# data[].attributes.body
32m años atrás

# data[].attributes.headline
Origen de dibujo. Prehistoria (Ana Barreto)

# data[].attributes.subject
Origen de dibujo. Prehistoria (Ana Barreto)

# data[].attributes.body
El origen histórico del dibujo podemos situarlo en las “marcas” o señales dejadas por los animales, como los rasguños del oso en la madera, las huellas de las patas de los animales dejadas en el barro, o las sombras dejadas proyectadas en otros objetos.https://ispana.es/origen-del-dibujo-la-prehistoria

# data[].attributes.attachment_link.description
Foto de cabecera: Foto de T L en Unsplash.Por Maria Isabel Hernández Figueroa22/11/2023En la Prehistoria, el d

# data[].attributes.body
En una cueva de Blombos en Sudáfrica, se encontró lo que se considera el primer dibujo de la humanidad. Esta pieza de roca silícea tiene una extraña inscripción de líneas cruzadas hechas con ocre. Su antigüedad data de hace 73.000 años.

https://ispana.es/origen-del-dibujo-la-prehistoria

# data[].attributes.body
"A la pregunta: ¿ desde cuándo dibuja el hombre ?, podríamos contestar que desde siempre.

Diferentes estudios antropológicos basados en el estudio de pueblos primitivos que aún sobreviven en la actualidad, demuestran que el dibujo siempre ha estado presente a lo largo de la historia de la humanidad. Prueba de ello son los diferentes ejemplos gráficos que se conservan en algunas grutas franco-cantábricas o en los dibujos rupestres de Sáhara o del Val Camonica. Las conocidas pinturas rupestres son la expresión gráfica y artística del hombre primitivo que vivió entre el vigésimo y quincuagésímo milenio a. c. En estas magníficas pinturas el hombre representaba animales domésticos, animales salvajes, escenas de caza con arcos y lanzas, así como danzas rituales y algunos de otros signos mágicos.

https://omardejesusmorales.blogspot.com/p/el-dibujo-en-la-prehistoria.html

# data[].attributes.attachment_link.description
“A la pregunta: ¿ desde cuándo dibuja el hombre ?, podríamos contestar que desde siempre. Diferentes estudios antropológ…

# data[].attributes.body
El dibujo fue practicado en la superficie de materiales diversos: madera, hueso, rocas, paredes de las cuevas, que artistas prehistóricos marcaban con carbón vegetal así como con tierras de diferentes colores, o haciendo incisiones en las superficies.

https://ispana.es/origen-del-dibujo-la-prehistoria

# data[].attributes.attachment_link.description
Foto de cabecera: Foto de T L en Unsplash.Por Maria Isabel Hernández Figueroa22/11/2023En la Prehistoria, el d

# data[].attributes.body
Las primeras manifestaciones artísticas corresponden al Paleolítico Superior y al Neolítico que se extienden entre el 50.000 y el 10.000 a. de C y el 10.000 y 5.000 a. de C., respectivamente. No obstante, en los últimos años se han encontrado algunos objetos y manifestaciones artísticas pertenecientes al Paleolítico Medio.

https://ispana.es/origen-del-dibujo-la-prehistoria

# data[].attributes.body
Hace 73.000 años, un humano primitivo dibujó sobre una roca silícea unas líneas cruzadas, un equipo de arqueólogos ha deducido se trata de unas de las pruebas más antiguas de comportamiento simbólico de la historia de la humanidad. Aunque los investigadores desconocen el significado o la intención del autor o los autores de dicha figura, hay algo que sí que tienen claro: fueron dibujados por un humano.

El dibujo, que consta de tres líneas rojas con líneas cruzadas y seis líneas separadas, fue trazado sobre una roca silícea llamada silcreta, en la cueva de Blombos, situada en la costa sur de Sudáfrica, el cual contiene material datado de entre 100.000 y 70.000 años.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Foto: Craig Foster

1 / 3

El dibujo más antiguo hecho por un humano

Detalle del dibujo hecho con ocre en una pieza de silcreta encontrada en la cueva de Blombos, Sudáfrica. Según los investigadores, la inscripción forma parte de un patrón más extenso, por lo que su tamaño podría ser mayor. Los investigadores se proponen descubrir cómo y con qué intención las dibujaron.

Foto: Magnus Haaland

2 / 3

Exterior de la cueva de Blombos, Sudáfrica

Las excavaciones de la cueva de Blombos desvelaron otros secretos: como herramientas de hueso talladas y decoradas, cuentas hechas con conchas de caracoles marinos cubiertas de ocre, y otras piezas con inscripciones abstractas, algunas de ellas muy parecidas a otras previamente estudiadas.

Foto: Ole Frederik Unhammer

3 / 3

Investigadores en el interior de la cueva de Blombos

El profesor Chris Henshilwood y su equipo trabajan en la cueva de Blombos, en Sudáfrica, donde fue hallada la roca silícea con la extraña inscripción hecha con ocre.

Hace 73.000 años, un humano primitivo dibujó sobre una roca silícea unas líneas cruzadas en l o que un equipo de arqueólogos ha deducido se trata de unas d e las pruebas más antiguas de comportamiento simbólico de la historia de la humanidad, según un artículo publicado esta semana en la revista Nature. Aunque los investigadores desconocen el significado o la intención del autor o los autores de dicha figura, hay algo que sí que tienen claro: fueron dibujados por un humano.

El dibujo, que consta de tres líneas rojas con líneas cruzadas y seis líneas separadas, fue trazado sobre una roca silícea llamada silcreta, en la cueva de Blombos, situada en la costa sur de Sudáfrica, un yacimiento excavado por el profesor Christopher Henshilwood y la doctora Karen van Niekerk desde 1991, el cual contiene material datado de entre 100.000 y 70.000 años, entre ellos, diversos bloques de ocre y piedras grabadas con retículas deliberadas, cuyo significado no se ha podido descubrir hasta la fecha. ¿Se trata de firmas? ¿Quizá de cálculos matemáticos? Sea cual sea su significado, lo que está claro es que la pieza encontrada recientemente es 30.000 años más antigua que los ejemplos similares conocidos hasta la fecha.

Las líneas fueron creados por los humanos que habitaban la cueva hace unos 73.000 años ¿Cómo las dibujaron? ¿Con qué intención?

El equipo de Henshilwood advirtió que las líneas halladas en esta pieza no se parecían en nada a ninguna de las cerca de la docena de fragmentos que se habían encontrado previamente en la misma cueva, con lo se dispusieron a responder distintas preguntas: ¿fueron creados por aquellos humanos que habitaban la cueva hace unos 73.000 años? ¿Cómo las dibujaron? ¿Con qué intención?

Los investigadores examinaron y fotografiaron la pieza con un microscopio electrónico para cerciorarse si las líneas formaban parte de la piedra o si fueron dibujadas con anterioridad. Después, concluyeron que fueron trazadas con un fragmento de ocre con una punta de entre 1 y 3 milímetros de grosor y que formaban parte de un patrón más extenso.

Para saber más

"Hasta ahora los arqueólogos especializados en el paleolítico se habían convencido durante mucho tiempo de qu e las primeras manifestaciones simbólicas surgieron en Europa hace unos 40.000 años",-dice Hehshilwood en un comunicado de la Universidad de Witwatersrand de Johannesburgo-. Sin embargo, recientes descubrimientos arqueológicos en Europa, África y Asia respaldan un surgimiento mucho más temprano ".

Lo creación simbólica es una parte inherente de la humanidad. La escritura, las matemáticas o la religión nunca podrían existir sin la capacidad humana de crear y transmitir símbolos. Hasta la fecha se ha investigado mucho sobre cómo nuestro cerebro los percibe e interpreta, pero poco se sabe sobre cómo estos acabaron perfilando las manifestaciones culturales de nuestros antepasados.

Las excavaciones de la cueva de Blombos desvelaron otros hallazgos, entre ellos herramientas de hueso talladas y decoradas, c uentas hechas con conchas de caracoles marinos cubiertas de ocre y otras piezas con inscripciones abstractas, algunas de ellas muy parecidas a las recientemente estudiadas. Esto demuestra, según Henshilwood, que los primeros Homo sapiens que habitaban esta región de Sudáfrica utilizaron distintas técnicas para producir símbolos similares en lugares distintos, de lo que se deduce que formaban parte inherente del comportamiento de aquellos primeros humanos.

Para saber más

# data[].attributes.attachment_link.title
El primer dibujo de la humanidad tiene 73.000 años de antigüedad

# data[].attributes.attachment_link.description
Hace 73.000 años, un humano primitivo dibujó sobre una roca silícea unas líneas cruzadas en l o que un equipo de arqueólogos ha deducido se trata de unas d e las pruebas más antiguas de comportamiento simbólico de la historia de la humanidad, según un artículo publicado esta semana en la revista Nature .

# data[].attributes.body
Se llama arte prehistórico a todas las representaciones simbólicas hechas en la prehistoria. Abarca todas las obras registradas desde los primeros homínidos hasta el momento de invención de la escritura.

https://concepto.de/arte-prehistorico/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Te explicamos qué fue el arte prehistórico, su historia y los períodos que atravesó. Además, ejemplos que aún hoy pueden observarse.

¿Qué es el arte prehistórico?

Se llama arte prehistórico a las distintas manifestaciones ornamentales, funerarias y religiosas elaboradas por el ser humano durante la prehistoria que han sobrevivido a los siglos para llegar hasta nosotros. En esta categoría entran tanto las pinturas rupestres del cuaternario, como el arte paleolítico o las construcciones megalíticas (también llamadas ciclópeas).

Como es evidente, el arte prehistórico es una categoría muy amplia, donde se encuentran manifestaciones plásticas y visuales de distinto tipo y procedencia temporal.

Sus yacimientos se encuentran generalmente en cuevas y lugares de asentamientos primitivos. Estos, en su mayoría, se han descubierto hasta ahora en el continente europeo y sus adyacencias, aunque también existen importantes yacimientos arqueológicos en África, Asia y América.

Ver también: Arte popular

Historia del arte prehistórico

El arte prehistórico en sus distintas acepciones fue consecuencia de la expansión y diversificación de la especie humana a lo largo del planeta, dando origen así a culturas y civilizaciones muy distintas. Cada una de ellas tenía una visión propia, aunque primitiva todavía, del mundo y de sí mismas.

Se sabe que el Homo neanderthalensis recogía materiales de formas y colores llamativos, con los que decorar sus cuevas y despedir a sus difuntos. A este homínido pertenecieron las primeras formas de arte prehistórico, con más de 67.000 años de antigüedad.

Pero los cromañones fueron los que dejaron más y mejores rastros artísticos detrás, ya sea en forma de pinturas, grabados y esculturas pequeñas. Algunas de ellas datan de hace 35.000 años.

Características del arte prehistórico

El arte prehistórico es sumamente diverso y contiene no sólo dibujos y tallas que buscaban representar la vida real, sino también utensilios, construcciones y artefactos con fines funerarios, por ejemplo. Sus características tienden a ser:

Todo tallado en madera, sílex, hueso o piedra, o pintado en esta última mediante polvo de hemetita y otros pigmentos similares.

Presenta siempre un profundo significado religioso, ya que lo místico o mitológico era un componente fundamental de relación del ser humano con la realidad circundante.

Tiende siempre a la abstracción, la estilización, el simbolismo y el esquematismo, alejándose de las pretensiones realistas.

En el caso del arte rupestre, se hallaba en las paredes externas o superficiales de las cuevas y representa escenas de caza o símbolos indescifrables.

Períodos del arte prehistórico

El arte prehistórico abarca tres grandes períodos cronológicos, los mismos en que se subdivide la Edad de Piedra:

Arte paleolítico. El más antiguo y primitivo de todos, consiste en su mayoría en pinturas y relieves realizados con las manos o con instrumentos de piedra, mediante técnicas rudimentarias o empleando pigmentos extraídos de minerales molidos. Sus dos tendencias son:

Arte parietal. La decoración de las paredes con formas artísticas que representaban escenas de cacería, representaciones humanas o signos, mediante pigmentos en la pared rocosa. Estas son las llamadas pinturas rupestres. Se ignora si servían para decorar la vivienda, o para marcar sitios rituales, pero fueron particularmente comunes en Europa y el norte de África, especialmente en la región intermedia entre Francia y España.

Arte mobilar. Relieves y pequeñas esculturas, en su mayoría figurillas antropomórficas, como las distintas "venus", mujeres desnudas y talladas en piedra, con proporciones muy exageradas de senos y caderas respecto al resto del cuerpo.

Arte mesolítico. El arte de este período representa una transición entre las formas antiguas del Paleolítico y las nuevas del Neolítico. Su registro más conocido es el del arte levantino, originario de la franja oriental de España, donde se representaban escenas rituales mediante figuras muy esquemáticas, casi prejeroglíficas, por lo que se conoce también como arte esquemático.

Arte neolítico. Durante la llamada Revolución Neolítica, en que la humanidad abandonó la vida errante en favor de la sedentaria, el arte prehistórico da un vuelco, apareciendo así nuevos materiales que se iban descubriendo con las nuevas técnicas sedentarias, como la cerámica, fruto del horneado.
Hacia finales del período, además, aparece el arte megalítico o arquitectura megalítica, con sus enormes figuras de piedra como los menhires, las galerías de piedra o dólmenes, y otras misteriosas agrupaciones como las que componen elStonehenge.

Ejemplos de arte prehistórico

Algunas de las piezas más célebres de arte prehistórico descubiertas son:

Las pinturas rupestres de la Cueva de Altamira. Ubicadas en España y provenientes de distintas ocupaciones humanas de las cuevas durante el Paleolítico Superior, muestran una serie de signos e ilustraciones de animales, como bueyes o antílopes, así como restos de piedras empleadas para moler el pigmento con que se trazaron en las paredes y los techos.

La Venus de Willendorf. Fue tallada en piedra en algún momento del Paleolítico, entre el 28.000 a 25.000 a. C. Esta figurina de piedra hallada en 1908 en Willendorf, Austria, representa a una mujer desnuda, de senos y sexo notorios y abultados, tallada en piedra caliza y pintada con ocre rojo.

La Venus de Tan-Tan. De unos seis centímetros de alto y unos posibles 400.000 años de antigüedad, es decir, contemporánea con el Homo heidelbegensis, esta figura vagamente antropomórfica fue hallada en Marruecos en 1999, a unos 15 metros de profundidad en el sedimento fluvial del río Draa. Es un hallazgo polémico, ya que muchos científicos piensan que su semejanza con el ser humano podría ser meramente casual.

El Menhir de Mollet. Proveniente de finales del neolítico, alrededor de 3300 a 2200 a. C., esta estatua de piedra de 4,9 metros de alto y 68 centímetros de grueso fue hallada en Mollet del Vallés, Barcelona, España, en 2009. Representa una figura humana en bajorrelieve, a veces completado o reemplazado por grabados.

Sigue con: Obra de arte

Referencias

# data[].attributes.attachment_link.title
Arte Prehistórico - Concepto, historia, períodos y ejemplos

# data[].attributes.attachment_link.description
Te explicamos qué fue el arte prehistórico, su historia y los períodos que atravesó. Además, ejemplos que aún hoy pueden observarse. Se llama arte prehistórico a las distintas manifestaciones ornamentales, funerarias y religiosas elaboradas por el ser humano durante la prehistoria que han sobrevivido a los siglos para llegar hasta nosotros.

# data[].attributes.body
El arte mobiliar hace referencia a aquellas figuras labrados en objetos, en diferentes utensilios asociados al hombre paleolítico. Algunos de estos instrumentos asumen un tipo de decoración que los convierte en piezas con un carácter simbólico. Fundamentalmente este tipo de ornamentos se realizan a base de talla, es decir de incisiones o relieves, la mayoría de las veces a base de formas geométricas realizadas sobre el material en el que está hecha la pieza.

https://ispana.es/origen-del-dibujo-la-prehistoria

# data[].attributes.headline
Materiales y equipos en la Prehistoria (Haridian)

# data[].attributes.subject
Materiales y equipos en la Prehistoria (Haridian)

# data[].attributes.body
Al principio de la historia, la humanidad no conocía la fabricación de papel. El hombre primitivo realizaba su arte y sus dibujos directamente sobre las rocas y las paredes, utilizando los colores de los elementos naturales. Por lo tanto, el dibujo debía adaptarse a la superficie, y la precisión que podía lograrse con herramientas tan rudimentarias como la propia mano, u otras piedras y palos mojados en color, dependía mucho del soporte sobre el que se dibujaba.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Cuando un principiante empieza a dibujar, pronto se da cuenta de que no hay una única forma de expresar su talento para el dibujo. Las distintas técnicas y prácticas artísticas han evolucionado enormemente a lo largo del tiempo, y desde el arte primitivo hasta el bodegón realista, pasando por el grabado, el cómic o el arte contemporáneo, entre otros, existen multitud de estilos en los que los artistas modernos siguen inspirándose. Las disciplinas que se imparten en las escuelas de arte proporcionan conocimientos sobre la evolución de la práctica artística, para que los estudiantes puedan dibujar obras de arte gráficas innovadoras, inspirándose en diversas influencias. Para los dibujantes aficionados, ir a los museos y ver exposiciones, tanto generalistas, como el Louvre, como de arte moderno, incluyendo el Museo de Arte Primitivo, entre otras colecciones expuestas, permite a los estudiantes descubrir y comprender las diferentes corrientes artísticas que han marcado la historia, y que les permiten entender los fundamentos del dibujo. No hay una sola manera de dibujar, y es importante descubrir la historia del arte para aprender a dibujar en su totalidad y ser creativo.

Materiales y equipos que han evolucionado

Al principio de la historia, la humanidad no conocía la fabricación de papel. El hombre primitivo realizaba su arte y sus dibujos directamente sobre las rocas y las paredes, utilizando los colores de los elementos naturales. Por lo tanto, el dibujo debía adaptarse a la superficie, y la precisión que podía lograrse con herramientas tan rudimentarias como la propia mano, u otras piedras y palos mojados en color, dependía mucho del soporte sobre el que se dibujaba. Con la creación del papiro en el Antiguo Egipto, se produjo una primera evolución. Estas hojas, fabricadas a partir de plantas, permitieron el desarrollo de verdaderos instrumentos de escritura y dibujo, con un pincel primitivo, sumergido en tinta natural, que permitía una escritura y un dibujo más precisos. Sin embargo, a lo largo de la antigüedad, el uso de tablillas de cera seguía estando muy extendido, y no fue hasta el siglo II cuando el papel, tal y como lo conocemos, apareció en China. A partir de ese momento, las técnicas de producción de papel evolucionaron y los instrumentos para escribir y dibujar evolucionaron al mismo tiempo, con las puntas de plata, la pluma estilográfica, el lápiz de grafito, etc. Hoy en día, por su bajo coste de producción y su practicidad, el lápiz de grafito (o lápiz de papel) se ha convertido realmente en el estándar para dibujar. Pero con la llegada de la informática y la tecnología de la información, cada vez vemos aparecer más tabletas gráficas. Permiten dibujar en un software gráfico, gracias a un soporte de trabajo, correspondiente a la hoja de dibujo, y a un bolígrafo digital. Este nuevo equipamiento permite ahora informatizar el trabajo, compartirlo con el mayor número de personas posible gracias a Internet, y también utilizar muchas técnicas desarrolladas a lo largo de la historia del dibujo, con poco equipamiento gracias a los pinceles digitales que proporcionan los programas gráficos. También ha traído consigo una nueva forma de trabajar, en la que los ojos ya no se fijan en la punta del lápiz, sino en la pantalla del ordenador, de modo que se puede ver lo que se está dibujando en tiempo real. Después de 2.000 años de cultura de escritura y dibujo sobre papel, esta coordinación mano-ojo no es la más natural para el diseñador que se inicia en los equipos digitales, y por eso las tabletas gráficas híbridas, conocidas como escáneres, como la Repaper de iskn, ofrecen un dibujo tradicional, gracias a una hoja de papel fijada directamente a la tableta, y un lápiz estándar dotado de un anillo magnético, que retransmite todos sus movimientos con el más mínimo detalle al dispositivo gráfico. Con este tipo de herramienta, es posible combinar el dibujo en papel con las ventajas de la tecnología digital. El papel todavía tiene un largo camino por recorrer y sigue siendo la forma más natural de trabajar con el dibujo.

La historia del dibujo en algunas épocas

Prehistoria: los inicios del arte gráfico

Se calcula que los primeros dibujos de la humanidad descubiertos durante una misión arqueológica tienen más de 70.000 años. La práctica del dibujo era aún totalmente primitiva en aquella época, y correspondía más a simples formas geométricas que a una representación real de objetos u organismos vivos. Una primera evolución del dibujo fue visible con los encontrados en las cuevas de Lascaux, por ejemplo, que pudieron ver cómo tomaban forma los grandes trazos de las artes gráficas. Estas ilustraciones, símbolos de la práctica de un arte primitivo, y destacadas en la arqueología, serán la base de las técnicas artísticas y pictóricas que acompañarán la historia de la humanidad. Según los arqueólogos, en aquella época las obras no se realizaban con el objetivo de hacer un dibujo artístico, sino para contar escenas de la vida, ya que la escritura aún no existía en aquella época. Así, encontramos escenas de caza y muchas obras de arte figurativo, que muestran animales o representaciones antropomórficas. Evidentemente, en un periodo de tiempo tan largo, el arte primitivo no puede reducirse a lo que se acaba de exponer, y es interesante acudir a un museo que albergue una exposición permanente sobre este tema, para descubrir todas sus facetas.

La antigüedad: una producción artística puesta en escena

Desde el principio de la antigüedad, el dibujo se utilizaba principalmente con fines prácticos. El dibujo se utilizó en primer lugar para hacerse entender, inicialmente en la escritura cuneiforme mesopotámica, que utilizaba símbolos pictóricos, o en los jeroglíficos, que pueden definirse como escritura figurativa, y también se siguió utilizando para contar escenas de la vida cotidiana, o grandes pasajes mitológicos, con elementos y cuerpos dibujados sin perspectiva, el busto a menudo de frente, y la cabeza de perfil. Sin embargo, empezamos a ver estas historias adaptadas para la decoración de objetos cotidianos, como cerámica, objetos diversos o incluso en frescos murales a gran escala. Así, el dibujo se hizo cada vez más decorativo, con una finalidad artística, pero también se hizo más preciso, a medida que las herramientas evolucionaban, la punta de metal (a menudo de una aleación de plata y cobre) ha podido ganar en finura en los trabajos. La Antigüedad es también un periodo de la historia en el que el arte se puso muy de relieve. Se crearon numerosas escuelas de enseñanza de la escultura y el dibujo, lo que supuso una gran mejora de las técnicas a lo largo de varios miles de años.

A los principios de la Edad Media: el dibujo enraizado en la religión

Desde el principio hasta la mitad de la Edad Media, el dibujo se hizo más realista. Aunque las líneas seguían siendo lineales, se dibujaban cada vez más con un bolígrafo, un pincel y siempre con punta de plata. Empiezan a verse los efectos del sombreado con eclosión, así como la cuna de la perspectiva, que se desarrolló al final de esta época. Las proporciones de los cuerpos siguen pareciendo inciertas en algunos aspectos, pero los detalles son cada vez más precisos, con efectos de drapeado en las ropas, o los movimientos que también son más variados en las poses de los personajes. Este es también el momento de la iluminación. En los libros considerados más preciosos, los textos se adornan con numerosas ilustraciones, entrando en la categoría de artes decorativas. Esta familia de arte era muy utilizada en esta época, y el dibujo se utilizaba sobre todo para ilustrar la importancia de la religión, ya que la gente de esta época de la historia a menudo no sabía leer ni escribir. Por tanto, era un excelente medio de comunicación para los predicadores, y la escuela de arte o de dibujo, para aprender a dibujar, estaba reservada principalmente a los religiosos. Esta influencia se aprecia en la pintura y el dibujo de la época, con un modelo artístico centrado en Dios y que deja poco espacio al ser humano como tal.

El Renacimiento: una gran revolución y una vuelta a las raíces

A finales de la Edad Media, todas las artes gráficas experimentaron un refinamiento que supuso una auténtica revolución en la forma de dibujar. La enseñanza de las artes se normalizó fuera de la Iglesia, y una evolución del pensamiento, así como nuevas herramientas como el grafito, el carboncillo o el lápiz de piedra negra, condujeron al desarrollo del dibujo y la pintura. Durante este periodo, el arte decorativo de la Edad Media, cuya vocación era difundir la religión, fue sustituido paulatinamente por elementos visuales más elaborados, destinados a ser admirados. Se crearon numerosas escuelas y talleres de arte, y tomar clases de dibujo se convirtió en un privilegio de la nobleza. La fascinación de los artistas de esta época por la antigüedad llevó a un estudio avanzado del cuerpo humano y de la historia natural. Las grandes escuelas de arte de la época seguían esta filosofía, y el aprendizaje del dibujo se basaba cada vez más en modelos vivos, con el fin de perfeccionar el trazo del lápiz, para pintar y dibujar bocetos realistas. Las sombras, la profundidad, la perspectiva y la búsqueda de las proporciones perfectas fueron fundamentales en el enfoque de este periodo. Durante el Renacimiento se realizaron grandes dibujos y pinturas que representaban escenas de la Biblia, cuyos protagonistas se humanizaban, en un estilo inspirado en las estatuas antiguas, y los encargos de retratos realistas por parte de la nobleza se hicieron cada vez más frecuentes. Muchas de las obras de este periodo fueron creadas con una técnica notable, y muchas de ellas se encuentran en colecciones de museos, así como en los edificios más famosos de la época, como las cúpulas de las catedrales construidas durante este periodo.

Del siglo XVII al XX: se populariza el dibujo

El arte del dibujo y la pintura alcanzó su máximo esplendor durante el Renacimiento, periodo en el que quedó en manos de la nobleza, que disponía de medios para formarse en las artes gráficas. Pero fue con la aparición del grafito cuando el dibujo se popularizó en muchos estratos sociales. Surgieron muchos artistas de las clases trabajadoras o de la antigua burguesía, que habían perdido su magnífica reputación. Así, a partir del dibujo y la pintura clásicos, derivados directamente del Renacimiento, se desarrollaron otros estilos, como el impresionismo y el postimpresionismo. El ser humano se representaba cada vez menos de forma romántica y los elementos de la vida cotidiana ocupaban cada vez más el centro de los bocetos de los dibujantes. La pintura moderna romperá los códigos de los siglos XIX y XX, con una pintura innovadora, a veces abstracta, y el dibujo ocupará su lugar como forma artística principal al desarrollarse, sobre todo en la prensa, pero también en el cómic y el manga.

¿Qué pasa ahora?

Hoy en día, como hemos visto con la evolución de los medios y equipos de dibujo, el dibujo está abierto a todo el mundo, y es posible, sin necesidad de cursos de dibujo, pintura o cursos específicos de arte, practicar técnicas mixtas, combinando el dibujo a lápiz de grafito con la representación de la pintura al óleo, el carboncillo o incluso el grabado. Esto se debe, en particular, a las tabletas gráficas y a todos los nuevos programas informáticos que permiten a los ilustradores, principiantes o no, realizar un boceto sin límites, con sólo su superficie de trabajo digital y un estilete como herramientas. Si el dibujo ha evolucionado principalmente para adaptarse al grafismo digital y al trabajo del diseñador informático, convertirse en ilustrador hoy en día no sólo pasa por el ordenador, y muchos desean seguir utilizando el papel, ya que las sensaciones primitivas que proporciona el lápiz, unido a una hoja de papel estándar, siguen siendo las más naturales para el ser humano. Lo vemos en particular con los ilustradores de cómics, o con los mangaka (los creadores de dibujos manga), que utilizan herramientas tradicionales para dibujar sus planchas, pero también con el lanzamiento de tabletas gráficas híbridas, como la Repaper de iskn, que ofrecen unir lo digital y el papel, al permitir dibujar en una hoja de papel estándar, mientras se reproduce perfectamente el boceto en el software digital. Convertirse en ilustrador o diseñador hoy en día, y saber dibujar, significa aprender todas las técnicas del pasado, todas las especificidades tradicionales, para conseguir una mezcla de habilidades que den resultados innovadores y modernos. Pero el dibujante también debe aprender sobre el mundo digital, ya que Internet se está volviendo indispensable si quiere ver su obra expuesta al mundo, ya que las plataformas digitales están sustituyendo cada vez más a las galerías de arte y a los museos para ganar visibilidad y notoriedad.

Conclusión

El dibujo ha experimentado una gran evolución a lo largo del tiempo. Hoy en día tenemos total libertad para aprender y crear dibujos de todo tipo, gracias sobre todo al uso de la tecnología digital, que nos da acceso a muchas herramientas con poco equipo. Sin embargo, ha habido grandes tendencias a lo largo de la historia, que se han desarrollado en paralelo con el equipamiento disponible para los artistas de cada época. Por lo tanto, para seguir siendo creativo, es necesario mantener la mente abierta, y dominar las herramientas modernas puede ser una verdadera ventaja.

# data[].attributes.attachment_link.description
El dibujo ha vivido muchos cambios a lo largo del tiempo. Descubra la historia del dibujo y mejore su creatividad dibujando en el pasado.

# data[].attributes.body
Las excavaciones de la cueva de Blombos desvelaron otros secretos: como herramientas de hueso talladas y decoradas, cuentas hechas con conchas de caracoles marinos cubiertas de ocre, y otras piezas con inscripciones abstractas, algunas de ellas muy parecidas a otras previamente estudiadas.

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/primer-dibujo-humanidad-tiene-73000-anos-antiguedad_13159

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Foto: Craig Foster

1 / 3

El dibujo más antiguo hecho por un humano

Detalle del dibujo hecho con ocre en una pieza de silcreta encontrada en la cueva de Blombos, Sudáfrica. Según los investigadores, la inscripción forma parte de un patrón más extenso, por lo que su tamaño podría ser mayor. Los investigadores se proponen descubrir cómo y con qué intención las dibujaron.

Foto: Magnus Haaland

2 / 3

Exterior de la cueva de Blombos, Sudáfrica

Las excavaciones de la cueva de Blombos desvelaron otros secretos: como herramientas de hueso talladas y decoradas, cuentas hechas con conchas de caracoles marinos cubiertas de ocre, y otras piezas con inscripciones abstractas, algunas de ellas muy parecidas a otras previamente estudiadas.

Foto: Ole Frederik Unhammer

3 / 3

Investigadores en el interior de la cueva de Blombos

El profesor Chris Henshilwood y su equipo trabajan en la cueva de Blombos, en Sudáfrica, donde fue hallada la roca silícea con la extraña inscripción hecha con ocre.

Hace 73.000 años, un humano primitivo dibujó sobre una roca silícea unas líneas cruzadas en l o que un equipo de arqueólogos ha deducido se trata de unas d e las pruebas más antiguas de comportamiento simbólico de la historia de la humanidad, según un artículo publicado esta semana en la revista Nature. Aunque los investigadores desconocen el significado o la intención del autor o los autores de dicha figura, hay algo que sí que tienen claro: fueron dibujados por un humano.

El dibujo, que consta de tres líneas rojas con líneas cruzadas y seis líneas separadas, fue trazado sobre una roca silícea llamada silcreta, en la cueva de Blombos, situada en la costa sur de Sudáfrica, un yacimiento excavado por el profesor Christopher Henshilwood y la doctora Karen van Niekerk desde 1991, el cual contiene material datado de entre 100.000 y 70.000 años, entre ellos, diversos bloques de ocre y piedras grabadas con retículas deliberadas, cuyo significado no se ha podido descubrir hasta la fecha. ¿Se trata de firmas? ¿Quizá de cálculos matemáticos? Sea cual sea su significado, lo que está claro es que la pieza encontrada recientemente es 30.000 años más antigua que los ejemplos similares conocidos hasta la fecha.

Las líneas fueron creados por los humanos que habitaban la cueva hace unos 73.000 años ¿Cómo las dibujaron? ¿Con qué intención?

El equipo de Henshilwood advirtió que las líneas halladas en esta pieza no se parecían en nada a ninguna de las cerca de la docena de fragmentos que se habían encontrado previamente en la misma cueva, con lo se dispusieron a responder distintas preguntas: ¿fueron creados por aquellos humanos que habitaban la cueva hace unos 73.000 años? ¿Cómo las dibujaron? ¿Con qué intención?

Los investigadores examinaron y fotografiaron la pieza con un microscopio electrónico para cerciorarse si las líneas formaban parte de la piedra o si fueron dibujadas con anterioridad. Después, concluyeron que fueron trazadas con un fragmento de ocre con una punta de entre 1 y 3 milímetros de grosor y que formaban parte de un patrón más extenso.

Para saber más

"Hasta ahora los arqueólogos especializados en el paleolítico se habían convencido durante mucho tiempo de qu e las primeras manifestaciones simbólicas surgieron en Europa hace unos 40.000 años",-dice Hehshilwood en un comunicado de la Universidad de Witwatersrand de Johannesburgo-. Sin embargo, recientes descubrimientos arqueológicos en Europa, África y Asia respaldan un surgimiento mucho más temprano ".

Lo creación simbólica es una parte inherente de la humanidad. La escritura, las matemáticas o la religión nunca podrían existir sin la capacidad humana de crear y transmitir símbolos. Hasta la fecha se ha investigado mucho sobre cómo nuestro cerebro los percibe e interpreta, pero poco se sabe sobre cómo estos acabaron perfilando las manifestaciones culturales de nuestros antepasados.

