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Considerada la modalidad más artística y profesional del maquillaje corporal, el Body Painting trata de maquillar el cuerpo para darle nuevas personalidades, representar y dar vida a nuevos personajes.

Maquillaje propio de la vida de los teatros y del cine pero que se encuentra muy vivo entre nosotros requiriendo una técnica muy compleja y muy trabajada.

Es un Género de las Artes Visuales.

La "pintura corporal" es una forma de arte corporal en el que el trabajo artístico es pintado directamente sobre la piel humana.

https://www.youtube.com/watch?v=UrzxMb0qo5A (Breve historia)

Puede afirmarse que antes de la invención de pinceles u otras herramientas prehistóricas, el hombre se aplicó pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenencia a su grupo y situarse con relación a su ambiente, prepararse para alguna ceremonia o por gusto. Esta práctica fue utilizada como instrumento de transformación; los dibujos y los colores le permitieron alternar en su cuerpo diversas identidades, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, como también se utilizó sencillamente como ornamento.

En la actualidad, en las sociedades occidentales la pintura corporal se practica como una finalidad lúdica y decorativa.

Se utilizan los motivos animales, preferentemente los felinos. Cuando se representan otros animales, éstos se integran en un decorado pintado sobre la piel del modelo; serpientes en la selva, arañas sobre su tela. También es recurrente la temática de lo fantástico; criaturas multicolores dotadas de alas, antenas o garras recorren los festivales dedicados a estas artes. Abundan también las pinturas de mimetismo o camuflaje; el cuerpo se integra en su entorno, sean árboles, papel pintado o paredes decrépitas.

Algunos artistas plásticos han promovido la técnica de "Body Painting" como: Gesine Marwedel, Xandra Herdieckerhoff, Blanca Charolet, la actriz y modelo Veruschka y Javier de la Rosa.

Obras de pintores famosos en body painting: Obras de Gustav Klimt --> En marzo de 2012 en Fráncfort (Alemania), una modelo desnuda, con la piel cubierta con una pintura de “El Beso” de Klimt (1862-1918) se paseaba desde la estación central de tren de Fráncfort hasta la sede de un banco, donde permaneció varios minutos, ante la mirada de asombro y las sonrisas de los transeúntes que disfrutaron del espectáculo sin que la Policía interviniese.

10 ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS DEL BODY PAINTING

1. Scott Fray/Madelyn Greco

2. Jörg Düsterwald

3. Craig Tracy

4. Alexa Meade

5. Fiorella Scatena

6. Choo San

7. Felix Shtein

8. Natalie Fletcher

9. Johannes Stoetter

10. Kim Joon

Links donde puedes encontrar +info y obras de cada uno de ellos: https://mott.pe/noticias/10-artistas-contemporaneos-del-body-paint-que-sorprenden-con-su-arte/

Artistas Argentinos/as:

Martín Garcia.

Lucrecia Nos.

Maris Bustamante Carballo.

Edgardo Giménez.

VIDEOS EJEMPLOS

♦ https://www.youtube.com/watch?v=pZRLMbKjttE

♦ https://www.youtube.com/watch?v=Ikt-wapA-14

♦ https://www.youtube.com/watch?v=P4KcXFSjBsU

♦ https://www.youtube.com/watch?v=Gkh5NEPifX4

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El arte para vestir, o artwear, se refiere a prendas de vestir o joyas creadas como expresiones artísticas únicas hechas a mano, generalmente de materiales fibrosos como tejidos. Para ser considerado como tal el trabajo debe ser aceptado como una creación artística debido a sus consideraciones estéticas. Con respecto a las materialidades también puede incluir prendas hechas de cuero, plástico o metales. Es un movimiento que surgió a mediados del siglo XIX y ha evolucionado a lo largo de la historia, integrando diversas corrientes artísticas. Este estilo se caracteriza por la creación de prendas que son consideradas obras de arte en sí mismas, transmitiendo un mensaje o concepto más allá de su funcionalidad. La moda ha estado influenciada por movimientos artísticos desde el renacimiento hasta el surrealismo, con diseñadores que han adoptado esto para expresar ideas y críticas a través de la vestimenta.

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Es una estrategia de enseñanza visual y kinestésica.

Es una estructura tridimensional, que se utiliza principalmente con propósitos educativos y de presentación.

Consiste en una caja o plataforma con tres lados que se pueden decorar o representar con imágenes, figuras, texto y otros elementos para ilustrar un tema o concepto específico.

Estas representaciones pueden ser utilizadas en proyectos escolares, exposiciones, presentaciones y actividades de aprendizaje interactivo.

¿Cómo hacer un Triorama?

https://www.google.com/search?sca_esv=85dd7771fb44bccf&hl=es&sxsrf=ADLYWIJqbo_zmD5dXRaqBLA5z27H8zxW2Q:1729751204261&q=triorama+que+es+y+para+que+sirve+Y+EJEMPLOS&source=lnms&fbs=AEQNm0CbCVgAZ5mWEJDg6aoPVcBgWizR0-0aFOH11Sb5tlNhdzTfxpAVBoexMFZnKJBpl_NibeLqpdqLlYXarYwntqndOolYYb7fSObNXOl6j_3dV4gB6uCWzn8t9h9WeEXSlEf3vb5v-xjs7IZnsQL0LlG6NMKuJ4rNKD1tCaMiQfJjOz0ep3nLpmN9bYyJAN_50-AwO5tn62F5sMxoZuZ5k16ajxZE_Q&sa=X&ved=2ahUKEwiBtdGwsaaJAxVuIbkGHdoPMfMQ0pQJegQIEhAB&biw=1366&bih=641&dpr=1#fpstate=ive&vld=cid:e0ea7c7b,vid:ppWEYFeT6xA,st:0

VIDEOS EJEMPLOS

♦ https://www.youtube.com/watch?v=-r0B0FLDrJo

♦ https://www.youtube.com/watch?v=xB7g8x-zOFA

♦ https://www.youtube.com/watch?v=oj3BupkekLE

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Es una forma de animación basada en una idea avanzada del folioscopio. Se trata de ir fotografiando y manipulando físicamente los objetos en cada fotograma. Al reproducir los fotogramas seguidos, la técnica crea el efecto de que el objeto se está moviendo. La animación Stop Motion es una técnica de animación y video cuyo secreto reside en lo que sucede entre un fotograma y el siguiente de la acción.

TIPOS O ESTILOS DE ANIMACION STOP MOTION

☺Animación de objetos: Si no tienes presupuesto, no te preocupes: agarra lo primero que tengas a mano y anímalo.

Ejemplo: The Humpty Dumpty Circus (1898)

☺Plastianimación: Modela personajes y accesorios en arcilla (polimérica) para crear nuevos mundos extraordinarios.

Ejemplos: Morph, Wallace y Gromit

☺Pixilación: Incorpora actores reales y prepáralos para mantener la postura mientras los fotografías.

Ejemplo: Hôtel électrique (1908)

☺Animación de recortes: Crea el elenco y su entorno de papel y fotografíalo con perspectiva cenital en dos dimensiones.

