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Una cinta de culto a punto de ser clasica: Donnie Darko (2001)

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Una cinta de culto a punto de ser clasica: Donnie Darko (2001)

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El cine de culto es algo muy curioso, porque no se define tan bien como genero si no como una una resurreccion cultural en un nicho especifico, lo podemos ver variadamente en peliculas como Fight Club (1999), una pelicula que no fue tan bien recibida cuando recien salio pero con los años fue encontrando su audiencia. Lo mismo fue el caso con Donnie Darko (2001) dirigida por Richard Kelly, una pelicula que tuvo un costo de producción muy baja de 4.5 millones de dolares pero ni siquiera pudo duplicar su costo de producción con un total de 7.5 millones de dolares en su salida inicial en taquillas. Esto se debio a que la pelicula salio el en octubre del 2001, un mes despues del tragico accidente de septiembre 11; y como esta pelicula tiene una parte de su trama que involucra un choque de avion, el estudio dejo de promocionar la pelicula para no verse insensible por este tragico evento. Atraves de los años fue recibiendo una audiencia nueva y su popularidad crecio bastante lo cual yo creo que se debe a varias cosas. La primera y la mas importante es la trama, no solo es esta una gran cinta dramatica con elementos de ciencia ficcion y terror; si no tiene una estructura no lineal y ambigua que deja al espectador con mucho espacio para interpretacion. Yo creo que esta busqueda de interpretacion de lo que paso narrativamente y como se conectaba narrativamente fue algo que hizo que el interes de ver esta pelicula varias veces y compartir con tu circulo social tu interpretacion. Algo que creo que cautivo mucho a audiencias en especial jovenes es un poco el estilo estetico del arte y en especial del personaje principal, que es uan respuesta del nuevo siglo al estilo gotico que se popularizo bastante entre los ochentas y noventas y este fue el estilo emo o grunge. Si vemos el vestuario del personaje principal, sus dialogos o en general su actitud durante la cinta podemos ver los origenes de este estilo emo que crecio mucho en la primera decada del nuevo siglo. Otra cosa que creo impulso mucho el descubrimiento de esta pelicula durante los años fueron las actuaciones de todos los protagonistas. Esta pelicula fue de las primeras de las que protagoniza Jake Gyllenhaal (Inclsuo su hermana Maggie Gyllenhaal fue un personaje secundario) y su popularidad crecio mucho en esa misma decada lo que llevio a mucha gente a descubrir esta cinta. Incluso esta pelicula tiene la primera actuacion en pantalla de Seth Rogen como un personaje pequeño. La musica creo que es algo que tambien influenzio mucho la lonegevidad que ha tenido esta cinta en la cultura popular, con canciones de Tears of Fears, Michael Andrews y un cover de 'Mad World' de Gary Jules que tambien se popularizo junto con la musica. Es por todo esto y que centralmente Donnie Darko es una gran pelicula que explora un personaje que trata hacerle sentido al mundo, y por eso se ha vuelto un clasico de culto.

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El cliche del deporte hecho bien: Creed (2015)

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El cliche del deporte hecho bien: Creed (2015)