Las excavaciones de la cueva de Blombos desvelaron otros hallazgos, entre ellos herramientas de hueso talladas y decoradas, c uentas hechas con conchas de caracoles marinos cubiertas de ocre y otras piezas con inscripciones abstractas, algunas de ellas muy parecidas a las recientemente estudiadas. Esto demuestra, según Henshilwood, que los primeros Homo sapiens que habitaban esta región de Sudáfrica utilizaron distintas técnicas para producir símbolos similares en lugares distintos, de lo que se deduce que formaban parte inherente del comportamiento de aquellos primeros humanos.

Para saber más

# data[].attributes.attachment_link.title
El primer dibujo de la humanidad tiene 73.000 años de antigüedad

# data[].attributes.attachment_link.description
Hace 73.000 años, un humano primitivo dibujó sobre una roca silícea unas líneas cruzadas en l o que un equipo de arqueólogos ha deducido se trata de unas d e las pruebas más antiguas de comportamiento simbólico de la historia de la humanidad, según un artículo publicado esta semana en la revista Nature .

# data[].attributes.body
se encuentra en forma de pinturas de rocas, esculturas e incluso joyas. En este artículo, nos sumergimos en el fascinante universo del arte prehistórico, donde todo comenzó.

https://www.art4you.gallery/es/arte-contemporaneo/encuentra-linformation-en-laart/historia-de-lart-of-prehistory-hasta-la-actualidad/arte-prehistorico-un-viaje-de-tiempo

# data[].attributes.attachment_link.title
Arte prehistórico: viaje de tiempo - Galería Art4You

# data[].attributes.attachment_link.description
Cuando pensamos en el arte prehistórico, a menudo imaginamos a los cazadores-recolectores que viven en cuevas y enfrentan los elementos.

# data[].attributes.body
3000 a.c - 500 d.c

# data[].attributes.body
Grandes disciplinas de arte en Egipto

Aunque el sentido del arte del Egipto Antiguo era esencialmente uno (el religioso-funerario), se podía manifestar de diferentes formas. Los artistas de aquella civilización dominaron las principales disciplinas plásticas, que desarrollamos a continuación: la pintura, la escultura (bajorrelieve, altorrelieve o de bulto redondo), a lo que añadiremos la cerámica como forma de expresión más cotidiana.

# data[].attributes.attachment_link.title
▷ El arte del Egipto Antiguo | Egipto Exclusivo

# data[].attributes.attachment_link.description
En esta página podrás ‘educar tu ojo’ para apreciar mejor el arte del Egipto Antiguo en tu viaje: pintura, bajorrelieve, escultura, cerámica funeraria…

# data[].attributes.body
Los egipcios siempre dieron importancia a las formas y figuras llenas o no colores sólidos. Pero su función no es la misma que en la cultura actual. Siempre hubo un vínculo especial entre la escritura y el dibujo egipcio.

https://guiarte.com/noticias/el-dibujo-en-el-antiguo-egipto.html

# data[].attributes.attachment_link.description
París, 21 de mayo de 2013
Este asunto no suele ser motivo de exposiciones en centros de arte, especialmente por una razón filosófica. Ni los egiptólogos ni los historiadores del arte le han prestado atención especial a esta actividad de la era de los faraones. No se suele atribuir una autoría ni una calidad artística al trabajo manual de estas realizaciones que tienen milenios de antigíedad. Hay admiración por esos dibujos… pero no se habla de artistas.

# data[].attributes.body
La pintura

Una de las disciplinas más destacadas del arte en Egipto fue la pintura, que alcanzó un gran desarrollo técnico, pues no hay que perder de vista que estamos hablando de obras realizadas hace tres o cuatro milenios, en algunos casos. Esto es especialmente destacable en la pintura mural, que bien se puede considerar un precedente de la pintura al fresco empleada muchos siglos después.

# data[].attributes.attachment_link.title
▷ El arte del Egipto Antiguo | Egipto Exclusivo

# data[].attributes.attachment_link.description
En esta página podrás ‘educar tu ojo’ para apreciar mejor el arte del Egipto Antiguo en tu viaje: pintura, bajorrelieve, escultura, cerámica funeraria…

# data[].attributes.body
En Egipto, este proceso comenzó en el Período Predinástico (ca. 6000 - ca. 3150 a.C.), por medio de imágenes de humanos, animales y figuras divinas grabadas en roca. Estas primeras figuras eran rústicas en comparación con la evolución que más tarde habría, sin embargo, conservan una característica importante de la cultura egipcia: el equilibrio.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El arte es fundamental en cualquier civilización. En el momento que las más elementales necesidades humanas se han cubierto tales como, comida, vivienda, leyes y religión, los habitantes empiezan a producir arte, la mayoría de las veces, estos dos acontecimientos florecen casi al mismo tiempo. En Egipto, este proceso comenzó en el Período Predinástico (ca. 6000 - ca. 3150 a.C.), por medio de imágenes de humanos, animales y figuras divinas grabadas en roca. Estas primeras figuras eran rústicas en comparación con la evolución que más tarde habría, sin embargo, conservan una característica importante de la cultura egipcia: el equilibrio.

La sociedad egipcia se apoyó en el concepto de armonía conocida como , la cual surgió desde su creación y se sustenta en el universo. Todo el arte egipcio se asienta en un equilibrio perfecto y refleja el mundo ideal de los dioses. De la misma forma, que los dioses proporcionaban toda clase de regalos a la humanidad, el arte egipcio se imaginó y se creó para su uso. Esta práctica egipcia fue desde el principio y en primer lugar funcional. No importaba que tan bella estuviera tallada una estatua; su propósito principal era servir como refugio para un espíritu o un dios. Quizá un amuleto se diseñó para ser atractivo, pero su belleza estética no era la fuerza creadora, sino la protección. La pintura en tumbas, escenas caseras en templos y jardines palaciegos se crearon, en muchos casos, para proporcionar una función muy importante la cual era un recordatorio de la condición eterna de la vida, el valor de la estabilidad personal y de la comunidad.

El arte en la primera dinastía

La importancia del equilibrio se manifestó como simetría, e inspiró el arte egipcio desde su inicio. El grabado en roca en el Período Predinástico estableció esta armonía, la cual se desarrolló por completo en la época de la Primera Dinastía de Egipto (ca. 3150-2613 a.C.). Esta técnica alcanza su máximo nivel con la Paleta de Narmer (ca. 3200-3000 a.C.), para celebrar la unificación del Alto y Bajo Egipto, con el reinado del Faraón Narmer (ca. 3150 a.C.). La paleta narra la victoria del gran rey sobre sus enemigos, y cómo los dioses lo animaron y aprobaron sus acciones; es una losa de piedra de limo en forma de escudo con una serie de relieves grabados. A pesar de que algunas de las imágenes de la paleta son difíciles de interpretar, la celebración por la unificación es bastante clara.

En el frente de la paleta, se relaciona a Narmer con la fuerza divina del toro, (quizá la deidad Api) quien lleva la corona del Alto y Bajo Egipto en un desfile triunfal. Debajo de él, dos hombres luchando con bestias lo cual se interpreta como la representación del Alto y Bajo Egipto (sin embargo, esta percepción es objetable y al parecer no hay una justificación). El reverso muestra la victoria del rey sobre sus enemigos, mientras los dioses aprueban con la mirada. Todos estos relieves están tallados con asombrosa habilidad.

El arquitecto Imhotep (ca. 2667-2600 a.C.), usó esta técnica con muy buenos resultados hacia el final del Período de la Primera Dinastía cuando diseñó el complejo piramidal del Faraón Zoser (ca. 2670 a.C.). Imágenes de flores de loto, plantas de papiro y el símbolo djed (que significa estabilidad), están abigarrados en la arquitectura de los edificios, tanto arriba como abajo del relieve. En esta misma época los escultores habían dominado el grabado en piedra para crear estatuas en tercera dimensión de figura humana al tamaño natural. Entre los grandes trabajos de este período está la escultura de Zoser.

El arte en el Antiguo Reino

Durante la etapa del Antiguo Egipto (ca. 2613-2181 a.C.), esta destreza se desarrolló debido a un fuerte poder político del estado, combinado con una prosperidad económica, que permitió trabajos monumentales; como la Gran Pirámide de Guiza, la Esfinge, tumbas complicadas y pintura en templos. El Obelisco, el cual se desarrolló en el Período de la Primera Dinastía, se refinó y se usó más ampliamente durante el Antiguo Egipto. La pintura en tumbas tuvo un desarrollo significativo, sin embargo, la escultura permaneció igual la mayor parte del tiempo. La semejanza entre una estatua de Zoser que se encontró en Saqqara con una pequeña estatua de marfil del rey Khufu, descubierta en Guiza, exponen la misma técnica y estructura. Ambas piezas, son extraordinarias en sus detalles y realización.

En el Antiguo Egipto, el arte era por mandato del estado, lo que significaba que el rey o la nobleza de alto rango ordenaban una pieza y también determinaban su estilo. Es por eso que existe tanta semejanza en el trabajo en esa época, los artistas podrían tener una visión propia, pero ellos tenían que crear de acuerdo a los deseos su cliente. Este arquetipo cambió cuando el Antiguo Egipto se desplomó e inició el Primer Período Intermedio. (2181-2040 a.C.).

Arte en el Primer Período Intermedio

Esta etapa se caracterizó como una época de caos y obscuridad, el arte de este tiempo se utilizó para demostrar tal descontentó. Este argumento se basaba, en la interpretación de los trabajos de esta edad; eran de baja calidad y no existían proyectos de edificios monumentales, de tal forma se evidenció que la cultura egipcia estaba en decadencia y se dirigía a la anarquía y la ruptura. En realidad, el Primer Período Intermedio fue una época de crecimiento espectacular y cambio cultural. El resultado de la calidad en las piezas fue a la falta de un fuerte gobierno central, así como a la escasez de obras por mandato del estado.

El resultado de la calidad en las piezas fue a la falta de un fuerte gobierno central, así como a la escasez de obras por mandato del estado.

Cada zona era libre para desarrollar una percepción personal en las obras y crear de acuerdo a su propia visión. No existe "baja calidad" en el arte del Primer Período Intermedio; sólo es diferente a las piezas del Antiguo Reino. La falta de planes de grandes edificaciones durante esta etapa se puede explicar muy fácil; las dinastías del Antiguo Reino vaciaron el tesoro del gobierno al crear sus propios monumentos, por lo tanto, en la época de la quinta dinastía, no había recursos para tales planes. El colapso del Antiguo Reino, seguida del reinado de la sexta dinastía fueron tiempos de confusión, pero, no existe evidencia que sugiera que esta etapa fue una "era obscura".

Durante Primer Período Intermedio se produjo un número importante de piezas finas, pero, también hubo un surgimiento masivo en el arte. Obras hechas con anterioridad, por un solo artista ahora se armaban y pintaban por un equipo de producción. Amuletos, ataúdes, cerámica y muñecas Shabti estaban dentro de estas artesanías. Las muñecas Shabti eran objetos funerarios importantes y se enterraban con el difunto; se pensaba que volvían a la vida en el siguiente mundo y se encargaban de las responsabilidades de uno. Se hacían de cerámica, piedra, o madera, pero, en el Primer Período Intermedio la mayoría se hacían de madera y se producían en masa, para venderlas a un precio accesible. Las muñecas Shabti eran obras importantes ya que permitían que el alma se relajara en el más allá, mientras la muñequilla Shabti hacia el trabajo de uno. Con anterioridad, sólo los adinerados podían costear las muñecas Shabti, pero, en esta etapa estaban disponible para aquellos con menos recursos.

Arte en el Imperio Medio.

El Primer Período Intermedio terminó cuando Mentuhotep II (ca. 2061-2010 a.C.) de Tebas derrotó a los reyes de Heracleópolis e inició el Imperio Medio (2040-1782 a.C.). Tebas se convirtió en este momento en la capital de Egipto y otra vez un fuerte gobierno central tuvo el poder para establecer el gusto artístico y su realización. Las reglas en el Imperio Medio, alentaron los diferentes estilos de cada zona y no ordenaron que todo el arte estuviera de acuerdo al gusto de la nobleza. Aunque, hubo una gran veneración por el trabajo del Antiguo Imperio, y en muchos casos un intento obvio de reflejarlo, las obras en el Imperio Medio se resaltaron por los temas explorados y por la sofisticación de su técnica.

El Imperio Medio se conoce, por lo general, como el punto más alto de la cultura egipcia. La tumba de Mentuhotep II, es por si sola una obra de arte, tallada en rocas del cercano Tebas, la cual surge a la perfección del paisaje natural y que da la sensación de ser un solo complejo. Las pinturas, frescos y estatuas que acompañaban la tumba también reflejan un nivel muy refinado y como siempre una simetría. Además, la joyería se perfeccionó mucho y algunas piezas de esta época son consideradas como las más finas. Un collar del reinado de Sesostris II (ca.1897-1878 a.C.), que le regaló a su hija está confeccionado con hilos de oro delgado unidos a un pectoral de oro sólido e incrustaciones de 372 joyas semipreciosas. La estatuas y bustos de reyes y reinas están talladas con precisión y belleza, algo que carecían los trabajos del Antiguo Egipto.

Sin embargo, un aspecto importante y debatible del arte del Imperio Medio es que la gente del pueblo, ostentaba con más frecuencia los trabajos de este período y no la nobleza. La influencia del Primer Período Intermedio siguió reflejándose en todo el arte del Imperio Medio donde los trabajadores, agricultores, bailarines, cantantes y la vida doméstica recibieron tanta atención como los reyes, nobleza y dioses. El tallado en tumbas continuó para reverberar la perspectiva tradicional de la otra vida, no obstante, la literatura de esa época cuestionó la antigua creencia y sugirió que una persona debía de concentrarse en la única vida de la que puede estar seguro: el presente.

Este hincapié en la vida terrenal, se refleja en la escultura ya que eran menos idealizadas y más reales. Los reyes como Sesostris III (ca.1878-1860 a.C.), son representados en esculturas y trabajos como eran en realidad en vez de un rey idílico. Los egiptólogos reconocen estas características en los trabajos por la homogeneidad y detalles. Sesostris III es representado en distintos trabajos con edades diferentes, en ocasiones, con mirada agobiada, en otras victorioso, mientras los monarcas anteriores siempre eran retratados con la misma edad (joven) y (poderoso) al mismo tiempo. El arte egipcio es famoso por ser inexpresivo debido a que los egipcios reconocían que las emociones son fugaces y no querían reflejar una imagen eterna de sí mismos; no sólo un momento en la vida sino la existencia completa.

El arte del Imperio Medio se adhiere a este fundamento, entretanto y al mismo tiempo, denota más el estado emocional del sujeto que en las épocas anteriores. Sin embargo, la vida futura se considera al unísono, el énfasis en el arte siempre se apoya en el aquí y el ahora. Imágenes en la otra vida incluían gente que disfruta los placeres simples de la vida en la tierra ya sea comiendo, bebiendo, sembrando y cosechando los campos. El detalle de estas escenas hace hincapié en los placeres de la vida terrenal que uno debería hacer la mayoría de las veces. Los collares de perro durante esta época, también, se volvieron más sofisticados lo cual sugiere tiempo libre para la caza y mucha más atención a la decoración de los objetos cotidianos.

¿Te gusta la historia?

¡Suscríbete a nuestro boletín electrónico semanal gratuito!

El Imperio Medio empezó a disolverse durante la Dinastía XIII cuando los gobernantes se sintieron muy cómodos y descuidaron los asuntos de estado. Los nubios invadieron el sur mientras, pueblos extranjeros como los Hicsos ocuparon un espacio importante en la región norte del Delta. Las autoridades de Tebas perdieron el control de una gran parte del Delta tomada por los Hicsos, además, no pudieron hacer nada contra el creciente poder de los nubios, el gobierno se volvió cada vez más obsoleto y así se abrió el camino para la era que se conoce como el Segundo Período Intermedio (ca.1782 - ca.1570 a.C.). Durante esta etapa el gobierno de Tebas continuó encargando trabajos, pero, a menor escala entretanto los Hicsos se apropiaron de trabajos anteriores ya sea para sus templos o comisionaron trabajos más grandes.

Arte en el Segundo Período Intermedio/Nuevo Reino

El arte en el Segundo Período Intermedio de Egipto continuó las tradiciones del Nuevo Reino, sin embargo, cada vez menos efectivas. Los artistas más hábiles estaban disponibles para la nobleza de Tebas y produjeron trabajos de alta calidad, mientras los menos diestros no trabajaban para la realeza. Esta era, así como la primera, se le caracteriza, también como desorganizada y caótica, la mejor prueba es el arte, aunque hubo muchos trabajos finos que se crearon durante esta época; eran simples y a baja escala.

Pinturas en tumbas, estatuas, relieves en templos, pectorales, tocados y joyería de alta calidad continuaron produciéndose, los Hicsos contribuyeron al desarrollo cultural, aunque, con frecuencia y más tarde, fueron desdeñados por escritores egipcios. Los Hicsos copiaron y preservaron muchos escritos de historia antigua la cual aún existe, también, imitaron estatuas y otros trabajos de arte.

Al final, los Hicsos fueron expulsados por el príncipe tebano Amosis I (ca. 1570-1544 a.C.), cuyo reinado da comienzo al Nuevo Reino de Egipto (ca. 1570 - ca. 1069 a.C.). El Nuevo Reino es la etapa más famosa de la historia egipcia con los mejores gobernantes y el arte más reconocido. Las descomunales estatuas que se iniciaron en el Imperio Medio se convirtieron en algo más común en este tiempo, el Templo de Karnak con su gran Sala Hipóstila fue ampliada con regularidad, el Libro de los muertos se copió, acompañado de viñetas con ilustraciones para más y más gente como cortesanos y funcionarios, así como las muñecas Shabti y otros objetos funerarios de la más alta calidad.

Egipto del Nuevo Reino, es el Imperio de Egipto. A medida que las fronteras del país se extendieron, los artistas egipcios introdujeron diferentes estilos y técnicas que mejoraron sus habilidades. El trabajo en metal que los hititas crearon, los egipcios lo usaron para hacer armamento, y también, influyó en el arte. La riqueza del país se reflejó en la grandiosidad de las obras de arte individual, así como en su calidad. El faraón Amenofis III (1386-1353 a.C.), construyó tantos monumentos y templos que los egiptólogos le atribuyen un reinado largo y excepcional. Entre sus grandes trabajos están Los Colosos de Memnón, dos estatuas enormes del rey sentado que se elevan 60 pies (18 m) de altura y pesan 720 toneladas cada una. Cuando se construyeron estaban situadas a la entrada del complejo mortuorio de Amenofis III, que ya no existe.

El hijo de Amenofis III, Amenofis IV quien es mejor conocido como Akenatón (1353-1336 a.C.), que fue el nombre escogió a partir de que se consagró al dios Atón y abolió las tradiciones de la antigua religión del país. Durante este período (al cual se le llama el período de Amarna) las figuras volvieron al naturalismo del Imperio Medio. Sin embargo, al inicio del Nuevo Reino, las representaciones artísticas regresaron, otra vez, hacia lo ideal. Durante el reinado de Hastshepsut (1479-1458 a.C.), la reina es personificada en forma natural, aunque, la mayoría de las esculturas de la nobleza muestran la sensibilidad e idealismo del Viejo Reino; con rostros sonriendo y en forma de corazón. El arte del período de Amarna es tan realista que los especialistas modernos han podido suponer, razonablemente, que dolencias físicas la gente probablemente sufría.

Dos de los más famosos trabajos de arte egipcio provienen de esta época: el busto de Nefertiti y la máscara mortuoria de oro de Tutankamón. Nefertiti (ca. 1370-1336 a.C.), era la esposa de Akenatón y su busto se descubrió en Amarna en 1912 d.C. por el arqueólogo alemán Borchards y casi es un sinónimo del Egipto de hoy. Tutankamón (ca. 1336-1327 a.C.), era hijo de Akenatón (pero, no de Nefertiti). Tutankamón estaba en el proceso de desmantelar las reformas religiosas de su padre y regresar Egipto a las creencias religiosas tradicionales cuando murió a los 20 años. Es mejor conocido por su famosa tumba descubierta en 1922 d.C., y la gran cantidad de artefactos que contenía.

La máscara de oro y otros objetos de metal encontrados en la tumba, fue el resultado de las innovaciones en metal que aprendieron de los Hititas. El arte del Imperio de Egipto está entre los más grandes en la civilización, debido al interés en aprender nueva técnicas y estilos e incorporarlas al arte egipcio. Antes de la llegada de los Hicsos a Egipto, los egipcios pensaban que las otras naciones eran incivilizadas y bárbaras y no los consideraban dignos de especial atención. La invasión de los Hicsos forzó al pueblo egipcio a reconocer las contribuciones de otros pueblos y utilizarlas.

Períodos posteriores y legado

Las habilidades adquiridas por los egipcios continuarían a lo largo del Tercer Período Intermedio (ca. 1069-525 a.C.) y en la etapa posterior (525-332 a.C.) las cuales son comparadas en forma negativa con las grandes épocas donde había un poder político centralizado. El estilo que se utilizó en períodos posteriores se vio afectado con el tiempo y por los pocos recursos disponibles, sin embargo, el arte es notable en su calidad. El egiptólogo David P. Silverman notó cómo "el arte de esta era refleja las fuerzas opositoras de la tradición y el cambio" (222). Los gobernantes kushitas del Período Tardío revivieron el arte del Antiguo Egipto en un esfuerzo por identificarse con las tradiciones del viejo Egipto, mientras que, los gobernantes nativos y la nobleza trataron de progresar en las representaciones artísticas del Nuevo Reino.

Este mismo paradigma se mantiene con la influencia persa, cuando invadieron Egipto en 525 a.C. Los persas tienen también, un gran respecto por la cultura e historia egipcia y se identifican con el arte y arquitectura del Antiguo Reino. El período ptolemaico (323-30 a.C.) fusiona el arte egipcio y griego para crear estatuas como las del dios Serapis (deidad greco egipcia, también, el arte egipcio romano (30 a.C.- 646 d.C.) seguiría el mismo modelo). Roma trazaría los mismos temas y técnicas del antiguo Egipto, para adaptar las deidades egipcias al entendimiento romano. La pintura en tumbas de este tiempo son un claro ejemplo de influencia romana, sin embargo, conservan los principios del Antiguo Reino.

El arte de estas culturas influenciaría el estilo, técnicas y entendimiento europeo al cual se apegarían por más de mil años, hasta que los artistas del siglo XIX, como el movimiento conocido como Futurismo en Italia comenzó a romper con el pasado. El llamado Arte Moderno, del inicio del siglo XX fue un intento para forzar a la audiencia a ver a los sujetos con una nueva luz. Artistas como Picasso y Duchamp querían forzar a la gente a reconocer las ideas preconcebidas en el arte y, por consiguiente, crearon representaciones sin precedentes e inesperadas que rompiera con las técnicas y estilos del pasado. Sin embargo, sus obras al igual que las de otros fueron posibles gracias a los modelos creados por los antiguos egipcios.

# data[].attributes.attachment_link.description
El arte es fundamental en cualquier civilización. En el momento que las más elementales necesidades humanas se han cubierto tales como, comida, vivienda, leyes y religión, los habitantes empiezan a...

# data[].attributes.body
Utilizaban pigmentos naturales. La mayoría de ellos eran de origen mineral. Usaban polvos triturados como el huevo o del árbol de la goma de mascar o caucho.

El azul egipcio sustraído del vidrio fue el pigmento más importante utilizado en la pintura del Antiguo Egipto.

https://arteyalgomas.com/2020/10/01/la-pintura-en-el-antiguo-egipto-viajamos-al-pasado-del-arte/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Listen to this article

Si quieres aprender arte te surgirán preguntas como ¿por dónde empiezo? ¿Qué leo? ¿En que periodo o estilo me centro?. Tanto si quieres aprender sobre pintura moderna o pintura en el Antiguo Egipto, hay tantos libros y manuales sobre arte y sus estilos, que la labor de dar con el adecuado puede ser, no solo eterna, sino muy frustrante.

Aprender Arte es una de las actividades mas placenteras, interesantes y entretenidas que os podéis plantear. Sin embargo, aprender realmente a apreciar una obra o valorarla es complicado si no se cuenta con el tiempo, información y apoyo necesario.
Independientemente del estilo y la época siempre es positivo aprender arte. Hoy viajamos al pasado y nos vamos a Egipto. Vuelven a surgir las preguntas. ¿Qué nos ha aportado el arte egipcio?, ¿Cuál función cumplía la pintura en esta civilización?, ¿Qué materiales usaban?....
Si quieres contestación a estas preguntas, te invito a que leas o escuches nuestro artículo.

Pero si quieres aprender más, te sugiero que visites Clases de Historia del Arte en Madrid.

En Clases de Historia del Arte en Madrid, puedes aprender la Historia del Arte de Occidente completa, desde la Antigüedad hasta la producción artística actual.
Sus clases van dirigidas a todo tipo de personas con curiosidad e interés y sin necesidad de conocimientos previos y, ahora, también online.
La pintura en el Arte Egipcio tenía un fin simbólico, funerario y religioso. La pintura en el Antiguo Egipto tuvo un gran desarrollo y fue un precedente de la pintura al fresco o témpera.

Utilizaban pigmentos naturales. La mayoría de ellos eran de origen mineral. Usaban polvos triturados como el huevo o del árbol de la goma de mascar o caucho.
El azul egipcio sustraído del vidrio fue el pigmento más importante utilizado en la pintura del Antiguo Egipto.
La paleta cromática del momento tenía seis colores básicos:
Rojo (desher), Verde (wadj), Azul (khesbedj y irtiu), Amarillo (kenit y khenet), Negro (Khem o kem) y Blanco (shesep y hedj). Y, por supuesto, cada color se aplicaba en base a su significado y simbolismo.

La pintura en el Antiguo Egipto estaba sometida a unos cánones o reglas muy estrictas.

En el género de la pintura, las figuras se representaban con el rostro, brazos y piernas de perfil, mientras que el tronco y el ojo estaban dispuestos de frente. Es lo que se llama Canon de Perfil.

En una sociedad profundamente jerárquica como la del Antiguo Egipto, la representación estaba reservada a las figuras de dioses y faraones, aunque después también se incluyó a personajes notables.

El tamaño tenía relación directa con la importancia social del personaje. Por tanto, lo habitual es que el Faraón y los Dioses sean los personajes más altos en las escenas. Y sus mujeres, hijos o enemigos son más pequeños.

Técnicamente la pintura egipcia no aportó demasiado. Las pinturas eras planas, sin tonalidades ni degradados, con ausencia de perspectiva.

Sin embargo, a nivel espiritual lo aportó todo. El menor tamaño de algunas figuras no suponía una aplicación de una perspectiva básica que implicara que estaban lejos. Simbolizaba la inferioridad de la persona en la escala social del momento.

Igualmente, la aplicación del color, diferenciaba a hombres de mujeres. La piel de los hombres era oscura, en la gama del ocre o pardo-rojizo, mientras que en las mujeres era más clara, ocre o amarillo claro o rosado.

Durante el Imperio Antiguo, el bajorrelieve y la pintura van de la mano y comparten los mismos temas y propósitos.

Ambos representaban la vida cotidiana y la naturaleza, para que ambas puedan ser recreadas en la otra vida en la Duat, el lugar donde iban los espíritus de los egipcios después de muerte.

En el Imperio Medio se realizaron pinturas en papiro o sobre el cartonaje que recubría los ataúdes.

Narraban leyendas y rituales funerarios a través de jeroglíficos. Contenían, además, el retrato del difunto a la altura de la zona de cabeza.

Durante el Imperio Nuevo, la temática de la pintura se centró en los relatos mitológicos del Libro de los Muertos.

El texto consistía en una serie de sortilegios mágicos destinados a ayudar a los difuntos a superar el juicio de Osiris, asistirlos en su viaje a través de la Duat, el inframundo, y viajar al Aaru, en la otra vida.

El Libro de los muertos era parte de una tradición de textos funerarios iniciada por los más antiguos Textos de las Pirámides y Textos de los sarcófagos y que se introducía en el sarcófago o cámara sepulcral del fallecido.

La pintura en el Antiguo Egipto, por lo general, se desarrolla durante el Imperio Nuevo.

Las escenas fueron ganando en composición y se perfecciona el estilo a la hora de representar el cuerpo humano que se va alargando y adquiriendo una pose más flexible y natural.

Dentro del conjunto de pintura Egipcia, destacan algunas composiciones.

Las pinturas murales de la mastaba de Nefermaat y su esposa Atet, son un caso singular dentro del Arte egipcio. Fueron realizadas a comienzos de la cuarta dinastía (del 2575 al 2467 a.c.)

Destaca el "friso de las ocas" que describe tres parejas de Ocas del Nilo (chenalopex) en diferentes posturas. La exactitud y precisión de cada uno de los ejemplares de aves, contrasta con la ligereza con la que se dibujan los motivos vegetales.

Los antiguos egipcios sentían un gran respeto por el mundo animal. Destaca la variedad de pigmentos utilizados, que incluyen la malaquita, azurita y óxido de hierro.

La colección de murales de la tumba de Nebamon es uno de los conjuntos artísticos más bellos de la cultura egipcia. Consiste en 11 fragmentos expuestos actualmente en el Museo Británico y otros de menor tamaño en el Museo Egipcio de Berlín.

Nebamón ostentaba el título de "Escriba y Contable en el granero de cereales del divino Amón".

Aunque su título en la escala social no era alto, su tumba recogió una composición de pinturas de mucha calidad y de autor desconocido.

Uno de los conjuntos pictóricos mas interesantes ha sido el encontrado en Deir El Medina, el más próspero poblado de obreros y artesanos del Antiguo Egipto.

Se encontraron diversas representaciones humorísticas y satíricas dibujadas en ostraca.

En arqueología, el término ostraca se utiliza para designar los trozos de cerámica o fragmentos calcáreos que se utilizaban como borradores para aprender a escribir o pintar. Los ostraca son muy numerosos y son una fuente de información muy útil.

De este poblado es el Papiro erótico de Turín, que algunos investigadores han llamado "la primera revista para hombres del mundo". Es considerado el documento sexual más antiguo de la historia.

Cuando Jean-François Champollion, egiptólogo francés, vio el papiro en Turín en 1824, se escandalizó.

"una imagen monstruosa, obscena, que me dio una impresión muy extraña acerca de la sabiduría y la compostura egipcia".
asi lo describio champollion.

El papiro de grandes dimensiones consta de dos partes. Una primera parte, descrita como satírica y de corte humorístico. Y una segunda parte como erótica y de corte sexual que contiene doce viñetas con diferentes escenas sexuales, en un ambiente descrito como relajado, discreto y erótico.

En los margenes del papiro se han encontrado restos de textos que parecen expresar un ambiente relajado y ludico.

"... Ven detrás de mí con tu amor, ¡Oh Sol, has encontrado mi corazón exaltado, ejercita mi deleite..

La representación de los personajes en este papiro rompe la representación convencional del cuerpo en el Antiguo Egipto. Los hombres aparecen "mal vestidos, calvos, muy bajos de estatura, panzones y con penes exageradamente grandes". Las mujeres, sin embargo, se representan bellas, núbiles (mujeres en edad de poder contraer matrimonio), entre enredaderas de loto.

En general, el mérito artístico de las imágenes es alto, lo que sugiere que el Papiro Erótico tenía un dueño dentro de la élite. El verdadero significado de las imágenes y el objetivo del papiro no está claro, ya que los fragmentos de texto no han revelado ningún objetivo claro.

Espero que nuestro viaje al pasado del Arte te haya gustado. Puedes visitar nuestra sección Historia del Arte y seguir aprendiendo.

Comparte el artículo y apoya a nuestro proyecto de divulgación. Gracias!

Y, si quieres aprender mas, clik aquí.

Suscríbete a ARTEyALGOmás y recibe nuestros artículos en tu email.

El mejor profeta del futuro es el pasado.
lord byron

# data[].attributes.attachment_link.title
La Pintura en el Antiguo Egipto. Viajamos al pasado del arte.

# data[].attributes.attachment_link.description
La pintura en el Antiguo Egipto tenía un fin simbólico y fue un precedente de la pintura al fresco o témpera. Descubre más!👉

# data[].attributes.body
El arte del Egipto Antiguo estaba al servicio de la religión, toda la producción artística tenía el objetivo de agradar e invocar a los dioses. También buscaba ayudar a que los difuntos alcanzaran la vida eterna en el más allá.

La temática más habitual en el arte de Egipto es la representación de los dioses y de los faraones, además de las criaturas sobrenaturales que formaban parte del imaginario de aquella religión, como las esfinges y los animales que a menudo simbolizaban a esas divinidades.

# data[].attributes.attachment_link.title
▷ El arte del Egipto Antiguo | Egipto Exclusivo

# data[].attributes.attachment_link.description
En esta página podrás ‘educar tu ojo’ para apreciar mejor el arte del Egipto Antiguo en tu viaje: pintura, bajorrelieve, escultura, cerámica funeraria…

# data[].attributes.body
El bajorrelieve

La escultura es una de las disciplinas más importantes del arte del Egipto Antiguo y está aún más vinculada a la arquitectura, ya se trate de altorrelieve (los motivos sobresalen mucho de la superficie de fondo, hasta convertirse casi en una escultura exenta o de bulto redondo) o bajorrelieve (los motivos sobresalen poco de la superficie de fondo).

