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El teatro griego se originó en la antigua Grecia (Atenas) y se desarrollo durante los finales de los siglos VIII y IV a.C. El teatro griego se dividía en dos géneros principales: Tragedia y Comedia. Se formó a partir de la mitología mediante "Una sabia adecuación del oficiante primigenio con los dioses"
Las tragedias se centraban en temas serios y eran representadas en festivales religiosos en honor a Dioniso (Dios del vino, de la vegetación, del ciclo nacimiento - muerte y resurrección). Las comedias, por otro lado, eran más ligeras y a menudo se burlaban de la sociedad y la política. Los actores usaban mascaras y se vestían con túnicas largas y coloridas.
Los teatros griegos eran al aire libre y tenían una capacidad para miles de espectadores.
El teatro griego tuvo una gran influencia en la cultura occidental y sus obras aún se representan hoy en día.
A partir de aquí surge lo que hoy denominamos teatro o drama.

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"Edipo Rey" y "Antígona" - Sófocles

"Las nubes" y "Las avispas" - Aristófanes"

"Las Suplicantes" y "Los Persas" - Esquilo

"Las Bacantes" y "Medea" - Eurípides

"Prometeo encadenado" y "Agamenón" - Esquilo

"Las Ranas" y "Las Aves" - Aristófanes

"Las Troyanas" y "Electra" - Eurípides

"Las Euménides" y "Edipo en Colono" - Sófocles

"Los siete contra Tebas" y "La Orestiada"- Esquilo

"Las Tesmoforias" y "Lisístrata" - Arstófanes

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- Esquilo (525 a.C. - 456 a.C.)
- Sófocles (496 a.C. - 406 a.C.)
- Eurípides (484 a.C. - 406 a.C.
- Aristófanes (446 a.C. - 386 a.C.)
- Menandro (342 a.C. - 292 a.C.)

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El coro: Era un grupo de actores que cantaban y bailaban en conjunto, a menudo expresando los sentimientos y pensamientos del público.

La máscara: Los actores utilizaban máscaras para representar diferentes personajes. Las máscaras les permitían cambiar su apariencia física y expresión facial, y eran a menudo muy detallistas y elaboradas.

El escenario: Los escenarios del teatro griego eran grandes y abiertos, y solían tener elementos como arcos, columnas y estatuas para ambientar la obra.

Los diálogos: Los diálogos eran una parte esencial del teatro griego y consistían en conversaciones entre los personajes de la obra. Estos diálogos a menudo presentaban temas filosóficos y morales, y se centraba en el conflicto entre el destino y la libre voluntad.

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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El teatro griego floreció durante el periodo clásico de la antigua Grecia, desde aproximadamente el siglo VI a.C. hasta el siglo IV a.C.

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El TEATRO GRIEGO: su historia, cómo eran los teatros, estructura, dramaturgos

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El teatro medieval se desarrolló en Europa durante la Edad Media, aproximadamente desde el siglo V hasta el siglo XV. En general, se dividía en dos categorías: El teatro religioso, que se basaba en historias bíblicas y se representaba en iglesias, y el teatro profano, que incluía obras de comedia y tragedia y se representaba en plazas y calles.
A menudo, los actores en el teatro medieval eran aficionados y pertenecían a gremios locales. Las obras eran en su mayoría en verso y la música y la danza también eran una parte importante de la actuación. Las obras de teatro medieval reflejaban la cultura y las preocupaciones sociales de la época, y a menudo tenían una dimensión moralizante y religiosa.

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El teatro medieval no se enfocaba en la autoría individual, sino que las obras eran producidas y representadas por grupos de actores y escritores, usualmente anónimos.
Sin embargo hay algunas que son representativas del periodo y que son populares hasta la actualidad:

"El Auto de los Reyes Magos" - Es un drama litúrgico español que cuenta la historia de los Reyes Magos en su camino a Belén para adorar al niño Jesús.

"Everyman" - Es un drama moral inglés del siglo XV que presenta a un personaje llamado Everyman que se enfrenta a la muerte y es juzgado por Dios.

"El Decamerón" - Es una colección de cuentos de Giovanni Boccaccio escritos en Italia en el siglo XIV. Aunque no es un drama en sí mismo, se ha adaptado a obras teatrales en varias ocasiones.

