'arte)

l'arte concreta (i "Negativi positivi" a partire dal 1948)

la luce (le fotografie del 1950, gli esperimenti con luce polarizzata del 1954)

la natura e il caso ("Oggetti trovati" del 1951, "Il mare come artigiano" del 1953)

il gioco (i "Giocattoli d'artista" del 1952)

gli oggetti immaginari (le "Scritture illeggibili di popoli sconosciuti", del 1947, il "Museo immaginario delle isole Eolie" a Panarea del 1955, le "Forchette parlanti" del 1958, i "Fossili del 2000" del 1959)

Nel 1949 iniziò a realizzare i "libri illeggibili", libri dove le parole spariscono per lasciare spazio alla fantasia di coloro che sapranno immaginare altri discorsi leggendo carte di colori diversi, strappi, fori e fili che attraversano le pagine. La serie dei libri illeggibili continuò fino al 1988, mentre del 1954 è la sua fontana per la Biennale di Venezia.

Negli anni sessanta, grazie all'adozione di tutte le nuove tecnologie disponibili al grande pubblico (proiettori, fotocopiatrici, cineprese), l'attività artistica di Munari divenne un'enciclopedia dell'arte fai-da-te, dove ogni opera conteneva l'implicito messaggio per l'osservatore "prova anche tu": xerografie, studi sul movimento, fontane, strutture flessibili, illusioni ottiche, film sperimentali ("I colori nella luce", del 1963, comprendeva musiche di Luciano Berio). Nel 1962 organizzò la prima esposizione di arte programmata, presso il negozio Olivetti di Milano.

Nel 1969 Munari, preoccupato della errata considerazione critica del suo lavoro artistico, tuttora spesso confuso con altri generi (didattica, design, graphic design) ha scelto la storica d'arte Miroslava Hájek per curare una selezione delle sue opere d'arte più importanti. La raccolta, strutturata cronologicamente, illustra la sua continua creatività, coerenza tematica e l'evoluzione della sua filosofia estetica fino alla sua morte.

Durante gli anni settanta, dato il maggiore interesse rivolto alla didattica vera e propria e alla scrittura, la produzione artistica in senso stretto si andò diradando, per riprendere solo alla fine del decennio. Nel 1979 ricevette dal Teatro comunale di Firenze l'incarico di realizzare la partitura cromatica dell'opera sinfonica Prometheus di Aleksandr Nikolaevič Skrjabin. L'opera con l'allestimento cromatico, creato in collaborazione con Davide Mosconi e Piero Castiglioni, fu quindi rappresentata nel marzo del 1980.

Negli anni ottanta e novanta Munari prosegue nell'esplorazione creativa con gli "olii su tela" (del 1980 e riproposti con una sala personale alla Biennale di Venezia nel 1986), le sculture "filipesi" nel 1981, i "rotori" nel 1989 e le sculture "alta tensione" del 1990-91, alcune installazioni pubbliche di grandi dimensioni nel 1992-96, gli ideogrammi materici "alberi" del 1993.

Nelle ultime opere si va accentuando la dimensione privata, che ha un riscontro parallelo nella vasta produzione di libri a tiratura limitata stampati con Maurizio Corraini per amici e bibliofili.

Bruno Munari, tra la fine degli anni Quaranta e l'inizio degli anni Cinquanta, sarà travolto da un'esplosione creativa che condurrà alla genesi di importanti opere, tra cui le macchine inutili e le pitture negative-positive, astratte e segniche. Tutte queste sperimentazioni contribuiscono, anche se con pesi differenti, alla progettazione e realizzazione di alcune copertine per la rivista "Domus", facilmente collocabili nella corrente dell' Arte concreta. Quest'ultima, a differenza dell'astrattismo puro, ritiene che il soggetto sia la pittura stessa, ovvero forme e colori liberamente inventati.

Bruno Munari fotografato da Federico Patellani, 1950

" Arte concreta è quindi quella che fa vedere la natura interiore dell'uomo o della donna, il pensiero umano, la sensibilità, l'estetica, il senso dell'equilibrio e tutto ciò che fa parte della natura interiore, altrettanto natura di quella esteriore."