# data[].attributes.attachment_link.title
▷ El arte del Egipto Antiguo | Egipto Exclusivo

# data[].attributes.attachment_link.description
En esta página podrás ‘educar tu ojo’ para apreciar mejor el arte del Egipto Antiguo en tu viaje: pintura, bajorrelieve, escultura, cerámica funeraria…

# data[].attributes.body
Una de las características del Antiguo Egipto es su singular arte, con obras monumentales que generalmente tenían carácter simbólico, funerario o religioso.

Aunque el concepto de Arte es moderno, es perfectamente utilizable en la arquitectura, escultura, pintura y joyería egipcias, siendo muchas de sus realizaciones auténticas obras de arte y no simples trabajos de artesanía.

https://egiptoprofundo.org/cultura/arquitectura/caracteristicas-del-arte-egipcio/

# data[].attributes.body
En este sentido, la temática más habitual en el arte de Egipto es la representación de los dioses y de los faraones, además de las criaturas sobrenaturales que formaban parte del imaginario de aquella religión, como las esfinges y los animales que a menudo simbolizaban a esas divinidades.

https://www.egiptoexclusivo.com/cultura/antiguo-egipt/arte/

# data[].attributes.body
La sociedad egipcia se apoyó en el concepto de armonía conocida como ma'at, la cual surgió desde su creación y se sustenta en el universo. Todo el arte egipcio se asienta en un equilibrio perfecto y refleja el mundo ideal de los dioses. De la misma forma, que los dioses proporcionaban toda clase de regalos a la humanidad, el arte egipcio se imaginó y se creó para su uso.

https://www.worldhistory.org/trans/es/2-1077/breve-historia-del-arte-egipcio/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El arte es fundamental en cualquier civilización. En el momento que las más elementales necesidades humanas se han cubierto tales como, comida, vivienda, leyes y religión, los habitantes empiezan a producir arte, la mayoría de las veces, estos dos acontecimientos florecen casi al mismo tiempo. En Egipto, este proceso comenzó en el Período Predinástico (ca. 6000 - ca. 3150 a.C.), por medio de imágenes de humanos, animales y figuras divinas grabadas en roca. Estas primeras figuras eran rústicas en comparación con la evolución que más tarde habría, sin embargo, conservan una característica importante de la cultura egipcia: el equilibrio.

La sociedad egipcia se apoyó en el concepto de armonía conocida como , la cual surgió desde su creación y se sustenta en el universo. Todo el arte egipcio se asienta en un equilibrio perfecto y refleja el mundo ideal de los dioses. De la misma forma, que los dioses proporcionaban toda clase de regalos a la humanidad, el arte egipcio se imaginó y se creó para su uso. Esta práctica egipcia fue desde el principio y en primer lugar funcional. No importaba que tan bella estuviera tallada una estatua; su propósito principal era servir como refugio para un espíritu o un dios. Quizá un amuleto se diseñó para ser atractivo, pero su belleza estética no era la fuerza creadora, sino la protección. La pintura en tumbas, escenas caseras en templos y jardines palaciegos se crearon, en muchos casos, para proporcionar una función muy importante la cual era un recordatorio de la condición eterna de la vida, el valor de la estabilidad personal y de la comunidad.

El arte en la primera dinastía

La importancia del equilibrio se manifestó como simetría, e inspiró el arte egipcio desde su inicio. El grabado en roca en el Período Predinástico estableció esta armonía, la cual se desarrolló por completo en la época de la Primera Dinastía de Egipto (ca. 3150-2613 a.C.). Esta técnica alcanza su máximo nivel con la Paleta de Narmer (ca. 3200-3000 a.C.), para celebrar la unificación del Alto y Bajo Egipto, con el reinado del Faraón Narmer (ca. 3150 a.C.). La paleta narra la victoria del gran rey sobre sus enemigos, y cómo los dioses lo animaron y aprobaron sus acciones; es una losa de piedra de limo en forma de escudo con una serie de relieves grabados. A pesar de que algunas de las imágenes de la paleta son difíciles de interpretar, la celebración por la unificación es bastante clara.

En el frente de la paleta, se relaciona a Narmer con la fuerza divina del toro, (quizá la deidad Api) quien lleva la corona del Alto y Bajo Egipto en un desfile triunfal. Debajo de él, dos hombres luchando con bestias lo cual se interpreta como la representación del Alto y Bajo Egipto (sin embargo, esta percepción es objetable y al parecer no hay una justificación). El reverso muestra la victoria del rey sobre sus enemigos, mientras los dioses aprueban con la mirada. Todos estos relieves están tallados con asombrosa habilidad.

El arquitecto Imhotep (ca. 2667-2600 a.C.), usó esta técnica con muy buenos resultados hacia el final del Período de la Primera Dinastía cuando diseñó el complejo piramidal del Faraón Zoser (ca. 2670 a.C.). Imágenes de flores de loto, plantas de papiro y el símbolo djed (que significa estabilidad), están abigarrados en la arquitectura de los edificios, tanto arriba como abajo del relieve. En esta misma época los escultores habían dominado el grabado en piedra para crear estatuas en tercera dimensión de figura humana al tamaño natural. Entre los grandes trabajos de este período está la escultura de Zoser.

El arte en el Antiguo Reino

Durante la etapa del Antiguo Egipto (ca. 2613-2181 a.C.), esta destreza se desarrolló debido a un fuerte poder político del estado, combinado con una prosperidad económica, que permitió trabajos monumentales; como la Gran Pirámide de Guiza, la Esfinge, tumbas complicadas y pintura en templos. El Obelisco, el cual se desarrolló en el Período de la Primera Dinastía, se refinó y se usó más ampliamente durante el Antiguo Egipto. La pintura en tumbas tuvo un desarrollo significativo, sin embargo, la escultura permaneció igual la mayor parte del tiempo. La semejanza entre una estatua de Zoser que se encontró en Saqqara con una pequeña estatua de marfil del rey Khufu, descubierta en Guiza, exponen la misma técnica y estructura. Ambas piezas, son extraordinarias en sus detalles y realización.

En el Antiguo Egipto, el arte era por mandato del estado, lo que significaba que el rey o la nobleza de alto rango ordenaban una pieza y también determinaban su estilo. Es por eso que existe tanta semejanza en el trabajo en esa época, los artistas podrían tener una visión propia, pero ellos tenían que crear de acuerdo a los deseos su cliente. Este arquetipo cambió cuando el Antiguo Egipto se desplomó e inició el Primer Período Intermedio. (2181-2040 a.C.).

Arte en el Primer Período Intermedio

Esta etapa se caracterizó como una época de caos y obscuridad, el arte de este tiempo se utilizó para demostrar tal descontentó. Este argumento se basaba, en la interpretación de los trabajos de esta edad; eran de baja calidad y no existían proyectos de edificios monumentales, de tal forma se evidenció que la cultura egipcia estaba en decadencia y se dirigía a la anarquía y la ruptura. En realidad, el Primer Período Intermedio fue una época de crecimiento espectacular y cambio cultural. El resultado de la calidad en las piezas fue a la falta de un fuerte gobierno central, así como a la escasez de obras por mandato del estado.

El resultado de la calidad en las piezas fue a la falta de un fuerte gobierno central, así como a la escasez de obras por mandato del estado.

Cada zona era libre para desarrollar una percepción personal en las obras y crear de acuerdo a su propia visión. No existe "baja calidad" en el arte del Primer Período Intermedio; sólo es diferente a las piezas del Antiguo Reino. La falta de planes de grandes edificaciones durante esta etapa se puede explicar muy fácil; las dinastías del Antiguo Reino vaciaron el tesoro del gobierno al crear sus propios monumentos, por lo tanto, en la época de la quinta dinastía, no había recursos para tales planes. El colapso del Antiguo Reino, seguida del reinado de la sexta dinastía fueron tiempos de confusión, pero, no existe evidencia que sugiera que esta etapa fue una "era obscura".

Durante Primer Período Intermedio se produjo un número importante de piezas finas, pero, también hubo un surgimiento masivo en el arte. Obras hechas con anterioridad, por un solo artista ahora se armaban y pintaban por un equipo de producción. Amuletos, ataúdes, cerámica y muñecas Shabti estaban dentro de estas artesanías. Las muñecas Shabti eran objetos funerarios importantes y se enterraban con el difunto; se pensaba que volvían a la vida en el siguiente mundo y se encargaban de las responsabilidades de uno. Se hacían de cerámica, piedra, o madera, pero, en el Primer Período Intermedio la mayoría se hacían de madera y se producían en masa, para venderlas a un precio accesible. Las muñecas Shabti eran obras importantes ya que permitían que el alma se relajara en el más allá, mientras la muñequilla Shabti hacia el trabajo de uno. Con anterioridad, sólo los adinerados podían costear las muñecas Shabti, pero, en esta etapa estaban disponible para aquellos con menos recursos.

Arte en el Imperio Medio.

El Primer Período Intermedio terminó cuando Mentuhotep II (ca. 2061-2010 a.C.) de Tebas derrotó a los reyes de Heracleópolis e inició el Imperio Medio (2040-1782 a.C.). Tebas se convirtió en este momento en la capital de Egipto y otra vez un fuerte gobierno central tuvo el poder para establecer el gusto artístico y su realización. Las reglas en el Imperio Medio, alentaron los diferentes estilos de cada zona y no ordenaron que todo el arte estuviera de acuerdo al gusto de la nobleza. Aunque, hubo una gran veneración por el trabajo del Antiguo Imperio, y en muchos casos un intento obvio de reflejarlo, las obras en el Imperio Medio se resaltaron por los temas explorados y por la sofisticación de su técnica.

El Imperio Medio se conoce, por lo general, como el punto más alto de la cultura egipcia. La tumba de Mentuhotep II, es por si sola una obra de arte, tallada en rocas del cercano Tebas, la cual surge a la perfección del paisaje natural y que da la sensación de ser un solo complejo. Las pinturas, frescos y estatuas que acompañaban la tumba también reflejan un nivel muy refinado y como siempre una simetría. Además, la joyería se perfeccionó mucho y algunas piezas de esta época son consideradas como las más finas. Un collar del reinado de Sesostris II (ca.1897-1878 a.C.), que le regaló a su hija está confeccionado con hilos de oro delgado unidos a un pectoral de oro sólido e incrustaciones de 372 joyas semipreciosas. La estatuas y bustos de reyes y reinas están talladas con precisión y belleza, algo que carecían los trabajos del Antiguo Egipto.

Sin embargo, un aspecto importante y debatible del arte del Imperio Medio es que la gente del pueblo, ostentaba con más frecuencia los trabajos de este período y no la nobleza. La influencia del Primer Período Intermedio siguió reflejándose en todo el arte del Imperio Medio donde los trabajadores, agricultores, bailarines, cantantes y la vida doméstica recibieron tanta atención como los reyes, nobleza y dioses. El tallado en tumbas continuó para reverberar la perspectiva tradicional de la otra vida, no obstante, la literatura de esa época cuestionó la antigua creencia y sugirió que una persona debía de concentrarse en la única vida de la que puede estar seguro: el presente.

Este hincapié en la vida terrenal, se refleja en la escultura ya que eran menos idealizadas y más reales. Los reyes como Sesostris III (ca.1878-1860 a.C.), son representados en esculturas y trabajos como eran en realidad en vez de un rey idílico. Los egiptólogos reconocen estas características en los trabajos por la homogeneidad y detalles. Sesostris III es representado en distintos trabajos con edades diferentes, en ocasiones, con mirada agobiada, en otras victorioso, mientras los monarcas anteriores siempre eran retratados con la misma edad (joven) y (poderoso) al mismo tiempo. El arte egipcio es famoso por ser inexpresivo debido a que los egipcios reconocían que las emociones son fugaces y no querían reflejar una imagen eterna de sí mismos; no sólo un momento en la vida sino la existencia completa.

El arte del Imperio Medio se adhiere a este fundamento, entretanto y al mismo tiempo, denota más el estado emocional del sujeto que en las épocas anteriores. Sin embargo, la vida futura se considera al unísono, el énfasis en el arte siempre se apoya en el aquí y el ahora. Imágenes en la otra vida incluían gente que disfruta los placeres simples de la vida en la tierra ya sea comiendo, bebiendo, sembrando y cosechando los campos. El detalle de estas escenas hace hincapié en los placeres de la vida terrenal que uno debería hacer la mayoría de las veces. Los collares de perro durante esta época, también, se volvieron más sofisticados lo cual sugiere tiempo libre para la caza y mucha más atención a la decoración de los objetos cotidianos.

¿Te gusta la historia?

¡Suscríbete a nuestro boletín electrónico semanal gratuito!

El Imperio Medio empezó a disolverse durante la Dinastía XIII cuando los gobernantes se sintieron muy cómodos y descuidaron los asuntos de estado. Los nubios invadieron el sur mientras, pueblos extranjeros como los Hicsos ocuparon un espacio importante en la región norte del Delta. Las autoridades de Tebas perdieron el control de una gran parte del Delta tomada por los Hicsos, además, no pudieron hacer nada contra el creciente poder de los nubios, el gobierno se volvió cada vez más obsoleto y así se abrió el camino para la era que se conoce como el Segundo Período Intermedio (ca.1782 - ca.1570 a.C.). Durante esta etapa el gobierno de Tebas continuó encargando trabajos, pero, a menor escala entretanto los Hicsos se apropiaron de trabajos anteriores ya sea para sus templos o comisionaron trabajos más grandes.

Arte en el Segundo Período Intermedio/Nuevo Reino

El arte en el Segundo Período Intermedio de Egipto continuó las tradiciones del Nuevo Reino, sin embargo, cada vez menos efectivas. Los artistas más hábiles estaban disponibles para la nobleza de Tebas y produjeron trabajos de alta calidad, mientras los menos diestros no trabajaban para la realeza. Esta era, así como la primera, se le caracteriza, también como desorganizada y caótica, la mejor prueba es el arte, aunque hubo muchos trabajos finos que se crearon durante esta época; eran simples y a baja escala.

Pinturas en tumbas, estatuas, relieves en templos, pectorales, tocados y joyería de alta calidad continuaron produciéndose, los Hicsos contribuyeron al desarrollo cultural, aunque, con frecuencia y más tarde, fueron desdeñados por escritores egipcios. Los Hicsos copiaron y preservaron muchos escritos de historia antigua la cual aún existe, también, imitaron estatuas y otros trabajos de arte.

Al final, los Hicsos fueron expulsados por el príncipe tebano Amosis I (ca. 1570-1544 a.C.), cuyo reinado da comienzo al Nuevo Reino de Egipto (ca. 1570 - ca. 1069 a.C.). El Nuevo Reino es la etapa más famosa de la historia egipcia con los mejores gobernantes y el arte más reconocido. Las descomunales estatuas que se iniciaron en el Imperio Medio se convirtieron en algo más común en este tiempo, el Templo de Karnak con su gran Sala Hipóstila fue ampliada con regularidad, el Libro de los muertos se copió, acompañado de viñetas con ilustraciones para más y más gente como cortesanos y funcionarios, así como las muñecas Shabti y otros objetos funerarios de la más alta calidad.

Egipto del Nuevo Reino, es el Imperio de Egipto. A medida que las fronteras del país se extendieron, los artistas egipcios introdujeron diferentes estilos y técnicas que mejoraron sus habilidades. El trabajo en metal que los hititas crearon, los egipcios lo usaron para hacer armamento, y también, influyó en el arte. La riqueza del país se reflejó en la grandiosidad de las obras de arte individual, así como en su calidad. El faraón Amenofis III (1386-1353 a.C.), construyó tantos monumentos y templos que los egiptólogos le atribuyen un reinado largo y excepcional. Entre sus grandes trabajos están Los Colosos de Memnón, dos estatuas enormes del rey sentado que se elevan 60 pies (18 m) de altura y pesan 720 toneladas cada una. Cuando se construyeron estaban situadas a la entrada del complejo mortuorio de Amenofis III, que ya no existe.

El hijo de Amenofis III, Amenofis IV quien es mejor conocido como Akenatón (1353-1336 a.C.), que fue el nombre escogió a partir de que se consagró al dios Atón y abolió las tradiciones de la antigua religión del país. Durante este período (al cual se le llama el período de Amarna) las figuras volvieron al naturalismo del Imperio Medio. Sin embargo, al inicio del Nuevo Reino, las representaciones artísticas regresaron, otra vez, hacia lo ideal. Durante el reinado de Hastshepsut (1479-1458 a.C.), la reina es personificada en forma natural, aunque, la mayoría de las esculturas de la nobleza muestran la sensibilidad e idealismo del Viejo Reino; con rostros sonriendo y en forma de corazón. El arte del período de Amarna es tan realista que los especialistas modernos han podido suponer, razonablemente, que dolencias físicas la gente probablemente sufría.

Dos de los más famosos trabajos de arte egipcio provienen de esta época: el busto de Nefertiti y la máscara mortuoria de oro de Tutankamón. Nefertiti (ca. 1370-1336 a.C.), era la esposa de Akenatón y su busto se descubrió en Amarna en 1912 d.C. por el arqueólogo alemán Borchards y casi es un sinónimo del Egipto de hoy. Tutankamón (ca. 1336-1327 a.C.), era hijo de Akenatón (pero, no de Nefertiti). Tutankamón estaba en el proceso de desmantelar las reformas religiosas de su padre y regresar Egipto a las creencias religiosas tradicionales cuando murió a los 20 años. Es mejor conocido por su famosa tumba descubierta en 1922 d.C., y la gran cantidad de artefactos que contenía.

La máscara de oro y otros objetos de metal encontrados en la tumba, fue el resultado de las innovaciones en metal que aprendieron de los Hititas. El arte del Imperio de Egipto está entre los más grandes en la civilización, debido al interés en aprender nueva técnicas y estilos e incorporarlas al arte egipcio. Antes de la llegada de los Hicsos a Egipto, los egipcios pensaban que las otras naciones eran incivilizadas y bárbaras y no los consideraban dignos de especial atención. La invasión de los Hicsos forzó al pueblo egipcio a reconocer las contribuciones de otros pueblos y utilizarlas.

Períodos posteriores y legado

Las habilidades adquiridas por los egipcios continuarían a lo largo del Tercer Período Intermedio (ca. 1069-525 a.C.) y en la etapa posterior (525-332 a.C.) las cuales son comparadas en forma negativa con las grandes épocas donde había un poder político centralizado. El estilo que se utilizó en períodos posteriores se vio afectado con el tiempo y por los pocos recursos disponibles, sin embargo, el arte es notable en su calidad. El egiptólogo David P. Silverman notó cómo "el arte de esta era refleja las fuerzas opositoras de la tradición y el cambio" (222). Los gobernantes kushitas del Período Tardío revivieron el arte del Antiguo Egipto en un esfuerzo por identificarse con las tradiciones del viejo Egipto, mientras que, los gobernantes nativos y la nobleza trataron de progresar en las representaciones artísticas del Nuevo Reino.

Este mismo paradigma se mantiene con la influencia persa, cuando invadieron Egipto en 525 a.C. Los persas tienen también, un gran respecto por la cultura e historia egipcia y se identifican con el arte y arquitectura del Antiguo Reino. El período ptolemaico (323-30 a.C.) fusiona el arte egipcio y griego para crear estatuas como las del dios Serapis (deidad greco egipcia, también, el arte egipcio romano (30 a.C.- 646 d.C.) seguiría el mismo modelo). Roma trazaría los mismos temas y técnicas del antiguo Egipto, para adaptar las deidades egipcias al entendimiento romano. La pintura en tumbas de este tiempo son un claro ejemplo de influencia romana, sin embargo, conservan los principios del Antiguo Reino.

El arte de estas culturas influenciaría el estilo, técnicas y entendimiento europeo al cual se apegarían por más de mil años, hasta que los artistas del siglo XIX, como el movimiento conocido como Futurismo en Italia comenzó a romper con el pasado. El llamado Arte Moderno, del inicio del siglo XX fue un intento para forzar a la audiencia a ver a los sujetos con una nueva luz. Artistas como Picasso y Duchamp querían forzar a la gente a reconocer las ideas preconcebidas en el arte y, por consiguiente, crearon representaciones sin precedentes e inesperadas que rompiera con las técnicas y estilos del pasado. Sin embargo, sus obras al igual que las de otros fueron posibles gracias a los modelos creados por los antiguos egipcios.

# data[].attributes.attachment_link.description
El arte es fundamental en cualquier civilización. En el momento que las más elementales necesidades humanas se han cubierto tales como, comida, vivienda, leyes y religión, los habitantes empiezan a...

# data[].attributes.body
El bajorrelieve se puede considerar una forma de expresión a medio camino entre la pintura y la escultura. De esta última toma sus materiales, principalmente rocas de muy diversa naturaleza (arenisca, limolita, piedra caliza, pizarra, etc.)

https://www.egiptoexclusivo.com/cultura/antiguo-egipt/arte/

# data[].attributes.attachment_link.title
▷ El arte del Egipto Antiguo | Egipto Exclusivo

# data[].attributes.attachment_link.description
En esta página podrás ‘educar tu ojo’ para apreciar mejor el arte del Egipto Antiguo en tu viaje: pintura, bajorrelieve, escultura, cerámica funeraria…

# data[].attributes.body
Un aspecto diferente tiene, como es lógico, la escultura de bulto redondo, así como los grandes altorrelieves: en ellos, la representación de la figura es tridimensional en sí misma, a diferencia de las dos dimensiones de la pintura y de los bajorrelieves. Sin embargo, a pesar de que estas obras permiten una visión más amplia, de 360º en las esculturas de bulto redondo, conviene decir que primó siempre la ley de la frontalidad. Es decir, las obras estaban concebidas para ser vistas desde el frente, de modo que el canon de perfil deja de tener sentido aquí.

# data[].attributes.attachment_link.title
▷ El arte del Egipto Antiguo | Egipto Exclusivo

# data[].attributes.attachment_link.description
En esta página podrás ‘educar tu ojo’ para apreciar mejor el arte del Egipto Antiguo en tu viaje: pintura, bajorrelieve, escultura, cerámica funeraria…

# data[].attributes.headline
Materiales y técnicas en el arte egipcio antiguo 

# data[].attributes.subject
Materiales y técnicas en el arte egipcio antiguo 

# data[].attributes.body
Los artistas egipcios utilizaron una amplia gama de materiales, tanto locales como importados, desde muy temprano en su historia. Por ejemplo, ya en el periodo predinástico encontramos figuritas talladas en lapislázuli, una piedra azul lustrosa que se origina en lo que hoy es Afganistán e indica la presencia temprana de rutas comerciales robustas.

https://espanol.libretexts.org/Bookshelves/Humanidades/Arte/02%3A_Mediterraneo_Antiguo/03%3A_Antiguo_Egipto/3.01%3A_Guia_para_principiantes-_Antiguo_Egipto/3.1.03%3A_Materiales_y_tecnicas_en_el_arte_egipcio_antiguo

# data[].attributes.wish_content.attachment_props.alternative_text
Materiales y técnicas en el arte egipcio antiguo

# data[].attributes.body
En arqueología, el término ostraca se utiliza para designar los trozos de cerámica o fragmentos calcáreos que se utilizaban como borradores para aprender a escribir o pintar. Los ostraca son muy numerosos y son una fuente de información muy útil.

https://arteyalgomas.com/2020/10/01/la-pintura-en-el-antiguo-egipto-viajamos-al-pasado-del-arte/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Listen to this article

Si quieres aprender arte te surgirán preguntas como ¿por dónde empiezo? ¿Qué leo? ¿En que periodo o estilo me centro?. Tanto si quieres aprender sobre pintura moderna o pintura en el Antiguo Egipto, hay tantos libros y manuales sobre arte y sus estilos, que la labor de dar con el adecuado puede ser, no solo eterna, sino muy frustrante.

Aprender Arte es una de las actividades mas placenteras, interesantes y entretenidas que os podéis plantear. Sin embargo, aprender realmente a apreciar una obra o valorarla es complicado si no se cuenta con el tiempo, información y apoyo necesario.
Independientemente del estilo y la época siempre es positivo aprender arte. Hoy viajamos al pasado y nos vamos a Egipto. Vuelven a surgir las preguntas. ¿Qué nos ha aportado el arte egipcio?, ¿Cuál función cumplía la pintura en esta civilización?, ¿Qué materiales usaban?....
Si quieres contestación a estas preguntas, te invito a que leas o escuches nuestro artículo.

Pero si quieres aprender más, te sugiero que visites Clases de Historia del Arte en Madrid.

En Clases de Historia del Arte en Madrid, puedes aprender la Historia del Arte de Occidente completa, desde la Antigüedad hasta la producción artística actual.
Sus clases van dirigidas a todo tipo de personas con curiosidad e interés y sin necesidad de conocimientos previos y, ahora, también online.
La pintura en el Arte Egipcio tenía un fin simbólico, funerario y religioso. La pintura en el Antiguo Egipto tuvo un gran desarrollo y fue un precedente de la pintura al fresco o témpera.

Utilizaban pigmentos naturales. La mayoría de ellos eran de origen mineral. Usaban polvos triturados como el huevo o del árbol de la goma de mascar o caucho.
El azul egipcio sustraído del vidrio fue el pigmento más importante utilizado en la pintura del Antiguo Egipto.
La paleta cromática del momento tenía seis colores básicos:
Rojo (desher), Verde (wadj), Azul (khesbedj y irtiu), Amarillo (kenit y khenet), Negro (Khem o kem) y Blanco (shesep y hedj). Y, por supuesto, cada color se aplicaba en base a su significado y simbolismo.

La pintura en el Antiguo Egipto estaba sometida a unos cánones o reglas muy estrictas.

En el género de la pintura, las figuras se representaban con el rostro, brazos y piernas de perfil, mientras que el tronco y el ojo estaban dispuestos de frente. Es lo que se llama Canon de Perfil.

En una sociedad profundamente jerárquica como la del Antiguo Egipto, la representación estaba reservada a las figuras de dioses y faraones, aunque después también se incluyó a personajes notables.

El tamaño tenía relación directa con la importancia social del personaje. Por tanto, lo habitual es que el Faraón y los Dioses sean los personajes más altos en las escenas. Y sus mujeres, hijos o enemigos son más pequeños.

Técnicamente la pintura egipcia no aportó demasiado. Las pinturas eras planas, sin tonalidades ni degradados, con ausencia de perspectiva.

Sin embargo, a nivel espiritual lo aportó todo. El menor tamaño de algunas figuras no suponía una aplicación de una perspectiva básica que implicara que estaban lejos. Simbolizaba la inferioridad de la persona en la escala social del momento.

Igualmente, la aplicación del color, diferenciaba a hombres de mujeres. La piel de los hombres era oscura, en la gama del ocre o pardo-rojizo, mientras que en las mujeres era más clara, ocre o amarillo claro o rosado.

Durante el Imperio Antiguo, el bajorrelieve y la pintura van de la mano y comparten los mismos temas y propósitos.

Ambos representaban la vida cotidiana y la naturaleza, para que ambas puedan ser recreadas en la otra vida en la Duat, el lugar donde iban los espíritus de los egipcios después de muerte.

En el Imperio Medio se realizaron pinturas en papiro o sobre el cartonaje que recubría los ataúdes.

Narraban leyendas y rituales funerarios a través de jeroglíficos. Contenían, además, el retrato del difunto a la altura de la zona de cabeza.

Durante el Imperio Nuevo, la temática de la pintura se centró en los relatos mitológicos del Libro de los Muertos.

El texto consistía en una serie de sortilegios mágicos destinados a ayudar a los difuntos a superar el juicio de Osiris, asistirlos en su viaje a través de la Duat, el inframundo, y viajar al Aaru, en la otra vida.

El Libro de los muertos era parte de una tradición de textos funerarios iniciada por los más antiguos Textos de las Pirámides y Textos de los sarcófagos y que se introducía en el sarcófago o cámara sepulcral del fallecido.

La pintura en el Antiguo Egipto, por lo general, se desarrolla durante el Imperio Nuevo.

Las escenas fueron ganando en composición y se perfecciona el estilo a la hora de representar el cuerpo humano que se va alargando y adquiriendo una pose más flexible y natural.

Dentro del conjunto de pintura Egipcia, destacan algunas composiciones.

Las pinturas murales de la mastaba de Nefermaat y su esposa Atet, son un caso singular dentro del Arte egipcio. Fueron realizadas a comienzos de la cuarta dinastía (del 2575 al 2467 a.c.)

Destaca el "friso de las ocas" que describe tres parejas de Ocas del Nilo (chenalopex) en diferentes posturas. La exactitud y precisión de cada uno de los ejemplares de aves, contrasta con la ligereza con la que se dibujan los motivos vegetales.

Los antiguos egipcios sentían un gran respeto por el mundo animal. Destaca la variedad de pigmentos utilizados, que incluyen la malaquita, azurita y óxido de hierro.

La colección de murales de la tumba de Nebamon es uno de los conjuntos artísticos más bellos de la cultura egipcia. Consiste en 11 fragmentos expuestos actualmente en el Museo Británico y otros de menor tamaño en el Museo Egipcio de Berlín.

Nebamón ostentaba el título de "Escriba y Contable en el granero de cereales del divino Amón".

Aunque su título en la escala social no era alto, su tumba recogió una composición de pinturas de mucha calidad y de autor desconocido.

Uno de los conjuntos pictóricos mas interesantes ha sido el encontrado en Deir El Medina, el más próspero poblado de obreros y artesanos del Antiguo Egipto.

Se encontraron diversas representaciones humorísticas y satíricas dibujadas en ostraca.

En arqueología, el término ostraca se utiliza para designar los trozos de cerámica o fragmentos calcáreos que se utilizaban como borradores para aprender a escribir o pintar. Los ostraca son muy numerosos y son una fuente de información muy útil.

De este poblado es el Papiro erótico de Turín, que algunos investigadores han llamado "la primera revista para hombres del mundo". Es considerado el documento sexual más antiguo de la historia.

Cuando Jean-François Champollion, egiptólogo francés, vio el papiro en Turín en 1824, se escandalizó.

"una imagen monstruosa, obscena, que me dio una impresión muy extraña acerca de la sabiduría y la compostura egipcia".
asi lo describio champollion.

El papiro de grandes dimensiones consta de dos partes. Una primera parte, descrita como satírica y de corte humorístico. Y una segunda parte como erótica y de corte sexual que contiene doce viñetas con diferentes escenas sexuales, en un ambiente descrito como relajado, discreto y erótico.

En los margenes del papiro se han encontrado restos de textos que parecen expresar un ambiente relajado y ludico.

"... Ven detrás de mí con tu amor, ¡Oh Sol, has encontrado mi corazón exaltado, ejercita mi deleite..

La representación de los personajes en este papiro rompe la representación convencional del cuerpo en el Antiguo Egipto. Los hombres aparecen "mal vestidos, calvos, muy bajos de estatura, panzones y con penes exageradamente grandes". Las mujeres, sin embargo, se representan bellas, núbiles (mujeres en edad de poder contraer matrimonio), entre enredaderas de loto.

En general, el mérito artístico de las imágenes es alto, lo que sugiere que el Papiro Erótico tenía un dueño dentro de la élite. El verdadero significado de las imágenes y el objetivo del papiro no está claro, ya que los fragmentos de texto no han revelado ningún objetivo claro.

Espero que nuestro viaje al pasado del Arte te haya gustado. Puedes visitar nuestra sección Historia del Arte y seguir aprendiendo.

Comparte el artículo y apoya a nuestro proyecto de divulgación. Gracias!

Y, si quieres aprender mas, clik aquí.

Suscríbete a ARTEyALGOmás y recibe nuestros artículos en tu email.

El mejor profeta del futuro es el pasado.
lord byron

# data[].attributes.attachment_link.title
La Pintura en el Antiguo Egipto. Viajamos al pasado del arte.

# data[].attributes.attachment_link.description
La pintura en el Antiguo Egipto tenía un fin simbólico y fue un precedente de la pintura al fresco o témpera. Descubre más!👉

# data[].attributes.body
Los jeroglíficos son el sistema de escritura pictográfica del Antiguo Egipto, estaban esculpidos en piedra o pintados en papiros. Los jeroglíficos se encuentran en monumentos, tumbas y templos. Cada símbolo jeroglífico representa una palabra, sonido o idea, y la combinación de estos símbolos permitía la creación de textos complejos.

# data[].attributes.attachment_link.title
Resumen de El Arte del Antiguo Egipto: Expresión de Espiritualidad y Cotidiano

# data[].attributes.attachment_link.description
Resúmenes gratuitos para usar en las aulas

# data[].attributes.body
4000a.c - 400a.c

# data[].attributes.body
Otro elemento que nos brinda una pista cercana son las pinturas funerarias de los etruscos que imitaron los patrones griegos y fueron influenciados por sus conceptos de belleza y proporcionalidad, salvando claro está la impronta personal y peculiar filosofía de vida de los etruscos.

https://historiadelarteen.com/2016/05/01/pintura-griega-en-la-antiguedad/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son fragmentos que no dan una idea de cómo era aquella pintura plenamente.

De reproducciones hechas por los romanos de antiguas pinturas griegas es que nos han llegado algunas referencias de cómo posiblemente fueran estas últimas. Decoraciones de los griegos en edificios y templos, realizadas en mármol con pequeños tesseract, con los que conformaron pinturas y cenefas nos dan también una idea de las características de su pintura. Muchos de estos se han encontrado decorando los pisos de importantes edificios.