Ejemplos: The Spirit of Christmas (Matt Stone y Trey Parker)

☺Animación con marionetas: Para mejorar la estética del proyecto, puedes crear marionetas sofisticadas que posen para los fotogramas.

Ejemplo: Coraline, Kubo y las dos cuerdas mágicas

☺Animación con siluetas: Retroilumina las siluetas recortadas y juega con el misterio de las sombras.
Ejemplos: Las aventuras del príncipe Achmed (1926), Papageno (1935).

HERRAMIENTAS REQUERIDAS PARA LA GRABACIÓN

Para comenzar a crear tus propias miniobras maestras, necesitarás lo siguiente:

Cámara digital. Te servirá incluso la cámara del móvil, aunque, por supuesto, cuanto mayor calidad sea, mejor saldrá.

Soporte o trípode. Algo esencial es que tienes que montar la cámara de tal forma que permanezca perfectamente quieta durante todo el proceso de producción.

Software de edición. También, el teléfono te servirá, pero necesitarás un software de edición de vídeo que te permita secuenciar las imágenes y transferir el resultado en un archivo completo.

Objetos para la grabación. Hazte con algunos accesorios y comienza la sesión.

LINKS DE VIDEOS/CORTOS DE EJEMPLOS

♦ https://www.youtube.com/watch?v=JhmY7s0D8gQ

♦ https://www.youtube.com/watch?v=skioYMa2drE

♦ https://www.youtube.com/watch?v=MEglOulvgSY&list=PLHogLkQ_uFshsx5XZ_-

X0WOtay4DSqWG2

♦ https://www.youtube.com/watch?v=lqt0yP8SUuw&list=PLHogLkQ_uFshsx5XZ_-

X0WOtay4DSqWG2&index=2

♦ https://www.youtube.com/watch?v=feS77m3elhc&list=PLHogLkQ_uFshsx5XZ_-

X0WOtay4DSqWG2&index=5

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Marea Alta + Zona Hadal. Claudia Aranovich. Fundación Cazadores, Buenos Aires, Argentina, 2023. Video Esculturas, instalación interdisciplinaria con Margarita Bali 

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La instalación artística, el arte instalación o el instalacionismo, es un género de arte contemporáneo que surge en la década de los años 1960 en la idea de que la obra prevalece sobre sus aspectos formales. Es parte de la arma experimental artística, puede ser temporal y se puede representar en cualquier espacio. Una instalación se realiza en un contexto y espacio determinado.​ Por definición, tiene una duración determinada y, por ende, entra dentro de lo que se conoce como arte efímero. En la mayoría de los casos permite una interacción activa con el espectador.

(...) Las instalaciones pueden presentarse en cualquier espacio y ser realizadas con los más variados materiales, medios físicos, visuales o sonoros, incluso en ocasiones intervienen otras disciplinas artísticas como la fotografía, el videoarte o el performance. Se utiliza cualquier medio para crear una experiencia de interacción con el espectador para despertar sentimientos o reflexiones. Info de: https://artsandculture.google.com/entity/m012z_m?hl=es-419

Video de la instalación: https://www.youtube.com/watch?v=hi7ORz2v2gI

Más información de la artista:

https://www.claudiaaranovich.com/

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La tecnología irrumpe también en las artes plásticas y una muestra de ello es la propuesta del artista Félix González, denominada "Volcánica". Mediante una aplicación disponible en playstore, los asistentes pueden descubrir nuevas lecturas de las obras colgadas con increíbles imágenes y música."Para quienes no saben, RA es la superposición de capas o elementos virtuales en el mundo físico, en tiempo real. Diferenciándonos de la Realidad Virtual que es un campo distinto".

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Instagram del artista: https://www.instagram.com/felixezequielgonzalez/

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https://www.argentina.gob.ar/noticias/megamuestra-de-poesia-visual-en-el-centro-cultural-kirchner

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¿Les artistas escriben? ¿Les escritores ilustran? Bueno, algo así convive en un interesante híbrido: El Libro de artista ¿Qué es un libro de artista? Es un objeto que tiene que tener todo lo que tiene un libro común y corriente, es decir, un continente (lo que le da la forma de libro o no) y el contenido (texto e imágenes). Pero que lo hace un libro de artista? Básicamente debe tener al menos una de las dos cosas (forma de libro o texto e imágenes)

María Victoria Martinez

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El arte de Xerox, también conocido como copy art, arte electrostático o xerografía es una forma de arte que comenzó en la década de 1960. Las impresiones se crean colocando objetos sobre el vidrio, o platina, de una máquina copiadora y presionando «iniciar» para producir una imagen. Si el objeto no es plano, o la cubierta no cubre totalmente el objeto, o el objeto se mueve, la imagen resultante se distorsiona de alguna manera. La curvatura del objeto, la cantidad de luz que alcanza la superficie de la imagen y la distancia entre la cubierta y el cristal afectan la imagen final. A menudo, con la manipulación adecuada, se pueden hacer imágenes bastante fantasmales. Las técnicas básicas incluyen: imágenes directas, la copia de elementos colocados en el cristal de exposición (copia normal); Still Life Collage, una variación de imágenes directas con elementos colocados en el cristal de exposición en un formato de collage centrado en lo que está en primer plano / fondo; Sobreimpresión, la técnica de construir capas de información, una sobre la anterior, imprimiendo en la misma hoja de papel más de una vez; Copy Overlay, una técnica para trabajar o interferir en el mecanismo de separación de color de una copiadora a color; Colorizing, varía la densidad del color y el tono ajustando los controles de exposición y balance de color; La degeneración es una copia de una copia que degrada la imagen a medida que se realizan copias sucesivas; Copiar movimiento, la creación de efectos moviendo un elemento o imagen en el cristal de exposición durante el proceso de escaneo. Cada máquina también crea diferentes efectos.

María Victoria Martinez

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Es arte óptico, es decir, un estilo exclusivamente visual que hace uso del ojo humano para engañarlo. Para conseguir ese objetivo usa a menudo ilusiones ópticas.

El espectador de una obra de Op-art debe participar activamente, ya sea moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.

No existe ningún aspecto emocional en las obras de Op-art. Es pura ciencia (óptica) y con ello consigue efectos estéticos utilizando desde líneas paralelas a contrastes cromáticos.

Es casi siempre un tipo de arte abstracto, casi siempre geométrico, y casi nunca se preocupa por comunicar un sentimiento o tocar la fibra emocional del espectador. Busca más bien una actitud activa por parte del observador, o más bien sólo de su ojo.

El Op-art se basaba en la percepción del espectador, que es en realidad el único y verdadero creador de la obra.

Obra: Serie 26 D. Julio Le Parc. MACBA.
Es un escultor y pintor argentino que se centra tanto en op-art moderno y el arte cinético.
Milagros Olaguibe

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"Croquiseros urbanos de santa fe" encuentro regional 2024

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Es un cuaderno de bocetos, una bitácora con paginas en blanco en el cual los artistas realizan dibujos o pintan, como parte de su proceso creativo, puede contener dibujos rápidos, notas, mapas conceptuales y reflexiones.

