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Alle fronde dei salici, Salvatore Quasimodo

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Alle fronde dei salici, Salvatore Quasimodo

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Salvatore Quasimodo Alle fronde dei salici

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Uploaded by Antonio Motolo on 2009-03-08.

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S.Quasimodo

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"Milano, agosto 1943" di SALVATORE QUASIMODO -  Interpreta: Sergio Carlacchiani

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Prima di tutto vennero gli zingari, B. Brecht

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Prima di tutto vennero gli zingari, B. Brecht

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Prima di tutto vennero a prendere gli zingari (recitata)-Bertold Brecht

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Sulle note di sottofondo di Ludovico Einaudi, le parole del grande poeta Bertold Brecht: Prima di tutto vennero a prendere gli zingari e fui contento, perché rubacchiavano. Poi vennero a prendere gli ebrei e stetti zitto, perché mi stavano antipatici. Poi vennero a prendere gli omosessuali, e fui sollevato, perché mi erano fastidiosi.

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Lavoro realizzato da Farina Alberto, Austoni Samuele, Serughetti Manolo, Chiodini Fabio e Servodio Michael. Classe 1^T A.S. 2014/2015. Canzone: Troy e Achille leads the mirmidons dal film Troy.

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Graziana legge LA GUERRA CHE VERRA' di Bertold Brecht

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Bertold Brecht * LA GUERRA CHE VERRA' * La guerra che verrà non è la prima. Prima ci sono state altre guerre. Alla fine dell'ultima c'erano vincitori e vinti. Fra i vinti la povera gente faceva la fame. Fra i vincitori faceva la fame la povera gente egualmente.

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MITOLOGIA EGIZIA
Nella civiltà egizia il Dio che più di tutti gli altri può essere ricondotto alla distruzione è Seth. Figlio di Nut e Geb, fratello di Osiride, Iside e Nefthi, di quest'ultima anche sposo. Dio della siccità e del cattivo tempo, in senso lato potenza distruttrice, simbolo del male.
Secondo la leggenda fu l'uccisore di suo fratello Osiride.

MITOLOGIA NORDICA
Nelle moltissime divinità che costituiscono la mitologia nordica, quello che più spesso è associato alla guerra e alla distruzione è Tyr, Figlio di Odino e di Frigga era dio della sapienza, della forza e della guerra. Fu adorato dai Tencteri, dai Semnoni e dai Goti che pare gli sacrificassero i prigionieri, appendendo inoltre le armi prese al nemico ai rami del bosco a lui sacro. Tuttavia anche il più importante tra gli dei nordici, Odino viene additato da alcuni come patrono della guerra, egli infatti è un dio guerriero, ma tra le sue sfere di competenza sono anche importanti la poesia e la magia delle rune.

Due immagini emblematiche degli dei guerrieri Odino e Tyr.

GLI DEI DELL'OLIMPO E GLI DEI ROMANI
Naturalmente tra gli dei greci il Dio della guerra è Ares, figlio di Zeus e di Era. Aggressivo e feroce, impersonava la natura brutale della guerra; Ares era amante dei tumulti, dei conflitti sanguinosi e del furore della battaglia, ed era perciò la divinità meno amata dai Greci, che prediligevano il raziocinio anziché la forza bruta.

La mitologia romana si fonda quasi totalmente su quella greca, e le divinità romane quindi hanno tutte un "omonimo" tra gli dei greci.Il Dio della guerra nell'antica Roma era Marte; nella Roma arcaica era Dio del tuono, della pioggia, della natura e della fertilità.
Fu il protettore dei soldati, e in qualità di padre di Romolo e Remo fu sentito come padre di tutti i Romani, quindi più amato di Ares, il Dio greco della battaglia a cui fu assimilato.

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MITOLOGIA EGIZIA Nella civiltà egizia il Dio che più di tutti gli altri può essere ricondotto alla distruzione è Seth. Figlio di Nut e Geb, fratello di Osiride, Iside e Nefthi, di quest'ultima anche sposo. Dio della siccità e del cattivo tempo, in senso lato potenza distruttrice, simbolo del male.

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canzoni contro la guerra

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La guerra di Piero - Fabrizio De André (Con testo)

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canzoni contro la guerra

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Icona Femminista americana II g.mondiale

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Icona Femminista americana II g.mondiale

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Il nome di Mary Doyle Keefe forse non dirà granché ai più giovani e nemmeno il suo soprannome, "Rosie the Riveter"("Rosie la Rivettatrice"), ma questa donna diventò una vera e propria icona del Femminismo e del patriottismo americano nella II Guerra Mondiale .