Otro elemento que nos brinda una pista cercana son las pinturas funerarias de los etruscos que imitaron los patrones griegos y fueron influenciados por sus conceptos de belleza y proporcionalidad, salvando claro está la impronta personal y peculiar filosofía de vida de los etruscos; que era diferente de la griega y asi lo reflejaban en su arte, como podemos apreciar en la foto inferior a estas líneas.

La decoración de vasijas de cerámica por los griegos nos aporta también una idea de sus gustos, la forma en que dibujaban los contornos de la figuras o la representación de las escenas de conjunto.

La pintura fue un capítulo importante dentro del Arte Griego, conocemos los nombres de muchos pintores famosos en su tiempo y tenemos también referencias de muchas de sus obras, pero desgraciadamente no se ha conservado. Sólo podemos apreciar algunas de sus características en la pintura de vasos cerámicos, en los mosaicos y en copias romanas posteriores.

Se destacan los siguientes pintores griegos en la antigüedad, al menos de los nombres que se conocen:

La pintura al fresco

La pintura al fresco fue un método utilizado bastante comúnmente para la decoración de las paredes de los templos, los edificios públicos, las casas y también las tumbas. Hay que señalar sin embargo que este tipo de pintura mural no gozaba del mismo nivel de reputación del que si gozaba la pintura de panel. La pintura mural tenía fundamentalmente el propósito de tapar o disimular la imperfección de las paredes cuya terminación no era muy pulida; por los materiales pobres utilizados en su revestimiento.

Los temas de los frescos griegos eran similares sin embargo a los utilizados en la pintura de panel. Los frescos griegos poseían también el balance y equilibrio que tenían el resto de sus obras artísticas, composiciones proporcionadas sin aglomeramiento de elementos adornaban sus edificios y tumbas.

Pintura griega sobre esculturas.

Las esculturas eran también pintadas sobre todo la parte que correspondía con la representación del pelo y los ropajes sin embargo la parte que correspondía a lo que es la piel carecía de pintura, se dejaba con el tono natural de la piedra.

Las esculturas eran pintadas por tanto más bien para resaltar algunos elementos y esto se hacía con gusto y detalle, con sutilidad, realzando la belleza y expresividad de esas esculturas en forma impresionante. En ocasiones la escultura entera era pintada en un solo color. También se ha descubierto que utilizaban pigmentos en la totalidad de la escultura incluido también la parte que representa la piel, estos pigmentos muy costosos se utilizaban en las esculturas de personajes de alto linaje.

Les recomiendo ver este articulo sobre como eran pintadas las esculturas griegas y romanas.

Periodo Clásico de la pintura griega (400-323) A.C

Todas la formas pictóricas florecieron en el arte griego durante el periodo clásico, la pintura de panel fue altamente utilizada en encáustica o tempera. Los temas abordan principalmente escenas figurativas, retratos y naturalezas muertas. Se utilizan representaciones de pasajes de la mitología donde los héroes y heroínas son representados con los cánones de belleza ideal, proporciones balanceadas, suavidad de las líneas.

La racionalidad de la belleza griega utilizada en estas obras produce obras serenas, equilibradas hechas para la apreciación y el gozo del espíritu. Se toman gran trabajo en representar sin embargo; la sinuosidad de los contornos de las figuras humanas y gran detalle en la representación de la naturaleza, aunque las escenas fueran una fantasía edulcorada producto de la imaginación del artista.

Durante el florecimiento del imperio Macedonio; bajo el mandato de Felipe II de Macedonia, el padre de Alejandro Magno, la pintura griega tuvo su mayor apogeo con obras de gran calidad. Se produce experimentación pictórica y se utilizan nuevas técnicas relativas al sombreado, uso del color e utilización de la luz para resaltar las figuras. Se abordan en este periodo también con éxito la caricatura y la pintura de género.

Periodo Helenista

Durante el periodo helenista comenzando alrededor del 323 A.C y coincidiendo con la muerte de Alejandro el Grande, el arte griego trasciende fronteras y su influencia es acogida incluso por los romanos; quienes aprecian e imitan el arte griego por mucho tiempo.

Pinturas hechas por pintores bajo el dominio del imperio romano mantienen la influencia griega y muchas imitaciones de sus pinturas se producen para decorar palacios, templos y edificios públicos romanos y de sus colonias fuera de Roma también. Los romanos utilizan más el propósito de propaganda política y religiosa, a diferencia del de simple decoración que tenía la pintura griega en la antiguedad.
Se abordan en otras entradas otras manifestaciones artísticas como la escultura, la arquitectura y la cerámica en las que se destacaron y de las que se conservan bellos ejemplos.
La cerámica en el arte griego

Arte Griego Arquitectura

# data[].attributes.attachment_link.description
Pintura de la Antigua Grecia. Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son fragmentos...

# data[].attributes.headline
Periodo clásico de la pintura griega(Ana)

# data[].attributes.subject
Periodo clásico de la pintura griega(Ana)

# data[].attributes.body
Todas la formas pictóricas florecieron en el arte griego durante el periodo clásico, la pintura de panel fue altamente utilizada en encáustica o tempera. Los temas abordan principalmente escenas figurativas, retratos y naturalezas muertas. Se utilizan representaciones de pasajes de la mitología donde los héroes y heroínas son representados con los cánones de belleza ideal, proporciones balanceadas, suavidad de las líneas

.https://historiadelarteen.com/2016/05/01/pintura-griega-en-la-antiguedad/

# data[].attributes.headline
La historia del dibujo griego (Florencia)

# data[].attributes.subject
La historia del dibujo griego (Florencia)

# data[].attributes.body
Hay un año fundamental en la historia del arte griego en el que podemos hacer una división entre el arcaísmo y el clasicismo. Éste va a ser el 480 a. C. El rey persa Jerjes, para vengarse de lo que había supuesto la derrota diez años antes en Maratón, invade la ciudad de Atenas, destruyendo parte de sus edificios. Cuando los griegos le vencieron, reconstruyeron esta Acrópolis. El director fue un personaje fundamental en la historia del arte y en la historia de la civilización griega, Pericles.

https://www.vitruvioarte.com/historia-del-arte-griego/

# data[].attributes.attachment_link.title
HISTORIA DEL ARTE GRIEGO - VITRUVIO ARTE | LA ESENCIA DEL ARTE

# data[].attributes.attachment_link.description
Historia del Arte Griego. El mundo griego es la cuna de nuestra civilización. Su cultura está muy presente en el mundo actual.

# data[].attributes.body
Los egipcios usaban colores planos y llamativos para rellenar sus figuras. A menudo usaban tonos tierra como el rojo, el amarillo, el marrón, el negro y el verde, así como colores más vibrantes como el azul y el turquesa, elaborados a partir de minerales como el lapislázuli.

Solían colorear los cuerpos con diferentes tonos para hombres y mujeres. Por ejemplo, los hombres solían representarse con la piel marrón rojiza, mientras que las mujeres la representaban con la piel amarillenta.

# data[].attributes.body
Hemos hablado antes del nacimiento de los templos griegos. En escultura cuando los griegos comienzan a utilizar la piedra van a partir del punto donde estaban los egipcios, pero la mayor libertad que van a tener los escultores griegos va a hacer que se interesen por evolucionar. No van a partir como en Egipto de un orden establecido inamovible que se va a prolongar durante tres mil años, sino que van a estar evolucionando. Los elementos de evolución que van a descubrir los talleres van a ser copiados por otros y, a su vez, mejorados y esta mejora va a ser tomada de nuevo por otro taller y así sucesivamente, de tal forma, que vemos como la sociedad del mundo griego va a evolucionar y va a ser muy activa en ese sentido, sobre todo en el mundo del arte.

https://www.vitruvioarte.com/historia-del-arte-griego/

# data[].attributes.attachment_link.title
HISTORIA DEL ARTE GRIEGO - VITRUVIO ARTE | LA ESENCIA DEL ARTE

# data[].attributes.attachment_link.description
Historia del Arte Griego. El mundo griego es la cuna de nuestra civilización. Su cultura está muy presente en el mundo actual.

# data[].attributes.body
Cuando se habla de Arte Romano, se evoca una rica herencia cultural que ha dejado una huella indeleble en la historia del arte. Este fenómeno artístico, que floreció entre el siglo I a.C. y el siglo IV d.C., se caracteriza por su capacidad de absorber influencias y reinterpretarlas, creando una estética única que combina la grandeza con la funcionalidad.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Busto romano de Antínoo. Expuesto en el Museo del Louvre en París.

Arte romano son todas aquellas manifestaciones de las artes visuales que fueron exportadas a todos los territorios del Imperio romano. Las primeras manifestaciones surgieron bajo el influjo del arte etrusco y fueron después influenciadas por el arte griego, que los romanos conocieron en las colonias de la Magna Grecia, ubicadas en el sur de Italia y que conquistaron en el proceso de unificación territorial de la península durante los siglos IV y III a. C. La influencia griega se acrecienta cuando, en el siglo II a. C., Roma ocupa Macedonia y Grecia.

Hasta cierto punto podría pensarse que el arte de Roma es una imitación y ampliación del arte griego, y por supuesto de uno de los mejores artes arte etrusco, pero el espíritu que animó a los artistas de aquellos. La Roma conquistadora y urbanista trató de unir al sentido estético griego, el carácter utilitario y funcional que sus obras requerían.

Desde el punto de vista cronológico, el arte romano se desarrolló con bastante homogeneidad y autonomía desde el siglo II a. C. hasta el siglo III. Siguiendo las etapas que su devenir histórico marca, destacan al menos la República, hasta el año 27 a. C., y el Imperio, que se extendió desde los tiempos de Augusto hasta la caída de Roma en manos de los bárbaros en el año 476.

A causa del profundo centralismo ejercido por Roma sobre sus provincias en todos los aspectos de la vida, se originó un arte muy uniforme sin que pueda hablarse de escuelas provinciales, al menos durante la época imperial. No obstante, dada la amplitud del Imperio y su constitución en diferentes momentos, no existe una contemporaneidad cronológica, pues en las zonas orientales donde el arte helenístico está más consolidado sus formas artísticas están mucho más evolucionadas que en las provincias occidentales más tardíamente incorporadas a la cultura romana.

Retrato en vidrio dorado, siglo IV.

Retrato en vidrio dorado, siglo IV.

El Buen Pastor, siglo III.

El Buen Pastor, siglo III.

La Monarquía romana, República romana e Imperio romano, cubren el periodo desde el siglo VIII a. C. al V d. C. Se localiza primero en el Lacio (Italia Central), y se acabará extendiendo por toda la Cuenca del Mediterráneo (Mare Nostrum).

En el periodo anterior a la recepción de la cultura helenística (siglo III a. C.) se desarrolla un arte latino emparentado con otros pueblos itálicos ( sabinos y sobre todo etruscos), por ejemplo, la Loba capitolina .

El período clásico del arte romano dura hasta el triunfo del cristianismo (siglo IV). Asimila y desarrolla la cultura griega ( órdenes arquitectónicos, diseño de los templos, concepción escultórica), incorporándole características propias, tanto en materiales de construcción ( mortero, cemento y hormigón romanos) como en elementos arquitectónicos (el arco - Arco de triunfo- y la bóveda, orden toscano y orden compuesto, principio de superposición de órdenes) y formas escultóricas (el retrato romano -exigido por el culto a los antepasados y la propaganda política, y que permite datar la evolución estilística y de la moda, sobre todo en la expresión y el peinado- ya el relieve romano, caracterizado por la búsqueda de la profundidad y la perspectiva) y pictóricas (los estilos pompeyanos, decorativos, narrativos o procurando el trampantojo).

Desarrollo arquitectónico con gusto por lo colosal y magnificente, al tiempo que con un acusado sentido práctico y utilitario. ( puentes y acueductos - puente de Alcántara, Pont du Gard, Acueducto de Segovia-, calzadas).

Edificios públicos ( termas - termas de Caracalla-, teatro romano - Teatro Marcelo-, circo romano - Circo Máximo-, anfiteatros - Anfiteatro de Capua, Coliseo, Anfiteatro de El Djem-, etc.), religiosos ( templo romano - Templo de Vesta, Maison Carrée, Panteón de Agripa-) y civiles ( foro romano, basílicas, palacio romano - Domus Aurea de Nerón, construcción original del Palacio de Letrán, luego convertido en residencia papal-, villa romana - Villa romana del Casale- con su versión de villa imperial - Villa Jovis o de Tiberio en Capri, Villa Adriana-, casa romana - domus, vivienda (Roma Antigua)-).

Escultura histórica narrativa (frisos corridos en relieve: Ara Pacis, Columna trajana), bustos, estatuas de cuerpo entero ( Augusto de Prima Porta) y excepcionalmente ecuestres, reservadas a los emperadores ( estatua ecuestre de Marco Aurelio).

Véase también

# data[].attributes.attachment_link.title
Arte de la Antigua Roma - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Arte romano son todas aquellas manifestaciones de las artes visuales que fueron exportadas a todos los territorios del Imperio romano. Las primeras manifestaciones surgieron bajo el influjo del arte etrusco y fueron después influenciadas por el arte griego, que los romanos conocieron en las colonias de la Magna Grecia, ubicadas en el sur de Italia y que conquistaron en el proceso de unificación territorial de la península durante los siglos IV y III a.

# data[].attributes.body
Su estilo que es más rígido con una gran simplicidad de líneas. Algo de este amor a la sencillez y las líneas claras se introdujo en el estilo que se va a imponer en este momento. Un estilo que todavía hoy pervive en gran parte de nuestras ciudades.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Al final del llamado periodo arcaico, un periodo de esplendor y de expansión de la floreciente cultura griega, la ciudad preponderante tanto económica, cultural y políticamente será la capital del Ática, Atenas.

En el s. VI se dieron significativos cambios políticos con el paso de las monarquías-aristocracias a tiranías: la palabra "tirano" no tenía entonces el significado peyorativo de ahora, simplemente designaba al gobernante que llegaba al poder derrocando al anterior, muchas veces con el apoyo del pueblo. Más tarde, los abusos de poder le darán la connotación de gobierno impuesto por la fuerza.

En Atenas del s.VI llegan de este modo al poder el tirano Pisístrato, con el apoyo popular, y cuyo gobierno se consideró benéfico para los Atenienses, embelleciendo Atenas y llevándola a una época de esplendor. Sin embargo, sus sucesores, los Pisistrátidas se convertirán en tiranos en la acepción moderna del término; en el año 510 a.C., ante
los abusos de los Pisistrátidas, Hipias e Hiparco, una revuelta apoyada por el rey espartano ayudó a los atenienses a deshacerse de los tiranos y a cambo situó a Iságoras, un aristócrata pro espartano, como arconte; Clístenes , uno de los instigadores del tiranicidio, no quiso ver a Atenas convertida en protectorado espartano, y propuso una revolución política: la democracia, el gobierno de los ciudadanos quienes elegirían de entre ellos a sus gobernantes. Tras una primera acometida espartana para reinstaurar a Iságoras y recobrar su influencia, Atenas salió victoriosa, y su recién nacida democracia, fortalecida.

La gran prueba a la que tuvo que enfrentarse no sólo Atenas, sino toda Grecia fueron las Guerras Médicas: a principios del s.V. a.c. el Imperio Persa dominaba p

arte del territorio griego: Macedonia y Tracia, las islas Egeo y la Jonia, en la costa de la actual Turquía. Tras aplastar una revuelta en esta zona, Darío I intenta conquistar el resto de Grecia, siendo vencido en el 490 en la famosa batalla de Maratón por los atenienses comandados por Milcíades.

10 años después, su sucesor, Jerjes I volverá a enfrentarse a los griegos; a pesar de su mayor número, el ejército persa sufrirá sucesivas derrotas, después de una pírrica victoria ante los heroicos espartanos de Leónidas en las Termópilas, siendo vencido posteriormente en Salamina y Platea.

La Confederación de Delos, liderada por Atenas, pondrá fin al dominio persa en Grecia en el 449 a.C., dando inicio a su vez a la preponderancia y hegemonía de Atenas en la Hélade, en la llamada "Era de Pericles"; esa hegemonía llevará a Atenas a enfrentarse contra la segunda potencia helena, Esparta, en la Guerra del Peloponeso , la que durará hasta finales del siglo IV con el predominio de Esparta.

Esta época es llamada el siglo de Pericles por el gran político ateniense que llevó a la ciudad ática a su edad de Oro, tanto política como culturalmente, siendo la época de mayor esplendor en arte, literatura, filosofía, y en la cual se fundan las bases de nuestra civilización.

En la cultura, por tanto, se desplazó el polo cultural de Jonia a Atenas, lo que supuso un gran esplendor en todas las facetas del arte, tanto literario, con los grandes dramaturgos Esquilo, Sófocles, Eurípides; como en el arte plástico, cuyo máximo representante será Fidias, y el mejor ejemplo, el Partenón.

Atenas se convierte en centro filosófico: aparte de los sofistas, que enseñan el arte de la oratoria para convencer a los demás, destaca otro gran filósofo, justamente en el polo opuesto de aquellos: Sócrates, maestro de Platón, quien a su vez será maestro de Aristóteles; y por tanto la base del pensamiento occidental.

También supondrá el nacimiento de la Historiografía: aparte de Heródoto, de origen jonio, destacarán los atenienses Tucídides, quien narrará la Guerra del Peloponeso y Jenofonte, discípulo de Sócrates.
Arquitectura
En arquitectura se continúa con las órdenes arquitectónicas desarrolladas en la época arcaica: el dórico y el jónico. Sigue la arquitectura monumental orientado sobre todo al templo, aunque también destacan obras civiles, de las que han quedado sobre todo los teatros, el más conocido el de Epidauro.

El mayor ejemplo en dórico es el Partenón, templo de Atenea Partenos en la Acrópolis ateniense, obra de los arquitectos Ictino y Calícrates bajo la supervisión de Fidias. Pericles quería reconstruir el templo de Atenea, patrona de la ciudad, para agradecer a los dioses la victoria en las Guerras Médicas; se diseñó para albergar en su parte central la gran estatua crisoelefantina (de oro y marfil) de la Atenea Partenos realizada por Fidias, quien decoró también los frisos, los tímpanos y las metopas con esculturas representando el nacimiento de Atenea, de la procesión de las Panateneas y de la lucha de los centauros y lapitas.

En el estilo Jónico destacó el Templo de Artemisa en Éfeso, el cual fue una de las Siete Maravillas del mundo y del que quedan algunas ruinas; y el templo de Atenea Niké, también en la Acrópolis, dedicado a la victoria (=niké) en la Batalla de Salamina.

A finales del siglo V surge el estilo corintio, procedente del jónico. Se define por una mayor estilización de las columnas y sus característicos capiteles decorados con hojas de acanto. El friso es una banda continua, sin metopas ni triglifos y el fuste estriado. Como ejemplo destaca la llamada Linterna de Lisícrates, erigida en el 335 a.C. para conmemorar el premio en el certamen de teatro ganado por Lisícrates, director de coro. El estilo corintio será uno de los más utilizados posteriormente por los romanos.

La escultura griega clásica se conoce sobre todo por copias de época romana. Hay escasas esculturas originales griegas: por desgracia, muchas se perdieron en la Edad Media , suprimidas por cristianismo para acabar con los restos del paganismo; el mármol se calcinó y convirtió en cal y las estatuas de bronce fueron fundidas. Igual destino sufrieron las grandes estatuas de Zeus Olímpico y de Atenea Partenos, elaboradas en valioso oro y marfil y que llegaron a alcanzar entre 10 y 12 metros de altura.
Escultura
La escultura griega se conoce sobre todo por las copias romanas. Hay raras excepciones los frisos del Partenón, algunas esculturas halladas en excavaciones como la Victoria de Samotracia y la Venus de Milo y en restos de naufragios, como los bronces de Riace o el Dios de cabo Artemisio, también de bronce.

Muchas veces aparece unida a la arquitectura: en los templos se sitúan en frisos, metopas y tímpanos; era policromada, aunque no han quedado apenas restos de la cobertura polícroma. Esta característica puede chocar a nuestra visión del arte griego, reforzado en el Renacimiento y Neoclasicismo, de templos y esculturas en frío mármol blanco, frente a lo que debió ser, gustando los griegos de jugar con vivos tonos azules y rojos.

Como paso de la escultura arcaica a clásica se considera el conjunto de los Tiranicidas (Harmodio y Aristogitón) , de los escultores Kritios y Nesiotes, que representan a los asesinos del tirano Hiparco Pisistrátida. Sólo se conserva una copia romana, pero se puede observar las características arcaicas (el tratamiento del pelo, ojos almendrados, leve sonrisa arcaica) frente a incipientes rasgos del nuevo estilo: abandono de la frontalidad, movimiento, mayor realismo en el tratamiento de la anatomía y de la tela...

En este nuevo estilo se define el Canon de la escultura y del Arte en general: serenidad, equilibrio, armonía, a través del uso de las proporciones, regidas por el número áureo; un realismo idealizado, frente a la escultura arcaica el arte clásico alcanza el máximo realismo en el tratamiento de la anatomía, retratando cuerpos y rostros idealizados, bellos y eternamente jóvenes, tratando de representar el ideal apolíneo de la Belleza.

Los primeros representantes son Calamis y Mirón, autor del Discóbolo, obra en la que resalta el movimiento del atleta en el momento previo a lanzar el disco.

Fidias: llamado el escultor de los dioses, a quienes representa con actitud noble y serena. Desarrolla la técnica de los "paños mojados" en la que los pliegues de las túnicas se pegan al cuerpo resaltando la anatomía.

Obras: en la Antigüedad las más famosas fueron las estatuas de oro y marfil de Zeus de Olimpia (una de las 7 Maravillas) y Atenea Partenos (12m), hoy perdidas.

Se conservan los frisos y tímpanos de Partenón, así como las metopas. Los frisos representaban las Panateneas, la procesión de las doncellas atenienses en la fiesta de Atenea. Los tímpanos relataban el nacimiento de Atenea y el regalo del olivo que hizo la diosa a la ciudad y el enfrentamiento con Poseidón. Las metopas representaban la Gigantomaquia y la lucha de los centauros y lapitas.

En el Arte trataba de reflejar el Ethos, es decir, perseguía la aplicación y reflejo en el arte del pensamiento griego: las obras de arte debían reflejar la Belleza, la belleza formal o material debía ser un reflejo de la belleza espiritual, que en la vida moral se manifestaba a través del buen comportamiento, la virtud o areté, siguiendo las enseñanzas de Sócrates que heredaría después Platón, frente al relativismo sofista. Fidias trata de reflejarlo en sus obras: las estatuas, como moradas de los dioses debían de representar la belleza ideal, a través de las proporciones, por medio de la proporción áurea, el número phi, llamado precisamente así por Fidias.
Sus máximos representantes serán Fidias y Policleto.
Aunque por desgracia no han sobrevivido la mayor parte de sus obras, sobre todo las grandes esculturas, la crisoelefantina de Zeus y las de Atenea Partenos y atenea Promachos, quedan los frisos del Partenón, llevados por Lord Elghin a Inglaterra y exhibidos actualmente en el Británico.

Policleto: es conocido sobre todo por sus esculturas de atletas, el Doríforo, el Diadumeno, el Discóforo, etc.

Característica: el uso del contraposto, escultura apoyándose en una pierna.

Escribió un tratado: el Canon, donde exponía las teorías estéticas que mencionamos arriba sobre el arte basado en la
matemática: Canon reflejado también en sus esculturas como el Doriforo , en el que se aprecian la claridad, el equilibrio, la armonía entre el movimiento y el reposo, a través del contraposto. En esta escultura expresa también el canon de las proporciones que consideraba más armónicas, basadas en Pitágoras y que establece en 1:7, es decir, el cuerpo en total es 7 cabezas.

Estos serán los máximos representantes del siglo de Pericles. Ya en el s IV Escopas y Praxiteles se decantarán por un arte más realista y menos idealizado, buscando reflejar el sentimiento en vez de la divina serenidad de los anteriores, y sirviendo de puente con el arte helenístico. A Escopas se le atribuye la Afrodita de Cnido y la gran Victoria de Samotracia, que se puede ver en el museo del Louvre y que refleja el movimiento del viento en las ropas. Praxíteles es conocido por sus Dionisos, Apolos, Afroditas, y por la "curva praxitélica", inclinación de la cadera que aporta sensualidad, movimiento y cierta
femineidad a las esculturas.

Por último se puede mencionar a Lisipo, quien vivió en el s. IV y fue el retratista oficial de Alejandro Magno, siendo el representante tardío del clasicismo. Su obra fue en su mayor parte en bronce, habiéndose perdido prácticamente toda; sólo quedan copias romanas. Su obra más representativa es el Apoxiomenos, atleta que se quita la arena pegada a su cuerpo con una espátula o strigil. En esta renueva el canon que Policleto había fijado en 1:7 (el cuerpo son 7 cabezas) aumentándolo en siete cabezas y media, con lo cual logra mayor estilización. Se sitúa por tanto en la transición entre la tradición clásica y la helenística, más orientada a la expresión de las emociones y al realismo.

Hasta el Renacimiento no habrá un periodo de mayor esplendor del Arte en la civilización occidental; precisamente el Renacimiento será el esfuerzo por rescatar los cánones establecidos por Fidias, Policleto tras el paréntesis y declive que supuso la Edad Media. Escultores como Miguel Ángel recogerán el testigo de los clásicos griegos y lo impulsarán siguiendo, como aquellos, la unión de un sentimiento estético con un modo de vida, de una filosofía que perseguía reflejar en la vida la Belleza de lo Eterno e Inmortal.

# data[].attributes.attachment_link.description
Al final del llamado periodo arcaico, un periodo de esplendor y de expansión de la floreciente cultura griega, la ciudad preponderante tanto económica, cultural y políticamente será la capital del Ática, Atenas. En el s.

# data[].attributes.headline
La figura humana en historia del arte (Laura)

# data[].attributes.subject
La figura humana en historia del arte (Laura)

# data[].attributes.body
En la segunda conferencia del ciclo La figura humana en la Antigüedad, la catedrática de Arte Antiguo Carmen Sánchez Fernández explica la invención de la imagen desnuda de la figura humana por el mundo griego antiguo.

https://canal.march.es/es/coleccion/invencion-cuerpo-grecia-antigua-45466

# data[].attributes.attachment_link.title
La invención del cuerpo en la Grecia antigua | Fundación Juan March

# data[].attributes.attachment_link.description
En la segunda conferencia del ciclo La figura humana en la Antigüedad, la catedrática de Arte Antiguo Carmen Sánchez Fernández explica la invención de la imagen desnuda de la figura humana por el mundo griego antiguo.

# data[].attributes.body
Aunque hemos tomado como referencia ese año 480 a. C., ya desde el año 500 a. C. se había producido un cambio. Podríamos analizar el primer periodo Severo, que es como se conoce al arte que se produce en torno a esta época, como parte del clasicismo griego. Ya los historiadores antiguos distinguían entre lo que es el período arcaico y el período clásico. Este último lo veían como el propio de su civilización, de su cultura, mientras que el arte arcaico lo veían como algo lejano, como algo primitivo.

https://www.vitruvioarte.com/historia-del-arte-griego/

# data[].attributes.attachment_link.title
HISTORIA DEL ARTE GRIEGO - VITRUVIO ARTE | LA ESENCIA DEL ARTE

# data[].attributes.attachment_link.description
Historia del Arte Griego. El mundo griego es la cuna de nuestra civilización. Su cultura está muy presente en el mundo actual.

# data[].attributes.body
La cerámica griega es una de las manifestaciones artísticas más importantes de esta civilización. A raíz de las relaciones comerciales que los griegos establecieron en el Mediterráneo, la cerámica ática se difundió por todo este área, hallándose ejemplos en muchos países de la cuenca mediterránea, siendo una importante fuente de información para estudiar la cultura y el arte helénicos.

https://www.decorarconarte.com/cont-culturales/paginas-de-historia-del-arte/ceramica-griega/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La cerámica griega es una de las manifestaciones artísticas más importantes de esta civilización. A raíz de las relaciones comerciales que los griegos establecieron en el Mediterráneo, la cerámica ática se difundió por todo este área, hallándose ejemplos en muchos países de la cuenca mediterránea, siendo una importante fuente de información para estudiar la cultura y el arte helénicos.

La difusión de la cerámica comenzó con la colonización griega del Mediterráneo, alrededor del siglo VII a.C., cuando Corinto se convirtió en la principal ciudad exportadora de cerámica. En el siglo VI, Corinto fue desplazada por Atenas, que, a partir de entonces, ostentará el monopolio de la producción cerámica.

Las principales técnicas de decoración de la cerámica (figuras negras-figuras rojas) se basan en la alternancia del color rojo de la arcilla cocida con el negro del barniz, aplicando pinceladas más finas o raspando la capa superior para los detalles.

La técnica de cocción era la siguiente: después de desmineralizar la arcilla dejándola reposar unas semanas en agua, la pasta de arcilla y agua se amasaba y mezclaba, para eliminar las burbujas de aire que pudieran tener, entonces se colaba y se situaba sobre un disco de piedra o de madera, o del torno (a partir del siglo VII), donde se modelaba.

Una vez modelado el vaso, se introducía en el horno, cociéndolo a 800º. Esta primera cocción permitía la oxidación de la arcilla, volviéndola de color rojo. Después se le pasaba al pintor la vasija, quien, tras dibujar el croquis del diseño, cubre con barniz las zonas que se van a volver negras. Luego se sometía a una segunda cocción , en la que se cerraba un poco la chimenea de aireación y se alimentaba el fuego con hojas y madera verde, produciendo humo, que junto a la temperatura, que alcanzaba los 950º, hacía que el óxido férrico se volviera negro; a continuación se destapaba la chimenea, el aire entraba de nuevo en el horno, enfriando y oxidando de nuevo la pieza, lo cual terminaba enrojeciendo las zonas que no se habían cubierto de barniz.

Las piezas pequeñas se fabricaban con un solo cuerpo, añadiéndose sólo el pie y las asas, y las piezas más grandes se realizaban a partir de varias partes que se soldaban con la "barbolina", una arcilla diluida. La cerámica resultante, dura como el vidrio, permitía el almacenamiento y el transporte de líquidos y alimentos.

Etapas de la cerámica griega
Cerámica minoica
La técnica de la fabricación cerámica se remonta hasta el Neolítico. En la Antigua Grecia aparece la cerámica a principios del II milenio a.C. Posteriormente, a principios del I milenio a.C., la civilización minoica produce una importante cantidad de piezas cerámicas, que sirven entre otras cosas para el almacenamiento de alimentos en los almacenes de los palacios minoicos. En un primer momento la decoración es simple aplicación de barniz bruñido. A partir de cierto momento, aparecen motivos decorativos.: líneas, espirales, cuadros, rosetas... Más tarde, durante el periodo minoico medio, la decoración se volverá hacia motivos más naturalistas: figuras de pulpos, flores (lirios, palmeras), apareciendo la cerámica de "cáscara de huevo", por la extremada delgadez de sus paredes. En el minoico reciente, aparecerá, junto al estilo floral, un estilo marino, cubriéndose las vasijas con motivos marinos -criaturas marinas, peces, pulpos, delfines, entre algas, roces, etc. Este estilo durará hasta la destrucción de la civilización minoica.
Cerámica micénica
Alrededor del 1600 a.C. de la cultura micénica, surge una cerámica fuertemente influenciada por la minoica, decorada con motivos naturales. Destacan las jarras de estilo palacial, con decoración basada en motivos marinos y vegetales.

Tras la caída de la civilización micénica, después del s. XIII a. C., la presencia de cerámica se reduce sustancialmente, persistiendo una cerámica a mano junto con la cerámica hecha con el torno. Se entra en la llamada "Edad Oscura", etapa de decadencia y transición.
Estilo protogeométrico
Este periodo de recesión cultural se caracteriza por un retroceso en las manifestaciones artísticas. Sin embargo, la producción de cerámica no se detuvo, caracterizado por vasos con decoración simple, retomando a veces motivos micénicos
Estilo geométrico
Entre los siglos IX y VIII a. C. se desarrolla el estilo geométrico, caracterizado por nuevos motivos que rompen con la tradición minoica y micénica, basados en figuras geométricas: triángulos, meandros, etc., dispuestos en bandas separadas de las zonas negras por líneas triples.

Con el transcurso del tiempo, la decoración puramente geométrica da paso a una decoración figurativa de animales, llegando a cubrirse todos los espacios vacíos de motivos ("horror vacui"). A mediados del siglo VIII a. C. aparecen figuras humanas muy esquemáticas, las llamadas "xoanas", representándose escenas de desfiles de guerreros con carros y portando escudos en forma de diábolos. Las vasijas más conocidas de este periodo son los denominados "vasos de Dipilon", por el lugar en el que se hallaron, un cementerio ateniense.

Al final del periodo se representan escenas mitológicas, coincidiendo con la época en la que Homero recopila el ciclo troyano en la Ilíada y la Odisea. A su vez, surgen numerosas escuelas con su propio estilo

En el siglo VIII a. C. Corinto desarrolla un estilo orientalizante, como resultado del contacto con Oriente. Esta ciudad se convierte en el principal productor y exportador de cerámica a todo el mundo griego.
Estilo orientalizante
La influencia oriental se traduce en una nueva gama de motivos: esfinges, grifos, leones; en los frisos, lotos o palmetas. Las representaciones humanas son relativamente raras. Subsisten los motivos geométricos en el relleno del fondo, realizándose con rosetas y otros motivos decorativos.