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Honestamente el genero del deporte no es algo del que sea un gran fanatico, realmente es raro encontrar peliculas con una unica ejecucion audiovisual en casi cualquier departamento. Y lo que para mi es mas tedioso de este genero es que las estructuras narrativas y cliches se sienten tan marcadas que la mayoria se siente igual pero cambiando de deporte y personajes. Extrañamente, para mi Creed (2015), dirigida por Ryan Coogler tiene un caso similar a otras peliculas del genero porque no tiene nada muy inovador en su trama, pero en la ejecucion del director es donde esta pelicula se siente muy fresca inclusive siendo la sexta pelicula en la franquicia de Rocky. La pelicula incluso sigue una trama muy similar a la primer pelicula de Rocky, pero ahora viendo al hijo de Apollo Creed que busca entrenar con el formal rival de su papá: Rocky Balboa. Los elementos principales que levantan a esta pelicula de ser una tipica pelicula de deportes llena de cliches es la actuaciones, la cinefotografía y la musica. Michael B. Jordan da una de las mejores actuaciones de su carrera, personificando perfectamente al personaje y su lucha interna con su pasado. El resto del elenco tambien es genial como These Thompson, Thony Bellew e incluso Sylvestre Stallone que para mi gusto no siempre da una gran actuacion pero con la dirección de Ryan Coogler se nota que pudo sacarle mucho a su personaje. La musica en esta franquicia es un elemento iconico que desde la primera pelicula ha sido iconico, y aunque no es realmente experimental o evolucionario como composición, la musica original de Ludwig Göransson es un gran toque que le da intensidad, energia y emocion a toda la cinta, sin ser repetitiva o inecesaria. La cinefotografia en esta pelicula tambien es increible, todos los desplazamientos, encuadres e iluminacion se sienten motivados sin ser necesariamente sobre motivados. Pero incluso hay momentos muy impresionantes cinefotograficamente como en una pelea de box al inicio de la pelicula que esta grabada en una sola toma donde la camara sigue a los personajes de manera muy cercana. La precision del blocking que tuvo esa solo escena le da una sensacion de tener un valor de producción mucho mas grande que otras peliculas en el genero. La trama termina de una manera no tan sorprendente dentro de la franquicia pero si dentro del genero de deporte, con Creed perdiendo la pelea de box final contra Conlan pero ganando el respeto de su rival y del publico. Para mi Creed es una gran pelicula que es tan memorable y sincera a pesar de tener clasicos cliches del genero depotivo por la vision del director Ryan Coogler, que tiene una forma muy simple pero honesta de contar sus tramas como en su debut Fruitvale Station (2013). Su relacion personal con el actor Michal B. Jordan los permite desarrollar un gran personaje juntos y crear obras muy cinematicas que estoy seguro que se van a seguir discutiendo por muchos años.

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La fantasia mas extraña de Swiss Army Man (2016)

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La fantasia mas extraña de Swiss Army Man (2016)

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Para mi analisis del genero de fantasia queria irme por algo distinto a lo primero que me imaginaria al pensar en el genero, y la pelicula que elegi es protagonizada por Daniel Radcliffe pero no es Harry Potter, si no Swiss Army Man (2016) dirigida por los hermanos Daniel. Esta pelicula cuenta la historia de Hank Thompson, un hombre barado en una isla desertica que encuentra un cadaver en la orilla del mar y usa los gases que salen de el por su decomposicion para ir usarlo como lancha y llegar a la orilla de la civilizacion. Asi como ridiculo suena, asi de ridicula es la pelicula durante toda su duración, usando el cadaver Manny como el elemento principal de esta fantasia. La trama se desarrolla como un tipo de 'roadtrip movie' pero con el elemento fantasioso del cadaver, del que vemos que el personaje principal lo usa de herramientas para navegar con su erección como brujula, prender fogatas, almacenar agua, etc. Pero no solo es este uso irreal de un cadaver que es fantasioso, si no que el cadaver eventualmente empieza a hablar y durante el camino tiene conversaciones profundas con el protagonista. Aunque el cadaver no recuerda bien quien es ni entiende muchas cosas de como funciona el mundo, empieza a entender atraves de Hank convicciones sociales y se empieza a cuestionar si tan si quiera es ideal regresar a la sociedad. La edición de esta pelicula le da otro toque magico muy interesante, donde intercorta a eventos del pasado de la vida de Hank brevemente, e incluso el mismo los interpreta de manera incorrecta. Durante su viaje tambien tenemos elementos de diseño de producción estilizados en la fantasia, donde los personajes recrean sets de la vida real de Hank usando cualquier tipo de basura que encuentren en el bosque para seguir motivando al cadaver a guiarlos a la civilización. Icluso su uso de la musicalización se usa adecuadamente de una manera fantastica y aterrizada, teniendo la mayoria de los temas ejecutados en acapella que los personajes principales cantan en algunos momentos, incluso por un mismo chiste que se encuentra narrativamente, escuchamos en un punto de la pelicula una version acapella del tema principal de Jurassic Park. Como cualquier pelicula de fantasia, tiene un tema o analogia oculta que revela un problema iterna de los personajes. En un video ensayo que vi en Youtube, teorizan que la alegoria principal que toca esta pelicula es sobre el personaje principal siendo transgenero, y como realmente no estaba enamorado de la chica si no deseaba poder ser ella. Por eso me encanta esta pelicula, es una divertida comedia con elementos dramaticos y un tema importante, todo dentro de una fantasia muy exagerada pero con personajes que se sienten muy reales y desarrollados.

