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Jean-Honoré Fragonard. Los felices azares del columpio/ El columpio,             1767. N° de lista: 1   

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Una chica en un hermoso jardín, se balancea en un columpio empujado por un hombre y a su vez, es vista por otro hombre.

https://es.wikipedia.org/wiki/El_columpio_%28Fragonard%29

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Pablo Picasso, La Soupe, 1903, Art Gallery of Ontario

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Una de las obras mas destacadas de Picasso, del «periodo azul», refleja un gran entimiento de melancolia o tragedia.

https://www.theartstory.org/artist/picasso-pablo/#artworks

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Claude Monet, Impresión, sol naciente, 1872, Museo Marmottan Monet de París. N° de lista: 8 (Geraldine)

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comienzo del impresionismo. link: https://museovangogh.org/claude-monet/impresion-sol-naciente/

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La obra que se considera que encarna todo el programa cultural de renacimiento. https://www.culturagenial.com/es/la-escuela-de-atenas-de-rafael-sanzio/#:~:text=La%20Escuela%20de%20Atenas%20representa,e%20incluso%20del%20mismo%20Renacimiento.

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Fue realizada en 1633 por Willem Claesz Heda, es un ejemplo destacado del barroco holandés. Se clasifica como bodegones monocromos aunque también incluye otros aspectos estilisticos.

https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/bodegon-con-jarra-de-cerveza-y-naranja/e7d6fdfc-5dcc-44fb-9e84-ec978f8eba1c

Saida Victoria Roque Rojas

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Las obra más conocida de Edvard Munch, El grito, creada en 1893.

https://www.bbc.com/mundo/noticias-47672906

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Me parece una pintura interesante, por las expresiones de las personas y especialmente por los colores.

https://historia-arte.com/obras/ansiedad-de-munch

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Presencia Inquietante                                                   Year completed: 1959                                            Oil/Fabric

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Las obras de Remedios Varo expresan la perturbación del subconsciente, en esos tiempos perturbada por la revolución Europa que generaba inestabilidad, en otras interpretaciones se le confiere la simbologia del hostigamiento físico y mental de parte del subconsciente. Me gusta esta obra de Varo porque explora conjeturas mentales. (Annie Valentin)

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Título original: CoquelicotsMuseo: Museo d’Orsay, París (Francia)Técnica: Óleo (50 x 65 cm.)

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https://historia-arte.com/obras/las-amapolas

Valeria Morón

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Diego Velasquez. Las meninas. 1656. Lienzo al óleo. 320,3 x 279,1 cm. Museo Nacional del Prado. Apellido: Ochante 

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Una obra que retrata una de las tantas visitas que realizaba la infanta Margarita al estudio del artista quien en su espacio de trabajo creaba un escape del aburrimiento rutinario en el castillo Alcázar del monarca Felipe IV

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/meninas-triunfo-pintura_15378

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Artista : Johannes Vermeer

Título : La joven de la Perla

Año : 1665-1667

Breve descripción :

La técnica que se emplea es óleo sobre tela , con un estilo barroco ,

con un tamaño de 44,5 cm alto × 39 cm ancho .

https://es.m.wikipedia.org/wiki/La_joven_de_la_perla

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El nacimiento de Venus - Sandro Botticelli - 1482 y 1485

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El retrato de Afrodita es una representación de la diosa griega del amor, la belleza, el placer y la procreación. Es una celebración de lo sensual y lo erótico, que muestra el atractivo y el encanto de la diosa.

https://www.marisolroman.com/publicaciones/el-nacimiento-de-venus-1485

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Terraza del café por la noche

Óleo sobre lienzo (81 × 65,5 cm.)

Museo Kröller-Muller, Otterlo

Vincent Van Gogh

https://historia-arte.com/obras/terraza-de-cafe-por-la-noche

Rouse Ramos

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Le Baiser à la dérobée, 1790, Museo del Hermitage, San Petersburgo. Rusia

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Artista: Jean-Honore Fragonard

Fecha de creación: 1787-1790

Técnica: Oleo sobre lienzo

Tamaño 45 cm × 55 cm

Nombre: El beso robado

Breve descripción:

El fruto prohibido y el respeto a la moral en dos amantes.

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El árbol de los cuervos. Caspar David Friedrich, Alemania, 1822 Óleo ( 54 x 71 cm)

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Eduardo León

https://historia-arte.com/obras/el-arbol-de-los-cuervos

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Titulo: Los discípulos ven a Cristo caminando sobre el agua.

Técnica: Óleo (126.4 × 101.3 cm.)

Museo: Des Moines Art Center, Iowa (Estados Unidos)

Henry Ossawa Tanner

https://historia-arte.com/obras/andando-sobre-el-agua

Representación de un hecho bíblico controversial sobre la vida de Jesucristo

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https://www.canva.com/design/DAGBqeZSvLQ/k_T5i0iBcMrSuEZnj5rBVw/edit?utm_content=DAGBqeZSvLQ&utm_campaign=designshare&utm_medium=link2&utm_source=sharebutton

Camila Rios 21

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Se muestra a la virgen María sosteniendo en sus brazos a Jesús muerto.

Abigail Pósito Cruz

https://es.wikipedia.org/wiki/Piedad_del_Vaticano

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Pieter Brueghel el Viejo. Paisaje con la caída de Ícaro. 1554-55. Óleo sobre lienzo. 73.5 × 112 cm. Museos reales de Bellas Artes, Bruselas,  Bélgica. N° de lista: 3

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Inspirada en el mito de Ícaro y Dédalo, esta pintura representa la caída de Ícaro al mar después de volar demasiado cerca del sol con alas de cera.

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Paisaje con la caída de Ícaro es un pintura al óleo sobre lienzo que durante mucho tiempo se pensó que era obra de Pieter Brueghel el Viejo, aunque tras examinarla en 1996 se considera muy dudoso.​ Es probable que se trate de una versión de un original de Brueghel que se ha perdido.​ Basada en la versión de la historia que presenta Ovidio en Las metamorfosis, la pintura fue el tema de un poema con el mismo nombre de William Carlos Williams, y fue descrito en el poema de W. H. Auden Musée des Beaux-Arts, que recibe el nombre del museo en el que se encuentra la pintura en Bruselas.

En la mitología de la Antigua Grecia, Ícaro consiguió volar con alas hechas de plumas pegadas con cera, pero en su vuelo se acercó tanto al sol que se fundió la cera, cayó al mar y se ahogó. Sus piernas se pueden ver en el agua, junto al barco más grande de la pintura.

Aunque el arte de paisajes con el tema del título representado por pequeñas figuras en la lontananza eran un motivo habitual en la Pintura flamenca de los siglos XV y XVI, el tener formas sin mucha relación con el tema en primer plano es original, y representa una ruptura respecto a la jerarquía de los géneros. Otros paisajes de Brueghel, como por ejemplo Los cazadores en la nieve (1565) muestran figuras en primer plano, pero no tan grandes y en ausencia de algo de una clase "superior" en el fondo.

Se desconocía la existencia de esta pintura hasta que la compró el museo en 1912; a continuación apareció otra versión, en la que Ícaro está aún en el aire, generalmente considerada inferior, y se encuentra en otro museo de Bruselas.​ Es la única pintura de Brueghel de tema mitológico, y sería su único óleo sobre lienzo, pues sus otras obras sobre lienzo son témperas. La perspectiva del barco y las figuras no es totalmente correcta, aunque esto puede reforzar la composición. También realizó un grabado con el barco y las dos figuras cayendo.​

El labrador del arado, el pastor y el pescador aparecen mencionados en el relato de Ovidio; están: "asombrados y creen ver a los dioses aproximándose a través del éter",​ lo que no cuadra precisamente con la impresión que da el cuadro. También hay un proverbio flamenco que dice "Ningún arado se detiene porque un hombre muera".​ La pintura puede, como sugiere el poema de Auden, mostrar la indiferencia de la humanidad al sufrimiento, resaltando que los hombres siguen con sus quehaceres a pesar de la muerte de la figura mitológica.

1. Según el museo "On doute que l'exécution soit de Pieter I Bruegel mais la conception lui est par contre attribuée avec certitude" - Es dudoso que la ejecución sea de Brueghel el Viejo, pero de la composición se puede decir con certeza que es de él."Museum database Archivado el 23 de marzo de 2009 en Wayback Machine. y JSTOR: Brueghel's "Fall of Icarus": Ovid or Solomon?, Lyckle de Vries, Simiolus: Netherlands Quarterly for the History of Art, Vol. 30, No. 1/2 (2003), pp. 4-18

2. JSTOR Radiocarbon Dating of Canvas Paintings: Two Case Studies, Mark J. Y. Van Strydonck, Liliane Masschelein-Kleiner, Cees Alderliesten, Arie F. M. de Jong; Studies in Conservation, Vol. 43, No. 4 (1998), pp. 209-214

3. Rose-Marie y Rainer Hagen: Bruegel, The Complete Paintings, p.60, 2001, Midpoint Press, ISBN 3822815314

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Paisaje con la caída de Ícaro - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Paisaje con la caída de Ícaro es un pintura al óleo sobre lienzo que durante mucho tiempo se pensó que era obra de Pieter Brueghel el Viejo, aunque tras examinarla en 1996 se considera muy dudoso.​ Es probable que se trate de una versión de un original de Brueghel que se ha perdido.​ Basada en la versión de la historia que presenta Ovidio en Las metamorfosis , la pintura fue el tema de un poema con el mismo nombre de William Carlos Williams, y fue descrito en el poema de W.

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"El Sembrador"                                           Vincent Van Gogh. Esta obra fue creada en 1888, medidas de 64x80cm. Óleo sobre lienzo

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La pintura "El Sembrador" de Vincent Van Gogh es una obra maestra del impresionismo. Esta obra fue creada en 1888, durante la estancia del artista en Arles, Francia, y es una de las muchas pinturas que realizó sobre el tema de la agricultura.

