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(O melhor resumo com todos os movimentos)

A história da literatura brasileira tem início em 1500 com a chegada dos portugueses no Brasil. Isso porque as sociedades que aqui estavam eram ágrafas, ou seja, não possuíam uma representação escrita.

Assim, a produção literária começa quando os portugueses escrevem sobre suas impressões da terra encontrada e dos povos que aqui viviam.

Ainda que sejam diários e documentos históricos, esses representam, as primeiras manifestações escritas em território brasileiro.

Divisão da Literatura Brasileira

A literatura brasileira é subdividida em duas grandes eras que acompanham a evolução política e econômica do País.

A Era Colonial e a Era Nacional são separadas por um período de transição que corresponde à emancipação política do Brasil.

As datas que delimitam fim e início de cada era são, na verdade, marcos onde acentua-se um período de ascensão e outro de decadência. As eras são divididas em escolas literárias, também chamadas de estilos de época.

Era Colonial

A Era colonial da literatura brasileira começou em 1500 e vai até 1808. É dividida em Quinhentismo, Seiscentismo ou Barroco e o Setecentismo ou Arcadismo. Recebe esse nome pois nesse período o Brasil era colônia de Portugal.

Quinhentismo

O Quinhentismo é registrado no decorrer do século XVI. Essa é a denominação genérica de um conjunto de textos que destacavam o Brasil como terra nova a ser conquistada. As duas manifestações literárias do período são a literatura de informação e a literatura dos jesuítas.

A primeira possui um caráter mais informativo e histórico sobre o país; e a segunda, escrito por jesuítas, reúne aspectos pedagógicos.

A obra que mais merece destaque é a Carta de Pero Vaz de Caminha. Escrita na Bahia em 1500, o escrivão-mor da tropa de Pedro Álvares Cabral descreve suas impressões sobre a nova terra para o rei de Portugal.

Barroco

O Barroco é o período que se estende entre 1601 e 1768. Tem início com a publicação do poema Prosopopeia, de Bento Teixeira e termina com a fundação da Arcádia Ultramarina, em Vila Rica, Minas Gerais.

O Barroco literário brasileiro desenvolve-se na Bahia, tendo como pano de fundo a economia açucareira. Dois estilos literários que marcaram essa escola foram: o cultismo e o conceptismo.

O primeiro utiliza uma linguagem muito rebuscada e, por isso, é também caracterizado pelo 'jogo de palavras'. Já o segundo, trabalha com a apresentação de conceitos, portanto, é apontado como 'jogo de ideias'.

Um dos maiores representantes foi o poeta Gregório de Matos, conhecido como "boca do inferno". Além dele, merece destaque o padre Antônio Viera e seus Sermões.

Arcadismo

O Arcadismo é o período que se estende e 1768 a 1808 e cujos autores estão intimamente ligados ao movimento da Inconfidência, em Minas Gerais.

Agora, o pano de fundo é a economia ligada à exploração do ouro e das pedras preciosas. Além disso, destaca-se o relevante papel desempenhado pela cidade de Vila Rica (Ouro Preto).

A simplicidade, a exaltação da natureza e os temas bucólicos são as principais características dessa escola literária.

No Brasil, esse movimento tem início com a publicação de “Obras Poéticas”, de Cláudio Manuel da Costa, em 1768. Além dele, merece destaque o poeta Tomás Antônio Gonzaga e sua obra “Marília de Dirceu” (1792).

Período de Transição

O chamado período de transição ocorre entre 1808 a 1836. É considerado um momento inerte da literatura brasileira, marcado pela chegada da Missão Artística Francesa, em 1816, contratada por Dom João IV.

Era Nacional

A Era Nacional da literatura brasileira começa em 1836 e dura até os dias atuais. Começa com o Romantismo e perpassa pelo Realismo, Naturalismo, Parnasianismo, Simbolismo, Pré-Modernismo, Modernismo e o Pós-modernismo.

Recebe esse nome pois ela aconteceu após a Independência do Brasil, em 1822. Nesse período o nacionalismo é uma forte característica, notória na literatura romântica e moderna.

Romantismo

Essa é a primeira escola literária a registrar um movimento genuinamente brasileiro. O Romantismo no Brasil se inicia em 1836, com a publicação da obra Suspiros Poéticos e Saudades, de Gonçalves Magalhães.

Perdura até 1881, quando Machado de Assis e Aluísio de Azevedo publicam obras de orientação Realista e Naturalista.

O período romântico no Brasil está dividido em três fases. Na primeira temos uma forte carga nacionalista, onde o índio é eleito herói nacional (indianismo). Os autores mais importantes são José de Alencar e Gonçalves Dias.

No segundo momento, os principais temas explorados estão ligados com o pessimismo e o egocentrismo, onde destacam-se Álvares de Azevedo e Casimiro de Abreu. Já na terceira fase, a mudança é notória tendo a 'liberdade' como mote principal. Os principais representantes são Castro Alves e Sousândrade.

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O Quinhentismo representa a primeira manifestação literária no Brasil que também ficou conhecida como "literatura de informação".

É um período literário que reúne relatos de viagem com características informativas e descritivas. São textos que descrevem as terras descobertas pelos portugueses no século XVI, desde a fauna, a flora e o povo.

Vale lembrar que o Quinhentismo brasileiro ocorreu paralelo ao Classicismo português e o nome do período refere-se a data de início: 1500.

Quinhentismo no Brasil

Com a chegada dos portugueses em território brasileiro em 1500, as terras encontradas foram relatadas pelos escrivães que acompanhavam os navios.

Assim, a literatura de informação foi produzida pelos viajantes no início do século XVI, no período do Descobrimento do Brasil e das Grandes navegações.

