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                              Actividad 6 - Actividad Evaluativa

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                              Actividad 6 - Actividad Evaluativa

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Blog Digital: Mural Digital (p1). Apreciación e Interpretación Artística Vanguardias del Siglo XX.

Apreciación Artística: NRC 26602
Docente: Olga Lucía Montenegro Gamboa Duran
Grupo N ° 7

Ramírez Medina, Gilbert Andrés - Id: 336837 - Pabón Rodríguez, Carlos Augusto - Id: 803179

López Castañeda, Yeison Andrés - Id: 806078 - Oviedo López, Jader Andrés - Id: 802821

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE "EL HOMBRE APROXIMATIVO"

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE "EL HOMBRE APROXIMATIVO"

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Tristan Tzara, poeta y ensayista rumano. Fue uno de los fundadores del movimiento antiarte conocido como dadaísmo, considerado como su máximo exponente y figura. . Fue Una Figura clave en la vanguardia poética de Principios de Siglo, anticipando la llegada del surrealismo.

Denotación : El hombre aproximativo , redactado Entre 1925 y 1930, y publicado en 1931, Es Un libro intenso y Complejo y, sin duda, la mejor obra poética de Tristan Tzara, escrita justamente en su período surrealista.

Connotación:
Se trata de una experiencia cosmológica de reconstrucción del mundo, buscando una reconciliación entre lo que el hombre concreto es dentro de una vida incoherente y miserable y lo que debe tratar de rescatar del hombre primitivo su mirada salvaje e infantil para hallar el “Hombre aproximativo” que habita en su interior, y que sólo logrará a través de la realidad poética.
Es un libro que rompe con todos los límites de la expresión, donde la escritura automática y la ausencia de puntuación descubren nuevas correspondencias y significados en versículos polisémicos construidos como collages y con un ritmo claramente musical de repeticiones y fraseo.

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE                                 "RUEDA DE BICICLETA"

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE                                 "RUEDA DE BICICLETA"

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Esta "escultura" es una de las piezas más relevantes del Moma, el Museo de Arte Moderno de Nueva York. suele aparecer con frecuencia en los manuales de arte moderno. En efecto, esta obra conocida como "Rueda de Bicicleta" pertenece al movimiento conocido como Dadaísmo.
Denotación:
Dicha obra podemos incluirla dentro del ready made,   el surrealismo o el arte cinético y con ella el artista arremetía contra los cánones y principios del arte al presentar como obra de arte una pieza con objetos cotidianos (un taburete blanco de madera y la llanta de una rueda de bicicleta) y los ha combinado de forma que ambos pierden su función o sentido original, estableciéndose un nuevo diálogo o lectura en el terreno del arte.
Connotación:
Duchamp, trabajo con dos circunferencias, la del banco y la de la bicicleta. El simbolismo del círculo es muy grande y poderoso. Como no tiene principio, ni fin, representa lo eterno y lo absoluto, por tanto representa a Dios. Si el círculo tiene un punto en el medio representa el ojo de Dios y esta rueda lo tiene. La rueda esta flotando y el banco esta en el suelo. Es la unión de lo divino con lo terrenal. La rueda da vueltas y el banco esta estable, el metal es mucho mas fuerte, la madera se rompe y lo divino es eterno y lo terrenal de destruye rápidamente igual que la madera. La rueda es negra y el banco es blanco, aquí tenemos el día y la noche, lo opuesto de lo circular y son las líneas rectas de las patas del banco. La rueda tiene cuatro patas que serian los cuatro puntos cardinales. En el arte hay mucho simbolismo.

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE "ESCULTURA BIOMÓRFICA"

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE "ESCULTURA BIOMÓRFICA"

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Jean Arp, es una figura fundamental para la historia del Dadaísmo (fue miembro fundador), evoluciona hacia el Surrealismo y con sus esculturas biomórficas, anuncia la Abstracción. Es uno de los mejores representantes de la Escultura Surrealista junto a Giacometti y Henry Moore.
A partir de 1930 se centra en la escultura biomórfica (inspiradas en las formas de la naturaleza y el azar). Mezcla las técnicas surrealistas del automatismo y las imágenes oníricas con el concepto dadaísta de azar, dando lugar a sus características formas orgánicas, conocidas como escultura biomórfica. La naturaleza lo más parecido a la abstracción.
Predominio de líneas curvas, ausencia de aristas, utiliza el bronce y el mármol, se recrea en lo humano.