"El misterio de los Milagros de Nuestra Señora" - Colección de dramas religiosos del siglo XIII escritos en España por el dramaturgo anónimo conocido como el "Maestro de Alfonso X"

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- Hroswitha de Gandersheim (935 - 1002)
- Hildegarda de Bingen (1098 - 1179)
- Adam de la Halle (1237 - 1288)
- Juan del Encina (1468 - 1529)
- Gil Vicente (1465 - 1536)
- Ludovico Ariosto (1474 - 1533)
- Pedro Calderón de la Barca (1600 - 1681)
- William Shakespeare ( 1564 -1616)
- Christopher Marlowe (1564 - 1593)
- Thomas Middleton (1580 - 1627)

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Religiosidad: El teatro medieval tenía una fuerte influencia religiosa. La mayoría de las obras se basaban en historias bíblicas y tenían un mensaje moral y religioso.

Función educativa: El teatro medieval tenía una función educativa y se utilizaba para enseñar a la gente sobre la religión y la moral. Se creía que las obras teatrales podían ser una herramienta efectiva para enseñar valores y principios.

Representaciones al aire libre: El teatro medieval se representaba al aire libre, generalmente en plazas públicas, mercados o en el patio de las iglesias. La gente se reunía alrededor de una plataforma elevada oara ver la obra.

Actores itinerantes: Los actores medievales eran itinerantes y recorrían las ciudades de pueblos para representar sus obra. A menudo eran artistas ambulantes que viajaban de un lugar a otro para ganarse la vida.

Uso de la música y la danza: La música y la danza eran una parte imporante del teatro medieval. A menudo se incluían canciones y bailes en las obras teatrales para hacerlas más atractivas para el público.

Temas populares: Además de las historias bíblicas, el teatro medieval también representaba temas populares de la época, como las leyendas locales y las historias de caballería.

Público participativo: El público en el teatro medieval a menudo participaba en la obra, interactuando con los personajes y los actores. Esto ayudaba a crear una experiencia más inmersiva y participativa para el público.

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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El teatro medieval se desarrolló durante un amplio intervalo de tiempo, abarcando aproximadamente el siglo V hasta el siglo XV.

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El teatro renacentista pretendía o creía ser una resurrección del teatro clásico. Fue un movimiento teatral que surgió en Europa durante el Renacimiento, un periodo de gran creatividad artística, científica y filosófica que tuvo lugar entre los siglos XV y XVI. Durante este tiempo, hubo un gran interés por la cultura y la literatura clásica, lo que influyó significativamente en el teatro de la época.
Una de las características más importantes del teatro renacentista fue la importancia que se le dio a la estética y la puesta en escena. Los teatros se construyeron con una arquitectura elaborada, con decorados y vestuario que reflejaban la elegancia y la precision histótica. Los actres profesionales también fueron una característica distintiva del teatro renacentista, lo que permitó una mayor profesionalización en la interpretación teatral.
Las obras de teatro renacentista abarcaban una amplia variedad de temas, incluyendo la mitología, la religión, la política y la justicia.  La mayoría de las obras estaban escritas en verso y utilizaban un lenguaje poético y evocador que apelaba a las emociones del público.
El teatro renacentista fue también un medio importante para la promoción de la cultura y la educación. Las obras a menudo presentaban valores morales y educativos y ayudaron a difundir las ideas y conocimientos de la época. El teatro renacentista se considera una de las épocas más importantes en la historia del teatro y su influencia y legado continúan siendo significativos en la actualidad.

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"Hamlet" - William Shakespeare

"Romeo y Julieta" - William Shakespeare

"La tempestad" - William Shakespeare

"El rey Lear" - William Shakespeare

"Otelo" - William Shakespeare

"Macbeth" - William Shakespeare

"La vida es un sueño" - Pedro Calderón de la Barca

"El médico de su honra" - Pedro Calderón de la Barca

"Fuenteovejuna"- Lope de Vega

"El perro del hortelano" -Lope de Vega

"El caballero de Olmedo" - Lope de Vega

"La Celestina" Fernando de Rojas

"Las mocedades del Cid" - Guillén de Castro

"La dama boba" - Lope de Vega

"El burlador de Sevilla y convidado de piedra" - Tirso de Molina

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- William Shakespeare (1564 -1616)
- Pedro Calderón de la Barca (1600 - 1681)
- Lope de Vega (1562 - 1635)
- Christopher Marlowe (1564 - 1593)
- Ben Jonson (1572 - 1637)
- Thomas Kyd (1558 - 1594)
- John Webster (1580 - 1634)
- Francis Beaimont (1584 - 1616)
- John Fletcher (1579 - 1625)
- Thomas Middleton (1580 - 1627)

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Humanismo: El teatro renacentista reflejaba la visión humanista de la época, con una preocupación por el ser humano y sus problemas, tanto individuales como sociales.