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Todo es asombroso en The Lego Movie (2014)

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Todo es asombroso en The Lego Movie (2014)

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The Lego Movie (2014) dirigida por Phil Lord & Christopher Miller es una de las peliculas que mas me ha sorprendido lo increible que fue. No porque es una animación para niños, si no que el simple hecho de convertir este producto infantil en una franquicia cinematografica me hizo dudar de la intencion artistica que tendria. Pero despues de verla puedo decir que es de las mejores peliculas infatiles que he visto en mi vida y una de mis peliculas favoritas en general. La trama de esta cinta es muy refrescante, teniendo una clasica estructura de tres actos combinada con el viaje del heroe, pero lo que hace es comentar en estos trops y cliches criticos del cine, en especial como refieren al principal como 'el especial'. Pero tematicamente no solo toca en eso si no en el capitalismo hoy en dia y lo delgada que es la linea entre interes comercial y politico. Estos temas tan maduras y resonantes para muchos adultos son estilizados en una entretenida y comprendible animación para niños, lo que lo hace una gran pelicula familiar donde cualquier puede encontrar algo que le guste. Como una buena pelicula infantil, tiene un elemento importante que resuena a su demografia indicada y eso es la musica. El tema principal de la pelicula es una canción de los artistas Tegan & Sara en colaboración con The Lonely Island titulada 'Everything is Awesome'. Esta canción se apega muy bien a las estructuras clave de los soundtracks infantiles siendo muy pegajosa y ritmica pero a su vez comenta sobre lo repetitiva que puede ser la musica en la industria musical moderna. El villano sirve su proposito perfectamente siendo tenebroso e intimidante pero tambien siendo comico para ser mas digestible para el entrenimiento de los niños; y que la revelación final de la pelicula sea que el villano es el papá estricto del niño es un gran recontextualización de lo que hemos visto del villano hasta el momento. La animación de esta pelicula es muy interesante porque como la mayor parte de las peliculas animadas hoy en dia son animaciones 3D CGI, pero lo que hace esta pelicula para distinguirse y a la vez dar una nostalgia a los niños que jugaron e incluso grabaron sets de Legos es presentar los personajes u objetos como si fuera animación stop-motion, bajando los cuadros por segundo a lo que esta acostumbrado usualmente. Otra decision muy buena que tambien se conecta a los sets clasicos de fotografia de Lego es el uso de la profundidad de campo en ciertas escenas, no solo le da un toque tener un bokeh tan profundo como el que se ve pero da una sensación de miniatura que te da el sentimiento de que estuvieras jugando con estos juguetes. Cada decision artistica que hizo esta pelicula tiene un proposito tematico pero a la vez no se distrae de ser lo mas importante que tenga que ser una pelicula para niños: entretenida para niños. Es por esto que esta pelicula es una de mis favoritas de todos los tiempos y creo que cualquier persona de cualquier edad puede disfrutar pero en especialmente para niños tiene una gran aventura que nunca van a olvidar.

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Lo que el drama puede ser en su mejor expresión: Mommy (2014)

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Lo que el drama puede ser en su mejor expresión: Mommy (2014)