En esta época , se desarrolla la técnica de las figuras negras, utilizando un barniz de color castaño que, con la cocción, se volvía de un color negro brillante y casi metálico. Se realizaban también incisiones en hueco para resaltar la arcilla pálida.

Ese estilo orientalizante se expresa sobre todo en vasos de tamaño pequeño cuyas formas aparecen entonces (aríbalos, alabastrones).

La técnica corintia llega a Atenas, en la que se desarrolla un estilo propio, menos orientalizante, denominado protoático.
Estilo de figuras negras
Entre el 570 y el 525 a. C., el estilo de figuras negras en Atenas alcanza su mayor grado de perfección.

La influencia corintia sobre la primera cerámica de figuras negras ateniense, se nota en su decoración, carente de motivos de relleno. Las figuras son principalmente animales, dispuestas en registros superpuestos, resaltando la escena principal. Sin embargo, gradualmente la cerámica ateniense se va separando de la influencia orientalizante, inclinándose por la representación de motivos mitológicos y la composición en un único gran registro.

Paralelo a esto, se produce asimismo una evolución en cuanto a la tipología de vasos: el gran vaso funerario deja paso a vasos de la vida cotidiana, sobre todo ánforas, cráteras, hidrias, copas, etc. .

De esta época se conocen nombres de pintores, como Clitias, el pintor del Vaso François, o Exequias, autor de un ánfora, que muestra a Áyax y a Aquiles en Troya, jugando (expuesta en los Museos Vaticanos).

Hacia el 530 surge en Atenas el estilo de figuras rojas, que caracterizará el periodo de mayor auge y expansión de la cerámica griega, dominada por los talleres áticos.

Constituye fundamentalmente en una inversión de las figuras negras: en vez de figuras negras sobre fondo rojo, consistía en figuras del color de la arcilla roja que resaltan sobre el fondo pintad de barniz negro. Los detalles internos, musculatura, rasgos de la cara, adornos del pelo, pliegos del peplo,... ya no son incisos, sino pintados, alcanzando una mayor perfección.
Estilo de figuras rojas
A comienzos del periodo, coexisten escenas de figuras negras y de figuras rojas, denominándose este estilo como "cerámica bilingüe".

Se abandonan las convenciones arcaicas y se dota a la pintura de mayor realismo, profundidad y volumen. Se aplica asimismo el estilo clásico de la escultura caracterizado por la búsqueda de la armonía en las proporciones.

Poco a poco, se va generalizando esta técnica hasta que, hacia el 480 a.C., la figura negra desaparece prácticamente. Sólo queda rastro en las ánforas panatenaicas, que guardaban el aceite ofrecido como premio a los vencedores de las pruebas atléticas celebradas con motivo de las Grandes Panateneas de Atenas.

En el siglo IV, la decoración de figuras rojas se mantiene, pero pierde calidad.

Las escenas abarcan un amplio rango de temas, desde la mitología, en la que predominan la patrona de Atenas y el héroe y rey legendario, Teseo, hasta otros dioses y héroes importantes, como Dionisos y Heracles; el ciclo homérico, de la Ilíada y Odisea; hasta escenas de la vida cotidiana, rayando en ocasiones la caricatura, retratando personajes que remiten a la comedia aristofánica, e incluso escenas de tipo erótico, que se representaban en las cráteras.

Los tipos de recipientes son variadísimos: cráteras, donde se realizaba la mezcla del vino con el agua, los oinokhoe, para sacar el vino aguado de la crátera y verterlo en copas; ánforas donde se almacenaba y transportaba prácticamente de todo, sobre todo aceite y vino; los lekhitoi para los perfumes, los exaleiptron, donde se guardaban ungüentos y las pyxis, cofrecitos para guardar las joyas, medicinas, etc...

En definitiva, las pequeñas escenas que se ven en la cerámica griega constituyen un buen reflejo de la mentalidad y las costumbres de la antigua Grecia, y estas piezas por sí mismas también resultan un testimonio de la vida cotidiana de hace 2500 años.

Aquí puedes ver algunas de nuestras reproducciones de cerámicas griegas de estilo ático en nuestro catálogo:

# data[].attributes.attachment_link.description
La cerámica griega es una de las manifestaciones artísticas más importantes de esta civilización. A raíz de las relaciones comerciales que los griegos establecieron en el Mediterráneo, la cerámica ática se difundió por todo este área, hallándose ejemplos en muchos países de la cuenca mediterránea, siendo una importante fuente de información para estudiar la cultura y el arte helénicos.

# data[].attributes.body
Los orígenes del arte griego se remonta por un lado, a la cultura minoica, cuya cerámica y pintura tienen un marcado naturalismo y, por otro lado, a la cultura micénica desde donde probablemente proceda el templo griego cuya estructura parte del megarón, el cual es de forma rectangular, lo rodean cuatro columnas y le antecede un pórtico con dos columnas, un patio y el propíleo.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La cultura griega, cuna de varias ciencias como la filosofía, la historia, la medicina y otros saberes en el ámbito occidental fue la primera civilización con un carácter antropocéntrico. Se considera como una de las etapas en la historia del arte y de la humanidad de mayor creatividad cuyo legado ha sido referencia continua para muchos períodos de la historia. Los orígenes del arte griego se remonta por un lado, a la cultura minoica, cuya cerámica y pintura tienen un marcado naturalismo y, por otro lado, a la cultura micénica desde donde probablemente proceda el templo griego pues su estructura parte del megarón, espacio que pertenece al palacio y es de forma rectangular, lo rodean cuatro columnas y le antecede un pórtico con dos columnas, un patio y el propíleo.

También destaca la arquitectura funeraria de cámaras rectangulares o circulares a la cual se accede a través de un corredor cubierto con falsa cúpula (Tumba de Agamenón). Por los hallazgos encontrados en las tumbas se afirma la calidad y gran manejo de la orfebrería y la escultura. Con todo, el arte griego se ve parcialmente influido por las culturas precedentes, pero solo en parte pues en todas las manifestaciones impone nuevos modos creativos.

Transita posteriormente por un período prolongado que se denominó Edad oscura. Fue provocado por el decaimiento del sistema económico y las migraciones de población. Esta etapa pone fin a la cultura micénica y hacia el s.VIII da paso al período arcaico griego.

Cronología del arte griego

El arte de Creta minoica, de carácter uniforme, se desarrolla hasta el 2000 a. C. Se divide en período prepalacial y pospalacial. El patio central es el eje desde donde se organizan las estancias de los palacios minoicos construidos en las cimas de las colinas formando ciudades-estados. También, la cultura minoica desarrolló la arquitectura funeraria y religiosa así como la pintura.

El arte micénico se desarrolla en el período Heládico Reciente (1600-1250 a.C.). Incluye a Creta, a Grecia Continental y a las islas Cícladas.

Edad oscura (s. XIII- s. VIII a.C.). En arquitectura se atisban los inicios de la construcción de los templos, pero solo se definirá entre el siglo VIII y VII a.C. Además, desaparecen la gran mayoría de las esculturas lo que origina la aparición de nuevos modelos base de la escultura griega. Solo se trabajó la cerámica y las pequeñas estatuillas.

Estilo geométrico (s. IX- s. VIII a.C.). La cerámica es lo que más abunda dentro del estilo que se caracteriza por su forma y diseño geométricos.

Estilo Orientalizante (finales del s. VIII - VII a.C.). Emplea decoraciones zoomorfas y vegetales reinterpretadas del mundo iconográfico egipcio y mesopotámico, de ahí su denominación.

El Estilo Protoático precede a la etapa arcaica de los vasos atenienses. A partir de él sucederán transformaciones desde el punto de vista formal y ornamental para la realización de las vasijas. Se caracterizará por plasmar los temas mitológicos y leyendas griegas con influencia oriental menos marcada.

Período arcaico (s.VII - s.Va.C.), Período clásico (s.V a.C.- s.IVa.C.), Período helenístico (s.III a.C. - s.I a.C.)

Arte griego

El arte griego se extendió por España, Francia, las costas de Asia Menor y el Mar Negro, el norte de Italia y África. Se fundamenta en una estructura sociocultural antropocéntrica y en la fortaleza de las polis griegas (ciudades-estados) que tiene un marcado interés por la construcción de templos en zonas sagradas de la ciudad (acrópolis) en cuyo rededor ubican los edificios urbanos y públicos.

Las prácticas religiosas se basan en la relación de la colectividad con los dioses por ello se levanta la casa de Dios (el templo), que están hechos por y para el hombre.

Es importante destacar que en la cultura griega tanto las esculturas como los edificios arquitectónicos fueron policromados.
La memoria del arte griego
La inexistencia de originales del arte griego ha implicado para la historiografía un quebradero de cabeza a la hora de relatar, datar, caracterizar y conocer la praxis del arte griego. En este sentido, gracias a las copias e información que hiciera el arte romano del griego es que es posible el conocimiento de las obras de arte griego.

La cerámica fue la manifestación mediante la cual se extraen las referencias de la pintura junto a los escritos de Plinio y otros autores. Por ejemplo, la información que se tiene de la pintura del siglo IV a.C. proviene mayoritariamente de las copias romanas realizadas. Sin embargo, hacia la etapa helenística será el mosaico que se desplegó por todas las zonas helenizadas las que aporten importante testimonio de lo que fue la pintura del período.

La escultura corrió con algo de más suerte y se han podido encontrar algunos ejemplares originales como el Altar de Zeus. No obstante, pocos son los ejemplares que se conservan y las copias romanas son el referente más cercano.

La mayoría de las obras arquitectónicas están devastadas algunas por la diversidad de usos, otras por la destrucción humana y también por el paso de fenómenos naturales o simplemente por su antigüedad. En pie quedan algunos templos como el Partenón en la Acrópolis de Atenas.

Arte griego arcaico (s. VII - s. V a.C.)

En el período arcaico se caracteriza por la expansión de las ciudades-estados (polis), la construcción de grandes obras públicas bajo el auspicio de los gobiernos tiránicos como una vía de legitimarse y emular con otras ciudades.

Arquitectura

La configuración de los elementos arquitectónicos establecen el canon que rige la construcción de los templos: los órdenes dórico, jónico y corintio. Los tres se componen de pedestal y columnata (elementos sustentantes), entablamento y cubierta (elementos sustentados).

El orden dórico es el más antiguo data del siglo VII y donde más se observa es en la Grecia continental y en la Magna Grecia (colonias griegas). Está estructurado mediante el pedestal (formado por tres escalones) que sustenta a la columna (formada por el fuste con acanaladuras de ángulos vivos y encima el capitel). Le sigue el entablamento compuesto por el arquitrabe, el friso y la cornisa. Lo remata una cubierta (tejado a dos aguas, generalmente, llamado frontón).

El orden jónico es más decorativo, estilizado y vistoso, propio de las islas griegas de la zona oriental. Presenta basa circular que se encuentra entre el pedestal y la columna cuyo fuste tiene acanaladuras de ángulos matados y rematado por un capitel decorado con dos volutas. El arquitrabe del entablamento es liso y dividido por tres bandas horizontales en aumento. El friso continuo puede llevar o no decoración y el frontón es idéntico al orden dórico.

El orden corintio es una variante del jónico pero más decorado. Surge hacia finales del s. Va.C. Fue el elemento arquitectónico más usado por los romanos. Se diferencia del jónico en que su fuste es más alargado y la ornamentación la configuran dos filas de hojas de acanto rematadas por cuatro volutas en los ángulos (caulículos). El friso liso y corrido en el entablamento suele decorarse con motivos de guirnaldas y bucráneos.

Templos

En el arte griego los templos cumplían una función religiosa, son muy característico en la arquitectura griega. Están construidos a partir de sillares de piedra regulares que sustituyen el adobe y la madera. Los órdenes constructivos son parte fundamental del edificio.

Los templos fueron construidos para venerar a la divinidad o dios por medio de su escultura. De esta manera, los ritos griegos son celebrados en el exterior lo que explica el modo efectista del espacio arquitectónico en sus lados externos.

El recinto, generalmente, es de planta rectangular compuesto por el pronaos (pórtico que precede al santuario), el naos o cella (santuario o estancia de la estatua de la deidad) y el opistodomos. El pronaos y el naos están comunicados mientras que el opistodomos (estancia que se añade posteriormente) es un área que se ubica detrás del naos y cumplía el objetivo de almacenaje.

Se establecen tipos básicos de templos de acuerdo al número y posición de las columnas. La denominación según la posición de las columnas es: in antis (si solo tiene dos columnas que enmarcan las antas -pilastras), próstilo (cuatro columnas antes del pronaos), anfipróstilo (las columnas se encuentran en fachada y la parte posterior del templo), períptero (presenta columnas por los cuatro lados), pseudoperíptero (columnas adosadas en las fachadas laterales), díptero (columnata doble por los cuatro lados), pseudodíptero (ocho columnas en fachada, ocho en la parte trasera y 13 columnas por cada lateral) y tholos o monóptero (templo de planta circular y varias columnas).

En cuanto al número de soporte se denomina dístilo (dos columnas), tetrástilo (cuatro columnas), hexástilo (seis columnas), octástilo (ocho columnas), decástilo (diez columnas) y dodecástilo (doce columnas).

A partir de las características estructurales de los de templos se edifican en la Grecia continental, templos dóricos en piedra local como el Templo de Hera en Olimpia (600 a.C.), Templo de Artemis en Corfú, Templo de Apolo en Delfos (hexástilo), Viejo templo de Atenea en Atenas que presentará también elementos jónicos. Otros edificios sagrados se encuentran en la Magna Grecia donde se sustituye el opistódomo por una habitación comunicada con la cella y la fachada principal destaca sobre la posterior: Templo C de la Acrópolis de Selinunte, uno de los más antiguos y grandes que se conservan.

Hacia el s. VI a.C. inicia la construcción de templos jónicos, hechos en mármol y a la cella le rodea un doble pórtico columnado (perístasis). Hay que destacar la monumentalidad arquitectónica de los edificios sagrados, influencia oriental. Destacan así el templo Heraion de Samos, el Artemision de Éfeso (díptero) de gran tamaño o el Templo de Apolo en Dídyma.

Escultura

La escultura evolucionó de las formas orientalizantes hacia la creación de un estilo particular y de gran trascendencia para el arte escultórico de los siglos posteriores. Sus inicios se remonta hacia la segunda mitad del siglo VII a.C. con la escultura exenta, los denominados kouros y kore, generalmente de grandes dimensiones, originadas en sus inicios en Naxos, isla donde abunda el mármol. Fueron realizadas también en Atenas, Paros y en Naucratis. Los kouroi y korai (plural de kouros y kore) son la representación joven masculina o femenina. Las kore son identificables por su gracia, policromía del atuendo de numerosos pliegues, el movimiento del brazo, los objetos que carga a modo de ofrenda, estaban ricamente adornadas con joyas y tenían largas trenzas. Mucho después se las esculpe algo desnudas, mientras que los Kouros se representaban totalmente desnudos y sus rasgos anatómicos simulan a los de un atleta.

El material empleado para su ejecución era la piedra o el mármol. Generalmente se ubicaban al aire libre, algunos llevaban la firma del artista o el nombre del donante. La función que cumplían está aun en debate. Hay varias hipótesis acerca del tema: algunos historiadores piensan que las korai fueron ofrendas votivas para santuarios. Por su parte, el significado de la representación de los kouros también es controvertida, hay quienes afirman que tienen un carácter funerario al rememorar a un atleta joven fallecido o que era la representación de los atletas jóvenes que participaban en los juegos olímpicos o que cumplen una función religiosa al representar a alguna divinidad como el dios Apolo.

El escultor griego se interesó siempre en la búsqueda del ideal de belleza mediante la proporción y la simetría. Desde estos primeros tiempos demuestra tal preocupación. Las estatuas son figuras bloques de carácter cúbico con un solo punto de vista, el frontal. Son esculturas rígidas, con los brazos caídos pegados al cuerpo y puños cerrados, concebidas de pie, con la cabeza erguida, una pierna adelantada, ojos almendrados, sonrisa arcaica, cabellera riza. Desde el punto de vista formal se relaciona con la escultura egipcia pues la influencia se adquiere a través de las actividades comerciales entre las culturas de estas dos civilizaciones.

Evolución de la estatuaria arcaica

El desarrollo de la escultura fue enriqueciéndose gracias al interés del artista por lograr una mayor naturalidad en la representación de los cuerpos desnudos. Habrá, por tanto, una marcada diferencia entre un kouros o una koré del siglo VII (Kouros de Sunion o Dama de Auxerre) con respecto a otros del siglo VI ( Kouros de Melos)así como del siglo V (Kore de Eutidyco). El cambio estriba en la pérdida de la rigidez para dar paso al movimiento mediante un brazo adelantado o doblado en el caso de los kouros (Kuros de Aristódico) mientras que en las esculturas femeninas se incorpora el atuendo jónico, hay un gran tratamiento de los ropajes (Hera de Samos o en la Kore 675) la expresión facial, el matiz del cabello (Kore del Peplo, año 530 a.C.); también se puede ver en el desplazamiento del torso al doblar una pierna que hace la posición más natural. De esta manera, las formas se vuelven algo curvas y habrá más de un foco visual. El tratamiento de los rostros se suaviza, la sonrisa arcaica se torna más humana.

El relieve escultórico

La escultura exenta también tomó lugar en los extremos y la zona más elevada del frontón, sin embargo, son los relieves arquitectónicos los que predominen. Estos decoran los frontones, frisos y metopas de los templos. Fue importante para la evolución de la plástica griega.

El camino hacia la realización de los relieves fue evolutivo. Primero se realizaron placas de cerámica ornamentadas, posteriormente, se introdujo la piedra y se fue acoplando progresivamente lo esculpido al espacio triangular del frontón.

Con él aparece la narración y es que a partir de su representación se describen las historias mitológicas o heroicas Hekatompedon ateniense o las escenas del Tesoro de los Sifnios de un templo jónico del s. VI a.C., también temáticas bélicas.

Las estelas funerarias es otra manifestación dentro de la escultura que se desarrolló en la época arcaica. Sirvió para señalizar las tumbas aristocráticas. Estuvieron hechas de piedra aunque alguna fue realizada en madera. Además de una clara función funeraria también servía como recordatorio del difunto. Hacia finales del s. VI a.C. se simplifican al punto de ser una losa con la talla del difunto. Se usan dos tipos de decoración la zoomorfa y la antropomorfa, Estela de Aristión.

La cerámica

La cerámica pasa por una primera fase denominada estilo miniaturista corintio desarrollado entre los siglos VIII y VI a.C. en Corinto. Pronto se impone el estilo ateniense por la destacada perfección de las vasijas que, usualmente, llevaban la firma del autor. La cerámica fue relegada como arte menor en el primer cuarto del siglo V a.C. tras imponerse la técnica de la pintura mural, sin embargo, fue en ella donde se determinaron los nuevos cambios estilísticos.

Los objetos cerámicos arcaicos generalmente tienen una decoración basado en los colores rojo y negro, donde hay un estilo en el que las figuras son perfiladas y barnizadas en negro sobre el fondo rojo (Vaso François, crátera hacia el 570 a.C.; Crátera con Aquiles recibiendo las armas de Eufronios) y otro estilo donde las figuras son de color rojo sobre fondo negro (el kýlix-crátera Retirando a Sarpedón del campo de batalla), aunque en ocasiones se utilizará el púrpura y el blanco. Prima el dibujo sobre el pigmento y el tema principal es el antropomorfo relacionado con las leyendas heroicas, mitológicas y de la cotidianidad. La composición es una combinación del dibujo de figuras de frente y de perfil. Estos objetos cumplían por una parte, una función funeraria y religiosa y, por otra parte, una función utilitaria, de uso cotidiano en dependencia del objetivo final. sus formas o tipos son diversos, por mencionar: el alabastron, el ánfora, la crátera, el lécito, la hidria, el aríbalo, el kilix, el skyfos, el kántaros, lebès y muchos otros.

Entre los pintores que destacan en este trabajo de la cerámica se encuentra como el primer pintor griego a Sófilos. De la técnica de figuras negras sobre fondo rojo son el pintor y alfarero Exequias que trabajó hacia la segunda mitad del s. VI a.C. (ánfora con Aquiles y Áyax jugando); el pintor de Londres o el pintor de Amasis introdujo las asas de sección cuadrada, novedad para el momento. Entre el 530-500 a.C. se trabaja con vasos de fondo blanco pero será la técnica de figuras rojas sobre fondo negro la que se consolida y que posteriormente durante el siglo V a.C. seguirá desarrollándose. De la primera etapa encontramos a Eufronios da un tratamiento monumental a sus representaciones y Euthymides, que como el anterior, innova en el escorzo y la perspectiva de los cuerpos (Ánfora de Munich).

Arte griego clásico (V-IV a.C.)

Se divide en los siguientes periodos:

500-490 a.C. Periodo de transición del arte arcaico al arte clásico

480-450 a.C. Periodo clásico, 1ª etapa (se desarrolla el Estilo severo)

450-420 a.C. Periodo clásico pleno

Período clásico tardío (s. IV a.C)

Tras la etapa de las guerras médicas, Grecia y sobre todo Atenas salen fortalecidas lo que propicia una periodo lleno de esplendor, sobre todo en el siglo V a.C. también llamado la Atenas de Pericles. En este sentido, será un momento de esplendor desde el punto de vista constructivo donde Atenas, bajo el gobierno del estratega Pericles, servirá como modelo paradigmático de la arquitectura clásica gracias a la política constructiva que el gobierno fomenta.

Arquitectura

Los templos

De la etapa de transición se encuentran el templo de Aphaia, en Egina y el templo de Zeus, en Olimpia.

El responsable de la reconstrucción de la Acrópolis de Atenas en la segunda mitad del siglo fue el escultor y arquitecto Fidias. En estos momentos, los templos serán construidos en mármol. En el año 448 a.C. se inicia la construcción del Partenón, obra de Fidias, Ictinos y Calícrates. Culmina en el 438 a.C. Es un recinto concebido para adorar a la diosa Atenea a través del culto a la estatua Atenea Parthenos.

El edificio no se relaciona con los demás edificios de la Acrópolis. Es dórico, octástilo, períptero y tiene doble pórtico hexástilo y es de gran dimensión. Está hecho con mármol, la cella está dividida en dos espacios desiguales y la estatua está flanqueada por una doble columnata. Además, posee elementos jónicos. Por su particular sentido espacial,hay una búsqueda de la armonía entre las proporciones del interior y el exterior, de la simetría y el equilibrio mediante la éntasis que significa tensión (efecto óptico que se aplica a los templos para corregir los errores de la percepción visual humana). Para ello se abomba el estilóbato, ligera curvatura de las columnas hacia adentro, aumento del grosor de las columnas laterales respecto a las centrales y el entablamento está ligeramente hacia delante.

Otras construcciones importantes fueron realizadas en la Acrópolis como la entrada monumental con columnas que da acceso a un recinto (los Propíleos). Hecho por Mnesiklés, lo erigió en mármol, combina los órdenes arquitectónicos, cuida el sistema de proporciones y el efecto óptico; el Erection también de Mnesiklés, edificio jónico que destaca por su particularidad constructiva por su carácter asimétrico y falta de axialidad, donde priman los elementos constructivos y decorativos. Y el templo jónico de Atenea Niké que se ubica junto a los Propíleos. Es un edificio tetrástilo y anfipróstilo, de una sola nave sin pronaos que ostenta de un vasto programa iconográfico en relieve y alberga la estatua de la diosa que se salvó del Prepartenón tras el tratado de paz con los persas en 449 a.C.

Arquitectura doméstica

La arquitectura doméstica era de estructura sencilla y fueron hechas con materiales pobres. Irán evolucionando desde el megarón prehelénico hasta alcanzar hacia el siglo V a.C. un nivel superior basado en el confort y la funcionalidad.

Arquitectura defensiva

Los sistemas de defensa emulan los micénicos. Cada ciudad tiene su propia estructura de defensa que incluyen puertas, bastiones y una acrópolis.

Arquitectura funeraria

La construcción de edificios funerarios para la clase adinerada destaca por su monumentalidad a partir del siglo IV a.C. Son característicos la ornamentación mediante los altorrelieves y bajorrelieves, esculturas de bulto redondo y las aplicación de los órdenes constructivos.

El Monumento a las Nereidas de Janto fue construido entre el 410-400 a.C. y pertenece a un príncipe licio desconocido. Es un templete jónico tetrástilo que presenta decoración en relieve en su basamento, los frontones también decorados y en el pórtico descansan esculturas (las nereidas) que fueron ubicadas entre las columnas.

Otro importante edificio sepulcral, construido a mediados del siglo IV es el Mausoleo de Halicarnaso, considerado una de las siete maravillas del mundo antiguo, desaparecido y del que solo se conoce por referencias.

Escultura

La evolución de la escultura fue progresiva. El escultor griego siempre se interesó por establecer el canon de la figura humana. En estos momentos habrá la intención de conseguir el realismo. Los primeros intentos de contraposto (representación corporal donde el peso recae sobre la pierna recta) se pueden observar en el Efebo de Kritios (h. 480 a.C.)o en su Grupo de los Tiranicidas. Sin embargo, y en términos generales, prima la frialdad y la idealización en las figuras, la quietud y la forma cerrada de las obras clásicas.

Del Estilo Severo, primer período clásico, hay que destacar su carácter sobrio y plástico, aunque todavía perviven las formas arcaicas en el tratamiento de los ropajes y en la anatomía de los cuerpos. El bronce es el material que usaron para la realización de las esculturas. Hacia la segunda mitad del siglo V a.C. El Auriga de Delfos y el Poseidón de Artemision con fecha de construcción entre el 470-460 a.C. son las grandes obras ejecutadas. Ya se nota en ellas más proximidad al ideal de belleza dado por la imitación de la realidad en la expresión de la cabeza y la perfección de los pies del primero mientras que de la segunda obra destaca el movimiento y el modelaje de la musculatura.

La obra que según la historiografía es la más importante del Estilo Severo se encuentra en la escultura arquitectónica, tanto en imágenes exentas como en relieve, del templo de Zeus. El creador es un artista anónimo que ilustró tres relatos mitológicos.

En los albores del pleno clasicismo se encuentra el Discóbolo de Mirón, obra de gran perfección y belleza lograda mediante las proporción de todas las partes del cuerpo, la representación del movimiento y el tratamiento del rostro.

Las principales características que definen el período clásico pleno o clasicismo son el reflejo de los sentimientos de las imágenes, la perfección del modelado y la expresión calmada en el rostro, el virtuosismo del ropaje, el cuidado de los detalles, un nuevo modo de concebir el contraposto y el canon de proporciones lo que denota el abandono total de las formas arcaicas.

Fidias, creador de un estilo y escuela, fue el escultor más importante del periodo clásico griego. A él se atribuye las esculturas exentas de Atenea Prómakhos, Atenea Lemnia y Atenea Parthenos. También de colosal tamaño -que se conoce a través referencias y reproducciones en monedas- es la obra Zeus entronizado de Olimpia, hecho con la técnica criselefantina (de o compuesto de oro y marfil). Además, realizó la Amazona herida, escultura que destaca por su gran realismo que el autor logra a través del tratamiento del ropaje y las Korai del Pórtico de las Cariátides bajo la influencia del estilo del maestro.

Policleto de Argos, Kresilas (Estatua de Pericles), Paionio de Mende (Niké) y Kallimachos son los otros maestros significativos del clasicismo griego. Al igual que con las obras de Fidias, de Policleto tampoco se conservan los originales, sin embargo su aporte a la escultura clásica griega estriba en introducir un nuevo ritmo al contraposto y crear un canon del cuerpo masculino en desnudez. De su autoría son el Doríforo (h. 450-440) donde plasma el ideal de belleza mediante el equilibrio dado por las proporciones, el Diadúmeno o la Amazona herida, obra que presentó al concurso de Artemisa en Éfeso junto a Kresilas y Fidias. De Kallimachos es una de las estatuas más importantes del arte antiguo por la estilización lograda en todo el conjunto escultórico, Afrodita de Frejus.

El relieve escultórico

El desarrollo del relieve en el tiempo pudo resolver la desproporción de las figuras aplicadas al frontón. Para ello se opta por la incorporación de personajes en forma de serpiente o figuras de rodilla o tumbadas mientras que al centro del frontón se ubican las figuras de pie, de esta manera no se ve afectada la escala con un claro ejemplo del siglo V a.C. con las esculturas del Templo de Afaia en Egina.

El altorrelieve ornamenta tanto los frontones y metopas mientras que en los frisos son los bajorrelieves los utilizados. En el Partenón, Fideas desarrolló con gran destreza mediante dinámicas composiciones y un riguroso cuidado de las proporciones estos conjuntos escultóricos donde predomina el movimiento y la perfecta anatomía de las estatuas, el exquisito tratamiento de las telas y la aplicación de la técnica de paños mojados que hace visible las formas y el movimiento del cuerpo. Estas características se pueden observar en el Nacimiento de Atenea en el frontón oriental o en el frontón occidental con la escena de la lucha entre Atenea y Poseidón por Ática en el que la composición fue concebida en V donde se combinan perfectamente las alturas y proporciones de las figuras representadas.

El relieve de carácter funerario

Las estelas funerarias son la representación del Estilo Bello (h.425 a.C.) que hubo de surgir tras la influencia del estilo del Partenón y que se caracteriza por el empleo de una refinada técnica que logra obras de gran belleza y elegancia en la que ya se va dominando el espacio: estela de Eleusis, Estela de Egina, Estela de Hegeso.

Pintura

La pintura griega es la gran desconocida de las manifestaciones que se realizaron en la antigua Grecia. Predominan los testimonios escritos y, se conoce algo más de ella, mediante la cerámica, de ahí la importancia que adquiere su estudio.

Se afirma que la pintura griega alcanzó un nivel muy alto pues logran crear un espacio pictórico simple y bello, representan figuras idealizadas y transmiten las emociones en los rostros de las figuras y el movimiento de las mismas. La temática trabajada fue la mitológica. Los pintores conocidos de la primera mitad del s. V son Polignoto (decoró murales en pórticos y edificios públicos) y Mikón. También destacaron Zeuxis y Parrasio.

Hacia la segunda mitad del siglo la pintura de caballete es la que predomina y destaca por el conocimiento de la perspectiva de los autores así como del claroscuro.

De ejemplo se encuentran los frescos de La tumba del zambullidor de Paestum como las únicas pinturas, quizás, que hayan sobrevivido.

Cerámica

Entre el 500 a.C. y el 475 a.C. se desarrolla la cerámica ática de figuras rojas en su primera fase. Continúa la temática mitológica y se mantiene la técnica de realización del anterior periodo. Los pintores Kleofrades (Ménade en éxtasis), el Pintor de Berlín y el Pintor de Brygos son los que sobresalen. Las formas predominante en los vasos de fondo blanco son los lékytos y las copas (Copa de Delfos)

Entre los años 475 a.C. y el 450 a.C. las imágenes comienzan a distribuirse por toda la superficie y destacan las representaciones con una tímida perspectiva y escorzo. Los vasos más significativos son los decorados con figuras rojas, siendo la crátera la más usada y los vasos de fondo blanco que sobresalen por su elegancia: Muerte de Acteón a manos de Ártemis del Pintor de Pan, Asamblea de los Argonautas del Pintor de las Nióbides.

A partir del año 450 a.C. aproximadamente confluyen dos tendencias, la del estilo clásico cuyo máximo exponente será el Pintor de Aquiles y el estilo basado en dibujo y el color con el Pintor de Sotades y el Pintor de Phiale.

En el 425 a.C. se impone el Estilo Bello y se crearán muchos lekytos con escenas trágicas donde la figura humana será el tema principal. A mencionar, Crátera de volutas del Pintor de Prónomos o la Señora con su sirvienta del Pintor de Aquiles.

Prehelenismo

El siglo IV a.C. fue un período de crisis en la Grecia antigua provocado por la derrota de Atenas frente a Esparta en la guerra del Peloponeso ocurrida entre las últimas décadas del siglo V y los primeros años del siglo IV a.C. Ello ocasionó la fragmentación de la cultura, de la religión, de los territorios y, por tanto, hay una transformación en la mentalidad y en la confianza de la sociedad hacia la polis. Esta decadencia termina con la plenitud del siglo V griego y no será hasta la llegada del monarca Filipo de Macedonia que la crisis originada se resuelva con la unidad de la Grecia continental.

Los cambios acaecidos repercutieron en el arte del siglo IV, práctica artística vital para entender la ruptura del equilibrio sereno característico del pleno clasicismo del siglo anterior.

Escultura

Este arte contiene fórmulas que luego en el helenismo se desarrollará con más fuerza. Ahora prima lo individual. Hay un marcado carácter expresivo que transmite distintas emociones: el patetismo, el drama, la pasión, la melancolía, en fin, se logra expresar la actitud psicológica. Habrá un interés por el erotismo femenino, en conseguir rostros más humanos de las divinidades representadas. Se prefieren los temas relacionados con Dionisos y Afrodita porque el carácter psicológico que encierran.