No hay reglas para realizar estos cuadernos, tampoco hay un formato preestablecido.

Puede abarcar tantas temáticas, técnicas y formatos como puedas imaginar. Al final, lo más importante es que, conforme avanzas en sus páginas, se convierte en un espacio de completa libertad creativa que te permite escucharte y mirarte con profundidad, por lo que es un perfecto espejo de tu identidad intelectual, creativa y profesional.

Algunos artistas santafesinos que trabajan con este formato.

https://www.instagram.com/croquiseros.urbanos.de.santafe?igsh=ZmZvZHp4NjN3Nm5n

https://www.instagram.com/nicom.25?igsh=MWQza3dkczdpZ3F2Yw==

Ayelén Cabrera.

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El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por personas ajenas al mundo artístico, sin una formación académica.

Según él, todos tenemos un potencial creativo que las normas sociales anulan. Es el caso del arte creado por locos, autodidactas, indadaptados, niños, ancianos…

Lo bello era lo contrario de todo lo vital y estimulante. «La belleza es pura secreción de la cultura como los cálculos lo son del riñón», decía Dubuffet. La cultura oficial era tan rígida que ahogaba la invención y estigmatiza como carente de valor todo lo que no entre dentro de sus excluyente límites.

El Art Brut consiste en la ausencia de formación artística, ignorancia de toda tradición cultural, reinvención de las etapas del acto creador, elaboración de la obra en el anonimato y en el desarrollo autárquico de las producciones.

Es por tanto un arte ecléctico, son casi obras «no encasillables», y se caracterizan como un rasgo común por su política de abstención en cuanto a toda operación comercial. El carácter no lucrativo es una regla esencial. A nivel estético abunda de todo, pero se podrían apreciar características comunes con el expresionismo.

OBRA:
El 4 de octubre inaugura en el espacio El más acá club la muestra colectiva "Arte Singular en Argentina" que reúne unas 60 obras de 22 artistas argentinos con discapacidad mental.

Arte Singular en Argentina. Nora Lorda. Serie Músicos, 2015. (Acuarela sobre cartón. 30x40 cm)

Milagros Olaguibe

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DIORAMA Un diorama es una representación tridimensional de una escena o escenario, a menudo a escala. Se utilizan para mostrar paisajes, eventos históricos, hábitats naturales o incluso escenas imaginarias.

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DIORAMA Un diorama es una representación tridimensional de una escena o escenario, a menudo a escala. Se utilizan para mostrar paisajes, eventos históricos, hábitats naturales o incluso escenas imaginarias.

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¿Qué tipos de dioramas hay?

Los dioramas se pueden clasificar de diversas maneras, según su estructura, contenido o función:

Según su estructura:

De caja: son los más comunes y consisten en una caja con tres o cuatro lados que se utilizan para crear el fondo de la escena. Dentro de la caja se colocan las figuras, paisajes, edificios y otros elementos que componen el diorama.

Panorámicos: tienen una vista de 360 grados, lo que permite al espectador rodearse por completo de la escena. Suelen utilizarse para representar paisajes extensos o eventos históricos a gran escala.

En miniatura: son dioramas de pequeño tamaño, generalmente utilizados para coleccionismo o decoración. A pesar de su tamaño reducido, pueden ser muy detallados y realistas.

Digitales: utilizan tecnología digital para crear escenas tridimensionales realistas. Pueden ser interactivos y permitir al espectador explorar la escena en detalle.

Extraído de la página: https://u-tad.com/que-es-y-para-que-sirve-un-diorama/

La artista citada: Pía Aldana Carrasco (Chile) y Ariel Acosta (Santa Fe) - en comentario -

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PUBLICADO EL 14 NOVIEMBRE, 2022 Pía Aldana Carrasco

Biografía
(Concepción, 1980)
Artista visual, diseñadora y dioramista. Magíster en Literatura Hispanoamericana y licenciada en Artes Plásticas con mención en Grabado por la Universidad de Concepción. Ha expuesto su obra en Chile y en el extranjero, en instancias como el pabellón latino de Palazzo Mora durante la Bienal de Venecia (2022), el Art World Amsterdam (2020) y el Art Week Miami (2019). También ha expuesto su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes de Biobío, el centro cultural GAM, entre otros. Algunos de sus principales proyectos artísticos son Flora y fauna, fragmentos de un paisaje endémico , La fauna, los jardines y la sagrada oralidad y La memoria de los umbrales .

Sus obras se sustentan en reflexiones e investigaciones sobre el coleccionismo doméstico y los aspectos etnográficos, museales, rituales, patrimoniales, memoriales y ficcionales intrínsecos al acto de coleccionar. Pía Aldana se interesa por rescatar los valores simbólicos entre el coleccionista y su colección, lo que conceptualmente la artista denomina como "relicarización secular", es decir, buscar un objeto, encontrarlo, asignarle un lugar dentro de la colección, poseerlo y atesorarlo.
Descripción de la obra
Quienes coleccionan, al observar sus colecciones no solo observan objetos. También reconocen en ellos ciertos valores inmateriales, arraigos, memorias profundas, ritos y significancias. Las aprecian desde sus propios y particulares territorios. Existen variaciones y experiencias particulares en las formas de coleccionar y en los tipos de colección, lo cual amplía infinitamente la concepción de lo que es coleccionable, guardable o atesorable.

Desde estas reflexiones se suscita La artista, al detenerse en el balcón (un umbral entre lo público y lo privado), recoge las eventuales historias, memorias, ficciones, impresiones y percepciones de quienes pudiesen habitar dichos espacios. En el ejercicio de imaginar esas historias es que reúne los valores simbólicos que allí anidan y transforma dichos espacios en una variación del acto de coleccionar. Verde y ruinosa contemplación. Díptico de la etnografía de los balcones.

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Biografía (Concepción, 1980) Artista visual, diseñadora y dioramista. Magíster en Literatura Hispanoamericana y licenciada en Artes Plásticas con mención en Grabado por la Universidad de Concepción. Ha expuesto su obra en Chile y en el extranjero, en instancias como el pabellón latino de Palazzo Mora durante la Bienal de Venecia (2022), el Art World Amsterdam [...]

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Se trata de un reto creado por Jake Parker en 2009 como un reto a sí mismo para implementar sus habilidades en materia de ilustración. El reto consiste en publicar en tu blog o redes sociales un dibujo a tinta (o lápiz) diferente cada día durante el mes de Octubre y etiquetarlo con el hashtag #inktober.

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El  'arte público 'son trabajos de arte de cualquier medio, planeados y ejecutados con la intención específica de la localización, o para el dominio público, generalmente exterior y accesible a todos. El término es especialmente significativo dentro del mundo del arte, como una práctica de funcionamiento particular, a menudo con implicaciones de arte en un lugar específico, para que la comunidad pueda colaborar en su trabajo. El término a veces también se aplica para incluir cualquier obra que se exhiba en algún espacio público, incluyendo edificios públicos accesibles.

