# data[].attributes.headline
Louis-Eugène Vassogne, Frères Rimbaud communiants, photographie, 1866.

# data[].attributes.subject
Louis-Eugène Vassogne, Frères Rimbaud communiants, photographie, 1866.

# data[].attributes.attachment_link.title
Fichier:Frères Rimbaud communiants Vassogne.jpg — Wikipédia

# data[].attributes.headline
Caricature d'Arthur Rimbaud par Manuel Luque en 1890

# data[].attributes.subject
Caricature d'Arthur Rimbaud par Manuel Luque en 1890

# data[].attributes.headline
Photographie d'Arthur Rimbaud à 17 ans, par Etienne Carjat

# data[].attributes.subject
Photographie d'Arthur Rimbaud à 17 ans, par Etienne Carjat

# data[].attributes.headline
John Everett Millais, Ophélie (1851-52, huile sur toile

# data[].attributes.subject
John Everett Millais, Ophélie (1851-52, huile sur toile

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre.

Ophélie, en anglais Ophelia, est un tableau du peintre britannique John Everett Millais réalisé en 1851- 1852. Cette huile sur toile représente Ophélie, un personnage de fiction de la tragédie Hamlet, de William Shakespeare, chantant juste avant sa noyade. Elle fait partie d'une exposition avec Un huguenot, le jour de la Saint-Barthélemy, un autre tableau de Millais de cette année. Typique de la peinture pré-raphaélite, elle est conservée à la Tate Britain, à Londres.

Histoire et création

Le paysage du tableau a été peint par John Everett Millais chez William Holman Hunt, dans le Surrey, en 1851. Cependant, si le tableau présente plusieurs variétés de fleurs, toutes ne fleurissent pas en même temps, et il a dû patienter l'été et l'automne pour pouvoir composer le paysage tel qu'on le voit. Parmi les fleurs peintes, certaines sont citées dans le Hamlet de Shakespeare ( renoncules, orties, marguerites, " doigts d'hommes morts " ou salicaire pourpre), mais d'autres ont été rajoutées par le peintre pour leur valeur symbolique. C'est Elizabeth Siddal, future épouse de Dante Gabriel Rossetti, qui posa pour John Everett Millais[1] ,[2] .

Analyse

La représentation de la noyade d'Ophélie est, lorsque John Everett Millais peint le tableau, un sujet nouveau. Cependant, sa représentation en fait un sujet complexe. Elle est représentée flottant dans l'eau, mais on ne peut déterminer s'il s'agit du sommeil ou de la mort[3] . Le thème du sommeil et de la mort est un sujet central du courant préraphaélite, comme le montre le tableau Sleep and His Half-Brother Death de John William Waterhouse. Celui-ci peint plusieurs représentations d'Ophélie dont la plus connue la représente penchée sur l'eau, portant des fleurs. Un autre thème cher aux préraphaélites est la présence de la nature, et notamment l'eau et les fleurs.

Julia Thomas a mis l'accent sur la symbolique des fleurs : " Le coquelicot sous la main droite d'Ophélie signifie la mort ; les marguerites, l'innocence ; les roses, la jeunesse ; les pensées, l'amour non partagé ; les fritillaires flottant au gré du courant en bas à droite sont le chagrin ; et les violettes autour du cou d'Ophélie représentent la fidélité. " [4]

Culture populaire

Ophélie de John Everett Millais se retrouve notamment dans le film Melancholia (2011) où le personnage principal, Justine, interprété par Kirsten Dunst, est identifiable au personnage shakespearien. On retrouve le tableau dans une scène, où le personnage de Justine remplace des représentations de tableaux abstraits par des représentations de tableaux figuratifs[5] . L'affiche du film reprend aussi le tableau, représentant le protagoniste en robe de mariée, plongée dans l'eau, un bouquet à la main. On retrouve dans l'affiche tous les éléments du tableau de John Everett Millais.

Le tableau est une des nombreuses toiles présentes dans Animal Crossing : New Horizons sous le titre de Toile tragique.

Notes et références

1. ↑ " Ophélie de John Everett Millais ", sur www.cineclubdecaen.com (consulté le )

2. ↑ (en-GB) Tate, " 'Ophelia', Sir John Everett Millais, Bt, 1851-2 ", sur Tate (consulté le )

3. Anne Cousseau, " ↑ Ophélie : histoire d'un mythe fin de siècle ", Revue d'histoire littéraire de la France, vol. 101, no 1,‎ , p. 105 (ISSN 0035-2411 et 2105-2689, DOI 10.3917/rhlf.011.0105, lire en ligne, consulté le )

4. ↑ (en) Julia Thomas, " Ophelia ", dans C. Murray, Encyclopedia of the Romantic Era, 1760-1850, New York, Routledge,

5. Hervé Aubron, " ↑ En pure perte ", Vertigo, vol. 43, no 2,‎ , p. 4 (ISSN 0985-1402, DOI 10.3917/ver.043.0004, lire en ligne, consulté le )

Liens externes

Ressources relatives aux beaux-arts :

# data[].attributes.attachment_link.description
Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Ophélie , en anglais Ophelia, est un tableau du peintre britannique John Everett Millais réalisé en 1851- 1852. Cette huile sur toile représente Ophélie, un personnage de fiction de la tragédie Hamlet, de William Shakespeare, chantant juste avant sa noyade.

# data[].attributes.headline
Alexandre Cabanel, "La Naissance de Vénus" (1863), huile sur toile

# data[].attributes.subject
Alexandre Cabanel, "La Naissance de Vénus" (1863), huile sur toile

# data[].attributes.attachment_link.title
Naissance de Vénus - Alexandre Cabanel | Musée d’Orsay

# data[].attributes.headline
Renoir, "Les Amoureux" (1875), huile sur toile

# data[].attributes.subject
Renoir, "Les Amoureux" (1875), huile sur toile

# data[].attributes.headline
Manet, "La serveuse de bocks" (1879), huile sur toile

# data[].attributes.subject
Manet, "La serveuse de bocks" (1879), huile sur toile

# data[].attributes.attachment_link.title
La Serveuse de bocks - Edouard Manet | Musée d’Orsay

# data[].attributes.headline
Jules Bastien-Lepage, "L'amour au village" (1882), huile sur toile

# data[].attributes.subject
Jules Bastien-Lepage, "L'amour au village" (1882), huile sur toile

# data[].attributes.headline
Van Gogh, "La Nuit étoilée" (1889), huile sur toile

# data[].attributes.subject
Van Gogh, "La Nuit étoilée" (1889), huile sur toile

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Si ce bandeau n'est plus pertinent, retirez-le. Cliquez ici pour en savoir plus.