Temas clásicos: Los autores del teatro renacentista estaban influenciados por la literatura clásica y se inspiraban en los mitos y leyendas de la Antigüedad.

La razón y la lógica: El teatro renacentista se caracterizó por una preocupación por la razón y la lógica, lo que se reflejó en la construcción de tramas complejas y la resolución de conflictos mediante el uso de la lógica.

La estructura: La estructura de las obras de teatro renacentista se basaba en la división en actos y escenas, y se caracterizaba por la presencia de pólogos y epílogos.

El teatro como espectáculo: Los autores del teatro renacentista prestaban atención al aspecto visual de las obras, lo que les permitía crear diálogos y monólogos más elaborados y poéticos.

El teatro como medio de entretenimiento: A pesar de la preocupación por temas serios y la reflexión filosófica, el teatro renacentista también era un medio de entretenimiento popular, y se caracterizaba por su habilidad para combinar elementos cómicos y trágicos.

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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El teatro renacentista es un periodo teatral que se desarrolló en Europa durante los siglos XVI y XVII, aproximadamente desde mediados del siglo XVI hasta principios del siglo XVII.

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El teatro de evangelización, también conocido como teatro de misiones, se desarrolló en América Latina durante la época de la colonización española. Fue utilizado por los misioneros católicos como una herramienta para evangelizar a los pueblos indígenas y difundir la religión católica.
Se considera que el teatro de evangelización se originó en México en el siglo XVI. específicamente en 1530 con la obra "Auto de los Reyes Magos" de Fray Andrés de Olmos. A partir de entonces, se produjeron numerosas obras de teatro religioso en México y en otras regiones de América Latina y se utilizaron para enseñar a los indígenas sobre la religión católica y la vida de los santos.
El teatro de evangelización es una forma de expresión artística que utiliza técnicas teatrales para transmitir mensajes religiosos y promover la fe cristiana. A través de sus obras teatrales, los actores buscan impactar emocionalmente al espectador y llevarlo a reflexionar sobre su vida espiritual. Esta forma de teatro se ha vuelto muy popular en algunos países latinoamericanos y ha sido utilizada como herramienta de evangelización en iglesias y eventos religiosos.

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"Jesucristo Superestrella" - Tim Rice y Andrew Lloyd Webber.

"El gran amor de Dios" -Ángela Carrasco.

" Más allá del dolor" - Héctor Hermosillo

"El cielo es real" - Todd Burpo y Lynn Vincent

"La pasión" - Mel Gibson

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- Felipe Guamán Poma de Ayala (1534 - 1616)
- Fray Diego de Ocaña (1560 - 1628)
- John Bunyan (1628 - 1688)
- Pedro Calderón de la Barca (1600 - 1681)
- Sor Juana Inés de la Cruz (1648 - 1695)
- Juan de Espinosa Medrano (1629 - 1688)

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Mensaje cristiano: El objetivo principal del teatro de evangelización es compartir el mensaje cristiano a través del arte escénico.

Representaciones dramáticas: El teatro de evangelización implica la representación dramática de historias bíblicas o de situaciones que transmiten mensajes y enseñanzas cristianas.

Uso de la música: La música y las canciones son a menudo una parte importante del teatro de evangelización y se utilizan para enfatizar y reforzar los mensajes cristianos.

Lenguaje accesible: El lenguaje utilizado en el teatro de evangelización pues es accesible y fácil de entender.

Interacción con el pública: Los actores y el equipo de producción a menudo interactúan con la audiencia antes y después con las personas.

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LA PASIÓN DE CRISTO. ✝ Representaciones teatrales / ORIGEN / Teatro Evangelizador en México. 🎭

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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Abarcó desde el siglo XVI al siglo XVIII.

