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fue un movimiento que se dió en Alemania y que renovó la manera de diseñar carteles publicitarios y comerciales, su fundador fue Lucian Bernhard.
Este movimiento coincide cronológicamente con el modernismo, pero se destaca justamente por ser completamente diferente. Podríamos decir que Lucian Bernhard crea este estilo en 1905, cuando gana la competencia patrocinada por la Cámara de Berlín de Comercio, diseñando el afiche de los cerillos (fósforos) Priester, a partir de ahi empezará a adquirir fama iniciando el estilo del cartel moderno.

Los trabajos del Plakatstil son fáciles de reconocer ya que utilizan las siguientes características:
– El cartel se reduce a la imagen del producto (de manera icónica).
– Fondo pleno.
– Además de figurar la imagen del producto, ésta convive armónicamente con el nombre del mismo.
– Sólo contiene los datos informativos mínimos, sin ornamentos, figuras o motivos compositivos de ningún tipo.
TOMADO DE:
El Plakatstil | Historial de Diseño (wordpress.com)

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Bernhard fue un artista gráfico alemán autodidacta, uno de los reveladores principales de un estilo llamado Plakatstil (o estilo del cartel). Su relación con el modernismo es puramente cronológica, es decir que su trabajo no tuvo influencia del Art Nouveau.

Lucian Bernhard nació en Stuttgart, Alemania en 1860. En 1905 ganó una competición patrocinada para la Cámara de Berlín de Comercio. Comenzó a producir los carteles y se estableció rápidamente como uno de los más importantes en este campo en Alemania y Europa.
Su estilo se basaba en reducir al cartel a la imagen del producto (de manera icónica) y su nombre. El cartel se asemejará al anuncio, es decir, solo contiene los datos informativos mínimos, sin ornamentos, figuras o motivos compositivos de ningún tipo, iniciando, de esta manera, el cartel moderno.
Bernhard fue empleado por el gobierno alemán durante la primera guerra mundial para producir los carteles de propaganda política. Después de que la guerra se convirtió en profesor de diseño de carteles en la academia real de Berlín.
Diseñó sus propios alfabetos, caracterizados por ser densos y potentes, para lograr armonía formal entre texto e imagen, entre sus mejores diseños se encuentra la Antigua Bernhard estrecha.
Emigró a América en 1923, donde diseñó las fuentes tipográficas. Sus muchas tipografías se nombran después de él: Bernhard cursiva, Bernhard gótica, etc.
TOMADO DE:

Lucian Bernhard | Historial de Diseño (wordpress.com)

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Adolphe Jean-Marie Mouron (Járkov, Ucrania, 24 de enero de 1901 – París, 17 de junio de 1968), conocido por el seudónimo de Cassandre, fue un cartelista y diseñador gráfico francés de origen ucraniano.
Nacido en Járkov, Ucrania en 1901, de padres franceses, siendo joven se mudó a París donde estudió en la Academia de Bellas Artes y en la Academia Julian, se lo puede considerar como el precursor del cartel moderno tal y como hoy lo conocemos. En los años 20 y 30 fue uno de los diseñadores de afiches más admirado en Francia, integrando la llamada Alliance Graphique junto a Charles Loupot y Maurice Moyrand.
En sus obras se puede observar la influencia de las vanguardias artísticas de la época de entreguerras del siglo XX, como el cubismo, el purismo de Le Corbusier, e incluso el futurismo con los recursos gráficos líneas cinéticas y sensación de velocidad.
TOMADO DE:
Cassandre - Wikipedia, la enciclopedia libre

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"Constituye el centro del movimiento moderno. Walter Gropius fundó esta escuela de arquitectura y diseño en 1919. Agruparía a las figuras más interesantes de la vanguardia alemana de entreguerras.

En el programa de la Bauhaus, encabezado por la catedral de cristal diseñada por Feininger, se afirmaban los siguientes presupuestos: unificar las artes bajo una nueva arquitectura, devolver el carácter artesanal a las actividades artísticas, construir la catedral del futuro, la obra de arte total, y disciplinar la enseñanza de la arquitectura."

Su historia tiene 3 fases.

https://masdearte.com/movimientos/bauhaus/

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Entre 1910 y 1915
se dedicó a la ampliación y reforma de la fábrica de Fagus en Alfeld, de fina estructura metálica, cubierta plana y formas ortogonales.

Entre 1919 y 1928
Fundó y fue director de la Escuela Bauhaus en Weimar y Dessau. En ella se enseñaba los estudiantes a emplear materiales modernos para diseñar edificios, mobiliario y objetos en los que primase la funcionalidad.

A partir de 1926
Proyectaría grandes bloques de viviendas, en los que aplicaría sus ideas favorables a la racionalización de la industria de la construcción en pos de la rapidez y el ahorro económico.

Tras la llegada al poder de Hitler en Alemania, se trasladó a Inglaterra y después a Estados Unidos, donde sería profesor de arquitectura en Harvard.

En 1946
Fundó el colectivo The Architects Collaborative. En sus edificios encontramos fachadas lisas de líneas claras y una total ausencia de elementos ornamentales innecesarios. El estilo de Walter Gropius se daría a conocer como estilo internacional y tiene su más clara manifestación en obras como la fábrica de porcelana Rosenthal de Selb, la ciudad Gropius de Berlín o la Universidad de Bagdad.

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En 1887
Marcha a Alemania estudiando dibujo en la Kunstgewerbeschule de Hamburgo y más tarde en la Academia de Berlín. Desde este momento y hasta 1909, aproximadamente, trabaja como caricaturista e ilustrador de periódicos, como el Chicago Tribune y de revistas, como Humoristische Blätter.