La Nuit étoilée (en néerlandais De sterrennacht) est une peinture de l' artiste peintre postimpressionniste néerlandais Vincent van Gogh. Le tableau représente ce que Van Gogh pouvait voir et extrapoler de la chambre qu'il occupait dans l'asile du monastère Saint-Paul-de-Mausole à Saint-Rémy-de-Provence en . Souvent présenté comme son grand œuvre, le tableau a été reproduit à de très nombreuses reprises. Il est maintenant conservé dans le Museum of Modern Art (MoMA) à New York depuis 1941.

À l'automne 1888, alors que Van Gogh réside à Arles, il réalise une peinture connue également sous le nom de La Nuit étoilée ou détaillée en Nuit étoilée sur le Rhône. Presque un an après, en , il annonce " une nouvelle étude d'un ciel étoilé ". En mi-, après avoir été admis dans l'asile du monastère Saint-Paul-de-Mausole à cause d'une crise de nerfs qui a duré de mi-juin jusqu'à fin août, il inclut cette nuit étoilée dans un des travaux qu'il envoie à son frère, Théo, à Paris.

Pour le peintre, " la nuit est beaucoup plus vivante et richement colorée que le jour ".

Le ciel représenté dans le tableau correspondrait à la configuration céleste visible à Saint-Rémy-de-Provence, le , à 4:40 précisément.

L'œuvre rassemble à la fois une observation directe du sujet et l'ajout d'éléments pour la composition.

Le ciel occupe la majorité du tableau et est composé de volutes et de tourbillons rappelant des nébuleuses. Les étoiles et la Lune sont entourées par des touches de peinture créant ainsi un halo. La Lune est visible en haut à droite, Vénus étant représentée à droite du cyprès.

La partie centrale du tableau représente le village de Saint-Rémy-de-Provence vu depuis la chambre de Van Gogh dans l'asile du monastère Saint-Paul-de-Mausole, en direction du nord. Cependant le clocher de l'église est de style hollandais.

Les Alpilles apparaissent au loin à droite de la toile. Les collines intermédiaires ne correspondent toutefois pas à la vue réelle depuis l'asile et semblent avoir été rapportées d'un autre point de vue, en direction du sud. Le cyprès, au premier plan dans la partie gauche de la toile, a été ajouté pour la composition. L'air dans ce tableau est représenté par les nuages qui suivent le chemin des étoiles.

Pour l'astrophysicien Jean-Pierre Luminet, le tourbillon figuré dans le ciel du tableau pourrait aussi avoir été inspiré par Van Gogh par les galaxies spirales dont, en 1845, William Parsons fut le premier à les découvrir et les dessiner, les nommant alors nébuleuses spirales et dont on donnait, à l'époque de la genèse du tableau, les premières représentations picturales dans les revues d'astronomie. Luminet évoque en particulier la galaxie dite " du Tourbillon ".

La documentation du MOMA interprète le cyprès du premier plan comme un symbole de la mort, en tant qu'arbre des cimetières. Sa position entre ciel et terre renforce cette impression.

Liste donnée par le musée :

- , Vincent van Gogh, Saint-Rémy-de-Provence.

- , Théo van Gogh (1857-1891), Paris, frère de Vincent van Gogh.

- : Johanna van Gogh-Bonger, Amsterdam, hérité de Theo van Gogh.

- , Julien Leclercq, Paris, acheté grâce à Jo van Gogh-Bonger.

- avant , Claude-Émile Schuffenecker, Paris, acquis par échange avec Julien Leclercq.

Après - , Johanna van Gogh-Bonger, Amsterdam, acheté à Claude-Emile Schuffenecker.

Possiblement propriété de la Oldenzeel Gallery à Rotterdam

1906 - 1938, Georgette P. van Stolk (1867-1963), Rotterdam, acheté grâce à la Oldenzeel Gallery.

1938 - 1941, Paul Rosenberg Gallery, New York, acheté à Georgette P. van Stolk grâce à Jacob-Baart de la Faille.

1941, Museum of Modern Art, New York, acquis par échange avec Paul Rosenberg Gallery.

Le tableau a notamment inspiré le compositeur Henri Dutilleux qui a sous-titré Nuit étoilée sa symphonie Timbres, espace, mouvement.

La Nuit étoilée apparaît dans la série télévisée Doctor Who saison 5 épisode 10 " Vincent et le Docteur ". On aperçoit notamment la toile au musée d'Orsay.

La Nuit étoilée apparaît dans la série télévisée The 100 saison 2 épisode 1 " 48 ". Le tableau est accroché dans un couloir blanc appartenant au complexe souterrain du Mont Weather. Il réapparaît de nouveau dans les épisodes 12 et 15 de la même saison. Dans l'épisode 15, la toile n'est plus accrochée au mur.

La Nuit Étoilée apparaît dans la série télévisée Supergirl saison 2 épisode 16 où la toile a été volée.

La lune et le style de peinture de la Nuit étoilée apparaissent dans le niveau " Tuile sur Toile " de New Super Mario Bros U.

Le tableau est une des nombreuses toiles présentes dans Animal Crossing : New Horizon sous le titre de toile scintillante.

Le tableau apparaît dans le film "Je suis une légende" avec Will Smith. Le tableau est accroché dans le salon du domicile du personnage principal.

# data[].attributes.attachment_link.description
La Nuit étoilée (en néerlandais De sterrennacht) est une peinture de l' artiste peintre postimpressionniste néerlandais Vincent van Gogh. Le tableau représente ce que Van Gogh pouvait voir et extrapoler de la chambre qu'il occupait dans l'asile du monastère Saint-Paul-de-Mausole à Saint-Rémy-de-Provence en .

# data[].attributes.headline
Van Gogh, "Intérieur d'un restaurant" (1887), huile sur toile

# data[].attributes.subject
Van Gogh, "Intérieur d'un restaurant" (1887), huile sur toile

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pointillist

Interior of a restaurant is one of Van Gogh's most pointillist works. Although he applies the stippling technique in his own distinctive manner. The tables and chairs are not rendered in dots, but in long brushstrokes. Moreover, he uses gradations of colour to suggest shadows, a practice from realism that is not consistent with pointillism.