Rodríguez Uribe Jade

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Bayeu y Subías, Francisco. La creación de Adán. 1656. Óleo sobre lienzo.  59 x 33 cm. Museo nacional del prado. N° de lista: 8 (Geraldine)  

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Escenas del antiguo y nuevo testamento. link: https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/la-creacion-de-adan/c0a41dba-7f7e-4e83-9469-806326330472?searchMeta=la%20creacion%20de%20adan

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"Trigal con cuervos", 1890, Museo Van Gogh, Ámsterdam. Paìses bajos

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Artista: Vincent van Gogh

Fecha de creación: julio de 1890
Técnica: Pintura al óleo

Descripción breve: "Campo de trigo con cuervos" o "Trigal bajo la tormenta" es una pintura al óleo realizada por el artista holandés Vincent van Gogh. Se solía decir que esta obra fue la última que Van Gogh pintó.

Caleb Williams Cuya Quispe

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Los girasoles, Vicent van Gogh. Óleo sobre lienzo(95 x 73 cm), creado en 1889, situada en Museo Van Gogh, Ámsterdam. 

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Los girasoles, representación de la gratitud. https://www.vangoghmuseum.nl/en/collection/s0031V1962

Niurka Rocío Ramos Miranda

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El "Retrato de Madame X" es una obra famosa pintada por John Singer Sargent en 1884. Realizada con la técnica de óleo sobre lienzo, esta pintura retrata a Madame Pierre Gautreau, una figura parisina conocida por su belleza y elegancia. Destaca por su audacia al mostrar el hombro desnudo de Madame Gautreau, lo que generó controversia en su época.

Aunque inicialmente recibió críticas negativas, con el tiempo se ha convertido en una obra icónica celebrada por su habilidad técnica y su representación poderosa del sujeto.

Merly Llaulipoma Inocente

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Paul Cézanne. Naturaleza muerta con calavera (ca. 1898) Nº de lista: 1 (Bances)

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Naturaleza muerta con calavera (ca. 1898)

# data[].attributes.subject
Naturaleza muerta con calavera (ca. 1898)

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Es un bodegón extraño y fascinante que abarca la naturaleza muerta.

https://arthive.com/es/paulcezanne/works/347781~Naturaleza_muerta_con_una_calavera

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Zdzisław Beksiński

Es conocido como el pintor de las pesadillas, el definía sus obras como:"realismo fantástico ", en la década de los 80 alcanzó su máximo esplendor. A mi me gustan sus obras por su trasfondo fantástico y el balance que logra entre lo lúgubre y el realismo. (Annie Valentín)

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Un conocido cuadro del pintor romántico, John Constable.

https://artehistoria.com/obras/el-carro-de-heno

(Huachaca Gamonal)

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Pierre August Renoir. El Molino de la Pierre. 1876. Óleo sobre Lienzo. 131 x 175 cms. Museo de Orsay. Apellido: Ochante

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Toma lugar en el barrio de la bohemia francesa, Montmartre, un antiguo molino que termino como un merendero. Era mayormente concurrida por personas sencillas que buscaban conversar y bailar.

https://educacion.ufm.edu/pierre-auguste-renoir-baile-en-el-moulin-de-la-galette-oleo-sobre-tela-1876/

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La imagen me parece muy interesante pues el pintor logro retratar la belleza del angel pero así vez con una expresión de ira en su rostro .

"El ángel caido - Alexandre Cabanel - Historia Arte (HA!)" https://historia-arte.com/obras/el-angel-caido

(Lesli Nuñez)

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Claude Monet(impresionismo) Óleo (81 x 100 cm.) National Gallery, Washington D.C. (Estados Unidos)

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Se observa a una señora y un niño que estan rodeados de la naturaleza. Lo que expresa belleza y serenidad al aire libre, donde se tiene enfasis en la captura de la luz y el movimiento en la naturaleza.

https://historia-arte.com/obras/mujer-con-sombrilla

Rouse Ramos

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Ciudad sobre una roca. Francisco de Goya, España, 1875. Óleo (84 x 104 cm)

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Eduardo Gabriel León Isuiza

https://historia-arte.com/obras/ciudad-sobre-una-roca

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El doctor Paul Gachet

Esta obra es de el reconocido Vincent van Gogh del año 1980. Refleja la conexión del artista con el doctor en un momento difícil. Fue hecha con la técnica del Óleo sobre tela.

https://historia-arte.com/obras/el-doctor-paul-gachet

Saida Victoria Roque Rojas

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Con dimensiones de 130 cm × 97 cm, El Sueño presenta una pareja entrelazada en una intimidad onírica. La mujer, de formas voluptuosas, yace junto a un hombre misterioso. La paleta de colores suaves y los contornos fluidos contribuyen a la atmósfera etérea de la obra.

https://www.cuadrosdekorarte.com/picasso/el-sueno-picasso/

Valeria Morón

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Saturno es una obra de Pablo Rubens pintado en el año 1636 este es un modelo crono fue creada en el periodo del Barroco actualmente se encuentra en el Museo de Prado, Madrid, España. Tiene una longitud de 180 cm x 87 cm.

Esta obra refleja uno de los eventos mitológicos mas importantes para la historia Griega, el cual trata de como tronos después de que su esposa digiera que uno de sus hijos lo destronaría y desde entonces empezó a comer a todos sus hijos sus hijos, pero la madre de Zeus escondió a Zeus y le entrego a trono una piedra envuelta en pañales.

https://www.jotdown.es/2015/05/cual-es-la-pintura-mas-macabra-y-perturbadora/

MIRAVAL ESPINOZA MAYURI

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Pierre-Auguste Renoir. Bañista de cabellos rubios sueltos. 1895. Óleo sobre lienzo. 92,7 x 73,3 cms. Museo Kunsthistorisches. Apellido: Ochante

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Una joven bañista de cabellos dorados como el oro y figura delicada que permite destacar su sensualidad. La vitalidad de su piel asi como el rojizo tono de sus mejillas y labios recuerdan a la Venus clásica, siendo esta obra un tributo a la belleza

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Frida Kahlo. El venido herido. 1946. Óleo sobre masonite. 54.6 cm x 77.5 cm. Museo Dolores Olmedo, Ciudad de México. 

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En este autorretrato impresionante, Frida se transforma en una criatura mítica: parte mujer, parte venado. Sus astas coronan su cabeza, un símbolo de vulnerabilidad y fortaleza, mientras una flecha la atraviesa, eco de las heridas emocionales que cargaba.

Rodriguez Uribe Jade

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Giovanni Strazza. The Veiled Virgin(La Virgen Velada). 1850. Tallado de mármol de carraza. "La ‘Virgen velada’ de Strazza era considerada “una joya artística perfecta”

https://es.aleteia.org/2018/10/16/la-virgen-velada-otro-milagro-del-marmol-transparente/

Condori Kamila

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Theodoor van Thulden. Apolo persiguiendo a Dafne. 1636-38. Óleo sobre lienzo. 193 x 207 cm. Museo Nacional del Prado. N° de lista: 8 (Geraldine)

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El autorretrato de Frida Kahlo, representa dos pilares en su composición; ya que por un lado esta el sufrimiento de manera física por las operaciones que tuvo a raíz del accidente de autobús en 1925. Y por otro lado, metafóricamente todo el dolor y soledad de la artista. Además, resaltando el clavo más grande ubicado en el corazón, representando la ruptura amorosa con Diego Rivera (esposo).

Finalmente, su técnica es óleo sobre lienzo (30cm x 39cm) y se encuentra en el museo Dolores Olmedo, Mexico.

Fuentes:

https://www.elsevier.es/es-revista-revista-medica-clinica-las-condes-202-articulo-la-columna-rota-1944-frida-S0716864014700963

https://www.marisolroman.com/publicaciones/la-columna-rota-1944

Camila Rios Caro 21

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Con 37 años, Frida Kahlo llevaba media vida arrastrando un terrible sufrimiento físico a causa del accidente de autobús sufrido en 1925. Su columna vertebral había quedado fracturada en tres partes, sufriendo además fracturas en dos costillas, clavículas y pelvis. Su pierna derecha se fracturó en once partes. Fue además atravesada por un pasamanos por la cadera izquierda atravesando su cuerpo hasta salir por la vagina. Kahlo comentaba que esa fue la brutal forma en la que había perdido su virginidad.

Desde entonces fueron continuas las operaciones (al menos 32 a lo largo de su vida), las hospitalizaciones y el dolor extremo. Tuvo que ponerse todo tipo de corsés y artilugios para poder andar y llevar una vida normal. Pero lo único que ayudó a curar su dolor fue el arte.

Este autorretrato explica muy claramente lo que sucedía con su cuerpo. Frida llora porque tiene rota su columna jónica (lo femenino) y sólo un doloroso corsé de metal la mantiene moderadamente firme. Tiene clavos por todo su cuerpo, simbolizando el dolor al que quizás su rostro se ha acostumbrado. Frida aguanta con resignación y estoicismo, sacando belleza donde no la puede haber, como sacar agua de ese desierto que tiene detrás.

HA! siempre será gratis, pero si crees que es útil para ti y para el mundo entero, te animamos a que nos apoyes.

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Año	1830
Autor	Eugène Delacroix
Técnica	Óleo sobre lienzo
Estilo	Romanticismo
Tamaño	260cm × 325cm
Localización	Museo del Louvre, París, Bandera de Francia Francia

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El lienzo simboliza la Revolución de 1830 del día 28 de julio, una escena en la que el pueblo de París se levanta en armas contra el rey Carlos X de Francia.

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Esculpida durante el período Helenístico entre los años 130 y 100 a.C. Encontrada en 1820. La estatua está hecha de Mármol de Paros y mide unos 211 cm de alto, sin su pedestal. Se cree que representa a Afrodita, la antigua diosa griega del amor y la belleza.