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El teatro del Barroco es una forma de arte escénico que surgió en Europa durante el siglo XVII, caracterizado por su estética exuberante y dramática. Este período se caracterizó por una apreciación de lo ornamental y lo exagerado, y el teatro barroco reflejó estos valores.

El teatro barroco se destacó por el uso de efectos especiales, la elaborada escenografía, y el vestuario exuberante. Se creaban ambientes impresionantes, efectos de luz y sonido, y maquinarias sofisticadas que permitían la creación de espectáculos grandiosos. Los actores, por su parte, adoptaban una actitud declamatoria, enfatizando la expresión emocional y dramática en sus interpretaciones.

Los dramaturgos del teatro barroco crearon obras que se enfocaron en temas como el amor, la lealtad, la venganza, y la tragedia.

El teatro del Barroco fue una forma de arte que se convirtió en un espectáculo popular, y se convirtió en una de las principales formas de entretenimiento en la sociedad de la época. Hoy en día, el teatro barroco sigue siendo una fuente de inspiración para muchos artistas y sigue siendo representado en todo el mundo, manteniendo su vigencia y relevancia.

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"Hamlet" - William Shakespeare

"El príncipe constante" - Pedro Calderón de la Barca

"El gran teatro del mundo" - Pedro Calderón de la Barca

"El alcalde de Zalamea" - Pedro Calderón de la Barca

"El médico a palos" - Molière

"El avaro" - Molière

"Tartufo" - Molière

"Andromaca" - Jean Racine

"El burlador de Sevilla" - Tirso de Molina

"La vida es sueño" - Pedro Calderón de la Barca

"El castigo sin venganza" - Lope de Vega

"La dama duende" - Pedro Calderón de la Barca

"La celestina" - Fernando de Rojas

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William Shakespeare (1564-1616)

Pedro Calderón de la Barca (1600-1681)

Molière (1622-1673)

Jean Racine (1639-1699)

Tirso de Molina (1579-1648)

Lope de Vega (1562-1635)

Ben Jonson (1572-1637)

Carlo Goldoni (1707-1793)

John Webster (1580-c. 1634)

Pierre Corneille (1606-1684)

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Dramaturgia: En el teatro barroco, la dramaturgia se convirtió en un arte en sí mismo. Los dramaturgos como Lope de Vega, Calderón de la Barca y Shakespeare, entre otros, escribieron obras que se centraron en la complejidad de los personajes, la intriga y el conflicto emocional.

Decorado y vestuario: El teatro barroco se caracterizó por la extravagancia en el decorado y el vestuario. Los escenarios se construyeron con grandes detalles, efectos especiales y elementos de sorpresa para el público.

Estilo poético: El teatro barroco utilizó un estilo poético muy elaborado en el diálogo, en el cual se incluían la retórica, la metáfora y la alegoría. Los personajes expresaban sus emociones a través de un lenguaje poético.

Temas: Los temas en el teatro barroco solían ser de carácter religioso, mitológico o histórico. Las obras trataban temas como la fe, la lealtad, el honor y la muerte.

Tragedia: Las obras de teatro barroco a menudo eran trágicas y dramáticas, con una gran cantidad de acción y emoción. La muerte de personajes importantes y el sufrimiento eran elementos comunes en las obras barrocas.

Iluminación: El teatro barroco utilizó la iluminación de manera efectiva para crear ambientes y enfatizar ciertos momentos en la obra. Se utilizaban velas y linternas para iluminar el escenario y los actores.

Música: La música era un elemento importante en las obras de teatro barroco. Las piezas de música se usaban para crear ambiente, enfatizar las emociones y hacer transiciones entre escenas.

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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El teatro barroco tuvo su inicio en Europa a principios del siglo XVII y su final en la primera mitad del siglo XVIII. En términos generales, se considera que el período de mayor auge del teatro barroco abarcó desde aproximadamente 1600 hasta 1750, aunque estas fechas pueden variar ligeramente según el contexto cultural y geográfico. En España, por ejemplo, el teatro barroco se extendió hasta finales del siglo XVIII, mientras que en Francia se desarrolló principalmente durante el siglo XVII.