Carefully

Exuberant bouquets adorn the tables laid with white tablecloths, like floral still lifes. High in the corner, a black hat 'floats' as a reference to a Parisian, who is about to take a seat at the table. The contrasts between the complementary colours - red and green for the walls, yellow and (grey) purple for the floor, and the yellow-orange of the furniture - with the blue in the tablecloths have been carefully applied.

Homage

Van Gogh may well have intended the work as a kind of homage to modern art. The poster or 'crepon' on the wall on the right indicates his interest in Japanese printmaking. The painting in the middle is his own, also pointillist work Lane in Voyer d'Argenson Park at Asnières. It is possible that he is alluding to the role that he himself hopes to play in the development of the new art.

# data[].attributes.attachment_link.description
Vincent van Gogh, Interior of a restaurant, summer 1887 - © Kröller-Müller Museum

# data[].attributes.headline
Van Gogh, "Les Souliers" (1886), huile sur toile

# data[].attributes.subject
Van Gogh, "Les Souliers" (1886), huile sur toile

# data[].attributes.headline
Van Gogh, "Terrasse du café le soir, place du forum, à Arles" (1888)

# data[].attributes.subject
Van Gogh, "Terrasse du café le soir, place du forum, à Arles" (1888)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre.

Terrasse du café le soir, également connu sous le nom de Terrasse de café sur la place du Forum, est une peinture de l' artiste néerlandais Vincent van Gogh réalisée à Arles en , entre le 9 et 16 du mois.

Cette peinture s'inspire probablement de l'œuvre Avenue de Clichy, cinq heures du soir (1887) de son ami le peintre Louis Anquetin qu'il a connu peu de temps auparavant à Paris.

Dans cette peinture, Van Gogh exprime toutefois ses nouvelles impressions sur la France méridionale. L'œuvre dépeint un café situé dans le quartier de la Cité de la ville d'Arles, qui s'appelait alors la "Terrasse" et qui a, par la suite, été renommé "Café van Gogh". Voici ce qu'en pensait Van Gogh, lui-même, dans une lettre adressée à sa sœur Wilhelmina :

" ...un nouveau tableau représentant l'extérieur d'un café le soir. Sur la terrasse il y a de petites figurines de buveurs. Une immense lanterne jaune éclaire la terrasse, la devanture, le trottoir, et projette même une lumière sur les pavés de la rue qui prend une teinte de violet rose. Les pignons des maisons d'une rue qui file sous le ciel bleu parsemé d'étoiles, sont bleu foncé ou violets avec un arbre vert. Voilà un tableau de nuit sans noir, rien qu'avec du beau bleu, du violet, du vert et dans cet entourage la place illuminée se colore de soufre pâle, de citron vert. Cela m'amuse énormément de peindre la nuit sur place. Autrefois on dessinait et peignait le tableau le jour d'après le dessin. Mais moi je m'en trouve bien de peindre la chose immédiatement. Il est bien vrai que dans l'obscurité je peux prendre un bleu pour un vert, un lilas bleu pour un lilas rose, puisqu'on ne distingue pas bien la qualité du ton. Mais c'est le seul moyen de sortir de la nuit noire conventionnelle avec une pauvre lumière blafarde et blanchâtre, alors que pourtant une simple bougie déjà nous donne les jaunes, les orangés les plus riches. "

Le style de cette peinture est unique pour Van Gogh avec des couleurs chaudes et la profondeur de la perspective. C'est la première peinture dans laquelle il a représenté un ciel étoilé que l'on retrouve ensuite dans Nuit étoilée sur le Rhône, peint le même mois, et Nuit étoilée, une œuvre plus connue réalisée un an après. On peut également noter que dans le portrait d'Eugène Boch, Van Gogh a peint un fond avec des étoiles.

À titre anecdotique, ce café ( 43° 40′ 39″ N, 4° 37′ 38″ E) a été restauré au début des années 1990 et peint en jaune pour accentuer la ressemblance avec le tableau de Van Gogh, alors que selon toute vraisemblance le café à cette époque n'était pas jaune, sauf la nuit à cause de l'éclairage.

Sur les autres projets Wikimedia :

Ressource relative aux beaux-arts :

# data[].attributes.attachment_link.description
Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Terrasse du café le soir , également connu sous le nom de Terrasse de café sur la place du Forum , est une peinture de l' artiste néerlandais Vincent van Gogh réalisée à Arles en , entre le 9 et 16 du mois.

# data[].attributes.headline
Jean-Louis Forain, "Rimbaud" (1872), peinture, collection privée

# data[].attributes.subject
Jean-Louis Forain, "Rimbaud" (1872), peinture, collection privée

# data[].attributes.attachment_link.description
Une page de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Fichier d'origine (618 × 886 pixels, taille du fichier : 133 kio, type MIME : image/jpeg) Cliquer sur une date et heure pour voir le fichier tel qu'il était à ce moment-là.

# data[].attributes.headline
Tableau "Un coin de table" de H. Fantin-Latour (1872)

# data[].attributes.subject
Tableau "Un coin de table" de H. Fantin-Latour (1872)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
By the Table is a group portrait as much as a testimony to the literary history of the 19th century, and the Parnassus poetry group in particular. A group of men are gathered around the far end of a table after a meal. Three are standing, from left to right: Elzéar Bonnier, Emile Blémont and Jean Aicard. Five are seated: Paul Verlaine and Arthur Rimbaud, Léon Valade, Ernest d'Hervilly and Camille Pelletan. They are all dressed in black except one, Camille Pelletan, who is not a poet like the others but a politician. The central place is occupied by Emile Blémont, who bought the painting and gave it to the Louvre in 1910.

At least two figures are missing: Charles Baudelaire, to whom the painting was initially to have been a tribute, who died in 1867 and Albert Mérat who did not want to be painted in the company of the diabolic poets Verlaine and Rimbaud and was reputedly replaced by a bunch of flowers.

The painting was criticised for being too big: "Who advised Mr Fantin-Latour to give his table such epic, monumental proportions? There is a contradiction between the painting's ambitious dimensions and its subject matter that ends up being irritating."

# data[].attributes.attachment_link.title
By the Table - Henri Fantin-Latour - Google Arts & Culture

# data[].attributes.attachment_link.description
By the Table is a group portrait as much as a testimony to the literary history of the 19th century, and the Parnassus poetry group in particular. A group ...

