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Jimmy Chin és un fotògraf, cineasta i alpinista professional nord-americà, referent mundial de la fotografia d’alta muntanya. Combina l’escalada extrema amb una mirada narrativa molt potent, capturant expedicions en entorns com l’Himàlaia i el Karakoram des de dins, com a membre actiu de l’equip i no només com a observador. El seu treball destaca per l’honestedat, el risc real i la dimensió humana de l’alpinisme, mostrant tant la bellesa com la fragilitat d’aquests paisatges i de les persones que els travessen. És col·laborador habitual de National Geographic i codirector del documental Free Solo, premi Oscar, que reflecteix perfectament la seva manera d’entendre la muntanya: respecte, compromís i límits humans.

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Les Criades de Roba Estesa és una canço molt potent, perquè no és només una peça feminista, sinó un crit col·lectiu contra la por i el silenci que envolten la violència masclista.

La cançó posa al centre la idea de sobreviure no és suficient: cal viure. Parla de dones que han après a fer-se petites, a aguantar, a callar, i reivindica el dret a ocupar espai, alçar la veu i viure amb llibertat. No descriu una agressió concreta, sinó les violències quotidianes i estructurals que travessen moltes vides.

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Godmess viene desde Oporto, Portugal, donde es uno de los artistas urbanos más conocidos y con mayor proyección.

Artista multidisciplinar, dedicado a la ilustración, el diseño gráfico, pintura, escultura y arte urbano. El joven artista busca la diversidad en su trabajo, como se muestra en la gran variedad de temas y medios de expresión que utiliza. Su atención al detalle es la clave de su inspiración que proviene de las experiencias e historias de las personas que lo rodean.

Trabaja una paleta de colores viva, y siempre que pinta en los lugares que visita fuera de Oporto, intenta representar algo típico de ese lugar.

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Saner (Edgar Flores) es un artista callejero mexicano nacido en 1981 cuyas obras son una mezcla entre animales antropomórficos, la cultura mexicana y otros elementos surrealistas.

Su professión era disseñador (estudió disseño gráfico) y descubrió su passión por el Muralismo mexicano, el dibujo y el arte en general a una edad muy temprana, concretamente en los graffitis.

En sus obras en paredes públicas siempre hace uso de personajes con máscaras mexicanas (para mostrar sus raíces) y su estilo esta influenciado por el folklor mexicano y el misticismo.

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Primo Banksy es un grafitero lucense cuya obra se centra en la crítica social y política. Su arte tiene un carácter claramente reivindicativo y activista, ya que utiliza el espacio público como una forma de expresar su visión sobre la realidad actual.

Entre sus trabajos más conocidos se encuentran Tributo a Lorca en Madrid, El rey se cae en Valencia o la representación de Mariano Rajoy sobre un burro en Lugo. También ha retratado a figuras como Rosalía, Copérnico o Franco momificado, siempre desde una perspectiva crítica e irónica.

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Context

Album: No lo volveré a hacer

Artista: Shego

Data de llençament: Gener del 2025.

Disseny

No consta un dissenyador acreditat. La banda participa activament en la direcció artística. La portada aposta per una estètica crua i sense artificis, coherent amb l’energia del disc.

Significat

El títol funciona com un mantra irònic sobre l’error i l’aprenentatge. La imatge reforça la idea de vulnerabilitat i empoderament, sense idealitzar ni jutjar.

Anècdotes

El títol s’ha utilitzat com a lema vital i promocional.

Shego va crear un decàleg irònic associat al llançament del disc.

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Intocable (Intouchables, 2011) és una pel·lícula francesa basada en fets reals que explica la relació entre Philippe, un home ric que queda tetraplègic després d’un accident, i Driss, un jove d’origen humil que és contractat com a cuidador tot i no tenir experiència.

L’humor és un element central de la pel·lícula i funciona com a eina de connexió entre els dos protagonistes. Driss utilitza un humor directe, espontani i irreverent que trenca amb la mirada compassiva habitual cap a la discapacitat. Les bromes, les situacions absurdes i els comentaris sense filtres serveixen per desdramatitzar la situació de Philippe i retornar-li una sensació de normalitat i dignitat.

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Moyra Davey (nascuda el 1958) és una artista que viu a la ciutat de Nova York. Davey és fotògrafa, videògrafa i escriptora. Moyra Davey converteix el gest mínim en pensament. La seva pràctica reivindica mirar a poc a poc, pensar des de l’experiència personal i donar valor al que normalment passa desapercebut. És una figura qui parlar de creativitat sense espectacularitat, de sensibilitat, de temps i de mirada.

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Shepard Fairey es un artista y diseñador gráfico estadounidense, considerado una de las figuras más influyentes del arte urbano contemporáneo. Comenzó su trayectoria a finales de los años 80 con el proyecto OBEY Giant, una campaña de pegatinas y carteles que se expandió de forma viral por las calles y que cuestionaba la obediencia ciega y la autoridad. Su reconocimiento internacional llegó en 2008 con el cartel HOPE de Barack Obama, una obra que lo situó en la frontera entre el arte urbano, el diseño gráfico y la comunicación política.

Su estilo se caracteriza por una fuerte influencia de la propaganda política, el constructivismo y el diseño gráfico, con el uso de colores planos, alto contraste y tipografías contundentes. A través de murales, carteles y serigrafías, Fairey aborda temas como el poder, el control social, el consumismo y la manipulación de los medios. Obras como Obey Giant, Hope, Make Art Not War o Peace Goddess reflejan su intención de utilizar el arte urbano como herramienta de crítica social y activismo visual.

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Mona Kuhn (1969) es una fotógrafa brasileña de origen alemán reconocida internacionalmente por su trabajo centrado en el cuerpo humano. Formada en Estados Unidos y basada en Los Ángeles, ha publicado numerosos libros y expuesto en museos de referencia, consolidándose como una de las voces contemporáneas más influyentes en fotografía artística.

Su estilo se caracteriza por una representación íntima, cálida y no sexualizada del desnudo. Kuhn trabaja con desenfoques suaves, luces naturales y tonos cálidos que dan a sus imágenes una atmósfera onírica y poética. Su fotografía parece suspender el tiempo, creando escenas que funcionan casi como recuerdos o estados emocionales.

Además, Kuhn crea una relación cercana con sus modelos, lo que se refleja en la expresión relajada y auténtica de los cuerpos. Sus composiciones minimalistas, el uso del espacio negativo y la atención a la textura hacen que su obra explore temas como la memoria, la identidad y la conexión humana desde una sensibilidad profundamente artística.

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Okuda San Miguel es un artista urbano español conocido por su estilo inconfundible que mezcla colores vibrantes y figuras geométricas con un enfoque surrealista. Su obra suele explorar temas como la identidad, la espiritualidad y la relación entre la naturaleza y la vida moderna. Comenzó en el graffiti en los años noventa y, con el tiempo, expandió su trabajo hacia murales monumentales, esculturas y grandes instalaciones en distintas partes del mundo. Sus creaciones, llenas de formas facetadas y contrastes visuales, se han convertido en un sello distintivo dentro del arte urbano contemporáneo.

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El artista LOREM, cuyo nombre enigmático despierta tanta curiosidad como fascinación, ha conquistado la atención del público gracias a su enfoque creativo singular y a su audaz exploración de su universo gráfico.

Sus obras, situadas en el cruce entre la pintura, el grafiti y el arte contemporáneo, invita a la reflexión y anima a los espectadores a adentrarse en su propia imaginación. Su estilo inconfundible combina modernidad con un toque de misticismo atemporal, creando una experiencia visual que trasciende los límites del tiempo y del espacio.

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Jef Aérosol (de su verdadero nombre Jean-François Perroy) es un artista francés que apareció en la primera ola del street art a principios de los años 1980.

Su técnica es la plantilla. Pintó su primera obra con plantilla en Tours, en Francia, en 1982. Al principio firmaba “Jef”, y después añadió “Aérosol”, con una flecha roja en todas sus pinturas como si fuera una segunda firma.

Pinta retratos de personas anónimas en la calle, como músicos, niños o transeúntes. Pero también pinta retratos de personajes famosos, como Elvis Presley o Gandhi.

Hace street art en muchísimas ciudades, como París, Bruselas, Roma, Nueva York, Tokio, Madrid o Barcelona.

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Btoy, nombre artístico de Andrea Michaelsson, es una reconocida artista urbana española cuya obra se caracteriza por el uso de stencils (plantillas) finamente detallados y una marcada estética vintage. Sus creaciones suelen centrarse en rostros femeninos, frecuentemente inspirados en mujeres del pasado que evocan elegancia, fuerza y sensibilidad.
Su estilo combina colores envejecidos, tonos sepia, texturas desgastadas y elementos retro, lo que genera una atmósfera nostálgica y cinematográfica. Además, su trabajo destaca por una reflexión sobre el papel de la mujer en la sociedad, reivindicando su presencia y su historia a través del arte callejero.

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Shepard Fairey (Charleston, 1970) es un artista y diseñador gráfico estadounidense, considerado una de las figuras más influyentes del arte urbano contemporáneo. Comenzó su trayectoria a finales de los años 80 con el proyecto OBEY Giant, una campaña de pegatinas y carteles que se expandió de forma viral por las calles y que cuestionaba la obediencia ciega y la autoridad. Su reconocimiento internacional llegó en 2008 con el cartel HOPE de Barack Obama, una obra que lo situó en la frontera entre el arte urbano, el diseño gráfico y la comunicación política.

Su estilo se caracteriza por una fuerte influencia de la propaganda política, el constructivismo y el diseño gráfico, con el uso de colores planos, alto contraste y tipografías contundentes. A través de murales, carteles y serigrafías, Fairey aborda temas como el poder, el control social, el consumismo y la manipulación de los medios. Obras como Obey Giant, Hope, Make Art Not War o Peace Goddess reflejan su intención de utilizar el arte urbano como herramienta de crítica social y activismo visual.

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El arte urbano se ha convertido en un acto de protesta en un mundo y sociedad donde la neutralidad y la sobriedad inundan el espacio público. Esta falta de vida y emociones que abunda en las ciudades también se presenta en el transporte público y los vehículos. Así, estamos acostumbrados a espacios funcionales e inexpresivos, pero en países como Japón esto es distinto, siendo este el caso de los trenes. Ya bien sea como publicidad, o como arte urbano con una función más decorativa, la creatividad abunda en estos trenes. Desde luego que mi sueño sería subirme a un tren temático de Hello Kitty.