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Una de las mejores representaciones del período helenístico.

link: https://lasesculturas.com/escultura-griega/venus-de-milo/

Niurka Rocío Ramos Miranda

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El berceau, Berthe Morisot, 1872, Óleo sobre lienzo (46x56cm),Museo de Orsay, París

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El cuadro más famoso de Berthe Morisot que revolucionó la representaión de la maternidad en el arte.

https://www.artchive.com/artwork/le-berceau-berthe-morisot-1872/

Niurka Rocío Ramos Miranda

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Noche estrellada sobre el Ródano(1888), Vincent Van Gogh, Óleo (72 x 92 cm.),  Museo d’Orsay, París (Francia)

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En esta obra de Van Gogh se puede observar un bello paisaje nocturno del río Ródano, en el cual se expresa la belleza y tranquilidad de la noche, donde hace uso de colores vibrantes y genera movimiento y textura por medio de sus pinceladas. Siendo esta una de sus obras donde refleja sus gusto por la noche.

https://historia-arte.com/obras/noche-estrellada-sobre-el-rodano

Rouse Ramos

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Fue creada por Leonardo da Vinci . 1495. La ultima cena .  técnica de temple y oleo sobre yeso .  medida  de 880 x 460 cm  . esta ubicada en Santa Maria delle Grazie , Milán ,Italia . ( Dayra )

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lhttps://es.wikipedia.org/wiki/La_%C3%BAltima_cena_%28Leonardo_da_Vinci%29

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Es una escena donde a diferencia de otros personajes aislados, en este caso lo que vemos es el momento del rapto, por lo que nos muestra una escena concreta. En esta se aprecia a Júpiter transformado en águila raptando a Ganimedes para convertirlo en su amante. Mayuri Miraval Espinoza 4i                                                                                              https://www.artehistoria.com/obras/rapto-de-ganimedes  

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Es una obra emblemática del período azul de Picasso, en la que el artista plasma la realidad de la pobreza y la marginación social.

https://es.wahooart.com/a55a04/w.nsf/O/BRUE-8EWN9W

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Los nenúfares, Claude Monet. Óleo sobre tela, (219 × 602 cm), 1920 - 1929, situado en Orangerie de las Tullerías, París, Francia.

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Crea el efecto del transcurrir de un día o el de las cuatro estaciones que se develan ante los ojos del espectador.

Caleb Williams Cuya Quispe

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El florero azul, Paul Cézanne. Óleo sobre lienzo (50 x 61 cm), 1885, Musée d'Orsay, París, Francia

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Jarrón de cerámica azul en el centro de la imagen, cerca de frutas y con flores.

Caleb Williams Cuya Quispe

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Año	1865Autor	Albert BierstadtTécnica	Óleo sobre lienzoEstilo	Rocky Mountains School-Escuela del Río HudsonTamaño	163,8 cm. × 245,1 cm.Localización	Birmingham Public Library, Birmingham (Alabama), USA                                                     Sahiko B. 

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Vista del valle de Yosemite (Looking Down the Yosemite Valley, California)

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Vista del valle de Yosemite (Looking Down the Yosemite Valley, California)

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Para estar en el lugar que hizo Bierstadt al crear esta hermosa pintura de paisaje, diríjase al Valle de Yosemite justo antes del atardecer. Bierstadt pintó la vista desde un mirador justo encima del río Merced, mirando hacia el oeste.

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Peter Nicolai Arbo. The Wild Hunt of Odin. 1872. Lienzo al óleo. 166 cm × 240.5 cm. Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño, Oslo. N° de lista: 3

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Representa la caza salvaje del folclore escandinavo y está basada en un poema de Johan Sebastian Welhaven.

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The Wild Hunt of Odin ( Norwegian: Åsgårdsreien, 'The Ride of Asgard') is an 1872 painting by Peter Nicolai Arbo. It depicts the Wild Hunt from Scandinavian folklore, and is based on a poem by Johan Sebastian Welhaven. The painting is in the collection of the National Museum of Art, Architecture and Design in Oslo.

The painting is based on the Wild Hunt motif from folklore. In the Scandinavian tradition, the Wild Hunt is often associated with the god Odin. It consists of a terrifying procession that hurl across the sky during midwinter and abduct unfortunate people who have failed to find a hiding place. In the Norwegian material, figures other than Odin who have been named as leaders of the hunt include Lussi, sometimes identified as Adam's first wife, and Guro Rysserova, a supernatural female being with a mysterious male companion. The folklorist Christine N. F. Eike has argued that the motif might have its origin in European traditions where young, unmarried men wear masks and move in processions during Christmastide.

Peter Nicolai Arbo (1831 - 1892) belonged to a group of Late Romantic Scandinavian painters who had inherited an interest in Norse mythology from the early 19th-century Romantics. The most prominent painters in this group were the Norwegian Arbo and the Swedes Mårten Eskil Winge (1825 - 1896) and August Malmström (1829 - 1901). In accordance with writers like Adam Oehlenschläger and N. F. S. Grundtvig, they viewed their mythological paintings as ethical allegories and not as representations of real deities. The Wild Hunt had been popularized by Jacob Grimm, who in Deutsche Mythologie (1835) presents it as a pagan element that survived into Christian times, where it had been adapted into a demonic phenomenon. The motif had been used by 19th-century continental painters such as Joseph von Führich and Rudolf Henneberg, whose works Arbo was familiar with. It is also likely that Arbo was familiar with writings about the Wild Hunt by the Norwegian folklorist Peter Christen Asbjørnsen. Arbo made a first oil painting of the Wild Hunt in 1868. This version, which shows the hunters in profile, is owned by the Drammen Museum and is on a long-term loan to Nordnorsk Kunstmuseum in Tromsø.

The painting shows a hunting party of airborne horsemen who move across a dark sky. They are accompanied by black ravens and seem to emerge from clouds in the background. All horses are black except for one white horse at the front. Spearheading the hunt is a helmeted man, possibly Sigurd, and two bare-breasted valkyries. The rest of the hunters appear to be men, with the addition of three captured nude women. The party members are armed with spears and other weapons. Two men at the front wear pelts over their heads, indicating they are berserkers. Behind the immediate frontline, the hunt is led by the god Thor, who towers above the rest in his chariot pulled by two goats, raising his war hammer and wearing a crown.

The Wild Hunt of Odin was painted in Paris in 1872. Most directly, it is based on Johan Sebastian Welhaven's poem Asgaardsreien, with the opening lines "Through the nightly air stampedes a train of frothing black horses". The poem is about a Christmas wedding that turns violent and is visited by the Wild Hunt. The painting's compositional arrangement, with its diagonal movements, is close to Arbo's Kunstakademie Düsseldorf work Saint Olav at the Battle of Stiklestad. Another visual influence was Bråvallaslaget (1860-62) by Malmström, which depicts the Norse gods in the sky above a battlefield. The way the mythological subjects are treated aligns with Johann Joachim Winckelmann's position, which stated that Germanic deities should be depicted according to the conventions of Greco-Roman subjects. As a consequence, Arbo's Thor wears a crown, and his hammer looks different from historical Scandinavian depictions. The valkyries are half nude and have untamed hair, whereas in Old Norse poetry they are described as wearing their hair pulled back and carrying horns of ale.

The painting was shown at the 1872 Scandinavian Exhibition in Copenhagen, along with Thor's Fight with the Giants by Winge. The National Museum in Oslo bought Arbo's painting the same year.

By 1872, the depiction of imaginary Norse myths was largely out of fashion among art critics, who had more enthusiasm for Realism. In his review from the Scandinavian Exhibition, the critic Julius Lange dismissed Arbo's and Winge's mythological works as "Ghosts and Bogeymen".

Over time, The Wild Hunt of Odin has been among Arbo's most celebrated works. Norsk kunstnerleksikon described it in 2013 as his "chief work" and complimented its "true, dramatic pathos" and "rich and imaginative composition".

The Swedish heavy metal band Bathory used Arbo's painting on the cover of the album Blood Fire Death (1988). This established the Wild Hunt as a popular motif in metal music in general and black metal and pagan metal in particular.

Heesch, Florian; Kopanski, Reinhard (2017). "Klang - Text - Bild: Intermediale Aspekte der Black Metal-Forschung". In Chaker, Sarah; Schermann, Jakob; Urbanek, Nikolaus (eds.). Analyzing Black Metal - Transdisziplinäre Annäherungen an ein düsteres Phänomen der Musikkultur (in German). Transcript Verlag. ISBN 978-3-8376-3687-1.

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Reed Thomsen, Ingrid (3 July 2013). "Peter Nicolai Arbo". Norsk kunstnerleksikon (in Norwegian).

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The Wild Hunt of Odin ( Norwegian: Åsgårdsreien, 'The Ride of Asgard') is an 1872 painting by Peter Nicolai Arbo. It depicts the Wild Hunt from Scandinavian folklore, and is based on a poem by Johan Sebastian Welhaven. The painting is in the collection of the National Museum of Art, Architecture and Design in Oslo.

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Una pintura de 1894–95 de Edvard Munch, que representa la transición de la niñez a la adolescencia.

https://historia-arte.com/obras/pubertad

Damaris Huachaca.

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El bodegon con gato y raya, Jean Siméon Chardin, 1728, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid, España

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Un gato de color negro junto a una raya en un ambiente domestico, posiblemente una cocina.

Gian Marco Ortogorin Roque

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El juicio de Paris, Rubens Pedro Pablo, 1638, Óleo sobre lienzo, 199 x 381 cm

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Representación más emblemática de la Guerra de Troya.

https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/el-juicio-de-paris/f8b061e1-8248-42ae-81f8-6acb5b1d5a0a

Niurka Rocío Ramos Miranda

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El bodegon con melon, Claude Monet, 1872, Museo de Orsay, Paris, Francia

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Se muestra un melon cortado acompañado con algunas frutas y unos platos

https://www.meisterdrucke.es/impresion-art%C3%ADstica/Claude-Monet/804169/Bodeg%C3%B3n-con-mel%C3%B3n.-1872.html

Gian Marco Ortogorin Roque

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Jacques-Louis David. 1793. Pintura al óleo. 165 cm × 128 cm. Musée Oldmasters Museum

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En la obra se muestra a Marat, desangrándose en su bañera, mientras sostiene una carta en su mano izquierda.