# data[].attributes.headline
Rimbaud, dessin de M. Luque pour l'édition 1886 des 'Poètes maudits' de Paul Verlaine.

# data[].attributes.subject
Rimbaud, dessin de M. Luque pour l'édition 1886 des 'Poètes maudits' de Paul Verlaine.

# data[].attributes.headline
Les Illuminations : portrait de Rimbaud (Saphire 24), par Fernand Léger (1945)

# data[].attributes.subject
Les Illuminations : portrait de Rimbaud (Saphire 24), par Fernand Léger (1945)

# data[].attributes.headline
Rimbaud dans Paris, collage de Pignon-Ernest (1978)

# data[].attributes.subject
Rimbaud dans Paris, collage de Pignon-Ernest (1978)

# data[].attributes.headline
Sculpture "L'homme aux semelles de vent" à Paris de Ipoustéguy (1985)

# data[].attributes.subject
Sculpture "L'homme aux semelles de vent" à Paris de Ipoustéguy (1985)

# data[].attributes.headline
Film "Rimbaud et Verlaine", d'Agnieska Holland (1995), avec Leonardo DiCaprio dans le rôle de Rimbaud.

# data[].attributes.subject
Film "Rimbaud et Verlaine", d'Agnieska Holland (1995), avec Leonardo DiCaprio dans le rôle de Rimbaud.

# data[].attributes.headline
Sculpture représentant A. Rimbaud "Je m'entête affreusement à adorer la liberté libre", de Chuffily-Roche (2004)

# data[].attributes.subject
Sculpture représentant A. Rimbaud "Je m'entête affreusement à adorer la liberté libre", de Chuffily-Roche (2004)

# data[].attributes.headline
Graphisme-collage "Arthur Rimbaud, de Moustapha Boutadjine (2008) 

# data[].attributes.subject
Graphisme-collage "Arthur Rimbaud, de Moustapha Boutadjine (2008) 

# data[].attributes.headline
Graffiti "I is somebody else", de Oré à Athènes (2016)

# data[].attributes.subject
Graffiti "I is somebody else", de Oré à Athènes (2016)

# data[].attributes.headline
Le jeune Rimbaud au 21e siècle, par Charlélie Couture en 40 portraits (2021)

# data[].attributes.subject
Le jeune Rimbaud au 21e siècle, par Charlélie Couture en 40 portraits (2021)

# data[].attributes.headline
vidéo France 5 : Rimbaud, le portrait qui créa le mythe

# data[].attributes.subject
vidéo France 5 : Rimbaud, le portrait qui créa le mythe

# data[].attributes.headline
Botticelli, "La naissance de Vénus" (vers 1485)

# data[].attributes.subject
Botticelli, "La naissance de Vénus" (vers 1485)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La Naissance de Vénus (italien : Nascita di Venere [ˈnaʃʃita di ˈvɛːnere]) est un tableau de Sandro Botticelli, peint vers 1484-1485 et conservé à la galerie des Offices. Il a été peint selon la technique de la tempera. Il représente la déesse Vénus arrivant sur le rivage après sa naissance.

Cette œuvre était révolutionnaire à l'époque, car elle présentait un nu sans aucune justification religieuse, ainsi qu'un thème mythologique issu de la culture gréco-romaine antérieure au christianisme. Son interprétation est liée à l' Académie platonicienne de Florence, un cercle intellectuel parrainé par la famille Médicis qui s'est développé dans les domaines de la philosophie, de la littérature et de l'art. La signification est liée au néoplatonisme et à la formulation par Marsilio Ficino d'un concept idéalisé de l'amour où la figure de Vénus est divisée en deux versions complémentaires, la Vénus céleste et la Vénus terrestre, symbolisant l'amour spirituel et l'amour matériel, théorie dérivée du Banquet de Platon.

L'inspiration du sujet de Botticelli peut être trouvée dans des sources littéraires telles que les œuvres classiques d' Ovide et, surtout, Angelo Poliziano, membre de l'Académie platonicienne de Florence, qui, dans son ouvrage Stanze per la Giostra (1494), décrit en vers la naissance de Vénus. Cette œuvre est consacrée à l'amour impossible professé par le noble Julien de Médicis pour la belle et vertueuse Simonetta Vespucci, qui a servi de modèle à la figure de Vénus. Il se peut que le tableau ait été commandé par Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, cousin de Laurent le Magnifique, selon un commentaire de l'historien de la Renaissance Giorgio Vasari, mais aucune preuve documentaire ne l'atteste, de sorte que le commanditaire et la date exacte demeurent inconnus.

Sandro Botticelli, autoportrait dans L'Adoration des Mages (1475, Offices).

Portrait posthume de Simonetta Vespucci (v. 1476-1480), de Botticelli, Gemäldegalerie de Berlin.

Il est traditionnellement admis que cette œuvre, tout comme Le Printemps, a été commandée par Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, le cousin de Laurent le Magnifique, pour décorer la villa médicéenne di Castello dans la campagne florentine. En effet, c'est là que Giorgio Vasari les a vues quelques années plus tard. Dans la première édition de sa Vie de Botticelli, publiée en 1550, Vasari dit avoir vu ce tableau, ainsi que Le Printemps, accrochés dans cette villa.

" A Castello, villa del Duca Cosimo, sono due quadri figurati, l'uno Venere che nasce e quelle aure e venti che la fanno venire a terra con gli amori, e così un'altra Venere che la Grazie la fioriscono, dinotando la Primavera. "

" À Castello, une villa appartenant au duc Cosimo, il y a deux tableaux, l'un représentant la naissance de Vénus et ces brises et vents qui la poussent à terre, avec les cupidons ; et aussi une autre Vénus que les Grâces ornent de fleurs, dénotant le printemps. "

Des études récentes semblent invalider cette version : le Printemps aurait été peint pour la maison de Lorenzo dans la ville de Florence, et la Naissance de Vénus, commandée par quelqu'un d'autre pour un lieu différent. La date exacte de sa composition est inconnue, tout comme son commanditaire. On considère aujourd'hui que La Naissance de Vénus a été peinte entre 1482 et 1485, en tout cas après le séjour romain de Botticelli.

Ce tableau était révolutionnaire à son époque, car il s'agissait de la première œuvre de grand format ayant un thème exclusivement mythologique, ainsi qu'un nu, ce qui n'était pas encore tout à fait conforme à la morale dominante de son temps.