Além disso, os jesuítas, responsáveis por catequizarem os índios, criaram uma nova categoria de textos que fizeram parte do quinhentismo: a "literatura de catequese".

Os principais cronistas desse período são: Pero Vaz de Caminha, Pero Magalhães Gândavo, Padre manuel da Nóbrega e Padre José de Anchieta.

Características do Quinhentismo

Crônicas de viagens

Textos descritivos e informativos

Conquista material e espiritual

Linguagem simples

Utilização de adjetivos

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Principais características da Carta

A “Carta de Pero Vaz de Caminha” ou “Carta a el-Rei Dom Manoel sobre o achamento do Brasil” foi um documento escrito pelo escrivão português Pero Vaz de Caminha.

Trata-se de um manuscrito, organizado e bastante ordenado cronologicamente.O escrivão pontua seu texto de modo a provocar um efeito expressivo capaz de prender a atenção do leitor.

Sobre o seu conteúdo, foi uma carta redigida para o rei, de modo a comunicar-lhe o descobrimento das novas terras. O deslumbramento dos europeus em relação à descoberta do "Novo Mundo" é bem evidente nos registros feitos por Caminha. Na Carta ele descreve suas impressões sobre o território que seria chamado de Brasil.

A grande riqueza de detalhes e as impressões do autor sobre aquilo que via dão ao relato vida e uma grande dimensão humana, Caminha acompanha não somente as ações dos índios e europeus, mas também as reações e atitudes que cada grupo tem em relação ao outro, chegando a perceber as emoções que o contato desperta em ambos.

Caminha narra o episódio do desembarque dos portugueses na praia, o primeiro encontro entre os índios e os colonizadores e a primeira missa realizada no Brasil.

Há uma minuciosa descrição dos nativos, tanto em termos de aparência quanto de comportamento.

O primeiro escambo (troca) ocorre em clima amistoso, embora Caminha relate a ansiedade dos navegantes em relação a possível presença de metais preciosos na nova terra. Cita as reações dos índios diante do que era oferecido pelos europeus, desde alimentos até objetos.

O escritor também se detém na descrição física dos nativos, destacando suas pinturas e enfeites corporais, a limpeza e a saúde de seus corpos, que muito lhe impressionam, bem como a “inocência” dos nativos e nativas com relação à nudez.

Outro aspecto importante diz respeito à religião. Caminha narra as cerimônias cristãs celebradas pelos sacerdotes presentes na esquadra, bem como a aparente curiosidade dos nativos com relação a essas celebrações.

Caminha encerra a carta aconselhando ao rei de Portugal uma grande tarefa civilizatória, que deveria ser a catequização dos nativos. O deslumbramento do autor é evidente, assim como sua preocupação em agradar ao soberano português, D. Manuel I, a quem a carta é dirigida.

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O Romantismo no Brasil teve como marco inicial a publicação do livro de poemas de Gonçalves de Magalhães (1811-1882), intitulado "Suspiros poéticos e saudades", em 1836.

Além dessa obra, a Revista Niterói, publicada nesse mesmo ano em Paris, também foi precursora do movimento romântico na Brasil.

Esse período é caracterizado por manifestações culturais, artísticas e literárias iniciadas na Europa no século XVIII.

Principais Características
As principais caraterísticas da literatura romântica no Brasil são:

Rompimento com a tradição clássica;

Amor platônico, idealismo;

Idealização da mulher;

Subjetivismo e egocentrismo;;

Indianismo (tema do índio);

Nacionalismo e ufanismo;

Culto à natureza;

Sentimentalismo exacerbado;

Maior liberdade formal;

Religiosidade;

Evasão e escapismo.

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Bucólico significa campestre, rural, gracioso. Refere-se à natureza e às belas paisagens do campo.Significa também ingênuo, simples ou puro.
O termo bucólico tem origem etimológica no grego "boukolikos" (pastoril, rústico), formado a partir de "boukolos" (vaqueiro), uma junção de "bous" (vaca) + "kolos" (cuida de).

O Bucolismo é um gênero literário poético em que os autores exaltam a vida no campo, a simplicidade e ingenuidade dos costumes, a tranquilidade e riqueza do contato com a natureza, e os hábitos peculiares dos pastores.

É uma poesia caracterizada pela idealização de um cenário de paz e sossego, em contraste com o corre-corre, confusão e agitação da vida na cidade.

Com o pleno desenvolvimento dos centros urbanos no século XVIII, a paisagem bucólica representava um refúgio à opressão vivida pela sociedade daquele período.

Os textos literários que caracterizam o Arcadismo (inspirados numa região campestre denominada Arcádia, na Grécia Antiga), também são marcados pelo enaltecimento de tudo o que está relacionado com a natureza e a vida no campo.

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O Arcadismo foi um estilo literário que surgiu na Europa no século XVIII, durante a ascensão da Revolução Industrial e sob forte influência do Iluminismo.

Também conhecida por Setecentismo ou Neoclassicismo, esta vanguarda buscava reviver os valores estéticos do período clássico, valorizando o desejo por uma vida harmoniosa e equilibrada do homem na natureza.

Para conhecer melhor essa escola literária, confira algumas das suas principais características:

Exaltação da natureza

Os autores árcades desprezavam o estilo de vida agitado das cidades. Para eles, as pessoas que viviam nos grandes centros urbanos se comportavam como "selvagens" e perdiam a essência do "homem natural" do campo.
Por isso, esses artistas valorizavam a simplicidade e a tranquilidade que emanava da natureza, temas estes que eram recorrentes em suas obras.