Hacia 1911
Entra en contacto con el futurismo y el cubismo, influyendo en él, sobre todo, sus líneas angulares y el entrecruzamiento de planos transparentes.
En 1912
Forma parte del grupo de la Section d´Or , exponiendo con Blaue Reiter al año siguiente y enseñando en la Bauhaus entre 1919 y 1933.

Dominador de varios estilos pictóricos, su obra tardía refleja un estilo cercano al constructivismo, tal y como se aprecia en Dampfer Odin II (MOMA, 1927), llegando incluso a emular la fantasía expresionista de Chagall y la delicada fantasía poética de Klee.

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coincide con el periodo en que la Escuela Bauhaus tiene sede en Weimar. La obra más importante desarrollada entonces es el proyecto del Chicago Tribune de Gropius. Progresivamente la consolidación de la república democrática de Weimar, después de la I Guerra Mundial, así como la conjunción de la arquitectura y el diseño modernos con el sistema capitalista, determinarán una nueva orientación en el estilo de la Bauhaus.

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la Escuela se traslada a Dessau, y esta etapa se caracteriza por los diseños de todos los aspectos del entorno arquitectónico (muebles, accesorios) y la inserción de la práctica arquitectónica en los procesos industriales.

El edificio más importante de la Bauhaus de entonces es el de su sede, de planta geométrica, aunque carente de simetría.

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En la tercera fase (1927-1930), la Bauhaus es dirigida por Hans Meyer, que trató de vincular la problemática técnica y estética de la construcción con las organizaciones obreras. Para él, la casa debe responder a los modos de vida del morador y no a las aspiraciones estéticas del diseñador. Fue cesado en 1930, iniciándose una rápida decadencia de la institución.

Van der Rohe asume la dirección de la escuela hasta la llegada al poder de los nazis en Alemania, que supone su cierre y la constatación del divorcio entre las ideologías totalitarias y los proyectos de vanguardia.

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"Arquitecto y urbanista suizo, fue el segundo director de la escuela de arte de la Bauhaus durante una efímera etapa de su carera, desde 1928 a 1930. Año y medio antes de que Gropius le nombrase su sucesor, le invitó a formar parte del taller de arquitectura dentro de la escuela.

Meyer no concebía la arquitectura como una acción artística: bajo el lema “las necesidades de las personas en lugar de las necesidades lujosas”, transmitió en la escuela la idea de anteponer el caracter social de la arquitectura a la ornamentación. Su vida y obra se vieron fuertemente influenciadas por sus ideas políticas, dando lugar a numerosas polémicas, que terminaron ensombreciendo en cierta forma su trayectoria como docente y director de la Bauhaus."

https://www.metalocus.es/es/noticias/hannes-meyer-segundo-director-y-la-vision-social-de-la-bauhaus

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"Fue un arquitecto y diseñador industrial germano-estadounidense. Junto a Walter Gropius, Frank Lloyd Wright y Le Corbusier es ampliamente reconocido como uno de los pioneros de la arquitectura moderna.

Arquitecto innovador en Alemania durante la República de Weimar, fue el último director de la Bauhaus, una escuela de arte y arquitectura germana de la arquitectura moderna. Con el ascenso del nazismo al poder, que se oponía frontalmente a la modernidad que esta escuela representaba, se ordenó su cierre, y Mies emigró a Estados Unidos. Allí aceptó el puesto de director de la escuela de arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago."

https://es.wikipedia.org/wiki/Ludwig_Mies_van_der_Rohe

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"Suizo de nacimiento viviría casi toda su vida en Alemania, aunque viajó sin descanso por todo el mundo, donde descubrió colores y formas.
Tras un viaje a Italia, se asienta en Munichdonde conoce a Kandinsky o Franz Marc y se «une» (recordemos su espíritu libre) al Blaue Reiter (el jinete azul), grupo expresionista.

Viaja a Túnez y Egipto sufre una epifanía:

El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre… el color y yo somos una sola cosa. Yo soy pintor.

También le afecta, como no, su paso como soldado en la sangrienta I Guerra Mundial.
Klee enseñó después color en la Bauhaus,pero los nazis tachan su obra de degenerada y se exilia de nuevo a Suiza donde acaba muriendo.

La herramienta de Klee era el color y llegó a manipularlo con una enorme precisión y pasión. Color, ritmo, naturaleza, construcción y movimiento. Esos serían sus 5 temas.

Como a Kandinsky, la influencia de la composición musical es evidente en su pintura (fue también un excelente violinista)

Sus cuadros aluden casi siempre a la poesía,la música y los sueños, incluyendo a veces palabras o notas musicales."

Abrir Link:

https://historia-arte.com/artistas/paul-klee

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"Kandinski no solo enseñó en las clases de diseño básico para principiantes y el curso sobre teoría avanzada en el Bauhaus, sino que también llevó a cabo clases de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con los nuevos elementos de la psicología de la forma. El desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de las formas, en particular en los puntos y formas de línea, dio lugar a la publicación de su segundo libro teórico Punto y línea sobre el plano en 1926. Los elementos geométricos adquieren una importancia cada vez mayor tanto en su enseñanza y como en su pintura, especialmente el círculo, medio círculo, el ángulo, las líneas rectas y curvas. Este período fue sumamente productivo. Esta libertad se caracteriza en sus obras por el tratamiento rico en colores y matices —como en el amarillo-rojo-azul (1925), donde Kandinski ilustra su distancia desde el constructivismo y el suprematismo, movimientos influyentes de la época."
Fuente:
https://es.wikipedia.org/wiki/Vasili_Kandinski
Link Importante:
https://historia-arte.com/artistas/wassily-kandinsky