No he podido encontrar a los autores de estas obras, pero me parece que más alla de los fines comerciales de algunos, decorar el exterior de los trenes es una forma muy original y auténtica de mostrar la identidad de un lugar.

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Dato: Minga" es una palabra quechua y un concepto social en los Andes que se refiere a una forma de trabajo comunitario, colectivo y solidario para lograr un fin común.

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Bastardilla es una artista de la calle, originaria de Colombia, que prefiere mantenerse en el anonimato para que la gente se fije solo en su arte. Su trabajo es una explosión de color y un homenaje visual a la vida real en Latinoamérica. Sus murales usan un estilo muy llamativo para contar historias, centrándose en figuras fuertes, a menudo mujeres, para mostrar la energía y la resistencia de la gente y denunciar de forma directa la desigualdad social. Obras como la madre que ayuda a sostener el techo de una casa o la mujer envuelta en flores son un recordatorio de la fuerza colectiva y el valor de la vida cotidiana. Su arte transforma los muros de la ciudad en lienzos de gran belleza, dignificando la voz de las mujeres en el espacio público y creando un fuerte significado cultural.

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La artista Marina Capdevila ha llevado su obra a muros de ciudades de todo el mundo en los que pinta a ancianos felices, yendo desde Estados Unidos hasta Europa.

Su arte urbano tiene una temática muy definida: la reivindicación de la vejez, ya que la artista, utiliza espacios público para retratar a personas mayores en actitudes vitales, irónicas y llenas de energía, rompiendo los estereotipos tradicionales asociados a la edad.

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Muelle fue uno de los pioneros del graffiti en España y una figura icónica del arte urbano madrileño durante los años 80. Su firma, un trazo dinámico acompañado de una flecha en espiral, se convirtió en un símbolo de identidad visual en la ciudad. A diferencia del graffiti más agresivo o reivindicativo, el estilo de Muelle era más amable, casi caligráfico, y rápidamente se popularizó entre jóvenes artistas que imitaron su estética. Su trabajo marcó el inicio del movimiento conocido como “firmeros” en Madrid y ayudó a transformar el graffiti en una forma de expresión creativa reconocida. Muelle dejó de pintar en los 90, pero su legado sigue vivo como referencia del arte urbano español.

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TVBoy (Salvatore Benintende, Palermo, 1980) es un artista urbano italiano afincado en Barcelona.

El estilo de TVBoy combina estética pop, técnicas del arte urbano y un lenguaje visual muy directo. Sus murales suelen construirse a partir de imágenes icónicas: figuras políticas, personajes mediáticos o celebridades pop, que él transforma con humor e ironía. TVBoy utiliza con frecuencia carteles, impresiones y papel pegado (wheatpaste), que después interviene con pintura acrílica, aerosol, rotuladores o detalles dorados para resaltar zonas concretas y generar contraste.

Gran parte de sus murales tienen un fuerte impacto social y político, especialmente sus series de besos entre personajes famosos (como Messi y Cristiano, o Sánchez y Puigdemont), que cuestionan la rivalidad, el poder y la polarización. También realiza obras con mensajes feministas y LGTB, promoviendo el amor libre, la diversidad, la igualdad y el empoderamiento femenino mediante figuras como Frida Kahlo o Alexia Putellas.

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El Niño de las Pinturas (Raúl Ruiz) es un muralista y artista urbano nacido en Granada y activo desde finales de los años 90. Su obra, muy presente en ciudades andaluzas como Sevilla, combina retratos expresivos con poesía escrita, convirtiendo cada muro en una pieza emocional y social.
Su estilo es reconocible por las miradas intensas, la textura orgánica del color y frases que invitan a la reflexión. A lo largo de su trayectoria ha participado en proyectos comunitarios, festivales y acciones culturales que han consolidado su figura como uno de los muralistas más influyentes del panorama urbano español.

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Sherpay Fairey nacido en 1970 en EUA es un artista urbano, diseñador gráfico y activista político. Se hizo famoso internacionalmente por su propaganda política mezclada con el "street art", más conocido con el pseudónimo de OBEY se ha convertido en una marca y símbolo cultural. Empezó en 1989 con su campaña "OBEY GIANT" pegando pegatinas y plantillas con la imagen del peleador André The Giant y la palabra OBEY (obedecer) con el objetivo de hacer reflexionar al público sobre la autoridad y el poder.

En 2008 creo HOPE su obra más famosa; el retrato de Barak Obama con los colores rojo y azul y la palabra de esperanza. Este se volvió un icono para la campaña presidencial de 2008 y se considera una de las imágenes políticas más potentes del siglo 21.

Fairey usa el arte como canal de denuncia sobre temas como los derechos humanos, consciencia ambiental, consumismo, desigualdades sociales, feminismo... y ha colaborado con Amnistia Internacional en una campaña contra la islamofobia llamada "We the People".

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Elian Chali nació en Córdoba, Argentina, en una ciudad donde el caos visual convive con geometrías inesperadas, tanto fachadas irregulares, cables cruzados, sombras que forman líneas imposibles. Ese fue su primer museo y, sin saberlo, también su primera escuela.

De adolescente comenzó a pintar en paredes abandonadas y fábricas en desuso. No buscaba llamar la atención, sino ordenar ese caos que lo rodeaba. Con el tiempo desarrolló un lenguaje propio a través de formas abstractas, colores planos y composiciones en movimiento.

Elian no pinta “sobre” la arquitectura, pinta “con” ella. Cada muro, cada esquina, cada grieta se convierte en parte de la obra. La ciudad deja de ser un fondo para transformarse en protagonista.

Sus murales monumentales han aparecido en más de 30 países como Buenos Aires, París, Miami, Moscú...

Hoy, Elian Chali es una de las voces más influyentes del muralismo abstracto contemporáneo. Su obra no busca representar algo reconocible. Él busca generar una sensación, una pausa visual en medio de la ciudad.

Un recordatorio de que el color también puede ser arquitectura.

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Felipe Pantone es un artista argentino-español que vive en Valencia. Él empezó en el graffiti siendo adolescente y evolucionó hasta convertirse en una de las figuras más reconocidas del arte urbano. Su estilo mezcla el graffiti tradicional con el arte óptico, el cinetismo y la estética digital, reconocido por sus obras llenas de colores vibrantes, degradados, geometrías, efectos de movimiento y sensaciones visuales que recuerdan a píxeles y elementos tecnológicos.

Trabaja en muchos formatos: murales de gran tamaño, lienzos, esculturas, instalaciones, piezas públicas y proyectos arquitectónicos.

Aunque empezó pintando en la calle, hoy su trabajo aparece en ciudades de todo el mundo, así como en galerías y museos.

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Werens es uno de los pioneros del graffiti en Cataluña, su nombre real es Ramon Puig. Werens es originario de Sabadell, la ciudad donde vivo, sus obras decoran nuestras calles desde hace casi 30 años. No sólo ha pintado en Sabadell, su huella se encuentra en ciudades de todo el mundo, caracterizada por un arte urbano colorista, espontáneo y reivindicativo.
Su obra no se vende, se ofrece al aire libre y sus coloridas figuras contrastan con el gris de lo cotidiano.
Lo conocí en el instituto en un proyecto en el que estudiábamos artistas locales, aunque sin saberlo lo conocía de toda la vida, pues sus obras siempre me han acompañado al caminar por las calles de mi ciudad.

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Va estudiar Disseny gràfic a l’Escola Elisava de Barcelona, i il·lustració a Escola d’Art Serra i Abella de l’Hospitalet. A la fi dels 90 va iniciar la seva carrera en la il·lustració i el tatuatge. En aquest entorn gràfic va començar a pintar graffiti (any 99). Com a membre actiu dels moviments socials va convertir el grafit en el seu mitjà de comunicació col·lectiva, des de llavors ha mantingut el caràcter social de la seva obra i el seu compromís.
Roc posa a disposició de la comunitat la seva creativitat i el seu llenguatge gràfic per convertir els murs en altaveus de la memòria compartida de veïns, col·lectius, comunitats i moviments socials. La seva obra resulta el punt de trobada entre l’art urbà i el compromís social.

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Sergio Hidalgo Paredes más conocido por su nombre de artista Sixe Paredes (Barcelona, 1975) es un artista urbano español conocido por su estilo colorido, abstracto y profundamente influenciado por la estética andina. Comenzó su carrera en los años 90 en la escena del graffiti barcelonés y, con el tiempo, evolucionó hacia un lenguaje visual más simbólico, combinando geometría, espiritualidad, cultura precolombiana y grafismos contemporáneos.

Su arte destaca por paletas vibrantes, formas y composiciones que evocan equilibrio y naturaleza. Sixe mezcla técnicas, mural, pintura, escultura e instalación, para crear obras que exploran la identidad y la memoria ancestral.

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Sam Cox más conocido como Mr Doodle, nació en Kent, Inglaterra en 1993. Es un artista e ilustrador británico que desde joven mostró mucha fascinación por dibujar. Estudió ilustración en Bristol, y al comienzo de su carrera vendía sus obras por £1. Con el tiempo, su estilo de “graffiti spaghetti” comenzó a viralizarse en redes sociales. Su popularidad lo llevó a recibir reconocimiento internacional, alcanzar ventas millonarias en subastas y exponer en museos.

En cuanto a su arte, Mr Doodle trabaja tanto en interiores como en exteriores, expandiendo su lenguaje de doodles a cualquier superficie. Ha pintado sobre muros, fachadas, estructuras arquitectónicas y objetos urbanos completos, cubriéndolos con sus garabatos monocromáticos.

Sus líneas continuas y personajes dinámicos generan la sensación de que sus dibujos se propagan como un patrón vivo. Con sus acciones, Cox convierte el espacio público en un lienzo abierto para su universo creativo.

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XOOOOX és un artista urbà anònim resident a Berlín, conegut per les seves intervencions poètiques i efímeres a l’espai públic. Va començar dedicant-se exclusivament al grafit, però aviat va evolucionar cap a l’ús de pasta de blat i plantilles a partir de fotografies extretes de revistes de moda. Aquestes figures femenines , tema central de les seves obres, apareixen sovint a escala real i recorden la influència d’artistes pioners com Blek le Rat.