Selon la plupart des sources, le modèle de la Vénus était Simonetta Cattaneo, plus connue sous son nom d'épouse Simonetta Vespucci (vers 1453-1476), une jeune femme d'une grande beauté qui mourut à l'âge de vingt-trois ans des suites de la tuberculose. À l'âge de seize ans, elle épousa Marco Vespucci, qui l'introduisit dans le cercle de la noblesse florentine, où elle était très admirée. Elle fut le modèle de nombreux artistes, dont Botticelli, Piero di Cosimo et Domenico Ghirlandaio, au point de devenir le prototype de beauté de la Renaissance florentine. Botticelli l'a représentée, outre La Naissance de Vénus, dans Le Printemps (sous les traits de la déesse Flore), Pallas et le Centaure (sous les traits de Pallas), Vénus et Mars (sous les traits de Vénus), La Calomnie d'Apelle (la Vérité), La Vierge à la grenade et La Madone du Magnificat, ainsi que dans certaines figures des Épreuves de Moïse de la chapelle Sixtine et dans un portrait posthume (vers 1476-1480) conservé à la Gemäldegalerie de Berlin.

Le tableau est resté à la villa di Castello jusqu'en 1815, date à laquelle il a été déposé à la galerie des Offices. Il a été restauré en 1987, lorsqu'une couche de vernis qui lui donnait une teinte jaunâtre a été retirée.

La grâce des formes de Vénus est obtenue par le canon esthétique.

La scène représente à gauche Zéphyr, le doux vent du printemps. Il est représenté avec son manteau bleu pâle fermé par un nœud et entouré d'une nuée de fleurs. L'air s'échappe de ses joues gonflées, représenté par des lignes droites claires. La femme enveloppée d'un manteau vert possède une nature aérienne. Politien, dans ses célèbres Stanze per la Giostra, évoque une brise ( aura en latin et en italien), nom qui est repris au pluriel par Vasari.

La Vénus sort des eaux, debout dans la conque d'un coquillage ( coquille Saint-Jacques) géant posée sur les flots agités par le souffle de Zéphyr. Sa posture est en " contrapposto ", pose typique des statues grecques antiques : ses hanches sont dans une direction contraire à ses épaules, ce qui fait ressortir sa silhouette élancée et gracieuse. Du ciel, tombent doucement des fleurs de myrte. À droite, elle est reçue par un personnage féminin, l'une des Heures, fille de Jupiter (Zeus) et de Thémis ou la divinité du printemps tentant, malgré le vent, de la couvrir d'un voile rouge parsemé de motifs floraux, pour cacher une nudité déjà bien dissimulée par la déesse elle-même. Cette posture témoigne de la pudeur de Vénus.

L'ensemble est animé d'un mouvement de légèreté : les personnages flottent, volent, semblent danser. Le mouvement des fleurs, des cheveux, des vagues et des tissus répond à celui du vent que Zéphyr fait souffler.

De cette composition ressort une sensation de calme : Vénus semble se réveiller d'un rêve, elle nous regarde sans nous regarder, ses paupières sont à demi ouvertes ; elle est nue, également, ce qui est une première dans l'art de la peinture ; d'ordinaire, seules les œuvres religieuses comportaient des personnages féminins dénudés. La mer est paisible avec seulement quelques ondelettes, pas de tempête à l'horizon, le vent est léger.

Murale de Vénus anadyomène, Pompei.

Selon la légende, Vénus ( Aphrodite dans la mythologie grecque), déesse de l'amour, est née des parties génitales du dieu Uranus, coupées par son fils Saturne puis jetées à la mer. Selon le mythe, la déesse fut transportée par Zéphyr, dieu du vent d'ouest, jusqu'à la terre ferme, et accueillie par les Heures, déesses des saisons, qui l'habillèrent et la conduisirent à la demeure des dieux. Botticelli se concentre sur la sortie de la déesse de la mer et son arrivée sur la terre ferme poussée par les vents, au milieu d'une pluie de fleurs symbolisant la fécondation de la mer par le ciel.

Dans la scène représentée par Botticelli, Zéphyr apparaît à gauche, soufflant un souffle de vent à Vénus. Il porte dans ses bras Chloris ( Flora dans la mythologie romaine), la déesse des fleurs et des jardins, épouse de Zephyr et ils sont entourés de fleurs qui semblent tomber du ciel. Ce sont des roses, la fleur de l'amour, créées selon le mythe en même temps que la déesse.. Selon une autre interprétation, au lieu de Chloris, il pourrait s'agir de Aura, la déesse de la brise.. Au centre se trouve Vénus nue sur un coquillage, un symbole de fertilité. A côté d'elle, dans le coin inférieur gauche, se trouvent quelques juncos de mer, au milieu de vagues en forme de V. À droite apparaît l'une des Heures, probablement le Printemps, qui étend un manteau de pourpre pour couvrir la déesse nouveau-née. Elle porte une robe blanche fleurie, brodée de acianus. Une ceinture de roses entoure sa taille et elle porte autour du cou une élégante guirlande de myrte, plante sacrée de Vénus et symbole de l'amour éternel. Entre ses pieds fleurit une anémone bleue, qui est associée à l'arrivée du printemps. Les arbres à l'arrière-plan sont des oranges, parsemés de fleurs et d'épines dorées, imitant la couleur des cheveux de Vénus.

Le paysage à l'arrière-plan n'est que décoratif, les personnages sont disposés à la manière d'une frise. Cette sensation est renforcée par le manque de profondeur du tableau, qui ressemble à un collage avec un fond plat et des figures superposées. Les vagues de la mer donnent plus l'impression d'un tapis que de vagues de la mer et les arbres à droite ne sont pas en proportion avec les figures. En termes de chromatisme, les tons bleu-vert du ciel et de la mer contrastent avec les tons pâles des personnages, tandis que les touches dorées disséminées dans le tableau donnent de la luminosité à l'atmosphère..

La pose de Vénus imite celle de la statuaire classique gréco-romaine. La figure est légèrement décalée vers la droite, de sorte que le poids repose sur la jambe gauche, une posture connue dans l'art classique sous le nom de contrapposto. De sa main droite, elle couvre ses seins, tandis que de sa main gauche, elle tient une touffe de ses longs cheveux blonds avec laquelle elle couvre son aine. Cette pose rappelle celle de la Vénus pudica, une typologie fréquente dans la statuaire classique, comme l' Aphrodite de Cnide, la Vénus du Capitole, l' Aphrodite de Ménophantos ou la Vénus de Médicis. Les traits de leur visage, comme ceux de la plupart des personnages représentés par l'artiste, sont remarquables par leur nez fin, leurs pommettes prononcées et leurs mâchoires fortes, soulignant la structure osseuse des personnages.. Ce type de modèle est connu bien auparavant à Florence et en Toscane comme le prouvent des citations, des descriptions recueillies, ou encore les œuvres de Giovanni Pisano et de Masaccio qui s'en inspirent.

