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Representa una escena de la vida cotidiana como es la recolección de miel. Aparece la figura humana recogiendo miel de un enjambre con una cesta y abejas alrededor

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Se representa a los animales de la época como los bisontes, aprovechando las protuberancias de la roca para dar volumen al cuerpo. El animal se representa con un gran realismo

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Se trata de nueve figuras femeninas, agrupadas de dos en dos y que aparentemente bailan en torno a una figura masculina que tiene un aparato reproductor desproporcionado. La escena se conoce como "la danza fálica"

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Las pinturas rupestres se relacionan con el desarrollo del lenguaje. Algunas características del arte rupestre pueden aportar sobre cómo evolucionó nuestra capacidad de desarrollar algún lenguaje.
Representan la vida cotidiana del hombre primitivo a través de dibujos que podrían ser sencillos símbolos como líneas o manos o escenas con animales.
Es muy importante porque resalta la cultura de Paime y dejan conocimientos históricos para ir descubriendo cómo era la región en épocas precolombinas.

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Representaba para la cultura egipcia, así como la figura del Faraón era de gran importancia, la encarnación propia de un ser resplandeciente de divinidad; en su entorno se movían diversos dioses que encarnaban personalidades de gran relevancia respecto al plano terrenal.

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Pintura en la tumba de Nefertari, Iris Diosa egipcia.
Se muestra llevando de la mano a la esposa de Ramsés II, con un vestido especial luciendo, blanco, con un típico cubre hombros de la cultura egipcia.

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Representa la escritura en sus pinturas

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Las obras realizadas por los egipcios mostraban todos sus detalles, tanto en sus formas como en el ropaje, se adaptaban perfectamente bien a ritmos matemáticos.
La pintura del Antiguo Egipto se destaca por la yuxtaposición de las figuras representadas. Sin dejar de considerar la jerarquía entre las figuras. Se empleaba la técnica del canon de perfil en el que destacaba el cuerpo entero exceptuando sus rostros y hombros, los cuales se encontraban mirando al frente.
Ésta, empleada particularmente como parte decorativa tanto de tumbas como de templos.

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Se representa la vida cotidiana en la antigua Grecia

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Se le representa una historia en como es el símbolo del misterio y a la vez del enigma. Es también esta criatura la que hace posible que se cumpla el designio desafortunado de Edipo.

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En la antigua Grecia donde el culto al cuerpo perfecto lo manifestaban un cuerpo varonil,  marcado una ciudad donde el deporte era importante mostrar el cuerpo desnudo en los varones y que para ellos la perfección lo daba un aparato reproductor pequeño
Las mujeres al mostrar sus senos, mostraban la maternidad, unos senos que alimentaban y daban vida a otro ser.

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Para hablar de la pintura griega es necesario hacer referencia a la cerámica, ya que en ellas la decoración de ánforas, platos y vasijas, fue donde pudo desarrollarse este arte.

Al comienzo los diseños eran elementales formas geométricas -de ahí la denominación de geométrico que recibe este primer período, que apenas se destacaban sobre la superficie.
Las piezas de cerámica pintadas comienzan a experimentar una notable decadencia durante el clasicismo, para resurgir triunfantes en el período helenístico, totalmente renovadas, plenas de color y ricamente decoradas.

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Representa su una forma de escritura, antes de la llegada de los españoles, cada pueblo prehispánico, además de poseer un pasado antiguo, una lengua y una forma de vida propios, tenían expresiones singulares para representar su historia y su cosmovisión.

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Representa a un rey.
Códice prehispánico mixteco "Zouche Nutlal". Se ilustra a un rey que recibe de su esposa un jarro con chocolate, alimento en el que la fermentación era fundamental.

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Representa a un dios prehispánico.
“Dardo de agua”.  Era el dios mexica de lagos y pescadores que calmaba las tempestades. Era adorado en Cuitláhuac, que anteriormente era una isla en el lago de Chalco.

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El arte Prehispánico son expresiones materiales desarrolladas por las culturas anteriores a la llegada de los españoles a América. Este arte se caracteriza por tener una función principalmente mítica de ratificación de la sociedad que la origina.
Es realizada por artesanos que trabajan para las elites religiosas y que tienen la misión de relatar los grandes mitos que dan origen a su cultura.
En la zona de los Andes, el arte Prehispánico se caracteriza en general, por el desarrollo de formas de representación, que van desde la abstracción geométrica simbólica, a las formas figurativas realistas.

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En la edad media se utilizaba el dibujo generalmente coloreado para representar sobre pergaminos temas religiosos, esto a modo de explicar historias escritas que se inclinaban más hacia lo simbólico que a lo realista.
La cultura islámica también contribuyó con dibujos que solían acompañar textos de anatomía, astronomía o astrología.

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Homilary, Virgin and Child, Walters Manuscript 14th century

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Manuscritos Iluminados

Un manuscrito iluminado es un documento con texto decorativo y objetos ornamentales. Y la mayoría de los manuscritos iluminados sobrevivientes de hoy vinieron de la Edad Media.
Un proceso costoso y super complejo, todo comenzó con escribir el texto en hojas de papel pergamino. Esto fue seguido por una larga etapa de planeación, en la que los espacios en blanco del diseño fueron usados primordialmente para decoración. Finalmente, bellas figuras fueron pintadas en las páginas, siendo el oro un color favorito en muchos de los primeros manuscritos.