No entanto, observa-se que a exaltação das belezas naturais e a simplicidade da vida no campo eram assuntos totalmente opostos a realidade que vivenciada naquela época.

A revolução industrial começa a provocar um forte êxodo rural, onde as pessoas saem interior para trabalhar nas cidades, a procura de melhores serviços e recursos.

Bucolismo e Pastoralismo

O bucolismo, ou seja, a descrição de cenas onde o homem simples do campo vive em harmonia com a natureza é uma das características mais importantes do arcadismo.
Os árcades buscam expressar a ideia de uma vida tranquila, amena e natural, onde o caos das cidades é substituído pelos cenários bucólicos do campo.

Assim como o bucolismo, o pastoralismo também se refere ao modo simples, ingênuo e tranquilo que o personagem é apresentado. É feita uma associação constante aos pastores de ovelhas e o modo como estes vivem, do ponto de vista dos autores neoclássicos.

O pastoralismo é representado através da linguagem racional, simples e clássica dos poemas neoclássicos, ou seja, sem qualquer tipo de rebuscamento no vocabulário.

Valorização das tradições clássicas

A arte feita durante o período clássico (Grécia e Roma Antiga) serviu de inspiração para os autores árcades. Desta forma, justifica-se a marcante presença da mitologia greco-romana nas obras arcadistas.
Outra característica que remete ao período clássico é o uso de palavras ou expressões latinas nos textos, como por exemplo:

locus amoenus ("lugar ameno");

fugere urbem ("fugir da cidade");

carpe diem ("aproveitar o dia"), entre outras.

Essas citações em latim acabavam por representar a visão ideal do arcadismo.

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A literatura jesuítica, que eram: poesia devota, teatro pedagógico baseado em passagens da Bíblia e documentos sobre os avanços e dificuldades na catequese dos nativos.
A ideia central era obter mais fiéis para a igreja católica, uma vez que na Europa vinha sofrendo cada vez mais com a Reforma Protestante (1517).
Os jesuítas eram encarregados de apresentar aos índios, o que os portugueses consideravam como o “certo”, sobretudo sobre aspectos da religião cristã.

Entre estas ferramentas utilizadas para catequizar os índios, a mais lúdica e eficiente era o teatro. Além dos indígenas, também era necessário criar regras morais para os costumes dos brancos colonizadores. Para as apresentações teatrais, os jesuítas aprenderam o Tupi para criar uma aproximação com os nativos, que, não somente assistiam as peças. Eles participavam cantando, dançando e atuando. Entre os mais importantes autores de literatura jesuítica naquele período estão Fernão Cardim, que era um missionário e Manuel da Nóbrega, sacerdote jesuíta.

O padre José de Anchieta, por seu grande contato com a população indígena, ficou conhecido como o grande piahy, o supremo pajé branco. Entre suas contribuições para a literatura brasileira estão a 1ª gramática da língua tupi, que funcionava como uma cartilha para o aprendizado dos nativos. As peças e poesias que escrevia eram uma mistura dos costumes indígenas com a moral do catolicismo.

O Auto de São Lourenço, uma de suas peças de maior destaque, é uma obra que abrange o espanhol, o português e o tupi para contar a história de São Lourenço, um mártir católico que morreu queimado ao se negar a renunciar a sua fé. Em uma tentativa de harmonizar os valores dos nativos com a moral católica, Anchieta dedicou uma vida ao estudo dos mitos indígenas, suas ideias e modo de vida.

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A célebre "Carta do Achamento do Brasil" foi escrita por Pero Vaz de Caminha em Porto Seguro, entre 26 de abril e 2 de maio de 1500. O escrivão só interrompeu o trabalho no dia 29, quando ajudou o capitão-mor a reorganizar os suprimentos da frota. 
 
Enquanto o restante da armada seguiu para a Índia, o navio de Gaspar de Lemos foi despachado por Cabral para Lisboa, ao fim da estadia no Brasil, em 2 de maio. Por meio dele, a carta chegou ao seu destinatário. Das mãos de dom Manuel 1o, passou à secretaria de Estado como documento secreto, pois se queria evitar que chegasse aos espanhóis a notícia do descobrimento. 
 
Anos mais tarde, o documento foi enviado para o arquivo nacional, localizado na Torre do Tombo do castelo de Lisboa ("tombo" tem aí o sentido de conservação, como quando se fala, por exemplo, em tombamento de uma cidade histórica). No arquivo, o manuscrito de Caminha - 27 páginas de papel, com formato de 29,6 cm X 29,9 cm - repousou esquecido durante os séculos seguintes 
 
O documento volta ao Brasil Somente em 1773, o diretor do arquivo, José Seabra da Silva, mandou fazer uma nova cópia da Carta do Achamento. Seabra tinha ligações familiares com o Brasil. Supõe-se que por meio dele o texto de Caminha tenha chegado aqui, possivelmente com a sua transferência para o Rio de Janeiro quando acompanhou a família real portuguesa
 
Essa cópia da carta foi encontrada no Arquivo da Marinha Real do Rio de Janeiro pelo padre Manuel Aires do Casal, que a imprimiu em 1817, tornando-a pública pela primeira vez. O documento ganhou particular importância para o Brasil com a Independência, em 1822. Para o novo país, tratava-se do manuscrito que encerrava o primeiro registro de sua existência. Além disso, no século 19, com o desenvolvimento dos estudos históricos, os estudiosos reconheceram o valor dos documentos escritos como fontes privilegiadas para o conhecimento da história.
 
A carta tem um grande valor histórico, já que tem a importância de ser o registro documental do descobrimento ou da entrada do Brasil na história universal, constituindo uma espécie de certidão de nascimento do Brasil. 