Abigail Pósito Cruz

https://historia-arte.com/obras/la-muerte-de-marat

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william adolphe. La canción de los ángeles.(1881). Óleo (213.4 x 152.4 cm.) J. Paul Getty Museum, Los Ángeles (Estados Unidos).https://historia-arte.com/obras/la-cancion-de-los-angeles 

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melissa

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Título original: Maddalena penitente Ubicacion: Museo dell'Opera del Duomo, Florencia (Italia) Técnica: Escultura (188 cm.)

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La escultura de María Magdalena, anciana y llena de pathos, nos hace entender que su fe inquebrantable es su única esperanza y consuelo eternos, ademas del evidente arrepentimiento. Thalia Leonor Chuco León https://historia-arte.com/obras/maria-magdalena-penitente

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BODEGÓN FRANCISCO DE ZURBARAN (1598-1664)  óleo sobre Lienzo (46x84 cms) Escuela Española. Barroco español. Siglo XV.melissa carazas

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La organización y disposición de los "cacharros" representa la simpleza ,sin embargo es una complejidad minuciosa

https://tom-historiadelarte.blogspot.com/2007/05/la-pintura-barroca-espaola-un-siglo-de.html?m=1

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Detalle de Ecce Homo (después de la restauración). Michelangelo Merisi (conocido como Caravaggio). 1605-09. Imagen cortesía de colección privada

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uno de los mayores descubrimientos de la historia https://www.museodelprado.es/actualidad/noticia/el-museo-nacional-del-prado-y-colnaghi-anuncian/dda32844-80b3-f345-dab9-b690f35fce8a

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Año : 1881 , Edgar Degas , Material : cera , bronce , algodón y madera .Tamaño : 98cm . Ubicación : Gliptoteca Ny Carlsberg Copenhague Dinamarca .

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https://es.wikipedia.org/wiki/La_peque%C3%B1a_bailarina_de_catorce_a%C3%B1os#:~:text=La%20peque%C3%B1a%20bailarina%20de%20catorce%20a%C3%B1os%20(en%20franc%C3%A9s%2C%20La%20Petite,en%20bronce%20apenas%20en%201922.

Bautista Patiño Dayra

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Título original: Vocazione di san Matteo

Museo: Iglesia de San Luis de los Franceses, Roma (Italia)

Técnica: Óleo (338 × 348 cm.)

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https://historia-arte.com/obras/vocacion-de-san-mateo

Valeria Morón

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Salvador Dali. Los Elefantes. 1948. Óleo sobre lienzo 49cm x 60cm.

Los elefantes caminan con sus piernas largas, delgadas y frágiles.

Camila Rios Caro

https://historia-arte.com/obras/los-elefantes

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René Magritte: La lámpara filosófica. 1936. Óleo sobre lienzo.

Es una pintura enigmática y provocativa de un estilo distintivo de la autora, en el que se muestra a través de la pipa unida a la nariz un simbolismo de sabiduría con la mirada serena del hombre. Ademas lo acompaña una lampara sobre la mesita aportando iluminación y creatividad de una manera subjetivo.

Camila Rios Caro.

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Joaquin Sorolla y Bastida. Saliendo del baño. 1915. Oleo sobre lienzo (130cm x 150,5 cm) Museo Sorolla, Madrid, España.

Se muestra el mismo momento en que realiza las Pescadoras valencianas, muestra a una mujer sosteniendo en brazos a un niño desnudo al que envuelve en una tela blanca. En esta obra se experimenta la luz y color en contraste.

Camila Rios Caro.

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Antonio Canova, Italia. 1973. Museo Louvre, Paris, Francia. Escultura con mármol 155cm.

Se reanima el beso de amor en la historia de Eros y Psique a través de la metamorfosis de Apuleyo.

https://historia-arte.com/obras/eros-y-psique-de-canova

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Inspirado en los quesos Camembert y la teoría de la relatividad de Einstein,es una visión subjetiva de la temporalidad e implicaciones asi como la memoria de los sueños que tenía.

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Está pintura muestra como era normal que las prostitutas se mostrarán en los balcones,asimismo, Goya retrata la vida de las dos damas en los bajos fondos madrileños.

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Napoleón en realidad estaba montado sobre una Mula pero pidió que lo pinten a él montado sobre un caballo.Napoleon levanta la mano como invitación para que lo sigamos en sus conquistas.

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Acteon mirando la desnudez de la diosa Diana

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Tiziano. Diana y Acteón. 1556-1559. Óleo sobre lienzo. 185 cm × 202 cm. National Gallery de Londres. N° 8

https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/titian-diana-and-actaeon

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Deodato, M. [Mike Deodato Jr.]. (1996). INCREDIBLE HULK: HERCULES UNLEASHED (1996) #1 (De P. David) [Digital]. N° 8 https://www.marvel.com/comics/issue/100377/incredible_hulk_hercules_unleashed_1996_1

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Peter Paul Rubens. 1617-1618. Pintura al óleo (68,5 x 118 cm.) Kunsthistorisches Museum, Viena (Austria)

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La obra muestra a la cabeza de Medusa sobre el piso ya muerta, con una mirada agonizante, y serpientes alrededor.

https://historia-arte.com/obras/cabeza-medusa-rubens

Abigail Pósito Cruz

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El soñador. Caspar David Friedrich. 1835. Óleo sobre lienzo. 27 cm × 21 cm. Museo del Hermitage de San Petersburgo, Rusia.

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Se observa a un hombre solitario, sentado sobre el las ruinas de un Monasterio, mirando el atardecer (o amanecer) presente.

https://historia-arte.com/obras/el-sonador-las-ruinas-de-oybin

Abigail Pósito Cruz

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Millet, Jean-François. Las espigadoras.  1857. Óleo sobre lienzo. 83.5cm × 110cm. Museo de Orsay, París. N° de lista: 3

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Fiel a uno de sus temas favoritos, la vida campesina, Millet entrega en este cuadro el resultado de diez años de investigaciones entorno al tema de las cosechadoras. Estas mujeres encarnan el proletariado rural.

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Título: Las espigadoras Artista: Millet, Jean-François Cronología: 1857 Técnica: Óleo sobre lienzo

Fiel a uno de sus temas favoritos, la vida campesina, Millet entrega en este cuadro el resultado de diez años de investigaciones entorno al tema de las cosechadoras. Estas mujeres encarnan el proletariado rural. Están autorizadas a pasar rápidamente, antes de que se ponga el sol, por los campos cosechados para recoger una por una las espigas olvidadas. El pintor representa a tres, en el primer plano, espalda cuadrada, mirada fija hacia el suelo. Combina de este modo tres fases del repetitivo y agotador movimiento que impone esta dura tarea: agacharse, recoger, levantarse.
Su austeridad se opone a la abundancia de la cosecha en lo lejano: almiares, gavillas, carro y la muchedumbre de los segadores que se ajetrean. Este abundante y luminoso festejo parece cuanto más alejado que el cambio de escala es repentino.
La rasante luz del sol poniente marca los volúmenes del primer plano y proporciona a las cosechadoras un aspecto escultural. Subraya con vivacidad sus manos, nucas, hombros y espalda y aviva los colores de su ropa.

Después, lentamente, Millet matiza lo lejano, para producir una atmósfera dorada y polvorienta, intensificando la impresión bucólica del fondo. El personaje a caballo, aislado en la derecha es seguramente un capataz. Encargado de vigilar los labores en la finca, también procura que las cosechadoras cumplan con las reglas ligadas con su actividad. Su presencia añade una distancia social, recordando la existencia de los propietarios de cuyos es la emanación. Sin acudir a las anécdotas pintorescas, con procesos plásticos simples y sobrios, Millet otorga a estas cosechadoras, sin duda pobres, pero no menos dignas, un valor emblemático, depurado de cualquier miserabilísimo.

Fuente: Musée d'Orsay

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Título: Las espigadoras Artista: Millet, Jean-François Cronología: 1857 Técnica: Óleo sobre lienzo Fiel a uno de sus temas favoritos, la vida campesina, Millet entrega en este cuadro el resultado de diez años de investigaciones entorno al tema de las cosechadoras. Estas mujeres encarnan el proletariado rural.

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(1606–1607) óleo sobre lienzo (altura: 980 mm; ancho: 730 mm)     Artista: Jan Brueghel. Período: Manierismo

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https://www.wikiart.org/en/jan-brueghel-the-elder/flowers-in-a-wooden-vessel-1607

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Estilo artístico: Renacimiento.                               Obra: San Sebastián                                                        Tamaño: 145 x 204 cm                                     Técnica :óleo sobre madera         

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https://www.reprodart.com/a/bazzi-giovanni/san-sebastian-2.html

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Fed Galizia. Manzanas en una fuente. 1578 - 1630. Óleo sobre tablero (Madera). 30cm x41 cm. Colección privada. N° de lista: 3

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El surgimiento del bodegón como estilo distintivo es el resultado de una feroz voluntad femenina

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Archivo:Bodegon galizia.jpg - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Miguel Calvo Santos, Louvre, París (Francia), Óleo (34 × 48 cm)

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Eduardo Gabriel León Isuiza https://historia-arte.com/obras/puente-de-narni

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Rembrandt van Rijn. De Nachtwacht. Óleo sobre lienzo. 359 × 438 cm. Museo Nacional de Ámsterdam, Países Bajos. 

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Esta obra llama mucho la atención , más que todo por el nombre, ya que este da entender que la acción que se estaá dando en la pintura es durante la noche, sim embargo es totalmente lo contario, la ilusión de la ocuridad se debe a la oxidación del barniz y la suciedad acumulada, esto se descubrio después de la restauración de la obra. (Rodriguez Lesly)

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La ronda de noche o La ronda nocturna (en neerlandés: De Nachtwacht) es el nombre por el que se conoce comúnmente una de las más famosas obras maestras del pintor neerlandés Rembrandt, pintada entre 1639 y 1642. Este cuadro es una de las joyas de la exposición permanente del Rijksmuseum de Ámsterdam, pinacoteca especializada en arte neerlandés.