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Sakramentarz tyniecki 02 - Illuminated manuscript - Wikipedia

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Pinturas de Íconos
Con la religión siendo aún un tema predominante, pinturas vibrantes presentando íconos famosos también fueron una forma recurrente de arte durante la Edad Media.
La pintura más conocida de esta época es "La Última Cena" de Giotto di Bondone. Una pintura que representa una escena de Jesús rodeado por sus apóstoles, esta obra muestra una de las escenas religiosas más representadas en la historia del arte.

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Het laatste avondmaal_Giotto di Bondone_1305

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La religión se presume fue un prioritario tema en la edad media, pues los sobrevivientes a la peste negra se aferraron a las esperanzas y a las historias religiosas de sus íconos favoritos.
Esta gran época podemos dividirla en cuatro estilos de arte debido al gran periodo de tiempo que abarcó, como lo son: El Paleocristiano, Bizantino, Románico y Gótico.
No fue hasta el surgimiento del arte Gótico que vemos artistas comenzar a retractarse de los típicos temas religiosos. Y mientras la materia del tema cambió, también el estilo del arte. Las pinturas ahora se enfocaron en la mitología, animales y otros temas aparte de la norma.

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El dibujo moderno en Europa comenzó en 1400 en Italia, durante el período conocido como el Renacimiento. En este momento nació un amor especial por el dibujo.
El desarrollo de saberes como la geometría, la perspectiva, la proporción, la composición y el claroscuro hicieron del dibujo renacentista una herramienta basta y rica.
Los primeros Dibujos Renacentistas se caracterizaron por ser bocetos rápidos, generalmente en pluma y tinta, en los que los artistas formularon ideas generales en lugar de centrarse en los detalles.

Los retratos y dibujos de paisajes fueron especialmente populares. Los artistas del norte también retrataron sus temas con mayor interés en el realismo. Los estudios precisos de Durero sobre personas, animales, paisajes y plantas, especialmente los que se representan en acuarela y en tiza son ejemplos sobresalientes.

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A1 Poster_ Self-Portrait Drawing a la sanguine by Leonard de

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El Hombre de Vitruvio
El Hombre de Vitruvio es un dibujo elaborado por el pintor renacentista Leonardo da Vinci, basado en el trabajo del arquitecto romano Marco Vitruvio Polión. Leonardo representa a un hombre con brazos y piernas extendidos en dos posiciones, enmarcado dentro de un cuadrado y un círculo.
El artista-científico presenta su estudio del “canon de las proporciones humanas”, el otro nombre con el que se conoce esta obra. Si la palabra canon significa “regla”, se entiende, pues, que Leonardo determinó en este trabajo las reglas que describen las proporciones del cuerpo humano, a partir de las cuales se juzga su armonía y belleza.

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Photo of the Vitruvian Man by Leonardo Da Vinci

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Famosos maestros del dibujo renacentista}
Entre los famosos maestros del dibujo renacentista están:
Leonardo Da Vinci
Rafael Zancio
Botticelli
Andrea del Verrocchio
Domenico Ghirlandaio
Miguel Ángel Buonarroti

Si nos centramos en Miguel Ángel podríamos decir que:
Miguel Ángel utilizó su conocimiento avanzado del cuerpo humano para crear sus desnudos. Le gustaban los temas religiosos y se centró en la imagen de Cristo en muchos de sus dibujos, dibujando con frecuencia las mismas imágenes intensificando cada vez más las emociones expresadas en ellas.
Miguel Ángel tenía buen ojo para la luz y la sombra y comprendió que pueden representar el volumen y la forma tanto en una escultura como en una pintura. Así creó muchas esculturas independientes. Mientras que Leonardo da Vinci pintó sus figuras con ejes rectos y líneas, Miguel Ángel estaba más inclinado a introducir curvas y diagonales.

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Del dibujo renacentista se puede decir que tuvo una gran importancia ya que fue visto como una forma de arte valiosa en sí misma. Hasta ese momento el dibujo era más bien considerado una herramienta de la pintura, sin valor como forma de arte completa. Pero el renacimiento transformó la percepción que se tenía del mismo para siempre.

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Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII en Italia, desde donde se extendió a la mayor parte de Europa.
El barroco se aleja de las prescripciones filosóficas del renacimiento que llamaban a la mesura y al equilibrio. Opta más bien por la representación de las pasiones y los temperamentos interiores, tanto lo que respecta a cada personaje como al conjunto de la obra.

-A diferencia del Renacimiento, en el barroco domina un pensamiento pesimista y/o desengañado, como respuesta a la crisis histórica que estaban viviendo.

-Se siguieron cultivando los temas de historia, religión y mitología, aunque prefirieron las escenas de mayor dramatismo y conmoción.