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"Nacido en Leipzig en 1902 e hijo de un rotulista, Jan Tschichold practicó la rotulación y la caligrafía desde muy joven a la vez que se interesaba por el diseño de libros.
Su principal deseo era convertirse en un artista, pero sus padres, que deseaban para el un oficio más «seguro» le persuadieron para que se convirtiera en profesor de dibujo.
Poco a poco fue introduciendose en el mundo de la caligrafía y el diseño de tipos, su libro de cabecera era Writing & Iluminating, & Lettering escrito por el gran calígrafo inglés Edward Johnston y traducido al alemán por Anna Simons."

https://www.unostiposduros.com/los-principios-de-la-nueva-tipografia-por-jan-tschichold/

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"Hacia 1923 se interesó por el Suprematismo y el constructivismo y conoció la primera gran exposición de la Bauhaus en Weimar y el catálogo que para la ocasión había diseñado Herbert Bayer. El giro radical de su concepción tipográfica quedará en evidencia en un cartel para el editor de Varsovia Philobiblon en el que aplica las nuevas ideas del Movimiento Moderno con una composición asimétrica e inclinada. Poco a poco estas ideas le van separando de la tipografía tradicional y en octubre de 1925 publica en la revista de Leipzig, Typographische Mitteilungen, una especie de manifiesto bajo el título de Elementare Typographie."

https://www.unostiposduros.com/grandes-maestros-de-la-tipografia-jan-tschichold/

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La nueva tipografía (Die neue typographie)

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La nueva tipografía (Die neue typographie)

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"Publicada por primera vez en 1928, La nueva tipografía, se editó inicialmente solo en alemán. Impresa en A5, llevaba un encuadernado negro, donde solo el título figuraba en plateado sobre el lomo.

Concebida para profesionales, en sus páginas sentó las bases de un nuevo sistema de composición, que abriría el camino para el diseño de la tipografía moderna, al mismo tiempo que relevaba y manifestaba su compromiso con el trabajo realizado por las vanguardias.

Editada en caja baja y con una preponderancia de minúsculas, la obra de Tschichold defiende el uso de la fuente sans serif por sobre la serif, además de hacer prevalecer los diagramas asimétricos frente a los simétricos, con el objetivo de generar ritmo y tensión en la estructuración de una página.

Por otro lado, identifica a la fotografía como un elemento complementario al texto, en lugar de solo ilustrativo, y valoriza los espacios en blanco, en comparación a la reducción de márgenes propuesta por el enfoque tradicional. A su vez, apunta al diseño no centralizado y establece el uso de diferentes tamaños y grosores tipográficos como recursos para transmitir información de manera simple y rápida."

https://www.experimenta.es/noticias/grafica-y-comunicacion/jan-tschichold-a-90-anos-de-la-publicacion-de-die-neue-typographie/

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"En 1933, Tschichold fue arrestado por los nazis por ser un "bolchevique cultural", huyendo a Suiza, donde trabajó como diseñador de libros.

Con Penguin Books, rediseñó las portadas de sus libros, por lo que cada uno de los diseños fue particular. Tschichold creó cerca de 500 portadas para Penguin.

En 1952 publicó Meisterbuch der Schrift y en 1956 Der Proportionen der Bucher. Diseñó libros para numerosas editoriales suizas y alemanas, sin olvidar que también se convirtió en consultor de diseño de la compañía farmacéutica Hoffman-La Roche.

Años más tarde, la casa fundidora Linotype encomendó a Jan Tschichold la responsabilidad de crear un tipo de letra que pudiera utilizarse tanto en monotipia como en linotipia.

Fue así como surgió la letra Sabon, una de las tipografías más utilizadas de todos los tiempos."

https://fahrenheitmagazine.com/diseno/grafico/jan-tschichold-el-maestro-de-la-tipografia-moderna

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" Un nuevo estilo de diseño gráfico emerge en Suiza en los años 50 y llegará a ser el predominante hasta los años 70 y una referencia imprescindible en la época actual, de hecho sus teorías sobre la forma tipográfica siguen estando en la base de las enseñanzas que se imparten en las escuelas de diseño. Este movimiento es conocido como “estilo internacional."
El nuevo estilo se funda sobre las innovaciones previas de los constructivistas y especialmente de la “tipografía elemental” y tiene en cuenta a su vez la necesidad creciente de comunicación internacional y el desarrollo de un nuevo medio, la fotografía. Este estilo se sustentaba sobre tres pilares básicos:

El uso de una rejilla modular que dotaba al diseño de coherencia y estructura interna.

El empleo de tipografías sans-serif y disposición asimétrica de los distintos elementos del diseño.

Utilización de la fotografía en blanco y negro en lugar de ilustraciones."

https://www.unostiposduros.com/estilos-graficos-el-estilo-internacional/

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" (n. Unterseen (Suiza), 24 de marzo de 1928) es uno de los tipógrafos más prominentes del siglo XX, conocido por la creación de las tipografías Univers y Frutiger.
El mayor logro de Frutiger en el campo del diseño tipográfico fue la creación del tipo Univers. Este tipo fue introducido en el año 1957 para fotocomposición y composición en metal. Frutiger anunció que este tipo se transformaría en el modelo para todas las siguientes creaciones de los tipos sin serifa. Luego en los 70s se le pide a Frutiger que diseñara las señalizaciones del Metro de Paris, para el cual utiliza una variación de la Univers especializada para utilizarse en blanco sobre fondos oscuros en condiciones de poca luz. Frutiger también diseña un ingenioso sistema de numeración para poder diferenciar sus 21 pesos y anchuras de la Univers, que significó un hito para la denominación y catalogación de tipos. Luego este sistema se utilizó para la Frutiger, Avenir, Helvetica Neue y otras más."