Denotación :
Rebeldía, la capacidad de negación, la irracionalidad, el inconformismo y la subversión contra el orden preestablecido. Trabaja todo tipo de materiales: escayola, granito, bronce y aluminio en esculturas, la mayoría de pequeño formato; relieves en madera; crea obras con recortes de papel. Es un buen dibujante, grabador y litógrafo.

Connotación:
Utilizó, principalmente, una paleta de colores limitada: blanco, gris y negro. En su estilo predomina: composiciones arbitrarias, ejecutadas al azar (lanzaba recortes de papel y según caían los dejaba / orden del azar), collages tridimensionales, líneas curvas, sinuosas, sin aristas y de formas abstractas. Establece equilibrios entre vacíos y volúmenes.
Sus obras escultóricas recuerdan a las formas que se encuentran en la naturaleza , él las denomina "esculturas biomórficas", aludiendo a la relación que establecía entre la pura creatividad artística y las formas que surgen en la naturaleza.
Son obras en bronce, metal, o piedra. Hace dos tipos de esculturas, las puramente abstractas y las que nos evocan formas humanas simplificadas.

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Jean Arp (1886-1966)
Nace en Estrasburgo (cuando pertenecía a Alemania tras la guerra Francoprusiana), muere en Basilea (Suiza).

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Libro: Redactado entre 1925 y 1930, y publicado en 1931,

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Creado: 1913
Artista: Marcel Duchamp

Periodo. Dadá

Ubicación: Museo de Israel; Jerusalén

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5. DADAISMO : El nombre del movimiento provino de la palabra "dadá", onomatopeya del balbuceo infantil, se llamó dadaísmo a un movimiento artístico y cultural surgido en Suiza en 1916, que aglutinó exponentes de los distintos géneros artísticos (como pintura, literatura. música o escultura) en una franca oposición al Positivismo imperante en la época ya su concepto de razón.

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE                              "EL HUERTO"

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE                              "EL HUERTO"

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Denotación

La pintura es una representación de un huerto, cargada de muchos colores con líneas cortas y horizontales y verticales, con pinceladas muy fuertes donde simplemente la sombra no existe la saturación de colores no permite definir bien las formas de la naturaleza o árboles, las líneas cortas y que terminan muy pronto se mezclan y unen para formar un escenario.

El color naranja y rojo está muy presente en la primera parte de la pintura, se contrasta con la representación del horizonte entre azules, violetas, lilas y blancos.

La pintura está cargada de símbolos y significados complejos que requieren un análisis muy detallado de las formas que se ocultan con tanto color.

Connotación

La pintura está muy cargada de colores una exaltación que raya en la exageración pero que centra una idea principal un huerto o una especie de jardín a las afueras de un pueblo.

El artista denota una tranquilidad y paz en la escena más que su pensamiento personal.

Los colores y trazos en el espectador generan movimiento de viento en lo que se refiere a los árboles.

Sin duda un artista que refleja rebeldía en su obra y que niega la tradición de pintar bajo reglas ya establecidas.

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Artista: Maurice de Vlaminck.

Año: 1905

Técnica: óleo sobre lienzo.

Óleo sobre lienzo. Museo Nacional, Belgrado (Serbia).

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE                                                   "BAILE DE SOLDADOS DE SURESNES".

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE                                                   "BAILE DE SOLDADOS DE SURESNES".

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Denotación

El pintor plasma un evento muy importante y resalta una situación con colores muy vivos una saturación de rojos, grises, negros, algunas figuras geométricas al fondo con azules y ocres.

El espacio de la imagen tiene a 5 personajes, la pareja principal quien es la que baila con un perfil y una mirada hacia los lados, presentando indiferencia por la actividad principal, al fondo tres soldados con sus espadas como símbolo de autoridad con la mirada fija en ellos y en sus movimientos.

La pintura muestra una ilusión de movimiento que se genera en la mente del espectador se guarda las proporcionalidades, pero los detalles y vestuario calidad de trazos no son muy representativos teniendo en cuenta otras escuelas que prestan mucho detalle en las líneas y formas.