Mary si è spenta martedì scorso all'età di 92 anni in una comunità di pensionati a Simsbury, nel Connecticut. Era diventata famosa a 19 anni perché l'artista Norman Rockwell la rese protagonista della copertina del magazine Saturday Evening Post il 29 maggio 1943, rappresentandola - lei che era di corporatura minuta - come un' operaia dalle spalle larghe e braccia muscolose, con un martello pneumatico sulle gambe, una bandiera americana sullo sfondo, un panino nella mano sinistra e il piede destro sul "Mein Kampf" di Hitler . Doveva rappresentare le donne americane che lavoravano nelle fabbriche per produrre munizioni ed armamenti - era ancora lontano il tempo delle donne soldato. Facile confondere quel dipinto - che è visibile ancora oggi al Crystal Bridges Museum of American Art di Bentonville, nell'Arkansas - con l'altro famoso manifesto "femminista" dello stesso periodo: il dipinto del 1942 di J. Howard Miller che mostrava una modella, Geraldine Hoff, operaia 17 anni, col bicipite destro alzato, il fazzoletto rosso a pois bianchi legato in testa e in alto la scritta "We can do it !". Anche lei venne soprannominata "Rosie the Riveter".
La figura di "Rosie The Riveter"
Si tratta di un' icona culturale che rappresentava proprio le donne americane che lavoravano nelle fabbriche durante la Seconda Guerra Mondiale, impiegate soprattutto in stabilimenti che producevano munizioni e rifornimenti di guerra. In genere le donne sostituivano gli uomini impegnati nell'esercito, al fronte.

"Rosie The Riveter" è il titolo di una canzone di Redd Evans e John Jacob Loeb del 1942, che parla di una ragazza che lavora instancabilmente in catena di montaggio durante la guerra "per la vittoria" statunitense, facendo vergognare altre ragazze che si dedicano alla bella vita. Successivamente, ispirandosi alla canzone, il comitato per il coordinamento della produzione bellica della Westinghouse Electric (la compagnia da cui poi sarebbe nata la CBS) chiese all'artista J.Howard Miller di realizzare l'opera che immortalò Geraldine Hoff Doyle. L'opera di Miller è stata usata per un francobollo nel 1999.

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Scomparsa Mary (Rosie) Doyle Keefe, icona femminista della II Guerra Mondiale

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Il nome di Mary Doyle Keefe forse non dirà granché ai più giovani e nemmeno il suo soprannome, "Rosie the Riveter"("Rosie la Rivettatrice "), ma questa donna diventò una vera e propria icona del Femminismo e del patriottismo americano nella II Guerra Mondiale .

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la guerra civile in Spagna

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La grande tela fu ispirata al tragico bombardamento, avvenuto il 26 aprile del 1937, della cittadina basca di Guernica durante la guerra civile spagnola (1936-1939) ad opera dell'aviazione nazi-fascista. Si trattò di un bombardamento aereo durissimo, uno dei primi della storia, nel quale perirono centinaia di civili mentre la città fu devastata e in buona parte rasa al suolo.

Intanto, nel gennaio dello stesso anno, Picasso aveva ricevuto l'incarico di realizzare un grande murale per il padiglione Spagnolo alla Mostra Internazionale di Parigi prevista per l'estate.
Fino ad aprile non aveva realizzato ancora nulla ma la notizia del terribile episodio di Guernica, che stava indignando tutta l'Europa, portò l'artista ad una scelta molto forte, una posizione di condanna e di impegno sociale che mai si era visto nelle opere di Picasso.

Così, solo sei giorni dopo il bombardamento, Picasso iniziò a lavorare sul murale e, in appena un mese e mezzo, spinto da un incredibile furore creativo, realizzò una cinquantina tra schizzi e bozzetti.

La tecnica utilizzata da Picasso, olio su tela, stavolta non è un work in progress in quanto il pittore aveva una scadenza da rispettare e lavorò in modo febbrile completando in due mesi l'opera e terminandola il 4 giugno 1937.

Il lavoro è documentato da una serie eccezionale di fotografie, scattate dalla sua compagna Dora Maar, che seguono tutti i mutamenti del progetto fino alla redazione finale. Gli elementi della composizione, intensamente intrisi di valenze simboliche, sono studiati singolarmente e poi assemblati.