https://www.blogartesvisuales.net/diseno-grafico/tipografia/frutiger/

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"Una de las tipografías de palo seco más utilizadas y que nació  tras el éxito de la Helvética es la fuente  Univers. Fue creada y diseñada por Adrian Frutiger para Deberny & Peignot que la sacaron al mercado en  en 1954. Univers era una tipografía sin remate que se adaptaba a los tiempos modernos que estaban surgiendo a mediados del siglo XX. Pretendía ser un tipo universal, de ahí su nombre, y fue diseñada con veintiuna variantes denominadas de una forma distinta hasta el momento, en vez de definirse como «negrita», «condensada», extendida», etc…, pasaban a denominarse cada tipo con una numeración que quedaba determinada en una hoja de muestra, aunque la idea no tuvo mucho éxito .
Otra de las grandes diferencias de esta nueva fuente es que fue diseñada en una versión para fotocomposición y otra versión para tipos metálicos."

https://www.creativosonline.org/tipografia-univers-historia.html

# data[].attributes.body
"Creada por Adrian Frutiger en 1976 para un sistema de señalización para el aeropuerto de Charles de Gaulles. La diseña para cumplir los requisistos de legibilidad, facil y rápido reconocimiento a grandes distancias que un sistema así requiere. Esta tipografía no es estrictamente geométrica ni humanista, sus formas están diseñadas para que cada carácter individual sea reconocido fácilmente. Aunque fuese pensada para su uso a gran escala en aeropuertos, su enorme calidad hizo que muchas marcas se apropiaran de ella y hoy en día es una de las tipografías preferidas en las agencias de publicidad y estudios de diseño. Su uso es casi universal, funcionando perfectamente tanto en titulares y carteles como en grandes bloques de texto."

https://www.blogartesvisuales.net/diseno-grafico/tipografia/frutiger/

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Diseño Gráfico posterior a la II Guerra Mundial

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Diseño Gráfico posterior a la II Guerra Mundial

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"Finalizada la segunda guerra mundial, en plena etapa de posguerra, el enfrentamiento

entre los bloques liderados por las dos superpotencias mundiales EE.UU y la URSS se hacía cada

vez más tenso. Este conflicto fue la clave de las relaciones internacionales mundiales durante

casi medio siglo y se libró en los frentes políticos, económicos y propagandísticos, pero solo de

forma muy limitada en el frente militar, por

ello el nombre de guerra “fría.”

Los estadounidenses

temían que la penuria económica del viejo mundo fuera un buen motivo para el comunismo

avanzara sobre Occidente. El viejo continente había sido antes de la guerra el principal cliente

de los EEUU y sin un pronto restablecimiento europeo, la prosperidad de los EEUU, no estaría

asegurada.
El plan Marshall fue el principal plan estadounidense para la reconstrucción de los

países aliados de Europa en los años posteriores a la 2° Guerra Mundial. Dicha reconstrucción

económica y la consecución de una cierta estabilidad social fueron elementos clave de la

"contención" del comunismo en Europa."

https://www.academia.edu/36909094/_El_dise%C3%B1o_europeo_de_posguerra_La_relevancia_de_la_experiencia_alemana_e_italania_EL_DISE%C3%91O_DE_LA_POSGUERRA_A_LA_POSMODERNIDAD_y_LA_EXPERIENCIA_ARGENTINA_A_PARTIR_DE_LA_POSGUERRA

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"Fue un programa estadounidense dedicado a la reconversión económica de Europa durante los inicios de la Guerra Fría. ... En virtud de este plan, Estados Unidos ofreció asistencia técnica y administrativa a los países europeos, así como 13.000 millones de dólares para reactivar sus economías."
https://www.google.com/search?q=plan+Marshall&bih=657&biw=1366&rlz=1C1ALOY_esCO946CO946&hl=es&sxsrf=ALeKk02vS5BSx1cou77Xcm4dGzNqqiDjAA%3A1623803245554&ei=bUXJYM2lIfq90PEP8periAQ&oq=plan+Marshall&gs_lcp=Cgdnd3Mtd2l6EAMyBAgAEEMyBwgAELEDEEMyAggAMgIIADICCAAyAggAMgIIADICCAAyAggAMgIIADoHCAAQRxCwAzoHCAAQsAMQQzoKCC4QsAMQyAMQQzoNCC4QsAMQyAMQQxCLAzoTCC4QsAMQyAMQQxCLAxCoAxCdAzoWCC4QsAMQyAMQQxCLAxCoAxCYAxCaA0oFCDgSATFQ1boMWNW6DGDLwAxoA3ACeACAAe8CiAHGBJIBBTItMS4xmAEAoAECoAEBqgEHZ3dzLXdpesgBD7gBAsABAQ&sclient=gws-wiz&ved=0ahUKEwiNkIu98prxAhX6HjQIHfLLCkEQ4dUDCA4&uact=5

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"En una batalla que abarcó casi todos los rincones del mundo, la propaganda fue una herramienta vital que, en parte, ayudó a cambiar el rumbo de la guerra. Tanto las Fuerzas Aliadas como las del Eje intentaron alterar las percepciones públicas, informar, educar, fortalecer y debilitar culturas y movilizar fuerzas ofensivas y defensivas. Utilizaban el diseño gráfico como propaganda, particularmente a través de los medios impresos de cartelería ampliamente por ambos lados para tratar de obtener una ventaja los unos sobre los otros. Por su parte, las Fuerzas del Eje (Alemania, Italia y Japón) usaron el diseño gráfico para crear propaganda que vilipendiara culturas y fomentara su destrucción, así como para promover a los valores nazis, creando una ilusión de que la raza aria era una raza perfecta e inmortal."
https://www.tilomotion.com/blog/diseno-grafico-segunda-guerra-mundial/

