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Pintura rupestre de Altamira España, se remonta tambien al año 15000 a.C.

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Con la aparición de las primeras civilizaciones, viene las primeras manifestaciones de arte, atreves de pinturas rupestres, esculturas y objetos decorativos nuestros ancestros que cuentan su vida y entorno .

Todo tallado en madera, sílex, hueso o piedra, o pintado en esta última mediante polvo de hemetita y otros pigmentos similares.

Presenta siempre un profundo significado religioso, ya que lo místico o mitológico era un componente fundamental de relación del ser humano con la realidad circundante.

Tiende siempre a la abstracción, la estilización, el simbolismo y el esquematismo, alejándose de las pretensiones realistas.

En el caso del arte rupestre, se hallaba en las paredes externas o superficiales de las cuevas y representa escenas de caza o símbolos indescifrables.

Fueron tres categorías las cuales destacaron en esta era:

ARTE RUPESTRE: Pinturas y grabados en cueva que representaban animales, seres humanos y patrones geométricos posiblemente con un significado ceremonial o espiritual.

1. Ocre Rojo y Amarillo

Uno de los materiales pictóricos más utilizados en la Prehistoria fue el ocre. El ocre es un pigmento natural disponible en varios tonos, siendo el rojo y el amarillo los más utilizados. Mediante una cuidadosa extracción y molienda, los primeros humanos fueron capaces de producir pigmentos en polvo que podían utilizarse para crear colores vibrantes en las paredes de las cuevas, rocas y otras superficies. El ocre proporcionaba un medio versátil que podía mezclarse con agua, grasa o grasa animal para hacer pintura.

2. Carbón vegetal

El carbón vegetal era otro material utilizado a menudo en la pintura prehistórica. Los primeros humanos quemaban madera o huesos para producir carbón vegetal, que luego se podía moler para crear un fino pigmento negro. El carbón vegetal era especialmente adecuado para crear expresiones audaces y dramáticas en las obras de arte, ya que proporcionaba un marcado contraste con los tonos más claros de los pigmentos ocres.

3. Arcilla

La arcilla también se utilizaba como material pictórico durante esta época. Mezclando arcilla con tintes y pigmentos naturales, los primeros humanos podían producir pintura con una consistencia más espesa. Esto les permitiría crear diseños texturados y tridimensionales sobre superficies como la cerámica y los abrigos rocosos. Las pinturas a base de arcilla eran especialmente populares por su durabilidad y longevidad.

4. Grasa animal

La grasa animal desempeñaba un papel crucial no sólo como aglutinante de los pigmentos, sino también como elemento protector en las pinturas prehistóricas. Mezclar pigmentos con grasa animal permitía a los primeros humanos crear sustancias adhesivas y capas selladoras, que ayudaban a las obras de arte a resistir factores ambientales como la humedad y el deterioro. La grasa animal actuó como conservante natural, ayudando a preservar las pinturas durante miles de años.

5. Herramientas de hueso y piedra

A la hora de aplicar la pintura, los artistas prehistóricos utilizaban diversas herramientas hechas de huesos y piedras. Estas herramientas, como pinceles, espátulas o incluso dedos, se utilizaban para manipular los pigmentos y crear diseños intrincados. La selección de distintas herramientas

PALEOLITICO: Caracterizo por el uso de herramientas muy rudimentarias(como la piedra tallada).

Las herramientas de piedra fueron los primeros artefactos culturales que los historiadores emplearon para reconstruir la vida de los seres humanos durante el Paleolítico. Además, se encontraron vestigios de pinturas rupestres en las cavernas con escenas de recolección de frutos y de prácticas de cacería que se realizaban en grupos.

MESOLITICO:Durante el mesolítico abunda el arte de tipo pospaleolítico, que expresa nuevos motivos frente a un mundo cambiante y que resulta muy difícil de datar. Suele consistir en arte parietal y objetos personales.

Se caracterizó por la aparición de formas geométricas y de cierta racionalidad. Este arte rupestre exhibe ya formas esquemáticas para representar el movimiento, junto a símbolos y signos como flechas, soles o puntos.
NEOLITICO: Aquí se introdujo el cultivo de cereales y la domesticación animal, con esto comenzaron con una economía mas productiva. Neolítico puede ubicarse temporalmente entre el 8000 a. C. y el 4500 a. C., dependiendo del desarrollo histórico de la sociedad en cuestión. El fin del periodo se vincula directamente con la aparición de la escritura y las organizaciones políticas centralizadas que dan inicio a la Edad Antigua de la periodización tradicional, entre el 3000 a. C. y el 500 a. C., según la región.