Amb el temps, XOOOOX ha expandit la seva visió de l’art de carrer, treballant també en instal·lacions públiques i participant en projectes internacionals. Les seves peces es poden trobar en ciutats com Roma, Viena, Londres i diverses capitals alemanyes, i sovint esdevenen punts de pelegrinatge per a qui recorre els carrers buscant-ne rastre.

El seu procés creatiu és espontani i intuïtiu: localitza murs degradats que reforcen el contrast entre la bellesa idealitzada de les models i la fragilitat del suport que les acull. En aquestes imatges, la dona i la paret “trenquen” o s’esberlen plegades, fent veure la vulnerabilitat, la transitorietat i el caràcter efímer de l’estètica i l’estatus imposats per la indústria de la moda i el consum massiu.

Fidel al seu anonimat, XOOOOX busca aportar l’art a persones que potser mai visitarien una galeria, integrant-lo directament en el paisatge quotidià i convidant a una reflexió silenciosa entre bellesa i decadència.

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MadC, nom artístic de Claudia Walde, és una artista d’art urbà molt reconeguda. De fet, se la considera l’artista grafitera més “exitosa del món”, segons diversos mitjans.

Va estudiar disseny de comunicació a la universitat Burg Giebichenstein i animació al central saint Martin's College d'art i disseny de Londres. Va començar pintant grafitis a Alemanya quan era adolescent, i ràpidament es va fer famosa pels seus murals de gran format.

El seu estil combina colors vius, línies dinàmiques i capes transparents que transmeten tota l’energia i espontaneïtat de pintar al carrer. Les seves obres són abstractes i molt impactants, amb composicions que atrapen l’espectador.

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Anna Maga es ilustradora, muralista y educadora nacida en Esplugues de Llobregat (Barcelona). Su trabajo se reconoce por la manera en que sus personajes se expresan a través de los gestos y del entorno, mezclando realidad y fantasía con un toque muy personal.

Además de dedicarse al mundo del graffiti, trabaja en ilustración editorial, portadas, cartelería, patrones, pintura en vivo y talleres participativos. Entre sus obras, destaca el mural del dragón (foto 1), donde utiliza esta figura mítica para hablar de la violencia de género, convirtiendo el espacio urbano en un lugar de reflexión y denuncia compartida.

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Os Gemeos son dos hermanos brasileños que se volvieron muy conocidos por sus enormes murales llenos de personajes amarillos y un estilo muy surrealista, como si vinieran de un mundo imaginario. Lo que hacen destaca mucho porque mezclan colores fuertes, detalles de la cultura de su país y una forma de ver la realidad que llama la atención. Además de lo visual, su trabajo tiene un mensaje: hablan de la desigualdad que vive mucha gente, de la pobreza, de la violencia y de cómo en las ciudades a veces la gente se siente desconectada o atrapada en la rutina. También critican la corrupción y las injusticias que ven a su alrededor. Así pues, su arte combina creatividad y crítica social de una manera muy personal, lo que los ha hecho famosos en todo el mundo.

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Fafi, nom real Fabienne Saincry, és una reconeguda artista urbana francesa nascuda el 29 d’agost del 1975 a Tolosa. Va guanyar notorietat per primera vegada el 1994 pintant personatges femenins agosarats i acolorits, anomenats les Fafinettes, als murs de la seva ciutat.

Un univers femení i subversiu
Les Fafinettes, al centre de la seva obra, són dones voluptuoses i provocadores que combinen innocència i actitud.

Representen una feminitat lliure, poderosa i sense excuses, inspirada en l’estètica pin-up i la cultura pop. Mitjançant elles, Fafi qüestiona els estereotips de gènere i reivindica espai per a les dones dins del món de l’art urbà, tradicionalment dominat pels homes.

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Invader és un artista francès que crea des dels anys 90 mantenint l'anonimat. El seu nom prové del videojoc Space Invaders i justament aquest és el centre del seu art.

Invader col·loca mosaics fets amb rajoles en espais públics de ciutats de tot el món. Els mosaics representen icons culturals o personatges de videojocs (Space Invaders, Pac-Man…) de 8-bits. L'objectiu és la “invasió” de l’espai urbà. Cada peça té un codi i una puntuació, com si fos un videojoc real.

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Anna Repullo es una artista urbana nacida en Sant Feliu de Llobregat (Barcelona) en 1990. Licenciada en Bellas Artes, se dedica al muralismo y al arte urbano con un estilo realista y figurativo. Sus obras suelen representar figuras humanas y escenas cotidianas, captando emociones y momentos con gran sensibilidad.

A lo largo de su carrera ha realizado murales en distintos municipios de Cataluña y España, como la sede del sindicato CCOO en Cornellà o murales que preservan la memoria local en Sant Feliu. Sus trabajos combinan calidad pictórica y mensaje social, abordando temas como la memoria histórica, la dignidad del trabajo o la defensa del territorio. Gracias a su enfoque, ha ganado varios concursos de muralismo y se ha consolidado como una artista emergente relevante dentro del arte urbano contemporáneo, aportando una visión cercana, auténtica y comprometida.

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Kmbra es un freestyler español conocido como La Leyenda del Under, una figura clave del rap de parques. Se hizo nombre lejos de los focos, ganando respeto por su estilo crudo, sus barras afiladas y la manera honesta en la que hablaba sobre temas duros como la depresión y la autoexigencia. Dominó el circuito underground con rimas complejas y una autenticidad que pocos podían igualar, dejando batallas que hoy siguen siendo referencia. Aunque decidió retirarse, su legado en la escena sigue intacto. También pasó por Barcelona alguna vez, mezclándose con la escena local y demostrando por qué su nombre todavía pesa. Además, demuestra como el arte urbano nace en la calle, con la improvisación y la descripción de la realidad cruda.

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Dase (Marc Álvarez Cortés), es un artista urbano nacido en Mollet del Vallès.

Empezó a pintar graffiti en 2006, cuando tenía solo 15 años, y más adelante estudió Diseño Gráfico en la escuela ESDi, lo que reforzó su técnica y su estilo visual. Con el tiempo, pasó del graffiti más tradicional a crear grandes murales, algunos de los cuales ha realizado en ciudades como Barcelona, Madrid, Miami o Nueva York, incluyendo una intervención en el mítico espacio 5Pointz en 2013.

Su obra se caracteriza por un enfoque que él define como “artivismo vegano”, es decir, utiliza el arte urbano para transmitir mensajes relacionados con el respeto animal, el ecologismo y la justicia social. También apuesta por materiales sostenibles y un estilo que mezcla figuras realistas con elementos más abstractos.

En 2025 regresó a su ciudad natal para crear el mural de Alexia Putellas en Mollet del Vallès, un proyecto que ha tenido gran visibilidad y que forma parte de su reconocimiento creciente, con varias de sus obras nominadas a Mejor Mural del Mundo.

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Meninas Madrid Gallery en las calles de Madrid surge de la visión de Antonio Azzato, un artista venezolano que está afincado en España, que impulsa proyectos que acercan el arte a la gente. Antonio ha encontrado en la figura de La Menina de Velázquez un símbolo con el que puede reinterpretar y llevar el arte a la actualidad, ya que como arquitecto la vio como una figura que conecta la tradición y la creatividad, colaborando con otros artistas.

Gracias a su propuesta, cada año la ciudad se llena de esculturas creadas por diferentes artistas, convirtiendo Madrid en una exposición abierta.

Antonio Azzato, también tiene su propia marca de diseño y arte, Art by AZZATO, que promueve un estilo que transforma objetos cotidianos en obras de arte dando más sentido a su visión de reivindicar lo urbano, lo cotidiano y lo popular.

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Yuki Onodera, nacida en 1962 en Tokio (Japón), es una fotógrafa contemporánea reconocida por su enfoque experimental y por desafiar constantemente los límites del medio fotográfico. Su obra combina técnicas analógicas, intervención manual, collage y procesos de revelado poco convencionales, creando imágenes que parecen situarse entre la realidad y la ficción. Onodera suele trabajar con cámaras de gran formato y a menudo produce fotografías de gran tamaño que exploran temas como la memoria, el sueño, la identidad y la materialidad de la imagen.

Uno de sus métodos característicos consiste en introducir objetos dentro de la cámara —como canicas o líquidos— para modificar la luz y generar efectos visuales imposibles de reproducir digitalmente. Su trabajo ha sido expuesto en museos de todo el mundo y forma parte de colecciones importantes como el Centre Pompidou o el Museo Reina Sofía. Onodera es considerada una de las artistas japonesas más innovadoras en la fotografía contemporánea.

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Artis es actualmente el breakdancer más importante a nivel nacional. Es un referente del arte urbano en todas sus expresiones, ya que desde bien pequeño grafiteaba a lo que le precedió el break dance, estilo de danza urbana que nace en las calles de Nueva York en los 70 junto con el graffiti, el DJing y el rap.

Es un referente, ya que difunde la cultura del hiphop y del arte urbano allá donde va defendiéndola desde la primera persona, ya que tal y como el defiende en una entrevista "Creo que el hip hop es la educación futura del colegio. Está en todo, en la ropa, los grafitis, el cine, la música... Rosalía es hip hop. Todo es música urbana. Y podemos aprovecharlo. A través del grafiti, podemos hacer que los niños lleguen hasta Miguel Ángel. A través de la música, podemos llevarles hasta Mozart. El hip hop no ha inventado nada, pero ha reinventado todo lo que existe. Y entra por los ojos. ¡Menuda herramienta!"

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Artis Fsc on Instagram: "Parte de mi paso por el evento @_spaghettiflava_ a mi parecer, uno de los mejores jams en Europa, no es sólo el nivel del evento, es el nivel de las personas que están detrás del evento, se que en el sur de Italia tengo a unos hermanos y hermanas que estarán siempre ahí! Por supuesto Máximo respeto y admiración para mi compañera de batalla ese día @adi_raykova_ desde Bulgaria!! Fue muy divertido!! 
Poco a poco volviendo al ruedo después de una lesión de casi dos meses!! Con ganas con hambre  con todo! 