L' astrattismo concreto propone dunque forme autonome, che non sono figure della realtà, ma realtà autonome esse stesse, realtà concrete. Tra le diverse copertine realizzate dall'autore si distinguono la n°357, n°361, n°367, nelle quali i soggetti centrali sono figure base, quali quadrati e rettangoli, disposti singolarmente in linee di successione. In tutte e tre le riviste sono presenti il nero ed il bianco, affiancati rispettivamente al giallo, alla combinazione di rosso e verde e al grigio, con campiture piatte che rimandano fortemente alle macchine inutili. Grazie a questa scelta espressiva le forme sembrano muoversi sospese nello spazio, come se fossero unite da un sottile filo di nylon; ma, allo stesso tempo, appaiono indipendenti tra di loro, concorrendo alla realizzazione di un movimento apparente.

L'instabilità percettiva è ricercata dunque da Munari con accostamenti di forme basilari e colori primari opposti, verso il superamento di ogni regola legata al supporto o ai materiali utilizzati. Tuttavia, al fine di comprendere le scelte effettuate dall'artista, è necessario far riferimento alle sue opere positivo-negative. In queste ultime ogni forma e ogni parte della composizione sta in primo piano o sullo sfondo a seconda della lettura di chi guarda. Valgono i seguenti principi:

- dietro le forme concrete non c'è più nessuno sfondo;

- ogni forma che è nel quadro ha un esatto valore compositivo, il quadro vive in ogni punto;

- ogni elemento che compone il quadro deve poter essere considerato il "soggetto";

- non ci deve essere un soggetto posato sullo sfondo.

La strutturazione dell'opera su questi principi comporta appunto un'instabilità percettiva nella composizione, ottenuta dal modo in cui le linee tracciate la suddividono. Questo causa l'annullamento dello sfondo rispetto alle figure in primo piano.

L'assenza di uno sfondo è fondamentale per ottenere una parità e una complanarità tra le forme disegnate, come spiega l'artista stesso nello scritto: "I negativi positivi":

"la linea è un confine tra due forme equivalenti

la figura e il fondo si equivalgono

A e B assieme in un quadrato, o anche isolate

L'effetto che ne risulta fa sì che ogni forma che compone l'opera sembra che si sposti, che avanzi o che vada indietro nello spazio ottico percettivo dello spettatore, creando una dinamica cromatica, una instabilità ottica secondo come lo spettatore prende in considerazione ogni forma."

Nel caso specifico della copertina n°357 di "Domus" lo sfondo viene scisso in fasce verticali dalle linee di quadrati affiancate e sovrapposte, mentre è diviso in fasce orizzontali dalla spaziatura tra i quadrati di una stessa riga. Come appena illustrato, la figura del quadrato è essenziale in questa rivista quanto nelle altre, poiché è l'elemento base con il quale vengono costruite le forme negative positive; queste sembrano in primo piano o meno a seconda di cosa percepisce l'osservatore, un po' come in una scacchiera (anche se il bianco e il nero in questo caso sono equivalenti, mentre nei positivi-negativi c'è una sproporzionalità di spazio e colore). Un altro motivo per cui il quadrato riveste un ruolo particolarmente importante nella produzione del grafico è che grazie alle sue caratteristiche strutturali offre uno scheletro armonico su cui fissare la costruzione artistica, tant'è che Munari stesso lo ritiene elemento principe di ogni epoca e stile.

Interessante è anche l'influenza che la pittura di Mondrian esercitò su Munari, infatti molte delle sue caratteristiche sono rintracciabili anche in queste composizioni, come ad esempio:

- la presenza di forme elementari;

- l'asimmetria della composizione;

- la presenza di molto spazio bianco e di vuoto.