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O simplismo pretendido no arcadismo era totalmente oposto ao estilo artístico anterior: o Barroco. Este era baseado em excessos e exageros, seja nas artes plásticas (obras muito ornamentadas) como na literatura (uso constante de hipérbatos e hipérboles, por exemplo).

Enquanto que o arcadismo tinha como referência o ser humano como centro do mundo, a partir das ideias antropocêntricas disseminadas pelos iluministas, o barroco agiu como uma ferramenta de contrarreforma para reavivar a fé cristã.

Ausência da subjetividade

Os artistas do arcadismo seguem uma "fórmula" para produzir os seus poemas, onde há a presença de uma musa para ser louvada (amor respeitoso), um pseudônimo pastoril (personagem que vive no campo) e como pano de fundo um cenário bucólico.
Desta forma, não há espaço para a externalização dos sentimentos do autor, mas sim a representação do ideal de vida simples e campestre que os árcades valorizavam.

Uso de pseudônimos

Os autores árcades adotavam nomes falsos para assinar as suas obras. Porém, esses pseudônimos deviam remeter a nomes tradicionalmente associados aos homens do campo.
Esse pseudônimo pastoril (ou nome arcádico, como também era conhecido) tinha de ser simples, pois a simplicidade era uma das palavras-chave para os árcades ao imaginar a essência da vida no campo

Dirceu, por exemplo, era o pseudônimo de Tomás António Gonzaga, um dos principais nomes do arcadismo / neoclassicismo brasileiro.

Fingimento poético

Devido ao fato de serem obras feitas, em sua grande maioria, a partir de pseudônimos, nas poesias arcadistas também era comum o fingimento poético.
Em suma, consiste na expressão de emoções que não são próprias do poeta, mas sim simulações ou imitações de sentimentos do classicismo renascentista, e apresentados através de seus pseudônimos.

Líricas ou épicas

Os poemas arcadistas são classificados em dois gêneros: líricos e épicos.
Os textos líricos contêm as características básicas dessa escola literária, como a exaltação do campo, a presença de uma musa inspiradora, a harmonia com a natureza, o pastoralismo, o bucolismo, etc.

Já os poemas épicos se diferenciam por retratar fatos históricos, onde o destaque está na ação heroica de determinado personagem ou nação, por exemplo.

No Brasil ainda é identificado um terceiro gênero: satírico. Este é representado pela obra "Cartas Chilenas" de Tomás António Gonzaga, onde faz uma série de críticas ao governo de Minas Gerais da época.

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Na literatura brasileira, o Indianismo corresponde a uma das tendências literárias mais marcantes do período romântico.
O nome dessa tendência remete a figura escolhida para exaltar aspectos nacionais: o índio, considerado o “bom selvagem”, símbolo da inocência e pureza.

No continente europeu os cavaleiros medievais eram as figuras românticas que representavam o bom herói, idealizado, corajoso e forte. Já no Brasil, a figura romântica do novo herói era a do índio.

Isso foi essencial para resgatar uma identidade nacional, que ficasse mais próxima do contexto nacional.

José de Alencar foi um dos mais representativos escritores brasileiros que explorou a mitificação do índio como herói nacional.

Após a independência do Brasil (1822), o país passava por diversas transformações sociais, políticas e econômicas.

Após a separação da Metrópole, os brasileiros, imbuídos pelo espírito anticolonialista e nacionalista, buscavam uma identidade nacional. Ou seja, genuinamente brasileira e afastada dos moldes europeus.

Destarte, os artistas passam a buscar temas nacionais com o intuito de criar uma cultura do próprio país, e a partir disso, o índio foi eleito o nosso “herói nacional”.

Note que essa personalidade idealizada não poderia ser figurada pelo “português” ou o “africano”. O português estava relacionado com a figura do colonizador e explorador das terras, e o africano, com a força escrava utilizada durante muito tempo no Brasil Colonial.

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Para entender a obra de Gregório de Matos é preciso conhecer o contexto histórico no qual ele está inserido, uma vez que grande parte de sua poesia (principalmente a satírica) faz alusão a duas de suas maiores referências: o Brasil e Portugal. No final do século XVII, Portugal estava em decadência, sendo que o sistema escravocrata não conseguia mais sustentar a economia da Metrópole. Assim, Portugal impunha ao Brasil uma série de restrições comerciais a fim de conseguir vantagens. Por conta disso, os senhores do engenho e proprietários rurais brasileiros passaram a enfrentar uma forte crise económica.
Em contrapartida à crise do mercado de escravos e do engenho de açúcar, surge uma rica burguesia composta por imigrantes vindos de Portugal e que comandavam o comércio na colônia. Esta rica burguesia dominou também o mercado de crédito e outros contratos reais. Por conta do monopólio gerado por estes imigrantes, agravou-se a crise dos proprietários rurais brasileiros e a hostilidade entre esses dois grupos foi crescendo ao longo dos anos.
Gregório de Matos, como filho de senhor de engenho e bacharel em Direito, encontra-se em uma posição central neste cenário, tendo condições de pensar e analisar seu momento histórico sob diversas perspectivas. Gregório de Matos, apesar de ter tido diversos cargos de poder, resolve desligar-se de tudo e viver à margem da sociedade como um poeta itinerante, percorrendo o recôncavo baiano e frequentando festas e rodas boemias. Porém, mesmo distanciado da sociedade hipócrita a qual ele condena, ele também se insere nela, pois Gregório ainda depende da nobreza e vive à custa de favores deles. Ao mesmo tempo, ele encara o papel do portador de uma “voz crítica” sobre essa mesma sociedade na qual ele se insere.
Se de um lado existe a obra satírica de Gregório de Matos, onde ele expõe e critica sem nenhum pudor a sociedade da época, de outro lado há também a poesia lírica produzida por ele. Seus poemas líricos são comumente divididos em: lírico-amorosos e burlescos/eróticos. Há ainda uma vasta produção de poemas com temática religiosa. Porém, há de se ressaltar que a ironia e crítica social existente nos poemas satíricos não são deixados de lado em sua produção lírica e religiosa.
Na poesia amorosa e erótica de Gregório de Matos, o tema básico continua sendo o choque de opostos: “espírito” e “matéria”, “ascetismo” e “sensualismo”. Essa visão dualista também aparece na figura da mulher desejada, sendo que esta representa uma espécie de “anjo-demônio”. É interessante notar que na obra de Gregório de Matos o “outro lado” em um par de opostos sempre irá conter um pedaço do seu par antagônico. Ou seja, se tomarmos por exemplo a figura da mulher, quando ela aparece como um ser angelical, ela também terá uma parte demoníaca, e vice-versa.