Es una pintura que tiene un significado a la vista en un plano amplio que muestra todos sus participantes en un salón.

Connotación

En la pintura el artista quiere mostrar una realidad, y con una referencia sutil en la forma de pintar las miradas de los personajes se puede dividir en dos la pintura, primero los participantes que bailan que muestran poco interés en bailar, una referencia a una imposición tal vez por cumplir protocolos sociales y una incomodidad de los dos al bailar.

Por otro lado, al fondo los militares mirando y siguiendo la escena, sus ojos y expresiones críticas y muestran un seguimiento a cada detalle de la pareja.

Sin embargo, la pintura está cargado de mucho color en los personajes que bailan y se diferencia de los soldados al fondo con colores un poco más opacos.

El artista quiere destacar a la pareja con mucha luz ya que son el centro de todo el cuadro, pero sutilmente quiere es resaltar la incomodidad derivada de la situación

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BAILE DE SOLDADOS DE SURESNES.                          

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BAILE DE SOLDADOS DE SURESNES.                          

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Artista: André Derain Año: 1903
Técnica: Oleo Museo: St. Louis Art Museum, St. Louis, Missouri (Estados Unidos)

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1911-1912, panel central del políptico “La vida de Cristo”, óleo sobre lienzo, Neukirchen, Fundación Ada y Emil Nolde, Seebüll, Alemania.

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Artista: Edvard Munch.

Año: 1893.

Técnica: Óleo y pastel sobre cartón.

Ubicación: Galería Nacional de Oslo, Noruega.

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Año: 1908 Técnica: Óleo sobre lienzo. Ubicación: museo de arte moderno de new york Artista: Ernst Ludwing Kirchner (1901-1937) fue un pintor Alemán

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Por Henri Matisse.
Pintado en 1906.
Actualmente pertenece a la Fundación Barnes, Filadelfia, Estados Unidos.

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Artista Pablo Picasso
Año 1907.
Cubismo Medio, óleo sobre lienzo.
Ubicación: Museo de Arte Moderno

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Artista: Juan Gris Modelo: Pablo Picasso Fecha de creación: 1912–1912. Períodos: Cubismo, Arte moderno. Se trata de un óleo sobre lienzo. Actualmente en Instituto de Arte de Chicago encuentra.

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Artista español Pablo Picasso en París en 1935.
Técnica y materiales: Grabado. Aguafuerte y raspador.

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Autor: René Magritte Año: 1953 Estilo: Surrealismo Título original: Golconde Tipo: Cuadro Técnica: Óleo Soporte: Lienzo

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Autor: Joan Miró (1893 - 1983) Tipo de obra: Estilo: Surrealismo Cronología: 1928.

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Autor: de Salvador Dalí 1931 Es una obra realizada con la técnica de óleo con la técnica de surrealismo. Obra que alude al tiempo y la eternidad. La obra se ubica en el Museo de Arte Moderno, Nueva York

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE                                                                     "CALLE DE DRESDE"                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                       

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE                                                                     "CALLE DE DRESDE"                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                       

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Calle de Dresde es una expresión audaz de la intensidad, la cacofonía y el agobio de la ciudad moderna. Kirchner escribiría después "Cuanto más frecuentaba a la gente más sintió la soledad".

Denotación:La calle que es la elegante Konigstrasse de Dresde, está atestada hasta niveles de claustrofobia, pero todas las personas parecen estar solas. Las mujeres de la derecha, una agarrada al bolso y otra a la falda, se cierran sobre si mismas con rostros inexpresivos como caretas. Una niña aparece empequeñecida por su sombrero, en una red de remolinos y vórtices que se entreteje con las figuras humanas y las aprisiona. Los colores nuevamente tienen una relevancia importante en esta pintura las formas y expresiones de las personas están perdidas las expresiones faciales denotan tristeza y un vacío porque no miran a nadie se fijan en un infinito impasible.

Connotación:

La pintura demuestra un sentimiento de soledad de intranquilidad, en un escenario que es una calle muy concurrida por las personas, que, aunque están en medio de muchos la soledad se apodera de cado uno de los personajes.
La expresión y su representación en sus rostros mostró inquietud, tristeza.

