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Idées communes des symbolistes : carte mentale pour y voir plus clair

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Idées communes des symbolistes : carte mentale pour y voir plus clair

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William Holman HUNT, « Le bouc émissaire »,1854-1855, huile sur toile, 86,5 x 139,8 cm, Bebington, Lady Lever Art Gallery.

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Ce fut le premier tableau majeur réalisé par Hunt lors de son premier séjour en Terre Sainte.

Au cours de ses recherches, Hunt a appris que lors de la fête du Jour des Expiations, une chèvre était envoyée du temple avec un morceau de tissu écarlate sur la tête, symbolisant les péchés de la congrégation. On croyait que si ces péchés étaient pardonnés, le tissu deviendrait blanc. Le concept du « bouc émissaire », en tant que personne, ou animal, qui assume les péchés des autres ou est injustement blâmé pour les problèmes, découle de ce rituel.
Hunt a choisi de placer sa chèvre sur les rives de la mer Morte, à Osdoom, avec les montagnes d'Édom au loin. Le site avait été identifié par Louis de Saulcy comme le site originel de la ville de Sodome. Dans son journal, Hunt décrit ce décor comme une « horrible figure du péché » dont personne ne peut dire qu’il « n’est pas maudit par Dieu ».
L'historien Dominic Janes a émis l'hypothèse que Sodome avait été choisie comme lieu pour l'image parce que Hunt voulait établir un lien entre le Jour des Expiations et l'homosexualité. Dans la Bible, Sodome est une ville décrite comme ayant été détruite par Dieu en une pluie de feu et de soufre pour les « péchés » de ses habitants. On pense traditionnellement que ce « péché » était le rapport homosexuel masculin, d’où la montée du mot « sodomie ». Hunt considérait le bouc émissaire de l'Ancien Testament comme un équivalent du Christ du Nouveau Testament dont la souffrance et la mort effaçaient de la même manière les péchés des hommes.
Comparé aux autres peintres de la Confrérie des préraphaélites, William Holman Hunt était plus que les autres attiré par les recherches spirituelles et religieuses dans ses sujets.

Fidèle à l'esprit préraphaélite de réalisme et de proximité avec la nature, en 1854, William Holman Hunt se rendit en Palestine pour peindre des paysages et des personnages pour ses peintures bibliques. Au total pour donner plus de vraisemblance à ses scènes bibliques il est allé à trois reprises en Palestine, en 1854, en 1869 et en 18751.

« Je ne veux pas, ( …) rééditer toujours la même formule, le même sujet, le même sentiment. L’art a besoin d’air, besoin d’espace, besoin de renouveler ses inspirations ». Il ajouta que depuis longtemps il rêvait de peindre la plus grande de toutes les histoires, celle du Christ, et que pour la peindre de façon à émouvoir les esprits critiques, modernes, il fallait la prendre telle qu’elle s’était passée : humble, locale, humaine, et non pompeuse et idéale, telle que la tradition de la Renaissance l’avait transformée. Pour cela, il fallait l’étudier sur place »
Commentaires extraits du site du musée où est exposée l'oeuvre et de Wikipedia

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Il contribue à l'ambiance

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- tout est très plat
- il travaille par plans
- parfois on a un étagement vertical des visages

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Les peintures symbolistes ont souvent exploré des thèmes universels tels que l'amour, la mort, la spiritualité et la nature humaine.

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Les artistes symbolistes ont accordé une grande importance à l'imagination, cherchant à créer des images qui stimulent l'imagination du spectateur.

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Les peintures symboliques ont souvent un aspect mystérieux et énigmatique, laissant le spectateur avec un sentiment d'incompréhension ou de perplexité.

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Opposition au réalisme et usage de symboles

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Opposition au réalisme et usage de symboles

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Les artistes symbolistes ne veulent plus peindre la réalité, ils cherchent plutôt à peindre des idées abstraites, des émotions, des concepts.  Ils utilisent pour cela des symboles.

Les peintures symbolistes peuvent inclure des couleurs et des formes non réalistes pour évoquer une atmosphère mystique ou surnaturelle.

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La plupart des artistes et groupes d'artistes symbolistes se sont opposés aux mouvements imposés par le pouvoir (opposition aux Académies).

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- grands formats

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- huile sur toile
- il travaille en général avec une matière épaisse, une touche bien visible composée de petits traits qui suivent généralement une même direction sur une même surface.

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- Très variable d'une œuvre à l'autre mais souvent il y a un côté plat.
- Il travaille souvent par plan, avec régulièrement une vue en légère plongée
- Parfois on retrouve un espace traité de manière plus classique avec des lignes de fuites

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- peu d'intérêt
- parfois utilisée pour amplifier une ambiance

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- souvent distordues pour créer un malaise, une tension, une atmosphère sombre, mélancolique

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- couleurs vives et contrastées => impact visuel fort (alors que les sujets sont sombres)

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- Régulièrement chargées et chaotiques
- Parfois très simples et aérées

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- peintures satiriques et critiques de la société belge de l'époque, surtout la classe dirigeante
- des symboles reviennent souvent : masque (thème de l'identité, de la dissimulation), le squelette, les objets de cultes => renvois à la mort, la folie...

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Tous

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- moyen

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- huile sur toile
- touche très longue, fluide, sinueuse

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absent

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- côté très plat
- parfois des perspectives angoissantes
- parfois un peu de modelé

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- elle ne sert pas du tout à rendre réaliste
- elle permet de créer une ambiance dramatique, essentiellement grâce aux ombres

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- stylisées, pas du tout réalistes
- nombreux personnages sont déformés  afin de procurer une forte émotion, une expression intense
- utilisation de lignes fluides et sinueuse pour créer les formes qui sont cependant sans contour défini

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- couleurs vives, intenses => nombreux contrastes qui provoquent une tension visuelle
- palette assez réduite et récurrente : rouge, orange, jaune, bleu

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- souvent assez chargée par de nombreux motifs décoratifs
- très réfléchies
- importance de la courbe (caractéristique de l'Art Nouveau)
- parfois chaotiques

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- claires et simples
- la courbe est très présente
- parfois asymétriques ou utilisation d'angles inhabituels pour créer une impression de tension et d'inconfort

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- thèmes psychologiques et émotionnels profonds : beaucoup d'angoisse, d'anxiété,
- côté souvent spirituel
- de nombreux motifs sont récurrents : visages masqués, couples enlacés, corps nus, motifs issus de la nature

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- huile sur toile
- les couleurs sont réparties en de grands aplats assez uniformes, la touche est généralement invisible.
- Klimt utilise régulièrement la feuille d'or dans ses peintures, ce qui permet de rendre le doré très brillant
- pour ses paysages : technique proche de celle du pointillisme mais les touches peuvent être un peu plus longues ou larges
- peintures murales à la caséine (à base de lait), le rendu est très mat et velouté.

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- beaucoup de motifs décoratifs (souvent symboliques), répétitifs

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- de manière générale Klimt utilise peu la lumière : en général il n'y a pas du tout d'ombres, ce n'est pas réaliste
- elle permet parfois de rendre un peu de modelé, surtout dans les visages

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- beaucoup de doré
- beaucoup de couleurs vives, surtout les primaires => contrastes intenses => effets dramatiques
- appliquées en larges aplats

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- souvent très stylisées, simplifiées, avec des contours bien définis et des motifs répétitifs
- parfois certaines formes peuvent être beaucoup plus réalistes (par exemple certains visages)
- nombreux motifs décoratifs répétitifs

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- puisés dans l'Antiquité, la littérature, la musique
- paysages
- nombreux portraits, surtout de femmes
- beaucoup de symboles sont cachés dans ses peintures : serpents, coquillages, fleurs, spirales (ces éléments ont une signification cachée)

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Dans la deuxième moitié du XIXè s.

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La page wikipedia de Klimt offre une galerie bien étoffée.

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Gustav Klimt, né le à Baumgarten en Autriche et mort le à Vienne, est un peintre symboliste autrichien, et l'un des membres les plus en vue du mouvement Art nouveau et de la Sécession de Vienne.

Peintre de figures, sujets allégoriques, nus, portraits, paysages, il est aussi dessinateur, décorateur, peintre de cartons de tapisseries et de mosaïques, céramiste et lithographe.

Deuxième enfant d'une famille de sept, Gustav Klimt naît à Baumgarten le , près de Vienne. Fils d'Ernst Klimt ( - ), orfèvre ciseleur de métaux précieux, et d'Anne Finster (-), qui a toujours rêvé d'être une chanteuse lyrique mais n'a jamais réussi, Gustav a grandi dans la pauvreté. Son père, d'origine tchèque et ne parlant pas bien l' allemand, n'a pas les contacts nécessaires pour gagner assez d'argent pour subvenir correctement aux besoins de sa famille. La famille vit dans une même pièce. Alors que Gustav n'a que 12 ans, sa sœur, Anna, âgée de 5 ans, meurt d'une maladie infantile. Sa mère n'arrive pas à supporter et s'effondre totalement. Scolarisé partiellement, Gustav est la cible des autres élèves et se sent rejeté, se plongeant dans le dessin. Avec son frère Ernst, il commence à aider leur père dans son travail d'orfèvre.

En 1876, à l'âge de 14 ans, il rentre à l' école des arts appliqués de Vienne, Ernst le rejoignant un an après en 1877,. Ils y sont élèves de Ferdinand Laufberger et de Julius Victor Berger ,.