Dessa forma, a poesia lírico-amorosa de Gregório de Matos é construída em torno de contradições e pares de opostos, utilizando figuras de linguagens como o oximoro, que reforça essas contradições. Porém, deve-se ter em mente que estas contradições não se anulam e a mensagem final que o poeta passa é de que “diferença é identidade”. Já a poesia erótica de Gregório de Matos, na qual o poeta utiliza uma linguagem mais direta e explícita do que na lírico-amorosa, o amor carnal aparece como forma de libertação do corpo e, por consequência, do indivíduo também.
Por fim, tem-se a poesia religiosa de Gregório de Matos, que também é trabalhada constantemente através de pares de opostos. O ambiente fortemente cristão do período barroco, faz-se presente aqui, onde os pares antagônicos da vez é a “culpa” versus “perdão”. Gregório de Matos faz uso da poesia para se libertar e ela é a única forma possível de salvação para o poeta. Esta salvação não se dá somente entre o poeta e Deus, mas também perante a sociedade e si mesmo.

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Os poetas árcades escreviam sobre temáticas relacionadas com as belezas do campo e a paz da natureza, contemplando a vida simples. Costumavam criticar e desprezar a vida nas grandes cidades e centros urbanos, pela agitação e pelos problemas da vida moderna.

Os árcades eram formados pela sociedade burguesa da época, que repudiava o comportamento mais "selvagem" da vida social. Eles preferiam a simplicidade do "homem natural" como ideal de vida, como escreveu o filósofo Jean-Jacques Rousseau.

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Iracema é uma obra do escritor romântico cearense José de Alencar.

Publicada em 1865, trata-se de um romance indianista, com presença de elementos indígenas, mitológicos e históricos.

Lebre-se que o indianismo foi um movimento que esteve associado à primeira fase do romantismo no Brasil.

Com o intuito de buscar um tema nacional, o índio foi eleito. Por isso, é chamada de geração “nacionalista-indianista”.

Resumo e Trechos da Obra
Composta de 33 capítulos, Iracema possui grande valor estético e histórico. Essa obra relata a história de amor entre a índia Iracema e o europeu Martin Soares Moreno.

O romance começa porque Martin ficou encarregado de colonizar a região, atual Ceará. Foi ali que ele conheceu "Iracema, a virgem dos lábios de mel".
Personagens

Iracema: protagonista da história e índia da tribo dos tabajaras.

Caubi: índio tabajara e irmão de Iracema.

Araquém: pajé da tribo tabajara e pai de Iracema e Caubi.

Andira: Irmão de Araquém e velho guerreiro da tribo tabajara.

Moacir: filho de Iracema e Martim, o primeiro brasileiro miscigenado.

Irapuã: apaixonado por Iracema, é o chefe dos guerreiros tabajaras.

Martim: português encarregado de colonizar a região. Ficou amigo dos índios potiguaras e depois de batizado recebeu o nome indígena “Coatibo”.

Japi: cão de Martim.

Poti: amigo de Martim, herói dos índios potiguaras.

Jacaúna: chefe dos guerreiros potiguaras, irmão de Poti.

Batuirité: avô de Poti e Jacaúna. Teve a visão sobre a destruição de seu povo pelos portugueses.

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(Gregório de Matos)

Triste Bahia! Ó quão dessemelhante
Estás e estou do nosso antigo estado!
Pobre te vejo a ti, tu a mi empenhado,
Rica te vi eu já, a tu mi abundante.

A ti trocou-te a máquina mercante,
Que em tua larga barra tem entrado,
A mim foi-me trocando, e tem trocado,
Tanto negócio e tanto negociante.

Deste em dar tanto açúcar excelente
Pelas drogas inúteis, que abelhuda
Simples aceitas do sagaz Brichote.

Oh se quisera Deus que de repente
Um dia amanheceras tão sisuda
Que fora de algodão o teu capote!

Análise

O poema faz uma crítica à degradação moral e econômica na qual a Bahia se encontrava naquela época. Enquanto os ladrões e comerciantes eram os detentores do poder político e econômico, os trabalhadores encontravam-se na intensa pobreza.

Gregório de Matos ficou conhecido como "Boca do Inferno" por seus poemas satíricos que, entre outras coisas, criticavam a situação econômica da Bahia (local de origem do autor). Nesse poema ele lamenta a situação da Bahia (outrora rica) que é devastada pela exploração, principalmente na época açucareira em que os recursos naturais eram prejudicados para levar riqueza à metrópole.