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"En el mismo clima de cambios y revoluciones, en Francia, el aumento de desempleo, el deterioro económico, el aumento de huelgas y las preocupaciones por las condiciones de trabajo en una época en la que la que los jóvenes lograron reconocimiento como actores sociales, fueron la base para una cadena de
protestas iniciadas en 1968 por grupos estudiantiles de izquierda, que cuestionaban y criticaban
el estilo de vida plástico ofrecido por el mercado de consumo y la organización capitalista de la
posguerra, conocido como Mayo Francés."
https://www.google.com/search?q=mayo+frances&tbm=isch&ved=2ahUKEwiR_JXv85rxAhXXcjABHZ7tAgAQ2-cCegQIABAA&oq=MAYO+F&gs_lcp=CgNpbWcQARgAMgIIADICCAAyAggAMgIIADICCAAyAggAMgIIADICCAAyAggAMgIIADoECAAQQzoECCMQJzoFCAAQsQM6CAgAELEDEIMBUKLuKVjL_ylgg4kqaABwAHgAgAHFAogB4guSAQUyLTUuMZgBAKABAaoBC2d3cy13aXotaW1nwAEB&sclient=img&ei=40bJYNF-1-XBuQ-e2ws&bih=657&biw=1366&rlz=1C1ALOY_esCO946CO946&hl=es#imgrc=R-rMHb8-Vydi7M

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"El caso de

Italia y su ricostruzione

tiene su enfoque en las respuestas económicas,

funcionales que dio el diseño bajo el nombre de

Bell Design,

el cual se basaba en una concepción

racional del proceso mismo, con aspectos estéticos, formales y tecnológicos, que se dio en la

arquitectura, diseño industrial y diseño gráfico. Un gran ejemplo de esto es la motocicleta Vespa,

diseñada por Corradino D’ascanio con base en principios de aeronáutica, con la cual se buscó,

debido a su peso, dimensiones y facilidades, que hombres y mujeres pudieran utilizarla en

cualquier tipo de camino, teniendo en cuenta que Italia en esta etapa de posguerra se ve

devastada."
https://www.academia.edu/36909094/_El_dise%C3%B1o_europeo_de_posguerra_La_relevancia_de_la_experiencia_alemana_e_italania_EL_DISE%C3%91O_DE_LA_POSGUERRA_A_LA_POSMODERNIDAD_y_LA_EXPERIENCIA_ARGENTINA_A_PARTIR_DE_LA_POSGUERRA

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"La empresa a Olivetti también pasa a ser un símbolo de la cultura moderna italiana a

través de sus diseños, como es el ejemplo de la máquina de escribir Lexicón 80 de 1948 cuyo

diseño logra

“no sólo combinar formas estructurales y elegantes con la más nueva tecnología,

sino influir en grandes compañías como la IBM de Estados Unidos, que se inspiraron en sus

productos para desarrollar máquinas similares con la ayuda del diseñador Eliot Noyes.

”

Oscar

Salinas Flores en

El diseño industrial en la Posguerra

."
https://www.academia.edu/36909094/_El_dise%C3%B1o_europeo_de_posguerra_La_relevancia_de_la_experiencia_alemana_e_italania_EL_DISE%C3%91O_DE_LA_POSGUERRA_A_LA_POSMODERNIDAD_y_LA_EXPERIENCIA_ARGENTINA_A_PARTIR_DE_LA_POSGUERRA

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Diseño gráfico en Estados Unidos durante la II Guerra Mundial

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Diseño gráfico en Estados Unidos durante la II Guerra Mundial

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"Empecemos por Estados Unidos. El primer diseñador del que hablaremos es James Montgomery Flagg, creador de uno de los carteles propagandísticos más famosos de la historia: ‘I Want You”, con el Tío Sam señalándote persuasivamente, para invitar al alistamiento de los jóvenes en el marco de la Primera Guerra Mundial. Esa obra le hizo muy popular y su trabajo muy reconocido a partir de ese momento. Al final de la Segunda Guerra Mundial volvió a hacer un aporte significativo. Con la rendición de Alemania, a partir del 8 de mayo de 1945 (El llamado día de la Victoria en Europa), Montgomery creó el póster ‘Jap you’re next’ (Japón, tú eres el siguiente), que de nuevo mostraba al Tío Sam arremangándose para dar el golpe final en el frente del Pacífico."
https://www.tilomotion.com/blog/diseno-grafico-segunda-guerra-mundial/

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"James Montgomery Flagg fue un artista y dibujante estadounidense. Flagg nació en Nueva York. Desde pequeño fue un dibujante entusiasta y sus dibujos fueron aceptados por revistas de tirada nacional desde los 12 años."
https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/3392/James%20Montgomery%20Flagg

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"meses después, el ejército norteamericano cometería uno de los crímenes de guerra más atroces del conflicto: los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki que precipitaron el final del mismo. "
https://www.tilomotion.com/blog/diseno-grafico-segunda-guerra-mundial/

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"Prácticamente todo el material propagandístico de EEUU tuvo como eje central el patriotismo y la superioridad frente al enemigo. El enfoque fue muy particular (especialmente el cinematográfico): plantar la idea en la mente de Occidente de que se había derrotado a los nazis gracias al esfuerzo y pericia de Norteamérica, relegando a un segundo plano al pueblo que verdaderamente se sacrificó para derrotarlos: la Unión Soviética. Pero al fin y al cabo, ese era el nuevo enemigo del gobierno estadounidense y la Guerra Fría estaba a punto de comenzar."
https://www.tilomotion.com/blog/diseno-grafico-segunda-guerra-mundial/