El arte público ha sido desde hace tiempo una parte relevante del desarrollo de las artes en varias partes del mundo y en diversas épocas. Empezando por las catedrales góticas de la edad media. La relevancia del arte público hoy en día se da, como una lucha entre la estancia del arte en sus antiguos establecimientos: museos, galerías, salones privados, etc. Sin que sea posible el disfrute de ellos por el resto de la sociedad.

El arte público se ha caracterizado por poseer una gran fuerza política, esto es básico, pues al ser y estar destinada a un espacio público, se convierte en una práctica política.

Jeef  un escultor empresario y pintor estadounidence. La mayoría de sus obras van al corriente del arte conceptual, minimalista y pop. Muchos críticos lo denominan como el principal artista kitsch. Clasificada a veces como minimalista y neo-pop, su obra consistía inicialmente en escultura conceptual que fue adquiriendo monumentalidad y dinero.²​ A la fecha, Koons ha incursionado en la escultura de instalacion, la pintura, y la fotografia. Jeff Koons está entre los empresarios vivientes más cotizados de los Estados Unidos.

https://es.wikipedia.org/wiki/Jeff_Koons

https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_p%C3%BAblico

Julieta Schneider

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En todos los libros podemos encontrarnos con una sorpresa, en algunos directamente nos saltan a la cara. Ese es el caso de los Pop Ups, en las páginas de los libros pop up todo adquiere movimiento y volumen, los escenarios son espacios dinámicos que despliegan situaciones que pasan, una tras otra, para asombrar al lector. Son artefactos que estallan delante de los ojos como si tuvieran vida y proponen una interacción que difiere de la relación que se establece con los libros tradicionales.

El artista David Carter nos sorprende pagina por pagina en su libro “600 Puntos Negros”, conjugando diferentes técnicas de Pop Up, colores y formas geométricas.

María Victoria Martinez

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Este movimiento artistico, surge después de la segunda guerra mundial, en EEUU en la decada del 60. Sus representaciones tienen que ver con la minima expresión de los elementos visuales , el famoso "menos es más", a su vez, estas obras estan dotadas de una gran carga intelectual o conceptual.
A pesar de que este movimiento surgiera en la segunda mitad del siglo XX, hoy en día esta cobrando mucha fuerza e interez por la sociedad (sobre todo en EEUU) porque encuentran en el minimalismo una forma de luchar contra la adicción al consumo de bienes y servicios. En lo personal, creo que el minimalismo toma relevancia como filosofia de vida más que como un movimiento artístico en la contemporaneidad.

alumno: Mufarrege Nicolás

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Los primeros ejemplares surgen en 1976 en Estados Unidos –en las ciudades de Nueva York y Los Ángeles– como un sistema de comunicación entre los grupos marginados. Es preciso recordar el contexto social de los 70, época en la que subculturas como la mod, punk o glam, tuvieron lugar y gran auge porque se negaban a aquella sociedad moderna que insistía en imponerse y llegar a todos los rincones de las ciudades. En paralelo, nacen en Londres subculturas como la punk, teddy boy y los famosos skin-heads. Expresiones de rebeldía con causas justas, pero incomprensibles, en un contexto determinado, donde únicamente se lucha por la distinción y autonomía social a partir de un estilo de vida disímil, una individualidad frente a las masas.

Pero entonces, Que es un fanzine? Podrían definirse principalmente como una publicación periódica independiente y autogestiva de tirada limitada, realizada íntegramente de manera artesanal en el cual les artistas trabajan desde el diseño a la distribución. Muchos fanzines fueron hechos con métodos de impresión económicos y rudimentarios para abaratar costos y llegar a mas gente.

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El arte algorítmico, también conocido como arte generado por computación, es un subconjunto del arte generativo (generado por un sistema autónomo) y está relacionado con el arte de sistemas (influido por la teoría de sistemas). El arte fractal es un ejemplo de arte algorítmico.​

Para conseguir una imagen de tamaño razonable, incluso los algoritmos más sencillos requieren demasiados cálculos para poder ejecutarlos manualmente de forma práctica y, por tanto, deben ser ejecutados o bien por un solo ordenador o por un grupo de ordenadores. El resultado final suele mostrarse en un monitor de ordenador, impreso con un tipo de impresora laser o dibujado utilizando un plotter. La variabilidad puede ser introducida utilizando números pseudo aleatorios. No hay ningún consenso en cuanto a si el producto de un algoritmo que opera en una imagen existente (o en cualquier entrada que no sean números aleatorios) puede ser considerado arte generado por ordenadores, en lugar de arte asistido por ordenadores.
Valeria Frois

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El objetivo del Art Data es crear formas estéticas, obras artísticas de naturaleza digital a partir de la información generada dentro de Internet, ese llamado Big Data. La premisa es simple: cualquier información virtual producida en nuestro entorno puede ser transformada en imágenes, objetos o sonidos

Artista Argentina
Laura Benech
https://laurabenech.net/
Artista visual. Nace en Buenos Aires, Argentina. Vivió por más de una década en Córdoba, formándose y desarrollando diversas actividades en relación al arte y los nuevos medios. Desde 2009 se encuentra en Santa Fe donde produce y se desempeña en actividades educativas. Sus proyectos exploran los medios digitales y el pensamiento crítico, con un interés orientado a los sistemas horizontales y el error como potencialidad. La investigación sobre códigos, desmaterialización de la naturaleza y los bordes de la tecno-ciencia se han convertido en el foco de sus últimas producciones. Trabaja tanto individualmente como en forma colaborativa.

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El Land Art o Arte de la Tierra es una corriente del arte contemporáneo en la que se crean obras en plena naturaleza utilizando materiales que se encuentran en ella: tierra, arena, palos, piedras, hielo, hojas, etc.

Las obras de este tipo son efímeras pues están expuestas a los cambios y la erosión del entorno natural en el que se encuentran, de ahí que el registro fotográfico o fílmico del proceso y de la obra terminada sean muy importantes.

En el siguiente link se pueden encontrar mas obras del artista Jon Foreman: https://sculpttheworld.smugmug.com/

Alumna: Alejandra Rodríguez - Turno mañana.

Artista Internacional Jean Claude Christo
https://christojeanneclaude.net/
Artista Argentino Nicolas Garcia Uriburu
https://www.nicolasuriburu.com.ar/
Valeria Frois

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 ARTISTA: MARIELA  AJRAS "CONMEMORACION 25 AÑOS DEL ATENTADO A LA AMIA" 2019 HOSPITAL DE CLINICAS BUENOS AIRES

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Se llama grafiti, graffiti o pintada a un modo de pintura o arte visual callejero, por lo general ilegal o paralegal, que es generalmente realizada en superficies amplias de espacios urbanos: paredes, portones, muros, etc.

En el lenguaje común el graffiti es el resultado de pintar textos en las paredes con fines de expresión y divulgación donde su esencia es cambiar y evolucionar; buscando ser un atractivo visual de alto impacto para la sociedad, como parte de un movimiento urbano revolucionario y rebelde. Es uno de los cuatro elementos que forma parte de la cultura hip hop.