-También fueron frecuentes la alusión a la fugacidad del tiempo y el desencanto del mundo, así como las costumbres y vida cotidiana, incluida la realidad social.

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Pintura barroca en Italia
La pintura italiana de la época trata de romper con las formas del manierismo, ya mal vistas. Los encargados fueron dos bandos bien diferenciados; por un lado el pintor Caravaggio, y por el otro los hermanos Carracci (Ludovico, Agostino y Annibale).

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Pintura barroca en Flandes y Holanda
En Flandes domina el panorama la figura de Rubens, desarrollando una pintura aristocrática y religiosa, la pintura será burguesa, dominando los temas de paisaje, retratos y vida cotidiana, con la figura de Rembrandt como su mejor exponente.

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Las cuarenta mujeres más guapas de la historia de la pintura

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El dibujo o arte Barroco como se pudo ver es un arte que trata de mostrar la verdadera percepción de lo que pasaba en esa época dejando así de romantizar la época y haciendo un contraste con respecto a el arte del renacimiento.
También se abordan temas como la mitología y religión que por su parte la iglesia católica prefirió temas como la Inmaculada Concepción, la Eucaristía, los santos y la iglesia triunfante, asuntos de disputa contra el protestatismo.

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El dibujo o el diseño durante la Revolución Industrial tuvo un gran lugar ya que ayudó a hacer planos para máquinas que surgieron en esos años; entre los mayores inventos que resplandecieron en tal época están:
- La máquina de vapor
- La hiladora jenny
- El telégrafo
Por otra parte, el dibujo de estos planos ayudó a su entendimiento y manejo dándonos la invención de los primeros diagramas y esquemas.

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El telégrafo
Casi a finales de la Primera Revolución Industrial y algunas décadas antes de la segunda, surgiría un aparato que cambiaría para siempre la forma en la que nos comunicamos los seres humanos: el telégrafo.

A partir de esta máquina, dos personas podían enviar y recibir mensajes aun estando a una distancia significativa, en algunos casos de un país a otro y posteriormente alrededor de todo el planeta.

Esto favoreció la comunicación entre empresas aliadas de ciudades lejanas, impulsando el comercio y beneficiando años más tarde al proceso de globalización de información.

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La hiladora jenny
Otro gran ejemplo de lo que significó este movimiento tecnológico para la industria textil, con esta maquinaria desarrollada por James Hargreaves en 1764.
Junto con la Lanzadera Volante, la Spinning Jenny fue pionera en el desarrollo de máquinas que permitiesen a los trabajadores hilar lana en mayores cantidades y requiriendo menos del esfuerzo antes empleado.
El aumento en la producción de lana a partir de esta máquina fue tan alto, que ofrece cifras hasta ocho veces mayores a las que produce una persona por sí sola.

Tan solo unas décadas más tarde, en 1778, el total de Hiladoras Jenny dispuestas en las diferentes empresas textiles superaría la cantidad de 20 000 máquinas a lo largo de todo Reino Unido.

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Se puede deducir que durante la Revolución Industrial el uso del dibujo para realizar planos fue muy importante ya que consigo traería de la mano nuevos inventos y aportes para la época que beneficiarían a las próximas épocas o momentos históricos. También marco un momento histórico dentro de la historia del dibujo aportando esquemas y diagramas que ayudarían a diseñar diversas ideas.

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Academicismo (o academismo, en México) se refiere al uso de recursos artísticos tradicionales, establecidos por reglas de una Academia, y que aluden al tratamiento de la luz, el color, la perspectiva, el dibujo, etc. Por extensión, se llama "académica" a la obra de arte que en su ejecución acata los mandatos y el formalismo impuestos por una Academia, y califica de esta manera a las copias de escultura y pinturas de la Antigüedad.
El academicismo (o academismo) se basa en la institucionalización de cualquier modelo estético que se considere paradigma de belleza, destinado a ser copiado de manera servil. No es, pues, sinónimo de neoclasicismo. Lo que ocurrió fue que el modelo neoclásico fue el primero en ser asumido por las academias, que lo defendieron, en el marco del arte oficial de los estados occidentales durante el siglo XIX.

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Los romanos de la decadencia
Pintada en 1847 por Thomas Couture, forma parte de la galería del Museo de Orsay en París. Es un cuadro historicista, de gran calidad pictórica, del cual se dice que era una comparación que hacía el artista de dicha representación con lo que veía dentro de la Revolución Francesa.

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File_THOMAS COUTURE - Los Romanos de la Decadencia (Museo de Orsay, 1847_ Óleo sobre lienzo, 472 x 772 cm)

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El nacimiento de Venus
Es el cuadro más famoso de Bouguereau, que lo pintó en 1879 siguiendo el modelo academicista, donde se nota la rigurosidad en esta reproducción pictórica que recuerda la influencia del clasicismo.

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El academicismo fue una forma de enseñanza de dibujo basada en metodologías que se acoplaba con las normas e instrucciones de la Academia y tenían principios de estética siguiendo modelos clásicos de la antigüedad, se basaban en fundamentos básicos como la luz, sombra, perspectiva y composición.