——————————————————————

Part of my time at the @_spaghettiflava_ event, in my opinion one of the best jams in Europe, isn’t just the level of the event, it’s the level of the people behind it. I know that in southern Italy I have brothers and sisters who will always be there! Of course, maximum respect and admiration for my battle partner that day @adi_raykova_ from Bulgaria!! It was so much fun!!
Little by little, I’m getting back into the swing of things after almost two months of injury!! Looking forward to it, hungry for everything!

@furiousstylesspain 
@furiousstylescrew 
@originalitystandsalone 
@defstylerockers"

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372 likes, 100 comments - artisfsc on September 16, 2025: "Parte de mi paso por el evento @_spaghettiflava_ a mi parecer, uno de los mejores jams en Europa, no es sólo el nivel del evento, es el nivel de las personas que están detrás del evento, se que en el sur de Italia tengo a unos hermanos y hermanas que estarán siempre ahí! Por supuesto Máximo respeto y admiración para mi compañera de batalla ese día @adi_raykova_ desde Bulgaria!! Fue muy divertido!! 
Poco a poco volviendo al ruedo después de una lesión de casi dos meses!! Con ganas con hambre  con todo! 

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Part of my time at the @_spaghettiflava_ event, in my opinion one of the best jams in Europe, isn’t just the level of the event, it’s the level of the people behind it. I know that in southern Italy I have brothers and sisters who will always be there! Of course, maximum respect and admiration for my battle partner that day @adi_raykova_ from Bulgaria!! It was so much fun!!
Little by little, I’m getting back into the swing of things after almost two months of injury!! Looking forward to it, hungry for everything!

@furiousstylesspain 
@furiousstylescrew 
@originalitystandsalone 
@defstylerockers". 

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Shepard Fairey es un artista urbano y diseñador gráfico estadounidense reconocido mundialmente por sus murales, carteles y obras que combinan estética punk, propaganda visual y mensajes políticos. Nacido en Charleston en 1970, comenzó en la escena del street art en los años 90 y se convirtió en una figura clave gracias a su icónico proyecto “OBEY” y su enfoque crítico hacia el poder, los medios y la cultura de masas.

Su obra, presente en ciudades de todo el mundo, destaca por el uso de colores planos, patrones geométricos y retratos estilizados que fusionan el lenguaje del activismo con el diseño gráfico. Fairey utiliza el arte como herramienta de reflexión social, creando imágenes reconocibles que invitan a cuestionar la autoridad, el consumo y las estructuras de control.

Hoy es uno de los artistas urbanos más influyentes del panorama contemporáneo, llevando su mensaje a través de murales monumentales, piezas gráficas y campañas culturales que han marcado la estética del arte político moderno. Su célebre retrato “HOPE” de Barack Obama consolidó su impacto global y convirtió su estilo en un símbolo del poder del arte visual para generar cambio.

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Lidia Cao es una artista gallega especializada en muralismo e ilustración, nacida en Santiago de Compostela en 1997. Desde pequeña siempre ha mostrado interés por el dibujo y lo artesanal. En 2016 descubre el arte urbano, un momento clave en su trayectoria. Desde 2018 desarrolla su carrera profesional, llevando sus obras a espacios públicos en distintos países, como Canadá, Irlanda y Alemania.

Su técnica se basa en el dibujo ilustrado, con líneas destacadas, sombreados y proporciones anatómicas cuidadas. Crea murales de gran tamaño con un estilo inspirado en el cómic europeo, lo que hace que sus obras narren historias y sean fácilmente reconocibles. Los rostros, especialmente de mujeres, son los protagonistas de su trabajo, mostrando emociones y mundos interiores.

Como ella misma dice: “Vivir del arte es un trabajo continuo, tanto en lo personal como en lo profesional”. Su obra fusiona narrativa, emoción y técnica, convirtiendo cada mural en un reflejo de su visión del mundo.

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Maya Hayuk es una artista estadounidense-ucraniana, nacida en 1969 en Baltimore y actualmente afincada en Brooklyn, Nueva York.

Su obra se distingue por murales y pinturas a gran escala llenas de patrones geométricos, simetrías y colores intensos que evocan referencias tan diversas como mandalas, arte popular ucraniano, tejidos tradicionales, y visiones psicodélicas.

Además de pintar murales públicos por todo el mundo, Maya combina esa práctica con dibujos, serigrafías, ilustraciones, fotografía y colaboraciones con músicos y otros artistas, fusionando lo decorativo, lo experimental y lo visualmente vibrante.

En resumen: Maya Hayuk crea arte visual poderoso, colorido y energético, transformando espacios (paredes, galerías, estudios) con obras que mezclan tradición, abstracción y un fuerte sentido visual contemporáneo.

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Bordalo II es un artista urbano portugués conocido por crear enormes esculturas de animales utilizando materiales reciclados como plásticos, metal, cables, piezas de coches... Su trabajo forma parte del movimiento “Trash Art”, que transforma residuos en arte con un mensaje ecológico muy potente.

Cada animal que construye simboliza el impacto del ser humano en la naturaleza y la cantidad de residuos que generamos. Sus obras ocupan fachadas enteras y se pueden ver tanto en la calle como en museos o festivales de arte urbano de todo el mundo.

Con estas piezas, Bordalo II consigue algo doble, crear esculturas espectaculares y, al mismo tiempo, hacer que la gente reflexione sobre el consumismo y la sostenibilidad.

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El AnoufaBear es una de las esculturas más reconocibles del artista francés Ylan Anoufa, creador que combina pop-art, graffiti y colores vibrantes para transmitir alegría, nostalgia y energía positiva. Sus osos metálicos, convertidos en símbolo de su obra, representan una mezcla entre inocencia infantil y estética urbana contemporánea.

En Manufaktura, el gran centro cultural y comercial de Łódź, la presencia de un AnoufaBear gigante destaca como una pieza emblemática del arte público moderno. Su instalación en este espacio refuerza la idea de Anoufa: llevar el arte fuera de las galerías y acercarlo a la gente en su vida cotidiana.

El oso multicolor invita a interactuar, fotografiarlo y disfrutar del contraste entre su ternura icónica y su tamaño monumental.

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DAIM (Mirko Reisser) es un pionero del graffiti 3D alemán, famoso por representar su nombre con formas tridimensionales muy precisas de luz y sombra. Comenzó a finales de los 80, fundó el colectivo getting-up en 1999 y, además del spray, trabaja con esculturas, cintas adhesivas y medios digitales para expandir su estilo más allá del muro.

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Este mural realizado por Jadore Tong en 2016 se encuentra en el barrio Franz-Klühs-Straße de Berlín.

En una entrevista, el artista cuenta que fue contratado por el dueño del muro y la idea surgió pensando en los niños y en transmitir un mensaje positivo de forma clara y accesible.

Para realizar la obra usó primero rodillo de pintura, luego spray para los contornos, pintura de pared para rellenar y finalmente spray para los detalles y bajo la imagen escribió “UNITY PEACE UNITY LOVE WISDOM”.

Una curiosidad es que el lugar donde lo pintó salió en una película con un elefante frente a esa pared, hecho que le inspiró para su diseño.

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Penelles és un petit poble de la Noguera que s’ha convertit en un referent d’art urbà gràcies al Gargar Festival de Murals i d’Art Rural, que se celebra des del 2016. Cada any, artistes d’arreu del món són convidats a pintar façanes, magatzems i parets del poble, fins a omplir-lo amb més de 160 murals permanents de tècniques diverses (esprai, brotxa, plantilles, collage, acrílic, etc.). Aquest festival ha portat artistes reconeguts com Roser Capdevila (Les Tres Bessones) o Pilarín Bayés, que hi han deixat murals inspirats en la pagesia i la cultura catalana.

L’impacte del projecte ha revitalitzat el poble, ha atret turisme i ha posat en valor la creativitat al món rural. De fet, el Gargar Festival ha estat guardonat amb el premi Impulsa Cultura 2020 de la Fundació Catalunya Cultura.

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Sabek vive y desarrolla su carrera en Madrid, donde nació en 1985. Comenzó a perfilar su estilo interviniendo en calles y lugares abandonados de los alrededores de la capital. Posteriormente empezó a producir obras más gráficas y a experimentar con diferentes técnicas. Su obra plantea una reflexión en torno al ser humano y su relación con la naturaleza. Su estilo se caracteriza por el empleo de formas y colores que aluden al origen natural, y representa animales nobles y poderosos que infunden respeto.

Su trabajo está plasmado en muros monumentales y en galerías de arte de todo el mundo (Estados Unidos, Francia, España, Malasia, Rusia o Nueva Zelanda). Sabek mezcla sutilmente las sombras y masas de colores planos y los hace coexistir con los detalles más refinados. Sus formas, sean animales, vegetales o humanas, son una alegoría del equilibro natural y de su propia energía. En sus composiciones, que no buscan asignar una lógica al significado del símbolo, más que reflejar una realidad, la crea.

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El artista portugués Alexandre Farto, más conocido como VHILS, es considerado en la actualidad uno de los mejores artistas callejeros del mundo. Tras formarse en Londres y Berlín, en la actualidad vive y trabaja entre Londres y Lisboa.

Desde sus inicios a principios de la década de 2000, el artista portugués ha presentado su trabajo en más de 30 países, realizando exposiciones individuales y colectivas, intervenciones artísticas en sitios específicos, especialmente urbanos, etc. También ha dirigido varios videoclips (entre ellos del grupo U2), cortometrajes y otro tipo de producciones.

Su obra, que abarca desde el collage al retrato, se caracteriza desde 2007 por emplear el bajorrelieve desde un punto de vista innovador, especialmente a partir del proyecto Scratching de Surface, con el que araña la superficie de los muros, buscando las diferentes capas incluso mediante explosivos, hasta crear nuevas formas, que se van definiendo a través del desgaste y la propia vida interior de los muros.

Su producción refleja una reflexión permanente sobre la identidad y la vida en las sociedades urbanas contemporáneas. Le preocupan especialmente temas como la lucha entre el individuo y la sociedad o la desaparición de la singularidad cultural frente a la globalización.