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El TEATRO BARROCO. Características, autores, obras, Lope de Vega y Calderón

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El teatro neoclásico es un movimiento teatral que tuvo lugar en Europa en el siglo XVII y XVIII y se basó en las ideas y principios del movimiento artístico neoclásico. El neoclasicismo se caracterizó por una vuelta a los valores clásicos y la imitación de las formas y técnicas de la antigua Grecia y Roma. El teatro neoclásico, por lo tanto, se centró en la representación de la vida y la sociedad según los modelos clásicos.

Los dramaturgos neoclásicos, como Molière y Racine en Francia y Goethe y Schiller en Alemania, escribieron obras que se basaban en la regla de las tres unidades (unidad de tiempo, lugar y acción), que limitaba la duración de la acción a un solo día, el lugar a una única localización y la acción a una sola trama principal. Además, estas obras se caracterizaban por la eliminación de elementos que se consideraban impropios, como la comedia, el lenguaje vulgar y los personajes grotescos.

Se caracterizó por la imitación de las formas y técnicas de la antigua Grecia y Roma, la regla de las tres unidades, la eliminación de elementos considerados impropios, la búsqueda de la claridad y la razón en el lenguaje y la acción, y la importancia que se daba a la moralidad y la educación en las obras.

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"El Cid" - Pierre Corneille

"Tartufo" - Molière

"Fedra" - Jean Racine

"Las bodas de Fígaro" - Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais

"Don Carlos" - Friedrich Schiller

"Los sufrimientos del joven Werther" - Johann Wolfgang von Goethe

"Emilia Galotti" - Gotthold Ephraim Lessing

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- Voltaire: 1694 - 1778
- Jean Racine: 1639 - 1699.
- Pierre Corneille: 1606 - 1684.
- Carlo Goldoni: 1707 - 1793
- Gotthold Ephraim Lessing: 1729 - 1781.

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Reglas claras: El teatro neoclásico se rigió por reglas claras que establecían las características que debía tener una obra teatral, incluyendo la unidad de tiempo, lugar y acción.

Uso del verso: El teatro neoclásico utilizó predominantemente el verso como forma poética en las obras teatrales.

Énfasis en la razón y la moral: El teatro neoclásico se enfocó en la razón y la moral, en lugar de la emoción y el espectáculo. La obra debía enseñar una lección moral y ser un ejemplo de virtud.

Carácter humano: Los personajes en el teatro neoclásico eran representados de manera realista, con una complejidad psicológica que reflejaba la naturaleza humana.

Respeto por la antigüedad clásica: El teatro neoclásico se inspiró en la antigua Grecia y Roma, y se esforzó por imitar su estilo y su forma de hacer teatro.

Ausencia de efectos especiales: A diferencia del teatro barroco, el teatro neoclásico prescindió de la escenografía exuberante y los efectos especiales, y se enfocó en la interpretación y la palabra.

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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El teatro neoclásico se desarrolló principalmente en Europa durante el siglo XVIII, desde la segunda mitad del siglo XVII hasta mediados del siglo XIX.

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Siglo XIX, específicamente en la década de 1820. ->

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Siglo XIX, específicamente en la década de 1820. ->

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El teatro del Romanticismo fue un movimiento teatral que se desarrolló a principios del siglo XIX, y se caracterizó por una mayor libertad creativa y una mayor atención a los sentimientos y emociones humanas en contraposición a los valores clásicos del teatro neoclásico.

Los dramaturgos románticos buscaban explorar nuevas formas de expresión y experimentar con temas más oscuros y controversiales, en lugar de seguir las reglas y convenciones establecidas. Algunos de los temas comunes en el teatro romántico incluyen la pasión, el amor, la muerte, el destino, la libertad y la rebelión.

En el teatro del Romanticismo, las emociones y los sentimientos se volvieron más importantes que la razón y la lógica, y los personajes a menudo se caracterizaban por ser más complejos y multidimensionales que en el teatro neoclásico. Los dramaturgos románticos también utilizaban elementos sobrenaturales, misteriosos y fantásticos para crear ambientes oscuros y atmosféricos, y para explorar temas como la locura, la magia y el más allá.

