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¿Separar la obra de su contexto social, histórico y político? Heinrich Wölfflin

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¿Separar la obra de su contexto social, histórico y político? Heinrich Wölfflin

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Heinrich Wölfflin (1864-1945)Nació en Lucerna, Suiza, y estudió en la Universidad de Múnich, fue un crítico e historiador del arte suizo, fue pionero de la historia del arte moderno. Dentro de sus obras se destaca el trabajo «Conceptos fundamentales del arte» (Kunstgeschichtliche Grundbegriffe, 1915) allí estudia y establece las comparaciones entre diferentes estilos artísticos, específicamente entre el arte renacentista y el barroco.

Dentro del método analítico desarrollado, menciona cinco pares de conceptos esenciales para poder leer las obras  desde una óptica formal, establece estos conceptos que más adelante se constituirán como principios básicos de la percepción de las obras de arte.

El formalismo que propone Wölfflin implica enfocarse en el lenguaje visual que expresa la obra sin tener que recurrir necesariamente al contenido, al contexto histórico o a la personalidad del artista.

¿Por qué Wölfflin considera que los conceptos formales son más relevantes que el contexto histórico, social o político de una obra?

La respuesta a esta pregunta puede desarrollarse a partir del texto, pues según el autor, al centrarse en los aspectos formales, se puede captar la esencia visual y estructural de la obra, lo que permite una evaluación más objetiva y directa de su valor artístico.

Según los elementos formales como

lo lineal versus estilo pictórico, lo superficial versus lo profundo, la forma cerrada versus la forma abierta, la pluralidad versus la unidad, la claridad absoluta versus la claridad relativa, para él, son lo que hace que una obra de arte sea verdaderamente "artística" y lo que da objetividad a su desarrollo a lo largo del tiempo, independientemente del contexto externo, ese contexto histórico, social y político pasa a un segundo plano y puede desviar la atención del verdadero lenguaje del arte.

Sin embargo, nos parece relevante resaltar también la importancia de tener en cuenta el contexto histórico, social, político y personal en el que se desenvuelve la obra porque puede permitir una comprensión más profunda de las motivaciones detrás de la creación artística, así como la función y el impacto en su época.

El arte es político y siempre debería ser leído de acuerdo al contexto social en el que se produce. Es por eso que invitamos a leer las obras de arte de la mano con lo que está pasando en el momento específico y también a través del arte a seguir cuestionando y respondiendo a aquellas dinámicas de poder que oprimen y reproducen violencias e injusticias que se históricamente se han producido en la sociedad.

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Esta obra es pintada al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 58,4 x 73 cm. Realizada entre los años 1632 y 1633. Al día de hoy se encuentra en la colección privada del Duque de Westminster.

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"Autorretrato con un girasol" -  Anthony van Dyck

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"Autorretrato con un girasol" -  Anthony van Dyck

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A diferencia de la belleza y perfección que pretendía el Arte Renacentista, el Arte Barroco interpreta a las masas en movimiento: masas graves, articuladas pesadamente. Según Wölfflin, El concepto central del renacimiento es el concepto de la proporción perfecta (…) el barroco se sirve del mismo sistema de formas, pero ya no da lo completo y perfecto, sino lo movido y en génesis, no lo limitado y aprehensible, sino lo ilimitado y colosal” (p.12)

En ese sentido y siguiendo con los cinco conceptos para poder leer las obras, la creación "Autorretrato con un girasol" del artista Anthony van Dyck, nos expresa respecto a linealidad vs. pictórico, se percibe que se deja a un lado la linealidad predominante en el renacentismo y prima lo pictórico como las texturas del traje o la suavidad en la representación de la piel.

Luego, el plano vs. profundidad, a diferencia de las figuras planas de las pinturas del renacimiento  Van Dyck crea una profundidad en el espacio, se puede notar con la representación de las nubes del fondo y la interacción de él mismo con el girasol. Se nota una transición de la luz y sombra en el rostro la cual crea una clara profundidad.

Respecto a lo cerrado vs. abierto si bien el foco de la obra se centra en él, en su rostro, la interacción con el girasol y las nubes que están en el fondo, hace que la obra tenga un nivel de expansión, aunque no es mucho comparado con otras obras características del arte barroco.

La multiplicidad vs. unidad, se puede notar una clara unidad en la obra, aquel girasol sostenido por el hombre se encuentra bien integrado, hay armonía en la composición y todo se percibe unificado.

En cuanto a la claridad absoluta vs. la claridad relativa,  en la obra se percibe el fondo oscuro el cual resalta el rostro y las manos, respecto al girasol, con sus colores más saturados y sus detalles, se evidencia como un punto de luz en la obra.A pesar de que la luz es suave en el rostro, la obra se puede interpretar desde un oscurecimiento que transmite algún tipo de drama visual del retrato.

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Ver la historia del arte a través de los ojos de mujer 

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Ver la historia del arte a través de los ojos de mujer 

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Caro. M. (2024). Evidencias, Transformaciones y Desplazamientos del Cuerpo en Sociedades Distópicas. / Linda Nochlin. ¿Por qué no han existido grandes artistas mujeres?, 17-44.

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La historia de Colombia se ha contado a través del arte ¿En que se diferencia cuando se es contada por mujeres?

Se puede notar que los aspectos que se cuestionan son, precisamente, por los que han sido atravesadas. En este caso es el cuerpo, el cuerpo que ha sido campo de batalla, pero también refugio, el cuerpo que siempre ha estado en favor de los demás y disponible para satisfacción y cuidado.

En la obra analizada, el cuerpo, es un cuerpo que se menciona pero que no se representa, que siempre está ahí como puesto en una obra pero no aparece como representación.

Para mí, tiene mucho sentido, porque puede verse como una paradoja respecto a lo que ha sido el papel protagonista de muchas mujeres en la historia de Colombia y también en la historia del arte, pero que al mismo tiempo ese protagonismo ha sido ocultado. Las mujeres han sido la base para el funcionamiento de la vida y como "musas" para la representación del arte. Así mismo han sido objetivizadas y muchas veces desdibujadas de la realidad y deshumanizadas.

Esto me lleva a preguntarme

¿En qué aspectos cambiaría la historia del arte si fuera vista a través de su cuerpo femenino?

El cuerpo que ha sido invisibilizado, silenciado y oprimido carga consigo, cicatrices, rezagos, dolores.

¿No tendría la misma relevancia e idolatría que se puede llegar a tener hoy en día frente a los grandes artistas hombres?