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El género dramático es probablemente el más común y más reconocido en el cine, es el que está más apegado a nuestra realidad en la mayoría de los casos y el que tiene el mayor potencial de tener un efecto emocional en el espectador. Y para mi una de las películas más perfectas en este género es la película Mommy (2014) dirigida por Xavier Dolan, mi tocayo. Uno de los aspectos más importantes del género dramático es la trama, como se desenvuelve y cómo los personajes reaccionan a todo esto, y para mi gusto esta historia de una madre tratando de lidiar con su hijo problemático tiene una gran historia que lleva a los personajes a desarrollarse increíblemente. La condición de Steve y cómo afecta en su vida a su mamá Diane y a su vecina Kyla crea muchas escenas donde las actuaciones dramáticas sobresalen excelentemente. Y no solo de una manera melancólica o intensa, porque el guión tiene un balance muy bueno en encaminar a los personajes por un buen desarrollo personal en ciertos momentos de la trama. Pero para mi algo que destaca esta película que muchas en el género es su presentación, visual y auditiva. Uno de los aspectos visuales más notorios de Mommy es su relación de aspecto de 1:1 (Un cuadrado perfecto) que no es algo muy común en el cine realmente. Y aunque en un principio podría uno dar varias interpretaciones de porque el director quiso presentar la película de esta manera, en ciertas escenas la relación de aspecto se amplía a un convencional y amplio 16:9 y queda muy claro que es para visualizar cómo los personajes se sienten atrapados y melancólicos, pero en estos momentos de euforia y felicidad su mundo se abre más. Otro aspecto dramático que considero que esta película logró muy bien y a la vez muy distintivamente a otras películas del género es su uso del soundtrack. La mayor parte son canciones pop modernas que de cierta manera reflejan algo que escucharía el protagonista pero la selección de estas en tono y liricamente encaja perfectamente con la escena donde se muestra, agregando un golpe sentimental perfecto. Y lo encuentro poco convencional porque el uso de la música en el género dramático suele ser más instrumental enfocado a lo orquestal pero el hecho que esta película haya usado canciones muy populares pero contextualizadas en la vida de estos personajes dándole efecto emocional me pareció muy impresionante. Inclusivo aspectos visuales menos llamativos son muy bien comunicados para entender mejor la dramatización, como por ejemplo la cámara en mano en partes más intensas, movimientos suaves fijas en las escenas más calmadas y paz, o cámara lenta en momentos más felices hacen que el espectador consciente o inconscientemente pueda empatizar con estos personajes. El montaje al final de la película (Que fue la primera idea que tuvo el director para inspirarlo a escribir la película completa) es una de las escenas más efectivas por la combinación de los elementos dramáticos: actuación, trama, presentación visual y musicalización; y es definitivamente mi escena favorita de la película. La carrera de Xavier Dolan como cineasta es algo mixta para mí, pero es esta la película es la que encuentro que todos los elementos dramáticos desde lo narrativo hasta lo audiovisual funcionaron perfectamente e hicieron un drama perfecto en su mejor expresión.

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La soledad musical en Bo Burnham: Inside (2021)

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La soledad musical en Bo Burnham: Inside (2021)

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Para mi era muy obvio hablar de un musical clasico como Sound of Music (1965) o una joya moderna como La La Land (2016) pero creo que el ultimo musical de Bo Burnham es uno que va a influenciar a muchas generaciones por delante. Evidentemente soy un gran fan de Bo Burnham ya que ya he hablado sobre su debut como director en Eight Grade donde conto una historia muy realista sobre crecer en esta epoca digital. Este tema sobre la epoca digital es algo que esta muy presente en sus trabajos pero algo que Eight Grade (2018) no tuvo que lleva siendo parte de su manera de narrar historias desde su origen artistico es la musica. Desde que tiene 20 años ha hecho especiales de comedia que se estructuran con canciones que el mismo escribe e interpreta frente a una audencia en vivo, pero con este ultimo especial, siendo que se grabo durante la pandemia del 2020, hizo completamente solo. Esta cinta que de cierta manera podria considerar un documental, no tiene muchos temas que normalmente asociamos con el genero musical como el romance o el drama epico. En vez, esta pelicula explora mas la aislación que se vivio por la pandemia, el rol de la comedia en un mundo lleno de tragedia y la ansiedad que el ha vivido como artista. Los temas musicales hacen un gran trabajo explorando esto pero a su vez lo que hacen es contrastar las letras profundas con ritmos pegajosos para darle un efecto comico, algo que el mismo comenta dentro de un monolog sobre usar tonos comicos por inseguridad de que sus mensajes serios no la hagan ver pretensioso. La cinefotografia y dirección de arte tampoco tienen una producción enorme como son encontradas usualmente en musicales clasicos. La pelicula fue grabada en su totalidad en la casa de invitados de la casa real de Bo Burnham, entonces lo que vemos generalmente es el desorden de este cuarto grande lleno de luces, tripies, instrumentos y en general equipo de audio y video. La unica escene que podriamos considerar que tiene una planeación de arte compleja es la interpretación de 'White Women's Instagram'. La cinefotgrafía tambien es muy reservada en terminos de producción, pero tiene una simple belleza en como es ejecutada. En su mayoria la cámara esta fija en tripie pero tiene estos zooms digitales lentos que generalmente dan a conocer mejor el espacio donde interpreta Bo Burnham. El uso de iluminación es de los aspectos mas impresionantes con los que jugo el director, algo que creo que es de las cosas que tiene mas resemblanza al genero musical. Cada escena tiene su propia personalidad en iluminación con ciertos cambios de color o intensidad que hace Bo Burnham en el mismo momentos de interpretacion, texturas con iluminación de proyector o uso de 'cookies' para generar figuras de luz. Ademas todo esto fue algo logrado con lo que se especula un presupuesto muy bajo, con equipo de iluminación muy acessible, una cámara dslr, una sola locación, nadie de staff, todo hecho completamente por Bo Burnham. Es por eso que creo que esta es una de las peliculas mas importantes de esta decada y que inspirara a una generación grande a hacer cine de la manera que se pueda. Definitivamente se puede decir que tambien es uno de los mejores musicales recientes, teniendo un exito comercial enorme en plataformas de streaming musical, viralizando canciones en Tik Tok e incluso 'That Funny Feeling' fue reinterpretada por Phoebe Bridgers. Puede que Bo Burnham: Inside no sea tan tradicional en lo que es el genero musical, pero creo que es igual de valido e importante que el genero sea experimentado de esta manera.