Tuttavia, l'artista va oltre l'essenzialità minimalista di Mondrian: il negativo-positivo, infatti, è concettualmente più un progetto che una pittura. In queste nuove opere non c'è più alcuna sensazione di profondità e di espressione, e le tinte sono piatte; perciò i negativi-positivi potrebbero essere "letti" come architetture di forme-colori. Questo concetto è sintetizzato da una frase di Munari stesso: "Un azzurro non è un cielo, un verde non è un prato, anche se dentro di noi questi colori risvegliano sensazioni di cieli e di prati. L'opera d'arte concreta non è più nemmeno definibile nelle categorie pittura, scultura ecc.: è un oggetto che si può appendere al muro o al soffitto, o appoggiare per terra. Qualche volta può assomigliare a un quadro o a una scultura (nel senso moderno) ma non ha niente in comune con questi".

In quest'ultima copertina, la n°361, è evidente la predilezione dell'artista per l'accostamento di colori complementari: in questo caso vengono associati il rosso e il verde. Questa scelta non è casuale, ma riconducibile alla teoria dei negativi-positivi, in quanto Munari ritiene che l'associazione di elementi contrastanti possa donare alla composizione una particolare armonia. Da tenere in considerazione è anche la passione di Munari per la cultura orientale, dalla quale riprende il concetto di Yin e Yang, che rappresentano l'unità formata dall'equilibrio di due forze opposte, uguali e contrarie. Questa unità si concretizza in un disco dinamico costituito da due forme rotanti in senso opposto (b/n). "Yang è la forza positiva: è maschile, è il calore, la durezza, la fermezza, la luce, il sole, il fuoco, il rosso, la base di una collina, la sorgente di un fiume. Yin è il principio negativo: è femminile, è il misterioso, il soffice, l'umido, il segreto, lo scuro, l'evanescente, il torbido e l'inattivo, è l'ombra nord di una collina, è la foce di un fiume. Yang e Yin sono presenti in tutte le cose (...). È l'equilibrio delle forze opposte: la fatica alternata al riposo, la luce al buio, il sì al no."

"Nella sua retina un eccesso di luce rossa provoca immagini verdi (...)" .

"Struttura montabile e smontabile in varie combinazioni. Abitacolo è una struttura abitabile, un supporto quasi invisibile per il proprio microcosmo. Pesa 51 chili e può portare anche venti persone"

( Bruno Munari, Artista e designer, 1971)

"Un giorno sono andato in una fabbrica di calze per vedere se mi potevano fare una lampada. - Noi non facciamo lampade, signore. - Vedrete che le farete. E così fu."

( Bruno Munari, a proposito della lampada Falkland)

Come libero professionista, Munari ha disegnato dal 1935 al 1992 diverse decine di oggetti d'arredamento (tavoli, poltrone, librerie, lampade, posacenere, carrelli, mobili combinabili, ecc.), la maggior parte dei quali per Bruno Danese. E proprio nel campo del disegno industriale Munari ha creato i suoi oggetti di più grande successo, come il giocattolo scimmia Zizi ( 1953), la "scultura da viaggio" pieghevole, per ricreare un ambiente estetico familiare nelle anonime camere d'albergo ( 1958), il portapenne Maiorca e il posacenere Cubo ( 1958), la Lampada Falkland, l' Abitacolo ( 1971) e la lampada Dattilo ( 1978).

Oltre alla progettazione di oggetti d'arredamento, Munari realizzò anche allestimenti di vetrine (La Rinascente, 1953), abbinamenti di colori per le vernici delle automobili ( Montecatini, 1954), elementi espositivi (Danese, 1960, Robots, 1980), e persino dei tessuti (Assia, 1982). A 90 anni, firmò la sua ultima opera, l'orologio "Tempo libero" Swatch, del 1997.