Destacan los escultores Praxíteles con un estilo delicado por lo femenil de sus obras (Apolo Sauróctono); Timoteo resalta el erostismo y la sensualidad femeninas (Leda con el cisne); Escopas traslada a sus obras la tragedia de los personajes que se refuerza en el modo en que trabaja el movimiento de las figuras como en Ménade danzante y Lisipo de Sición, escultor oficial de Alejandro Magno, que influyó en la práctica escultórica del momento y se considera por su evolución gradual hacia creaciones más realistas el escultor que marcó la transición hacia el arte helenístico. Con Apoxiomenos logra romper el punto de visión frontal al diseñar sus brazos hacia delante y que marca un nuevo canon del cuerpo masculino.

El género del retrato

Esta etapa es muy importante pues se da inicio al retrato por ese culto a la personalidad. Los retratos será de cuerpo entero siempre. La figura de Alejandro Magno fue decisiva para el retrato de la época. Se convirtió en un arquetipo de gobernante héroe ideal, sobre todo tras su desaparición. Esto influye en la mayoría de los reyes helenísticos al adoptar la iconografía alejandrina de cara a sus súbditos. Por tanto, se crea un tipo de canon de gobernante héroe en el retrato que transmite las virtudes y el carácter personal del gobernante.

Se encuentran varios modelos de representación como en los que prima la naturalidad sobre el temperamento (Sátyros del escultor Silanion), o viceversa como en los retratos de Alejandro Magno realizado por Lisipo.

Escultura fúnebre

Los pequeños cambios en los relieves funerarios aparecen a mediados de siglo donde el volumen y la profundidad son mayores que en los ejemplos de la etapa anterior. Las escenas se enmarcan entre dos pilastras y un frontón. Son creaciones de gran belleza y naturalidad, Estela de Dexileos.

Pintura

Se conoce por las referencias romanas que los pintores del siglo ya empleaban sus conocimientos sobre la perspectiva y la iluminación, además, la pintura destaca por el modelado, el color, el efecto teatral y la recreación del paisaje en sus representaciones (Tumba de Filipo II). Los pintores significativos provienen de las diferente escuelas locales. Nicias de Atenas (Andrómeda y Perseo) fue un artista de la escuela ática que al igual que la escuela de Sición emplearon la técnica de la encáustica. Apeles de Colofón, el pintor oficial de Alejandro Magno, es el pintor con más fama e importancia de este periodo y del que se cree que inició el retrato ecuestre.

Cerámica

Los temas del mundo femenino y la naturaleza son las temáticas representadas para la cerámica ática del siglo IV que continúa con las fórmulas de producción anteriores. La cerámica de Magna Grecia se pondrá al frente lo que desplaza las producciones áticas. Seguirá la búsqueda de las formas proporcionales, simétricas y bien articuladas.

Arte helenístico (s.III a.C. - s.I a.C.)

Este periodo comprendió un extenso marco temporal y a varios territorios además de Grecia como Egipto, Persia, Mesopotamia y la India. Por su universalidad, extensión temporal y geográfica la historiografía ha decidido llamarlo helenismo o helenístico.

Coincide con la fragmentación del imperio creado por Alejandro Magno tras su muerte y la caída frente a Roma. Supuso la helenización del occidente del Mediterráneo y la orientalización de la civilización y cultura griega.

La figura de Alejandro Magno y su desaparición fue decisiva para el arte helenístico pues se generan nuevas ciudades por la división del imperio. Las capitales de los nuevos estados se convierten en importantes centro artísticos como en el caso de Alejandría o Pérgamo, ciudades que cobraron una riqueza artística impresionante.

En este sentido, se inicia un entrecruzamiento de culturas de los territorios conquistados con la cultura griega lo que resulta un modelo cosmopolita. Este proceso afecta al arte griego que desde el carácter unitario anterior se distingue por su heterogeneidad, universalidad y se convierte en el lenguaje plástico por excelencia.

Desde el punto de vista estilístico es un período complejo, donde se hace difícil caracterizar a las obras se fragmenta la unidad cultural griega junto al fenómeno de sincretización de sus prácticas artísticas con la tradición de cada ciudad que provoca una producción local peculiar. La historiografía ha comparado a algunas fases del arte helenístico con el estilo barroco y también con el rococó. No obstante, está el caso en que el arte griego clásico será un referente a imitar para los creadores que estuvieron interesados en recuperar los temas, los mitos y las formas del clasicismo griego.

Urbanismo

La complejidad que adquieren las ciudades nuevas que se erigen o remodelan en el siglo IV dio lugar a que las actividades administrativas se ubiquen en el ágora (plaza de las ciudades-estados que estaban rodeadas de edificios públicos) en tanto que las recreativas se encuentran en las afueras de la ciudad. Las casas se organizan en manzanas rectangulares.

Es característico de la época helenística que las ciudades más fastuosas se encuentren fuera del territorio griego, es el caso de Alejandría que destaca por su grandiosidad urbanística o Pérgamo que basa su estructura urbanística en la imagen escenográfica de sus construcciones y la decoración al modo oriental.

Arquitectura

Como característica fundamental se encuentra el carácter decorativo en las construcciones. Del templo y la arquitectura funeraria prima la monumentalidad mientras que los edificios domésticos comprenden estructuras más complejas. Será costumbre arquitectónica combinar en el piso inferior el orden dórico y en el superior, el jónico. Aparecen con las nuevas ciudades, nuevas tipologías muy en consonancia con el entorno natural que las rodea, aunque esto no es privativo de la época.

Los templos

Se cuida el ornamento sobre una estructura de grandes dimensiones que supera a la del s. IV a. C. El orden arquitectónico jónico es preferido al dórico en las partes significativas del edificio como la fachada principal que destaca, además, por las dimensiones del pronaos. Poco a poco se irá introduciendo el orden corintio. De este momento son el templo Apolo en Dídima, que nunca se finalizó, el templo de Zeus Olímpico tras la reanudación de las obras bajo el arquitecto romano Cosutio por mandato de Antíoco IV en el año 175 a.C. -primer templo conocido en usar columnas corintias de grandes dimensiones- y el edificio Altar de Zeus de Pérgamo, obra constructiva paradigmática de la etapa helenística en la cual se combina equilibrio y sencillez junto a la rica ornamentación del exterior.

Será característico de esta etapa la introducción del naiskos (templo tetrástilo) y la conjunción de varios espacios.

Los santuarios

Los santuarios son edificios enclavados en parajes naturales de difícil acceso y estaban separados de las construcciones civiles. Destacan los santuarios de las ciudades de Epidauro, Pérgamo y Delfos. En el santuario coexisten el templo, los tesoros y los tholoi.

Los tesoros son pequeños edificios donde ubican las ofrendas, generalmente de estructura rectangular con pórtico in antis, eran de orden jónico o dórico y estaban bien decorados. Los tholoi, que destacan por su espacio interno, son edificios religiosos de planta circular que quizás cumplían una función de culto a los héroes divinizados.

Ya en el siglo V y IV a.C. se erigen estas tipologías como el tesoro de los Sifnios o el tholos del santuario de Atenea Marmaria en Delfos, sin embargo, de la etapa helenística destaca el Santuario de Asclepio en Epidauro construido hacia el 360 a.C. cuya decoración emula al Erecteion. Como ejemplo de tholos se encuentra El Philippeion de Olimpia edificio en el que los órdenes jónico y corintio son combinados.

La arquitectura pública

Si importantes son los templos para honrar a las divinidades también lo son las edificaciones públicas imprescindibles para la vida del ciudadano como las plazas (ágoras), los mercados (stoas), las bibliotecas, escuelas, estadios, los pequeños monumentos públicos con esculturas como la Linterna de Lisícrates, los teatros, entre otros.

la stoa, edificio de estructura rectangular y alargada con pórtico en uno de sus lados (Stoa de Atalo II de Atenas).

el teatro al aire libre, muy importante para la ciudad, era el espacio para las representaciones religiosas y corales. Constituido por la orchestra de forma circular, detrás de esta la skene tuvo dos funciones, vestuario de los actores para luego ser escenario, el théatron o koilon (grada semicircular empinada), el proskenion unificado delante de la orchestra y se decora con columnas exentas o pilares adosados, (teatro de Epidauro, teatro de Pérgamo, teatro de Priene).

el gimnasio de estructura rectangular rodeado de pórticos columnados también es símbolo cultural griego como el teatro. El edificio, al aire libre, alberga varias dependencias como baños, biblioteca, entre otras.

el bouleuterion, sala cuadrada con filas de asientos y altar central, estaba destinado a las reuniones de los consejo de ciudadanos, (bouleuterion de Mileto).

La arquitectura doméstica

Durante el helenismo la casa presenta una estructura más compleja: contiene un vestíbulo que da acceso al peristilo desde donde se organizan las habitaciones públicas, pues en el piso superior se ubican las privadas. Las estancias se decoran con mosaicos al igual que los patios porticados.

Escultura

Las características de la escultura helenística son diversas teniendo en cuenta la extensión cronológica y geográfica además de la convivencia de diferentes culturas. Ya en el siglo IV se viene desarrollando fórmulas que se consolidan ya en esta etapa. Atendiendo a la generalidad, se prefiere el carácter individual lo que determina que la fuerza que cobra el retrato. De ahí el intento de representar las pasiones, las emociones (Demóstenes de Polieucto). Esto perseguía, además, un propósito propagandístico hacia las figuras de los gobernantes para perpetuarse debido a la inestabilidad política.

Será fundamental el carácter agitado que cobran las figuras, el movimiento brusco, las contorsiones, las composiciones enrevesadas y abiertas, el tenue desequilibrio, el tratamiento antinatural de los ropajes, el uso de luces y sombras que provoca el dramatismo de la obra pero también la búsqueda de realismo que se justifica mediante los temas cotidianos, costumbristas.

Estos aspectos serán comunes para las distintas escuelas escultóricas del período en Pérgamo (Asia Menor), Alejandría y Rodas (próximo a Asia Menor). Por lo tanto, se pierde el protagonismo del artista a favor de la importancia del grupo de creadores de una escuela.

Escuela de Pérgamo

Pérgamo es uno de los centros culturales y artísticos con más auge durante los reinados de Atalo I y Eumenes II, hijo del primero. La escuela de escultura fue lo que más trascendió. En una primera etapa se crean obras en bronce realizadas por Epígono de las cuales solo se conservan obras en piedra y son copias romanas, Galo moribundo, obra con un gran efecto dramático u otra como Galo Ludovisi. Sin embargo, la producción más significativa es el Altar de Zeus, de autor desconocido, realizado bajo el reinado de Eumenes II quien hubo de emprender un amplio programa constructivo. Es la única obra original helenística en mármol que ha llegado a nuestros días, y en ella se exaltan las características barroca-helenísticas y teatrales por el modulado del ropaje antianatómico y el dramatismo de los rostros.

Escuela de Rodas

Destaca por el número elevado de excelentes obras escultóricas realizadas para sus edificios y por la creación de retratos realistas de ciudadanos comunes destinados a los santuarios.

De ese estilo barroco-helenístico es la Victoria de Samotracia muy relacionada con la teatralidad y los aspectos efectistas. El Laocoonte y sus dos hijos, obra que se atribuye a Rodas pero de lo que aun se tiene dudas. En ella el abigarramiento de los cuerpos, el efectismo, el drama, el movimiento y la composición abierta son los aspectos que destacan y la particularizan.

Escuela de Alejandría

Es la que mejor representa el realismo en la escultura evidentes en los retratos de los monarcas ptolemaicos y sus esposa, en obras como Danzarina Baker u otras relacionadas con el mundo natural como la alegoría del Nilo.
El retrato: su consolidación en las escuelas escultóricas
Hacia mediados del siglo III a.C. el retrato será desarrollado en las escuelas escultóricas y muy valorado y demandado sobre todo por el sector privado. Lo más importante fue plasmar el carácter realista en las obras. Para ello se valen de la psicología, la fisonomía y la cualidad moral de la persona.

Destacan por su marcado patetismo la Vieja borracha o por el modelado anatómico y el dramatismo del rostro el Boxeador de las termas así como la búsqueda del realismo en el retrato del político Demóstenes.

Otras esculturas

Hacia mediados del siglo II en Atenas se comienzan a realizar numerosas esculturas por la gran demanda que los romanos hicieron de la escultura de las época anteriores. Los escultores áticos recrean este tipo de obras como la Venus de Milo, la más famosa de las Afroditas desnudas, el Niño de la espina del siglo I a.C. o el Jinete niño de Artemisión. Las obras son de difícil datación.

Hubo una producción de figurillas de terracota que fueron encontradas en el cementerio de Tanagra. Las tanagrinas representan a mujeres jóvenes sentadas o de pie con una vestimenta sofisticada y a las cuales se les adornaba con distintos accesorios. Se cree que estas proviene de la producción de figuras en Atenas hacia el siglo IV a.C. y que fueron imitadas posteriormente en Tanagra.

Pintura

La pintura al final del periodo se distingue por la preponderancia de la pincelada, el uso de la luz, el color y las transparencias. La temática preferida serán los bodegones, las escenas callejeras y los paisajes, en fin, una recreación de temas costumbristas.

Algunos pintores seguirán la tradición desarrollada en el siglo IV mientras que otros sobresalen por su carácter innovador como el pintor Teón de Samos (Aquiles y Esciro).

Mosaicos

Hubo una gran producción de mosaicos teselados en esta etapa, actividad que ya se había hecho universal. El grupo más antiguo e importante pertenece a la ciudad de Pompeya con fecha de datación entre el 200 y 80 a.C. en la Casa del Fauno. Es un conjunto variado de mosaicos que recrean temáticas relacionadas con asuntos banales como la comida, la diversión y otros de carácter político o cultural como el teatro. La creación paradigmática lo constituye el mosaico de Alejandro Magno.

También destaca el mosaico Músico callejeros de Dioscúrides de Samos. Pérgamo gozó de la decoración de este tipo de mosaicos como se puede ver en el Emblema con palomas en Tívoli del mosaísta Soso de Pérgamo autor de otra obra famosa La casa sin barrer.

Cerámica

Los vasos cerámicos estarán decorados con figuras estilizadas y expresivas. Presentan un gran acabado y es muy variada. Se irá perdiendo paulatinamente la técnica de la pintura para dar paso a la decoración en relieve.

También desaparecen los vasos de figuras rojas de los áticos que crearán ejemplares barnizados de pigmento negro y sin decoración. En Apulia hay variedad de composiciones y tipos donde destaca la ornamentación de las vasijas. Algunas tuvieron una función fúnebre.

# data[].attributes.attachment_link.title
El arte griego | Historia, características, artistas y obras

# data[].attributes.attachment_link.description
La etapa del arte griego Se considera como una de las etapas en la historia del arte y de la humanidad de mayor creatividad.

# data[].attributes.body
Según la tradición romana, Rómulo y su hermano gemelo Remo (c. 771 a. C.- c. 753 a. C.) fueron los fundadores de Roma y del Senado romano. Su madre fue Rea Silvia, hija de Numitor, rey de Alba Longa, y su padre, el dios Marte.

https://www.decorarconarte.com/cont-culturales/paginas-de-historia-del-arte/arte-en-roma/

# data[].attributes.attachment_link.description
Error al establecer una conexión con la base de datos

# data[].attributes.body
¿Qué es el arte romano?

El arte romano hace referencia al conjunto de manifestaciones artísticas, como la pintura, escultura y arquitectura, desarrolladas en Roma entre el siglo VI a.C. y el IV d.C. Durante este periodo, los romanos se expresaban mediante diversas técnicas asociadas a las artes decorativas y a la construcción de templos y monumentos.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El arte romano es, sin lugar a dudas, uno de los movimientos artísticos más importantes de nuestra historia y, también, uno de los más fáciles de reconocer debido a sus particulares características y a la fama de las principales obras del arte romano.

Pero ¿sabes en qué se inspiraron los grandes artistas de la Antigua Roma y cuáles son los elementos más representativos del arte romano? ¿Qué es una columna y un dintel? ¿Cuáles son las diferencias entre el arte griego y el arte romano?

¡No te preocupes! Todas estas preguntas serán respondidas a lo largo de este artículo, así que continua leyendo y acompáñanos a conocer las principales características del arte romano en pintura, escultura y arquitectura.
¡Que comience el viaje!
¿Qué es el arte romano?

El arte romano hace referencia al conjunto de manifestaciones artísticas, como la pintura, escultura y arquitectura, desarrolladas en Roma entre el siglo VI a.C. y el IV d.C. Durante este periodo, los romanos se expresaban mediante diversas técnicas asociadas a las artes decorativas y a la construcción de templos y monumentos.

El arte romano así como la cultura romana en sí misma, sientan sus bases sobre un entramado político y social muy complejo. Para comprender mejor el contexto en el que se desarrolló el arte romano y estudiar sus características, viajemos al pasado y veamos cual es el origen del arte romano.

Fuente: Pexels

Origen del arte romano

Tal como lo dice Ricardo Celma, profesor de nuestro curso online de Pintura y dibujo de los grandes maestros, "para que avance el arte, se debe mirar sus historia". Por eso, a continuación, te contaremos un poco acerca de la historia del origen del arte romano.

De acuerdo a la información de la web Masdearte, el arte romano, como su nombre lo indica, tiene origen en Roma y nace a partir de su independencia respecto al poder etrusco, cuando Roma comienza a consolidarse poco a poco como un imperio y el arte comienza a formar una parte esencial en la vida de sus habitantes.

Debido a la expansión de Roma, el arte romano se ve influenciado por las culturas itálicas primitivas, por el arte etrusco y por el arte griego, incorporando elementos culturales de cada pueblo conquistado sus características y conformando así lo que hoy en día conocemos como arte romano.

Además, al expandirse de esa manera, Roma se convierte en un Imperio con un gran poder político y económico, por lo que las familias imperiales comienzan a interesarse por el arte, generando así que los artistas y las obras de arte romano sean muy solicitadas y populares.

Debido a esto, las temáticas que maneja el arte romano se ven fuertemente influenciadas por la política y se centran principalmente en glorificar a personajes históricos influyentes o representar batallas.

¿Te imaginabas que la historia y cultura de un pueblo tenía tanta influencia en su estilo artístico?

Fuente: Mural encontrado en Pompeya en la Casa de Vettii

Características del arte romano

Ahora que conoces el origen del arte romano y comprendes mejor el periodo histórico durante el que tuvo lugar, conozcamos cuáles son las principales características del arte romano:

El arte romano expresa la idea de Roma como centro: el poder de la cultura y el Estado romano son protagonistas.

El arte romano tuvo una gran influencia griega y etrusca a partir de la conquista de los romanos a otros territorios mediterráneos.

Los artistas que trabajaban en el arte romano eran, en su mayoría, griegos que copiaban esculturas de ese origen.

El arte romano, fue más variado y moderno que el arte griego, por lo que tuvo mayor influencia en el arte del Renacimiento y la Edad Media.

Entre las clases altas, los romanos consumían y estimulaban el consumo del arte romano.

El arte romano en arquitectura introdujo nuevas tipologías y géneros al combinar las características del estilo griego y el etrusco.

A diferencia del arte griego, cuyos temas solían ser en su mayoría religiosos o mitológicos, el arte romano exalta a los hombres, gobernadores y políticos.

El arte romano narra y conmemora las batallas de los hombres a través de representaciones como arcos triunfales y columnas conmemorativas.

El arte romano en escultura se manifestó a través de relieves en las tumbas, que representaban situaciones de la vida cotidiana y de la cultura romana.

Las obras del arte romano se creaban siempre con el propósito de cumplir una función.

Fuente: Pexels

Pintura en el arte romano

El arte romano se destaca principalmente por sus obras de arquitectura y escultura, ya que la pintura en el arte romano no fue muy popular y quedan pocos registros pictóricos de este estilo artístico.

Sin embargo, dentro del arte romano en pintura las obras más famosas son aquellas que se pudieron rescatar de la ciudad de Pompeya.

Estas obras rescatadas de arte romano en Pompeya son murales y frescos preservados a partir de la erupción del volcán Vesubio que petrificó la ciudad en el 79 d.C. Las piezas tenían temáticas vinculadas a la vida cotidiana de los romanos, a la cultura y a los dioses romanos.

Dentro de la pintura en el arte romano se distinguen dos corrientes pictóricas o estilos:

Estilo Neoático: Preocupado por la forma humana, resalta temáticas mitológicas y epopeyas.

Estilo Helenístico-Alejandrino: Preocupado por la pintura rural, paisajes y marinas.

Si bien el arte romano en pintura data de muchos siglos atrás, su influencia se mantiene en el estilo de arte romano que da características particulares a las obras creadas después de la caída del Imperio.

Características de la pintura romana

Algunas de las características que destacan al arte romano en pintura son las siguientes:

La técnica de pintura utilizada en el arte romano es la de manchas de color al temple, con colores planos y casi sin mezclas.

En las pinturas de arte romano se plasman situaciones donde intervienen muchos individuos.

La pintura en la cultura romana es muy importante ya que por medio de ella se logró conocer en gran parte cómo vivían los romanos, sus estilos y su sociedad.

En las pinturas del arte romano se trabajaban mucho las siluetas y las figuras sin movimiento ni perspectiva.

La temática predominante es siempre realista, paisajes, personas o escenas bélicas.

Entre los principales representantes del arte romano en pintura se pueden destacar Pietro Cavallini, Arelio, Cornelio Pino y Cayo Fabio Pictor.

Fuente: Retrato La Poetisa de Pompeya

Los cuatro estilos pompeyanos

¿Recuerdas cuando mencionamos que el arte romano está inspirado en sus raíces etruscas y griegas? ¿Y que, además, las obras romanas más famosas son las que se pudieron rescatar de la ciudad de Pompeya? Pues bien, dadas las circunstancias e influencias que rodearon el arte romano, hoy en día podemos mencionar que la pintura romana se desarrolló en forma de cuatro estilos conocidos como estilos pompeyanos:

Gracias al arduo trabajo del historiador de arte y arqueólogo alemán August Mau, quien estudió y clasificó las pinturas romanas de Pompeya, fue como surgió esta clasificación, a partir de los diversos frescos de la ciudad enterrada. Veamos, entonces, cuáles son los cuatros estilos principales de la pintura romana.

Primer estilo: incrustación

El primer estilo o "estilo de incrustación" es el más antiguo del arte romano (del siglo II a.C.). Se llama así porque a menudo se incrustaban piedras (como el mármol o la serpentina) en los muros, así como metales preciosos, en un intento por imitar un modelo arquitectónico o estilo estructural inspirado en la pintura griega.

La incrustación se caracterizaba por tener imágenes que solían extenderse de forma coherente por las distintas paredes de una sala, divididas en tres niveles verticales, de abajo a arriba: el asiento, el ortostato (bloques rectangulares de piedra ubicados en la parte inferior del muro) y la cornisa.

Según el portal ArteEspaña, la incrustación es un estilo romano muy colorista, de aspecto muy lujoso, en el que el muro suele estar dividido en tres:

un zócalo pintado imitando granito,

una zona media imitando mármol y

un remate a modo de cornisa realizada en estuco.

Imagen: leg8.fr.

Segundo estilo: arquitectónico

Como su nombre lo indica, este estilo del arte romano se caracteriza por imitar la arquitectura. Comenzó a principios del siglo I a. C., y se le conoce también como "estilo de perspectiva arquitectónica", ya que trata de encontrar amplitud y profundidad en sus imágenes.

Las pinturas romanas que se encontraron en este estilo hacían ver los espacios mucho más grandes. A menudo, se aprecian ventanas a través de las cuales se pueden observar representaciones que mezclan motivos arquitectónicos, personajes, animales y objetos. A menudo, aparecen también paisajes entre las columnas, lo que le da un aspecto más teatral y la sensación de "realismo".

A esto se le conoce como el arte del trampantojo, una técnica artística con la que se busca engañar la percepción visual. Así, daban profundidad a las estancias que decoraban.

Imagen: algargosarte.blogspot.com

Tercer estilo: mixto u ornamental

El tercer estilo de arte romano apareció a finales del siglo I a. C. y recibe el nombre de " mixto", "ornamental" u "ornamentado''. Aquí vas a darte cuenta cómo los artistas romanos empiezan a reemplazar la perspectiva arquitectónica para experimentar más con los motivos decorativos u ornamentales.

El estilo mixto se da en la época de Augusto y sus sucesores, época en la que los artistas romanos se caracterizaban por romper la coherencia de una sala como obra romana completa, convirtiendo cada pared en un lienzo ampliamente autónomo.

También, se introducen elementos como la representación de paisajes, figuras y escenas mitológicas. Algunos historiadores coinciden en que el estilo ornamental se dio más en la época de Roma que en Pompeya.

Imagen: leg8.fr

Cuarto estilo: ilusionista o escenográfico

A partir de mediados del siglo I d. C., las perspectivas arquitectónicas reaparecen en el arte romano, pero la escenografía se vuelve exuberante, fantástica y excesiva, lo que hace que pierda uniformidad en su estética, según los expertos.

La fantasía desbordada del arte romano en la época de nerón se ve a plenitud en este cuarto estilo o estilo escenográfico porque, en su afán de querer mantener los efectos de la perspectiva arquitectónica, los artistas romanos se enfocaron en multiplicar los ornamentos y aspectos decorativos.

El cuarto estilo también es una mezcla de estilos que ya hemos estudiado, es decir, del segundo y tercer estilo. Pero se diferencia del tercer estilo, por ejemplo, porque trae de vuelta a la escenografía en los muros. Sin embargo, en este momento se prescinde de los vínculos con la arquitectura, dando lugar a edificaciones que tienen un aspecto fantasmagórico y que sirven de escenario para personajes o divinidades que parecen interactuar con los espectadores.

El estilo escenográfico del arte romano aparece en la Domus Aúrea de Nerón y en la casa de los Vettii en Pompeya, así como en frescos llamados por Vitrubio "Megalográficos".

Imagen: http://algargosarte.blogspot.com

Como has dado cuenta, la pintura mural romana mantuvo una evolución gradual. Desde el principio, estuvo destinada principalmente a las paredes de las tumbas y los templos, ya que en aquellos tiempos no se acostumbraba a tener lujos en el hogar.

Sin embargo, con la influencia del helenismo griego que floreció entre las altas esferas de Roma, principalmente, las pinturas murales fueron integrándose a las costumbres romanas.

El portal ArteEspaña menciona, por otra parte, que el retrato se da también desde el siglo I a. C. pero que es en el siglo II cuando se da su proliferación. Es así como destacan los retratos de El Fayum, unos retratos funerarios en tela o en madera que están realizados con la técnica de la encáustica.

¿Te animas a seguir este fascinante recorrido sobre qué es el arte romano? Muy bien. Ahora vamos a enseñarte qué son los retratos de El Fayum y su papel en el arte romano.

Los retratos de El Fayum

Tal como lo describe el periódico La Vanguardia en su titular, estos retratos son como unas "fotos" del antiguo Egipto, toda una joya de la época, cuando Egipto era una provincia romana. Se produjeron entre los siglos I y V en todo Egipto y, pues, no podíamos evitar incluirlos como parte importante del arte romano.

En primer lugar, porque son las únicas pinturas romanas de caballete que se conservan de la antigüedad, con la gran la particularidad de mostrar la mezcla existente entre la cultura romana y egipcia.

Aunque el nombre de El Fayum se utiliza solo por cuestiones de convención, lo cierto es que estos retratos del arte romano se caracterizan por ser pinturas fúnebres pintadas al nivel del rostro de las momias egipcias. Los rostros que aparecen en ellos parecen representar a personas de clases acomodadas, ya que así lo demuestran su ropa y las joyas representadas.

La mayoría de estos retratos están pintados en encáustica, una técnica que utiliza la cera para agregar los pigmentos al cuadro. Sin embargo, también se realizaban en témpera (acuarela) sobre paneles de madera, que eran importados por la escasez de madera en Egipto.

Uno de los rasgos característicos de estos retratos egipcios del arte romano es la desproporción de los ojos en relación con el resto del rostro. Por lo demás, los artistas consiguen replicarlos al tamaño natural, pero, como podrás observar en el ejemplo siguiente, el rostro aparece ligeramente más grande en relación con el resto del cuerpo.

Sin embargo, se supone que servían para decorar a las momias en el arte fúnebre, lo que durante un tiempo puso en duda la pertinencia del término "retrato". Pero algunos estudios de estas pinturas romanas demostraron que fueron pintadas antes de que las personas fallecieran, ya que en muchas de ellas se encontraron restos de yeso o marcas de marcos, por lo que podrían haber sido utilizadas como retratos en vida de las personas.

Imagen: leg8.fr

Escultura en el arte romano

La escultura en el arte romano, especialmente a partir de la consolidación del Imperio, trajo consigo modelos griegos pero adaptados a la concepción del mundo propia de los romanos. Una concepción mucho más concreta, realista y práctica.

La característica principal del arte romano en escultura fue la introducción de dos géneros: el retrato y el relieve narrativo.

El retrato en las esculturas de arte romano pasó de ser más rígido y austero a tener una tendencia idealizadora de los personajes. Aunque, hacia el final del Imperio, las esculturas de los romanos eran mucho más detalladas y expresivas, buscando reproducir la realidad de manera natural.

Con respecto a los relieves narrativos en las esculturas de arte romano, estos representaban glorias militares de los emperadores romanos, siendo plasmadas en altares y arcos del triunfo.

Aun en la actualidad, podemos notar la influencia del arte romano en las esculturas tridimensionales que se producen de manera digital y al pensar en esculturas, lo primero que viene a la mente de muchos son las famosas obras de escultura del arte romano.

Si quieres conocer más acerca de las principales obras del arte romano, puedes hacer una visita virtual al Museo Nacional de Arte Romano en Mérida, España. ¡Puedes descargar la app completamente gratis!

Características de la escultura romana

Las esculturas del arte romano siempre tenían una utilidad. Cumplían una función narrativa, descriptiva o conmemorativa.

La escultura romana muestra energía y movimiento para mostrar el poder de los generales y los emperadores.

Por lo general, las esculturas del arte romano eran obras anónimas y extremadamente naturalistas.

La temática más habitual en las esculturas romanas es el retrato, en el cual tratan de lograr la excelencia en la identificación del modelo.

Fuente: Augustus of Prima Porta

Arquitectura en el arte romano

El arte romano en arquitectura es la disciplina en la que mejor se manifestó el poder del Estado. La arquitectura romana se basó en la construcción de grandes obras públicas que hasta el día de hoy pueden ser documentadas con mayor facilidad que las esculturas o las pinturas. Los romanos, de hecho, escribieron un tratado teórico de arquitectura en el siglo I a.C., que fue muy importante y significativo para la historia de la arquitectura.

Sin dudas, los anfiteatros, basílicas, termas, arcos del triunfo y circos fueron las tipologías de arquitectura romana que más se conocen. Un ejemplo muy cercano de eso es el Coliseo romano, que se muestra como un ícono del arte romano hasta nuestros días.

Si te fascina la arquitectura del arte romano y quieres aventurarte a recrear alguna de las edificaciones más populares de esta época, estos presets de arquitectura para Adobe 3D MAX te vendrán como anillo al dedo. ¿Qué esperas para descargarlos y poner a prueba tus habilidades?

Fuente: Pexels

Características de la arquitectura romana

La arquitectura romana se caracteriza por:

Uso de arcos, bóvedas y cúpulas, debido a la influencia de los etruscos.

Uso de columna y dintel, proveniente de los griegos.

Uso de hormigón (pleno y en ladrillos).

Diseño de arte romano con pinturas y frescos al interior de los edificios.

Planificación del espacio urbano.

Los principales tipos de edificaciones del arte romano en la arquitectura son los siguientes: las termas, los anfiteatros, los circos, los foros, los arcos del triunfo, las basílicas, los templos, los acueductos y las carreteras.

Fuente: Pexels

Como habrás notado, el arte romano en todas sus expresiones, tanto en pintura, escultura como arquitectura, marcó una época de grandes triunfos para los romanos y comunicó al mundo entero la grandeza y el poderío de su imperio a través de sus majestuosas obras.

Ahora que sabes qué es el arte romano y sabes identificar las características de las principales obras del arte romano en pintura, escultura y arquitectura, seguramente puedes apreciar y comprender mejor la cultura romana. Ahora es tu turno de seguir explorando las múltiples formas que hay para hacer arte.

Si quieres adentrarte en el mundo de la creatividad y el arte, te recomendamos que visites nuestra sección de cursos online de dibujo y pintura, donde seguramente encontrarás el curso ideal para que puedas desarrollar al máximo tus habilidades artísticas mientras te diviertes y pruebas con distintos estilos como el de los colores planos en el arte romano.
¡Arrivederci!

# data[].attributes.attachment_link.title
🏛️ Arte romano: pintura, escultura y arquitectura

# data[].attributes.attachment_link.description
🎨 El arte romano resalta por su color, movimiento y perspectiva. Conoce lo mejor de su pintura, escultura y arquitectura.