En 1879, il débute comme décorateur dans l'équipe de Hans Makart à qui il rêvera de ressembler pendant un temps, en participant à l'organisation du Festzug ( noces d'argent du couple impérial). Ce n'est pas le style rococo de Makart qui attire Klimt mais suite ce goût de l'excès. La même année, les frères Klimt et leur ami Franz Matsch décorent la cour intérieure du musée d'Histoire de l'art,.

En 1880, Gustav Klimt adhère au Künstlerhaus (la Compagnie des artistes), intermédiaire influent entre les artistes et leur public, qui se chargeait de les aider. En 1883, Gustav, Ernst et Franz crée un atelier collectif appelé Künstler-Compagnie. Le trio réalise en particulier de nombreuses fresques, allégories et emblèmes dans un style académique ; la précision des portraits de Klimt est renommée. Il se voit confier la décoration de murs et plafonds de villas mais aussi de théâtres et édifices publics,. En 1885, il décore la villa Hermès, retraite favorite de l' impératrice Elizabeth dans le Lainzer Tiergarten, d'après les dessins de Hans Makart, le théâtre de Carlsbad en 1886, les plafonds du théâtre de Fiume en 1893. Entre 1886 et 1888, il peint l'escalier du Burgtheater à Vienne et le style de Klimt commence à se différencier de celui de son frère Ernst Klimt et de celui de Franz Matsch, montrant ses capacités techniques en réalisant des " portraits réaliste à la précision photographique " ,.

Les qualités artistiques de Gustav Klimt sont reconnues officiellement et il reçoit, en 1888, à l'âge de 26 ans, la croix d'or du Mérite artistique des mains de l'empereur François-Joseph,. En 1890, il réalise la décoration du grand escalier du musée d'Histoire de l'art, qu'il mène à bien malgré le décès du maître d'œuvre de ce travail, Hans Makart, travail qui consolide encore sa réputation. Il reçoit le prix de l'empereur pour l'œuvre représentant La Salle de l'ancien Burgtheater, Vienne. Ainsi, jusqu'en 1890, Gustav Klimt a un début de carrière fait d'une solide réputation de peintre décorateur répondant à des demandes officielles de peintures architecturales, mais sans réelle originalité. Par la suite, son art devient moderne et plus original. Il s'exprime totalement et librement, comme l'indiquent les inscriptions sur le tableau Nuda Veritas : " Si l'on ne peut par ses actions et son art plaire à tous, il faut choisir de plaire au petit nombre. Plaire à beaucoup n'est pas une solution. ".

En 1892, son père meurt d' apoplexie - comme il en mourra lui-même ; son frère Ernst Klimt meurt également la même année, ce qui provoque la dissolution de la Compagnie.

À la mort de son frère, il doit assurer la sécurité financière de sa famille et de la veuve de ce dernier, Helene Flöge, . Il amorce sa rupture avec l' académisme. En 1893, le ministre de la Culture refuse sa nomination à la chaire de peinture d'histoire des Beaux-Arts.

Il prend pour compagne Emilie Flöge, qui tient une maison de couture, et se rapproche en ces débuts des années 1890 des écrivains Arthur Schnitzler, Hugo von Hofmannsthal et Hermann Bahr.

En 1894, il est chargé avec Franz Matsch de la décoration de l' de l'université et réalise trois œuvres monumentales. L'année suivante, Klimt reçoit à Anvers le grand prix pour la décoration de l'auditorium du théâtre du château Esterházy à Totis (Hongrie).

En 1895, lors d'une exposition à Vienne, il découvre les œuvres de Max Liebermann, Félicien Rops, Julius Klinger, Arnold Böcklin et Auguste Rodin.

Avec plusieurs de ses amis, dont Koloman Moser, Joseph Maria Olbrich, Carl Moll, Josef Hoffmann, Max Kurzweil, Josef Engelhart et Ernst Stöhr, il crée le le groupe des sécessionnistes qui fonde en une revue d'art intitulée (" Printemps sacré "). Le groupe ambitionne de construire un édifice consacré aux arts. Klimt participe la même année à la fondation de l'Union des artistes figuratifs, appelée la Sécession viennoise avec 19 artistes du Künstlerhaus. Cette séparation marque le désir de nouveauté de Klimt et d'une multitude d'autres artistes face à " l'inflexible résistance au changement " de l'académisme viennois, responsable d'un véritable " obscurantisme " artistique. De son côté, le Künstlerhaus ne met pas réellement en place une transmission entre les artistes étrangers innovants et leurs confrères autrichiens.

Il devient président de cette association, dont l'objectif est de réformer la vie artistique de l'époque et de réaliser des œuvres d'art qui élèvent " l'art autrichien à une reconnaissance internationale à laquelle il aspire ". Il s'agit aussi de combler le fossé entre les arts dit mineurs, de rapprocher les objets utilitaires et les objets d'art - pour créer une œuvre d'art totale, selon une citation de Wagner -, de transformer le monde au moyen des arts. Les arts doivent éveiller les consciences et s'éloigner de toute compromission avec l'art et l'académisme établis.

Cette fondation est en quelque sorte la réponse au mouvement Art nouveau en France et au Jugendstil qui se développe en Allemagne. Leur revue Ver sacrum devient le moyen d'expression de la Sécession, et le porte-parole de cette volonté de changer le monde. Josef Maria Olbrich parvient à réaliser l'édifice dédié aux arts souhaité par Klimt, le palais de la Sécession, qui donne aux jeunes artistes figuratifs un lieu permanent d'exposition pour leurs œuvres, et cristallise comme une sorte de manifeste les idées du groupe : " À chaque époque son art, à tout art sa liberté. ".

À partir de 1897, Klimt commence à passer ses étés avec Emilie Flöge dans le Kammer et la région de l' Attersee, où il peint ses premiers paysages.

En 1898, il crée une affiche pour la première exposition et l'ouverture de la Sécession. Elle représente Thésée, entièrement nu, terrassant le Minotaure. Cette affiche est censurée par les autorités viennoises, les parties génitales de Thésée étant couvertes, ce qui ne manque pas d'irriter Klimt.

Membres de la Sécession viennoise photographié par Moritz Nähr. De gauche à droite : Anton Stark, Gustav Klimt, Koloman Moser (chapeau), Adolf Boehm , Maximilian Lenz (couché), Ernst Stöhr (chapeau), Wilhelm List, , Emil Orlik (assis), Maximilien Kurzweil (casquette), Leopold Stolba, Carl Moll (couché) et Rudolf Bacher. Vienne, 1902.

En 1898, il peint le célèbre tableau Pallas Athéna, qui sera utilisé comme affiche à l'occasion de la deuxième exposition de la Sécession, lors de l'inauguration de l'édifice de Joseph Maria Olbrich. Il détourne la représentation traditionnelle du sujet, d'inspiration classique, en montrant sous le visage de la déesse une Gorgone tirant la langue, représentation traditionnelle de l' époque archaïque.

Vers 1899, Gustav Klimt rencontre Maria Zimmermann, connue sous le nom de Mizzi. Issue d'une famille pauvre catholique, cette dernière pose comme modèle pour Nuda Veritas et Schubert at the Piano II. Elle entretient alors une relation avec Klimt et tombe enceinte. Si Klimt lui témoignage des sentiments, il entretient également une relation avec Maria Ucicka, une jeune fille tchèque et cette dernière est également enceinte. De cette relation naitra Gustav Ucicky, premier enfant illégitime de Gustav Klimt.

Si Gustav Klimt ne marie aucune des deux femmes, il les subvient financièrement à leur besoin, sa seule réelle famille étant celle de son défunt frère.

1900-1907 : La Philosophie, La Médecine et La Jurisprudence

Ces toiles commandées par l' université de Vienne pour décorer le hall d'entrée, connue sous le nom de Peintures des Facultés, ont été détruites par les nazis en 1945, et presque aucune trace n'a été trouvée. Il existe peu de représentations de cette œuvre.

Au cours de l'année 1900, lors de la septième exposition de la Sécession, Klimt présente sa toile intitulée La Philosophie, qui est la première des trois toiles préparatoires, avec La Médecine et La Jurisprudence, qui lui avaient été commandées en 1886 pour illustrer les voûtes du plafond de l', le hall d'accueil de l' université de Vienne. Il choisit de représenter la Philosophie sous la forme d'une sphinge aux contours flous, la tête perdue dans les étoiles, tandis qu'autour d'elle se déroulent tous les cycles de la vie, de la naissance à la vieillesse, en passant par les étreintes de l'amour. À gauche, à l'avant-plan, la connaissance revêt les traits d'une femme fatale fixant de ses yeux froids et sombres le spectateur.

Cette toile fait l'objet d'une critique sévère des autorités universitaires, qui s'attendaient à une représentation classique du sujet, et qui considèrent alors cette allégorie comme une provocation au libertinage et une atteinte aux bonnes mœurs. La critique violente de la presse accuse Klimt d'outrager l'enseignement et de vouloir pervertir la jeunesse. On lui reproche ses peintures trop érotiques, et on s'interroge sur sa santé mentale et sur ses crises de dépression. " Il est trapu, écrit-on, un peu lourd, athlétique... pour allonger son visage sans doute, il porte ses cheveux en arrière et rejetés très haut au-dessus des tempes. C'est le seul signe qui pourrait faire penser que cet homme est un artiste. ".

Critiquée par 87 professeurs de l'université qui la refusent lorsqu'ils la découvrent à l'exposition de la Sécession, La Philosophie reçoit une médaille d'or en 1900 à l' Exposition universelle de Paris.