Es un intento atrevido e inquietante de plasmar la desagradable experiencia de un moderno bullicio urbano. La escena irradia tensión, sus hacinados peatones están encerrados en un espacio opresivo; el plano de la acera.

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 4. EL EXPRESIONISMO: EL expresionismo se conoce como una de las vanguardias artísticas y literarias del siglo XX. El expresionismo surge en Alemania, las primeras manifestaciones surgen en 1905, el expresionismo busca plasmar la subjetividad de las emociones humanas. 

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 4. EL EXPRESIONISMO: EL expresionismo se conoce como una de las vanguardias artísticas y literarias del siglo XX. El expresionismo surge en Alemania, las primeras manifestaciones surgen en 1905, el expresionismo busca plasmar la subjetividad de las emociones humanas. 

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CONCEPTOS DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE   "MINOTAUROMAQUIA". 

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CONCEPTOS DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE   "MINOTAUROMAQUIA". 

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Denotación

En esta obra en particular el pintor se perfila el dibujo, para posteriormente, a través del juego de luces y sombras, ir desarrollando volúmenes y expresiones.

Es el aguafuerte más ambicioso realizado por Picasso. En él mezcla temas de las corridas de toros y Minotauro, figura con la que se identificaba el pintor.

La muchachita con la luz procede de otro grabado, aguatinta, denominado "Minotauro ciego guiado en la noche por una niña"

En la pintura hay juego de grises con una alusión muy importante a la mitología, pero también a una tradición muy fuerte en España. La Minotauromaquia se nos presenta como síntesis final de toda una serie de obras. Es un grabado que condensa todo el universo que Picasso ha desarrollado hasta entonces, complicando el significado de cada elemento hasta crear una composición casi críptica, que desafía todos los análisis iconográficos.

La pintura nuevamente no tiene ni guarda proporción por las formas o figuras y eso es lo que hace especial al cubismo, en este cuadro la mirada de cada personaje se centra en el minotauro, denota una exaltación al mito, pero a la vez una representación del sentimiento del artista de sus emociones y de su alter ego.

En este contexto encajan perfectamente la fascinación de Picasso por el Minotauro como una proyección de sus experiencias interiores y la gran cantidad de poesías automáticas escritas en este período ‒concretamente tras la creación de la Minotauromaquia en que el artista sufrió un bloqueo emocional que no le pueden pintar durante unos meses.

Connotación

Realizada la investigación sobre esta obra es claramente una representación o liberación de un hecho en concreto en la vida del pintor, en la pintura se representa claramente una puesta en escena casi teatral con muchos significados y simbolismos.

El eje central es el minotauro que imponente se ve en la puesta de la escena un caballo representado de otra manera y deformado en la imaginación del pintor un hombre que intenta escapar en una escalera y dos mujeres en una ventana divisan el espectáculo. Sin duda un cuadro cargado de muchas referencias que inclusive hacen pensar que el pintor quiso plasmar una especie de liberación ya que en esos meses no conseguía pintar.

Un cuadro que inspira a analizarlo varias veces y por qué es una mezcla de negros y grises y formas que se salen de lo convencional.

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CONCEPTOS DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE     "RETRATO DE PICASSO".   

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CONCEPTOS DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE     "RETRATO DE PICASSO".   

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Denotación

Como es característico del cubismo se rompen las leyes de la perspectiva, Juan Gris en esta pintura e influenciado por Pablo Picasso y Georges Braque.

En este retrato de Picasso, podemos distinguir sin mucho problema los ojos, las cejas, la boca y la nariz (esta última está pintada varias veces, desde diferentes ángulos). Sin embargo, las facciones están tan deformadas que si no fuera por el característico flequillo del pintor malagueño sería imposible saber que se trata él. No importa mucho porque en los retratos cubistas el parecido es casi irrelevante, lo que importa es la técnica.

Estos planos los coloreaban en tonos grises y pardos, aplicados en pinceladas casi puntillistas. Juan Gris procuraba ordenar más los planos, en base a líneas paralelas horizontales, verticales y diagonales.

Connotación

En esta obra Juan Gris muestra su admiración por otro artista el cual era Picasso quien le mostró otra manera de hacer arte, en el retrato se refleja una exaltación al pintor pero con un estilo donde el color no es muy representativo, de hecho la formas y la manera de pintar el cuadro las formas se salen de lo convencional, a primera vista se hace reconocible el personaje por algunas características de Picasso, una alegoría al pintor ya que se ve una paleta con algunos colores en la mano pero no muy destacados.