La produzione editoriale di Munari si estende per settant'anni, dal 1929 al 1998, e comprende libri veri e propri (saggi tecnici, poesie, manuali, libri "artistici", libri per bambini, testi scolastici), libri-opuscolo pubblicitari per varie industrie, copertine, sopraccoperte, illustrazioni, fotografie. In tutte le sue opere, è presente un forte impulso sperimentale, che lo spinge a esplorare forme insolite e innovative a partire dall'impaginazione, dai Libri illeggibili senza testo, all' ipertesto ante litteram di opere divulgative come il famoso Artista e designer (1971). Alla sua vasta produzione come autore vanno aggiunte infine le numerose copertine e illustrazioni per libri di Gianni Rodari, Nico Orengo e altri.

Per valutare l'impatto che l'opera di progettazione di Munari ha avuto sull'immagine della cultura in Italia, si può prendere ad esempio l'opera per l'editore Einaudi. Munari realizzò con Max Huber tra il 1962 e il 1972 la grafica delle collane Piccola Biblioteca (con il quadrato colorato in alto), Nuova Universale (con le strisce orizzontali rosse), Collezione di poesia (con i versi su fondo bianco in copertina), Nuovo Politecnico (con il quadrato rosso centrale), Paperbacks (con il quadrato blu centrale), Letteratura, Centopagine, e delle opere in più volumi (Storia d'Italia, Enciclopedia, Letteratura italiana, Storia dell'arte italiana). Tra le altre realizzazioni grafiche di grande successo, si ricordano la Nuova Biblioteca di Cultura e le Opere di Marx-Engels per Editori Riuniti, e due collane di saggi per Bompiani.

Nel 1974, insieme a Bob Noorda, Pino Tovaglia e Roberto Sambonet ha progettato il marchio e l'immagine coordinata della Regione Lombardia.

"C'è sempre qualche vecchia signora che affronta i bambini facendo delle smorfie da far paura e dicendo delle stupidaggini con un linguaggio informale pieno di ciccì e di coccò e di piciupaciù. Di solito i bambini guardano con molta severità queste persone che sono invecchiate invano; non capiscono cosa vogliono e tornano ai loro giochi, giochi semplici e molto seri."

( Bruno Munari, Arte come mestiere, 1966)

Dal 1988 al 1992 Munari collabora in prima persona ai laboratori didattici del Centro per L'arte contemporanea Luigi Pecci di Prato, formando il personale interno, ovvero Barbara Conti e Riccardo Farinelli, che porteranno avanti e coordineranno i laboratori museali in maniera continuativa fino al 2014, quando la Direzione del Pecci decide la soppressione delle attività didattiche munariane.

Le costruzioni in legno "Scatola di architettura" per Castelletti (1945)

I giocattoli Gatto Meo (1949) e Scimmietta Zizì (1953) per Pirelli

Dal 1959 al 1976, svariati giochi per Danese (Proiezioni dirette, ABC, Labirinto, Più e meno, Metti le foglie, Strutture, Trasformazioni, Dillo coi segni, Immagini della realtà)

Le mani guardano (1979), Milano

Primo laboratorio per bambini all'Accademia di Belle Arti di Brera di Milano (1977)

Laboratorio "Giocare con l'arte" al Museo internazionale delle ceramiche di Faenza (1981) in collaborazione con Gian Carlo Bojani.

Giocare con l'arte (1987) Palazzo Reale, Milano

Giocare con la natura (1988) Museo di Storia Naturale, Milano

Giocare con l'arte (1988) Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci, Prato, laboratori permanenti

Ritrovare l'infanzia (1989) Fiera Milano, Laboratori dedicati alla terza età, Milano

Un fiore con amore (1991) Giocare con Munari al Laboratorio di Beba Restelli

Giocare con la fotocopiatrice (1991) Giocare con Munari al Laboratorio di Beba Restelli

Il "Libro letto", trapunta scritta che è sia libro che letto (1993) per Interflex

Lab-Lib (1992) Giocare con Munari al Laboratorio di Beba Restelli

Giocare con la puntatrice (1994) Giocare con Munari al Laboratorio di Beba Restelli

Tavole Tattili (1995) Giocare con Munari al Laboratorio di Beba Restelli

Fotocronache di Munari - Domus (1944)

Supplemento al dizionario italiano - Carpano (1958)