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Me Lata Barcelona és un projecte d’art urbà iniciat el 2015 per una parella d’artistes que transformen llaunes reciclades amb missatges positius, frases d’amor i il·lustracions senzilles. Després de pintar-les a mà, les col·loquen pels carrers de Barcelona (sobretot a barris com El Raval, Gràcia o El Born) convertint espais quotidians en petites dosis d’optimisme. Així, la seva obra combina reciclatge, poesia visual i sensibilitat emocional, i s’ha convertit en una de les intervencions més reconegudes del street art barceloní.

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Julian Beever es un artista británico que se ha ganado la fama mundial por ser un auténtico mago del asfalto y las ilusiones ópticas. Su lienzo es el suelo de las plazas y calles, y su truco es la anamorfosis.

Beever crea estas ilusiones tridimensionales solo usando tiza y una perspectiva muy específica. Como por ejemplo encontrarte con un agujero profundo en la calle, una cascada cayendo o quizás una persona sentada dentro de una lata de Coca-Cola gigante.

La obra parece plana y distorsionada desde casi todos los ángulos, pero cuando te colocas en el punto de vista correcto, ¡la imagen prende vida.

Es un arte efímero, ya que una simple lluvia puede borrar su trabajo, lo que lo hace aún más especial. Por ello, Julian Beever nos recuerda que el arte puede estar en el lugar menos esperado y que una simple acera puede transformarse en una ventana a un mundo de fantasía e ilusión. Su trabajo no solo es pintar, sino engañar a nuestros ojos de la forma más divertida posible.

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Un artista urbà destacat de Budapest és BreakOne. La seva obra combina influències del graffiti clàssic dels anys setanta amb tècniques modernes de muralisme, il·lustració, disseny gràfic i art contemporani, fet que el converteix en un creador versàtil i reconegut dins de l’escena del street art de la ciutat.

BreakOne ha signat murals molt coneguts a Budapest, alguns d’ells vinculats a projectes que busquen transformar l’espai públic mitjançant l’art urbà. Entre les seves peces més celebrades hi ha murals de colors intensos i motius animals, que donen vida a parets grises i atrauen l’atenció per la força visual i la combinació de formes figuratives i abstractes.

La seva obra no només destaca per l’estètica, sinó pel seu impacte social, convertint façanes oblidades en espais vibrants i accessibles per a tothom. Amb el temps, BreakOne ha contribuït a consolidar l’art urbà com una forma d’expressió artística respectada i significativa a Budapest.

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Marquis Lewis, también conocido por el nombre de Retna, es un artista urbano de Los Ángeles, nacido en 1979 y reconocido por su caligrafía distintiva.

Su estilo fusiona el arte callejero con escrituras árabes, hebreas, asiáticas e incas y también símbolos místicos, que hablan a los espectadores sobre sus referencias culturales.

Ha trabajado desde grandes murales de distintas ciudades, galerías prestigiosas y también, ha colaborado junto a marcas de lujo como Louis Vuitton.

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Dase, cuyo nombre real es Marc Álvarez Cortés, es un destacado artista urbano español originario de Mollet del Vallès, Cataluña. Comenzó en el mundo del graffiti a los 15 años y, con el tiempo, desarrolló un estilo propio que combina el hiperrealismo con técnicas tradicionales del street art. Su obra no solo busca embellecer espacios urbanos, sino también transmitir mensajes de concienciación social, ambiental y de derechos animales, practicando lo que él llama “artivismo vegano”. Sus murales han sido reconocidos internacionalmente, estando presentes en ciudades como Barcelona, Madrid, Miami y Nueva York, y le han valido premios como “Mejor Mural del Mundo” por su creatividad y compromiso social.

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Okuda de San Miguel es un artista urbano nacido en Santander en 1980 y licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Desde finales de los años 90 desarrolló un estilo muy reconocible que combina geometrías multicolores con cuerpos grises y formas orgánicas, creando un surrealismo pop de fuerte esencia urbana. Su obra explora temas como el existencialismo, el sentido de la vida, la libertad y el choque entre modernidad y raíces. Sus trabajos, tanto murales como piezas de estudio, pueden verse en ciudades y galerías de todo el mundo. Además, su universo visual se ha convertido en un referente del arte contemporáneo urbano. Su presencia internacional lo sitúa como una de las figuras más influyentes del arte urbano actual.

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Vera Bugatti, nacida en 1979 en Brescia, es una artista urbana de Italia que se destaca por su labor en el arte anamórfico en 3D y el street painting.

Con formación en conservación del patrimonio cultural, su trabajo combina la investigación con la creación artística, lo que le da una profundidad simbólica.

Se ha vuelto una figura importante del arte de la tiza contemporánea, después de participar en festivales y proyectos en más de veinticinco naciones.

Su estilo se distingue por un realismo emocional enfocado en personajes humanos que manifiestan introspección, vulnerabilidad y silencio. Gran parte de sus trabajos son efímeros, dado que emplea materiales como la tiza y trata asuntos como la fragilidad medioambiental y social, la memoria y la identidad. Su trabajo se distingue por convertir el espacio público en uno de reflexión.

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Vera Bugatti, nacida en 1979 en Brescia, es una artista urbana de Italia que se destaca por su labor en el arte anamórfico en 3D y el street painting.

Con formación en conservación del patrimonio cultural, su trabajo combina la investigación con la creación artística, lo que le da una profundidad simbólica.

Se ha vuelto una figura importante del arte de la tiza contemporánea, después de participar en festivales y proyectos en más de veinticinco naciones.

Su estilo se distingue por un realismo emocional enfocado en personajes humanos que manifiestan introspección, vulnerabilidad y silencio. Gran parte de sus trabajos son efímeros, dado que emplea materiales como la tiza y trata asuntos como la fragilidad medioambiental y social, la memoria y la identidad. Su trabajo se distingue por convertir el espacio público en uno de reflexión.

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Kenor, nacido en Barcelona en 1976, se ha convertido en un artista de referencia para el arte urbano abstracto, con composiciones geométricas y una paleta de colores electrizados que caracterizan su estilo. Las formas vibrantes y el interés por el movimiento y la luz son ejes centrales en su obra. Empezó a pintar en la década de 1990, movido por las tensiones entre la decadencia del paisaje urbano de la ciudad condal y el entorno rural del sur de España, de donde viene su familia. EL arte urbano le ha llevado a formar parte de muestras como Graffuturism (Los Ángeles, 2012), Graffuturism L’Avenir (Denver, 2019) o DrapArt ’21 (Barcelona, 2021) y en realizar instalaciones en centros como el CaixaForum de Barcelona, el Grand Palais de París o el Museo Leonardo Da Vinci de Milán.

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Hyuro (Tamara Djurovic) fue una artista urbana argentino-española reconocida por su muralismo poético, íntimo y profundamente social. Su obra explora temas como la identidad femenina, la memoria, la intimidad, y las dinámicas de poder, siempre desde una sensibilidad muy humana.

Su estilo se caracteriza por figuras humanas despojadas, tonos suaves y composiciones que recuerdan ilustraciones oníricas. Sus personajes suelen aparecer en situaciones cotidianas, silenciosas, invitando a la reflexión más que al impacto visual inmediato.

Los murales de Hyuro se integran en el paisaje urbano como si fueran escenas suspendidas en el tiempo. A través de gestos, miradas y metáforas visuales, aborda cuestiones de género, vulnerabilidad y resistencia. Muchas de sus obras han quedado como hitos de arte público en ciudades de Europa y América Latina.

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Aryz es un artista urbano español reconocido por realizar murales a gran escala y por su estilo pictórico. Se caracteriza por usar colores suaves, figuras humanas fragmentadas y una estética que se aleja del graffiti tradicional. Sus obras proponen escenas abiertas a interpretación, donde la textura, la luz y la composición son los principales protagonistas. Esta mezcla entre lo clásico y lo contemporáneo ha convertido su trabajo en un referente dentro del muralismo internacional.

A lo largo de su carrera ha intervenido muros en ciudades como Barcelona, Madrid o Copenhague, creando piezas que destacan por su enorme tamaño y su delicadeza visual. En cada obra combina técnicas tradicionales con un lenguaje propio, logrando que sus murales sean reconocibles incluso sin necesidad de firma. Su aportación ha sido clave para ampliar la percepción del arte urbano, demostrando que una pared puede convertirse en un lienzo monumental capaz de acercar la pintura a todos los públicos.

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Dulk, nom artístic d’Antonio Segura Donat, és un artista urbà d’Ontinyent, del meu poble, reconegut internacionalment pels seus murals de gran format i per un estil molt personal, detallista i carregat de missatges.

Des de jove va mostrar interès pel dibuix i la natura, dos elements que amb el temps s’han convertit en l’eix central del seu treball. Va estudiar disseny gràfic i il·lustració, i va començar pintant parets de manera autodidacta fins que el seu talent el va portar a col·laborar en festivals i projectes arreu del món.

En moltes de les seues pintades inclou un animal en perill d’extinció dins d’una diana, un símbol molt potent que representa com els humans estem “apuntant” i destruint la biodiversitat del planeta. A través d’aquest recurs visual, Dulk denuncia la crisi climàtica, la contaminació, la desforestació i la pèrdua d’espècies, tot combinant realitat i fantasia.

El seu art es caracteritza per l’ús de colors vius, escenes surrealistes i animals híbrids o imaginaris que conviuen amb elements del món real, creant universos onírics però alhora inquietants. A més del carrer, també ha treballat en galeries, llibres il·lustrats i projectes educatius, convertint-se en un referent de l’art urbà amb consciència ecològica. Les seues obres conviden a reflexionar sobre la relació entre l’ésser humà i la natura i a actuar per protegir el nostre planeta.

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ROA es un artista urbano belga que se hizo famoso por pintar animales gigantes en las paredes de las ciudades. Sus murales, casi siempre en blanco y negro, llaman mucho la atención porque son muy detallados y realistas. En lugar de pintar cosas al azar, suele elegir animales que viven en la zona, para recordar la conexión que tenemos con la naturaleza, incluso en medio del cemento y los edificios. Aunque se sabe poco sobre su vida personal, su arte habla por él y transmite mensajes sobre la supervivencia, el abandono y el impacto que los humanos tenemos en el mundo natural.