El rostro desfigurado con trazos geométricos y líneas horizontales la dimensión y proporcionalidad simplemente no existen. Pero es el juego de figuras geométricas al fondo que hacen ver el cuadro en una dimensión diferente.

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CONCEPTOS DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE "LAS SEÑORITAS AVIGNON".

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CONCEPTOS DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE "LAS SEÑORITAS AVIGNON".

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Connotación

La pintura demuestra un sentimiento de soledad de intranquilidad en un escenario que es una calle muy concurrida por las personas, que, aunque están en medio de muchos la soledad se apodera de cado uno de los personajes. Nuevamente la expresión y su representación en sus rostros muestra inquietud, tristeza. Es un intento atrevido e inquietante de plasmar la desagradable experiencia de un moderno bullicio urbano. La escena irradia tensión, sus hacinados peatones están encerrados en un espacio opresivo; el plano de la acera.

Connotación:

En esta obra el pintor quería resaltar un “oficio” que para la época y aun hoy es despreciado, tomo como modelos unas prostitutas de una reconocida calle de Barcelona donde los burdeles eran muy conocidos.

El artista quiso experimentar ya raíz de ese experimento nació una nueva forma de pintar, en la obra aparecen cinco (5) mujeres desnudas pero su forma se sale de lo convencional ya que para el pintor la belleza se concibe de otra forma e invita al espectador a imaginarse y crear esa belleza dentro de la mente.

Aun así la obra tiene mucho significado y símbolo como la canasta de comida una referencia al trato tal vez de las prostitutas a los clientes, en la obra esa es la idea principal mostrar la invitación y el impacto de una realidad que se esconde en cualquier calle apartada de la ciudad.

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE DE "GOLCONDA".

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE DE "GOLCONDA".

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René François Ghislain Magritte fue el surrealista belga que más influyó en la pintura de su país en el siglo XX. Sus imágenes, a diferencia de otros surrealistas , no estaban inspiradas 100% en sueños, sino que Magritte destilaba la realidad sacando su esencia, y consiguiendo, por un lado imágenes absolutamentes sin embargo e ingeniosas , y por otro el cuestionamiento mismo de esa realidad.

Magritte fue, por así decirlo, un surrealista conceptual muy interesado en la ambigüedad de las imágenes, de las palabras y en investigar la extraña relación entre un lo pintado y lo real .

Influído por Giorgio de Chirico , empieza a pintar paisajes misteriosos, con significados ocultos, silencio y mucho sentido del humor. La realidad es para él una ilusión , una trampa por así decirlo y por ello explora a lo largo de su carrera el espacio real frente a la ilusión espacial, que es la pintura misma.

Denotación:
De ésta composición surrealista no se conoce la interpretación oficial del artista, sino que se ha especulado en varias direcciones sobre su significado.

Gotas de lluvia con la forma del propio artista que esta por todas partes, es una de las interpretaciones mas difundidas, siempre intento establecer una linea divisoria entre lo real y lo representativo.

Connotación:
Sus obras parecen tener un carácter realista, sin embargo al observar detenidamente, imágenes y escenas son incongruentes.
las obras de Magritte buscaban reflejar lo que subyace detrás de las apariencias; para ésto, solía pintar objetos aislados, de modo que el espectador se cuestionará sobre el significado de bandeja.

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE "EL INTERIOR HOLANDES".

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE "EL INTERIOR HOLANDES".

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Denotación

El interior holandés es una de las obras más representativas de la época de Johan Miró, alejado de las influencias fauvistas y cubistas, a partir de 1925 encuentra una forma de pintar propia a su propio gusto.
En la busca de lo esencial, depurando cada vez más su vocabulario expresivo, pasando de las figuras a los ideogramas y los signos. En su habitación surge una estructura dudosa tridimensional, con paredes de colores diferentes y allí surge una figura guitarrista, cuya cabeza está rodeada de un halo blanco y donde sale un pequeño bigote, además de un mechón de cabellos rodeando las orejas, ojos, nariz y boca que permanecen dentro de un círculo de color ocre.