Aunque el título del lienzo como La ronda de noche está históricamente consolidado, su nombre original fue La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh (el nombre oficial en neerlandés es De compagnie van kapitein Frans Banninck Cocq en luitenant Willem van Ruytenburgh maakt zich gereed om uit te marcheren). Este, que quizá fuese su verdadero título, fue descubierto gracias a la inscripción hallada en un boceto preparatorio:

Schets van de schilderije op de groote Sael van de Cleveniers Doelen, daerinne de Jonge Heer van Purmerlandt als Capiteijn, geeft last aen zijnen Lieutenant, de Heer van Vlaerdingen, om sijn Compaignie burgers te doen marcheren

Boceto de la pintura para el Gran Salón de la Corporación de Arcabuceros, en la cual el joven Heer van Purmerlandt (Frans Banninck Cocq), como capitán, ordena a su lugarteniente Heer van Vlaerderdingen (Willem van Ruytenburgh), que ponga en marcha la compañía cívica.

El cuadro fue llamado en el siglo XIX Patrouille de Nuit​ por la crítica francesa, y Night Watch​ por Sir Joshua Reynolds; de ahí el nombre por el que se le conoce popularmente. El origen de este título surge de una equivocación de interpretación, debida a que, en esa época, el cuadro estaba tan deteriorado y oscurecido por la oxidación del barniz y la suciedad acumulada, que sus figuras eran casi indistinguibles, y parecía una escena nocturna. Después de su restauración en 1947, cuando se eliminó este barniz oscurecido, se descubrió que el título no se ajustaba a la realidad, ya que la acción no se desarrolla de noche sino de día, en el interior de un portalón en penumbra al que llega un potente rayo de luz que ilumina intensamente a los personajes que intervienen en la composición.

La compañía de capitán Banninck Cocq sirvió de guardia de honor en la visita de la reina madre francesa a Ámsterdam. Retrato de María de Médicis. (c. 1622) realizado por Pedro Pablo Rubens, Museo del Prado, (Madrid).

La obra fue encargada por la Corporación de Arcabuceros de Ámsterdam para decorar el Groote Zaal, 'Gran Salón', del Kloveniersdoelen, sede de la milicia. Debido a esto, Rembrandt usó monumentales dimensiones para el lienzo.

En ella aparece la milicia del capitán Frans Banninck Cocq en el momento en el que este da la orden de marchar al alférez Willem van Ruytenburch. Detrás de ellos aparecen los 18 integrantes de la Compañía, que pagaron una media de cien florines al pintor por aparecer en el cuadro, una suma más que considerable para la época. Los dos oficiales probablemente pagaron más, por el lugar privilegiado que ocupan en el cuadro. En total, Rembrandt cobró 1600 florines por este cuadro.​ Al ser la compañía de arcabuceros una institución municipal, La ronda de noche sigue siendo propiedad del Ayuntamiento de Ámsterdam, que la cede al Rijksmuseum en préstamo de uso sin contraprestación económica.

Los personajes aparecen captados por el pintor holandés tal y como los pudo contemplar en numerosas ocasiones en el momento en que a diario la compañía se preparaba para formar y salir a continuación ordenadamente para recorrer la ciudad en su misión de vigilantes del orden. Además, en el cuadro aparecen tres niños corriendo y un perro que animan la escena.

El encargo, que debía ser concluido para el banquete de inauguración de la sede de la compañía, fue, junto a otros retratos corporativos, parte de la conmemoración de la llegada en 1638 a Ámsterdam de la reina madre María de Médicis, viuda de Enrique IV de Francia, exiliada por orden de su hijo Luis XIII y del intrigante cardenal Richelieu. Esta visita regia a la capital holandesa fue celebrada por sus autoridades con gran pompa y boato.​

El pago del trabajo se retrasó debido a que no cubrió las expectativas de los miembros de la milicia, por no estar perfectamente definida la presencia de la mayoría de ellos. A pesar de su calidad, también pasó desapercibida para la crítica en su día. La escena de la compañía forma parte fundamental de la tradición holandesa de retratos colectivos que surgió en la llamada "Edad de Oro del arte holandés". Autores contemporáneos como Frans Hals se dedicaron casi en exclusiva a este tipo de retratos de encargo.

Personajes principales

La crítica mayoritaria considera que la niña que aparece en La ronda de noche es un retrato de su esposa Saskia, que habría muerto el mismo año de la realización del lienzo. Su muerte le supuso una profunda depresión. Retrato de Saskia como Flora (1634), expuesto en el Museo del Hermitage de San Petersburgo.

Capitán Frans Banninck Cocq o Banning Coq (1605-1655): capitán de la compañía y figura central que vertebra los ejes del cuadro. Con la mano indica la orden a su teniente y la alarga al espectador, incluyéndolo en la escena. Pese a evitar un orden jerárquico en la distribución de los miembros de la milicia, Rembrandt le otorga la posición predominante que su cargo le reserva.

Teniente Willem van Ruytenburch o van Ruytenburgh (1600-1657): teniente de la compañía, es el que recibe la orden de preparar la compañía para la formación. Ruytenburch era de baja estatura, y, para que no quedara muy disminuido junto al gigantesco capitán Cocq, Rembrandt lo realza empleando en su uniforme un tono amarillo al que hace vibrar iluminado por un rayo de sol.

La niña: es un personaje clave en el cuadro, por ser el único femenino y servir de foco de luz. La niña no se encuentra en penumbra y las sombras no la tocan. Parece un espectro que poco tiene que ver con el resto de los personajes. Por esta inusual cualidad, muchos críticos ven en la niña un retrato de Saskia van Uylenburgh (1612-1642), primera esposa del pintor, que murió prematuramente en el año en que fue pintado el lienzo, posiblemente de tuberculosis. Saskia era habitual modelo de muchos de los retratos del autor. Viste un traje amarillo limón y en la cintura le cuelga un gallo blanco con pinceladas azules -el emblema de la compañía-, que Rembrandt representó de esta singular manera, en sustitución del habitual blasón de este tipo de retratos colectivos.

Personajes secundarios

El resto de los personajes del lienzo son los siguientes quince miembros de la milicia cívica (de izq. a der.): Reinier Engelen, Jan Pietersen Bronchorst, Elbert Willemsen, Herman Jacobsen Wormskerck, Jan van der Heede, Jan Visscher Cornelissen, Claes van Cruijsbergen, Jan Ockersen, Jan Andriaensen Keijser, Walich Schellingwou, Jan Claesen Leijdeckers, Barent Harmansen Bolhamer, Rombout Kemp, Paulus Schoonhoven y Jacob Jorisz.​

Representación en bronce de los personajes de La ronda de noche donde se demuestra su composición "cuidadosamente caótica". Esculturas de Alexander Taratýnov y Mijaíl Drónov en la Rembrandtplein para conmemorar el 400 aniversario del nacimiento de Rembrandt (2005).

Rembrandt se apartó de lo convencional, evitando una escena estática y formal, y generando, en cambio, una de acción, más del gusto del Barroco imperante. Muestra a los soldados apurados para embarcarse en una misión (que tipo de misión, o si se trataba de un patrullaje ordinario es todavía motivo de discusión). Este ordenamiento es completamente original y constituye un nuevo modo de concebir el retrato colectivo. Su estilo causó la contrariedad de algunos miembros de la milicia, que por su ubicación en el fondo de la escena son difícilmente distinguibles. A diferencia de cuadros de la misma temática, en que la disposición de las figuras siguen un orden jerárquico preciso, el pintor basó la colocación de los personajes únicamente en razones plásticas. Los rígidos cánones de los retratos corporativos sólo traducían rutina y convencionalismo e imposibilitaban la expresión personal y dramática.

Sin embargo, la composición aparentemente desordenada está en realidad construida de un modo racional según los dos ejes medios del rectángulo que conforma el lienzo:

Eje horizontal: Determina el telón de personajes que sirve de apoyo a las dos figuras principales, en primer plano. Los cuatro personajes con trajes de colorido característico dominan el grupo central, dirigiendo la mirada del espectador hacia ellos mismos.

Eje vertical: Determina la posición del capitán con su traje negro, que se ve apoyado por la figura aneja del teniente, este de amarillo claro. Esta dos figuras hacen que la escena quede centrada, girando a su alrededor el resto de componentes.

Las diagonales que forman la larga lanza y el asta de la bandera se cruzan en el centro luminoso de la escena, encuadrando los tres grupos de personas con una línea imaginaria, quedando los dos mandos de la compañía en la posición preponderante de la escena.

La sensación de espacio en diferentes niveles: el de la penumbra del portalón, el de la calle radiante de sol y el del observador, se asemeja a otros juegos compositivos típicamente barrocos como se pueden encontrar en Las Meninas de Velázquez o en El jardín del amor de Rubens.

El dibujo, apenas esbozado, queda disminuido por la importancia del color y la luz, siendo poco nítidos los contornos de las figuras. Influido por Caravaggio, Rembrandt usa el tenebrismo y el claroscuro, creando fuertes contrastes entre la penumbra y la luz. La luz proviene de la izquierda, según la dirección de las sombras proyectadas. Esta luz, a pesar de su concepción realista, no actúa uniformemente, sino que ilumina y destaca a ciertos personajes y relega a otros a la sombra. En ocasiones parece que nace del interior de las figuras, como en el caso de la niña que corre. La iluminación es la gran protagonista de este cuadro, porque recrea una atmósfera mágica de penumbras doradas, sombras envolventes y luces cegadores.