# data[].attributes.body
El Período Clásico de la antigua Grecia representa una época dorada de cultura, política y proeza militar. Fue una época de inmenso desarrollo, y el contraste entre Atenas y Esparta enriquece aún más este período. Permítanme ampliar algunos aspectos clave de esta época, centrándome en estas dos prominentes ciudades-estado:

# data[].attributes.body
El arte romano es el conjunto de manifestaciones de las artes visuales producidas en la Antigua Roma y difundidas hacia todo el Imperio romano. Abarca las distintas expresiones artísticas (escultura, arquitectura, pintura) desarrolladas desde el año 753 a. C. hasta la caída del imperio en el año 476 d. C., aproximadamente.

https://humanidades.com/arte-romano/

# data[].attributes.attachment_link.description
Arte Románico ✓ Te explicamos qué es el arte románico, en qué se basa y los materiales que utiliza. Además, cuáles son sus características y ejemplos…

# data[].attributes.body
El arte para todos: la contribución de Roma

El arte romano ha sufrido una especie de crisis de reputación desde el redescubrimiento y la apreciación del arte griego antiguo a partir del siglo XVII. Cuando los críticos de arte se dieron cuenta de que muchas de las mejores obras romanas eran en realidad copias o, al menos, estaban inspiradas en originales griegos anteriores y a menudo perdidos, el aprecio por el arte romano, que había florecido junto con todo lo romano en los periodos medieval y renacentista, empezó a disminuir.

# data[].attributes.attachment_link.description
Los romanos controlaron un imperio tan vasto durante un período tan largo que un resumen del arte producido en esa época solo puede ser breve y selectivo. Sin embargo, tal vez los mayores puntos de…

# data[].attributes.body
Los artistas romanos copiaron, imitaron e innovaron para producir arte a gran escala, a veces comprometiendo la calidad, pero en otras ocasiones superando con creces la artesanía de sus predecesores. Cualquier material podía convertirse en objeto de arte. El registro de los acontecimientos históricos sin el desorden del simbolismo y la metáfora mitológica se convirtió en una obsesión

https://www.worldhistory.org/trans/es/1-10804/arte-romano/

# data[].attributes.attachment_link.description
Los romanos controlaron un imperio tan vasto durante un período tan largo que un resumen del arte producido en esa época solo puede ser breve y selectivo. Sin embargo, tal vez los mayores puntos de…

# data[].attributes.body
El arte romano hace referencia al conjunto de manifestaciones artísticas, como la pintura, escultura y arquitectura, desarrolladas en Roma entre el siglo VI a.C. y el IV d.C. Durante este periodo, los romanos se expresaban mediante diversas técnicas asociadas a las artes decorativas y a la construcción de templos y monumentos.

# data[].attributes.attachment_link.title
🏛️ Arte romano: pintura, escultura y arquitectura

# data[].attributes.attachment_link.description
🎨 El arte romano resalta por su color, movimiento y perspectiva. Conoce lo mejor de su pintura, escultura y arquitectura.

# data[].attributes.body
Inmortalizar en el arte a un mecenas privado era un encargo habitual de los artistas. El objetivo de la pintura era plasmar fielmente paisajes, paisajes urbanos y los temas más triviales de la vida cotidiana. El realismo se convirtió en el ideal y el cultivo del conocimiento y la apreciación del arte en sí se convirtió en un objetivo digno.

https://www.worldhistory.org/trans/es/1-10804/arte-romano/

# data[].attributes.attachment_link.description
Los romanos controlaron un imperio tan vasto durante un período tan largo que un resumen del arte producido en esa época solo puede ser breve y selectivo. Sin embargo, tal vez los mayores puntos de…

# data[].attributes.body
El arte romano se destaca principalmente por sus obras de arquitectura y escultura, ya que la  pintura en el arte romano no fue muy popular y quedan pocos registros pictóricos de este estilo artístico.

https://www.crehana.com/blog/estilo-vida/arte-romano-pintura/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El arte romano es, sin lugar a dudas, uno de los movimientos artísticos más importantes de nuestra historia y, también, uno de los más fáciles de reconocer debido a sus particulares características y a la fama de las principales obras del arte romano.

Pero ¿sabes en qué se inspiraron los grandes artistas de la Antigua Roma y cuáles son los elementos más representativos del arte romano? ¿Qué es una columna y un dintel? ¿Cuáles son las diferencias entre el arte griego y el arte romano?

¡No te preocupes! Todas estas preguntas serán respondidas a lo largo de este artículo, así que continua leyendo y acompáñanos a conocer las principales características del arte romano en pintura, escultura y arquitectura.
¡Que comience el viaje!
¿Qué es el arte romano?

El arte romano hace referencia al conjunto de manifestaciones artísticas, como la pintura, escultura y arquitectura, desarrolladas en Roma entre el siglo VI a.C. y el IV d.C. Durante este periodo, los romanos se expresaban mediante diversas técnicas asociadas a las artes decorativas y a la construcción de templos y monumentos.

El arte romano así como la cultura romana en sí misma, sientan sus bases sobre un entramado político y social muy complejo. Para comprender mejor el contexto en el que se desarrolló el arte romano y estudiar sus características, viajemos al pasado y veamos cual es el origen del arte romano.

Fuente: Pexels

Origen del arte romano

Tal como lo dice Ricardo Celma, profesor de nuestro curso online de Pintura y dibujo de los grandes maestros, "para que avance el arte, se debe mirar sus historia". Por eso, a continuación, te contaremos un poco acerca de la historia del origen del arte romano.

De acuerdo a la información de la web Masdearte, el arte romano, como su nombre lo indica, tiene origen en Roma y nace a partir de su independencia respecto al poder etrusco, cuando Roma comienza a consolidarse poco a poco como un imperio y el arte comienza a formar una parte esencial en la vida de sus habitantes.

Debido a la expansión de Roma, el arte romano se ve influenciado por las culturas itálicas primitivas, por el arte etrusco y por el arte griego, incorporando elementos culturales de cada pueblo conquistado sus características y conformando así lo que hoy en día conocemos como arte romano.

Además, al expandirse de esa manera, Roma se convierte en un Imperio con un gran poder político y económico, por lo que las familias imperiales comienzan a interesarse por el arte, generando así que los artistas y las obras de arte romano sean muy solicitadas y populares.

Debido a esto, las temáticas que maneja el arte romano se ven fuertemente influenciadas por la política y se centran principalmente en glorificar a personajes históricos influyentes o representar batallas.

¿Te imaginabas que la historia y cultura de un pueblo tenía tanta influencia en su estilo artístico?

Fuente: Mural encontrado en Pompeya en la Casa de Vettii

Características del arte romano

Ahora que conoces el origen del arte romano y comprendes mejor el periodo histórico durante el que tuvo lugar, conozcamos cuáles son las principales características del arte romano:

El arte romano expresa la idea de Roma como centro: el poder de la cultura y el Estado romano son protagonistas.

El arte romano tuvo una gran influencia griega y etrusca a partir de la conquista de los romanos a otros territorios mediterráneos.

Los artistas que trabajaban en el arte romano eran, en su mayoría, griegos que copiaban esculturas de ese origen.

El arte romano, fue más variado y moderno que el arte griego, por lo que tuvo mayor influencia en el arte del Renacimiento y la Edad Media.

Entre las clases altas, los romanos consumían y estimulaban el consumo del arte romano.

El arte romano en arquitectura introdujo nuevas tipologías y géneros al combinar las características del estilo griego y el etrusco.

A diferencia del arte griego, cuyos temas solían ser en su mayoría religiosos o mitológicos, el arte romano exalta a los hombres, gobernadores y políticos.

El arte romano narra y conmemora las batallas de los hombres a través de representaciones como arcos triunfales y columnas conmemorativas.

El arte romano en escultura se manifestó a través de relieves en las tumbas, que representaban situaciones de la vida cotidiana y de la cultura romana.

Las obras del arte romano se creaban siempre con el propósito de cumplir una función.

Fuente: Pexels

Pintura en el arte romano

El arte romano se destaca principalmente por sus obras de arquitectura y escultura, ya que la pintura en el arte romano no fue muy popular y quedan pocos registros pictóricos de este estilo artístico.

Sin embargo, dentro del arte romano en pintura las obras más famosas son aquellas que se pudieron rescatar de la ciudad de Pompeya.

Estas obras rescatadas de arte romano en Pompeya son murales y frescos preservados a partir de la erupción del volcán Vesubio que petrificó la ciudad en el 79 d.C. Las piezas tenían temáticas vinculadas a la vida cotidiana de los romanos, a la cultura y a los dioses romanos.

Dentro de la pintura en el arte romano se distinguen dos corrientes pictóricas o estilos:

Estilo Neoático: Preocupado por la forma humana, resalta temáticas mitológicas y epopeyas.

Estilo Helenístico-Alejandrino: Preocupado por la pintura rural, paisajes y marinas.

Si bien el arte romano en pintura data de muchos siglos atrás, su influencia se mantiene en el estilo de arte romano que da características particulares a las obras creadas después de la caída del Imperio.

Características de la pintura romana

Algunas de las características que destacan al arte romano en pintura son las siguientes:

La técnica de pintura utilizada en el arte romano es la de manchas de color al temple, con colores planos y casi sin mezclas.

En las pinturas de arte romano se plasman situaciones donde intervienen muchos individuos.

La pintura en la cultura romana es muy importante ya que por medio de ella se logró conocer en gran parte cómo vivían los romanos, sus estilos y su sociedad.

En las pinturas del arte romano se trabajaban mucho las siluetas y las figuras sin movimiento ni perspectiva.

La temática predominante es siempre realista, paisajes, personas o escenas bélicas.

Entre los principales representantes del arte romano en pintura se pueden destacar Pietro Cavallini, Arelio, Cornelio Pino y Cayo Fabio Pictor.

Fuente: Retrato La Poetisa de Pompeya

Los cuatro estilos pompeyanos

¿Recuerdas cuando mencionamos que el arte romano está inspirado en sus raíces etruscas y griegas? ¿Y que, además, las obras romanas más famosas son las que se pudieron rescatar de la ciudad de Pompeya? Pues bien, dadas las circunstancias e influencias que rodearon el arte romano, hoy en día podemos mencionar que la pintura romana se desarrolló en forma de cuatro estilos conocidos como estilos pompeyanos:

Gracias al arduo trabajo del historiador de arte y arqueólogo alemán August Mau, quien estudió y clasificó las pinturas romanas de Pompeya, fue como surgió esta clasificación, a partir de los diversos frescos de la ciudad enterrada. Veamos, entonces, cuáles son los cuatros estilos principales de la pintura romana.

Primer estilo: incrustación

El primer estilo o "estilo de incrustación" es el más antiguo del arte romano (del siglo II a.C.). Se llama así porque a menudo se incrustaban piedras (como el mármol o la serpentina) en los muros, así como metales preciosos, en un intento por imitar un modelo arquitectónico o estilo estructural inspirado en la pintura griega.

La incrustación se caracterizaba por tener imágenes que solían extenderse de forma coherente por las distintas paredes de una sala, divididas en tres niveles verticales, de abajo a arriba: el asiento, el ortostato (bloques rectangulares de piedra ubicados en la parte inferior del muro) y la cornisa.

Según el portal ArteEspaña, la incrustación es un estilo romano muy colorista, de aspecto muy lujoso, en el que el muro suele estar dividido en tres:

un zócalo pintado imitando granito,

una zona media imitando mármol y

un remate a modo de cornisa realizada en estuco.

Imagen: leg8.fr.

Segundo estilo: arquitectónico

Como su nombre lo indica, este estilo del arte romano se caracteriza por imitar la arquitectura. Comenzó a principios del siglo I a. C., y se le conoce también como "estilo de perspectiva arquitectónica", ya que trata de encontrar amplitud y profundidad en sus imágenes.

Las pinturas romanas que se encontraron en este estilo hacían ver los espacios mucho más grandes. A menudo, se aprecian ventanas a través de las cuales se pueden observar representaciones que mezclan motivos arquitectónicos, personajes, animales y objetos. A menudo, aparecen también paisajes entre las columnas, lo que le da un aspecto más teatral y la sensación de "realismo".

A esto se le conoce como el arte del trampantojo, una técnica artística con la que se busca engañar la percepción visual. Así, daban profundidad a las estancias que decoraban.

Imagen: algargosarte.blogspot.com

Tercer estilo: mixto u ornamental

El tercer estilo de arte romano apareció a finales del siglo I a. C. y recibe el nombre de " mixto", "ornamental" u "ornamentado''. Aquí vas a darte cuenta cómo los artistas romanos empiezan a reemplazar la perspectiva arquitectónica para experimentar más con los motivos decorativos u ornamentales.

El estilo mixto se da en la época de Augusto y sus sucesores, época en la que los artistas romanos se caracterizaban por romper la coherencia de una sala como obra romana completa, convirtiendo cada pared en un lienzo ampliamente autónomo.

También, se introducen elementos como la representación de paisajes, figuras y escenas mitológicas. Algunos historiadores coinciden en que el estilo ornamental se dio más en la época de Roma que en Pompeya.

Imagen: leg8.fr

Cuarto estilo: ilusionista o escenográfico

A partir de mediados del siglo I d. C., las perspectivas arquitectónicas reaparecen en el arte romano, pero la escenografía se vuelve exuberante, fantástica y excesiva, lo que hace que pierda uniformidad en su estética, según los expertos.

La fantasía desbordada del arte romano en la época de nerón se ve a plenitud en este cuarto estilo o estilo escenográfico porque, en su afán de querer mantener los efectos de la perspectiva arquitectónica, los artistas romanos se enfocaron en multiplicar los ornamentos y aspectos decorativos.

El cuarto estilo también es una mezcla de estilos que ya hemos estudiado, es decir, del segundo y tercer estilo. Pero se diferencia del tercer estilo, por ejemplo, porque trae de vuelta a la escenografía en los muros. Sin embargo, en este momento se prescinde de los vínculos con la arquitectura, dando lugar a edificaciones que tienen un aspecto fantasmagórico y que sirven de escenario para personajes o divinidades que parecen interactuar con los espectadores.

El estilo escenográfico del arte romano aparece en la Domus Aúrea de Nerón y en la casa de los Vettii en Pompeya, así como en frescos llamados por Vitrubio "Megalográficos".

Imagen: http://algargosarte.blogspot.com

Como has dado cuenta, la pintura mural romana mantuvo una evolución gradual. Desde el principio, estuvo destinada principalmente a las paredes de las tumbas y los templos, ya que en aquellos tiempos no se acostumbraba a tener lujos en el hogar.

Sin embargo, con la influencia del helenismo griego que floreció entre las altas esferas de Roma, principalmente, las pinturas murales fueron integrándose a las costumbres romanas.

El portal ArteEspaña menciona, por otra parte, que el retrato se da también desde el siglo I a. C. pero que es en el siglo II cuando se da su proliferación. Es así como destacan los retratos de El Fayum, unos retratos funerarios en tela o en madera que están realizados con la técnica de la encáustica.

¿Te animas a seguir este fascinante recorrido sobre qué es el arte romano? Muy bien. Ahora vamos a enseñarte qué son los retratos de El Fayum y su papel en el arte romano.

Los retratos de El Fayum

Tal como lo describe el periódico La Vanguardia en su titular, estos retratos son como unas "fotos" del antiguo Egipto, toda una joya de la época, cuando Egipto era una provincia romana. Se produjeron entre los siglos I y V en todo Egipto y, pues, no podíamos evitar incluirlos como parte importante del arte romano.

En primer lugar, porque son las únicas pinturas romanas de caballete que se conservan de la antigüedad, con la gran la particularidad de mostrar la mezcla existente entre la cultura romana y egipcia.

Aunque el nombre de El Fayum se utiliza solo por cuestiones de convención, lo cierto es que estos retratos del arte romano se caracterizan por ser pinturas fúnebres pintadas al nivel del rostro de las momias egipcias. Los rostros que aparecen en ellos parecen representar a personas de clases acomodadas, ya que así lo demuestran su ropa y las joyas representadas.

La mayoría de estos retratos están pintados en encáustica, una técnica que utiliza la cera para agregar los pigmentos al cuadro. Sin embargo, también se realizaban en témpera (acuarela) sobre paneles de madera, que eran importados por la escasez de madera en Egipto.

Uno de los rasgos característicos de estos retratos egipcios del arte romano es la desproporción de los ojos en relación con el resto del rostro. Por lo demás, los artistas consiguen replicarlos al tamaño natural, pero, como podrás observar en el ejemplo siguiente, el rostro aparece ligeramente más grande en relación con el resto del cuerpo.

Sin embargo, se supone que servían para decorar a las momias en el arte fúnebre, lo que durante un tiempo puso en duda la pertinencia del término "retrato". Pero algunos estudios de estas pinturas romanas demostraron que fueron pintadas antes de que las personas fallecieran, ya que en muchas de ellas se encontraron restos de yeso o marcas de marcos, por lo que podrían haber sido utilizadas como retratos en vida de las personas.

Imagen: leg8.fr

Escultura en el arte romano

La escultura en el arte romano, especialmente a partir de la consolidación del Imperio, trajo consigo modelos griegos pero adaptados a la concepción del mundo propia de los romanos. Una concepción mucho más concreta, realista y práctica.

La característica principal del arte romano en escultura fue la introducción de dos géneros: el retrato y el relieve narrativo.

El retrato en las esculturas de arte romano pasó de ser más rígido y austero a tener una tendencia idealizadora de los personajes. Aunque, hacia el final del Imperio, las esculturas de los romanos eran mucho más detalladas y expresivas, buscando reproducir la realidad de manera natural.

Con respecto a los relieves narrativos en las esculturas de arte romano, estos representaban glorias militares de los emperadores romanos, siendo plasmadas en altares y arcos del triunfo.

Aun en la actualidad, podemos notar la influencia del arte romano en las esculturas tridimensionales que se producen de manera digital y al pensar en esculturas, lo primero que viene a la mente de muchos son las famosas obras de escultura del arte romano.

Si quieres conocer más acerca de las principales obras del arte romano, puedes hacer una visita virtual al Museo Nacional de Arte Romano en Mérida, España. ¡Puedes descargar la app completamente gratis!

Características de la escultura romana

Las esculturas del arte romano siempre tenían una utilidad. Cumplían una función narrativa, descriptiva o conmemorativa.

La escultura romana muestra energía y movimiento para mostrar el poder de los generales y los emperadores.

Por lo general, las esculturas del arte romano eran obras anónimas y extremadamente naturalistas.

La temática más habitual en las esculturas romanas es el retrato, en el cual tratan de lograr la excelencia en la identificación del modelo.

Fuente: Augustus of Prima Porta

Arquitectura en el arte romano

El arte romano en arquitectura es la disciplina en la que mejor se manifestó el poder del Estado. La arquitectura romana se basó en la construcción de grandes obras públicas que hasta el día de hoy pueden ser documentadas con mayor facilidad que las esculturas o las pinturas. Los romanos, de hecho, escribieron un tratado teórico de arquitectura en el siglo I a.C., que fue muy importante y significativo para la historia de la arquitectura.

Sin dudas, los anfiteatros, basílicas, termas, arcos del triunfo y circos fueron las tipologías de arquitectura romana que más se conocen. Un ejemplo muy cercano de eso es el Coliseo romano, que se muestra como un ícono del arte romano hasta nuestros días.

Si te fascina la arquitectura del arte romano y quieres aventurarte a recrear alguna de las edificaciones más populares de esta época, estos presets de arquitectura para Adobe 3D MAX te vendrán como anillo al dedo. ¿Qué esperas para descargarlos y poner a prueba tus habilidades?

Fuente: Pexels

Características de la arquitectura romana

La arquitectura romana se caracteriza por:

Uso de arcos, bóvedas y cúpulas, debido a la influencia de los etruscos.

Uso de columna y dintel, proveniente de los griegos.

Uso de hormigón (pleno y en ladrillos).

Diseño de arte romano con pinturas y frescos al interior de los edificios.

Planificación del espacio urbano.

Los principales tipos de edificaciones del arte romano en la arquitectura son los siguientes: las termas, los anfiteatros, los circos, los foros, los arcos del triunfo, las basílicas, los templos, los acueductos y las carreteras.

Fuente: Pexels

Como habrás notado, el arte romano en todas sus expresiones, tanto en pintura, escultura como arquitectura, marcó una época de grandes triunfos para los romanos y comunicó al mundo entero la grandeza y el poderío de su imperio a través de sus majestuosas obras.

Ahora que sabes qué es el arte romano y sabes identificar las características de las principales obras del arte romano en pintura, escultura y arquitectura, seguramente puedes apreciar y comprender mejor la cultura romana. Ahora es tu turno de seguir explorando las múltiples formas que hay para hacer arte.

Si quieres adentrarte en el mundo de la creatividad y el arte, te recomendamos que visites nuestra sección de cursos online de dibujo y pintura, donde seguramente encontrarás el curso ideal para que puedas desarrollar al máximo tus habilidades artísticas mientras te diviertes y pruebas con distintos estilos como el de los colores planos en el arte romano.
¡Arrivederci!

# data[].attributes.attachment_link.title
🏛️ Arte romano: pintura, escultura y arquitectura

# data[].attributes.attachment_link.description
🎨 El arte romano resalta por su color, movimiento y perspectiva. Conoce lo mejor de su pintura, escultura y arquitectura.

# data[].attributes.body
A diferencia del arte griego, la vasta geografía del imperio romano dio lugar a enfoques muy diversos del arte en función de la ubicación. Aunque Roma siguió siendo durante mucho tiempo el centro neurálgico, había varios centros importantes de producción artística que seguían sus propias tendencias y gustos particulares, sobre todo en Alejandría, Antioquía y Atenas.

https://www.worldhistory.org/trans/es/1-10804/arte-romano/

# data[].attributes.attachment_link.description
Los romanos controlaron un imperio tan vasto durante un período tan largo que un resumen del arte producido en esa época solo puede ser breve y selectivo. Sin embargo, tal vez los mayores puntos de…

# data[].attributes.body
La escultura romana combinaba la perfección idealizada de la escultura griega clásica anterior con una mayor aspiración al realismo y mezclaba los estilos predominantes en el arte oriental. Además, los escultores romanos, con sus copias populares de obras maestras griegas anteriores, conservaron para la posteridad obras de incalculable valor que, de otro modo, se habrían perdido por completo para el arte mundial.

https://www.worldhistory.org/trans/es/1-10804/arte-romano/

# data[].attributes.attachment_link.description
Los romanos controlaron un imperio tan vasto durante un período tan largo que un resumen del arte producido en esa época solo puede ser breve y selectivo. Sin embargo, tal vez los mayores puntos de…

# data[].attributes.body
Hércules Farnesio (en italiano: Ercole Farnese) es una escultura en mármol presumiblemente del siglo III d. C., obra del escultor ateniense Glykon. Se trata de la más famosa copia de un original perdido en bronce atribuido a Lisipo, escultor del siglo IV a. C. Se encontró en 1546 en las Termas de Caracalla, en Roma y enseguida pasó a formar parte de la colección de escultura clásica del cardenal Alejandro Farnesio, nieto del papa Pablo III. Durante generaciones decoró el Palacio Farnesio, hasta que en 1787 fue trasladada a Nápoles, junto con toda la colección Farnesio, que se puede contemplar en el Museo Arqueológico Nacional.

# data[].attributes.body
Los pintores romanos (o quizá sus clientes) preferían los colores tierra naturales, como los tonos más oscuros de rojos, amarillos y marrones. Los pigmentos azules y negros también eran populares para diseños más sencillos, pero las pruebas de un taller de pintura de Pompeya ilustran que había disponible una amplia gama de tonos de color.

https://www.worldhistory.org/trans/es/1-10804/arte-romano/

# data[].attributes.body
La escultura en el arte romano, especialmente a partir de la consolidación del Imperio, trajo consigo modelos griegos pero adaptados a la concepción del mundo propia de los romanos. Una concepción mucho más concreta, realista y práctica.

https://www.crehana.com/blog/estilo-vida/arte-romano-pintura/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El arte romano es, sin lugar a dudas, uno de los movimientos artísticos más importantes de nuestra historia y, también, uno de los más fáciles de reconocer debido a sus particulares características y a la fama de las principales obras del arte romano.

Pero ¿sabes en qué se inspiraron los grandes artistas de la Antigua Roma y cuáles son los elementos más representativos del arte romano? ¿Qué es una columna y un dintel? ¿Cuáles son las diferencias entre el arte griego y el arte romano?

¡No te preocupes! Todas estas preguntas serán respondidas a lo largo de este artículo, así que continua leyendo y acompáñanos a conocer las principales características del arte romano en pintura, escultura y arquitectura.
¡Que comience el viaje!
¿Qué es el arte romano?

El arte romano hace referencia al conjunto de manifestaciones artísticas, como la pintura, escultura y arquitectura, desarrolladas en Roma entre el siglo VI a.C. y el IV d.C. Durante este periodo, los romanos se expresaban mediante diversas técnicas asociadas a las artes decorativas y a la construcción de templos y monumentos.

El arte romano así como la cultura romana en sí misma, sientan sus bases sobre un entramado político y social muy complejo. Para comprender mejor el contexto en el que se desarrolló el arte romano y estudiar sus características, viajemos al pasado y veamos cual es el origen del arte romano.

Fuente: Pexels

Origen del arte romano

Tal como lo dice Ricardo Celma, profesor de nuestro curso online de Pintura y dibujo de los grandes maestros, "para que avance el arte, se debe mirar sus historia". Por eso, a continuación, te contaremos un poco acerca de la historia del origen del arte romano.

De acuerdo a la información de la web Masdearte, el arte romano, como su nombre lo indica, tiene origen en Roma y nace a partir de su independencia respecto al poder etrusco, cuando Roma comienza a consolidarse poco a poco como un imperio y el arte comienza a formar una parte esencial en la vida de sus habitantes.

Debido a la expansión de Roma, el arte romano se ve influenciado por las culturas itálicas primitivas, por el arte etrusco y por el arte griego, incorporando elementos culturales de cada pueblo conquistado sus características y conformando así lo que hoy en día conocemos como arte romano.

Además, al expandirse de esa manera, Roma se convierte en un Imperio con un gran poder político y económico, por lo que las familias imperiales comienzan a interesarse por el arte, generando así que los artistas y las obras de arte romano sean muy solicitadas y populares.

Debido a esto, las temáticas que maneja el arte romano se ven fuertemente influenciadas por la política y se centran principalmente en glorificar a personajes históricos influyentes o representar batallas.

¿Te imaginabas que la historia y cultura de un pueblo tenía tanta influencia en su estilo artístico?

Fuente: Mural encontrado en Pompeya en la Casa de Vettii

Características del arte romano

Ahora que conoces el origen del arte romano y comprendes mejor el periodo histórico durante el que tuvo lugar, conozcamos cuáles son las principales características del arte romano:

El arte romano expresa la idea de Roma como centro: el poder de la cultura y el Estado romano son protagonistas.

El arte romano tuvo una gran influencia griega y etrusca a partir de la conquista de los romanos a otros territorios mediterráneos.

Los artistas que trabajaban en el arte romano eran, en su mayoría, griegos que copiaban esculturas de ese origen.

El arte romano, fue más variado y moderno que el arte griego, por lo que tuvo mayor influencia en el arte del Renacimiento y la Edad Media.

Entre las clases altas, los romanos consumían y estimulaban el consumo del arte romano.

El arte romano en arquitectura introdujo nuevas tipologías y géneros al combinar las características del estilo griego y el etrusco.

A diferencia del arte griego, cuyos temas solían ser en su mayoría religiosos o mitológicos, el arte romano exalta a los hombres, gobernadores y políticos.

El arte romano narra y conmemora las batallas de los hombres a través de representaciones como arcos triunfales y columnas conmemorativas.

El arte romano en escultura se manifestó a través de relieves en las tumbas, que representaban situaciones de la vida cotidiana y de la cultura romana.

Las obras del arte romano se creaban siempre con el propósito de cumplir una función.

Fuente: Pexels

Pintura en el arte romano

El arte romano se destaca principalmente por sus obras de arquitectura y escultura, ya que la pintura en el arte romano no fue muy popular y quedan pocos registros pictóricos de este estilo artístico.

Sin embargo, dentro del arte romano en pintura las obras más famosas son aquellas que se pudieron rescatar de la ciudad de Pompeya.

Estas obras rescatadas de arte romano en Pompeya son murales y frescos preservados a partir de la erupción del volcán Vesubio que petrificó la ciudad en el 79 d.C. Las piezas tenían temáticas vinculadas a la vida cotidiana de los romanos, a la cultura y a los dioses romanos.

Dentro de la pintura en el arte romano se distinguen dos corrientes pictóricas o estilos:

Estilo Neoático: Preocupado por la forma humana, resalta temáticas mitológicas y epopeyas.

Estilo Helenístico-Alejandrino: Preocupado por la pintura rural, paisajes y marinas.

Si bien el arte romano en pintura data de muchos siglos atrás, su influencia se mantiene en el estilo de arte romano que da características particulares a las obras creadas después de la caída del Imperio.

Características de la pintura romana

Algunas de las características que destacan al arte romano en pintura son las siguientes:

La técnica de pintura utilizada en el arte romano es la de manchas de color al temple, con colores planos y casi sin mezclas.

En las pinturas de arte romano se plasman situaciones donde intervienen muchos individuos.

La pintura en la cultura romana es muy importante ya que por medio de ella se logró conocer en gran parte cómo vivían los romanos, sus estilos y su sociedad.

En las pinturas del arte romano se trabajaban mucho las siluetas y las figuras sin movimiento ni perspectiva.

La temática predominante es siempre realista, paisajes, personas o escenas bélicas.

Entre los principales representantes del arte romano en pintura se pueden destacar Pietro Cavallini, Arelio, Cornelio Pino y Cayo Fabio Pictor.

Fuente: Retrato La Poetisa de Pompeya

Los cuatro estilos pompeyanos

¿Recuerdas cuando mencionamos que el arte romano está inspirado en sus raíces etruscas y griegas? ¿Y que, además, las obras romanas más famosas son las que se pudieron rescatar de la ciudad de Pompeya? Pues bien, dadas las circunstancias e influencias que rodearon el arte romano, hoy en día podemos mencionar que la pintura romana se desarrolló en forma de cuatro estilos conocidos como estilos pompeyanos:

Gracias al arduo trabajo del historiador de arte y arqueólogo alemán August Mau, quien estudió y clasificó las pinturas romanas de Pompeya, fue como surgió esta clasificación, a partir de los diversos frescos de la ciudad enterrada. Veamos, entonces, cuáles son los cuatros estilos principales de la pintura romana.

Primer estilo: incrustación

El primer estilo o "estilo de incrustación" es el más antiguo del arte romano (del siglo II a.C.). Se llama así porque a menudo se incrustaban piedras (como el mármol o la serpentina) en los muros, así como metales preciosos, en un intento por imitar un modelo arquitectónico o estilo estructural inspirado en la pintura griega.

La incrustación se caracterizaba por tener imágenes que solían extenderse de forma coherente por las distintas paredes de una sala, divididas en tres niveles verticales, de abajo a arriba: el asiento, el ortostato (bloques rectangulares de piedra ubicados en la parte inferior del muro) y la cornisa.

Según el portal ArteEspaña, la incrustación es un estilo romano muy colorista, de aspecto muy lujoso, en el que el muro suele estar dividido en tres:

un zócalo pintado imitando granito,

una zona media imitando mármol y

un remate a modo de cornisa realizada en estuco.

Imagen: leg8.fr.

Segundo estilo: arquitectónico

Como su nombre lo indica, este estilo del arte romano se caracteriza por imitar la arquitectura. Comenzó a principios del siglo I a. C., y se le conoce también como "estilo de perspectiva arquitectónica", ya que trata de encontrar amplitud y profundidad en sus imágenes.

Las pinturas romanas que se encontraron en este estilo hacían ver los espacios mucho más grandes. A menudo, se aprecian ventanas a través de las cuales se pueden observar representaciones que mezclan motivos arquitectónicos, personajes, animales y objetos. A menudo, aparecen también paisajes entre las columnas, lo que le da un aspecto más teatral y la sensación de "realismo".

A esto se le conoce como el arte del trampantojo, una técnica artística con la que se busca engañar la percepción visual. Así, daban profundidad a las estancias que decoraban.

Imagen: algargosarte.blogspot.com

Tercer estilo: mixto u ornamental

El tercer estilo de arte romano apareció a finales del siglo I a. C. y recibe el nombre de " mixto", "ornamental" u "ornamentado''. Aquí vas a darte cuenta cómo los artistas romanos empiezan a reemplazar la perspectiva arquitectónica para experimentar más con los motivos decorativos u ornamentales.

El estilo mixto se da en la época de Augusto y sus sucesores, época en la que los artistas romanos se caracterizaban por romper la coherencia de una sala como obra romana completa, convirtiendo cada pared en un lienzo ampliamente autónomo.

También, se introducen elementos como la representación de paisajes, figuras y escenas mitológicas. Algunos historiadores coinciden en que el estilo ornamental se dio más en la época de Roma que en Pompeya.

Imagen: leg8.fr

Cuarto estilo: ilusionista o escenográfico

A partir de mediados del siglo I d. C., las perspectivas arquitectónicas reaparecen en el arte romano, pero la escenografía se vuelve exuberante, fantástica y excesiva, lo que hace que pierda uniformidad en su estética, según los expertos.

La fantasía desbordada del arte romano en la época de nerón se ve a plenitud en este cuarto estilo o estilo escenográfico porque, en su afán de querer mantener los efectos de la perspectiva arquitectónica, los artistas romanos se enfocaron en multiplicar los ornamentos y aspectos decorativos.