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Las pinturas de la cueva Lascaux, creadas en el año 15000 a.C,son quizás las mas famosas del arte rupestre, estás representaban animales como caballos o bisontes.

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Representacion en una de las cuevas de Europa donde se ve dibujado animales como los bisontes y alces.

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Arte pictórico Egipcio, Nefertari.  Jugando al ajedrez. Usaban las figuras como protagonistas de sus historias y la simbología como narración, trata de ser un arte representativo y a la vez simbólico.

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El hombre avanzo y se modernizo.

Las primeras características del arte incluyo la función religiosa, la representación simbólica, la creencias de la época y la cultura (poder, reyes, dioses, seres humanos, animales, mitologías y leyendas).

Hubo distintas civilizaciones, encontramos el arte Egipcio (h. 5300 - 30 a.c), Mesopotámico (h. 4000 - 539 a.c), Griego (h. 1000 - 320 a.c), y Romano (h. 400 a.c - 476 d.c), entre otras.

En el estilo pictórico Egipcio predomina la simplicidad, que se logra con la figuración, la misma se elabora con un tipo de dibujo lineal y colores planos, que está más delimitada. Además, son muy importantes los símbolos (de dioses y faraones), y la narrativa de ciertas temáticas, por lo que se buscaba la claridad en el mensaje.

La pintura se utilizaba para decorar las paredes de templos y tumbas, así como para ilustrar papiros.
Una técnica muy empleada fue la del fresco (pintura mural).

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Arte pictórico Mesopotámica. Era de preocupación para ellos las constantes guerras. De tal manera que el arte mesopotámico se dedicó, en gran medida, a glorificar aquellas victorias militares.

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El arte mesopotámico se caracteriza por los detalles que envuelven a su cultura, uno de los roles más importantes que se presentaban era la religión, en este sentido las edificaciones se fundamentaban a partir de la religión, así como el desarrollo de esculturas, las cuales tenían una función espiritual. También el entorno natural fue de gran influencia para el desarrollo de sus obras artísticas. Al carecer de algunos materiales tales como la madera y la piedra, quedan ausente completamente, siendo el ladrillo el más empleado.

La pintura fue estrictamente decorativa, tenia como objetivo principal decorar y embellecer la arquitectura.

Su cromatismo es muy limitado, solo se usa el blanco, rojo y azul. También sus dibujos carecen de perspectiva y las escenas pintadas, no se hace uso de las sombras. La técnica usada es el temple.

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Arte pictórico Griego. Aquiles y Patroclo. Mitos y relatos. Decoración de vasijas de cerámica. Los griegos aporta una idea de sus gustos, la forma en que dibujaban los contornos de la figuras o la representación de las escenas de conjunto.

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El arte Griego se caracterizo por la búsqueda de la belleza ideal, recreando el mundo ideal, tuvo un gran interés en reflejar en las obras artísticas las líneas de la figura humana a la perfección tanto en el dibujo como en la escultura.

La pintura fue importante dentro del Arte Griego, se pueden apreciar algunas características en las pinturas de vasos cerámicos, en los mosaicos y en copias romanas posteriores.
La pintura al fresco fue un método utilizado bastante comúnmente para la decoración de las paredes de los templos, los edificios públicos, las casas y también las tumbas.

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Este artista era discípulo de Jan van Eyck, su estilo refleja la influencia del realismo flamenco y la atención al detalle característicos de la escuela pictórica de los Países Bajos, se cree que el retrato fue pintado alrededor de 1470, y muestra a una mujer joven, elegantemente vestida y adornada con joyas. Christus era conocido por su habilidad para representar detalles minuciosos, cada elemento, desde la textura de la tela hasta los reflejos en las joyas, está pintado con precisión y cuidado.

El arte medieval comprende el período entre los siglos V y XV, es un estilo artístico que fue influenciado por la Iglesia y la sociedad feudal, caracterizado por su iconografía religiosa y el simbolismo.

El arte medieval se caracteriza por una serie de elementos distintivos que lo separan de otros estilos artísticos. Algunas de las características más notables incluyen:

Iconografía Religiosa: El arte medieval estaba fuertemente influenciado por la religión cristiana. Las pinturas y esculturas representaban escenas bíblicas, santos, ángeles y figuras religiosas importantes.