El grafiti se forma a través del texto, el contenido y la opinión social; formando así una comunicación visual. Para esto existen 3 géneros de grafiti que se presentan a continuación

1- Art graffiti: Extraído de la música de las calles americana "hip-hop" de los 70 y 80. Los que trabajan en este género se llaman a sí mismos "escritores". Consiste en que el nombre del artista puede estar plasmado en tres distintas formas:

1)

Tag: Escrito en un estilo único y personalizado utilizando un color, también puede entenderse como la firma del "escritor",

2)

Throw-up: Comprende de letras, palabras o un listado de nombres, y se utilizan generalmente dos colores.

3)

Piece o Pieza: Que es el más elaborado, mínimo se utilizan tres colores y a veces se necesita de varios días para poder terminarlo completamente.

Lemas: También llamado «grafiti público», Halsey and Youg dicen que los eslóganes parten de la opinión personal a través de la gama de los problemas políticos (preocupaciones ambientales, feminismo, políticas estatales, relaciones internacionales, etc.), pero todos comparten el hecho de querer expresar hacia la audiencia de forma natural, su manera de ver las cosas.

Latrinalia: También llamado «grafiti privado». Es el tipo de grafiti que es hecho en los baños, es decir, en las paredes, puertas, espejos que se encuentran en los baños. Hay ocasiones que contiene dibujos, palabras, incluyendo poesía o reflexiones personales.

El arte del grafiti se extiende en el análisis de los elementos léxicos y visuales que lo definen. Pero como todo arte, no se adhiere únicamente a estos aspectos. A pesar de presentarse como palabras, letras o dibujos, el espectador nunca podrá ver estas exclusivamente como tales. El grafiti es más que una experiencia visual, es también una experiencia temporal y espacial (Lynn y Lea, 2005). Existe un conjunto de condiciones (localización, momento, influencia social, acontecimientos políticos y culturales, acontecimientos personales, etc.) que coinciden en un momento en el tiempo y que definen aquello que la pieza artística transmitirá al espectador. Este conjunto de condiciones, que no se observan explícitamente, se esconden detrás de un grafiti y son plasmadas espontáneamente mediante un aerosol o rotulador sobre una pared, muro o semejante y a través del uso de letras, palabras o dibujos.

Artistas:

https://www.instagram.com/marie_ajras?igsh=MTUzc2ZteDNseGhmYw==

https://www.instagram.com/milucorrech?igsh=MTRlZjJ4OW83bGU0MQ==

https://www.instagram.com/gleo_co?igsh=MTZtOGplcDg3YnVuZw==

https://www.instagram.com/el.mar.ian?igsh=MXVjbm15eDlkenAxYg==

https://www.instagram.com/lean_frizzera?igsh=cTA0dnRrNXRsenR2

https://www.instagram.com/ronmuralist?igsh=MXd5YzIwdjhwbDVnbg==

Ayelén Cabrera.

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Es una práctica que consiste en un proceso de búsqueda, de reunir, conservar y mostrar todo tipo de objetos, los cuales pueden considerarse especiales por su estética, su funcionalidad y también por su carga emocional.
El coleccionismo es una tarea que, de cierto modo, también nos empuja a aprender a sobrellevar la frustración, ya que no se puede lograr encontrar todos los elementos de una forma inmediata, sino que hay que esperar el momento de la aparición pacientemente, hasta dar con el encuentro del elemento buscado. Además, es un proceso que tiene mucho que ver con la autoestima del coleccionador, ya que al momento de mostrar la colección terminada, siente que pudo lograr aquello que se propuso inicialmente y así su autoestima aumentaría.
Algunos ejemplos del coleccionismo:
- Conquiliología: (coleccionismo de conchas de moluscos.)
- Coleccionismo de trofeos.
- Numismática: (coleccionismo de monedas.)
- Coleccionismo de tarjetas coleccionables.
- Colección de antigüedades.
____________________________________
Artista Argentino:
Pablo La Padula, un artista visual y biólogo cordobés, quien desde muy pequeño estuvo muy interesado en la naturaleza y por medio de las artes visuales pudo abordar, de forma emocional, todo su conocimiento sobre la misma.

https://www.youtube.com/watch?v=fXg9rfcFp9E

Alumna: Kinen, Aylén. TM

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El arte encontrado o ready-made describe el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos.

El artista de ready-made trata de transformar objetos de uso cotidiano en obras de arte sin modificar su aspecto externo, siendo su principal objetivo generar una sensación de absurdo y de sorpresa, tratando de este modo, socavar todo concepto artístico tradicional.
La idea de dignificar objetos cotidianos de esta manera fue en sus orígenes todo un desafío para la distinción hasta entonces aceptada entre lo que se consideraba arte en oposición a lo que no lo era.

Los primeros ready-made fueron ideados y realizados por Marcel Duchamp en 1913.
El artista introduce un objeto ordinario en el mundo del arte encontrado de dos maneras: o bien poniéndole un nombre o una frase que modifica su función o la percepción que tenemos del mismo (el más famoso ready-made es un urinal que Duchamp en 1917 firmó con un seudónimo y tituló Fuente); o bien lo altera, lo adapta, lo combina (él llamaba a este último “ready-made asistido”).

Un subgénero específico dentro del arte encontrado es lo que se conoce como "arte basura" (trash art o junk art), esto es, el arte realizado a través de materiales reciclados o normalmente considerados “basura”

Alumna: Alejandra Rodríguez - Turno mañana

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Actualmente, ha aparecido una nueva forma de graffiti conocida como eco-graffiti, verde-graffiti o moss graffiti, una nueva forma de graffiti que utiliza el musgo y no las pinturas.
Los artistas utilizan el musgo y junto a él, demás ingredientes como agua, yogurt natural, leche cuajada, azúcar generando una mezcla homogénea obtenida por medio de una licuadora.
Dicha mezcla se utilizará para pintar cualquier superficie, ya sea vertical u horizontal, siempre y cuando la misma sea porosa (madera, ladrillo, hormigón o arena densa), evitando el sol directo y pulverizando con agua regularmente para que llegue a madurar, solo así sobrevivirá a todo tipo de situaciones climáticas.
La mejor época para plantar es durante el otoño o la primavera ya que son temporadas húmedas.
Es una muy buena opción para realizar obras evitando contaminar el medio ambiente al no utilizar pinturas que contienen productos químicos.

No encontré artistas argentinos que trabajen esta técnica, pero de todos modos me pareció interesante compartírselos.
A continuación comparto el link de un artista mexicano Hugo Rojas que ha participado este año en el DUMBO ArtsFest y creó una serie de obras de musgo inspiradas en animales de la naturaleza en el estado de Nueva York.
https://www.brooklynstreetart.com/2012/10/11/moss-graffiti/#.VD_y8L7F9ET

Alumna: Kinen, Aylén. TM

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https://www.amarilloverdeyazul.com/el-arte-sensorial-de-zimoun-ayudado-de-cajas-de-carton-y-papel/
Las obras que surgen del Estudio Zimoun, ubicado en Berna (Suiza), destacan por ser el fruto de investigaciones que experimentan con el sonido, el espacio y la materialidad. Con ayuda de materiales y productos sencillos –reutilizados y/o reutilizables- como cajas de cartón, papel, muebles de madera o bolsas de plástico, el artista suizo elabora lo que algunos han dado en llamar esculturas sonoras o arquitecturas de sonido, en las que dichos objetos se combinan con elementos mecánicos como motores de corriente continua, micrófonos, cables, altavoces o ventiladores.