El color está aplicado con pinceladas espontáneas. El cromatismo del lienzo se desarrolla en tonos cálidos de las tierras y los ocres, con las excepciones del rojo del echarpe de capitán, del soldado del largo arcabuz a su derecha, del blanco ocre de la chica, detrás, y del uniforme del lugarteniente. Usa tonalidades opuestas para contrastar como el uniforme claro y oscuro de las dos figuras centrales, el negro riguroso del capitán resaltando el blanco de su golilla o incluso el tono dorado de la penumbra en contraste con las caras iluminadas.

Copia de La ronda de noche anterior a la mutilación del lienzo en 1715, donde se puede observar sus dimensiones originales.

El emplazamiento original para el que fue pensado el lienzo fue el Groote Zaal, Gran Salón, del Kloveniersdoelen, sede municipal de la Compañía de Arcabuceros de la capital holandesa. Este edificio fue destruido y reemplazado a mitad del siglo XIX por el actual hotel Doelen. En 1715, La ronda de noche se trasladó al Ayuntamiento de Ámsterdam en la plaza Dam. Sus grandes dimensiones hicieron que fuese mutilado en esta época cuando le fue cortada una franja en el lateral izquierdo y superior, eliminando a tres de los personajes de la escena. Conocemos su aspecto originario debido a diferentes copias anteriores a 1715, entre las que destaca una réplica de Gerrit Lundens conservada en la National Gallery de Londres.​

Cuando las tropas napoleónicas ocuparon los Países Bajos y Napoleón entronizó a su hermano Luis como rey de Holanda en 1806, el Ayuntamiento se convirtió en Palacio Real (aún mantiene esta función real) y los magistrados municipales trasladaron el cuadro a la Trippenhuis, es decir, la casa de la familia Trip. Inmediatamente, Napoleón ordenó su vuelta a palacio y se mantuvo allí hasta la caída del Imperio Napoleónico. Tras esto, La ronda de noche volvió a la Trippenhuis ya convertida en el Rijksmuseum, como Galería Nacional de Arte de los Países Bajos. En 1885, se finalizaron las obras del actual edificio del Rijksmuseum y el cuadro se trasladó a su ubicación actual.

Durante la II Guerra Mundial, para salvar el patrimonio artístico durante el conflicto, los fondos más importantes del Rijksmuseum fueron depositados en diferentes búnkers denominados Refugios Nacionales construidos en las dunas de Heemskerk y Zandvoort. En 1942, los cuadros se volvieron a trasladar a refugios en Steenwijk y Maastricht.

Actual ubicación de La ronda de noche en el Rijksmuseum, donde es uno de sus reclamos artísticos más importantes.

La ronda de noche estuvo oculta durante cinco años siendo su último emplazamiento un búnker en el subsuelo de la capital del Limburgo. Fue separada de su marco y enrollada en un cilindro. El 25 de junio de 1945, La ronda de noche volvió a Ámsterdam, siendo restaurado en el taller del Rijksmuseum.​

Vandalismo

Aparte de la mutilación del siglo XVIII, La ronda de noche ha sido objeto de algunos ataques vandálicos. El 13 de septiembre de 1975, un desequilibrado mental atacó la obra con un cuchillo haciéndole numerosos cortes en zig-zag.​ El lienzo fue restaurado con éxito, aunque aún pueden apreciarse in situ las huellas de este atentado. En 1985, un visitante del museo roció la pintura con un spray de ácido que llevaba oculto. La rápida intervención de los guardias de seguridad y el agua que le fue pulverizada neutralizaron el ácido que afortunadamente no llegó a tocar el lienzo y sólo dañó el barniz. De nuevo, la obra fue restaurada por completo.

La ronda de noche en el Barroco

La ronda de noche es uno de los cuadros representativos de la obra pictórica de Rembrandt, por las novedades compositivas y técnicas que aporta. Es la aportación del genio holandés a la pintura barroca. No es el único retrato colectivo que realiza Rembrandt, y aunque relevantes, el autor prefirió los retratos unipersonales y de pequeñas dimensiones (entre ellos sus autorretratos).

El siglo XVII fue una época de grandes cuadros compuestos por numerosos personajes siguiendo la tipología del barroco. Cercanos a Rembrandt, trabajan otros grandes genios de la pintura como Peter Paul Rubens o Frans Hals, que realizaron grandes telas con retratos colectivos. Rubens prefirió el tema mitológico o religioso en abigarradas escenas con multitud de elementos. Hals por su parte se dedicó a los tradicionales retratos corporativos en la ciudad de Haarlem, dotándolos de gran riqueza psicológica en su ejecución. Por otro lado, desde una óptica distinta, Diego de Velázquez compone también telas monumentales con técnica similares a las de Rembrandt, aunque la temática es complementaria. Velázquez realiza escenas históricas al servicio de la corte española, sin duda una empresa mayor que un cuadro por encargo de una compañía militar y pagado a cuotas. Pero el uso de la disposición aparentemente descuidada y la distribución de elementos para centrar la atención al centro del lienzo es común entre ambos pintores.

Esculturas de La ronda de noche expuestas en la plaza Rembrandt de Ámsterdam durante el IV centenario del nacimiento del pintor neerlandés.

La ronda de noche ha inspirado a numerosas obras posteriores. Ya en su época fue tremendamente popular y se realizaron algunas copias, gracias a las cuales conocemos su aspecto originario antes de todas sus alteraciones.

La comisión de IV centenario del nacimiento de Rembrandt expuso en la plaza Rembrandt de Ámsterdam junto al busto del pintor, las réplicas de los personajes del cuadro, esculpidas por Alexander Taratýnov y Mijaíl Drónov. Al finalizar esta conmemoración las estatuas serán trasladadas para permanecer en los jardines del castillo de St. Gerlach, cerca de Maastricht.

También en homenaje, en el año de esta conmemoración, el director de cine británico Peter Greenaway rodó una película dedicada al cuadro titulada Nightwatching,​ protagonizada por Martin Freeman en el papel de Rembrandt y Emily Holmes como su segunda esposa, Hendrickje. Se presentó en el Festival Internacional de Cine de Venecia el 6 de septiembre de 2007 y su estreno comercial en los Países Bajos fue el 24 de enero de 2008.​​

La música también ha mirado al lienzo en busca de inspiración como el segundo movimiento de la Sinfonía n.º 7 de Gustav Mahler o la ópera De Nachtwacht compuesta por el músico neerlandés Henk Badings de 1942, sin dejar de mencionar las canciones Night Watch de King Crimson o The Shooting Company of Captain Frans B. Cocq del grupo Ayreon.

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VALDIVIESO, Enrique (1979). Pintura barroca: Rembrandt, Madrid: Sedmay.

VV.AA. (1989). Entender el arte: Rembrandt, Barcelona: Edic. Orbis-Fabris.

ZUFFI, Stefano (2005). El retrato: obras maestras entre la historia y la eternidad, Barcelona: Random House Mondadori.

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La ronda de noche - Wikipedia, la enciclopedia libre

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La ronda de noche o La ronda nocturna (en neerlandés: De Nachtwacht) es el nombre por el que se conoce comúnmente una de las más famosas obras maestras del pintor neerlandés Rembrandt, pintada entre 1639 y 1642. Este cuadro es una de las joyas de la exposición permanente del Rijksmuseum de Ámsterdam, pinacoteca especializada en arte neerlandés.

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José Gutiérrez Solana. Osario. Óleo sobre lienzo. 215 × 163 cm. 

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La sensacion que emite esta obra es simplemente extraordinaria, me llama la atencion como José Gutiérrez Solana plamo la naturalidad y tranquilidad con la cual los monjes y sacerdotes entierran a sus muertos, además de que la gama de tonos tierra se realciona bastante bien con la tematica, generando así una gran armonia visual. (Rodriguez Lesly)

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John Collier. The Laboratory (El laboratorio). Óleo sobre lienzo. 157,8 x 122,6 cm. Apellido: Rodriguez Jimenez

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A simple viste podemos observar y pensar que la pintura presenta una escena de ciencia, con una mujer y un hombre vijeo como protagonistas. Sin embargo el contexto detras de esta pintura es muy distinto a lo que vemos.

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Rafael Zabaleta. Formas en tierras de secano . 1952. Óleo sobre Lienzo. 81 x 100 cm. Museo Zabaleta, Quesada, Jaen (España). Apellido: Rodriguez Jimenez

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La obra de zabaleta busca mostrar en parte la belleza de la mujer campesina, tema que no era muy usado por los artistas de la epoca, y por otro lado la unión y trabajo colaborativo de las dos mujeres campesinas evidenciado en la unificacion de sus rostros formando uno solo. Tambien se debe resaltar el estilo cubista del artista, que ayuda a exponer y realsar mejor su mensaje .

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Grant Wood. Young Corn (Maíz joven).  1931. Óleo sobre lienzo. 60.96 x 76.2 cm. Cedar Rapids Museum of Art., Cedar Rapids (Estados Unidos). Apellido: Rodriguez Jimenez

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Desde mi perspectiva la esencia de esta obra de Wood se encuentra en el sentimiento de tranquilidad y calma que transmite los colores calidos; ademas, de sus reslatantes arboles representados d euna manera peculiar.

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Alfonso Ponce de León. Autorretrato, 1936. Pintura al óleo. 160 x 190 cm. Museo Reina Sofía, Madrid (España). Apellido: Rodriguez Jimenez

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Esta obra llama bastante la atencion debido a que artista se retrata asi mismo depsues de haber tenido un accidente automovilistico. Aunque este personaje tenga una expresión apasible y de serenidad, observamos que una piedra pudo haber perforado su cabeza dandonos a entnder la posibilidad de que este muerto. Lo cuirioso, que esta pintura fue como una especie de presagio ya que meses después en el mismo año, a los 30, Alfonso Ponce de León falleceria.