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"Hamlet" - William Shakespeare

"Fausto" - Johann Wolfgang von Goethe

"Los Miserables" - Victor Hugo

"El Corsario" - Lord Byron

"La Tempestad" - William Shakespeare

"El sueño de una noche de verano" - William Shakespeare

"El Rey Lear" - William Shakespeare

"Manfredo" - Lord Byron

"Las Aventuras de Guillermo Tell" - Friedrich Schiller

"El hombre de la multitud" - Edgar Allan Poe

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- Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832)
- Friedrich Schiller (1759-1805)
- Victor Hugo (1802-1885)
- William Shakespeare (1564-1616)
- Lord Byron (1788-1824)
- Johann Nestroy (1801-1862):
- Aleksandr Pushkin (1799-1837)
- Pedro Calderón de la Barca (1600-1681)
- Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870)
- Alfred de Musset (1810-1857)

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Emoción y sentimiento: El teatro romántico busca crear una experiencia emocional intensa en el espectador. El teatro se convierte en un lugar donde los sentimientos más profundos pueden ser explorados.

Individualismo: Los personajes del teatro romántico suelen ser individuos únicos y complejos que luchan por encontrar su lugar en el mundo. A menudo son rebeldes contra las normas sociales y se enfrentan a dilemas éticos y existenciales.

Idealismo: El teatro romántico presenta una visión idealista del mundo. Se enfoca en la belleza, la pureza y la perfección, y busca crear un mundo mejor.

Naturaleza: La naturaleza es una presencia constante en el teatro romántico. A menudo se utiliza como un reflejo de las emociones y los conflictos internos de los personajes.

Imaginación: El teatro romántico valora la imaginación y la fantasía. Muchas obras incluyen elementos sobrenaturales y mágicos, como fantasmas, duendes y seres mitológicos.

Libertad: El teatro romántico defiende la libertad individual y se opone a cualquier forma de opresión o autoridad.

Pasado y mito: El teatro romántico a menudo se inspira en el pasado y en los mitos y leyendas de las culturas antiguas. Esto se debe a que el Romanticismo tenía una fascinación por lo antiguo y por la idea de que el pasado contenía una sabiduría y una belleza que se habían perdido.

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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Se desarrolló en Europa y América aproximadamente desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX

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El Teatro del Realismo y Naturalismo fue un movimiento teatral que surgió en Europa a mediados del siglo XIX, especialmente en la década de 1870. Este movimiento se caracterizó por la representación detallada y objetiva de la vida cotidiana, el uso del lenguaje cotidiano y la eliminación de las convenciones teatrales exageradas y estilizadas que se habían utilizado en el teatro anterior.

El Teatro del Realismo y Naturalismo buscó retratar la vida de manera realista y verosímil, utilizando personajes y situaciones que reflejaban la sociedad de la época y los problemas que enfrentaba. Los temas abordados en estas obras a menudo eran sociales y psicológicos, y las obras a menudo cuestionaban las convenciones sociales y los valores de la época.

Henrik Ibsen y Émile Zola son considerados dos de los principales representantes del Teatro del Realismo y Naturalismo. Ibsen, en particular, se centró en temas como la emancipación de la mujer y la crítica al conservadurismo y la hipocresía de la sociedad de su tiempo. Otras figuras importantes del movimiento incluyen a Anton Chekhov y August Strindberg.

El Teatro del Realismo y Naturalismo influyó significativamente en el teatro moderno posterior, y su enfoque realista y su énfasis en los personajes y la psicología humana continúan siendo una parte importante del teatro contemporáneo.

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"Casa de muñecas" - Henrik Ibsen

"Germinal" - Émile Zola

"La gaviota" - Anton Chekhov

"El padre" - August Strindberg

"Madame Bovary" - Gustave Flaubert:

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- Henrik Ibsen (1828-1906)
- Émile Zola (1840-1902)
- Anton Chekhov (1860-1904)
- August Strindberg (1849-1912)
- Gerhart Hauptmann (1862-1946)

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Representación de la vida real: El teatro realista y naturalista se centró en la representación de la vida real, con personajes y situaciones que reflejaban la vida cotidiana. Los diálogos y acciones de los personajes eran más cercanos a la realidad y se alejaban de la grandilocuencia y la exageración del teatro romántico.

Temas sociales y políticos: El teatro realista y naturalista abordó temas sociales y políticos como la pobreza, la injusticia social, la lucha de clases, la opresión de las mujeres y la corrupción en el poder. Los autores de estas obras buscaron criticar y exponer las condiciones sociales y políticas de su época.