Bianchi Raul TN

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Las personas que conocen al artista contemporáneo suizo Zimoun (1977) suelen quedar fascinadas con los trabajos que lleva a cabo en vista de las sensaciones que producen sus instalaciones y la extraordinaria puesta en escena de todas ellas. Lo que más nos gusta a nosotros es que las cajas de cartón y el papel siempre se encuentran entre sus materiales favoritos a la hora de dar rienda suelta a su creatividad.

Las obras que surgen del Estudio Zimoun, ubicado en Berna (Suiza), destacan por ser el fruto de investigaciones que experimentan con el sonido, el espacio y la materialidad. Con ayuda de materiales y productos sencillos -reutilizados y/o reutilizables- como cajas de cartón, papel, muebles de madera o bolsas de plástico, el artista suizo elabora lo que algunos han dado en llamar esculturas sonoras o arquitecturas de sonido, en las que dichos objetos se combinan con elementos mecánicos como motores de corriente continua, micrófonos, cables, altavoces o ventiladores.

De este modo consigue componer, ayudado de espacios e iluminaciones peculiares, instalaciones vivas, cuyos elementos se mueven, 'hablan' y se comunican con el público y entre sí, transmitiendo atmósferas y sensaciones que cada uno interpretará de un modo diferente, pero que sin duda no dejarán indiferente a nadie.

En la web del Estudio Zimoun podéis ver vídeos e información de sus obras. ¿Qué os parece? Podemos deducir que a la gente le encanta lo que hace puesto que sus exposiciones han viajado por todo el mundo y le siguen llamando para dar a conocer su estético arte lleno de sutiles sonidos y movimientos.
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El arte sensorial de Zimoun ayudado de cajas de cartón y papel | AVA

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Las personas que conocen al artista contemporáneo suizo Zimoun (1977) suelen quedar fascinadas con los trabajos que lleva a cabo en vista de las sensaciones que producen sus instalaciones y la extraordinaria puesta en escena de todas ellas. Lo que más nos gusta a nosotros es que las cajas de cartón y el papel siempre ...

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Cianotipo - 50 x 60 cm - "Serie Huellas" Camilo Rodriguez - 2024

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La cianotipia es una técnica artesanal de impresión de negativos en monocromo. Realizada a través de una emulsión que revela las imágenes sobre cualquier soporte absorbente en diversos tonos de azul. El proceso cianotipia consiste en la reacción a la luz ultravioleta a una mezcla química. Esta mezcla consiste en citrato férrico amoniacal (III) y ferricianuro potásico a la luz ultravioleta. Al entrar en contacto con la luz, la disolución cambia de color dando lugar a un azul denominado azul de prusia.

Para saber el paso a paso para realizar una cianotipia, entrar en: https://totenart.com/tutoriales/cianotipia/

Más obras e información del artista en: http://www.camilorodriguez.com.ar/cianotipos.html

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La CLOROTIPIA (fotografía impresa en hojas naturales), consiste en una técnica que se basa principalmente en la experimentación.
El procedimiento no conlleva la utilización de ningún químico, se basa, tan solo, en la utilización de la clorofila que la misma hoja natural elegida provee.

Para llevar a cabo esta técnica se deberá colocar el negativo de una fotografía, (la cual puede estar impresa sobre una hoja de acetato transparente) sobre la hoja, que utilizaremos como papel fotográfico. Por encima de las mismas un vidrio, el mismo, evitara que tanto el negativo como la hoja natural se muevan, ya que si sucede dicha acción, el procedimiento fallaría.
Tanto las hojas de árbol como los pétalos de las flores cuentan con una emulsión natural que, al exponerse al sol durante largos períodos, generan sombras en la superficie. La impresión comienza cuando la hoja está viva, es decir, húmeda, por lo que la impresión es una forma especial de marchitar una hoja.

Una vez la imagen está plasmada sobre la hoja, se pueden utilizar productos como la resina, la parafina o la glicerina para conservar el resultado.

Me pareció interesante destacar a la artista Virginia Mazza y su obra “El lenguaje secreto de las plantas”, la misma, es un libro de retratos grabados en hojas de plantas a partir de la técnica fotográfica experimental de impresión en clorofila (clorotipia) anteriormente explicada.
A continuación dejo el link para que puedan verlo.
https://issuu.com/pb.fotografia/docs/029_-_el_lenguaje_secreto_de_las_plantas_-_mazza_v

Alumna: Kinen, Aylén. TM

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Videoescultura:
La videoescultura propone una relación entre el objeto, el vídeo, el espectador y el espacio, una relación propia de la escultura en la que incorporamos el elemento vídeo. El vídeo en videoescultura se nos hace tangible. Como en cualquier otra disciplina del arte contemporáneo, la videoescultura se caracteriza por la hibridación de medios y técnicas. No solo la imagen en movimiento, sino objetos tridimensionales, piezas escultóricas, fotografías, dibujos o pinturas forman parte de muchos trabajos de videoescultura construyendo collages multimedia. En este sentido, podemos hablar también de escultura multimedia. Hoy, cada vez más, las nuevas tecnologías forman parte de obras escultóricas que se abren a la posibilidad de interactividad con el espectador. La nueva escultura multimedia amplía las posibilidades de percepción del objeto tridimensional en la era digital.

Cecilia Bengolea, artista argentina, realiza videoesculturas de coreografías inspiradas en el agua.

Agustina Marchi

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"El peso de lo invisible" Natacha Voliakovsky

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La performance forma parte del proceso de desmaterialización de la obra de arte, entendido no necesariamente como la creación de un objeto artístico, sino más bien como un concepto o una experiencia. A esto se agrega la necesidad de utilizar el cuerpo como medio o soporte de obra, unido a la co-presencia de un receptor. En algunas ocasiones estas prácticas han sido denominadas como happening, performance, body-art, action-art o arte vivo, términos que apelarían específicamente a la disposición del cuerpo del artista ante un público. Es una forma artística que combina elementos del teatro, la música y las artes visuales.
http://natachavoliakovsky.ru/the-weight-of-the-invisible/
Alumno: Ferreyra, Carlos.

Artistas Argentinas
Soledad Sanchez Goldar
Artistas Santafesinas
Daniela Arnaudo
Raquel Minetti

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Acontecimiento que corresponde a una acción en tiempo real que se considera obra de arte. Cuenta con una estructura abierta que da lugar a la improvisación de quienes participan y puede realizarse tanto en espacios institucionales del arte (galería y museos), como en espacios públicos y privados.
Solo ocurren una vez y cuando acaba el acto desaparecen, dejando solo huellas en forma de grabaciones o fotos.