Le forchette di Munari - La Giostra (1958)

La scoperta del quadrato - Scheiwiller (1960)

Teoremi sull'arte - Scheiwiller (1961)

Vetrine negozi italiani - Editrice L'ufficio moderno (1961)

Good design - Scheiwiller (1963)

La scoperta del cerchio - Scheiwiller (1964)

Codice ovvio - Einaudi (1971)

Ciccì Coccò - FotoSelex (1982)

Direzione sorpresa, con Mario De Biasi - Cordani (1986)

Giochi e grafica - comune di Soncino (1990)

Il dizionario dei gesti italiani - adnkronos libri (1994)

Spazio abitabile 1968-1996 - Stampa Alternativa (1996)

Supplemento al Dizionario Italiano, Mantova, Italy, Corraini. (2014)

In questa categoria i pochi libri di poesia sono raggruppati con tutti i volumi "d'artista" o comunque non convenzionali, stampati spesso in tirature limitate, o in edizioni fuori commercio.

Libri illeggibili - Libreria Salto (1949)

Libro illeggibile n. 8 - (1951)

Libro illeggibile n. 12 - (1951)

Libro illeggibile n. 15 - (1951)

Libro illeggibile - (1952)

An unreadable quadrat-print - Hilversum (1953)

Sei linee in movimento - (1958)

Libro illeggibile n. XXV - (1959)

Libro illeggibile con pagine intercambiabili - (1960)

Libro illeggibile n. 25 - (1964)

Libro illeggibile 1966 - Galleria dell'Obelisco (1966)

Libro illeggibile N.Y.1 - The Museum of Modern Art (1967)

Guardiamoci negli occhi - Giorgio Lucini editore (1970)

Libro illeggibile MN1 - Corraini (1984)

La regola e il caso - Mano (1984)

I negativi-positivi 1950 - Corraini (1986)

Munari 80 a un millimetro da me - Scheiwiller (1987)

Libro illeggibile MN1 - Corraini (1988)

Libro illeggibile 1988-2 - Arcadia (1988)

Simultaneità degli opposti - Corraini (1989)

Alta tensione - Vismara Arte (1990)

Libro illeggibile NA-1 - Beppe Morra (1990)

Strappo alla regola - (1990)

Amici della Sincron - Galleria Sincron (1991)

Rito segreto - Laboratorio 66 (1991)

Metamorfosi delle plastiche - Triennale di Milano (1991)

Alla faccia! Esercizi di stile - Corraini (1992)

Libro illeggibile MN3. Luna capricciosa - Corraini (1992)

Saluti e baci. Esercizi di evasione - Corraini (1992)

Viaggio nella fantasia - Corraini (1992)

Pensare confonde le idee - Corraini (1992)

Aforismi riciclati - Pulcinoelefante (1991)

Verbale scritto - il melangolo (1992)

Fenomeni bifronti - Etra/Arte (1993)

Libro illeggibile MN4 - Corraini (1994)

Tavola tattile - Alpa Magicla (1994)

Mostra collettiva di Bruno Munari - Corraini (1994)

Adulti e bambini in zone inesplorate - Corraini (1994)

Contanti affettuosissimi auguri - NodoLibri (1994)

Aforismi - Pulcinoelefante (1994)

Libro illeggibile MN5 - Corraini (1995)

Il mare come artigiano - Corraini (1995)

Emozioni - Corraini (1995)

A proposito di torroni - Pulcinoelefante (1996)

Prima del disegno - Corraini (1996)

Ma chi è Bruno Munari? - Corraini (1996)

Segno & segno - Etra/arte (1996)

Movo: modelli volanti e parti staccate - Grafitalia (1940)

Mondo aria acqua terra - (1940)

Scatola di architettura - Castelletti (1945)

Che cos'è l'orologio - Editrice Piccoli (1947)

Che cos'è il termometro - Editrice Piccoli (1947)

Meo il gatto matto - Pirelli (1948)

Acqua terra aria - Orlando Cibelli Editore (1952)