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Tiziano. Il rapimento di Europa(El rapto de Europa). 1952. Óleo sobre Lienzo. 81 x 100 cm. Museo Zabaleta, Quesada, Jaen (España). Apellido: Rodriguez Jimenez

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Desde mi perspectiva esta pintura retrata muy lo que le encragaron representar a Tiziano. Los colores armonizan y emebellecen de manera extraordinaria la obra

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Rafael Sanzio. El Parnaso. 1511. Pintura al fresco. x 670cm. Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano. N° de lista: 3

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El Parnaso, de Rafael Sanzio, una obra que describe el monte Parnaso, hogar de las Musas y Apolo en la mitología griega. Refleja una perspectiva humanista del Renacimiento, donde su composición simétrica y llena de color permite expresar el valor del arte y el pensamiento. Una Parte de esta obra muestra a Apolo en el centro rodeado por Musas, ocho en cada uno de sus lados, y grandes pensadores de la Antigüedad.

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El Parnaso es un fresco del artista Rafael Sanzio. Al discípulo Giovanni da Udine se le atribuye la ejecución de las musas. Fue ejecutado en 1511. Se encuentra en la parte norte de la Sala de la Signatura ( Stanza della Segnatura), una de las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano y que forman parte de los Museos Vaticanos. Fue la tercera en pintarse, después de La disputa del Sacramento y La escuela de Atenas.

Esta alegoría del Parnaso se encuentra encima de una de las ventanas de la Sala de la Signatura. Tiene una anchura en la base de 670 cm.

La pintura muestra el mitológico Monte Parnaso, la montaña sagrada donde reside el dios Apolo y las musas de la mitología griega.

En el centro del cuadro está la fuente Hipocrene, y por encima de ella Apolo toca un instrumento estilizado: un violín o una viola de brazo, instrumento capaz para la polifonía. Parece que el rostro de Apolo es el del papa Julio II, tañedor de viola de brazo.

A su alrededor, las nueve musas, repartidas a ambos lados del dios. Al lado izquierdo de Apolo hay cuatro musas: Melpómene, Terpsícore, Polimnia y Calíope. Al lado derecho del dios están, a su vez, representadas cinco musas: Euterpe, Clío, Talía, Urania y Erato.

Rafael representa a nueve poetas de la Antigüedad y otros nueve contemporáneos. Estos literatos conversan entre sí sin atender al concierto ofrecido por Apolo. Aquí aparecen no solo poetas de la Antigüedad clásica, sino también otros posteriores e incluso contemporáneos, como Dante, Petrarca, Ariosto y Sannazaro.

Dante Alighieri, Homero y Virgilio.

La identificación de algunos poetas es dudosa, y así como Dante y Homero están claramente representados, otros no se reconocen con facilidad. A la izquierda de Apolo estarían cuatro poetas épicos: Dante, Homero, Virgilio y Angelo Poliziano, siendo dudoso que este último sea un autorretrato de Rafael, y cuatro poetas líricos: Safo, Petrarca, Corina (poeta griega del siglo V a. C.), Alceo y Anacreonte. Algunos autores sugieren que uno de ellos puede ser Teócrito

En el lado derecho se han identificado con cierta seguridad Sannazaro, Tebaldeo, y Ludovico Ariosto. Más dudoso es el resto de las figuras. Unos identifican a Castiglione, Vittoria Colonna y Pietro Bembo, que tendría el rostro vuelto hacia Francesco Petrarca, su modelo supremo; y luego en torno a Bembo habría dos poetas desconocidos. Se les llama poetas del futuro que juzgan el pasado. De hecho este fresco se ha interpretado como un "viaje en el tiempo de la cultura" da la antigüedad conocida hacia un futuro desconocido representado por los últimos dos poetas.

Otros han identificado entre las figuras a la derecha de Apolo a Píndaro, Horacio, Ovidio, Tíbulo, Catulo, Propercio y Boccaccio

Se cree que este fresco lo elaboró Rafael con la ayuda de Pietro Bembo. A diferencia de lo que ocurre en la escuela de Atenas, en la que solo se reflejaba a filósofos de la Antigüedad, en el Parnaso se admiten poetas posteriores e incluso contemporáneos, ya que, a diferencia de lo que ocurre en la filosofía renacentista, la poesía de aquella misma época sí produjo obras que se consideraban comparables a las de la Antigüedad.

Pijoán, J., "Rafael" (1951), Summa Artis, Antología, vol. V: La época del Renacimiento en Europa, Espasa, 2004. ISBN (obra completa) 84-670-1351-6.

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El Parnaso (Rafael) - Wikipedia, la enciclopedia libre

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El Parnaso es un fresco del artista Rafael Sanzio. Al discípulo Giovanni da Udine se le atribuye la ejecución de las musas. Fue ejecutado en 1511.

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Eugène Delacroix. Entrada de los Cruzados en Constantinopla. 1840. Óleo sobre lienzo. 498cm × 410cm. Museo del Louvre, París - Francia. N° de lista: 3

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Entrada de los Cruzados en Constantinopla

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Entrada de los Cruzados en Constantinopla

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Un famoso episodio de la Cuarta Cruzada, el 12 de abril de 1204, en el que los cruzados, abandonando sus planes de invadir Egipto y Jerusalén, se decidieron por saquear la ciudad cristiana-ortodoxa de Constantinopla, capital del Imperio bizantino. La obra muestra al rey Balduino I a la cabeza de un desfile que atraviesa las calles de la ciudad tras el asalto. Alrededor de él los habitantes de la ciudad suplican clemencia.

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De Wikipedia, la enciclopedia libre

LaEntrada de los Cruzados en Constantinopla ( Entrée des Croisés à Constantinople) es una gran obra de Eugène Delacroix encargada por Luis Felipe I de Francia en 1838 y terminada en 1840. La obra está pintada al óleo sobre lienzo con unas medidas de 498cm x 410cm. El cuadro pertenece a la colección del Museo del Louvre en París.

El cuadro de Delacroix representa un famoso episodio de la Cuarta Cruzada ocurrido el 12 de abril de 1204 en el que los cruzados, abandonando sus planes de invadir Egipto y Jerusalén, se decidieron por saquear la ciudad cristiana-ortodoxa de Constantinopla, capital del Imperio bizantino. La obra muestra al rey Balduino I a la cabeza de un desfile que atraviesa las calles de la ciudad tras el asalto. Alrededor de él los habitantes de la ciudad suplican clemencia.​

La luminosidad de la obra y el uso del color debe mucho al estudio que Delacroix hizo de los viejos maestros tales como Paolo Veronese.​ El cuadro fue exhibido en el "Salón de París" de 1841 donde recibió críticas controvertidas. El periódico Le Constitutionnel lamentaba la confusión, la extraña composición, los aburridos colores terrosos y la falta de contornos definidos. Sin embargo Baudelaire elogió su "brava abstracción".​

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Entrada de los Cruzados en Constantinopla - Wikipedia, la enciclopedia libre

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De Wikipedia, la enciclopedia libre LaEntrada de los Cruzados en Constantinopla ( Entrée des Croisés à Constantinople) es una gran obra de Eugène Delacroix encargada por Luis Felipe I de Francia en 1838 y terminada en 1840. La obra está pintada al óleo sobre lienzo con unas medidas de 498cm x 410cm.

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Cristo de San Juan de la Cruz. Salvador Dalí. 1951. Pintura al óleo. 205 cm × 116 cm. Museo Kelvingrove

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Salvador Dalí refleja su propia versión de Cristo Crucificado, mostrandolo desde una perspectiva visto de arriba sin mostrar el rostro, con un fondo negro y un paisaje en la parte inferior.

https://historia-arte.com/obras/cristo-de-san-juan-de-la-cruz

Abigail Pósito cruz

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Niños comiendo uvas y melón. Bartolomé Esteban Murillo. 1650. Óleo sobre lienzo. 145,6 cm × 103,6 cm. Alte Pinakothek, Múnich, Alemania

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Se observa a dos niños pobres, con sus ropas rasgadas y sentados en el suelo, disfrutando de una canasta de frutas, donde comen uvas y un melón.

https://historia-arte.com/obras/ninos-comiendo-uvas-y-melon

Abigail Pósito Cruz

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El temerario luchador. 1839. Óleo sobre lienzo. 90,7 x 121,6 cm. Galería Nacional de Londres

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Es una de sus obras más destacadas, debido a su uso del color y luz para generar emoción. Mostrando la era de la navegación a vela y el auge de la energía a vapor.

https://www.artmajeur.com/es/magazine/5-historia-del-arte/jmw-turner/333118

Abigail Pósito Cruz

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La capilla de San Juan del Ramo en Santa María de Viana: pinturas y dibujos

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La capilla de San Juan del Ramo en Santa María de Viana: pinturas y dibujos

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La capilla de San Juan del Ramo en Santa María de Viana: pinturas y dibujos

El anuncio del ángel a Zacarías

Luis Paret

Óleo sobre lienzo, 266 x 224,5 cm

1786

Viana (Navarra), parroquia de Santa María

N° 8

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Guido Reni

Óleo sobre lienzo, 174,5 x 133 cm

h. 1606-7

Remagen, Arp Museum Bahnhof Rolandseck / Sammlung Rau für UNICEF

Link: https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/guido-reni/44974f9e-306b-8657-d8f4-59f0bb98ee15?searchMeta=rosa

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Victoria alada de Samotracia. Siglo II a.C. Mármol blanco. 2.75m. Museo del Louvre, París. N° de lista: 3

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La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un navío, que actúa de pedestal de la figura, cuyo cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta en un fino chitón y un manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía, tratamiento este que recuerda a la denominada técnica de «paños mojados» atribuida a las obras de Fidias.

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La Victoria de Samotracia, también conocida como Niké de Samotracia (en griego la estatua se denomina Níke tes Samothrákes [Νίκη τῆς Σαμοθράκης]), es una escultura perteneciente a la escuela rodia del período helenístico. Se encuentra en el Museo del Louvre, París. Representa a Niké, la diosa de la victoria. Tiene una altura de 2,75 m y se elaboró en mármol hacia el 190 a. C. Procede del santuario de los Cabiros en Samotracia. Algunos expertos la atribuyen con cierta probabilidad a Pithókritos de Rodas. Fue descubierta en 1863 en la isla de Samotracia ( Samothraki, en griego) por el cónsul francés Charles Champoiseau, arqueólogo aficionado.