Nella figura del cavallo denuncerebbe persino la memoria del Trionfo della morte di Palazzo Sclafani, oggi conservata a Palazzo Abatellis a Palermo (nel 1917 il pittore aveva fatto un viaggio in Italia passando da questa città e in una lettera a Guttuso dichiarò di essersi ispirato proprio al grande affresco siciliano).

Picasso non faceva mistero delle sue molteplici fonti di ispirazione. Amava dire: "A me la pittura piace tutta" e "I bravi artisti copiano, i grandi artisti rubano". Sono, infatti, innumerevoli le opere in cui il pittore reinterpreta soggetti degli artisti del passato, per lui l'arte non invecchia mai.

Ma in Guernica Picasso ha lasciato un messaggio ancora più preciso: è tutta la cultura dell'Occidente ad essere violentata da quell'atto brutale, dalla barbarie della guerra.

Uno degli elementi linguistici più evidenti in Guernica è l' assenza di colore, l'impiego esclusivo di toni di grigio e colori molto spenti. Qualcuno ha avanzato l'ipotesi che questa tavolozza sarebbe stata suggerita a Picasso dalle drammatiche foto in bianco e nero che documentavano la tragedia.

È più probabile, tuttavia, che, dato che la  varietà  cromatica  esprime sempre e comunque vitalità,  Picasso abbia scelto  il non-colore per evocare la morte e la perdita di speranza.

La scena è dominata dal lampadario centrale, che illumina lo spazio circostante, a cui fa da contrappunto la lampada a petrolio tenuta da una donna. L'ambientazione è contemporaneamente interna (il lampadario è un oggetto domestico) ed esterna (come si evince dai palazzi in fiamme).
Questa simultaneità della visione non è solo un elemento del linguaggio cubista, ma anche un modo per rendere con duro realismo l'orrore del bombardamento che all'improvviso squarcia i palazzi offrendo impietosamente alla vista tutta l' intimità domestica.

Lo spazio stesso si frammenta in schegge che s'incuneano tra le figure di uomini, donne e animali colti in una fuga terrorizzata. All'estrema sinistra una madre lancia al cielo il suo grido straziante mentre stringe fra le mani il suo bambino morto, quasi una moderna Pietà.
A destra le fa eco l'urlo disperato di un altro personaggio che tende le mani verso il cielo. Al centro un cavallo ferito, simbolo del popolo spagnolo, nitrisce dolorosamente.

Il toro con occhi umani, in alto a sinistra, è simbolo di violenza e bestialità. Un'altra donna si affaccia disperatamente a una finestra reggendo una lampada a petrolio, un'allusione alla regressione alla quale la guerra inevitabilmente conduce. Al suolo, tra le macerie, si assiste all'orrore dei cadaveri straziati.

Al termine dell'Esposizione Universale il dipinto volò negli Stati Uniti, dove divenne subito un' icona pacifista. Si narra che, in quegli anni, l'ambasciatore nazista Otto Abetz in visita all'atelier di Picasso a Parigi, davanti a una foto di Guernica gli abbia chiesto " Maestro, ha fatto lei questo orrore?". E lui: " No, l'avete fatto voi ".

Il dipinto tornò in Europa nel 1953 per essere esposto nel Palazzo Reale di Milano.

Successivamente passò ad altri stati finché non venne reclamato dal generale Franco nel 1969, che riteneva l'opera proprietà dello stato spagnolo. Picasso stabilì allora che la tela sarebbe tornata in Spagna solo alla fine della dittatura, cosa che avvenne nel 1981, quando il pittore però era già morto...

Oggi il dipinto è esposto al di Madrid. È l'unica opera che non è possibile fotografare, all'interno del museo.Museo Reina Sofia
Non per questioni di diritto d'autore ma per costringerci a guardare, a osservare ogni dettaglio e a ricordare nella memoria.

P.S. Ogni tanto torna a circolare una bufala secondo cui questo quadro non sarebbe dedicato al bombardamento di Guernica ma alla morte di un torero amico di Picasso (suppongo per smontarne il valore etico). Eppure è evidente che una madre col neonato tra le braccia o un palazzo in fiamme sono elementi che non hanno nulla a che vedere con una corrida.
Non solo: il quadro con la morte del torero esiste, ma è stato dipinto nel 1933. Si intitola "Corrida: la morte del torero", è conservato a Parigi al Museo Picasso e mostra un cavallo curvo su se stesso in una postura che il pittore riprenderà per Guernica in modo speculare. Lo metto qui sotto, per conoscenza.

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Per Picasso "davanti a un conflitto che mette in gioco i più alti valori dell'umanità, gli artisti non possono e non devono restare indifferenti"...