Personajes complejos y realistas: En el teatro realista y naturalista, los personajes eran complejos y realistas, con motivaciones y deseos que reflejaban la complejidad de la vida real. Los personajes a menudo luchaban con sus emociones y sus decisiones tenían consecuencias significativas.

Diálogos naturales: En lugar de utilizar diálogos poéticos y grandilocuentes, el teatro realista y naturalista presentó diálogos más naturales y cotidianos, que reflejaban la forma en que la gente habla en la vida real.

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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El teatro realista y naturalista es un movimiento que se desarrolló en Europa a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. En términos generales, se considera que este movimiento abarca desde la década de 1870 hasta principios del siglo XX.

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El teatro del siglo XX fue un periodo de gran innovación y experimentación en la historia del teatro. Hubo muchos movimientos teatrales importantes y dramaturgos destacados que influenciaron el desarrollo del teatro contemporáneo.

Teatro del absurdo: Surgió en la década de 1950 y se caracterizó por la exploración del absurdo y la falta de significado en la vida. Los dramaturgos del teatro del absurdo incluyen a Samuel Beckett, Eugène Ionesco y Harold Pinter.

Teatro épico: Desarrollado por Bertolt Brecht en la década de 1920, el teatro épico se centró en el análisis crítico de la sociedad y en la conciencia política. Se caracterizó por el uso de la alienación y la distanciación para crear una respuesta crítica del espectador.

Teatro del cuerpo: Desarrollado por Jerzy Grotowski en la década de 1960, el teatro del cuerpo se centró en la conexión física entre el actor y el espectador y en la exploración de la expresividad del cuerpo.

Teatro documental: Se centra en la utilización de material documental como base para la creación de obras teatrales. El teatro documental se popularizó en la década de 1990 y es utilizado para explorar temas sociales y políticos.

Teatro postmoderno: Desarrollado en la década de 1980, el teatro postmoderno se centró en la deconstrucción de los géneros teatrales y en la exploración de la relación entre el arte y la realidad.

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"Esperando a Godot" - Samuel Beckett

"La cantante calva" - Eugène Ionesco

"Un tranvía llamado deseo" - Tennessee Williams

"Muerte de un viajante" - Arthur Miller

"Los justos" - Albert Camus

"La casa de Bernarda Alba" - Federico García Lorca

"La gaviota" - Anton Chejov

"El inspector" - Nikolái Gógol

"Madre Coraje y sus hijos" - Bertolt Brecht

"Marat/Sade - Peter Weiss"

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Samuel Beckett (1906-1989)

Eugène Ionesco (1909-1994)

Tennessee Williams (1911-1983)

Arthur Miller (1915-2005)

Harold Pinter (1930-2008)

Antonin Artaud (1896-1948)

Bertolt Brecht (1898-1956).

Edward Albee (1928-2016)

August Wilson (1945-2005)

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Experimentación con la forma: Los dramaturgos del siglo XX exploraron nuevas formas de teatro, alejándose de la estructura tradicional de actos y escenas. Los autores experimentaron con la estructura narrativa, el lenguaje, la música, la coreografía y la multimedia para crear nuevas formas de teatro.

Temas sociales y políticos: El teatro del siglo XX abordó temas sociales y políticos relevantes para su época. Muchos dramaturgos utilizaron el teatro como medio para explorar y criticar temas como el racismo, la opresión, la guerra, la discriminación y la corrupción.

Fragmentación de la realidad: Los dramaturgos del siglo XX utilizaron la fragmentación de la realidad para representar la complejidad y la ambigüedad de la vida moderna. Estos autores utilizaron técnicas como el montaje, la repetición y la yuxtaposición para mostrar la multiplicidad de perspectivas y la falta de una verdad única.

Teatro del absurdo: El teatro del absurdo se caracteriza por la falta de sentido y la ilógica en la trama y los personajes. Estos dramaturgos cuestionan la idea de la existencia humana y utilizan la falta de lógica para criticar la sociedad y la cultura.

Nuevas formas de actuación: El teatro del siglo XX también se caracterizó por la innovación en la actuación. Los actores experimentaron con nuevas técnicas de actuación, incluyendo la actuación física, la improvisación y el teatro del cuerpo.