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Cristian Sonda es un artista milanés nacido en 1976, que empezó como escritor de graffiti con el seudónimo SONDA en la escena juvenil del arte urbano de la ciudad.﻿
Su estilo es ilustrativo y surrealista, con figuras humanas deformadas de manera grotesca para resaltar debilidades, hipocresías y falsedades del ser humano moderno. -

- “Tango d’amore”, en viale Jenner, en la fachada de una sede sanitaria pública muestra una pareja bailando tango en un prado bajo las estrellas; el baile se convierte en metáfora de sensualidad, responsabilidad de quien guía y confianza de quien se deja guiar, vinculada al tema del sexo responsable y de las pruebas de VIH/SIDA que se realizan en el centro sanitario.

- “Incontro alla natura” en via Guerzoni, representa ciudadanos que limpian la ciudad del exceso de rascacielos y plantan árboles, como crítica a la urbanización y al cemento en proyectos como CityLife, y como invitación a devolver espacio a la naturaleza en la ciudad.﻿

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Keith Haring va ser un artista i activista social dels Estats Units. El seu art va sorgir de la subcultura del grafiti i l’art pop dels anys 80.

Va començar a Nova York, específicament al metro. Es va adonar que quan els panells publicitaris de les estacions no es venien es tapaven amb paper negre, i ell va començar a dibuixar a sobre amb guix blanc. Els seus dibuixos eren senzills i ràpids, en un inici era perquè no el multessin.

L'art de Haring tenia l'objectiu de destacar fets polítics i socials, com el consum de drogues, el racisme, els drets LGBTQ o la sida.

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Eduardo Kobra es un artista urbano brasileño conocido por sus monumentales murales coloridos que llenan ciudades de vida. De niño dibujaba en las calles de São Paulo sin parar, y esa pasión creció hasta volverse su forma de hablarle al mundo. Sus murales, llenos de rostros icónicos y colores vibrantes, buscan emocionar, recordar historias y ofrecer un poco de esperanza a quien pasa por delante. Aunque hoy pinta en todos los rincones del planeta, cada obra suya mantiene algo muy humano y es ese deseo de conectar con las personas que las ven por las calles del mundo entero.

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JR es un artista urbano y fotógrafo francés, conocido por sus enormes instalaciones fotográficas en espacios públicos alrededor del mundo. Su trabajo combina fotografía, arte callejero y activismo social, transformando paredes, techos y fachadas en lienzos gigantes que visibilizan comunidades, historias personales y problemáticas sociales.

El arte de JR se caracteriza por:

Intervención urbana: sus obras aparecen en lugares inesperados de ciudades, integrándose en el paisaje.

Fotografía a gran escala

Mensajes sociales y políticos: denuncia desigualdades, celebra la diversidad y crea conciencia sobre temas sociales.

Interacción con el público: sus obras invitan a la reflexión y al diálogo, generando participación.

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Caledonia Curry (New London, 1977), conocida artísticamente como Swoon, es una creadora estadounidense que se mueve entre el grabado, la escultura y la animación stop-motion. Aunque hoy su trabajo se expone en museos y espacios culturales, su origen está en la calle: fue una de las primeras mujeres que consiguió hacerse un nombre internacional dentro del arte urbano.

Swoon surgió a principios de los 2000 junto a artistas como JR o Banksy, en un momento en el que el street art empezaba a ampliar sus límites. Su sello personal son los retratos en papel pegado, que realiza tallando matrices de madera o linóleo para imprimirlas a mano, o cortando varias capas de papel . Las figuras que representa suelen ser personas cercanas a ella, amigos, familiares o gente que ha conocido en distintos barrios y comunidades, y su intención es darles visibilidad dentro del espacio urbano.

A través de estas piezas, Swoon pone en primer plano historias y realidades que muchas veces pasan desapercibidas en la ciudad: vidas anónimas, situaciones de vulnerabilidad o experiencias que quedan relegadas a los márgenes. Su obra convierte la calle en un espacio emocional y humano, más allá de la simple intervención visual.

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¿Por qué mencionar 1 artista callejero cuando puedes tener 30? Rebobinart: gestión cultural con el street art

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¿Por qué mencionar 1 artista callejero cuando puedes tener 30? Rebobinart: gestión cultural con el street art

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Mencionar a Rebobinart no es solamente mencionar una promotora de artistas callejeros internacionales con estilo.

Con base en Barcelona, Rebobinart está demostrando que la verdadera revolución no está cruzando fronteras, sino en casa, en la gestión cultural que reivindica y empodera al talento nacional, dignificando las calles al trasformar sus muros en lienzos reivindicativos, llenos de crítica y compromiso social, con una estructura clara para poner en foco al artista en sus diferentes proyectos:

WALLSPOT. Plataforma digital que profesionaliza el arte urbano, gestionando y abriendo muros legales (muros libres) para dar seguridad a las creadores locales.

WOMART. Programa dedicado a dar la visibilidad que merecen las mujeres en el arte mural, promoviendo la igualdad y con el talento femenino.

MURALES (de autor y comunitarios). Crean obras de gran formato (con mensaje social o técnico) que embellecen y dan identidad a nuestro espacio público.

ÚS BARCELONA. Festivales que transforman espacios abandonados o en desuso (ej. recinto penitenciario La Modelo) en grandes galerías de arte urbano, acercando la vanguardia a la ciudadanía.

FORMACIÓN. Invierten en el futuro con talleres y rutas, educando y difundiendo la cultura del street art hecho en casa.

No hace falta irnos muy lejos para ver que las obras sociales y reivindicativas que necesitamos está hecho en casa, y Rebobinart es el motor que lo demuestra sin ser un fenómeno viral ni mediático internacional.

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Lula Goce realitza el seu mural per WOMART

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Lula Goce tendeix a aprofundir en l’íntim a partir del que és públic, accions solitàries vinculades a la natura, que exposats a la mirada de vianants i curiosos

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KAWS es un artista y diseñador estadounidense (Brian Donnelly, 1974) conocido por su estilo que mezcla arte urbano, cultura pop y estética de juguete coleccionable. Empezó como grafitero y ganó fama interviniendo anuncios publicitarios en la calle, añadiendo sus característicos “XX” en los ojos.

Alguna de sus obras más famosas son:

Companion: su personaje más emblemático, una figura de aspecto triste con manos que tapan la cara.

BFF: similar al “Monstruo de las Galletas”, peludo y azul, con los ojos en "XX".

Holiday: esculturas inflables gigantes que ha instalado en ciudades como Seúl, Hong Kong o Tokio.

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Faith47 es una artista urbana sudafricana reconocida internacionalmente por sus murales poéticos y de fuerte carga social. Desde finales de los años 90, transforma espacios urbanos con figuras humanas y símbolos que reflexionan sobre la desigualdad, la memoria histórica y la conexión con la naturaleza. Su trabajo mezcla el arte urbano, la pintura y el activismo, haciéndola una de las figuras más influyentes y sensibles del street art contemporáneo.

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Blu és un artista urbà italià, originari de Senigallia i actiu des de 1999, que manté la seva identitat en l’anonimat. Va començar fent grafiti a Bolonya i ràpidament es va fer reconegut pels seus murals de gran format, sovint pintats amb pintura a l’emulsió i rulls telescòpics. El seu estil combina figures humanes caricaturesques amb una forta càrrega simbòlica i crítica social, tractant temes com el capitalisme, la injustícia i la destrucció mediambiental. Entre les seves obres més destacades hi ha Muto (2008), un mural animat en stop-motion que es va convertir en una peça de referència internacional. Fidels als seus principis, el 2016 va esborrar els seus propis murals a Bolonya per protestar contra la seva apropiació i comercialització, reafirmant la seva defensa de l’art urbà com un espai públic i no mercantilitzat.

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Banksy es un artista urbano británico cuya identidad real sigue siendo desconocida. Surgió en la escena del graffiti de Bristol en la década de 1990 y rápidamente se volvió reconocido por su estilo distintivo, basado en plantillas (stencil) que combinan humor ácido, crítica social y mensajes políticos. Sus obras suelen aparecer de manera sorpresiva en espacios públicos de diferentes ciudades del mundo y abordan temas como el consumismo, la guerra, el poder, la vigilancia y las desigualdades sociales. Entre sus piezas más famosas se encuentran Girl with Balloon (imagen 1), que muestra a una niña dejando escapar un globo en forma de corazón; Flower Thrower (imagen 3), una figura que lanza un ramo de flores en lugar de un arma; Kissing Coppers (imagen 5), un mural icónico que representa a dos policías besándose como crítica a la autoridad y a los estereotipos sociales. Aunque permanece en el anonimato, su trabajo ha alcanzado un impacto global y es considerado uno de los artistas urbanos más influyentes de la actualidad.

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Lady Pink, nacida como Sandra Fabara en Ecuador, es una de las pioneras del graffiti femenino. Llegó a Nueva York siendo niña y, desde finales de los años 70, se introdujo en la escena del graffiti underground, un espacio casi exclusivamente masculino. En 1979 comenzó a pintar trenes del metro, desafiando estereotipos dentro de la cultura hip-hop. Su estilo mezcla spray, tipografía experimental y figuras femeninas, y con el tiempo ha sido reconocida como “la primera dama del graffiti”.

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Street Art en Roma – Tor Marancia, Pigneto y Testaccio

Tor Marancia – Diamond & Seth

En Tor Marancia destacan dos murales emblemáticos.

Diamond, artista romano conocido por su estilo decorativo y simbólico, crea composiciones elegantes que mezclan influencias clásicas y modernistas. Su obra aporta belleza y carácter a este barrio popular.

Seth, muralista francés famoso por sus figuras infantiles, pinta al niño que trepa, una imagen poética que simboliza crecimiento, curiosidad y apertura hacia nuevos mundos.

Pigneto – Maupal & Sten&Lex

En el Pigneto encontramos un mural del ojo, asociado al artista romano Maupal, conocido por su estilo pop y mensajes sociales. La imagen funciona como metáfora de atención y mirada crítica sobre la ciudad.

El dúo Sten&Lex, pioneros del stencil en Europa, firma el mural de los dos jóvenes que se abrazan: una escena íntima y monocromática que transmite afecto y humanidad en un barrio creativo y cambiante.

Testaccio – ROA & Alice Pasquini

En Testaccio resalta el gran ratón del artista belga ROA, célebre por sus animales monumentales en blanco y negro. Su obra reflexiona sobre la relación entre naturaleza y ciudad.