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Eight Grade (2018) y su realismo contemporaneo.

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Eight Grade (2018) y su realismo contemporaneo.

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Me gusta mucho el trabajo de Bo Burnham, desde su videos de Youtube que hace desde los 15 años hasta su mas reciente especial de Netflix Inside donde cumple 30 años en medio de la filmación. De cierta manera, ver su carrera de inicio a fin es su propio coming of age, no solo en ver el crecimiento fisico de alguien, si no ver como madura personalmente desde la manera que crea su arte. Por eso creo que Eight Grade es una de los mejores coming of age de los años recientes, es increible lo mucho que pudo plasmar Bo Burnham en el guion las realidades de crecer en la epoca digital. Yo creo que por mucho el guion es al aspecto mas fuerta de la pelicula, incluso me atraeveria a decir que el guión y las actuaciones son las unicas cosas sobresalientes. Este siendo el debut direccional en cine de Bo Burnham, se nota algo su falta de enfoque en otros elementos audiovisuales, como la fotografia que en general para mi gusto es muy plana y no aporta mucho a la narrativa o contexto (A excepción de como los celulares a veces son iluminación principal en sus caras, me parecio un elemento muy realista). Inlcuso la musica que presenta es algo promedio a mi gusto, pero los elementos realistas sobre que es crecer en esta epoca digital es lo que hace esta pelicula tan especial y memorable. La protagonista fue interpretada por Elsie Fisher (algo que tambien fue impresionante es que en el casting si hubo adolescentes interpretando adolescentes y no como Hollywood esta acostumbrado de poner adultos jovenes) y el guión le dio mucha oportunidad de desarrollarse, donde tiene este arco de un introvertido tratando de superar esta introvercion e incluso lograr conectarse mejor con las personas en su escuela. Todos los personajes son realisticamente escritos como Gabe, Olivia, pero en especial y mi personaje favorito es Josh Hamilton como el papá. En esta tipo de peliculas es muy tipico caricaturizar a los papás del protagonistas para dar un efecto comico pero la manera en que Mark Day fue escrito y actuado le da mucha credibilidad y compasión hacia el personaje. Otro aspecto que me gusta es su representación de la ansiedad social que puede tener uno en esa epoca de su vida, desde el ataque de ansiedad que tuvo en la escena de la fiesta o la escena extremadamente incomoda y peligrosa en el carro. Mostrar estas escenas realisticamente y no dramatizadas te da una mayor conexion a lo que esta pasando con el personaje principal, sin importar la edad que tengas. Casi cualquiera ha sentido ansiedad de estar en un evento social, o sentirse presionado de hacer algo que no queremos y sentirse vunerable al respecto. Creo que es la magia del coming of age, normalmente se situa en una epoca pero puede expresar algo que muchas generaciones han sentido o van a sentir, y en especial Eight Grade creo que va a ser dificil ver un mundo donde ver lo que ocurre a Kayla no sea relacionable. Bo Burnham hizo una increible pelicula en cual llore, me rei, me sorprendi y me enfureci; y creo que es especialmente impresionante que haya hecho tan autentica su primer pelicula y con actores tan jovenes.