Depuis l'époque de la Rome antique, cette déesse païenne n'avait jamais été représentée nue à de telles dimensions. Le nu féminin, considéré comme un péché dans l' art médiéval chrétien, a été remis au goût du jour à la Renaissance comme symbole d'immatérialité. Conformément au néoplatonisme de l'Académie florentine, cette Vénus ne représente pas l'amour charnel ou le plaisir sensuel mais, par sa posture et ses traits fins, elle est plus proche de l'idéal de l'intelligence pure ou de la connaissance suprême, de la vérité morale ou métaphysique. Selon cette philosophie, la beauté est un attribut de la divinité, de sorte que la représentation de Vénus est comparable à celle de la Vierge Marie..

Cette œuvre a souvent été lue selon une clé néoplatonicienne. S'appuyant sur une seconde légende qui faisait d'Aphrodite la fille de Zeus et de Dioné, Platon, dans a imaginé l'existence de deux Aphrodites : celle née d'Uranus (le Ciel) serait Aphrodite Urania (céleste), représentant l'amour pur, spirituel, tandis que la fille de Dioné serait Aphrodite Pandémos (populaire), signifiant l'amour vulgaire, matériel. Cette différenciation entre deux Vénus comme personnifications de deux types d'amour est reprise par l'Académie florentine, dans le milieu de laquelle Botticelli est immergé. Marsilio Ficino, l'un des principaux théoriciens de l'école, a récupéré la figure de Vénus comme modèle de vertu et d'exaltation mystique, et a opposé les deux figures de Vénus comme symboles de ce qui est divin et de ce qui est terrestre chez la femme . Ainsi, dès Le Printemps, Botticelli reprend cette idée, où les personnages représentés symboliseraient le circuit de l'amour, du terrestre représenté par Zéphyr au céleste symbolisé par Mercure. De même, dans La Naissance de Vénus, la figure centrale serait celle de la Vénus céleste, engendrée par l'union de l'esprit et de la matière.

Dans la lignée de ces théories, Botticelli symbolise dans La Naissance de Vénus la dichotomie entre la matière et l'esprit par le contraste entre la lumière et l'obscurité : sur le côté gauche du tableau, la lumière correspond à l'aube (Zéphyr est le fils de Aurore, la déesse de l'aube), tandis que sur le côté droit, plus sombre, se trouvent la terre et la forêt, éléments métaphoriques de la matière. Vénus est au centre, entre le jour et la nuit, entre la mer et la terre, entre le divin et l'humain.

D'autre part, Giulio Carlo Argan ( Botticelli, 1957) a souligné une possible concordance entre la mythologie classique et la religion chrétienne : ainsi, la figure de Vénus représenterait l'âme chrétienne sortant de l'eau du baptême. En effet, la similitude de composition entre cette œuvre et Le Baptême du Christ de Andrea del Verrocchio et Leonardo da Vinci (vers 1475-1478, Uffizi) a parfois été soulignée. De son côté, Ernst Gombrich ( Les mythologies de Botticelli, 1945) a identifié cette œuvre comme la naissance de l' Humanitas, de l'humanité, une incarnation du nouvel humanisme de la Renaissance.

L'interprétation complète de ce tableau dépend de sa relation avec le Printemps. Selon Erwin Panofsky ( Renaissance et renaissance dans l'art occidental, 1975), dans les deux œuvres la figure de Vénus occupe la place centrale, bien que l'une soit nue ( Naissance) et l'autre vêtue ( Printemps), et elles représentent les deux pôles de cette figure mythique : dans la Naissance est représentée la Vénus céleste et dans le Printemps la Vénus vulgaire. Contrairement à ce que l'on pourrait croire, c'est la Vénus céleste qui est montrée nue, car sa beauté est pure et d'origine surnaturelle. Le Titien a fait le même contraste dans Amour sacré et Amour profane (1515, Galerie Borghèse, Rome). Une autre correspondance, signalée par Edgar Wind ( The Pagan Mysteries of the Renaissance, 1972), est la présence de la " Hora Primavera " prête à couvrir la déesse d'un manteau, ce qui reviendrait à dissimuler la vraie beauté, pure et nue ; une fois couverte, elle se transforme en la Vénus vulgaire qui apparaît dans Le Printemps. En fin de compte, l'un est le reflet de l'autre, la beauté corporelle le reflet de la beauté spirituelle, l'amour humain le reflet de l'amour divin.

Certains historiens de l'art comme Gombrich et André Chastel ( Art et humanisme à Florence au temps de Laurent le Magnifique, 1991) ont également souligné sa concordance avec la religion catholique, dérivée de la tentative de l'Académie florentine d'unir la philosophie platonicienne à la doctrine chrétienne. Ficino en est venu à assimiler Platon à Dieu le Père et Plotin à son fils Christ. Ainsi, les œuvres mythologiques de Botticelli reflèteraient également les valeurs propres à l'art sacré, par un transfert de types qui lierait les images profanes à celles du culte religieux. Selon ces chercheurs, la naissance de Vénus pourrait être liée au baptême du Christ, tandis que le jardin d'Amour équivaudrait au Paradis terrestre. Panofsky souligne également la ressemblance de la Vénus du Printemps avec une Vierge de l' Annonciation. Quoi qu'il en soit, la ressemblance de nombreuses vierges botticelliennes avec des déesses mythologiques est indéniable, étant donné que le modèle des deux types était à plusieurs reprises Simonetta Vespucci..

Le tableau est exécuté à la détrempe sur toile. Dans ses travaux de chevalet, Botticelli préparait généralement la surface avec du blanc d'Espagne et du blanc coloré en poudre, lié avec de la colle de charpentier. Sur cette base, il a exécuté les lignes directrices de la composition (perspective, architectures) en les incisant avec un stylet, puis il a tracé les lignes et les contours des figures et des objets avec une encre sombre très liquide. Il a ensuite appliqué la couleur en couches successives, séparées par un vernis de colle à parchemin. Enfin, il applique quelques glacis à la détrempe à la caséine, avec lesquels il exécute les plans définitifs, tels que des paysages.