Les compositions qui suivent, La Médecine et La Jurisprudence déchaînent et amplifient les critiques. Les autorités viennoises espéraient que Klimt retourne à un style plus acceptable mais celui-ci peint les deux compositions exactement comme la première.

Devançant les éventuelles les critiques, August Lederer et sa femme Serena Lederer se portent prêt à acheter les décorations murales si nécessaire. Les Lederer sont proches de Klimt et celui-ci a notamment peint en 1899 le portrait de Serena et lui donne même des leçons de dessin.

L'exposition de la Sécession de 1901 voit un nouveau scandale, et cette fois, ce sont les députés qui interpellent le ministre de l'Éducation à propos de La Médecine. Celle-ci est représentée par une femme qui offre son corps, au côté des représentations de la Souffrance et de la Mort. On peut reconnaître la femme en bas de la toile par les attributs représentés par le peintre, notamment le serpent qui s'avance sur son bras pour boire dans la coupe qu'elle tient dans sa main gauche. Il s'agit de Hygie, déesse dans la mythologie grecque de la santé, de la propreté et de l'hygiène. Elle est la fille d' Asclépios, dieu de la médecine. La Jurisprudence, quant à elle, est représentée par un criminel en proie à ses instincts, tandis que la Justice reste figée et impassible enchâssée dans une mosaïque d'inspiration byzantine.

Ces différentes compositions irritent tellement les autorités, et notamment l'empereur François Joseph, que cela amènera l'Autriche à annuler la commande d'une œuvre pour un pavillon dédiée à la Sécession à l' Exposition universelle de 1904 à Saint-Louis.

Klimt doit renoncer à voir ses peintures décorer l'aula magna, sans pourtant renoncer à son invention esthétique.

La Frise Beethoven est présentée pour la première fois par Klimt en 1902 : lors de la quatorzième exposition de la Sécession, consacrée à la musique de Beethoven, Klimt expose une fresque murale de 34,14 m de long sur 2,15 m de haut en sept panneaux, représentant la Neuvième Symphonie, destinée à illustrer un décor pour l'architecte Josef Hoffmann, chargé de réaliser un monument en mémoire du musicien. Destinée uniquement à l'exposition, la frise a été peinte directement sur les murs. Cette œuvre est approuvée par Gustav Mahler lui-même : pour lui, elle représente l'aspiration au bonheur de l'humanité souffrante, qui cherche son apaisement dans les arts. Dans son esprit, Klimt réalise une œuvre d'art totale, en réunissant la peinture avec la musique et l'architecture (de par l'utilisation de l'espace, les trois murs, la frise en hauteur, et le bâtiment de la Sécession). Cette œuvre fait de nouveau l'objet de critiques violentes au nom de la morale, et fait partie des " (...) exemples les plus extrêmes dans le domaine de l'art obscène. ". Elle est néanmoins appréciée par le sculpteur français Auguste Rodin qu'il rencontre en 1902. Ce dernier déclare " Je n'avais encore jamais connu une telle atmosphère - votre tragique et magnifique fresque de Beethoven ; votre inoubliable exposition aux allures de temple. ".

La frise est acquise en 1907 par Carl Reininghaus puis, en 1915, par la famille de l'industriel juif autrichien August Lederer. Après sa spoliation par les nazis, l'État autrichien la restitue aux Lederer, assortissant cette restitution d'une interdiction d'exportation, puis finalement l'achète en 1972, après de longues négociations, pour 15 millions de schillings (près d'un million d'euros). La frise est exposée dans le palais de la Sécession depuis 1986. Une reconstitution fidèle fut présentée en 2015, à Paris, lors de l'exposition Au temps de Klimt. La Sécession à Vienne, à la Pinacothèque de Paris.

Les années 1902-1903 constituent un tournant dans l'œuvre de Klimt, et une période d'intense créativité. Il entame la réalisation du Cycle d'or (ou " période dorée "), avec les Serpents d'eau, le Portrait d'Adele Bloch-Bauer et . Il s'agit surtout d'une période où Klimt explore le thème de l' érotisme, peignant des couples faisant l'amour ou des femmes se masturbant. Si les critiques crient à la pornographie, ses œuvres ne sont pas interdites, car elles sont " sans le moindre doute uniquement d'un intérêt esthétique pour le spectateur et l'érudit ". L'or est ainsi utilisé dans ses peintures sensuelles pour se rapprocher du côté divin et religieux. Si certaines critiques indiquent que Klimt exploite les femmes, en les dépeignant comme femme fatale, passives face aux désirs de l'homme, il est néanmoins défendu par celles-ci et ses œuvres font parties des rares témoignages de la sexualité féminine de l'époque.

En 1903, Klimt visite Venise, Ravenne et Florence. En compagnie de son collègue Maximilian Lenz, il visite notamment la basilique Saint-Vital de Ravenne. Il y étudie les mosaïques byzantines paléochrétiennes à fond d'or de et de son épouse, l' impératrice Théodora,,,. Lenz écrit plus tard que " les mosaïques ont eu une immense impression décisive sur [Klimt]. C'est de là que vient la resplendissance, la décoration rigide de son art ". Klimt dit plus tard que ces " mosaïques d'une splendeur incroyable " ont été pour lui une " révélation ". Ces inspirations mèneront au Portrait d'Adele Bloch-Bauer, portrait d' Adele Bloch-Bauer commandé par le riche industriel juif Ferdinand Bloch-Bauer pour un anniversaire. Spolié par les nazis durant la Seconde Guerre mondiale, ce tableau sera finalement récupéré par les descendants des Bloch-Bauer après une longue bataille judiciaire.

En 1903, a également lieu la rétrospective Klimt au palais de la Sécession.

En 1904, le banquier belge Adolphe Stoclet lui commande la réalisation des mosaïques murales de la salle à manger d'un luxueux palais qu'il construit à Bruxelles sur les plans de l'architecte Josef Hoffmann. Klimt dessine les cartons qu'exécutera la Wiener Werkstätte. La richesse décorative de Klimt éclate dans L'Attente et dans L'Accomplissement, qu'il réalise pour Adolphe Stoclet.

Le Baiser et fin de la Sécession

Le Baiser, qui est le tableau le plus représentatif de Gustav Klimt et qu'il peint de 1908 à 1909, sera reproduit dans le thème de L'Accomplissement pour la fresque d' Adolphe Stoclet.

En 1907, Klimt rencontre le jeune peintre Egon Schiele (1890-1918) qu'il va beaucoup influencer : Klimt sera pour lui un modèle et un maître.

À partir de 1905, devant les désaccords avec de nombreux artistes du groupe, il quitte, avec plusieurs de ses amis, la Sécession, qui, selon lui, tend à se scléroser. " Il se retire en 1905 avec Carl Moll, tandis que Josef Hoffmann et Koloman Moser fondent la Wiener Werkstätte (atelier viennois) en 1907-1908. " En 1908, Klimt expose 16 toiles à la Kunstchau ; la Galleria d'arte moderna achète Les Trois Âges de la femme et l'Österreichische Staatsgalerie achète Le Baiser.

Il épure son style, évitant l'or à partir de 1909. Klimt va à Paris où il découvre avec intérêt l'œuvre de Toulouse-Lautrec. Il découvre aussi le fauvisme et ses précurseurs : Vincent van Gogh, Edvard Munch, Jan Toorop, Paul Gauguin, Pierre Bonnard et Henri Matisse sont exposés à la Kunstschau Wien 1908. Il se consacre alors à la peinture de paysages ou des scènes allégoriques très ornementées, de plus en plus stylisées et aux couleurs vives, ce qui le rapproche du pointillisme de Seurat, mais aussi de Van Gogh et de Bonnard. En 1909, il commence la Frise Stoclet.

Il s'intéresse davantage à la peinture intimiste et aux portraits. Il réalise des tableaux de femmes de grandes dimensions, avec des compositions richement décorées, pour flatter une clientèle riche et bourgeoise qui lui fait des commandes, et il réalise aussi de nombreuses scènes de femmes nues ou aux poses langoureuses et érotiques, en tenues extravagantes dans des compositions asymétriques, sans relief et sans perspectives, riches d'une ornementation chatoyante, envahissante et sensuelle.

En 1910, Klimt participe à la Biennale de Venise, où il retrouve le succès et la notoriété d'avant l' aula magna. Il reprend le titre de décorateur " fin de siècle ", de peintre de l'intelligentsia autrichienne et d'inventeur de l'art décoratif.

En 1911, La Vie et la Mort reçoit le prix à l' Exposition internationale de Rome. Klimt voyage à Florence, Rome, Bruxelles, Londres et Madrid. En 1912, il remplace par un fond bleu (à la Matisse) le fond or de La Vie et la Mort.

En 1914, les expressionnistes critiquent l'œuvre de Klimt. [précision nécessaire]

Sa mère meurt en 1915, la palette de l'artiste s'assombrit, ses paysages tendent vers la monochromie.

En 1916, Klimt participe avec Egon Schiele, Oskar Kokoschka et Anton Faistauer à l'exposition du Bund Österreichischer Künstler à la Sécession de Berlin.

En 1917, l' Académie des beaux-arts de Vienne et celle de Munich le nomment membre honoraire. Klimt commence L'Épousée et Adam et Ève.