Cerca de allí, Alice Pasquini, una de las artistas italianas más reconocidas, presenta un mural lleno de figuras diversas, mujeres y rostros expresivos que hablan de emociones y vínculos humanos.

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Fotoperiodista olvidada que documentó la vida callejera de Nueva York en los 40–50

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Alice Austin (1866-1952) fue una fotógrafa estadounidense pionera, documentando la vida social neoyorquina y rompiendo los moldes de la época victoriana. Su extensa obra, más de 8,000 imágenes, capta desde escenas documentales de la inmigración hasta retratos íntimos y provocadores de ella y su círculo de amigas.

La obra de Alice Austin pasó desapercibida hasta que en 1950 una investigadora que preparaba un libro sobre mujeres americanas en la historia dio con sus negativos y sus fotos se publicaron en la revista Life.

En los últimos años, su figura se ha convertido en un icono del movimiento LGTB. En muchas de sus fotos aparecen mujeres vestidas de hombre y fumando en escenas que ponen en cuestión los roles tradicionales de género, a la vez que abren las puertas a explorar la propia identidad.

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Davide Sorrenti (1976–1997) fue un fotógrafo clave de los años 90 y el rostro visible de la estética Heroin Chic.

Rompió con el glamour tradicional para retratar la crudeza, imperfección y vulnerabilidad de la juventud neoyorquina, usando a sus amigos y novias como modelos en un estilo documental y realista.

Su muerte a los 20 años (causada por una enfermedad sanguínea crónica agravada por el uso de drogas) marcó el fin de esta era. La tragedia impulsó un boicot en la industria contra la glorificación de la estética drogadicta y demacrada en la moda.

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Aurore Belot es una fotógrafa belga nacida en Bruselas en 1977.

Se apasionó por la fotografía gracias a su padre, un aficionado entusiasta que le enseñó las bases con una vieja Canon Ftb analógica.

Vivió cuatro años en España estudiando filología francesa, luego regresó a Bruselas, donde aprendió decoración de interiores en el Institut des Arts et Métiers, y posteriormente realizó un primer año de fotografía en la escuela técnica INRACI de Bruselas.

Después de ocupar durante algunos años empleos ordinarios, se dio cuenta de que lo que más deseaba era contar historias a la gente, poniendo su propia sensibilidad al servicio de esas historias.

Volvió entonces definitivamente a su primera pasión y empezó a trabajar como fotógrafa independiente.

Realizó una pasantía en un periódico belga y ahora colabora con varias agencias en Italia, Inglaterra y Bélgica.

Su trabajo se centra en las tradiciones, los problemas sociales y las luchas de las mujeres en todo el mundo.

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Jennifer Hayes es una fotógrafa estadounidense que trabaja bajo el agua, sobre todo para National Geographic. Se dedica a mostrar la vida marina y las personas que estudian los océanos. Viaja a lugares fríos y remotos, como el Ártico, para documentar animales como focas, ballenas y aves marinas. Su objetivo principal es ayudar a que más gente entienda y cuide el mundo marino.

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Mona Kuhn (1969) es una fotógrafa brasileña de origen alemán reconocida internacionalmente por su trabajo centrado en el cuerpo humano. Formada en Estados Unidos y basada en Los Ángeles, ha publicado numerosos libros y expuesto en museos de referencia, consolidándose como una de las voces contemporáneas más influyentes en fotografía artística.

Su estilo se caracteriza por una representación íntima, cálida y no sexualizada del desnudo. Kuhn trabaja con desenfoques suaves, luces naturales y tonos cálidos que dan a sus imágenes una atmósfera onírica y poética. Su fotografía parece suspender el tiempo, creando escenas que funcionan casi como recuerdos o estados emocionales.

Además, Kuhn crea una relación cercana con sus modelos, lo que se refleja en la expresión relajada y auténtica de los cuerpos. Sus composiciones minimalistas, el uso del espacio negativo y la atención a la textura hacen que su obra explore temas como la memoria, la identidad y la conexión humana desde una sensibilidad profundamente artística.

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Cecilia Paredes es una artista y fotógrafa peruana conocida por sus obras en las que fusiona cuerpo y entorno mediante el camuflaje. En sus imágenes, Paredes suele pintar su piel y vestuario para integrarse visualmente con fondos elaborados, creando composiciones en las que su figura parece desaparecer y a la vez destacar.

Su trabajo explora temas como la identidad, la migración, la pertenencia y la relación del ser humano con la naturaleza. A través de esta técnica, Paredes invita a reflexionar sobre cómo nos situamos, o nos disolvemos, en los espacios culturales y emocionales que habitamos.

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Pierre y Gilles son un dúo artístico francés formado por el fotógrafo Pierre Commoy y el pintor Gilles Blanchard, conocidos por su técnica híbrida que combina fotografía y pintura. Su proceso consiste en construir decorados muy elaborados, casi teatrales, para realizar una toma fotográfica extremadamente controlada y, después, pintar directamente sobre la impresión final para intensificar colores, crear brillos, suavizar la piel y añadir detalles ornamentales. El resultado es una imagen entre lo real y lo pictórico, con un estilo barroco, kitsch, pop y lleno de referencias religiosas o simbólicas, donde cada retrato se convierte en una especie de icono contemporáneo.

Zahia Dehar es una modelo y diseñadora franco-argelina inicialmente conocida por un escándalo mediático que involucró a futbolistas franceses cuando era menor. En la fotografía de Pierre y Gilles donde aparece representada como Marianne la alegoría femenina de la República Francesa, el dúo la coloca en un decorado luminoso, lleno de colores suaves, flores, estrellas y elementos típicamente republicanos, reforzados por el tratamiento pictórico que la hace parecer casi una figura sagrada o mitológica. Está presentada con la mirada serena, la piel idealizada y una pose cercana a la iconografía de una virgen laica, tal como Pierre y Gilles suelen reinterpretar símbolos culturales.

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Zahia / Marianne, 2015 - PIERRE & GILLES - Estampe art contemporain | MEL Publisher

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Découvrez l’oeuvre Zahia / Marianne, 2015 de PIERRE & GILLES. Achat en ligne, retours sous 14 jours et livraison partout dans le monde.

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Carlota Guerrero (Barcelona, 1989) es una fotógrafa y directora de arte que se ha convertido en una de las miradas más influyentes de la nueva estética femenina.

Su trabajo explora el cuerpo, la identidad y al sororidad a través de composiciones suaves, simbólicas y casi rituales. Tiene un lenguaje visual muy reconocible: luz natural, cuerpos en armonía, geometría y un ambiente casi espiritual.

Ha creado proyectos visuales súper potentes como su colaboración con Beyoncé en el álbum de Lemonade, por otro lado fotografía constantemente a Rosalía, y ha firmado campañas con Dior, Givenchy o Mugler.

Su libro La mujer que llora es una bomba resume muy bien todo su universo visual.

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María Suñer es una fotógrafa emergente graduada en Iluminación, Captación y Tratamiento de Imagen. Pero, además de su talento, para mí es alguien muy especial: es una de mis amigas de toda la vida. Su interés por la fotografía ha estado siempre presente, y en los últimos años ha sabido construir un estilo propio que refleja su sensibilidad y su mirada única.

Su trabajo ya ha sido reconocido, recibiendo un premio por su proyecto final de grado superior, y no es casualidad: María tiene un talento innato y una dedicación que se nota en cada imagen. Su fotografía se centra principalmente en el ámbito deportivo y de moda. En este caso, la imagen que se muestra fue tomada durante una carrera solidaria de MotoGP organizada para recaudar fondos para la DANA de Valencia.

Me hace especial ilusión aprovechar esta oportunidad para darle voz a su trabajo, porque estoy muy orgullosa de todo lo que ha conseguido y de lo que aún está por venir. Compartir su obra aquí es, para mí, una forma de celebrar su talento y acompañarla en este camino que apenas comienza.

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Alba Yruela procedeix de la regió catalana de l’Empordà, on va desenvolupar la seva passió per la naturalesa. Va començar a fotografiar el seu entorn, amics i amants des d’un punt de vista íntim i delicat, alhora que directe, així com la seva solitud, retratada de manera commovedora en múltiples autoretrats. La seva obra personal s’ha exposat en mostres col·lectives de París, Los Angeles, Londres i Barcelona i ha publicat diversos llibres: Diaris 2009-2019 (2021), Ojama Shimasu y Bound 2 (2018), Coco (2015), Flora (2014), Laura Amanda escribe Alba (2013) i Estaría bien poner un título aquí (2011). A nivell individual, el seu treball es va incloure a la Biennal de Fotografia Xavier Miserachs (2012) i el 2022 va tenir la seva primera exposició individual a Chiquita Room titulada Diaris. El 2023, va participar a la mostra col·lectiva Entre dos azules. Conmovidos, que commemorava el desè aniversari de la Fundació Blueproject, i el 2024 va participar a la secció Opening d’ARCOmadrid amb Chiquita Room.

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Mona Kuhn (1969) es una fotógrafa brasileña-alemana reconocida mundialmente por su aproximación íntima y poética al desnudo contemporáneo. Formada en el San Francisco Art Institute, ha desarrollado su carrera entre Estados Unidos y Europa, publicando fotolibros de referencia como Evidence, Native o Kings Road. Su trabajo forma parte de importantes colecciones como LACMA o el Getty Research Institute, consolidándola como una de las artistas más influyentes en la fotografía artística actual.

Su estilo se caracteriza por retratar el cuerpo humano con una naturalidad luminosa y respetuosa, alejándose del erotismo para enfocarse en la humanidad, la calma y la conexión emocional. Kuhn suele trabajar con luz suave y tonos cálidos que generan atmósferas etéreas, casi pictóricas. Utiliza desenfoques, reflejos y capas visuales que recuerdan a la textura de un recuerdo, creando imágenes que parecen suspendidas en un estado entre lo real y lo soñador, donde la piel vibra como un paisaje más.

En sus composiciones, el cuerpo convive con la naturaleza o la arquitectura como si formara parte de ellas, reforzando la idea de armonía y pertenencia al entorno. Sus modelos aparecen relajados, libres y profundamente presentes, lo que evita cualquier sensación de voyeurismo. Esta mezcla de intimidad, suavidad visual y experimentación formal convierte la obra de Mona Kuhn en un estudio continuo sobre la luz, la memoria y la forma humana desde una mirada cálida y profundamente humana.