Nella notte buia - Muggiani (1956)

Bruno Munari's ABC - World Publishing Company (1960)

Bruno Munari's Zoo - World Publishing Company (1963)

Nella nebbia di Milano - Emme edizioni (1968)

Da lontano era un'isola - Emme edizioni (1971)

L'uccellino Tic Tic, con Emanuele Luzzati - Einaudi (1972)

Dove andiamo?, con Mari Carmen Diaz - Emme edizioni (1973)

I prelibri (12 libri) - Danese (1980)

Tantagente - The Museum of Modern Art (1983)

Il merlo ha perso il becco, con Giovanni Belgrano - Danese (1987)

La favola delle favole - Publi-Paolini (1994)

La rana Romilda - Corraini (1997)

Il prestigiatore giallo - Corraini (1997)

Buona notte a tutti - Corraini (1997)

Cappuccetto bianco - Corraini (1999)

Opera riparata. A tribute to Bruno Munari (2012) - Filippo Paolini aka Økapi e la Aldo Kapi Orchestra

1. ^ () Alamy Limited, Stock Photo - The Famedio Building, Monumental Cemetery, Architect Carlo Maciachini, Milan, Lombardy, Italy, Europe , su Alamy. URL consultato il 3 luglio 2017.

2. ^ Famedio 2016, in http://mediagallery.comune.milano.it/cdm/objects/changeme:68459/datastreams/dataStream18303644310940449/content?pgpath=ist_it_contentlibrary/sa_sitecontent/sfoglia_news/notizie_primo_piano/tutte_notizie/consiglio_comunale/iscrizioni%20famedio%20monumentale%202016.

3. ^ Bruno Munari, "Astratto e concreto", lettera in Catalogo della mostra Arte concreta, 1983.

4. ^ Posacenere Cubo,Il posacenere cubo di Munari Archiviato il 16 dicembre 2011 in Internet Archive.

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6. Andrea Rauch, ^ Bruno Munari. Cercando rose nell'insalata, in: Il mondo come Design e Rappresentazione, Firenze, Usher Arte, 2009

7. ^ Bruno Munari, in: AAVV, Disegnare il libro, Grafica editoriale in Italia dal 1945 ad oggi, Milano, Scheiwiller, 1988

Bruno Munari: The Lightness of Art, a cura di Pierpaolo Antonello, Matilde Nardelli, Margherita Zanoletti, Oxford, Peter Lang, 2017.

A cura di Miroslava Hajek e Luca Panaro, Fantasia esatta i colori della luce di Bruno Munari, APM edizioni, 2008.

Francesco Franco, Gianni Rodari e Bruno Munari. I cinque libri: racconti e disegni brevi, in "Bollettino '900", 2007, n. 1-2. [1]

Francesco Franco, Bruno Munari. Dalla copertina alla coperta, fino al riciclaggio del ciclo, in "BTA - Bollettino Telematico dell'Arte", 21/3/2007, n. 451. [2]

A cura di Bruno Corà, Pietro Bellasi, Alberto Fiz, Miroslava Hájek, Guido Magnaguagno, Tinguely e Munari. Opere in azione, Editore Mazzotta, Milano 2004.

Giorgio Maffei, Munari: i libri, Sylvestre Bonnard, 2002.

Claude Lichtenstein, Alfredo Haberli, Air Made Visible: A Visual Reader on Bruno Munari, Lars Muller, 2000.

A cura di Beppe Finessi, Su Munari, Abitare Segesta, 1999.

A cura di Alberto Fiz, Omaggio a Bruno Munari, Mazzotta editore, Milano 1999.

A cura di Miroslava Hajek, Bruno Munari, Instalace, edizioni GKK 1997.

Mostra di Bruno Munari, inventore artista scrittore designer architetto grafico gioca con i bambini, Corraini Editore, Milano, 1995.

Marco Meneguzzo, Bruno Munari Mostra Collettiva, Adulti e bambini in zone inesplorate, Corraini Editore, Milano 1994.