El cuarto estilo también es una mezcla de estilos que ya hemos estudiado, es decir, del segundo y tercer estilo. Pero se diferencia del tercer estilo, por ejemplo, porque trae de vuelta a la escenografía en los muros. Sin embargo, en este momento se prescinde de los vínculos con la arquitectura, dando lugar a edificaciones que tienen un aspecto fantasmagórico y que sirven de escenario para personajes o divinidades que parecen interactuar con los espectadores.

El estilo escenográfico del arte romano aparece en la Domus Aúrea de Nerón y en la casa de los Vettii en Pompeya, así como en frescos llamados por Vitrubio "Megalográficos".

Imagen: http://algargosarte.blogspot.com

Como has dado cuenta, la pintura mural romana mantuvo una evolución gradual. Desde el principio, estuvo destinada principalmente a las paredes de las tumbas y los templos, ya que en aquellos tiempos no se acostumbraba a tener lujos en el hogar.

Sin embargo, con la influencia del helenismo griego que floreció entre las altas esferas de Roma, principalmente, las pinturas murales fueron integrándose a las costumbres romanas.

El portal ArteEspaña menciona, por otra parte, que el retrato se da también desde el siglo I a. C. pero que es en el siglo II cuando se da su proliferación. Es así como destacan los retratos de El Fayum, unos retratos funerarios en tela o en madera que están realizados con la técnica de la encáustica.

¿Te animas a seguir este fascinante recorrido sobre qué es el arte romano? Muy bien. Ahora vamos a enseñarte qué son los retratos de El Fayum y su papel en el arte romano.

Los retratos de El Fayum

Tal como lo describe el periódico La Vanguardia en su titular, estos retratos son como unas "fotos" del antiguo Egipto, toda una joya de la época, cuando Egipto era una provincia romana. Se produjeron entre los siglos I y V en todo Egipto y, pues, no podíamos evitar incluirlos como parte importante del arte romano.

En primer lugar, porque son las únicas pinturas romanas de caballete que se conservan de la antigüedad, con la gran la particularidad de mostrar la mezcla existente entre la cultura romana y egipcia.

Aunque el nombre de El Fayum se utiliza solo por cuestiones de convención, lo cierto es que estos retratos del arte romano se caracterizan por ser pinturas fúnebres pintadas al nivel del rostro de las momias egipcias. Los rostros que aparecen en ellos parecen representar a personas de clases acomodadas, ya que así lo demuestran su ropa y las joyas representadas.

La mayoría de estos retratos están pintados en encáustica, una técnica que utiliza la cera para agregar los pigmentos al cuadro. Sin embargo, también se realizaban en témpera (acuarela) sobre paneles de madera, que eran importados por la escasez de madera en Egipto.

Uno de los rasgos característicos de estos retratos egipcios del arte romano es la desproporción de los ojos en relación con el resto del rostro. Por lo demás, los artistas consiguen replicarlos al tamaño natural, pero, como podrás observar en el ejemplo siguiente, el rostro aparece ligeramente más grande en relación con el resto del cuerpo.

Sin embargo, se supone que servían para decorar a las momias en el arte fúnebre, lo que durante un tiempo puso en duda la pertinencia del término "retrato". Pero algunos estudios de estas pinturas romanas demostraron que fueron pintadas antes de que las personas fallecieran, ya que en muchas de ellas se encontraron restos de yeso o marcas de marcos, por lo que podrían haber sido utilizadas como retratos en vida de las personas.

Imagen: leg8.fr

Escultura en el arte romano

La escultura en el arte romano, especialmente a partir de la consolidación del Imperio, trajo consigo modelos griegos pero adaptados a la concepción del mundo propia de los romanos. Una concepción mucho más concreta, realista y práctica.

La característica principal del arte romano en escultura fue la introducción de dos géneros: el retrato y el relieve narrativo.

El retrato en las esculturas de arte romano pasó de ser más rígido y austero a tener una tendencia idealizadora de los personajes. Aunque, hacia el final del Imperio, las esculturas de los romanos eran mucho más detalladas y expresivas, buscando reproducir la realidad de manera natural.

Con respecto a los relieves narrativos en las esculturas de arte romano, estos representaban glorias militares de los emperadores romanos, siendo plasmadas en altares y arcos del triunfo.

Aun en la actualidad, podemos notar la influencia del arte romano en las esculturas tridimensionales que se producen de manera digital y al pensar en esculturas, lo primero que viene a la mente de muchos son las famosas obras de escultura del arte romano.

Si quieres conocer más acerca de las principales obras del arte romano, puedes hacer una visita virtual al Museo Nacional de Arte Romano en Mérida, España. ¡Puedes descargar la app completamente gratis!

Características de la escultura romana

Las esculturas del arte romano siempre tenían una utilidad. Cumplían una función narrativa, descriptiva o conmemorativa.

La escultura romana muestra energía y movimiento para mostrar el poder de los generales y los emperadores.

Por lo general, las esculturas del arte romano eran obras anónimas y extremadamente naturalistas.

La temática más habitual en las esculturas romanas es el retrato, en el cual tratan de lograr la excelencia en la identificación del modelo.

Fuente: Augustus of Prima Porta

Arquitectura en el arte romano

El arte romano en arquitectura es la disciplina en la que mejor se manifestó el poder del Estado. La arquitectura romana se basó en la construcción de grandes obras públicas que hasta el día de hoy pueden ser documentadas con mayor facilidad que las esculturas o las pinturas. Los romanos, de hecho, escribieron un tratado teórico de arquitectura en el siglo I a.C., que fue muy importante y significativo para la historia de la arquitectura.

Sin dudas, los anfiteatros, basílicas, termas, arcos del triunfo y circos fueron las tipologías de arquitectura romana que más se conocen. Un ejemplo muy cercano de eso es el Coliseo romano, que se muestra como un ícono del arte romano hasta nuestros días.

Si te fascina la arquitectura del arte romano y quieres aventurarte a recrear alguna de las edificaciones más populares de esta época, estos presets de arquitectura para Adobe 3D MAX te vendrán como anillo al dedo. ¿Qué esperas para descargarlos y poner a prueba tus habilidades?

Fuente: Pexels

Características de la arquitectura romana

La arquitectura romana se caracteriza por:

Uso de arcos, bóvedas y cúpulas, debido a la influencia de los etruscos.

Uso de columna y dintel, proveniente de los griegos.

Uso de hormigón (pleno y en ladrillos).

Diseño de arte romano con pinturas y frescos al interior de los edificios.

Planificación del espacio urbano.

Los principales tipos de edificaciones del arte romano en la arquitectura son los siguientes: las termas, los anfiteatros, los circos, los foros, los arcos del triunfo, las basílicas, los templos, los acueductos y las carreteras.

Fuente: Pexels

Como habrás notado, el arte romano en todas sus expresiones, tanto en pintura, escultura como arquitectura, marcó una época de grandes triunfos para los romanos y comunicó al mundo entero la grandeza y el poderío de su imperio a través de sus majestuosas obras.

Ahora que sabes qué es el arte romano y sabes identificar las características de las principales obras del arte romano en pintura, escultura y arquitectura, seguramente puedes apreciar y comprender mejor la cultura romana. Ahora es tu turno de seguir explorando las múltiples formas que hay para hacer arte.

Si quieres adentrarte en el mundo de la creatividad y el arte, te recomendamos que visites nuestra sección de cursos online de dibujo y pintura, donde seguramente encontrarás el curso ideal para que puedas desarrollar al máximo tus habilidades artísticas mientras te diviertes y pruebas con distintos estilos como el de los colores planos en el arte romano.
¡Arrivederci!

# data[].attributes.attachment_link.title
🏛️ Arte romano: pintura, escultura y arquitectura

# data[].attributes.attachment_link.description
🎨 El arte romano resalta por su color, movimiento y perspectiva. Conoce lo mejor de su pintura, escultura y arquitectura.

# data[].attributes.body
Heredera del arte etrusco y la pintura griega, se presentan así las grandes composiciones del imperio romano.

La pobreza de los materiales arquitectónicos utilizados en las construcciones romanas hizo posible un desarrollo de la pintura mural, sin embargo no sólo se desarrolló este tipo de pintura sino que la pintura sobre caballete fue frecuente entre las clases altas del Imperio romano.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Heredera del arte etrusco y la pintura griega, se presentan así las grandes composiciones del imperio romano. Pintores como Zeuxis, Apeles, Parraísos, Euponpos o Polignotos fueron grandes maestros de los que bebió la pictórica romana. La pobreza de los materiales arquitectónicos utilizados en las construcciones romanas hizo posible un desarrollo de la pintura mural. Sin embargo no sólo se desarrolló este tipo de pintura de grandes dimensiones si no que la pintura sobre caballete fue frecuente entre las clases altas del Imperio romano.

La pintura se desarrolla fundamentalmente a partir del siglo III a.C. y evoluciona con evidente homogeneidad hasta el siglo V d.C., a través de las etapas que van señalando su evolución política: República (hasta el año 27 a.C.), Alto Imperio (hasta el siglo III d.C.) y Bajo Imperio (siglos IV y V d.C.).

Dos nombre destacan como precursores de la pintura histórica romana: Fabius Oictor y Pacuvius. El primero, apenas conocido, vivió cerca del 300 a.C. y sus crónicas nos hablan de las pinturas que realizó en algunos templos como el de Salus en el Quirinal. Estas pinturas hacían referencia a la segunda guerra samnítica y de ellas no quedan más que referencias de Dionysios de Halicarnaso. El segundo pintor hacía las veces de poeta y al venir de Brindisi, se le podía considerar semihelénico. Nada sabemos de su producción artística aunque podemos imaginar que su tendencia hacia lo griego sería determinante.

Estos dos pintores nos remiten a un tipo de pinturas históricas en las que las representaciones batallísticas y las conmemoraciones de victorias serían los temas más frecuentes.

Se destaca de estos primeros años de la pintura romana la que denominamos 'geográfica'. Este tipo de pintura aludía a la necesidad de Roma por conocer los nuevos lugares conquistados. Un ejemplo sería el realizado en el siglo II a.C. sobre Cerdeña en el que se figuraban los hechos principales, riquezas o monumentos mediante pequeños cuadritos. Existían a mediados de este siglo II a.C. los llamados pintores de lugares campestres a modo de cartógrafo. En ellos se describían los países en forma panorámica, vistos desde lo alto.

Otro tipo de pintura en el periodo de la Republica romana fue el tipo decorativo. El uso de materiales pobres en los edificios como el hormigón, el sillarejo, ladrillos o mampostería, obligaban a colocar sobre ellos un revestimiento. Para ello las paredes se enlucían con una capa de blanco y fino estuco que posteriormente se pulía. El estuco era mármol reducido a polvo que se mezclaba con cal o cola para su adhesión a la pared.

La técnica de las pinturas murales producidas dentro de las casas romana está inspirada en la tectónica griega, es decir, la división del muro en tres partes: Zócalo, superestructura y zona intermedia. Ampliándose más tarde con frisos y platabandas. Otra innovación de la pintura romana es la apertura del muro mediante una perspectiva pintada en forma de ventana abierta en la cual se introducían los personajes de dos formas: Mediante pequeños cuadros figurados ó bien colocando a los personajes sobres los zócalos a modo de espacio teatral.

La propagación de esta pintura decorativa se da por las ansias de lujo interior y suntuosidad que las clases pudientes romanas buscaban para sus viviendas. La ausencia de muebles y los grandes espacios de patios y estancias hacían necesario estos revestimientos, permitían así crear efectos con mayor facilidad y con menos coste.

A pesar de la gran cantidad sitios en los que se desarrolló la pintura, es cierto que la que ha llegado hasta nosotros no es representativa de toda la época romana. Los ejemplos se reducen a un tiempo y a una localización geográfica determinada. La mayoría de ejemplos proceden de las dos ciudades sepultadas por la erupción del Vesubio: Pompeya y Herculano, ambas en los alrededores de Nápoles. De Roma, la gran urbe, apenas tenemos. La amplitud cronológica se marca durante dos siglos, con fin en el año 79 con la catástrofe volcánica. Más allá de esta fecha los restos son prácticamente nulos, si bien sabemos de decoraciones en tiempos de Adriano como alguna bóveda en cámara funeraria o el comienzo de las pinturas de las Catacumbas cristianas.

Los autores de estas pinturas fueron simples artesanos con una destreza especial, los cuales conocían los repertorios de la gran pintura griega y la técnica utilizada era al fresco aplicando los colores a la pared recién enlucida y húmeda, con ellos conseguían que al aplicar las tintas de los colores, estos penetraran creando una capa gruesa. En ocasiones se pintaba directamente en seco si el enlucido se había secado.

-Primer estilo Pompeyano o de incrustación (siglos II a.C. y I a.C.): el más antiguo, imita revestimientos de mármoles.

Consiste en la simulación de paredes marmóreas y jaspes veteados a las construidas con sillares labrados. El color de estos mármoles ficticios figura altos zócalos, pilastras adosadas frisos o columnas exentas. Son grandes composiciones murales copiadas de los efectos producidos por los revestimientos reales de mármol.

-Segundo estilo Pompeyano o arquitectónico o de perspectiva (del siglo I a.C. al I d.C.): los muros se adornan con representaciones arquitectónicas fingidas e intentos de perspectiva; también se introducen temas figurados, paisajes y bodegones.

En este estilo se utilizan juegos de luces y sombras que crean relieves. Igualmente se forman líneas de fuga en los elementos pintados que asemejan estar exentos de la pared. Se crea una perspectiva de paisaje externo a la estancia en la que se coloca la pintura, así pues se simulan paisajes bucólicos a través de ventanales en los que se introducían casas romanas y por primera vez personajes. Éstos eran representados en escenas mitológicas o de género.

-Tercer estilo Pompeyano u ornamental o de paredes reales (contemporáneo del anterior): Elementos arquitectónicos en primer plano, subrayando el muro y haciendo un efecto de ventana. La arquitectura introduce guirnaldas y amorcillos en escenas generalmente amarillas sobre fondos oscuros.

Este tercer estilo fue efímero puesto que las innovaciones del cuarto pronto se impusieron. Vemos la inclusión de elementos no arquitectónicos como amorcillos que sostienen guirnaldas formando frisos irreales. Llega a su fin en tiempos de Nerón con pinturas en la Domus Áurea como obra cumbre.

-Cuarto Estilo Pompeyano o de iluminismo arquitectónico (siglo I d.C.): Se retoma la perspectiva del segundo período pero se usan más colores y más elementos decorativos, incorporando formas arquitectónicas muy diversas, recuadros con escenas mitológicas y paisajes imaginarios.

La técnica utilizada en estas nuevas pinturas buscaba los efectos irreales y sorprendentes dejando a un lado la pericia y el preciosismo anterior. Las simulaciones arquitectónicas decaen a favor de composiciones fantásticas, irreales y mágicas que no contienen una realidad objetiva.

Las obras más importantes se concentran en las dos ciudades italianas con la casa de Lucretius Fronto o la casa de los Vetii ambas en Pompeya. En Roma son fabulosos los corredores pintados y las grandes salas de la Domus de Nerón que también agrupa el tercer y cuarto estilo.

La pintura sobre tabla debió ser habitual, como ocurría en Grecia, pero al tratarse de materiales perecederos no se ha conservado, salvo casos excepcionales, como los Retratos de El Fayum, de una necrópolis egipcia del siglo II.

Estos retratos representan, muy a menudo, a personas jóvenes, en muchos casos se ha comprobado que más jóvenes que los difuntos, por lo que debían ser retratos que el fallecido se había hecho en vida.

El mosaico era la decoración lograda por medio de pequeñas piezas de piedra, terracota o vidrio (las teselas), con las que se formaban decoraciones de motivos geométricos o figurados. Se utilizaban para la decoración de los suelos, aunque en algunos casos, en viviendas de extrema riqueza, aparece en las paredes. Encontramos varios tipos, dependiendo del tamaño de las táselas:

el más rudimentario, imita labores de mármoles o piedra mediante grandes piezas, fragmentos de distinto tamaño de mármol que se acoplan formando un dibujo de tema figurativo o composiciones geométricas (círculos, cuadrados, formando diferentes composiciones).

- Opus Tessellatum: cuando el tamaño de las teselas es superior a 1 cm. Mediante estas pequeñas tesellas, se forman escenas, desarrollando verdaderas composiciones pictóricas.

LECTURAS RECOMENDADAS Y BIOGRAFÍA:

# data[].attributes.attachment_link.title
LA ANTIGUA ROMA Y SUS ARTES PLÁSTICAS (CONTINUACIÓN)

# data[].attributes.attachment_link.description
LA PINTURA División del Imperio Romano para el año 264. Separándose así en Roma y Constantinopla Heredera del arte etrusco y l...

# data[].attributes.body
Los temas más populares incluían escenas de mitología, competiciones de gladiadores, deportes, agricultura, caza, comida, flora y fauna, y a veces incluso retrataban a los propios romanos con gran detalle y realismo.

https://www.worldhistory.org/trans/es/1-10804/arte-romano/

# data[].attributes.body
Los romanos desarrollaron el relieve, una técnica escultórica que consiste en crear la figura sobre paredes y muros. Emplearon el bajorrelieve, con figuras que sobresalían ligeramente de la superficie plana, y el altorrelieve, con mayor profundidad y volumen. Los relieves eran realizados sobre edificios públicos y monumentos con el propósito de narrar eventos históricos.

# data[].attributes.attachment_link.description
Arte Románico ✓ Te explicamos qué es el arte románico, en qué se basa y los materiales que utiliza. Además, cuáles son sus características y ejemplos…

# data[].attributes.body
Los romanos prefirieron el bronce y el mármol por encima de todo para sus mejores obras. Sin embargo, como el metal siempre fue muy demandado para su reutilización, la mayoría de los ejemplos de escultura romana que se conservan son de mármol.

https://www.worldhistory.org/image/1178/sleeping-hermaphrodite/

# data[].attributes.attachment_link.description
A Roman marble sculpture of a sleeping hermaphrodite displaying both male and female anatomy. A mid-2nd century CE copy of mid-2nd century BCE bronze original from Asia Minor. (Palazzo Massimo, Rome).

# data[].attributes.body
Es posible que no exista una denominación para un periodo artístico más generalista que el concepto de prerrománico. La palabra hace referencia a un supuesto estilo homogéneo que se dio en Europa en la época que comprende desde la caída del imperio romano hasta la aparición del primer románico, en el siglo XI.

https://psicologiaymente.com/cultura/arte-prerromanico

# data[].attributes.attachment_link.title
Arte Prerrománico: qué es y cuáles son sus características

# data[].attributes.attachment_link.description
Te explicamos qué es el Arte Prerrománico como forma artística medieval y el contexto en el que este concepto fue desarrollado.

# data[].attributes.body
La expresión arte prerrománico no abarca una realidad homogénea. La expresión fue inventada en el siglo XIX para referirse a manifestaciones artísticas que se suceden en Europa desde las invasiones bárbaras del Imperio hasta la formación del arte románico en los siglos V al X, durante la Alta Edad Media.

# data[].attributes.body
Los artesanos que trabajaban en la Edad Media no eran conscientes, por supuesto, de que pertenecían a un estilo que más adelante se denominará románico. La falta de consenso de la historiografía actual con respecto a qué comprende el término románico y la clasificación de los periodos que lo constituyen, hace que, a la postre, sea extremadamente difícil acotar también los límites del término prerrománico.

Si seguimos la teoría de Gerville y consideramos que el románico empieza con la caída del imperio romano, entonces deberíamos denominar prerrománico al arte que se realiza durante la época romana e incluso anterior, lo que resulta realmente absurdo. https://psicologiaymente.com/cultura/arte-prerromanico

# data[].attributes.attachment_link.title
Arte Prerrománico: qué es y cuáles son sus características

# data[].attributes.attachment_link.description
Te explicamos qué es el Arte Prerrománico como forma artística medieval y el contexto en el que este concepto fue desarrollado.

# data[].attributes.body
De todo ello, una de las cosas que se deduce es la artificialidad de algunos términos. Tal y como sostiene Gombrich en su inmortal obra La historia del arte los años comprendidos entre el final de Roma y la llegada del románico no dieron como fruto un estilo homogéneo, más bien al contrario. Estamos en una Europa fragmentada, en la que la unidad del imperio no es más que un vago recuerdo.

https://psicologiaymente.com/cultura/arte-prerromanico

# data[].attributes.attachment_link.title
Arte Prerrománico: qué es y cuáles son sus características

# data[].attributes.attachment_link.description
Te explicamos qué es el Arte Prerrománico como forma artística medieval y el contexto en el que este concepto fue desarrollado.

# data[].attributes.body
Se buscaba plasmar una belleza sensible dada por las formas, colores, composición, etc., y otra belleza invisible dada por el simbolismo. El arte se entendía como abstracción y manifestación de belleza divina

https://ateneovalencia.es/noticias/la-pintura-en-el-edad-media-simbolismo-religiosidad-y-composiciones-no-realistas

# data[].attributes.body
A modo de conclusión, podemos afirmar que el arte prerrománico no existe. El término supone, como tantos otros, una denominación completamente artificial, creada para unificar una época y unos estilos que, en realidad, poco o nada tienen que ver unos con otros. Porque, si bien es cierto que, como ya hemos visto, estas corrientes se influyen mutuamente, no hay nada que pueda inducirnos a considerar el arte creado en los primeros siglos medievales como un todo homogéneo.

Por otro lado, el término prerrománico supone la existencia de un románico, que ya hemos visto que también causa confusión y debate entre los eruditos. En cada territorio europeo se dio un románico concreto y diferente que, a pesar de compartir elementos comunes, poseía unas características propias y singulares.

https://psicologiaymente.com/cultura/arte-prerromanico

# data[].attributes.attachment_link.title
Arte Prerrománico: qué es y cuáles son sus características

# data[].attributes.attachment_link.description
Te explicamos qué es el Arte Prerrománico como forma artística medieval y el contexto en el que este concepto fue desarrollado.

# data[].attributes.body
Es sobre todo un arte religioso; todo está al servicio de la religión (la arquitectura, escultura y pintura), para transmitir el mensaje de Dios, a quienes no sabían leer ni escribir, que eran la mayoría de la población. Es un arte simbólico.

https://iesrdguezmonino.educarex.es/portfolio/arte/caractersticas1.html#:~:text=Sus%20caracter%C3%ADsticas%20principales%20son%3A,Es%20un%20arte%20simb%C3%B3lico.

# data[].attributes.body
Como arte prerrománico se entiende el conjunto de obras realizadas durante los siglo VIII, IX y X en el terreno de la pintura, la escultura y muy especialmente la arquitectura, en las que se fragua el lenguaje formal del arte románico pleno.

https://masdearte.com/movimientos/arte-prerromanico/

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
masdearte. Información de exposiciones, museos y artistas

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Como arte prerrománico se entiende el conjunto de obras realizadas durante los siglo VIII, IX y X en el terreno de la pintura, la escultura y muy especialmente la arquitectura, en las que se fragua el lenguaje formal del arte románico pleno.

Engloba distintas manifestaciones artísticas: el carolingio, el otomano, el lombardo, el asturiano y el mozárabe españoles.

El arte carolingio, realizado bajo el reinado de Carlomagno, conoce un renacimiento del lenguaje clásico, mezclado con abundantes elementos bizantinos. En arquitectura se ponen a punto muchos elementos que cristalizarán en el románico, como el crucero, los ábsides contiguos, el arco perpiaño, el deambulatorio y el pilar compuesto. El edificio más importante de este estilo es el palacio de Carlomagno en Aquisgrán, donde la herencia bizantina se conjuga con un sentido del equilibrio propio del mundo clásico. La escultura carolongia destaca por su carácter plano y esquemático. Se producen marfiles de gran calidad, muy influidos por las formas del clasicismo, y también tiene gran importancia la orfebrería, de la que es buen ejemplo el altar de San Ambrosio de Milán. El libro y la miniatura tienen gran desarrollo y se distinguen distintas escuelas: el taller de Aquisgrán o escuela palatina está muy influido por Bizancio y se caracteriza por sus trazos rápidos y nerviosos. También la escuela de Reims destaca por el vigor y la agitación de sus escenas, aunque se diferencia de la anterior en su débil policromía. Los códices más ricos, como el Salterio de Utrech, pertenecen a la escuela de Tours. Bajo el dominio carolingio actúan también las cuadrillas de arquitectos lombardos, maestri comacini, que se desplazan por Europa extendiendo su repertorio de formas: bóvedas de aristas muy perfeccionadas, alternancia de columnas y pilares en la nave mayor y fajas decorativas y arquillos ciegos en el exterior de los edificios. Las aportaciones orientales más importantes en arquitectura proceden de Armenia y Georgia.

En estas regiones aparecen las nervaduras o arcos de refuerzo para el sostenimiento de las bóvedas. La finalidad constructiva de estos arcos los convierte en el precedente más inmediato de la bóveda de ojivas, fundamento de la arquitectura gótica.
El arte prerrománico en España. Agrupa a tres conjuntos diferenciados: el arte hispanovisigodo (siglos V y VIII), el arte asturiano (siglos VIII - IX) y el arte mozárabe (siglo X), teniendo todos en común la utilización de técnicas y motivos decorativos de origen paleocristiano junto con tradiciones artísticas de origen germano. El arte hispanovisigodo se caracteriza por ser una simbiosis de la tradición romana local con una fuerte influencia bizantina. Entre sus rasgos más peculiares encontramos el arco de herradura, desarrollado como propio por la arquitectura hispanomusulmana, y el uso de temas decorativos de origen clasicista. El arte asturiano pretende mantener la herencia visigoda y son importantes sus obras arquitectónicas, tanto de época de Alfonso II, San Julián de Prados, como de Ramiro I: Santa María del Naranco y San Miguel de Lillo. Son relevantes los restos de pintura mural que reproducen modelos bizantinos y muestran una fuerte impronta oriental, y su orfebrería denota la persistencia de la tradición hispanovisigoda, añadiendo técnicas más desarrolladas propias de los talleres carolingios. El arte mozárabe o de repoblación, gusta también del arco de herradura de gran peralte y al tratarse de un arte desarrollado por los cristianos bajo el estado hispanomusulmán de al-Andalus, toman de ellos la concepción espacial fuertemente compartimentada y sus diferentes soluciones para las bóvedas. Las obras pictóricas muestran un gran desarrollo siendo numerosos los ejemplos de manuscritos iluminados, entre los que destacan los Beatos, Biblias, códices y crónicas: la Biblia de San Isidoro de León y el Códice Emilianense.

# data[].attributes.attachment_link.description
Como arte prerrománico se entiende el conjunto de obras realizadas durante los siglo VIII, IX y X en el terreno de la pintura, la escultura y muy especialmente la arquitectura, en las que se fragua el lenguaje formal del arte románico pleno. Engloba distintas manifestaciones artísticas: el carolingio, el otomano, el lombardo, el asturiano y el mozárabe españoles.

# data[].attributes.body
La hoja de oro o pan de oro, era la más frecuente. Para asegurar la calidad del oro, los contratos catalanes especifican a menudo que sea de florín de Florencia, una moneda medieval de oro de 24 quilates –es decir de oro puro– y de uso bastante extendido en los países de la Europa Occidental. La hoja de oro fino podía ser más gruesa y pesada, y entonces resultaba dos veces más cara que el pan de oro más empleado habitualmente porque era más duradero y menos vulnerable al desgaste superficial.

https://blog.museunacional.cat/es/el-oro-y-el-dorado-en-el-arte-medieval/

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Blog del Museu Nacional d'Art de Catalunya

# data[].attributes.attachment_link.description
Mireia Mestre Las cualidades del oro, el color amarillo luminoso, la ductilidad y el hecho de ser inalterable, han sido idóneas, no solo para acuñar monedas, sino también para su utilización en el …

# data[].attributes.body
Es un arte simbólico. Todo transmitía un mensaje, así por ejemplo las iglesias románicas tienen planta de Cruz latina, recordando la Cruz en la que murió Cristo; los ángeles se representan como personajes con cabellos largos, bellos rostros y grandes alas, los demonios con figuras grotescas y terroríficas.

https://iesrdguezmonino.educarex.es/portfolio/arte/caractersticas1.html#:~:text=Sus%20caracter%C3%ADsticas%20principales%20son%3A,Es%20un%20arte%20simb%C3%B3lico.

# data[].attributes.body
En el prerrománico hay determinadas características comunes, como la relativa ausencia de grandes programas arquitectónicos (incluso la reutilización de edificios anteriores y de sus elementos arquitectónicos), la escasez de esculturas de gran tamaño, la predilección por la orfebrería y la ilustración de manuscritos]​

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Colaboradores de los proyectos Wikimedia

# data[].attributes.attachment_link.title
Arte prerrománico - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
El arte prerrománico[1]​ es la denominación historiográfica del primer gran período del arte medieval en Europa Occidental, coincidente en el tiempo con la Alta Edad Media (siglos VI al X —o desde finales del siglo V a comienzos del siglo XI—). Fue acuñada por Jean Hubert[2]​ en 1938 (L’Art préroman).[3]​

# data[].attributes.body
Arte que se mantendrá vivo desde los inicios del siglo XI hasta buena parte del siglo XIII.

https://iesrdguezmonino.educarex.es/portfolio/arte/caractersticas1.html#:~:text=Sus%20caracter%C3%ADsticas%20principales%20son%3A,Es%20un%20arte%20simb%C3%B3lico.

# data[].attributes.body
las hojas metálicas se pintaba con color opaco, se podían utilizar herramientas de madera o marfil con punta roma para raspar suavemente la pintura y hacer aparecer el oro, creando un ritmo dorado-policromo. Para conseguir efectos de transparencia sobre el oro, se aplicaban a pincel lacas transparentes coloridas. Para dorar ornamentos sobre la capa pictórica se doraba con oro de coquilla, hojas de oro triturado, que se adhería con algún tipo de a aglutinante y se aplicaba a pincel

https://blog.museunacional.cat/es/el-oro-y-el-dorado-en-el-arte-medieval/

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Blog del Museu Nacional d'Art de Catalunya

# data[].attributes.attachment_link.description
Mireia Mestre Las cualidades del oro, el color amarillo luminoso, la ductilidad y el hecho de ser inalterable, han sido idóneas, no solo para acuñar monedas, sino también para su utilización en el …

# data[].attributes.body
El arte Románico coincidió con la Sociedad Feudal, el resurgir del monasterio de Cluny, el culto a las reliquias, las peregrinaciones y las cruzadas.

https://iesrdguezmonino.educarex.es/portfolio/arte/caractersticas1.html#:~:text=Sus%20caracter%C3%ADsticas%20principales%20son%3A,Es%20un%20arte%20simb%C3%B3lico.

# data[].attributes.body
La escultura queda limitada a una función decorativa discreta, en capiteles  clásicos donde la piedra toma protagonismo en lugar del marmol y se percibe un retroceso encuanto a la forma.

Durante todo el imperio carolingio se hizo uso de la imagen como propaganda política ademas que se heredo los modelos romanos y algunas de sus técnicas como la de cera perdida;tuvo intención retratista y realista ejemplo de esto  en numismática, Carlomagno aparece  de perfil, por su dignidad con corona de laurel demostrando una tipologia ecuestre de maxima  autoridad de poder militar que se deduce al dominar el animal.

https://htt429.wordpress.com/2016/10/29/arte-preromanico/

# data[].attributes.body
A nivel de la pintura,se trataron temas sacros como profanos, de los cuales quedan pocos fragmentos, pero de extraordinario valor, en Saint-Germain de Auxerre y en la cripta de San Máximo de Tréveris, así como las pinturas de San Juan de Müstair son ejemplo del nivel pictorico que se desarrollo.

El único mosaico fue mandado construir en un ábside de un oratorio de Germigny-des-Prés.

https://htt429.wordpress.com/2016/10/29/arte-preromanico/

# data[].attributes.body
Los "materiales de dibujo prerrománico" se refieren más a las técnicas y pigmentos utilizados para dibujar en la época prerrománica, no a un conjunto específico de materiales de dibujo tal como lo entendemos hoy. Los artistas prerrománicos habrían utilizado tintas o carboncillos para el dibujo, a menudo sobre pergamino o papiro, y para pintar y decorar, emplearían pigmentos naturales como el ocre o la tierra, aglutinados con medios como la goma.

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Colaboradores de los proyectos Wikimedia

# data[].attributes.attachment_link.title
Arte prerrománico - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
El arte prerrománico[1]​ es la denominación historiográfica del primer gran período del arte medieval en Europa Occidental, coincidente en el tiempo con la Alta Edad Media (siglos VI al X —o desde finales del siglo V a comienzos del siglo XI—). Fue acuñada por Jean Hubert[2]​ en 1938 (L’Art préroman).[3]​

# data[].attributes.body
El arte medieval se expresó en muy distintos medios a través de diferentes disciplinas artísticas, técnicas y géneros: arquitectura, escultura, orfebrería, manuscritos ilustrados (la miniatura y la caligrafía), frescos, pintura en tabla, mosaicos, y un largo etcétera, en el que se incluyen artes y oficios no incluidos habitualmente en las bellas artes, como la confección de la indumentaria medieval.

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_medieval

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Colaboradores de los proyectos Wikimedia

# data[].attributes.attachment_link.title
Arte medieval - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
El arte medieval [[1]] es una etapa de la historia del arte que cubre un prolongado período para una enorme extensión espacial.[1]​ La Edad Media —del siglo V al siglo XV— supone más de mil años de arte en Europa, el Oriente Medio y África del Norte. Incluye distintos períodos, cuya valoración est…