Les dates et les circonstances de la mort de l'artiste diffèrent selon les ouvrages. Selon le catalogue collectif du " au retour d'un voyage en Centre Pompidou, Roumanie, Klimt est frappé d'une congestion cérébrale. Il meurt le à Vienne. " Selon Ilona Sármány-Parsons, " il meurt d'une hémorragie cérébrale ou congestion cérébrale le à Vienne. " Selon le catalogue de l'exposition présentée au Leopold Museum à Vienne en 2012, Klimt subit un accident vasculaire cérébral dans son appartement à Vienne le et est alors à moitié paralysé. Il meurt à l'hôpital le et est enterré trois jours plus tard. Certaines sources indiquent qu'il était atteint par l' épidémie de grippe mortelle ayant sévi cette année-là.

Il est enterré dans cette même ville au cimetière de Hietzing à Vienne. Il laisse de nombreuses toiles inachevées.

Célibataire, il vit avec sa mère et ses sœurs. Il a cependant de nombreuses maîtresses, notamment Emilie Flöge, qu'il rencontre au début des années 1890. Elle sera sa principale compagne jusqu'à la fin de sa vie. De ses nombreuses conquêtes naîtront quatorze enfants illégitimes officiels.

Son œuvre comprend 230 tableaux, dont 54 tableaux représentant des paysages. Ses principaux travaux incluent les peintures, les fresques, les croquis et autres objets d'art, dont plusieurs sont exposés au palais de la Sécession. La profusion des détails, la richesse des décors et de la coloration en sont caractéristiques, ainsi que la précision des portraits. Il utilise souvent les formes phalliques dans ses œuvres, notamment dans Judith II (1909), dans Le Baiser (1907-1908), mais surtout dans Danaé (1907). Un des thèmes récurrents du travail de Klimt est la femme dominatrice, personnifiée par la femme fatale.

Klimt est connu pour son utilisation de l' or dans les peintures, qu'il découvre après avoir vu des mosaïques byzantines de Ravenne : voir le tableau de droite, , peint en 1901. Mais ses inspirations sont éclectiques. Les historiens de l'art répertorient des inspirations aussi diverses que celles de la Grèce classique, minoenne et égyptienne. Il est aussi inspiré par les ciselures d' Albrecht Dürer, les peintures européennes de la fin du Moyen Âge et de l'école japonaise de Rimpa.

Klimt peint également quelques paysages, privilégiant le format carré (comme beaucoup d'artistes de la Sécession), avec une absence de personnage, ce qui donne une ambiance de particulière sérénité. Ces tableaux sont peints sur le motif et terminés en atelier.

Klimt a beaucoup dessiné. Le catalogue raisonné de ses dessins comporte plus de 3 700 numéros mais il est probable que ce nombre soit largement sous évalué, l'artiste n'étant guère conservateur de ses feuillets.

" Il n'existe pas d'autoportrait de moi. Je ne m'intéresse pas à ma propre personne comme "objet de représentation", mais aux autres êtres, surtout féminins, et plus encore aux apparitions. "

2005 : Vienne 1900. Klimt, Schiele, Moser, Kokoschka, Paris, Grand Palais.

2012 : Vienne rend hommage à Gustav Klimt à l'occasion de son anniversaire. La capitale autrichienne organise l'année Gustav Klimt. Dix grands musées viennois présentent une série d'expositions temporaires consacrées à l'artiste.

2015 : Au temps de Klimt. La Sécession à Vienne, à la Pinacothèque de Paris. Le cœur de l'exposition s'appuie sur une sélection des travaux majeurs de Gustav Klimt, de ses premières années d'études, jusqu'aux grandes œuvres de son âge d'or, comme Judith I (1901) ou la frise Beethoven, œuvre monumentale reconstituée à l'échelle et présentée pour la première fois en France.

Le générique de l'animé tiré du manga s'inspire de ses œuvres. Générique réalisé par Mamoru Kanbe.

Le générique de l'animé La Mélodie du Ciel s'inspire de la frise Beethoven. Générique également réalisé par Mamoru Kanbe.

En 2005, Raoul Ruiz réalise le film , avec John Malkovich dans le rôle du peintre.

Dans le film de Francis Ford Coppola, sorti en 1992, la robe portée par Dracula dans la scène de lutte finale dans le château a été inspirée par la peinture de Gustav Klimt intitulée Le Baiser.

Les groupes de musique électronique The Bloody Beetroots a rendu hommage en titrant une de leurs chansons Gustav Klimt Was a Dark, chanson qui traduit phonétiquement l'art de Gustav Klimt.

Le style graphique de l'animé Gankutsuou est inspiré du style de Gustav Klimt.

Dans la série d'animation Miraculous, les aventures de Ladybug et Chat Noir, le portrait d'Emilie Agreste est inspiré de la peinture Adèle Bloch-Bauer de Gustav Klimt.

La direction artistique du jeu-vidéo Transistor s'inspire en partie du style de Gustav Klimt.

En , Sotheby's à New York vend Litzlberg Am Attersee, un paysage du lac Attersee pour 40,4 millions de dollars (29,3 millions d'euros). Il avait été restitué quelques mois plus tôt par le musée d'art moderne de Salzbourg au petit-fils de sa propriétaire d'avant-guerre, spoliée par les nazis.

Portrait d'Adele Bloch-Bauer I

En juin 2004, la Cour suprême des États-Unis permet à Maria Altmann, nièce d' Adele Bloch-Bauer, de poursuivre l' État autrichien pour obtenir la restitution de cinq peintures de Klimt volées par les nazis en 1938. Gardées par l'Autriche après la guerre, les peintures étaient visibles au palais du Belvédère de Vienne. Les cinq tableaux incluaient le célèbre , surnommé " la Joconde d'Autriche ".

Le , un tribunal arbitral siégeant à Vienne rend un jugement sans appel qui ordonne la restitution des œuvres à la vieille dame.

Le , le tableau Adele Bloch-Bauer I est adjugé pour 135 millions de dollars chez Christie's. Il est conservé à New York à la Neue Galerie.

Le , la maison Christie's annonce qu'elle va s'occuper de la vente des quatre autres tableaux. Le Portrait d'Adèle Bloch-Bauer II est vendu aux enchères pour 87,9 millions de dollars, la troisième plus grosse vente lors d'une vente aux enchères à cette époque. Le Pommier I (1912) est vendu pour 33 millions de dollars, La Forêt de Birch (1903) est vendu pour 40,3 millions de dollars et Les Maisons d'Unterach sur le lac Utter (1916) est vendu pour 31,4 millions de dollars. La vente des cinq tableaux a rapporté 327,6 millions de dollars.

Sur les autres projets Wikimedia :

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(en) Roland Betancourt et Maria Taroutina, Byzantium/modernism : the Byzantine as method in modernity, (ISBN 978-90-04-30001-9 et 90-04-30001-5 , OCLC 912498834, lire en ligne) .

(en) Gilles Néret , Gustav Klimt, 1862-1918, Taschen, (ISBN 3-8228-5980-X et 978-3-8228-5980-3 , OCLC 45858192, lire en ligne) .

(en) Anne-Marie O'Connor, The Lady in Gold: The Extraordinary Tale of Gustav Klimt's Masterpiece, Bloch-Bauer, Knopf Doubleday Publishing Group, (ISBN 9780307957566 , lire en ligne) .

(en) Jane Rogoyska et Patrick Bade, Gustav Klimt, Parkstone Press International, , 200 p. (ISBN 978-1-78042-729-4 , 1-78042-729-8 et 978-1-78310-183-2 , OCLC 778447797, lire en ligne) .

René Passeron (trad. de l'italien), Tout l'œuvre peint de Klimt, Paris, Flammarion, , 164 p. (ISBN 2-08-011220-1 ).

Ilona Sármány-Parsons, Gustav Klimt, Paris, Flammarion, , 96 p. (ISBN 2-08-011526-X ).

Collectif Jean Clair et al., Vienne 1880-1938. L'apocalypse joyeuse, Paris, éditions du Centre Pompidou, , 767 p. (ISBN 2-85850-322-2 ), p. 82-93, 192-227, 723-724.

Dictionnaire Bénézit, Dictionnaire critique et documentaire des peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs de tous les temps et de tous les pays, vol. 7, Paris, éditions Gründ, , 4e éd., 13440 p. (ISBN 978-2-7000-3017-4 et 2700030176 , LCCN 2001442437), p. 853-856 .

Salfellner Harald, Klimt. Une vie en couleurs. Prague, Vitalis, 2018, p. 104. (ISBN 978-3-89919-549-1 ).

Gilles Néret, Klimt, Cologne, Taschen, , 96 p. (ISBN 978-3-8228-5940-7 ) .

Agnes Hussein-Arco, Markus Fellinger et Alfred Weidinger, Au temps de Klimt. La Sécession à Vienne, Éd. Pinacothèque de Paris et 24 Ore Cultura, 2015 (ISBN 9788866482550 ).

Gottfried Fliedl, Klimt, Taschen, 2003

Gustave Klimt au musée Maillol : papiers érotiques, film de Christian Guyonnet, Naïve vision, Paris ; Artstudio, 2005, 54 min.

Klimt ou le testament d'Adele, film documentaire de Michel Vuillermet et Gilbert Charles, France, 2005, 55 min.

Vienne 1900 : Klimt, Schiele, Moser et Kokoschka, film de Valérie Manuel, RMN, Paris, 2005, 52 min (DVD).

Klimt, film de Raúl Ruiz, 2006, 127 min (DVD).