Certaines études ont indiqué que l'œuvre pourrait avoir été mutilée de 30 ou 35 cm au sommet. Ainsi, la hauteur originale du tableau pourrait avoir été la même que celle du Printemps et de Pallas et le Centaure, ce qui renforcerait l'hypothèse d'une commande unique pour ces trois œuvres. .

Dans cette œuvre, Botticelli s'est éloigné de la représentation réaliste pour privilégier le sens allégorique de l'œuvre. Il se passe de la perspective et déforme les formes, notamment dans la stylisation des personnages. La nature est idéalisée, transformée en un cadre décoratif qui recherche l'esthétique, l'idéal de beauté, plutôt que la représentation de la nature réelle. D'autre part, la figure de Vénus a un air absent, nostalgique, évoquant un âge d'or irrémédiablement perdu, l'âge classique tant évoqué par les néoplatoniciens..

Pour cette œuvre, Botticelli s'est inspiré des quelques vestiges d'œuvres classiques dont il disposait, quelques sarcophages, bijoux, reliefs, céramiques et dessins, et a créé un archétype de beauté qui sera identifié comme l'idéal classique de beauté à partir de la Renaissance. Dans Le Printemps, il renoue avec le genre de la " draperie mouillée " , qu'il reprend dans " La Nativité ", avec des tissus fins et semi-transparents qui révèlent les contours du corps, avec un sens du classicisme dérivé des peintures de Pompéi et Herculanum ou des stucs de Prima Porta et de la Villa d'Hadrien. Cependant, Botticelli s'est éloigné du caractère volumétrique du nu classique, avec des figures fragiles et élancées qui répondent davantage au concept moderne du corps humain, tandis que ses visages sont plus personnels et humanisés que les prototypes classiques idéaux. Dans La Naissance de Vénus, peint après son séjour à Rome, où il a exécuté ses fresques de la Chapelle Sixtine, il fait preuve d'un classicisme plus pur, grâce à son contact avec les antiquités romaines présentes dans la cité des Papes. Ainsi, sa Vénus est déjà dépouillée de tout vêtement et de toute forme de retenue moraliste, abandonnant définitivement l'art médiéval pour entrer pleinement dans la modernité..

La figure de Vénus, malgré le classicisme de la composition, répond davantage aux critères de l' Art gothique, non pas tant en termes de proportions, mais de rythme et de structure : sa forme incurvée fait que la figure n'est pas répartie uniformément, mais que le poids tombe plutôt à droite, et le mouvement ondulatoire de son contour et de ses cheveux donne la sensation de flotter dans l'air. Malgré ses proportions sveltes, certaines parties de son corps sont disproportionnées : son cou est trop long, ses épaules tombent, et son bras droit est plus long que la normale. Néanmoins, sa silhouette présente une grâce et une harmonie indéniables, faisant d'elle le prototype de la beauté de son époque..

Sur le gothique de la figure de Vénus, il faut noter que Botticelli a pu avoir une référence dans la statue de la Tempérance de la chaire de la cathédrale de Pise, œuvre de Giovanni Pisano vers 1300-1310. Cette figure est un exemple clair de Vénus pudica , sans doute copiée sur des sculptures classiques, couvrant ses parties intimes avec ses bras, et constitue l'un des rares liens existants entre l'art classique et la Renaissance sur le thème du nu mythologique..

Les sources littéraires de cette œuvre sont Ovide ( Les Métamorphoses, II 27 ; Fastes, V 217) et Angelo Poliziano (Stanze per la Giostra, 1494). En outre, il existait à Florence à cette époque le souvenir d'un tableau légendaire du Grec Apelle, intitulé Vénus Anadiomène, que Poliziano décrit dans un poème inspiré d'un passage homérique qui, selon Pline l'Ancien, narre la naissance de la déesse. Une autre source pourrait être le poème anonyme Pervigilium Veneris ( ou siècle), qui décrit l'arrivée de Vénus en Sicile. Dans sa Théogonie, Hésiode parle également d' Vénus anadyomène (" jaillie des eaux "), fruit de l'union entre le ciel et l'eau.

D'après Aby Warburg, le tableau retranscrit en partie un passage des Stances d' Ange Politien, dans lequel le poète décrit une scène gravée sur un portail du palais de Vénus :

" Dans l'Égée tempétueux, dans le sein de Thétys,
(...) et née dedans, avec un air charmant et joyeux,
une damoiselle plus qu'humaine de visage,
par des Zéphyrs lascifs poussée vers le rivage,
aller sur un coquillage, et il semble que le ciel en jouisse,
(...) On aurait pu jurer que de l'onde jaillissait
la déesse, pressant de la main droite, sa chevelure,
que de l'autre main son tendre fruit elle recouvrait ; (...) "

Pièce italienne de 10 centimes d'euro à l'effigie de la Vénus de Botticelli

La Vénus de Botticelli a connu un grand succès à son époque et sa figure a été reproduite dans de nombreuses œuvres, tant par son atelier que par d'autres artistes. De l'atelier de Botticelli, deux exemplaires sont conservés, l'un à la Gemäldegalerie de Berlin et l'autre à la Galerie Sabauda de Turin. Le succès de cette œuvre a conduit à son exportation vers d'autres pays, notamment la France et l' Allemagne. Son influence est évidente dans des œuvres telles que la peinture à l'huile de Vénus et Cupidon de Lucas Cranach l'Ancien de 1509 ( Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg) grandeur nature et la première de plusieurs œuvres de Cranach représentant Vénus, généralement accompagnée de Cupidon et combine l'influence de la Renaissance italienne avec la religion et la morale de l' humanisme allemand, étant la première peinture de Vénus nue par un artiste du nord de l'Europe.

Une description sommaire de cette peinture est réalisée dans le roman Le Sang et l'Or d'Anne Rice, où le vampire Marius tombe amoureux de Sandro Botticelli et de ses œuvres.

Arthur Rimbaud renverse cette esthétique de la beauté dans son poème Vénus anadyomène où il caricature cette Vénus sous les traits d'une horrible femme. Dans son poème, la Vénus, anadyomène, s'extirpe de sa baignoire.

Paul Valéry, dans son livre Album de vers anciens (1927) rend hommage au tableau dans un poème intitulé : Naissance de Vénus.

La pièce italienne en euro de 10 centimes représente la tête de Vénus.

Thomas Pynchon dans son livre nous fait voir l'œuvre de Botticelli de façon nouvelle grâce à un de ses héros, le Gaucho, qui la " reluque "

Avec Dieux de la terre et du ciel, Joel-Peter Witkin représente une Vénus avec un pénis.