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"Otro icono de la propaganda gráfica de la época es sin duda Rosie The Riveter (Rosie la remachadora). Curiosamente, la guerra trajo consigo una importante porción del empoderamiento de la mujer en Estados Unidos. Frente a la ausencia de miles de hombres que estaban luchando en Europa, las mujeres tuvieron que ocupar puestos de trabajo que hasta ese momento habían sido reservados al sexo masculino."
https://www.tilomotion.com/blog/diseno-grafico-segunda-guerra-mundial/

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"Desde fabricación de armas y municiones al sector textil, por un salario menor, por supuesto. El caso es que en 1942 se creó una canción que reflejaba este asunto y posteriormente el diseñador lo plasmaría en un cartel para la empresa Westinghouse Electric. El grito de “We can do it!” (Nosotras podemos hacerlo) se convirtió en un icono cultural y feminista que ha perdurado hasta el día de hoy."

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Escuela de Ulm en 1955 bajo la dirección de Max Bill Y Tomás Maldonado TERMINOLOGIA BAUHAUS
Good Design  fue un movimiento artístico o concepto de diseño que se originó en la década de 1930, pero tomó forma principalmente en los Estados Unidos
Pop Art un nuevo movimiento artístico en el cual se reflejaban las nuevas

actitudes que se perfilaban entre los individuos que integraban estas nuevas sociedades de

consumo
hippismo

. Dentro de la gráfica, el cartel hippy propugnaba una

filosofía de “amor y paz”, proponiendo nuevas

experiencias a través de los sentidos, ya no se

trataban de mensajes claros y concisos

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"La mirada de un genio del Diseño."

"Conocido popularmente en Estados Unidos como “Papá Logo”, está considerado como el más eminente de los diseñadores gráficos norteamericanos, además de uno de los más innovadores e influyentes del siglo XX.

Haciendo valer la simplicidad del modernismo, con un buen uso de la tipografía, formas geométricas espacios en blanco, creó algunas de las identidades corporativas mas reconocibles y duraderas de los Estados Unidos:  IBM, UPS, Enron, Westinghouse, ABC… Su influencia es tal, que es considerado como el ha establecido las normas para la creación de logotipos corporativos."
*
https://senorcreativo.com/paul-rand-la-mirada-de-un-genio-del-diseno/

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"Paul Rand nació el 15 de agosto de 1914 en Brooklyn, Nueva York, y llamado inicialmente Peretz Rosenbaum, abrazó el diseño a una temprana edad, pintando señales y carteles para la tienda de su padre, así como para eventos de su escuela. Su padre no creía que el arte pudiera ofrecer un sustento suficiente a su hijo para ganarse la vida, por lo que obliga a asistir al Manhattan’s Harren High School mientras recibe clases nocturnas en el  Pratt Institute. Se puede decir que Rand es en gran parte autodidacta, aprendiendo de los trabajos de grandes maestros como Moholy-Nagy o Cassandre publicados en revistas europeas tales como Gebrauchsgraphik.

Posteriormente continuó sus estudios en la  Parsons The New School for Design (1932–33), y en la Art Students League (1933–1934).

Su carrera comenzó realizando las tareas humildes, realizando un trabajo a tiempo parcial realizando stocks de imágenes libres de derechos para diversos periódicos y revistas. Entre sus trabajos de clase y su trabajo, Rand fue capaz de acumular un gran portafolio, en gran medida influenciado por el estilo alemán de publicidad Sachplakat (cartel objeto), así como las obras de Gustav Jensen. Fue en ese momento que decidió camuflar y abreviar su identidad judía cambiando “Peretz Rosenbaum”, acortando su nombre a ‘Pablo’ y tomar ‘Rand’ de un tío para formar su nuevo apellido. Morris Wyszogrod, un amigo y asociado de Rand, señaló que «pensó que con cuatro letras, crearía un símbolo bonito”."
*
https://senorcreativo.com/paul-rand-la-mirada-de-un-genio-del-diseno/

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"Rand fue rápidamente hacia la vanguardia de su profesión. A los veinte años que estaba produciendo el trabajo que comenzó a cosechar fama internacional, en particular sus diseños en las portadas de Direction magazine, que Rand produjo sin cobrar nada, solo a cambio de una libertad artística completa. Entre los galardones recibidos por Rand, quizás del que más orgulloso estuvo  fueron las pañabras de Laszlo Moholy-Nagy:

“Entre estos jóvenes estadounidenses parece ser que Paul Rand es uno de los mas capaces… Es un pintor, profesor, diseñador industrial, artista de la publicidad que dibuja que se basa su conocimiento y creatividad en los recursos de este país. Es un idealista y realista, utilizando al mismo tiempo el lenguaje del poeta y del hombre de negocios. Siempre piensa en términos de necesidad y función. Es capaz de analizar sus problemas, pero su fantasía no tiene límites.»

En 1941 consiguió quedar a cargo de la dirección artística de la agencia de publicidad William Weintraub. Rand modernizó el campo de la publicidad, encarando como problemas de diseño a la diagramación y buscándole soluciones inteligentes. A fines de los cuarenta, influido por Moholy-Nagy, empezó a empaparse de críticas de arte, lo cual le sirvió para sus propios escritos, así como su propia experiencia."
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https://senorcreativo.com/paul-rand-la-mirada-de-un-genio-del-diseno/

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"La portada de la revista Direction demostró ser un paso importante en el desarrollo de la «mirada de Paul Rand» aunque aún no estaba totalmente desarrollada.  La portada que se ve en este post, en la que utiliza alambre de púas para presenta la revista devastada por la guerra y un crucifijo, es indicativo de la libertad artística que Rand disfrutaba en esta publicación.