Bases de données et dictionnaires

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Gustav Klimt, né le à Baumgarten en Autriche et mort le à Vienne, est un peintre symboliste autrichien, et l'un des membres les plus en vue du mouvement Art nouveau et de la Sécession de Vienne. Peintre de figures, sujets allégoriques, nus, portraits, paysages, il est aussi dessinateur, décorateur, peintre de cartons de tapisseries et de mosaïques, céramiste et lithographe.

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Gustav KLIMT, "Rosiers sous les arbres", années 1900, huile sur toile, 110 x 110 cm, Paris, Musée d'Orsay.

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Klimt a peint des paysages dès 1901, sur des toiles de format carré et selon un cadrage inusité : fragment de forêt, surface d'un lac perçu en vision rapprochée, qui donnent au spectateur l'impression d'être de plain-pied dans le motif.
Il expérimente ici une nouvelle version du néo-impressionnisme en recourant à une touche fragmentée, dispersée et rapide afin de restituer le vitalisme de la nature. Cette technique très particulière le conduira aux confins de l'abstraction avec Le Parc, (1910, MoMA, New York).
Source : Universalis.fr

Cette œuvre, achetée par le Musée d'Orsay, va être restituée à une famille juive qui avait été spoliée durant la guerre : https://www.musee-orsay.fr/fr/articles/restitution-dune-oeuvre-spoliee-197815

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Gustav KLIMT, « Le Baiser »,1906-1908, huile sur toile, 180 × 180 cm, Vienne, Österreichische Galerie Belvedere.

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Pour cette oeuvre, Klimt aurait pris pour modèle lui-même et sa compagne, Emilie Flöge.
Il s'agit peut-être d'une représentation symbolique du moment où Apollon embrasse la nymphe Daphné.  Elle se métamorphosera ensuite en un laurier pour échapper au dieu, selon Ovide (Livre I des Métamorphoses).
Cette approche doit être complétée par celle de la frise de Klimt dans la salle à manger du Palais Stoclet à Bruxelles, dans laquelle la métamorphose est consommée et donne naissance à un nouveau laurier.
Source : wikipedia

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Gustav KLIMT, « Les Forces du Mal et les trois Gorgones »,1902, 217 x 639 cm, Vienne, Palais de la Sécession.

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Cette œuvre fait partie d'un ensemble de trois œuvres qui inaugurent la "Période d'or" pour Klimt. Elles décorent une même pièce dans le Palais de la Sécession et ensembles, elles forment un récit cohérent qui dépeint le désir de bonheur des gens. Elles ont été réalisées dans le cadre de l'exposition de la Sécession viennoise consacrée à Beethoven et elles font référence à une symphonie du compositeur.
Ici, l'humanité doit faire face aux dangers et aux déductions des "forces hostiles".  Le géant Typhoeus, un monstre hybride à la fourrure hirsute, aux ailes bleues et au corps ressemblant à un serpent, s'étend sur presque tout le mur (attention, sur l'image ci-dessus, vous n'avez qu'un détail, cliquez sur le lien ci-dessous pour voir le mur entier) et regarde le spectateur avec des yeux de nacre.  A sa gauche se trouvent ses filles, les trois Gorgones, et au-dessus d'elles, des têtes féminines ressemblant à des masques du tableau, représentations allégoriques de la maladie, de la folie et de la mort.  Les femmes à droite du monstre symbolisent la luxure, l'impudicité et l'intempérance, reconnaissables à leurs gros ventre.  Un peu à l'écart est accroupie la figure féminine émaciée du "chagrin tenace".  La tête d'un génie flottant est visible en haut à droite du mur avant.  Dans le récit de Klimt, les désirs et les aspirations des gens s'éloignent des "forces hostiles".
Source : site officiel du Palais de la Sécession viennoise.  Vous pouvez aussi y trouver beaucoup d'images et de détails de la frise de Beethoven réalisée par Klimt : https://www.secession.at/bildprogramm-und-symbolik/#

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Gustav KLIMT, « Pallas Athéna », 1898, huile sur toile, 75 × 75 cm, musée de Vienne.

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Athéna est la divinité mythologique privilégiée par les peintres du mouvement dit de la Sécession viennoise.  Il s'agit de la déesse grecque de la sagesse, de la stratégie militaire, des artisans, des artistes et des maîtres d'école.
Avec cette déesse, Klimt cherche à retrouver la force essentielle et substantielle de l’art grec antique dans ses peintures. Elle symbolise aussi très bien la rébellion des artistes contre les institutions, tout en ouvrant une méditation sur le pouvoir, ses incarnations et son rapport à la sexualité.
Dans cette oeuvre, la couleur or prédomine, elle reflète la période dorée de l’artiste. Homère dans l’Iliade décrit l’armure (Égide) d’Athéna, Klimt s'en rapproche avec le plus grand soin, prenant en compte l'ensemble de ses attributs.

Sous le visage de la déesse, une Gorgone tire la langue. Athéna tient sa lance de la main gauche, en habile guerrière. Elle serre en sa main droite la statue de Niké (personnification de la victoire) que Klimt traite d'une manière non usuelle puisqu'il la représente nue, avec une chevelure rousse.

En s'inspirant d’un vase de l’époque archaïque, l'artiste peint dans le fond du tableau, le combat d’Héraclès contre Triton.  La couleur or prédomine, elle reflète la période dorée de l’artiste.

Athéna mène un combat et Klimt identifie cette lutte à celle menée pour la liberté de la Sécession viennoise ; cette œuvre symbolise en quelque sorte l'émancipation de l'artiste par rapport à l’art académique officiel ; Athéna devient donc le génie tutélaire de la Sécession.
La toile est reprise pour composer l'affiche de la première exposition de la Sécession viennoise en 1898 qui se déroule dans le pavillon construit par Otto Wagner. L'emblème est aussi reproduit en 1900 sur la couverture de la revue Ver sacrum.
Source : wikipedia.

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Joseph Maria OLBRICH, "Palais de la Sécession", Vienne, 1897-1898.

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En 1897, Gustav KLIMT, accompagné de deux autres peintres et de deux architectes fondent la Sécession viennoise.
Leur but ?  Se débarrasser de l'influence prépondérante de l'Etat sur la scène artistique (un peu comme le faisait les Salons en France) et imposer leur vision de l'art.  Pour cela, ils construisent un lieu d'exposition (photo ici au-dessus) et créent une revue qui sera dirigée par Klimt : "Ver Sacrum".
La Sécession viennoise est à la recherche d'un art total, où peinture, architecture et musique se rencontrent.

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Visitez la collection du Musée Munch d'Oslo !

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MUNCH's collection consists of almost 28 000 artworks and more than 42 000 unique museum objects. In addition to the gift from Edvard Munch, MUNCH is also home to the collections of Rolf Stenersen, Amaldus Nielsen and Ludvig O. Ravensberg.

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https://thielska.zetcom.net/en/collection/?ff=%7B%7D&l=18&q=munch&s=title%20asc&v=1

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The art collection at the Thiel Gallery consists of c. 940 works, including paintings, drawings, prints, and sculptures. The museum also houses c. 160 objects of furniture and design, most of which originally belonged to Ernest and Signe Thiel.

Our archives contain the Ernest Thiel letter collection, writings, and photographs, as well as part of the artist Eugène Jansson's papers and sketches. In addition, the Thiel Gallery cares for the artist Richard Bergh's archive, that apart from letters, other writings, and photographs, contains the artist's collection of sketch books.

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The art collection at the Thiel Gallery consists of c. 940 works, including paintings, drawings, prints, and sculptures. The museum also houses c. 160 objects of furniture and design, most of which originally belonged to Ernest and Signe Thiel.

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Edvard MUNCH, « La Madone » ou "La femme qui aime", 1894, huile sur toile, 90 x 70 cm, Oslo, National Gallery of Norway.

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L'œuvre ici représente une femme à la poitrine dénudée dans une attitude sensuelle.  Le titre "Madone" semble faire référence à la Vierge Marie.  Mais Munch n'a jamais validé cette thèse et il n'était d'ailleurs pas chrétien.
Par ailleurs, ce tableau porte aussi le titre "La femme qui aime". L'oeuvre a donc deux connotations : le sacré, la religion et le sexe. Le rouge était pour Munch la couleur du désir, or il pare ici son modèle d'une auréole rouge.
Ce tableau, comme d'autres œuvres de Munch, a été volé deux fois, ce qui a contribué à le rendre célèbre.

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Edvard MUNCH, « La Vampire », 1893, huile sur toile, 80 x 100 cm, Gothenburg, Gothenburg Museum of Art.

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Au départ, Munch a donné pour titre à cette œuvre : "Amour et douleur". Comme de nombreux artistes symbolistes, Munch représente ici la femme en tant que séductrice démoniaque.
Un ami de Munch qui a écrit une biographie sur l'artiste a donné le titre qu'on connaît aujourd'hui à cette oeuvre et il semble que l'artiste ait approuvé : "La vampire".

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Edvard MUNCH, « Le Cri », 1893, tempera et crayon sur carton, 91 x 73, Oslo, National Gallery of Norway.