Dans son film Les Aventures du baron de Münchhausen, Terry Gilliam reconstitue la scène avec Uma Thurman dans le rôle de Vénus.

De sa création en 1987 à sa version 10.0 sortie en 2001, le logiciel de dessin vectoriel Adobe Illustrator utilisait le visage de la Vénus de Botticelli comme icône. En 2003, le passage à la Creative Suite inaugure un changement d'icônes pour l'ensemble des logiciels concernés et Adobe remplace Vénus par les lettres " Ai ". Cependant, une combinaison de touches "clavier" permet à ceux qui la connaissent de voir réapparaître le visage de Vénus en lieu et place des nouveaux visuels illustrant le logiciel.

Le tableau fait partie du musée imaginaire de l'historien français Paul Veyne, qui le décrit dans son ouvrage justement intitulé Mon musée imaginaire.

La couverture de l'album ARTPOP est tirée de cette scène, la chanteuse Lady Gaga y représente Vénus.

Dans la série Les Simpson, à l'épisode 9 de la saison 5, on peut y voir une représentation de celle-ci, où elle est remplacée par la nouvelle employée de la centrale, Mindy, qui attire beaucoup Homer Simpson.

La couverture du livre Computational Complexity de Christos Papadimitriou montre une partie de La Naissance de Vénus.

Dans la série de jeux Animal Crossing, Rounard propose dans sa collection un tableau de Vénus. La version contrefaite a le coquillage placé à l'envers.

Le groupe sud-coréen Red Velvet réalise le 21 mars 2022 le clip de la chanson 'Feel My Rhythm' où JOY, l'une des membres, est mise en scène de façon à faire référence à la toile.

Sources et bibliographie

Cristina Acidini (dir.) (trad. de l'italien), Botticelli poète du détail, sous la direction de Cristina Acidini, introduction de Cristina Acidini, essai de André Chastel, notices de William Dello Russo, Federico Poletti .

Cristina Acidini Luchinat (trad. de l'italien), Botticelli. Les allégories mythologiques, Paris, Éditions Gallimard, Coll. Chefs-d'oeuvre de l'art italien, , 247 p. .

(es) Carlo Bo et Gabriele Mandel, La obra pictórica completa de Botticelli, Barcelone, Noguer, .

(es) Ian Chilvers, Diccionario de arte, Madrid, Alianza Editorial, .

(es) Kenneth Clark, El desnudo. Un estudio de la forma ideal, Madrid, Alianza, .

(es) Robert Cumming, Guía visual de pintura y arquitectura, Santillana, Ediciones El País, .

(es) Tonia Raquejo Grado, Sandro Botticelli, Madrid, Historia 16, .

Thomas Golsenne et Rémy Diaz, " L'Art en Question 3 : La Naissance de Vénus de Botticelli ", CED (Canal Educatif à la Demande) .

(en) Ernst Gombrich, Symbolic Images. Studies in the art of the Renaissance, Phaidon, .

(de) Alexandra Grömling et Tilman Lingesleben (trad. de l'allemand), Alessandro Botticelli 1444/45-1510, Cologne (Allemagne), Éditions Tandem Verlag GmbH, h.f. ullmann, , 120 p. .

(es) Rose-Marie & Rainer Hagen, Los secretos de las obras de arte, Cologne, Taschen, , 720 p. .

(es) Eberhard et al. König, Los grandes pintores italianos del Renacimiento, vol. I, Barcelone, Ullmann, .

(es) Diana Newall, Apreciar el arte : Entender, Interpretar y Disfrutar de las Obras, Barcelone, Blume, , 192 p. .

(es) Víctor Nieto et Alicia Cámara, El Quattrocento italiano, Madrid, Historia 16,

(es) Erwin Panofsky, Renacimiento y renacimientos en el arte occidental, Madrid, Alianza, , 338 p. .

(es) Azcárate Ristori, José María de, Pérez Sánchez, Alfonso Emilio, Ramírez Domínguez et Juan Antonio, Historia del Arte, Madrid, Anaya, .

Articles connexes

Liens externes

# data[].attributes.attachment_link.title
La Naissance de Vénus (Botticelli) - Wikipédia

# data[].attributes.attachment_link.description
La Naissance de Vénus (italien : Nascita di Venere [ˈnaʃʃita di ˈvɛːnere]) est un tableau de Sandro Botticelli, peint vers 1484-1485 et conservé à la galerie des Offices. Il a été peint selon la technique de la tempera. Il représente la déesse Vénus arrivant sur le rivage après sa naissance.

# data[].attributes.headline
Honoré Daumier, "les bons bourgeois" (1846)

# data[].attributes.subject
Honoré Daumier, "les bons bourgeois" (1846)

# data[].attributes.attachment_link.title
Les bons Bourgeois. -Mossieu Rabouleau, .. - Honoré Daumier 1848 par Honoré Daumier Photo Stock - Alamy

# data[].attributes.attachment_link.description
Télécharger cette image : Les bons Bourgeois. -Mossieu Rabouleau, .. - Honoré Daumier 1848 par Honoré Daumier - 2RG5NKB depuis la bibliothèque d’Alamy parmi des millions de photos, illustrations et vecteurs en haute résolution.

# data[].attributes.headline
Renoir, "Bal au moulin de la Galette" (1876)

# data[].attributes.subject
Renoir, "Bal au moulin de la Galette" (1876)

# data[].attributes.attachment_link.title
Bal du moulin de la Galette (Renoir) — Wikipédia

# data[].attributes.attachment_link.description
Un article de Wikipédia, l’encyclopédie libre.

# data[].attributes.headline
Elie Haguenthal, La Cavalerie française à la bataille de Sedan (1er septembre 1870)

# data[].attributes.subject
Elie Haguenthal, La Cavalerie française à la bataille de Sedan (1er septembre 1870)

# data[].attributes.headline
Guillaume Régamey "Scène de la guerre de 1870 : soldat mort sur un champ de bataille" (vers 1870)

# data[].attributes.subject
Guillaume Régamey "Scène de la guerre de 1870 : soldat mort sur un champ de bataille" (vers 1870)

# data[].attributes.headline
Video synthétique sur les "Cahiers de Douai"

# data[].attributes.subject
Video synthétique sur les "Cahiers de Douai"

# data[].attributes.attachment_link.title
Cahiers de Douai, Rimbaud : Analyse des thèmes et du parcours pour le bac français