Simplicidad Estilizada: A diferencia del arte clásico griego y romano, el arte medieval adoptó un enfoque más simplificado y estilizado. Las figuras humanas y los objetos eran representados de manera esquemática, a menudo sin preocuparse por la anatomía realista.

Simbolismo y Alegoría: El arte medieval utilizaba símbolos y alegorías para transmitir significados más profundos. Los colores, las formas y los objetos tenían un simbolismo específico que transmitía un mensaje más allá de la representación literal.

Manuscritos Iluminados: Los manuscritos iluminados eran libros decorados con hermosas ilustraciones pintadas a mano y adornadas con detalles dorados. Estos manuscritos eran producidos en los scriptoria de los monasterios y reflejaban el esplendor y la dedicación de los artistas medievales.

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Esta pintura es parte del ciclo de frescos que Giotto realizó en la Capilla de los Scrovegni (también conocida como Capilla Arena) en Padua, Italia, entre 1303 y 1305, la misma no pertenece estrictamente a un movimiento pictórico definido, su importancia radica en su contribución al desarrollo del arte renacentista y su influencia en la evolución del arte occidental. Giotto fue el primer gran artista moderno, incluso antes del renacimiento, como demuestra en esta escena tan maravillosamente realizada, donde el sentido tridimensional y la presencia física de los personajes son completamente inéditos para la época. También consigue en este espectacular fresco transmitir el efecto de tumulto y confusión que produjo la traición. Durante este período las técnicas más empleadas fueron el temple (témpera) y el óleo, además del uso de la madera como soporte.

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Beato de Gerona, «Los apostoles», siglo X

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La pintura conocida como "Beato de Gerona: Los Apóstoles" es una obra perteneciente al manuscrito iluminado siendo una copia del "Comentario al Apocalipsis" escrito por el monje Beato de Liébana en el siglo VIII. La misma se destaca en el arte medieval español, mostrando la fusión de influencias visigodas, islámicas y carolingias en la península ibérica durante la Edad Media. Dicha obra se caracteriza por su riqueza visual y su contenido teológico, siendo una de las más importantes de las copias ilustradas, posiblemente en el scriptorium del monasterio de San Miguel de Escalada, en León, España.

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Renacimiento. La Gioconda. Leonardo Da Vinci (1503 - 15060). Técnica: Pintura al óleo sobre tabla.  

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Compuesto por el arte del Renacimiento (S.XV - XVI), Manierismo (h. 1530 - 1.600), Barroco (h. 1600 - 1750), Rococó (1720 - 1740)

La Edad Moderna es una época de grandes cambios y avances. Es una época en la que los ideales de progreso, comunicación y razón se han convertido en los valores de la modernidad. Es una época, en la que florecieron la filosofía y las Bellas Artes.

El Renacimiento es un periodo célebre por sus logros revolucionarios en el arte y la cultura, mediante una combinación de técnicas revolucionarias e ideas innovadoras.

Los artistas del Renacimiento exploraron temas profanos como paisajes, retratos y escenas de mitología e historia.

La pintura se caracterizó por el realismo y el uso de la perspectiva lineal. El uso de luces y sombras, el desarrollo de la pintura al óleo, los frescos y las pinturas al temple.

Otra de sus características fue el uso de múltiples técnicas les permitió crear obras detalladas con colores y texturas intensos.

El arte renacentista también mostraba interés por el movimiento y la emoción.

Se destacaba en la belleza. Esto se refleja en las elegantes líneas de las pinturas y esculturas renacentistas, así como en el uso de colores vivos que animaban las composiciones con tonalidades más intensas que las de las obras medievales.

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Barroco. La Auroraa, techo del Casino de la Villa Ludovisi de Roma - II Guercino, 1620. Los pintores se basaban en sus pinturas en los patrones de la antigüedad clásica, con obras suaves, simples, sobrias, muy identificadas en las bóvedas y los techos de diferentes edificios.

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El arte barroco se caracteriza por sus diseños ornamentados, simétricos y colores vibrantes. A menudo presenta temas, figuras religiosas, y es conocida por su intensidad emocional y drama.

Algunas características que presentaba el movimiento barroco eran: las pinturas barrocas, las esculturas y la arquitectura a menudo presentan dimensiones y proporciones exageradas, así como detalles complejos, colores y texturas.