La gravedad y dimensión en este cuadro están representados de muchas maneras ya que hay figuras que parecen flotar dentro de la misma pintura, la perspectiva en el cuadro hace notar como varias dimensiones, cargada de muchos signos que se interpretan de muchas maneras y es complejo a la hora de analizar.

Connotación

El surrealismo da pie a interpretaciones de muchos sectores o espectadores, en esta obra la complejidad de los trazos y las figuras distorsionadas en la imaginación del artista nos muestra una situación o una cotidianidad de unos personajes, pero llena de signos y referencias. Todo está dotado de una imaginación y creatividad entre genial e infantil, como en resumen toda la pintura surrealista de Miró.

El guitarrista sujeta el instrumento, quizás lo más reconocible de toda la composición, mientras se ve rodeado por una multitud de animales, plantas y objetos que parecen bailar al son y ritmo de las notas musicales.

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE "LA PERSISTENCIA DEL TIEMPO".                                                                                                                                                  

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE "LA PERSISTENCIA DEL TIEMPO".                                                                                                                                                  

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Denotación

También se conoce como "Los relojes blandos", muestra un desierto con cuatro relojes, de los cuales tres de ellos están "despachurrados" por el efecto del tiempo y el calor, según parece, es una obra realizada con la técnica del óleo sobre el lienzo del surrealismo, obra que alude al tiempo y la eternidad. un paisaje en la playa del mar afondo, un lugar desértico donde vemos dos elementos planos; uno de color azul y otro de color marrón oscuro donde sostiene tres relojes; uno de bolsillo, otro escurriendo en el borde del Angulo plano y otro encima de una rama del árbol seco. En el piso otro reloj al parecer encima de un animal gigante de mar con pestañas grandes y su boca abierta. Su temática representa los hechos de una realidad o un sueño, en el marco de una zona costera, nos muestra la relatividad del tiempo.

La memoria es una forma de marcar el paso del tiempo, una forma interna y subjetiva. El tiempo de la memoria no es el mismo que el de un reloj común: un momento que ha sucedido hace mucho puede ser recordado como algo reciente, mientras que el día anterior puede dar la impresión de haber ocurrido mucho tiempo atrás, una referencia clara a la relatividad.

Connotación

El artista en esta obra maestra representa para lo que él es el tiempo en sí mismo, con referencias claras también al ámbito científico.

Una pintura con muchos significados para quien lo pueda apreciar.

El pintor quiso expresar que el tiempo es infinito y está enmarcado en una especie de círculo con diferentes momentos.

Los relojes representan que, en algún momento de la vida, se acaba lo bello y hermoso. La obra también lleva al cuestionamiento metalingüístico. ¿Cómo el arte puede ser parte de la memoria y no olvidarse? Es la razón que lleva al sujeto que produce la obra a buscar la inmortalidad en sus cuadros.

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE "LA CRUCIFIXIÓN".

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE "LA CRUCIFIXIÓN".

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Emil Nolde perteneció al movimiento del expresionismo Alemán, su producción artística son sus cuadros de temática religiosa.

Denotación:
Su obra se caracteriza por sus colores estridentes, figuras angulosas con rostros como máscaras (influencia del arete primitivo) sus figuras ocupan espacio enorme y apenas dejan ver el fondo.

Connotación:
La crucifixión una de sus obras más famosas conformado por un conjunto de nueve pinturas de seis metros de ancho, que surgió del azar, cuando hacÍa varias piezas por retablos y luego coloco en el centro la crucifixión en el centro donde dio "vida a" Cristo ".

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE                                                                               "EL GRITO"

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CONCEPTO DE; CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE                                                                               "EL GRITO"

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Edvar Munch representa al hombre moderno en una situación de desesperación, su obra dirigida al humanismo, expresionista e indigenista donde expresa el dolor y la miseria de la humanidad, hace fuerte denuncia de la violencia que ocurre en el siglo XX.

Denotación

El grito presenta una figura andrógina en primer plano con un gesto de angustia que transmite gran expresividad y fuerza psicológica.

La escena donde se encuentra es un sendero con vallas que se aleja en perspectiva diagonal. En el fondo, se pueden apreciar dos figuras con sombrero que parecen ajenas a lo que ocurre con la figura principal.