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Ce tableau est une des œuvres les plus connues de l'histoire de l'art, il a même inspiré un émoji !
L'œuvre est très énigmatique : s'agit-il d'un homme ou d'une femme ? D'un crâne ou d'un visage ? Pourquoi le personnage n'a pas de cheveux ?  Porte-t-il une robe ou un manteau noir ? Avant de peindre "Le Cri", Munch a écrit un poème qui se rapporte au contenu de l'image.  Grâce à ce poème, on a pu déterminer que le personnage est à côté d'un fjord d'Oslo et les deux hommes en arrière-plan sont des amis.
Cette œuvre est souvent interprétée comme une expression universelle d'anxiété, ce qui ressort très bien dans le poème.
Le tableau a très nettement influencé les artistes pionniers de l'expressionnisme.

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"La nuit étoilée", à gauche de Van Gogh (1888, musée d'Orsay) ; à droite de Munch, 1893, Getty Center.

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Munch est un peintre norvégien.  Il s'inscrit à l'école royale de dessin à Oslo puis lors d'un séjour parisien en 1885, il découvre l'impressionnisme.  Il se distancie alors du naturalisme norvégien et se tourne vers le symbolisme, attiré par la force des couleurs, la distorsion de l'espace et l'agressivité du geste pictural.
On ne sait pas si il a rencontré Van Gogh mais leur œuvre est similaire par bien des aspects.  Comme lui, il recherche une expression personnelle dans une expérimentation technique visionnaire.  A la différence de Van Gogh, Munch ne peint pas sur le motif, il peint davantage des visions tirées d'événements de son vécu.
Selon ses propres termes, l'œuvre de Munch est une "confession". Il exprime dans ses peintures ses émotions et ses peurs les plus profondes, il interprète et réinterprète ses traumatismes les plus personnels (par exemple la mort de sa sœur). Grâce à sa peinture, Munch tente de comprendre son existence. les thèmes récurrents sont : la mort, la vie, l'amour, le deuil, la sexualité, la maladie, la douleur, la solitude, la rédemption.

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James Ensor - 46 œuvres d’art - peinture

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James ENSOR, "L'intrigue", 1890, huile sur toile, 90 x 149 cm, Anvers, Collection du Musée Royal des Beaux-Arts d'Anvers.

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Cette œuvre fait partie de la "Période des Masques" d'Ensor. Avec le masque, qui cache le véritable visage des gens, Ensor dénonce l'hypocrisie de la bourgeoisie qui l'entoure.

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James ENSOR, "L'entrée du Christ à Bruxelles", 1889, huile sur toile, 253 x 431 cm, Los Angeles, The Paul Getty Museum.

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James Ensor livre ici une vision très critique de la société dans laquelle il vit.  Le Christ est perdu au milieu d'une foule énorme représentée avec des visages grimaçants, des masques et parfois des squelettes.  Cette foule rappelle quelque part les œuvres de Bosch et de Breughel, peintres belges de la fin du Moyen Age.  Mais les traits caricaturés des personnages permettent surtout à Ensor d'illustrer sa misanthropie : selon lui, les hommes sont vaniteux, méchants, hypocrites, le monde est absurde et la réalité est laide.
Ce tableau a été refusé au Salon du Cercle artistique avant-gardiste des XX dont il était pourtant membre fondateur !  Ce refus a été très mal vécu par Ensor, qui en ressort encore un peu plus aigri vis-à-vis de la société.

Une super présentation interactive de cette œuvre ? https://artsandculture.google.com/story/igVxBIUsfG755g

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James ENSOR, "Squelette regardant chinoiseries", 1885, huile sur toile, 100 x 60 cm, Fondation Roi Baudouin, en dépôt au Museum voor Schone Kunsten, Gand.

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Ensor introduit ici pour la première fois le motif du squelette.
On peut y voir un squelette dans un intérieur comme le peintre aimait les représenter dans ses œuvres de jeunesses, c'est-à-dire un intérieur intime au décor très chargé.
On ne sait pas très bien ce que signifie le squelette qui a été ajouté par après sur un visage humain. On peut en tous les cas percevoir que la présence de la mort ici n'est pas inquiétante et qu'elle ne semble pas non plus être là pour tourner l'œuvre en dérision. Peut-être que la multiplication des squelettes dans l'œuvre de l'artiste est simplement un moyen d'apprivoiser la mort ?

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Ensor est né à Ostende en 1860 dans une famille très bourgeoise, de parents anglais et belge.  Il étudie à l'Académie de Bruxelles de 1877 à 1879 puis revient définitivement à Ostende.
En 1883, il rejoint le groupe des XX (association d'artistes bruxelloise qui organise de nombreuses expositions afin de diffuser les différents mouvements d'avant-garde de l'époque) mais les relations avec les membres sont compliquées.
Ses parents tiennent à Ostende un magasin de souvenirs, d'objets exotiques, de jouets et autres curiosités. Au moment du carnaval, il vendent également des masques. Tous ces objets vont exercer une profonde influence sur l'imaginaire d'Ensor et on les retrouve beaucoup dans ses peintures.

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Paul SÉRUSIER, "Le Talisman, l'Aven au bois d'Amour", 1888, huile sur bois, 27 x 21 cm, Paris, Musée d'Orsay.

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Depuis le début de l'année 1888, Gauguin est à Pont Aven et de nombreux artistes viennent le rejoindre dans le but de travailler dans une même optique : en simplifiant les formes, en recourant à l'imagination et en recherchant de spiritualité.
Paul Sérusier durant l'été de cette année vient peindre ce tableau sous les conseils de Gauguin qui lui recommande de peindre la nature comme il la voit : un arbre avec le "plus beau vert" de sa palette et une ombre qu'il voit bleue, "aussi bleue que possible". Les couleurs deviennent un moyen d'expression. Ce tableau qui représente une maison à laquelle mène un chemin arboré au bord d'un lac était perçu comme une esquisse par la tradition académique de l'époque. C'est pourtant tel quel qu'il sera repris par Sérusier et ses amis comme point de référence pictural et spirituel pour leur futur groupe de peintre, "les Nabis", au point qu'ils l'appellent "Le Talisman".

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Emile BERNARD, "Le Pardon" ou "Bretonnes dans la prairie", 1888, h/t, 73 x92 cm, Paris, Musée d'Orsay (acquise en 2019, grâce au mécénat d'une banque).

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Une invention conjointe en réalité : Paul GAUGUIN - Emile BERNARD

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Une invention conjointe en réalité : Paul GAUGUIN - Emile BERNARD

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Emile Bernard a peint cette toile après avoir assisté à la grande fête religieuse du Pardon de Pont-Aven en 1888, où il a retrouvé son ami Paul Gauguin.
Ensemble, ils ont cherché à créer de nouvelles formes, en s’inspirant notamment des émaux, tapisseries et vitraux du Moyen-Âge, de l’imagerie Epinal ou encore des estampes japonaises.
Sur l'œuvre d'Emile Bernard, on retrouve les trois caractéristiques majeures du synthétisme :
- la pureté esthétique de la ligne, de la couleur et de la forme;
- la présence d’un thème de la nature;
- et l’imaginaire et l’émotion du peintre.
Au même moment, Paul Gauguin était en train de réaliser "La vision du Sermon" : sa ressemblance stylistique avec "Le Pardon" n’est pas le fruit du hasard, mais bien le résultat de l’émulation artistique née de leur amitié.
L’audace est donc de mise, car Les Bretonnes dans la prairie ne présente ni ligne d’horizon, ni ciel, ni perspective, tout semble plat, dépouillé. Le trait, mis au service de la couleur, permet de simplifier et de séparer les différentes zones du tableau. La toile impressionnera même Van Gogh, à qui Paul Gauguin avait apporté le tableau, et dont il réalisa une copie.
Il apparaît donc que lorsque Gauguin peint "La lutte de Jacob avec l'ange", il a travaillé conjointement avec Emile Bernard qui peignait "Le Pardon" (illustré ci-dessus) et qui était aussi présent à Pont Aven en 1888.
Suite à l'article d'Aurier, Bernard va rompre définitivement avec Gauguin et les milieux symbolistes.

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Paul Gauguin, "La vision après le sermon", 1888, huile sur toile, 73 x 92 cm, Edimbourg, National Gallery of Scotland

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Paul Gauguin "La vision après le sermon" ou "La lutte de Jacob avec l'ange", 1888

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Paul Gauguin "La vision après le sermon" ou "La lutte de Jacob avec l'ange", 1888

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Dans cette œuvre, Gauguin rompt définitivement avec la vraisemblance, sa couleur est purement symbolique et expressive*** : l'herbe est d'un rouge très agressif (vermillon pur).  Cette herbe rouge affirme le caractère imaginaire, rêvé de la scène et accentue la violence du combat.
Que raconte ce tableau ?
Au premier plan, on peut voir des Bretonnes qui prient dans des "noirs très intenses" (comme Gauguin le dira lui-même).
Un pommier traverse la toile et sépare la partie "réelle" (les bretonnes), de la partie de la vision, ce que les Bretonnes croient voir : la lutte de Jacob et de l'ange, une scène biblique.
Les figures des Bretonnes sont très simples***, rustiques comme les décrira Gauguin, elles témoignent bien d'une volonté de retour à une vie plus simple, loin de la société industrielle.
Cette œuvre sera présentée comme le point de départ du symbolisme en France par le critique Gabriel AURIER.  Dans son article publié en 1891 et intitulé "Le Symbolisme en peinture : Paul Gauguin", le critique d'art souligne la rupture avec l'impressionnisme et présente Gauguin comme le seul créateur du symbolisme pictural.
Par ailleurs, Camille Pissarro qui avait initié Gauguin à l'Impressionnisme va critiquer cette nouvelle orientation que prenait Gauguin en l'accusant de trahir l'Impressionnisme pour obtenir le succès.