MARTA MINUJÍN
RAYUELARTE: ARTE PARA JUGAR EN ARTE
Arte de participación masiva que reúne 3 lenguajes esenciales de la creación artística: música, literatura y artes visuales. Esta creación de Marta Minujín surgió como convocatoria del homenaje a Julio Cortázar organizado por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
120 rayuelas de 8 mts de largo por 2 mts de ancho con sus piedras mágicas serán emplazadas en los carriles de la Avenida 9 de Julio, en la cual se manifiestan formas de protesta, violencia o rechazo, esta vez se producirá una acción de arte en la cual todos los que jueguen volverán a ser niños; saltarán simultáneamente de la Tierra al Cielo entrarán en esta situación fuera de este tiempo donde sus sentidos serán impactados y su actividad básica será JUGAR EN ARTE.
Esta instalación en movimiento poética-visual-sonora sacudirá la mente de las personas que asistan a jugar y a penetrar un mundo de fascinación que los descolocará de su alienada vida cotidiana. Quien haya ganado las 12 rayuelas, se podrá llevar la piedra mágica firmada por Marta Minujín.
Luego de esto las rayuelas serán desarmadas y donadas a las escuelas municipales cuyos alumnos o profesores escriban el texto voluntario más interesante sobre esta acción de arte efímero vivida por ellos y creada por Marta Minujín.
Alumna: Meurzet Sofia

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Un NFT es un contenido intangible que se guarda a través de blockchain, esta tecnología es la utilizada para las monedas digitales: la autenticidad de estos bienes es verificada por un código único y especifico.  Dentro de este estilo de arte podremos encontrar pinturas, canciones o hasta incluso "un vacío lleno de energía", como en su momento lo subastó el italiano Salvatore Garau quien lo vendió por más de 18 mil dólares.

De esta manera, quien adquiere un NFT se transforma en dueño de ese activo digital y puede comprobarlo, por más de que haya miles de copias en Internet. Con estas "reglas de juego" y considerando las grandes cantidades de dinero que se pagan en algunas subastas por este tipo de bienes, muchos artistas buscan subirse a esta nueva tendencia.

La autora de la obra es escribana y también artista, a ella le cautivaron los NTF cuando indagaba sobre la capacitación en blockchain. Quería estar preparada para decodificar estos temas y ahí conoció a un especialista que supo que pintaba. Se les ocurrió que podían vender cryptoarte junto con la obra física y así empezó su experiencia. De esta manera "Tokenizar" su arte se volvió un segundo trabajo.

Este movimiento es muy nuevo por ende las personas necesitan capacitarse mínimamente para entenderlo. Hay que animarse a traspasar esa barrera. Un fotógrafo, por ejemplo, que no tiene eventos para cubrir por las restricciones de la pandemia, con esto puede ver una nueva y diferente forma de comercializar sus producciones.

Alumna: Castignani, Marina

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Eat art o arte comestible
En los años 60, el suizo Daniel Spoerri comenzó a utilizar alimentos como material de instalaciones y performances, iniciando lo que se denominó eat art , movimiento ligado con el nuevo realismo y que en nuestro país fue tomado por artistas como Marta Minujín, con obras como el Obelisco de pan dulce y  la Estatua de la libertad de cerezas entre otras.
En la segunda mitad del siglo XX, además, se da a la comida importancia como material, con una corriente que convierte los comestibles en materia de los objetos de arte, el Eat Art, un arte sensorial en el que, además de la vista, intervienen el olfato y el gusto.

Ya entrados en el siglo XXI, sigue habiendo artistas que dan una vuelta de tuerca maś al tema de la comida. Alicia Ríos hace apología a la "urbanofagia" convocando banquetes multitudinarios itinerantes en capitales mundiales, donde el ritual es un componente fundamental y el menú está constituido a base de maquetas de barrios y monumentos de las mismas. La alemana Sonja Alhäeuser realiza inquietantes esculturas de carácter expresionista usando mantequilla, mazapán o chocolate como materia prima. Y el arte efímero de Laurent Mariceau busca provocar sensaciones en el espectador que, al ser invitado a comerse autorretratos escultóricos de chocolate, es tratado como consumidor.

El argentino Gonzo Jiménez inauguró una galería de arte en la ciudad de Aurora, Estados Unidos, que tiene una particularidad que la vuelve muy diferente de cualquier otra propuesta del rubro: todas las obras que tiene en exhibición fueron confeccionadas con chocolate.

Marisol Davies

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"Tomar las calles | Sal a la calle", 2019-Andrés Denegri.

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Videoarte: un movimiento que comenzó a desarrollarse en la década de 1960 y que consiste en crear manifestaciones artísticas mediante sonidos e imágenes en movimiento. El videoarte se puede registrar o plasmar de diferentes maneras. También hay performances de videoarte que se desarrollan en vivo, combinando videos, música y sonidos de diferentes forma. videoarte está vinculado a la intención de hallar una aplicación artística o estética de los medios de comunicación. De este modo, un televisor deja de ser un aparato para transmitir noticias, eventos deportivos o películas y se convierte en un dispositivo que exhibe ciertas imágenes dispuestas por el artista. El videoarte, puede contar o no con diálogos, emplear actores, usar grabaciones, apostar por la música en vivo o basarse en pantallas. Su características principal es el uso de imágenes en movimiento y de audio.
https://rolfart.com.ar/artists/andres-denegri/
Alumno: Ferreyra, Carlos.

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Se toman elementos una obra existente para crear una nueva.
En este caso se utiliza un personaje de animé para representar a Eva Perón como una ninja. También puede reconocerse como una obra de Arte Pop.

Fatima Pecci Carou
Buenos Aires
Evita Ninja
Acrílico sobre tela, sobre terciopelo
1,50 x 3 mt
2020

Victoria Martín

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Utiliza el cuerpo del ser humano como soporte y material artístico para la creación de obras. Se vincula a la acción/performance y al registro audiovisual o fotográfico.

¿Cuánto Vacío Puede Llenar Un Mueble? – Cama
Ariana Beilis
Ciudad / País: Santa Fe – Argentina
Datos de la obra
Dimensiones
40 x 60 cm
Técnica
Foto performance
Año
2020

Victoria Martín

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El Lowbrow o surrealismo pop es un movimiento underground (alternativo, fuera de los cánones establecidos) de arte visual que nació en Los Ángeles, California, a finales de la década de los 70.

El surrealismo pop proviene del mundo cómic underground, la música punk, el hot-rod y otras subculturas de California. No todo el arte Lowbrow está representado en papel: también existen esculturas y arte digital que siguen este estilo.

El artista Robert Williams bautizó el surrealismo pop con el nombre de Lowbrow,

Alejandra Céspedes

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Guido Iafigliola, Edificio Copan, São Paulo

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Género de arte visual

El Arte Glitch es la producción artística que sufrió un accidente, falla o error, y que al final lo que provoca es una distorsión de la imagen, una modificación, un desfase, una repetición, un corte en la misma u otros cambios, esto lo ocasiona el Glitch, este error tecnológico. Este mismo es un horror para algunos y un millón de posibilidades de expresión artística para otros. Pero hay que tener en cuenta que el Glitch no se controla, pero si se trabaja con lo que él te deja.