Marco Meneguzzo, Bruno Munari, Laterza, 1993.

Marco Meneguzzo, Munari '50, La bellezza come funzione, Corraini Editore, 1991.

Bruno Munari, Editore Electa, 1986.

Aldo Tanchis, Bruno Munari, Idea Books, 1986.

Aldo Tanchis, L'arte anomala di Bruno Munari, Laterza 1981

Luciano Marucci, Viaggi nell'arte. Bruno Munari. Creativa mente, Cauda Pavonis, 1986

Francesca Montrasio, Bruno Munari, a cura di Beppe Finessi, Marco Meneguzzo, Silvana, 2007, p. 159.

"Bruno Munari. Opere", testi di Alberto Zanchetta, Galleria Dep Art Edizioni, 2012.

A cura di Guido Bartorelli, Bruno Munari: aria | terra, catalogo della mostra, Mantova, Corraini, 2017.

Munari, Bruno , su Treccani.it - Enciclopedie on line, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.

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Opere di Bruno Munari , su openMLOL, Horizons Unlimited srl.

(EN) Opere di Bruno Munari , su Open Library, Internet Archive.

(EN) Bibliografia di Bruno Munari , su Internet Speculative Fiction Database, Al von Ruff.

Bruno Munari , in Archivio storico Ricordi, Ricordi & C..

Associazione Bruno Munari Associazione presieduta dal figlio Alberto

Collezione Bruno Munari (Cantù) Sito della Collezione Bruno Munari della Galleria del Design e dell'Arredamento.

(FR) Opere di Bruno Munari nelle collezioni pubbliche francesi d'arte moderna e contemporanea , su videomuseum.fr.

Centro di Arte Contemporanea di Cavalese (Trento) Un centro di arte contemporanea con una sezione interamente dedicata a Bruno Munari.

MunArt Un sito informativo dedicato a Bruno Munari

www.mostrabrunomunari.it Mostra dedicata a Bruno Munari nel centenario della nascita - Rotonda della Besana, Milano

Studio Calcografico Urbino Archiviato il 13 gennaio 2009 in Internet Archive. Nella sezione Incontri in Stamperia sono documentate diverse attività svolte con Bruno Munari. Inoltre lo Studio ha curato l'edizione di un'opera originale dell'Artista nel 1991.

Mostra Bruno Munari all'Ara Pacis di Roma , su sindromedistendhal.com. URL consultato il 14 ottobre 2009 (archiviato dall'url originale il 14 ottobre 2009).

Mostra Bruno Munari alla Galleria Dep Art di Milano , su depart.it.

la fattoria delle ginestre Fattoria didattica Metodo Munari, progettata da una diretta collaboratrice dell'artista. Laboratori, formazione, gite didattiche

La metodologia di progettazione secondo Munari , su designpills.net. URL consultato il 15 settembre 2011 (archiviato dall'url originale il 15 settembre 2011).

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È stato "uno dei massimi protagonisti dell'arte, del design e della grafica del XX secolo", dando contributi fondamentali in diversi campi dell'espressione visiva ( pittura, scultura, cinematografia, disegno industriale, grafica) e non visiva ( scrittura, poesia, didattica) con una ricerca poliedrica sul tema del movimento, della luce e dello sviluppo della creatività e della fantasia nell'infanzia attraverso il gioco.

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https://www.youtube.com/watch?v=nwBsyxQzBuQ

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Piccole lezioni da Bruno Munari - I libri illeggibili

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Bruno Munari uno dei più grandi maestri del Design italiano | DESIGN | Design del prodotto

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Il limerick  è un breve componimento in poesia, tipico della lingua inglese, dalle ferree regole (nonostante le infinite eccezioni), di contenuto umoristico o anche apertamente nonsense, che ha generalmente il proposito di far ridere o quantomeno sorridere.Un limerick è sempre composto di cinque versi, di cui i primi due e l'ultimo, rimati tra loro, contengono tre piedi e dunque tre accenti (stress), il terzo e il quarto, a loro volta rimati tra loro, ne contengono solo due. Le rime seguono dunque lo schema AABBA.