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Localisation de Pont-Aven sur la carte de France

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En 1888, quelques artistes se retrouvent à Pont-Aven pour y peindre. Ils y recherchent un mode de vie plus simple, loin de la société industrielle.

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2022 © Établissement public du musée d'Orsay et du musée de l'Orangerie - Valéry Giscard d'Estaing * Tous droits réservés

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Succès dans le monde officiel (académique) mais aussi près des symbolistes

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Succès dans le monde officiel (académique) mais aussi près des symbolistes

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Puvis de Chavannes a rencontré le succès, surtout vers la fin de sa carrière auprès de l'art officiel, il a d'ailleurs reçu beaucoup de commandes et a été de nombreuses fois admis au Salon.  Il était fier de cette reconnaissance.
Il était aussi très admiré de nombreux écrivains symbolistes mais de ce côté, il préférait prendre ses distances.

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- par ses coloris rappelant les fresques
- par sa vision sereine d'un équilibre immémorial entre l'homme et la nature

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MASACCIO, "La Trinité", 1425, fresque, Eglise Santa Maria Novella, Florence.

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Bien qu'il ait réalisé de nombreuses peintures murales, il n'a jamais utilisé la technique de la fresque.  Il réalisait ses peintures sur des toiles qui étaient collées au mur par la suite.  Pourtant, il a voyagé plusieurs fois en Italie et s'inspire des fresques, il veut donner le rendu de la fresque, c'est un des éléments qui lui donnent ce style particulier.

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Il a réalisé beaucoup de peintures murales, de nombreuses étaient des commandes officielles, ce qui atteste de sa reconnaissance par le pouvoir.

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Grande économie de moyen, il va à l'essentiel, comme pour les formes et les personnages (voire plus encore), tout est très plat, tout est synthétisé au maximum.

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Tout est très plat chez Puvis de Chavannes, il refuse totalement l'utilisation de la perspective traditionnelle. Même au niveau des personnages et des formes, les modelés sont assez réduits et confèrent un caractère très plat à ses oeuvres.

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Il montre peu d'intérêt pour la lumière. Les quelques ombres sont assez douce. Il utilise principalement la lumière pour réaliser un peu de modelé mais globalement son manque d'intérêt pour le réalisme le dispense de s'intéresser à la lumière (pas de reflets, pas de matières...).

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- Son approche particulière de la couleur prouve bien qu'il n'a aucune intention de peindre des œuvres réalistes.
- Les couleurs ne sont pas du tout naturelles, elles sont pâles, délavées, blafardes et donnent un côté un peu intemporel à ses œuvres.
- La palette est réduite
- Ses coloris rappellent les fresques de la Renaissance italienne.
- Les coloris confèrent également à l'œuvre une grande unité, tout étant traité de la même manière (personnage, décor...).  De ce point de vue, Puvis de Chavannes est le précurseur de Cézanne.

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- affirmation de la planéité de la toile (disparition du modelé)
- Simplification du dessin (déformation linéaire), parfois à l'extrême.
=> il décrivait lui-même sa méthode comme ceci à la fin de sa vie "J'ai condensé, ramassé, tassé".
=> très grande influence sur Gauguin

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Elles sont très rigides, il utilise un réseau orthogonal, cela rappelle les frises => cela aura une grande influence sur Seurat.

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- Importance de la mythologie

- Référence à la Bible

- Nombreuses allégories (ex. "Le rêve")

- Puvis de Chavannes n'était pas un adepte de la peinture sur le motif.  Il préfère travailler d'après ses souvenirs, conscient que la mémoire a trié une partie du réel.  Il disait que la vision affaiblit les sensations.

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Pierre Puvis de Chavannes, "Le Pauvre Pêcheur", 1881, Huile sur toile, 154,7  x 192,5 cm, Paris, Musée d’Orsay. 

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https://www.musee-orsay.fr/fr/oeuvres/le-pauvre-pecheur-1069

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Boats and boating--Equipment and supplies

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Pierre PUVIS DE CHAVANNES, "Le bois sacré cher aux arts et aux muses", 1884, huile sur toile marouflée, 460 x 1040 cm, Lyon, Musée des Beaux-Arts.

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https://www.mba-lyon.fr/fr/fiche-oeuvre/le-bois-sacre-cher-aux-arts-et-aux-muses
Au début des années 1880, la ville de Lyon confie à Pierre Puvis de Chavannes la décoration de l'escalier monumental nouvellement créé dans l'angle sud-est du musée. Quatre compositions, peintes sur toile dans l'atelier, puis marouflées à leur emplacement définitif, forment l'un des plus beaux ensembles décoratifs réalisés par l'artiste et l'une des œuvres marquantes de la fin du XIXe siècle.
Comme toujours chez Puvis de Chavannes, la signification générale de l'œuvre est mûrement réfléchie. Au centre dans l'atmosphère crépusculaire du Bois Sacré, les neufs muses méditent et s'entretiennent, allongées, assises, debout ou volant dans la sereine lumière du soir. Devant un fragment de portique antique, se tiennent les trois figures de l'Architecture, de la Sculpture et de la Peinture. Le Bois sacré est le lieu intemporel et idéal de l'Art.
La composition de gauche, Vision antique, impose la vision lumineuse d'une Grèce primitive idéale. Celle de droite, Inspiration chrétienne, oppose à la sérénité oisive de l'Antiquité païenne, l'activité créatrice de l'artiste dans un couvent italien à la fin du Moyen-Age ou au début de la Renaissance. Vision antique et Inspiration chrétienne sont les deux manifestations dans lesquelles l'art s'est incarné : d'une part la vie et la nature durant l'âge d'or mythique de l'Antiquité païenne ; d'autre part les œuvres nées du geste créateur de l'homme et de son sentiment religieux, à partir des temps modernes chrétiens.

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Pierre Puvis de Chavannes, "Le rêve", 1883, huile sur toile, 82,0 x 102,0 cm, Paris, Musée d'Orsay.

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https://www.musee-orsay.fr/fr/oeuvres/le-reve-9484

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Puvis de Chavannes photographié en 1882 par Anatole Louis GODET

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Pierre Puvis de Chavannes est issu de la bourgeoisie.
Il se forme dans l'atelier d'Eugène Delacroix (artiste romantique) et ensuite dans l'atelier de Thomas Couture (peintre académique).   Dans le cadre de sa formation il réalise plusieurs voyages en Italie.
Il trouve véritablement sa voie à l'âge de 30 ans lorsqu'il réalise son premier grand ensemble de peintures murales.
Il se distingue tardivement mais durablement au Salon dans le genre allégorique.

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En quoi les Préraphaélites sont des artistes symbolistes ?

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En quoi les Préraphaélites sont des artistes symbolistes ?

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Bien que leur style reste très attaché au réalisme, ils sont symbolistes par :
- les très nombreux liens avec la littérature, souvent des grands auteurs du passé, voire des grands mythes.
- Il y a un côté très décoratif lié aux nombreux symboles qui peuvent être des attributs des personnages ou qu'ils fassent partie du décor.

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Dante Gabriel ROSSETTI, "Proserpine", 1874, huile sur toile, 125 x 61 cm, Londres, Tate Britain.

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Dans le mythe classique, Proserpine a été kidnappée par Pluton, le dieu des enfers, pour être sa femme. Manger de la nourriture du monde souterrain ferait qu'une personne vivante y resterait pour toujours. Proserpine a mangé six graines de grenade, et donc Pluton l'a confinée dans son royaume six mois de chaque année. Elle est représentée ici en train de manger une grenade qui symbolise la captivité. Jane Morris (née Burden) a été mannequin pour Proserpine. Elle était une brodeuse et un modèle d'artiste qui était mariée à l'ami de Rossetti William Morris, elle a eu une liaison durable avec Rossetti.
Divers symboles contenus dans la peinture incluent la grenade, qui signifie la captivité et le mariage, et le brûle-encens, l'attribut d'une déesse. La qualité décorative de l'image est accentuée par la courbe de la gerbe de lierre, symbole de mémoire accrochée, qui se retrouve dans le bras de Proserpine et les riches plis des draperies.

Commentaire extrait du site de la Tate Britain.

D'un point de vue stylistique, Rossetti est très facile à reconnaître, il peint presque exclusivement des femmes en buste ou à mi-corps.  Ces femmes ont généralement des formes amples et des lèvres charnues, des chevelures foisonnantes et défaites. Elles sont parfois à la limite entre beauté et difformité.  Elles préfigurent l'Art Nouveau.

Les coloris sont profonds et sombres inspirés des vénitiens.

L'espace irréel, saturé, délibérément archaïque.

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John Everett Millais, « Ophélie », 1851-1852, huile sur toile, 76,2 × 111,8 cm, Tate Britain, Londres. 