Es este mismo “fallo” el que decide donde va a aparecer o de qué forma, y es el artista con su ingenio y creatividad que convierte ese “error” en una obra, y obviamente en arte.

Este Arte se lo puede definir, identificar o reconocer como el “arte del error” o también como una “estética del error” porque, a pesar de ser un error o un fallo, eso no impide que se logre encontrar belleza en este mismo.

La obra del artista uruguayo  Guido Iafigliola cuestiona la creencia generalizada de que el arte contemporáneo se caracteriza por la carencia de contenidos profundos o filosóficos. La consecución de sus obras invita a cuestionamientos que van desde el poder de las imágenes y su estatuto como creadoras de realidad, hasta el papel de las máquinas, del azar y sobre todo del error: los fallos producen belleza.
https://glitchdo.com/ pag web.

Natalia Gasser

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Es un tipo de arte que usa como medio de expresión a la biotecnología y el material orgánico como recurso artístico, su práctica hace que se cuestionen la ética y aspectos sociales de la biotecnología, realiza diversas técnicas como cultivos en la piel, utilizar el cuerpo del artista, transfusiones de sangre animal, plantas, cruzas geneticass, entre otras cosas.

Artista Argentino:
Joaquín Fargas / www.joaquinfargas.com
Artista-ingeniero, ingeniero-artista. Integra el campo artístico, el científico y el tecnológico en su producción artística. Desde 1990 investiga nuevas tecnologías para el arte. Su producción se habilita con propuestas posibles o utópicas en relación a la vida, su preservación y la interrelación de los seres. Su obra ha sido expuesta en museos, galerías y bienales en diversos regiones del globo. Además es fundador y director del Centro Tecnológico Interactivo Exploratorio, cuyo objetivo es apoyar a la enseñanza de temas como física, química, biología, medio ambiente, robótica e informática, de una manera creativa e interactiva. Es titular de la Cátedra de Arte y Tecnología en la Universidad Maimónides, donde fundó el Laboratorio de Bioarte y es su director desde entonces. Fue director ejecutivo de la Red de Popularización de la Ciencia y tecnología para América Latina y el Caribe de UNESCO la cual tiene como objetivo conectar y apoyar a los distintos centros de ciencia y tecnología en la región.

Proyecto Biosfera:
Proyecto Biosfera es un proyecto artístico que se plantea como misión colaborar activamente en la concientización, en todos los niveles de la sociedad, sobre la necesidad de hacernos cargo del cuidado de nuestro planeta.

http://www.joaquinfargas.com/wp-content/uploads/2016/02/proyectobiosferaespanol.pdf

https://www.joaquinfargas.com/obra/proyecto-biosfera/

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Arte con cuerpos muertos - Plastinación - 

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Arte con cuerpos muertos - Plastinación - 

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La Plastinación es una técnica anatómica de preservación de material biológico desarrollada por el Prof. Gunther von Hagens en Heidelberg, Alemania, en 1977. En este proceso, el agua y los lípidos en los tejidos biológicos son reemplazados por polímeros plásticos como por ejemplo silicón, resinas epóxicas o poliéster; los cuales se endurecen, resultando especimenes secos, sin olor y durables. Mantiene la textura y color aparentemente normal.
Las etapas del trabajo son:
1) Selección del espécimen
2) Fijación
3) Disección
4) Deshidratación
5) Impregnación forzada (4 a 14 días)
6) Posicionamiento
7) Curado (de 3 o 4 meses) .

Desde 1995, realiza exhibiciones llamadas "Body Worlds". Los cuerpos se presentan haciendo deportes, como gimnasia artística o jugando al fútbol. La curadora de la colección afirma que: “ 'Los mundos del cuerpo' es una exhibición educativa porque desvela el misterio de la vida. Te hace sentir y comprender que nuestro cuerpo no es un regalo de la naturaleza sino el resultado de nuestro estilo de vida”.

Von Hagens ha dicho sobre su trabajo: “Sólo al anatomista se le asigna un papel específico, se ve forzado en su trabajo diario a rechazar los tabúes y las convicciones que tiene la gente sobre la muerte y los difuntos. Yo mismo no soy controvertido, pero mis exposiciones sí lo son, porque pido al público que trascienda de sus creencias y convicciones fundamentales sobre nuestro destino conjunto e ineludible”.

“El cuerpo humano es la última naturaleza remanente en un hombre hecho entorno.”

“Espero que las exposiciones sean lugares para la ilustración y la contemplación, incluso de autoreconocimiento filosófico y religioso, y estén abiertas a la interpretación, independientemente de los antecedentes y la filosofía de vida del visitante.”

Fuentes: https://www.revista-anatomia.com.ar/archivos-parciales/2013-2-revista-argentina-de-anatomia-online-f.pdf
https://www.youtube.com/watch?v=U7g40l3iu9Q

Florencia Descalzi

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Creo que esto es más una performance, pero me llamó la atención el uso de la liebre muerta

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El 11 de noviembre de 1965 Joseph Beuys se pasea por una Galería de Arte en Düsseldorf vestido con un traje de fieltro y la cara untada con miel y polvo de oro. En sus brazos lleva una liebre muerta y de vez en cuando le susurra al oído la explicación a los cuadros expuestos.

Florencia Descalzi

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 Te proponemos enunciar aquí las los formas de hacer arte en la contemporaneidad que conocés o que podés indagar. Y que, acompañes esa palabra con una breve definición y con el nombre de algún artista y su obra (en lo posible argentinx) NO VALE REPETIRSE, NO MENCIONAR DOS VECES UN FORMATO, pero sí vale responder al/la compañerx con otros ejemplos distintos. 

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 Te proponemos enunciar aquí las los formas de hacer arte en la contemporaneidad que conocés o que podés indagar. Y que, acompañes esa palabra con una breve definición y con el nombre de algún artista y su obra (en lo posible argentinx) NO VALE REPETIRSE, NO MENCIONAR DOS VECES UN FORMATO, pero sí vale responder al/la compañerx con otros ejemplos distintos. 

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Es el arte que cultiva la inquietud, traspasa límites y acoge lo que no tiene forma ni medida, lo monstruoso y el dolor. Quizás para sacudir indiferencia, o intensificar la existencia, el arte exhibe lo extremo, rebasando lo bello

En nuestra época, las estéticas de lo extremo, al incluir no sólo lo feo sino el asco, tiran por la borda los preconceptos que los excluyen del campo del arte. Lo feo sí era aceptable en el paradigma estético tradicional, pero no el asco porque lo representado produciría el mismo efecto que produce lo que se representa. Produciría también asco, es decir que no se lograría la distancia estética.

Por ejemplo, el argentino Martín Weber exhibe las imágenes recibidas vía Skype de los últimos momentos de vida de su padre contrastando el trato amoroso de la familia con la manipulación posterior del cadáver.

En 2011  Carlos Herrera, colocó en el piso una escultura / objeto que incluía calamares en descomposición. El olor nauseabundo hacía que la obra, a su modo, ocupara “más espacio” al pasar los días.

Alejandra Céspedes