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La llegada de ciencia ficción aterrizada: Arrival (2016)

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La llegada de ciencia ficción aterrizada: Arrival (2016)

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Para decidir de que pelicula queria escribir esta semana de ciencia ficción tenia una muy buena variedad de opciones, incluso queria combinarla con otros generos como romance en Her (2013) o animación en Walle (2008).

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El terror camp de regreso: Malignant (2021)

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El terror camp de regreso: Malignant (2021)

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Malignant es una pelicula muy unica dentro de su genero cinematografico. Como mencione en mi entrada de comedia, es un en genero que puede llegar a ser insportable, pero cuando las peliculas tienen una gran dedicación detrás de cámaras llegan a ser joyas. Tristemente, en mi opinion la mayoria de las peliculas de terror son insoportables o aburridas; pero si hay un director que entiende bien este genero es James Wan. Este director tiene una larga carrera haciendo peliculas en este genero pero creo que ninguna es como Malignant. Con el tipo de terror acostumbrado actualmente en este genero (incluyendo peliculas previas de Wan) donde es mas serio, oscuro y dramatizado; es muy refrescante ver como esta pelicula es la primera en decadas usando el subgenero de campy horror. Este subgenero fue muy popular en la decada de los ochenta con peliculas como Evil Dead, Fright Night o The Return of The Living Dead. Pero desde finales de los noventas y principios del dos mil el genero se empezo a desviar mas por tonos menos comicos, menos gory y mas suspensivo. Por eso cuando vi esta pelicula, estuve sorprendido por el tono campy que el director transmitia en pantalla (Algo que toda la campaña de publicidad intento ocultar ya que no es un subgenero muy popular) y como fue fucionado con el estilo y tecnicas actuales de producción cinematografica. La fotografia y diseño de sonido de esta pelicula son impecables, todos los movimientos (notablemente una secuencia donde el personaje principal esta corriendo alrededor de la casa y la cámara la sigue en cenital), efectos de sonido e incluso el soundtrack le agrega bastante al estilo de esta cinta. Los efectos visuales y el maquillaje tambien agregaron bastante a Malignant, especialmente narrativamente. El gion no fue algo realmente inovador en su storytelling o estructura, pero la revelación y consequencias en el tercer acto si fue algo que nunca pude haber imaginado ver cuando me sente en la sala de cine a verla pero si es algo que se establece bien desde el inicio de la historia. Honestamente, la secuencia inicial es todo lo que necesitas saber sobre cual sera el tono campy que tomara el resto de la pelicula. Lo unico que creo que rompe este tono a algo mucho mas serio es el catalizador de la historia de Madison, su subtrama de abuso por su esposo y sus problemas de embarazo, lo cual hubiera preferido mas consistencia en ese aspecto.
Aun asi, ver Malignant el año pasado fue una de las sorpresas mas agradable que he tenido en el cine. El regreso de James Wan al terror desde el Conjuro 2 pero de esta manera tan divertida, creativa y diferente a lo que estamos acostumbrados actualmente, fue increible.

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El chick-flick de un romance inalcanzable: 500 Days of Summer (2009)

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El chick-flick de un romance inalcanzable: 500 Days of Summer (2009)