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Mona Kuhn, nacida en 1969, es una fotógrafa brasileña-alemana reconocida mundialmente por su aproximación íntima y poética al desnudo contemporáneo. Formada en el San Francisco Art Institute, ha desarrollado su carrera entre Estados Unidos y Europa, publicando fotolibros de referencia como Evidence, Native o Kings Road. Su trabajo forma parte de importantes colecciones como LACMA o el Getty Research Institute, consolidándola como una de las artistas más influyentes en la fotografía artística actual.

Su estilo se caracteriza por retratar el cuerpo humano con una naturalidad luminosa y respetuosa, alejándose del erotismo para enfocarse en la humanidad, la calma y la conexión emocional. Kuhn suele trabajar con luz suave y tonos cálidos que generan atmósferas etéreas, casi pictóricas. Utiliza desenfoques, reflejos y capas visuales que recuerdan a la textura de un recuerdo, creando imágenes que parecen suspendidas en un estado entre lo real y lo soñador, donde la piel vibra como un paisaje más.

En sus composiciones, el cuerpo convive con la naturaleza o la arquitectura como si formara parte de ellas, reforzando la idea de armonía y pertenencia al entorno. Sus modelos aparecen relajados, libres y profundamente presentes, lo que evita cualquier sensación de voyeurismo. Esta mezcla de intimidad, suavidad visual y experimentación formal convierte la obra de Mona Kuhn en un estudio continuo sobre la luz, la memoria y la forma humana desde una mirada cálida y profundamente humana.

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Tina Modotti, fotógrafa ítalo-mexicana, actriz y activista, fue una figura clave del modernismo y el documental social en el México de los años 20. 

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Su fotografía rechazó el arte por el arte mismo, enfocando su lente en la participación social y la visibilidad inclusiva.

El núcleo de su trabajo reside en su profunda conciencia política y su mirada hacia el pueblo. Imágenes como las manos desgastadas de un trabajador o la composición de símbolos revolucionarios, elevan la dignidad del trabajo manual y la cultura popular a manifiestos estéticos. Modotti utilizó la vanguardia visual para retratar mujeres indígenas y comunidades campesinas no como víctimas, sino como sujetos de fuerza y belleza moderna. Su fotografía no solo documenta una realidad, sino que es una herramienta activa de resistencia y un homenaje al esfuerzo colectivo.

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Imogen Cunningham (1883–1976) va ser una de les fotògrafes estatunidenques més influents del segle XX, pionera de la fotografia moderna i una figura clau en l’evolució de la imatge artística. El seu estil es caracteritza per una mirada nítida i precisa, composicions molt cuidades, ús magistral de la llum natural i una atenció especial a les formes i textures, seguint els principis del grup f/64. Al llarg de la seva carrera va crear primeríssims plans de flors convertits en icones, nus artístics innovadors per a la seva època, retrats profunds de figures culturals i fotografia de carrer carregada de sensibilitat visual. També va ser una veu important en la defensa del paper de les dones dins la fotografia.

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Biografia: María Espeus nació en Suecia en el 1949, lugar donde inició su formación fotográfica. Más tarde, creció profesionalmente en París y finalmente se estableció en Barcelona.

¿Por qué destaca? Por ser una fotógrafa versátil ya que ha realizado trabajos muy diferentes que van des de instituciones públicas hasta editoriales de moda y prensa internacional.

Su esencia: un estilo sobrio y preciso con una gran capacidad para retratar a personas y espacios gracias a su sensibilidad que combina técnica y mirada propia.

Esta forma de observar las cosas la ha convertido en una figura clave, sobretodo después de ser fotógrafa oficial de los Juegos Olímpicos de 1992 y de ganar el Premio Nacional De Cultura en 2017.

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María Espeus es una fotógrafa sueca afincada en España que ha destacado en el mundo de la publicidad, la moda y el retrato. Su obra, elegante y sobria, acost…

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Elliott Erwitt es un fotógrafo franco-estadounidense fundamental del siglo XX y miembro de Magnum Photos desde 1954.

Maestro del blanco y negro, se distingue por una mirada a la vez sensible y cargada de ironía. Exploró lo íntimo, el reportaje y la publicidad, y retrató a figuras emblemáticas como Marilyn Monroe, Jackie Kennedy o Che Guevara. Su obra, llena de humanidad y humor, revela la poesía de lo cotidiano.

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Nadia Lee Cohen (1992, Essex) es una fotógrafa y cineasta británica que se ha convertido en una de las artistas más famosas del momento. Tiene un estilo muy característico que mezcla glamour retro y un humor oscuro con mucha actitud, creando personajes femeninos que parecen salidos de una película. Ha trabajado en moda, cine y videoclips, y es en este momento es una de las fotógrafas más reconocidas en el sector artístico de la moda. En su currículum podemos ver marcas como Skims, Ferragamo, Balenciaga y artistas como Lana del Rey, Katy Perry, Beyoncé... Hoy en día sus fotografías son muy conocidas dentro de la cultura pop.

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Helen Levitt (1913–2009) fue una fotógrafa estadounidense conocida por sus imágenes espontáneas de la vida en las calles de Nueva York, especialmente en barrios como Harlem y el Lower East Side. Su obra destaca por una sensibilidad poética que captura la energía, la creatividad y la inocencia de la vida urbana, sobre todo de los niños jugando en la calle. Levitt fue una pionera de la fotografía callejera y supo convertir escenas cotidianas en composiciones llenas de humanidad, humor y elegancia visual. Su estilo influyó profundamente en generaciones posteriores de fotógrafos documentales.

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Benjamín Viulet es un fotógrafo y artista visual conocido por crear imágenes simbólicas, diseñadas para confrontar al espectador con su propio mundo interior.

"Una vez alguien me contó la definición del Infierno: en tu último día en la Tierra, la persona que pudiste haber sido se encontrará con la persona que terminaste siendo. Y día a día regás tu árbol, con cada resabio, cada vicio. Criatura, cerrá los ojos y con presencia preguntate: ¿Qué cosas estoy haciendo en mi vida diaria que sé que, a largo plazo, la arruinan?
La respuesta es instantánea. Ya está. Siempre lo supiste."

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Lynsey Addario (1973, Estados Unidos) es una fotoperiodista estadounidense reconocida internacionalmente por documentar guerras y crisis humanitarias, con un enfoque especial en los derechos de las mujeres. Su trabajo muestra cómo los conflictos afectan la vida civil, especialmente a mujeres y niñas que sufren violencia, desplazamientos, matrimonios forzados o abusos como arma de guerra. Ha trabajado en zonas como Afganistán, Irak, Siria o el Congo, y colabora con medios como The New York Times y National Geographic. Su mirada se caracteriza por la cercanía emocional y el respeto hacia las personas retratadas. Ha recibido premios como el Pulitzer y ha publicado libros como It’s What I Do.

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Atif Saeed es un fotógrafo paquistaní especializado en paisajes y vida salvaje, conocido por sus imágenes espectaculares de mamíferos: (leones, guepardos) aves silvestres y escenarios montañosos muy dramáticos, a menudo captados en condiciones de luz particulares como tormentas, atardeceres o cielos estrellados.

Trabaja como fotógrafo de paisajes y fauna silvestre, produciendo copias fine‑art y libros de fotografía dedicados tanto a las montañas del Himalaya y del Karakórum como a las ciudades paquistaníes.

En sus imágenes intenta transmitir el “carácter” del animal o del lugar, combinando una composición limpia, colores intensos y un fuerte sentido de atmósfera, como en la foto que elegiste del guepardo en la sabana bajo el arcoíris, donde el animal parece pequeño en comparación con la inmensidad del cielo y del fenómeno natural.

En la imagen se ve un guepardo en plano general, sobre un prado africano, mientras mira hacia la izquierda con un gran arcoíris a sus espaldas.

Es un buen ejemplo de su estilo: el animal aislado, mucho “aire” alrededor, colores muy saturados y una escena que muestra tanto la fuerza del depredador como la poesía del paisaje.

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Sarah Waiswa es una fotógrafa documental y retratista galardonada, nacida en Uganda y residente en Kenia, interesada en explorar la Nueva Identidad Africana en el continente. Licenciada en sociología y psicología, trabajó en una empresa durante varios años, pero decidió dedicarse por completo a la fotografía. Su trabajo explora las problemáticas sociales de África de una manera contemporánea y no tradicional.

Su obra se ha exhibido en todo el mundo, y más recientemente en la exposición Africa Fashion del Museo de Brooklyn. Sus fotografías se han publicado en el Washington Post, Bloomberg y el New York Times, entre otras publicaciones, y ha colaborado con marcas como Christian Dior y Chloe. En 2021, fundó African Women in Photography, una organización sin fines de lucro dedicada a promover y celebrar el trabajo de mujeres y fotógrafas no binarias de África. En 2023, su pasión por el comisariado la llevó a comisariar su primera exposición, Sisi Ni Hao, en el Goethe Institut de Nairobi, financiada por la Fundación Ford. La exposición celebró las perspectivas únicas de 12 fotógrafas de África Oriental sobre la condición femenina.

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Graciela Iturbide es una fotógrafa mexicana, que es reconocida internacionalmente por su mirada poética y simbólica sobre la cultura mexicana y latinoamericana.

Se considera una de las fotógrafas más importantes tanto del siglo XX y XXI. Además es una figura clave de la fotografía contemporánea.

Ella desarrolló un estilo documental cargado de misticismo, identidad y ritualidad.

Sus obras más conocidas retratan comunidades indígenas, festividades, paisajes desérticos y personajes emblemáticos.

Una de sus fotografías más icónicas es “Nuestra Señora de las Iguanas” en 1979, tomada en Juchitán, que se convirtió en símbolo de fuerza, tradición y feminidad.

Ha recibido premios como el Premio Nacional de las Artes en México y el Hasselblad Award, considerado el Nobel de la fotografía.

Hoy en día sigue activa, publicando en sus redes sociales e influyendo en generaciones de fotógrafos de todo el mundo.

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¿Ojos para volar?, Coyoacán, Ciudad de México

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Descubre la obra fotográfica ¿Ojos para volar? Coyoacán, de Graciela Iturbide perteneciente a la colección Fundación MAPFRE. Más obras en nuestra web.