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El Teatro en el Siglo XX en SEIS minutos!!!

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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El teatro del siglo XX abarca todo el periodo comprendido entre el año 1900 y el año 2000, aunque en realidad la experimentación y renovación en las artes escénicas comenzó ya en la última década del siglo XIX

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El teatro de la primera mitad del siglo XX - 5to de secundaria - [Literatura]

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El teatro del siglo XXI es una forma de expresión artística que ha evolucionado desde las corrientes teatrales del siglo XX. En el teatro del siglo XXI se exploran nuevas formas de narrativa y se utilizan tecnologías avanzadas para crear experiencias teatrales únicas.

Una de las características más destacadas del teatro del siglo XXI es la inclusión de tecnología en las producciones. Muchos espectáculos teatrales en la actualidad utilizan proyecciones, efectos visuales y sonoros, animaciones, realidad virtual y otras tecnologías para crear mundos escénicos inmersivos y sorprendentes.

Otra tendencia en el teatro del siglo XXI es la exploración de nuevas formas de narrativa. Muchos dramaturgos contemporáneos utilizan técnicas no lineales, como el teatro documental o el teatro de la crueldad, para explorar temas sociales y políticos actuales. También se han desarrollado nuevas formas de teatro físico y danza-teatro que fusionan la danza y el teatro para crear experiencias escénicas emocionantes.

El teatro del siglo XXI también se preocupa por la inclusión y la diversidad. Muchos teatros están comprometidos con la inclusión de actores y actrices de diversas etnias, géneros y orientaciones sexuales, y también están interesados en abordar temas de justicia social y derechos humanos.

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"Angels in America" de Tony Kushner

"The Curious Incident of the Dog in the Night-Time" de Simon Stephens

"The Ferryman" de Jez Butterworth

"The Normal Heart" de Larry Kramer

"Oslo" de J.T. Rogers

"War Horse" de Nick Stafford

"The Book of Mormon" de Trey Parker, Matt Stone y Robert Lopez

"Doubt" de John Patrick Shanley

"Jerusalem" de Jez Butterworth

"Spring Awakening" de Steven Sater y Duncan Sheik

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Tony Kushner (nacido en 1956)

Caryl Churchill (nacida en 1938)

Martin McDonagh (nacido en 1970)

Jez Butterworth (nacido en 1969)

Tracy Letts (nacido en 1965)

Sarah Kane (1971-1999)

Lynn Nottage (nacida en 1964)

David Mamet (nacido en 1947)

Suzan-Lori Parks (nacida en 1963)

Samuel Beckett (1906-1989)

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Experimentación: El teatro del siglo XXI tiende a ser más experimental que en el pasado, con artistas que buscan nuevas formas de contar historias y desafiar las convenciones tradicionales del teatro.

Interdisciplinariedad: El teatro del siglo XXI a menudo combina diferentes disciplinas artísticas, como la danza, la música, el cine y la performance, para crear experiencias teatrales más complejas y ricas.

Temas sociales: El teatro del siglo XXI a menudo aborda temas sociales y políticos importantes, como la raza, el género, la sexualidad, la identidad y la justicia social.

Diversidad: El teatro del siglo XXI es más inclusivo que nunca, con un mayor enfoque en la diversidad racial, étnica, de género y sexual en el reparto y la producción.

Tecnología: El teatro del siglo XXI también se ha visto influenciado por los avances tecnológicos, y a menudo utiliza la tecnología para mejorar la experiencia del público y crear efectos visuales y sonoros más sofisticados.

Participación del público: El teatro del siglo XXI a menudo busca involucrar al público de nuevas formas, incluyendo la participación activa en la creación de la obra y la interacción con los artistas antes, durante y después de la presentación.

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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Intervalo de tiempo/Fecha de inicio y fin

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El teatro del siglo XXI se refiere al periodo que comenzó en el año 2000 y continua en la actualidad.

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Obra de Teatro "El Juego del Destino" - El Evangelio Cambia

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Nombre del alumno: Ángel Eduardo Viniegra García
Nombre de la profesora: Teresa Vázquez Quirino
Asignatura: Expresión Literaria
Grado, Grupo, Turno: 6° "BM"
Matricula: 202025635
Preparatoria Teziutlán del Complejo Regional Nororiental de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla.

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