Los colores son opacos se mezclan tonos grises, marrones, negros colores pálidos que denotan tristeza y desesperación.

Hay también un contraste en el cielo que se representa en esta obra de los colores cálidos de fondo. En el cielo, fluido y arremolinado, predomina los tonos naranjas. El sendero y el paisaje, por su lado, parecen iluminados por una luz semioscura. Las formas se retuercen y los colores están dispuestos de una manera arbitraria.

La forma del personaje principal es muy abrumadora e inquietante con trazos suaves y curvos y formas circulares.

Connotación

La obra es el mejor ejemplo de expresionismo, la escena es inquietante y transmite desesperación y tristeza, lleva al espectador a imaginar una escena incluso macabra y inquietante.

Los personajes están en un puente y se asemeja una tragedia, pero el objetivo principal es resaltar ese sentimiento de vacío y tristeza que invade incluso al entorno en general.

Las formas y trazos tienen connotaciones psicológicas que hacen pensar y experimentar lo más profundo del mismo subconsciente.

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CONCEPTO DE;CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE                                                                         "LA ALEGRÍA DE VIVIR".

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CONCEPTO DE;CONNOTACIÓN Y DENOTACIÓN DEL ARTE                                                                         "LA ALEGRÍA DE VIVIR".

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Denotación
La técnica usada se trata de óleo sobre lienzo. En ella encontramos una composición simétrica y dinámica ya que podemos ver el predominio de las curvas sobre la recta y el esquema utilizado para colocar objetos es circular.

Predomina la línea sobre el color. La línea se trata de una línea fina y curva que hace un dibujo ondulado y esquemático. Por otro lado, los colores utilizados son predominantemente los cálidos frente a los fríos. Además de esto se tratan de colores irreales, planos, complementarios y saturados.

Por otro lado, la luz es completamente antinatural ya que los focos vienen de diferentes ángulos. En cuanto al espacio la perspectiva general es la cromática utilizando colores fríos para alejar y los cálidos para atraer. Además, los personajes se sitúan en diferentes planos.

Por último, las figuras son anti naturalistas, ya que deforman la realidad y siguen un canon ensanchado. Todas ellas tienen una posición dinámica y muchas de ellas inestables.

Las figuras muestran proporcionalidad, pero salen de los cánones tradicionales de belleza, el cuerpo humano se aprecia sin distinciones, en la pintura cada personaje está inmerso en su actividad y hay una representación del paisaje con las reglas que se aplican a nuestra realidad.

Connotación

El cuadro muestra una situación con cada personaje inmerso en su actividad, el pintor muestra un mundo un paraíso donde predomina la felicidad y la búsqueda de la misma realizando una actividad, con los colores y las formas utilizadas el autor crea una invitación a dejarse llevar, solo vivir y centrándose en lo positivo.

La obra muestra una realidad paralela con un toque y saturación de colores y transmite una paz porque es mediante las actividades que creemos como satisfactorias que se consigue un

grado de felicidad.

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3. FAUVISMO :El fauvismo es un movimiento pictórico descrito por el empleo del color puro que surgió en París a principios del siglo XX.  

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3. FAUVISMO :El fauvismo es un movimiento pictórico descrito por el empleo del color puro que surgió en París a principios del siglo XX.  

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2. EL SURREALISMO : Este ismo busca su inspiración en la naturaleza irracional del trasfondo humano. El sueño, la locura, lo absurdo, la hipnosis, el humor, los automatismos psíquicos son los puntos de partida de la actividad surrealista, cualquier situación en la que la mente no se encuentra alguna vez a la conciencia. Esta al menos fue la teoría original.                           

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2. EL SURREALISMO : Este ismo busca su inspiración en la naturaleza irracional del trasfondo humano. El sueño, la locura, lo absurdo, la hipnosis, el humor, los automatismos psíquicos son los puntos de partida de la actividad surrealista, cualquier situación en la que la mente no se encuentra alguna vez a la conciencia. Esta al menos fue la teoría original.                           

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                                                                                                                                                                             1. EL CUBISMO

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                                                                                                                                                                             1. EL CUBISMO

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El arte cubista pretende representar los objetos, después de desmenuzarlos analíticamente por la razón. En consecuencia, no representar las cosas como las que vemos sino como las comprendemos después de reflexionar sobre ellas.