A Bahia de outrora aparece com um tom nostálgico, e o poeta critica a degradação moral e econômico no qual a cidade se encontra no momento. Os ladrões e oportunistas (comerciantes, etc) são os detentores do poder político e econômico, enquanto os trabalhadores honestos encontram-se na pobreza. Esse tom nostálgico e de lamentação aparece também no famoso soneto “À cidade da Bahia”, em que vemos a decadência dos engenhos de açúcar e a ascensão de uma burguesia oportunista segundo o poeta.

O poema termina com "Oh se quisera Deus que de repente/Um dia amanheceras tão sisuda/Que fora de algodão o teu capote!" que deseja que um dia a Bahia se torne livre com a humildade de um tecido de algodão, longe dos tecidos finos da Europa.
A melancolia com doses de saudades, pesar e exagero é uma marca do período literário o qual Gregório de Matos fez parte, o período barroco, o que coloca mais profundidade no sentimento do autor representado no poema.

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O Navio Negreiro é uma obra do escritor baiano romântico Castro Alves (1847-1871) que foi publicada em 1869.

Trata-se de uma poesia abolicionista, onde o autor aborda o tema da escravidão no Brasil.

Características da Obra

O Navio Negreiro um poema épico dramático dividido em seis partes. Nessa obra, Castro Alves relata as condições dos navios negreiros, os quais traziam escravos africanos para o Brasil.

Sentimento de liberdade, nacionalismo ufanista, denúncia social e busca de uma identidade nacional, são algumas das principais caraterísticas da poesia abolicionista de Castro Alves.

Além de descrever aspectos do navio de escravos, Castro Alves apresenta também a natureza circundante (o mar, o céu, o luar).

Numa narrativa vibrante e com uma linguagem expressiva, o autor vai aos poucos denunciado as precárias condições dos escravos. Dessa forma, ele vai tecendo diversas críticas a esse sistema tão desumano.

Para compor essa obra dramática ele utiliza diversas figuras de linguagem: metáforas, comparações, personificação, anáforas, dentre outras.

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(é apenas para assistir aos primeiros 5 min)

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A difusão da prosa romântica foi impulsionada pelo folhetim. Os folhetins eram capítulos de romances de periodicidade semanal publicados em jornais.

Por meio deles, o romance tornou-se extremamente popular e por ele, o sentimento de democracia aflorado no País foi alastrado.

Com o folhetim, a literatura passa de bem destinado à aristocracia e ultrapassa a exclusividade da nobreza.

Surgem os primeiros consumidores da produção literária e a literatura é expandida ao leitor comum. E é pelo folhetim que a prosa do Romantismo alcança o sucesso que obteve no Brasil.

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(Gonçalves Dias)
A Canção do Exílio, que começa com os versos "Minha terra tem palmeiras, onde canta o Sabiá", foi publicado em 1857 no livro “Primeiros Cantos”.

É um dos poemas líricos mais conhecidos do poeta romântico brasileiro Gonçalves Dias:

"Minha terra tem palmeiras,
Onde canta o Sabiá;
As aves, que aqui gorjeiam,
Não gorjeiam como lá.

Nosso céu tem mais estrelas,
Nossas várzeas têm mais flores,
Nossos bosques têm mais vida,
Nossa vida mais amores.

Em cismar, sozinho, à noite,
Mais prazer encontro eu lá;
Minha terra tem palmeiras,
Onde canta o Sabiá.

Minha terra tem primores,
Que tais não encontro eu cá;
Em cismar — sozinho, à noite —
Mais prazer encontro eu lá;
Minha terra tem palmeiras,
Onde canta o Sabiá.

Não permita Deus que eu morra,
Sem que eu volte para lá;
Sem que desfrute os primores
Que não encontro por cá;
Sem qu'inda aviste as palmeiras,
Onde canta o Sabiá."

Análise do Poema

Sem dúvida, a “Canção do Exílio” de Gonçalves Dias, é um dos mais emblemáticos poemas da fase inicial do romantismo.

Nele o autor expressa o nacionalismo ufanista por meio da exaltação da natureza.

Composto por cinco estrofes, sendo três quartetos e dois sextetos, o autor escreveu esse poema em julho de 1843, quando estava estudando Direito na Universidade de Coimbra, em Portugal. Assim, com saudades de seu país, sentia-se exilado.

Essa saudade fica bastante evidente na última estrofe, em que o poeta expressa o seu desejo de regressar:

"Não permita Deus que eu morra,
Sem que eu volte para lá;".

Curioso notar que dois versos da Canção do Exílio são mencionados no Hino Nacional Brasileiro, composto em 1822: “Nossos bosques têm mais vida, Nossa vida, (no teu seio) mais amores”.

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Anjo no nome, Angélica na cara,

Isso é ser flor, e Anjo juntamente,

Ser Angélica flor, e anjo florente,

Em quem, senão em vós se uniformara?

Quem veria uma flor, que a não cortara

De verde pé, de rama florescente?

E quem um Anjo vira tão luzente,

Que por seu Deus, o não idolatrara?

Se como Anjo sois dos meus altares,

Fôreis o meu custódio, e minha guarda

Livrara eu de diabólicos azares.

Mas vejo, que tão bela e tão galharda,

Posto que os Anjos nunca dão pesares,

Sois Anjo, Que me tenta, e não me guarda.

(Gregório de Matos)

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Pequei, Senhor, mas não porque hei pecado,

Da vossa alta clemência me despido;

Porque quanto mais tenho delinquido

Vos tem a perdoar mais empenhado.

Se basta a voz irar tanto pecado,

A abrandar-vos sobeja um só gemido:

Que a mesma culpa que vos há ofendido,

Vos tem para o perdão lisonjeado.

Se uma ovelha perdida e já cobrada

Glória tal e prazer tão repentino

Vos deu, como afirmais na sacra história.