En 1972 fue incluido en el “New York Art Directors Club Hall of Fame” y en 1984, por sus contribuciones significativas a la vida, al arte, y al arte de la tipografía, le concedieron la medalla del “Type Director´s Club”.2
*https://senorcreativo.com/paul-rand-la-mirada-de-un-genio-del-diseno/

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"Bass nació en el Bronx en 1920 y desde niño tuvo una imaginación desbordante y una afición casi enfermiza por el dibujo. Cursó sus estudios formales en el Art Students’ League de Nueva York y, posteriormente, en el Brooklyn College donde entró en contacto con la estética Bauhaus y el constructivismo ruso. Para Bass, “el diseño es el pensamiento hecho visual”.

En 1946 Saul Bass cambió su residencia a Los Ángeles donde abrió su propio estudio de diseño en 1950, en el que se dedicaba principalmente a la publicidad convencional. Sin embargo, en 1954 una visita del director de cine Otto Preminger estaba a punto de cambiarlo todo.

Preminger le encargó el diseño del cartel de su película Carmen Jones y el exigente director quedó tan impresionado con el trabajo de Bass que le encargó también la secuencia de los títulos de crédito."
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https://www.laimprentacg.com/saul-bass-el-pensamiento-hecho-imagen/

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"La labor de Saul Bass en este ámbito revolucionó el modo en el que se mostraban los créditos hasta entonces, creando auténticas obras de arte, con un sello visual tan poderoso que, hoy en día, son reconocibles tanto o más que las escenas de las películas que presentan.

El idilio de Saul Bass con el mundo del cine sólo acababa de empezar, tras su trabajo con Preminger vinieron los carteles y títulos de crédito de multitud de películas como “El Mundo está loco, loco, loco”; “La vuelta al mundo en 80 días”, “Espartaco”, o “La tentación vive arriba” entre otros. .

Con Alfred Hitchcock colaboró en varias ocasiones y hasta participó en la famosa escena de la ducha de Psicosis, de la película que se dice que él fue el responsable del Story board, aunque Hitchcock nunca lo reconoció.

Bass también dirigió varios cortos y el largometraje Phase IV, toda una rareza de 1974.

Además de su labor creativa como diseñador de títulos de crédito y carteles cinematográficos, Saul Bass es creador de algunos de los logos más conocidos internacionalmente (Kleenex, Warner Music, American Airlines, Minolta…), así como del logo de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 1984.

Sin duda, un creador de una gran influencia en numerosos ámbitos y cuyas obras siguen inspirando a los diseñadores de hoy en día."
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https://www.laimprentacg.com/saul-bass-el-pensamiento-hecho-imagen/

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"Milton Glaser nació en Nueva York, en 1929. Durante décadas ha trabajado en áreas creativas que van desde el branding, el diseño editorial, el diseño de carteles, el diseño de interiores y el dibujo, su gran pasión.

Estudió en la Cooper Union de Nueva York, y en 1954, tras graduarse fundó Push Pin Studios junto a otros amigos estudiantes. En esta peculiar agencia, trabajó para redefinir y expandir el papel del diseñador y el ilustrador en una cultura visual que cambiaría para siempre en las siguientes décadas."
*https://graffica.info/maestros-del-diseno-milton-glaser/

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"En 1966, nace uno de sus proyectos más carismáticos: el cartel que acompañaba al álbum Bob Dylan’s Greatest Hits. Con los años, este se ha convertido en uno de los trabajo más populares de la historia de la música."
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https://graffica.info/maestros-del-diseno-milton-glaser/

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"En esa misma década, junto a su amigo Walter Bernard, puso en marcha el New York magazine, que renovaría el concepto de diseño editorial para siempre. En 1977 llegó su proyecto más icónico: I Love New York.
El logo de I Love New York es un proyecto del que, «aún hoy, no puedes ir a ningún sitio sin encontrarte con esa forma particular», explica el diseñador."
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https://graffica.info/maestros-del-diseno-milton-glaser/

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"La figura de Milton Glaser también tiene un vínculo profesional con España. Entre 1987 y 1989 fue el responsable de para realizar un cambio en el periódico La Vanguardia coincidiendo con su paso al color.

El compromiso social junto al posicionamiento ético con respecto a la profesión y la vidda, son también facetas muy conocidas de Glaser. En esta línea, en 1968 el diseñador norteamericano codirigió Mickey Mouse en Vietnam. Un trabajo polémico, en el que el popuplar ratón de Disney acaba acribillado con una bala en la cabeza, como clara denuncia al conflicto bélico.

También encontramos ese elemento de denuncia en algunos de sus trabajos más recientes, como los carteles que diseñó en 2017 para luchar contra el narcisismo y el egoísmo del presidente Trump. Un trabajo que se pudo ver en las estaciones de metro de la ciudad de Nueva York."
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https://graffica.info/maestros-del-diseno-milton-glaser/

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"Hablar de los años 60 es hablar del movimiento contra-cultural hippie que se enfrento a la gris sociedad imperante de la época a base de psicodelia, Su estética se baso en colores brillantes o desteñidos; camisas floreadas o muy coloridas; faldas largas o pantalones de campana.

Y bajo el lema 'haz el amor y no la guerra', la estética y filosofía hippie espeluzno a las sociedades más conservadores del momento."
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https://con-eficacia-comunica.blogspot.com/2013/10/psicodelia-hippies-mescalina-decada60.html

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"La palabra psicodelia es un neologismo que viene del inglés psychedelia, término creado  a partir de los griegos 'alma' y 'manifestar' y que hace referencia a 'lo que manifiesta la mente' o 'los que manifiesta el espíritu'.