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Cette œuvre montre la mort d'Ophélie, une scène de la pièce Hamlet de Shakespeare. De nombreux peintres victoriens comme Millais se sont inspirés des pièces de Shakespeare. Hamlet assassine le père d'Ophélie, et elle est tellement bouleversée qu'elle tombe dans un ruisseau et s'effondre. Les fleurs qu'elle tient ont été choisies pour leur signification. Les coquelicots symbolisent la mort.
Le fond a été peint d'après nature (donc en pleine nature). Lorsque cette image a été réalisée, on pensait qu'il s'agissait de l'une des études de la nature les plus précises jamais peintes.
L'artiste, poète et mannequin Elizabeth Siddall a posé pour Ophélie dans un bain d'eau dans l'atelier de Millais. L'eau était censée être maintenue au chaud par des lampes en dessous, mais celles-ci se sont éteintes et elle est tombée malade après avoir passé si longtemps dans l'eau froide.
Les plantes, dont la plupart ont une signification symbolique, ont été représentées avec des détails botaniques minutieux. Les roses près de la joue et de la robe d'Ophélie, et la rose des champs sur la rive, peuvent faire allusion à son frère Laertes l'appelant « rose de mai ». Le saule, l'ortie et la marguerite sont associés à l'amour abandonné, à la douleur et à l'innocence. Les pensées se réfèrent à l'amour en vain. Les violettes, qu'Ophélie porte en chaîne autour de son cou, représentent la fidélité, la chasteté ou la mort des jeunes, dont toutes les significations pourraient s'appliquer ici. Le coquelicot signifie la mort. Les myosotis flottent dans l'eau.

Commentaire : extrait du site de la Tate Britain.

PLUS DE MILLAIS ? https://www.tate.org.uk/art/artists/sir-john-everett-millais-bt-379

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En 1848, les Anglais Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais et William Holman Hunt, fondent la confrérie préraphaélite.
Pourquoi ?  Ils réagissent à l'enseignement très figé de la Royal Academy, ils sont autodidactes et assument une certaine inexpérience.
En tant que groupement constitué la confrérie ne dure que 5 ou 6 ans, les artistes prendront rapidement un chemin plus personnel.
Ils ne veulent pas s'enfermer dans un débat uniquement entre peintres, ils intègrent beaucoup les sujets littéraires dans leurs peintures.
Ils remettent au goût du jour l’influence des primitifs italiens, soit les prédécesseurs de Raphaël et font table rase de leurs prédécesseurs immédiats : ils veulent une peinture très réaliste, mais cette réalité poussée à l'extrême donne paradoxalement quelque fois des images très étranges, c'est un peu le cas dans "Ophélie".
Le mouvement est précocement reconnu en France, dès l’exposition universelle de 1855, puis est à l’origine du mouvement Arts & Crafts, lui-même à l'origine de l'Art Nouveau.

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Caspar David FRIEDRICH, "La mer de glace", 1823-1824, huile sur toile, 96,7 x 126,9 cm, Hambourg, Kunsthalle Hambourg.

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2.  Des racines communes : le romantisme (les artistes romantiques sont les précurseurs du symbolisme)

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2.  Des racines communes : le romantisme (les artistes romantiques sont les précurseurs du symbolisme)

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Le romantisme en peinture s'épanouit dans la première moitié du XIXè s.  Ils préparent le terrain des symbolistes.
Alors que les symbolistes rejettent le positivisme (voir plus bas), les artistes romantiques eux aussi s'opposaient déjà à la raison qui avait été mise à l'honneur durant le siècle précédent avec les philosophes de Lumières.  Tout comme chez les symbolistes, cette opposition allait de pair avec la volonté de promouvoir l'expérience subjective.
Les tableaux de Friedrich expriment très bien cette subjectivité de l'artiste qui parvient en outre à faire surgir de ses tableaux de véritables métaphores* picturales : ici, le bateau pratiquement englouti par la glace symbolise à la fois l'espoir mais en même temps, il est en train de sombrer dans les étendues gelées qui induisent inévitablement le désespoir et la mort.
*métaphore : figure de style qui consiste à donner à un mot un sens qu'on attribue généralement à un autre, en jouant sur l'analogie, les ressemblances.

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- Le sujet (l'idée) compte plus que la définition de la forme
- Les apparences sensibles ne sont que le reflet amoindri de l'idéal divin , seul réel (cf Allégorie de la Caverne de Platon).

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Platon : l'allégorie de la caverne (bac de philosophie)

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Pierre Puvis de Chavannes, "Marie Madeleine au désert", 1869, huile sur toile, 156 x 105 cm, Francfort, Städel Museum.

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Depuis la Révolution française (1789), l'Eglise et l'Etat ont été de plus en plus dissociés.  La tradition académique étant liée au pouvoir (les Salons), certains artistes ont regretté la sécularisation (perte du religieux) progressive de la peinture.  En d'autres termes, la société est de moins en moins marquée par la religion, le côté spirituel se perd peu à peu dans le quotidien. Les symbolistes prônent un retour au sacré, à la spiritualité, certains vont même chercher de nouveaux dieux.
De nombreux thèmes seront proches de la religion ou du sacré, d'une manière ou d'une autre, comme par exemple l'opposition entre le bien et le mal, les rythmes de la nature, la vie humaine dans sa relation avec le cosmos, voire les tensions entre la sexualité et l'aspiration au religieux ou encore des rites sataniques...

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Le symbolisme n'est pas UN style mais plutôt un mouvement international

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Le symbolisme n'est pas UN style mais plutôt un mouvement international

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Il ne s'agit pas d'un style défini, mais plutôt d'un vaste courant international.
Il n'y a donc pas un style symboliste mais différents artistes qui ont des styles différents (les caractéristiques stylistiques varient fort d'un artiste à l'autre au sein du mouvement) et travaillent dans un esprit commun : un art idéaliste (pas idéalisé !) .
La diffusion internationale est liée à l'influence de deux modèles stylistiques dominants et historiquement disjoints :
- celui issu des développements tardifs du préraphaélisme anglais (voir la section 3).
- celui contenant le vocabulaire cloisonniste (Gauguin, Pont Aven, Les Nabis).

Les artistes se connaissent via les revues mais aussi via des réseaux, des "cercles" où ils se rencontrent.  C'est le cas du groupe des XX à Bruxelles qui regroupe des artistes belges mais qui invite régulièrement des artistes étrangers à exposer.  En Autriche et en Allemagne, les phénomène est assez semblable grâce à la création des "Sécessions"

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Jean-Martin Charcot hypnotise une de ses patientes, pour provoquer une crise d’hystérie afin ensuite d’en expliquer les symptômes (Peinture de Brouillet).

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La représentation de la femme chez les symbolistes peut être de deux types :
Soit l'image de la chasteté avec Ophélie, Béatrice ou la Vierge Marie.
Ou alors l'image de la femme fatale, irrésistible pour l'homme et qui le conduit à sa perte. Elle est représentée par exemple par Salomé.  Cet imaginaire de la femme fatale trouve une "caution scientifique" aux yeux des artistes grâce à la psychanalyse naissante et autres travaux sur l'hystérie de Charcot qui réalise des démonstrations publiques de patientes atteintes de crises à l'hôpital de la Pitié-Salpêtrière à Paris, il prend également des photos de contractions nerveuses et les diffuse dans des recueils.

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Rappel : "La mort d'Ophélie" est une scène de "Hamlet" de Shakespeare.

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3. SYNTHÈSE DES ARTS - Liens avec la littérature, la musique

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3. SYNTHÈSE DES ARTS - Liens avec la littérature, la musique

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Le mouvement est très lié à la littérature (Baudelaire, Poe, Oscar Wilde, Maeterlinck) et à la musique (wagnérisme).  Il prône d'ailleurs la synthèse des arts.
Le symbolisme apparaît d'abord en littérature mais ce n'est pas pour ça qu'il vient la seconder : l'un et l'autre se répondent.  Les peintres illustrent parfois des écrits mais les écrivains s'inspirent aussi parfois des arts graphiques.

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Pierre Puvis de Chavannes, "L'Eté", 1891, huile sur toile, 150 x 232 cm, Cleveland, Cleveland Museum of Art.

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2. a. Opposition à la modernité : vision nostalgique et pessimisme dubitatif

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2. a. Opposition à la modernité : vision nostalgique et pessimisme dubitatif

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Les symbolistes, à l'opposé des impressionnistes ne sont pas du tout fascinés par la modernité.
Au contraire, pour eux la société industrielle amène la rupture définitive du lien  entre l'homme et la nature (les romantiques avaient déjà critiqué l'industrialisation).
En réaction à cette société, ils se tournent vers le passé :
- il remettent à l'honneur des pratiques anciennes : par exemple la fresque, ils s'inspirent des vitraux...
- ils remettent à l'honneur le voyage en Italie (il n'était plus important depuis les romantiques)
- ils étudient l'art des Primitifs italiens jusqu'à avant Michel-Ange => Pré-Renaissance et Renaissance mais pas la Haute Renaissance (De Vinci, Michel-Ange, Raphaël).

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2. b. Pensée subjective : rejet du positivisme

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2. b. Pensée subjective : rejet du positivisme

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Le positivisme était la pensée dominante de la deuxième moitié du XIXè s.  Il s'agit d'une doctrine qui se caractérise par le refus de toute spéculation métaphysique et par l'idée que seuls les faits réels vérifiés par l'expérience doivent être analysés par les sciences positives (mathématiques, chimie, physique...) et peuvent être objets de connaissance certaine.  Autrement dit, c'est le règne des sciences exactes, alors que la société est en plein essor scientifique, ce qui contribue d'ailleurs à faire reculer l'importance de la religion.  Les impressionnistes sont dans cette mouvance en cherchant à  atteindre l'objectivité en observant les choses.

Les symbolistes au contraire favorisent la subjectivité, le rêve, la vision personnelle plutôt que le simple relevé des apparences.
Les peintres symbolistes aiment d'ailleurs travailler d'après leur souvenir, leur mémoire plutôt que sur le motif, qui peut affaiblir leur sensation.