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El chick-flick es uno de los géneros más recientes con un auge particular alrededor del año dos mil con una ola de películas muy populares como The Notebook (2004) o 10 Things I Hate About You (1999). Son principalmente románticas donde a pesar de cierto conflicto los dos protagonistas tienen sentimientos recíprocos hacia el uno a el otro. Pero 500 Days of Summer agarro esta estructura y jugo con ella de una manera más interesante. En esta película los sentimientos del protagonista Tom Hansen no son exactamente mutuos de la co-protagonista Summer Finn, lo cual crea una película muy melancólica, nostálgica y realista. Uno de los aspectos que hace esta película mas impresionante para mí que cualquiera chick-flick romántica es la estructura. La cinta esta dividida en escenas de los 500 días en la que transcurre, yéndose de presente a futuro o pasado constantemente. La decisión de tomar esta estructura no-lineal creo que fue muy sabia para dar a entender los bajos y altos de una relación, y lo abruptos que pueden sentirse. Otro gran elemento de 500 Days of Summer es la edición y cómo esta ilustra visualmente lo que un personaje siente que cualquier dialogo. No hay mejor ejemplo de esto que la escena que puse como portada de esta entrada, que con un split frame vemos simultáneamente lo que el personaje tiene de expectativa y lo que realmente esta sucediendo. Otro ejemplo de esto es como un cierto montaje a puntos de vista de Tom hacia Summer es repetido en distintos puntos de la película pero con dos puntos de vista del protagonista que los re-contextualizan muy bien; este tipo de decisiones de presentación me gustan mucho y siento que le agregan mas personalidad al filme. Otro ejemplo de una gran presentación audiovisual es la escena musical, que justo después de que se implica que Tom y Summer tuvieron una noche intima, se ve a Tom por la calle cantando y bailando la canción "You Make My Dreams (Come True)" de Daryl Hall & John Oates mientras varios extras se unen y se hace un montaje musical al estilo La La Land para mostrar la euforia que siente el personaje. Son este tipo de secuencias que más se quedan con el espectador o mínimo así fue en mi caso, pero inclusa escenas mas normales tienen sus pequeños detalles llamativos en el vestuario, diseño de producción, iluminación, etc. que le dan mucha riqueza a la pelicula. Y por eso elegí hablar de 500 Days of Summer, no es una película tan romántica como alguna otra chick-flick, pero es este subversión de la expectativa de lo que este genero tiene que ser, combinado con secuencias estilizadas hace esta una de las chick flick mas memorables de esta epoca.

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Regresemos a la comedia audiovisual, no literaria: Scott Pilgrim vs The Word (2010)

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Regresemos a la comedia audiovisual, no literaria: Scott Pilgrim vs The Word (2010)

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La comedia es un género cinematográfico que últimamente se ha producido menos y la verdad es un género que como el terror, cuando está bien hecho es increíble pero cuando es malo es insoportable. Pero si hay un director que para mí es un genio en este género es Edgar Wright y la película de la que quiero hablar de él es Scott Pilgrims vs The World. Esta como cualquiera de sus películas cómicas es una joya en comedia audiovisual y se distingue mucho de lo que existe en el género actualmente. A lo que me refiero es que la mayor parte de las comedias hoy en día se estructuran alrededor de los comediantes diciendo diálogos chistosos o poniéndolos en situaciones incómodas o graciosas para su efecto. Y aunque no hay nada malo en si con eso, lo que me molesta es que el cine es un medio audiovisual, no literario. Si quisiera solo disfrutar chistes hablados sin ningún enfoque audiovisual leería un libro cómico o escucharía un podcast. Y aunque puede ser efectivo en algunos casos, es muy refrescante ver como Edgar Wright usa el medio para agregar comedia a las situaciones, diálogos o inclusive transiciones de escenas. Es difícil ilustrarlo aquí con texto pero en cualquiera escena de Scott Pilgrim vs The Word puedes encontrar como la edición, transiciones, encuadres, movimientos de cámara, efectos de sonido e incluso los diseños gráficos en pantalla impulsan un chiste para ser más efectivo e impresionante. Y esto es algo que siento que está apegado a las raíces del género, desde la primer película cómica en la historia L'Arroseur Arrosé (1895) dirigida por Louis Lumière donde vemos la importancia del encuadre para encontrar una manera efectiva de ver algo cómico. Esta pelicula no hubiera funcionado igual con otro encuadre, no de la manera simpática como lo fue. También el sonido es algo esencial de la comedia como podemos ver en el trabajo de Charles Chaplin y como la música y efectos de sonido acentúan las situaciones graciosas, por ejemplo en la escena de la fabrica en

Modern Times (1936). Es por eso que pienso que esta película funciona muy bien dentro del género cómico, porque inclusive si la historia o los diálogos específicos no son tan efectivos para alguien (Que para mi si lo son) tienen tanta carga audiovisual que la acentuación de la escena mínimo merece una risa. La comedia es algo muy subjetivo, y entiendo que para algunos la típica comedia americana es graciosa por los actores y las situaciones en las que los ponen pero es muy triste para mi ver como solo comedias con actores reconocidos son las que se producen y este tipo de directores con un estilo audiovisual distintivo son cada vez menos.