Aunque cuando se descubrió se pensó que fue mandada a esculpir por Demetrio Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la flota de Ptolomeo Sóter en el año 306 a. C., porque figuraba en las monedas emitidas del 294 al 288 a. C., la datación de la escultura hacia comienzos del siglo II antes de Cristo hace más lógico pensar que en realidad se labró para celebrar las victorias sobre Antíoco III Megas.

La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un navío, que actúa de pedestal de la figura, cuyo cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta en un fino chitón y un manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía, tratamiento este que recuerda a la denominada técnica de "paños mojados" atribuida a las obras de Fidias. El manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer luego entre las piernas, dando lugar a una composición muy característica en otras figuras femeninas de la misma época.

Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo. Hay que precisar que una de sus alas, al menos en parte, no es original, sino producto de una restauración.

Marinetti, en el Manifiesto Futurista publicado en en 1909, utilizó esta obra para ejemplificar su crítica a la estatuaria y, por extensión, al arte tradicional de tipo clasicista, en beneficio de un nuevo arte que rindiese culto a los progresos técnicos de la industrialización, connotados por la velocidad y las máquinas. Así, puede leerse que "un automóvil de carreras es más hermoso que la Victoria de Samotracia".

Otro ejemplo de la relevancia y la actualidad de esta obra es la Victoria de Samotracia del artista francés Yves Klein. Esta escultura está actualmente expuesta en el Museo del Louvre en París. Se trata de un vaciado de escayola, una miniatura de la estatua original, del famoso color dorado.

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La Victoria de Samotracia , también conocida como Niké de Samotracia (en griego la estatua se denomina Níke tes Samothrákes [Νίκη τῆς Σαμοθράκης]), es una escultura perteneciente a la escuela rodia del período helenístico. Se encuentra en el Museo del Louvre, París. Representa a Niké, la diosa de la victoria.

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Rosales Gallinas. Isabel la Católica dictando su testamento. 1864. Óleo sobre lienzo, 287 x 398 cm, Museo del prado 

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Isabel la Católica dictando su testamento

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Isabel la Católica dictando su testamento

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Link: https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/isabel-la-catolica-dictando-su-testamento/907d2c98-eb35-4f1b-a39d-65bff0322faa

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Isabel la Católica dictando su testamento

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AÑO: 1940

AUTORA: Frida Kahlo

ESTILO: Simbolismo

MATERIALES: Oleo sobre lienzo

UBICACION: Universidad de Texas. EE.UU

DIMENSION: 49cm x 61cm.

Frida Kahlo se muestra con con su auto retrato, lleva un collar de espinas que expresa el sufrimiento a lo largo de su vida, el mono en símbolo del diablo y la lujuria, el colibrí con su "suerte en el amor", el gato negro símbolo de mala suerte y el color cumple un rol importante ya que son representativos de su cultura mexicana.

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Autorretrato. Leonardo Da Vinci. 1513. Tiza roja. 33 cm × 21,6 cm. Biblioteca Real, Turín - Italia.  N° de lista: 3

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Este dibujo de Leonardo da Vinci tiene una fascinante historia: pasó por varias manos tras la muerte del maestro, reapareció en Milán en el siglo XIX, se confirmó su autenticidad, volvió a desaparecer hasta que en 1840 un coleccionista lo vendió al rey Carlos Alberto de Saboya junto a obras de Rafael y Miguel Ángel, permaneciendo desde entonces en la Biblioteca Real de Turín.

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Este Autorretrato (en italiano, Autoritratto) es uno de los dibujos más conocidos del pintor italiano Leonardo da Vinci. Fue dibujado en torno al año 1513 y se encuentra en la Biblioteca Real de Turín. Está realizado en tiza roja y mide 33 centímetros de alto y 21,6 cm. de ancho.

Leonardo realizaba todas sus obras, incluso los esbozos, cuidando cada detalle. Si se observa atentamente el dibujo, se cae en la cuenta de cada cabello, cada pelo de la barba, está realizado con enorme precisión, aunque el rostro no esté acabado; falta de hecho la parte superior de la frente y parte de la barba pero produce la impresión de verse.

Este autorretrato, más que ser fiel como una fotografía, es una interpretación que Leonardo da a su propio rostro, jugando sobre la base de juegos de luces y sensaciones.

Este dibujo tiene una historia realmente sorprendente a sus espaldas: a la muerte de Leonardo, cayó en las manos de Francesco Melzi su fiel colaborador que había heredado todos los manuscritos y los dibujos, y a la muerte de este último, toda la colección se dispersó entre los hijos de Melzi y este retrato fue cedido, vendido, etcétera, y no se supo más de él. Reapareció a principios del siglo XIX en Milán. La confirmación viene del hecho de que había sido copiado y reproducido en una grabación para un libro, y desaparece nuevamente hasta 1840, cuando un coleccionista que lo había comprado quizá en Inglaterra o en Francia, lo vendió a Carlos Alberto de Saboya, junto a dibujos de otros grandes artistas como Rafael y Miguel Ángel. Desde entonces permanece en la Biblioteca Real de Turín.

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Autorretrato (Leonardo) - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Este Autorretrato (en italiano, Autoritratto ) es uno de los dibujos más conocidos del pintor italiano Leonardo da Vinci. Fue dibujado en torno al año 1513 y se encuentra en la Biblioteca Real de Turín. Está realizado en tiza roja y mide 33 centímetros de alto y 21,6 cm. de ancho.

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AUTOR: Ivan Shishkin y Konstantin Savitsky

AÑO: 1889

TECNICA: Oleo

https://arte.laguia2000.com/pintura/manana-en-un-bosque-de-pinos-de-shishkin-y-savitsky

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La pintura paisajista en Rusia tuvo un enorme apogeo durante las décadas finales del siglo XIX, y uno de los máximos representantes fue Ivan Shishki n (1832 - 1898) que pintó en numerosas ocasiones los espesos bosques de Rusia. Temática con la que alcanzó un enorme éxito en su época.

El autor estudió en las mejores academias del país, tanto en Moscú como en la capital del imperio zarista: San Petersburgo. Y no solo eso, tras un periodo becado en varias academias centroeuropeas, retornó a su país y con el tiempo también se convirtió en prestigioso profesor en instituciones académicas de las dos principales ciudades de los zares. Lo cierto es que acumuló una importante cantidad de dinero y con ella se compró un terreno boscoso donde pudo pintar y experimentar retratando una y otra vez esta naturaleza que tanto le apasionaba, sobre todo la dominada por la vegetación de coníferas.

En esta obra de Mañana en un bosque de pinos, realizada en 1889, podemos ver su extraordinario dominio a la hora de afrontar este tipo de composiciones. No obstante, hay que decir que el elemento que consigue dar dinamismo a esta instantánea es la representación de la juguetona familia de osos. Sin embargo, esos animales no los hizo Shishkin, sino su coetáneo Konstantin Savitsky (1844 - 1905), aunque su firma hoy en día no sea visible en el lienzo.

El cuadro parece una escena muy doméstica, ya que esos animales salvajes se han retratado como si fueran mascotas. Vemos a los oseznos jugando, subiendo por un árbol caído, y un tercer osito de la camada quiere alcanzarlos. Todos, incluso el oso adulto, parecen más de peluche que feroces animales de carne y hueso.

En realidad, todo tiene la atmósfera propia de un cuento o una fábula, ya que ese boque con la neblina baja también parece demasiado idílico. Eso en realidad se debe a la propia visión del pintor, un auténtico enamorado de esos parajes que pintó en tantas y tantas ocasiones.

Curiosamente es bien conocido que la obra la realizaron dos artistas, Shishkin y Savitsky, pero cuando la adquirió el coleccionista Tretyakov, en cuya galería todavía permanece en la actualidad, no quiso que el nombre de Konstantin Savitsky apareciera. De manera que hizo borrar su firma del cuadro. Y aunque durante mucho tiempo se ha atribuido a un único autor, es innegable que el paisaje lo pintó un artista y los ositos otro. Entre otras cosas porque Shishkin fue un verdadero superdotado para pintar vistas de la naturaleza, a la que aplicaba concienzudos criterios analíticos que luego era capaz de transformar en verdaderos poemas visuales. Sin embargo, no se tiene constancia de que incluyera animales con la viveza y la expresividad que aparecen en esta tela. Tal vez por esa conjunción de elementos, este cuadro todavía es a día de hoy uno de los más populares en Rusia.

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Mañana en un bosque de pinos de Shishkin y Savitsky

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La pintura paisajista en Rusia tuvo un enorme apogeo durante las décadas finales del siglo XIX, y uno de los máximos representantes fue Ivan Shishki n (1832 - 1898) que pintó en numerosas ocasiones los espesos bosques de Rusia. Temática con la que alcanzó un enorme éxito en su época.

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El busto de Nefertiti es una escultura egipcia de piedra caliza policromada que representa el rostro de la reina Nefertiti, conocida por su realismo y delicadeza de rasgos faciales. Data del año 1345 a.C. y fue descubierto en 1912 por el arqueólogo Ludwig Borchardt en Amarna, antigua capital egipcia. Su simetría, equilibrio y serenidad facial lo convierten en una obra maestra de la escultura egipcia. En la actualidad, se exhibe en el Museo Egipcio de Berlín y es considerado un símbolo de belleza y elegancia del antiguo Egipto.

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 Año	1595
Autor	Caravaggio
Técnica	Óleo sobre lienzo
Estilo	Barroco
Tamaño	94 cm × 119 cm
Localización	Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia  S.B.

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"Apolo tocando el laúd" es una obra de Bartolomé Esteban Murillo, pintada alrededor de 1660. Representa al dios griego de la música tocando el laúd, con una técnica de óleo sobre lienzo. https://es.wikipedia.org/wiki/Apolo_tocando_el_la%C3%BAd

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https://hansbetancourth.com/albert-lynch/