Los artífices de la palabra psicodelia fueron el psicólogo británico Humphry Osmond y el escritor Aldous Huxley , un curioso tándem para una historia no menos curiosa: la psicodelia nace en 1953 cuando Osmond suministra al Huxley varias dosis de mescalina y éste último escribe Las Puertas de la Percepción, un ensayo en el que describe sus experiencias alucinógenas tras la ingesta del alcaloide. Cuatro años después, el psicologo presentar el término psicoldelia junto a su Teoría en la Academia de Ciencias de Nueva York:

La mescalina permite a una persona sana ver el mundo a través de los ojos de un esquizofrénico, y sugiere que la tomen  los médicos, enfermeras y personal de los hospitales psiquiatricos para entender a los pacientes con una perspectiva diferente."
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https://con-eficacia-comunica.blogspot.com/2013/10/psicodelia-hippies-mescalina-decada60.html

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"Victor Moscoso (Vilaboa, La Coruña, 28 de julio de 1936), es un artista español conocido por el diseño de carteles de rock psicodélico, publicidad y por la producción de cómics underground en San Francisco durante las décadas de los años 60 y 70. Fue el primero de los cartelistas de la época que utilizó collages fotográficos en sus obras."
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https://es.wikipedia.org/wiki/Victor_Moscoso

Nacido en una pequeña localidad cerca de La Coruña, en España, Moscoso pasó su infancia en Oleiros. En 1940, con tres años de edad, viajó con su familia a Nueva York, donde creció y se formó en Bellas artes en la Cooper Union y en la universidad de Yale.​

En 1959 se mudó a San Francisco, graduándose en el Instituto de Arte de San Francisco (SFAI), donde posteriormente impartió clases durante un periodo de cinco años.

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"El éxito profesional le llega a través de la creación de pósteres para conciertos de rock psicodélico promovidos en las salas y clubes de baile de San Francisco. Los carteles para la promotora de conciertos Family Dog en la sala Avallon, y los que diseño en llamativos tonos neón rosa para la sala Matrix llamaron la atención internacional durante el Verano del Amor de 1967.​

Para Moscoso, realizar aquellos innovadores carteles supuso dejar de lado su formación académica y aprender de lo que se estaba haciendo en la calle, mezclando nuevas tipografías, difíciles de leer, con colores estridentes que llamasen la atención.

Rock y comics
Además del diseño de carteles, Moscoso también ha elaborado carpetas para álbumes de músicos como Jerry Garcia, Bob Weir, Herbie Hancock, Jed Davis y David Grisman. ​En 1968 comenzó a realizar cómics underground, participando en publicaciones como Yellow Dog, Jiz Comics, Snatch Comics, El Perfecto Comics y Zap Comix, esta última revista, especialmente notable, y en la que colaboró en todos sus números desde 1968 hasta el número final publicado en 2014. ​

En 1977, Moscoso diseñó el logotipo de la estación de radio KMEL : un camello con auriculares. Moscoso también ha diseñado camisetas, vallas publicitarias y animaciones para estaciones de radio, por lo que recibió dos premios Clio. Además, recibió un premio Inkpot en 1979. ​ También recibió una medalla AIGA en 2018."

Algunas de sus obras forman parte de las colecciones permanentes del Louvre en París, MOMA de Nueva York, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos en Washington D. C. o el Victoria & Albert Museum de Londres. "
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https://es.wikipedia.org/wiki/Victor_Moscoso​

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"Peter Thomas Blake (Dartford, Inglaterra, 25 de junio de 1932) es un pintor inglés contemporáneo, perteneciente a la primera generación de artistas del pop art británico, junto a figuras como David Hockney, y que tuvo una gran influencia en la época, sobre todo a partir de la exposición dedicado a ellos por la Royal Society of British Artists (RBA) en 1961.

Estudió en el Gravesend Technical College, en la School of Art (1946-1951) y en el Royal College of Art de Londres (1953-1956).

Desde su época de estudiante su obra refleja un gran interés por el arte popular y el folclore. Sus primeras obras, realizadas en la década de 1950, sobre todo en paneles de madera envejecida, retratan niños con cómics y chapas, como por ejemplo, Niños leyendo cómics (1954, Museo y Galería de Arte Carlisle), con un estilo deliberadamente naif. La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo «efímero de la vida moderna» siguen presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.
A diferencia de otros artistas de vanguardia de la época, como Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, que utilizaban recortes de imágenes de anuncios y revistas, Blake presentaba imágenes ready-made sin alterar en obras como Fragmento de arte (1959, Tate Gallery, Londres) y Tengo novia (1960-1961, Galería de Arte Whitworth, Universidad de Mánchester).
En Autorretrato con chapas (1961, Tate Gallery, Londres) se retrató como coleccionista. Diseñó también, junto con su entonces esposa, la también artista pop Jann Haworth,  la portada del disco de The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967). Desde la década de 1970 abandonó los motivos de la cultura popular para dedicarse a temas tradicionales del siglo XIX, como las hadas y otras figuras del mundo de la fantasía, sobre todo entre 1975 y 1979, época en la que vivió en Bath. Continuó trabajando en la misma línea durante las décadas de 1980 y 1990.
La exposición retrospectiva de su obra, Ahora ya tenemos 64, que organizó la National Gallery de Londres en 1996, puso de relieve el interés que su obra seguía despertando hacia finales del siglo.
La importante retrospectiva crealizada por la Tate Liverpool en 2007, con más de 100 de sus obras procedentes de varios países, fue presentada en el Museo de Bellas Artes de Bilbao el año siguiente.​ Su obra Montgomery Clift was a Twin (1981-83) fue adquirida por el Museo de Bellas Artes de Bilbao en 2002.​"
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https://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Blake_(artista)