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L'acrostico è un componimento poetico, o semplicemente un'espressione linguistica, in cui le lettere iniziali lette verticalmente formano un nome o una frase di senso compiuto. La parola acrostico deriva dal greco ἀκρόστιχον, composto di ἄκρον, “estremo” e στίχος, “verso”.

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Per scrivere una poesia basta osservare il mondo che ti circonda o quello che esiste dentro di te. Una poesia può trattare qualunque argomento, dall'amore al cancello arrugginito della vecchia fattoria. Scrivere poesie può aiutarti a migliorare il tuo stile linguistico, anche se, all'inizio, non avrai idea di dove cominciare.

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Permutazione totale di lettere o sillabe di una parola o di una frase ( a. a frase ) in modo da ottenere altre parole o frasi di significato diverso

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Un anagramma (dal greco ἀνά- aná-, prefisso che significa "sopra", e γράμμα grámma, "lettera") è il risultato della permutazione delle lettere di una o più parole compiuta in modo tale da creare altre parole o eventualmente frasi di senso compiuto.

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La costruzione di anagrammi è stata un divertimento fin dai tempi antichi , quando si dice che l'arte dell'anagramma sia stata inventata dal poeta greco Licofrone . Erano praticati in tutta Europa durante il Medioevo

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Essendo la scrittura ancora ignota i poeti erano praticamente costretti a ricordare tutto a memoria. Non si conosce esattamente la sua origine, si ritiene che sia stata inventata intorno al XVIII A.C. dai popoli baltaci, nell'attuale Finlandia.

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Bestiario universale del professor Revillod

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Bestiario universale del professor Revillod

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deve essere così

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Attraversando terre e mari ignoti, risalendo vette sconosciute ed esplorando gli abissi piÃ¹ profondi, calcando strade ferrate e librandomi su palloni aerostatici, sempre ho seguito, inalterabile, una stella polare: la frase in esperanto che, orgogliosa, campeggia nell'emblema dell'Università di Bratislava, La Scienco, torco kaj grido da Homaro. Sì, la Scienza, fiaccola e guida dell'Umano genere, faro di progresso e civilizzazione, è stata il messaggio che ho bramato diffondere in quelle terre laddove abbisognava la mia missione. Possa il lettore trarre beneficio da questo lascito che dispongo per i posteri.» (Professor Revillod). Il Bestiario Universale è un grande gioco: non solo perché invita a combinare 16 illustrazioni di animali comuni come la tigre, il rinoceronte, l'elefante... e le loro descrizioni, ma anche perché propone come vere le divertenti (e spesso inventate di sana pianta) informazioni presenti nel testo, nelle illustrazioni, nell'introduzione. Con un'estetica che ricorda i manuali di zoologia sistematica del XIX secolo, questa serie di false incisioni realizzate in base alle annotazioni di naturalisti ed esploratori inserisce dettagli e nozioni che disorientano, e gioca con le convenzioni che fissano il limite tra realtà e finzione; il risultato è leggero e umoristico, ma soprattutto ludico!

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BESTIARIO UNIVERSALE DEL PROFESSOR REVILLOD

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27 mag 2022, 15:39

27 mag 2022, 15:39

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Caviardage di Sean con l' aiuto di articoli di giornale  

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Caviardage di Sean con l' aiuto di articoli di giornale  

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Giovanni Francesco[1] Rodari, detto Gianni[1] (pronuncia /roˈdari/; Omegna, 23 ottobre 1920 – Roma, 14 aprile 1980), è stato uno scrittore, pedagogista, giornalista e poeta italiano, specializzato in letteratura per l'infanzia e tradotto in molte lingue. Unico scrittore italiano ad aver vinto il prestigioso Premio Hans Christian Andersen (1970), fu uno fra i maggiori interpreti del tema "fantastico" nonché, grazie alla Grammatica della fantasia del 1973, sua opera principale, uno fra i principali teorici dell'arte di inventare storie.