Eu sou, Senhor a ovelha desgarrada,

Recobrai-a; e não queirais, pastor divino,

Perder na vossa ovelha a vossa glória.

A nálise:
Este soneto é um dos maiores representantes da poesia sacra/religiosa de Gregório de Matos. Segundo a crítica literária, este poema foi inspirado em outros poemas de autoria desconhecida já existentes em língua espanhola. Outra inspiração do poeta foi é a passagem do evangelho de São Lucas, onde Jesus Cristo conta a parábola da ovelha perdida e conclui dizendo que “há grande alegria nos céus quando um pecador se arrepende de seus pecados e dá meia volta”.
Nesse soneto, a temática da “culpa” versus “perdão” aparece posta em xeque, pois o poeta utiliza da linguagem para conseguir seu perdão e salvação. Enfrentando o poder divino, o eu-lírico pede para que Deus cobre os pecados cometidos por ele, pois quanto mais pecados ele comete, mais Deus se esforça para perdoa-los. Assim, da mesma forma como o poder divino precisa perdoar, o pecador precisa pecar para poder ser perdoado.

No poema há um grande sentimento de culpa por parte do autor, ao ter pecado, prometendo assim redimir-se. Ele revela uma preocupação com a salvação espiritual do homem. Há uma clemência pelos pecados cometidos e uma alegação de que, sem o mesmo, a glória divina se dá ao fim. ´
Na primeira frase do texto, há uma exposição de ideias opostas: ao mesmo tempo que o autor afirma ter pecado, diz não ter cometido o ato (antítese), uma das características barrocas.

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Literatura - Aula 2: Quinhentismo/Literatura dos Viajantes

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 soneto é um dos maiores representantes da poesia sacra/religiosa de Gregório de Matos. Segundo a crítica literária, este poema foi inspirado em outros poemas de autoria desconhecida já existentes em língua espanhola. Outra inspiração do poeta foi é a passagem do evangelho de São Lucas, onde Jesus Cristo conta a parábola da ovelha perdida e conclui dizendo que “há grande alegria nos céus quando um pecador se arrepende de seus pecados e dá meia volta”.
Nesse soneto, a temática da “culpa” versus “perdão” apar

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O Barroco no Brasil tem início no final do século XVII. No país, essa tendência artística teve grande destaque na arquitetura, escultura, pintura e literatura.

Na literatura, o marco inicial do barroco é a publicação da obra “Prosopopeia” (1601) de Bento Teixeira. Na escultura e arquitetura, Aleijadinho foi sem dúvida um dos maiores artistas barrocos brasileiros.

Contexto Histórico

Influenciado pelo barroco português, no Brasil este estilo se desenvolveu durante o período colonial no chamado “Século de Ouro”.

Foi durante o ciclo do ouro que a exploração desse minério foi a principal atividade econômica desenvolvida no país. Minas Gerais foi o grande foco onde muitas jazidas foram encontradas.

Nessa época, a primeira capital do Brasil, Salvador, foi transferida para o Rio de Janeiro.

Diante disso, o número de habitantes no Brasil aumentou consideravelmente o que propiciou uma época de forte desenvolvimento econômico no país. No barroco mineiro, merece destaque o escultor e arquiteto brasileiro: Aleijadinho.

Características do Barroco

As principais características do barroco brasileiro são:

Linguagem dramática;

Racionalismo;

Exagero e rebuscamento;

Uso de figuras de linguagem;

União do religioso e do profano;

Arte dualista;

Jogo de contrastes;

Valorização dos detalhes;

Cultismo (jogo de palavras);

Conceptismo (jogo de ideias).

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Gregório de Matos foi um dos maiores poetas brasileiros do período do Barroco. Além de poeta, Gregório foi advogado durante o período colonial.

É conhecido como o “Boca do Inferno”, sendo famoso por seus sonetos satíricos, donde ataca, muitas vezes, a sociedade baiana da época.

Dono de uma personalidade rebelde, Gregório criticou diversos aspectos da sociedade, do governo e da Igreja Católica. Por esse motivo, foi perseguido pela Inquisição e condenado ao degredo em Angola no ano de 1694.

Biografia

Gregório de Matos Guerra nasceu em 23 de dezembro de 1636 na cidade de Salvador, Bahia.
Gregório de Matos Guerra nasceu em 23 de dezembro de 1636 na cidade de Salvador, Bahia.

Filho de Maria da Guerra e Gregório de Matos, pertencia a uma família abastada cujo pai era um nobre português.

Gregório estudou no Colégio dos Jesuítas, na Bahia e, em 1691, formou-se em Direito em Coimbra, Portugal.

Trabalhou como juiz, no entanto, sua grande paixão era a literatura. Retornou ao Brasil, exercendo os cargos de vigário-geral e tesoureiro-mor, entretanto, foi afastado por se recusar a usar batina.

Faleceu com 59 anos dia 26 de novembro de 1696, na cidade de Recife. O motivo de sua morte está associado a uma febre que contraiu quando foi condenado ao degredo em Angola.

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Literatura - Aula 6: Romantismo (poesia)

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Castro Alves, conhecido como “poeta dos escravos”, foi um dos maiores representantes da Terceira Geração Romântica no Brasil (1870 a 1880).

Esse período foi chamado de “Geração Condoreira” (associado a ave condor, emblema dos Andes) ou “Geração Hugoniana” (referente ao poeta francês Victor Hugo).

Os poetas dessa fase estavam dedicados em apresentar uma poesia social e libertária, bem diferente das características das outras gerações românticas.

Ainda que seja um dos maiores representantes da poesia abolicionista e social, Castro Alves apresenta obras de caráter lírico-amoroso. Por esse motivo, é também conhecido como “poeta do amor”.