-Su arte era a menudo complejo y lleno de detalles.

-Se utilizaba el claroscuro: Esta fue una técnica artística del arte barroco que utilizó fuertes contrastes de luz y oscuridad para crear efectos dramáticos.

-El arte de la era barroca a menudo presentaba formas y patrones geométricos.

-Temas religiosos: Gran parte de las obras de arte del período barroco eran de naturaleza religiosa, representando historias y eventos bíblicos. Esto se debe al dominio de la Iglesia Católica en ese momento.

-Los artistas de la época normalmente hacían uso de colores cálidos como el rojo, el naranja y el amarillo.

-Las pinturas y esculturas frecuentemente están llenas de elementos dinámicos que crean una sensación de energía y movimiento.

-Las pinturas y esculturas de la época presentan figuras que expresan emociones y sentimientos fuertes, como el miedo o la tristeza.

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Rococo. Leccion de amor.  1716 - 1717, Técnica: Óleo sobre lienzo. 

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El movimiento del arte rococó ha cautivado a los entusiastas del arte durante siglos. Sus diseños ornamentados y caprichosos, a menudo con colores pastel y detalles exuberantes, tienen una calidad atemporal que continúa influyendo en el arte moderno.

Las características del arte rococó son muchas y variadas, pero estas son las más notables: L

-Las obras suelen incluir follaje estilizado, conchas y otros elementos naturales. Su paleta también suele ser bastante vibrante y ligera, centrándose en los colores pastel.

-El estilo rococó presenta temas juguetones y coquetos, como una joven cortejando a un caballero en un jardín, o un joven y una joven bailando en un entorno al aire libre. El uso del simbolismo y la alegoría también es muy común en el arte rococó.

-Su temática suele ser bastante caprichosa y a menudo presenta personajes de la mitología y las fábulas, con énfasis en la gracia y la elegancia.

-Énfasis en la naturaleza: Su imaginería a menudo presenta exuberantes jardines, colinas ondulantes y paisajes serenos.

-El arte rococó suele presentar composiciones asimétricas que contribuyen a crear una atmósfera dinámica y animada. Este estilo de composición también se observa frecuentemente en el arte barroco.

-Este estilo artístico suele caracterizarse por sus colores claros y pastel y por el uso del rosa, el azul, el verde y el amarillo. Estos colores suelen combinarse para crear una atmósfera etérea y onírica.

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Autor: Pool with two figures, David Hockney (1972).

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EDAD CONTEMPORÁNEA (1789 d. C - actualidad)

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EDAD CONTEMPORÁNEA (1789 d. C - actualidad)

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En dicha época, el impresionismo dio comienzo a las vanguardias que desafiaron las representaciones tradicionales del espacio y la forma, por otro lado, el expresionismo también floreció, destacándose por su énfasis en la expresión emocional y subjetiva a través del color y la forma.

Los estilos contemporáneos más conocidos son:

Fauvismo o Fovismo: Fue un movimiento pictórico originado en Francia entre 1904 y 1908. Ello hacía alusión a la paleta de colores tan provocativa de sus pintores, que rompía con lo acostumbrado y se atrevía a incursionar en tonos poco fieles a lo real. Se considera a Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954) y Maurice de Vlaminck (1876-1958) como sus fundadores y autores más importantes.

Cubismo: Surgió en Europa entre 1907 y 1924, y se considera una tendencia fundacional, de vital importancia para el surgimiento de las vanguardias del siglo XX. Consistió en una verdadera ruptura con la pintura tradicional, que se atrevió a romper con la perspectiva realista, inaugurando en cambio una perspectiva propia, subjetiva, de las cosas. Los padres del cubismo fueron Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963).

Dadaísmo: Surgió en 1916 en el cabaret Voltaire de Zurich, fue un movimiento artístico de carácter burlesco y contestatario, que se opuso al arte burgués y al positivismo imperante en la época.

Surrealismo: Uno de los grandes movimientos culturales de la Europa del siglo XX, cuyo precepto fundamental era alejarse de la razón y de la objetividad para abordar el mundo del inconsciente freudiano: los sueños, las alucinaciones y las fantasías.

Expresionismo: Otro de los grandes movimientos artísticos del siglo XX. El expresionismo valoraba la interioridad del artista, y deformaba la realidad en la obra para adaptarla a la expresión de esa subjetividad, a menudo a través de escenarios oníricos, desolados y de cierta amargura, propios del período de la Alemania prebélica.

El artista seleccionado, Hockney es conocido por su estilo distintivo y su exploración de la representación figurativa, a menudo combinando elementos del pop art, el realismo y la abstracción. En el caso de "Pool with Two Figures", la obra exhibe una representación figurativa clara y un enfoque en la composición y el color, características que pueden asociarse con el realismo contemporáneo y el expresionismo pop. Este artista es conocido por su estilo distintivo y colorido, que a menudo incorpora elementos de la vida cotidiana y la cultura contemporánea. En ésta obra emplea una paleta brillante y vibrante que captura la luminosidad y el ambiente soleado de la escena, también es notable por su composición cuidadosamente elaborada y su uso de la perspectiva, asimismo crea una sensación de profundidad y espacio al dividir la imagen en diferentes planos, con la figura en primer plano actuando como un punto focal que guía la mirada del espectador hacia el fondo de la escena. Dicha pintura ha sido elogiada por su habilidad para evocar una sensación de misterio y narrativa sugerida, dejando al espectador con preguntas sobre la relación entre las dos figuras y el significado detrás de la escena representada.

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Nude with Joyous Painting, Roy Lichtenstein (1994)

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Esta pintura forma parte de una serie de obras que Lichtenstein realizó en la década de 1990, donde re-interpretó el género del desnudo clásico con su característico estilo pop contemporáneo.

La obra presenta una figura femenina desnuda, que se encuentra de pie frente a un gran lienzo blanco, sosteniendo en sus manos una pintura abstracta. La figura se basa en el estilo distintivo de dicho artista, con líneas negras gruesas, colores primarios brillantes y un alto contraste entre luces y sombras. Roy es conocido por su apropiación de imágenes de la cultura popular y su re-interpretación en un estilo influenciado por los cómics y la publicidad. Además de su contenido visualmente impactante, la obra también invita a reflexionar sobre la relación entre el arte clásico y la cultura popular, así como sobre los roles de género y la representación del cuerpo en el arte.

El arte pop contemporáneo es una corriente artística dinámica y diversa que continúa explorando la intersección entre el arte y la cultura popular en la era actual, a través de su enfoque innovador y su estilo visual distintivo, sigue siendo relevante e influyente en el panorama artístico.

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La obra seleccionada es un ejemplo de cubismo sintético, que combina las técnicas de óleo y collage, es una de las obras abstractas más reconocidas de Picasso y se cree que el trío de músicos simboliza a figuras significativas en la vida del pintor: Guillaume Apollinaire y Max Jacob, ambos poetas e íntimos amigos del malagueño, y al propio Picasso.

En el extremo izquierdo, un intérprete de clarinete viste el distintivo traje blanco de Pierrot mientras que en el lado derecho, se observa a un monje que sostiene una partitura y lleva un hábito negro con capucha, a su vez en el centro, se presenta un Arlequín con un traje de rombos anaranjados y dorados que rasguea con movimientos enérgicos una guitarra. Tanto Pierrot como Arlequín son figuras recurrentes en el antiguo teatro cómico italiano conocido como commedia dell'arte, un tema familiar dentro de las creaciones artísticas de Picasso.

De manera sutil, bajo las figuras de los personajes, se insinúa la presencia de un perro apenas perceptible: su cabeza se ubica aproximadamente en el centro izquierdo del lienzo, mientras que sus patas delanteras, una trasera y parte de su cola son visibles entre las piernas de Arlequín y Pierrot.

La disposición de las piezas en forma de rompecabezas encapsula la esencia del estilo cubista sintético, éstas formas superpuestas alcanzan su máxima complejidad en el epicentro de la pintura, que  coincide con el punto más luminoso de la paleta que genera una atmósfera oscura y enmarca un núcleo resplandeciente y luminoso. En conjunto, el trasfondo oscuro de la obra y su imponente tamaño confieren a los músicos una cualidad trascendente como trío.

Por otra parte mencionamos que, el cubismo sintético es una fase posterior del movimiento cubista, que surgió en la primera década del siglo XX y alcanzó su apogeo alrededor de 1912, caracterizada por la síntesis de formas, el uso de collage y una paleta de colores más vibrante, ésta etapa del cubismo fue fundamental en la exploración de nuevas técnicas y enfoques artísticos.