Além de O Navio Negreiro destacam suas obras: Espumas Flutuantes (1870), A Cachoeira de Paulo Afonso (1876) e Os Escravos (1883).

Na infância, Castro Alves chegou a morar numa fazenda. Isso lhe permitiu conhecer as condições de muitos escravos nas senzalas e se posicionar contra os horrores da escravidão.

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O papel desempenhado pela mulher na colônia não se restringe à dominação

Ao falar da condição da mulher na sociedade colonial, vemos que diversas obras apenas enfocam a supremacia determinada por uma sociedade de traço patriarcal. De fato, grande parte das mulheres estava subordinada ao mando de seus pais e maridos. Muitos documentos descreviam episódios de agressão, clausura e perseguição. No entanto, devemos também revelar a participação das mulheres de outras formas que escapam da lógica da dominação.
No período da economia aurífera, os centros urbanos coloniais foram progressivamente tomados por estabelecimentos comerciais que abasteciam a população local. Segundo recentes pesquisas realizadas pela historiadora brasileira Mary Del Priore, uma farta documentação do século XVIII indica que o número de mulheres envolvidas no comércio era bastante significativo. No ano de 1776, o comércio de Vila Rica tinha setenta por cento de seus estabelecimentos administrados por mulheres.

Alguns relatos reforçam outra perspectiva ao falarem dos casos de mulheres que rompiam com a relação matrimonial e buscavam uma vida autônoma. Apesar de moralmente marginalizadas, essas mulheres não deixavam de impressionar pelas estratégias e ações que determinavam a sua sobrevivência em um mundo tomado pela figura masculina. Não raro, a prostituição aparecia como uma forma de sobrevivência à exclusão e à miséria.

No ambiente doméstico, também podemos ver que a influência feminina poder ser vista no trato com a criadagem ou, até mesmo, na negociação de direitos e tarefas a serem delegadas ou permitidas pelo marido. Além disso, relatos fantasiosos conferiam poder a mulheres capazes de fabricar poções mágicas, invocar orações secretas, rogar pragas ou determinar a cura de doentes. Sendo assim, vemos que o lugar da mulher no ambiente colonial foi mais diverso do que talvez possamos pensar.

https://mundoeducacao.bol.uol.com.br/historiadobrasil/a-mulher-no-mundo-colonial.htm

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O Barroco no Brasil tem início no final do século XVII. No país, essa tendência artística teve grande destaque na arquitetura, escultura, pintura e literatura.

Na literatura, o marco inicial do barroco é a publicação da obra “Prosopopeia” (1601) de Bento Teixeira. Na escultura e arquitetura, Aleijadinho foi sem dúvida um dos maiores artistas barrocos brasileiros.

Contexto Histórico

Influenciado pelo barroco português, no Brasil este estilo se desenvolveu durante o período colonial no chamado “Século de Ouro”.

Foi durante o ciclo do ouro que a exploração desse minério foi a principal atividade econômica desenvolvida no país. Minas Gerais foi o grande foco onde muitas jazidas foram encontradas.

Nessa época, a primeira capital do Brasil, Salvador, foi transferida para o Rio de Janeiro.

Diante disso, o número de habitantes no Brasil aumentou consideravelmente o que propiciou uma época de forte desenvolvimento econômico no país. No barroco mineiro, merece destaque o escultor e arquiteto brasileiro: Aleijadinho.

Características do Barroco

As principais características do barroco brasileiro são:

Linguagem dramática;

Racionalismo;

Exagero e rebuscamento;

Uso de figuras de linguagem;

União do religioso e do profano;

Arte dualista;

Jogo de contrastes;

Valorização dos detalhes;

Cultismo (jogo de palavras);

Conceptismo (jogo de ideias).

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Gregório de Matos foi um dos maiores poetas brasileiros do período do Barroco. Além de poeta, Gregório foi advogado durante o período colonial.

É conhecido como o “Boca do Inferno”, sendo famoso por seus sonetos satíricos, donde ataca, muitas vezes, a sociedade baiana da época.

Dono de uma personalidade rebelde, Gregório criticou diversos aspectos da sociedade, do governo e da Igreja Católica. Por esse motivo, foi perseguido pela Inquisição e condenado ao degredo em Angola no ano de 1694.

Biografia

Gregório de Matos Guerra nasceu em 23 de dezembro de 1636 na cidade de Salvador, Bahia.
Gregório de Matos Guerra nasceu em 23 de dezembro de 1636 na cidade de Salvador, Bahia.

Filho de Maria da Guerra e Gregório de Matos, pertencia a uma família abastada cujo pai era um nobre português.

Gregório estudou no Colégio dos Jesuítas, na Bahia e, em 1691, formou-se em Direito em Coimbra, Portugal.

Trabalhou como juiz, no entanto, sua grande paixão era a literatura. Retornou ao Brasil, exercendo os cargos de vigário-geral e tesoureiro-mor, entretanto, foi afastado por se recusar a usar batina.

Faleceu com 59 anos dia 26 de novembro de 1696, na cidade de Recife. O motivo de sua morte está associado a uma febre que contraiu quando foi condenado ao degredo em Angola.

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(Gregório de Matos)

Triste Bahia! Ó quão dessemelhante
Estás e estou do nosso antigo estado!
Pobre te vejo a ti, tu a mi empenhado,
Rica te vi eu já, a tu mi abundante.

A ti trocou-te a máquina mercante,
Que em tua larga barra tem entrado,
A mim foi-me trocando, e tem trocado,
Tanto negócio e tanto negociante.

Deste em dar tanto açúcar excelente
Pelas drogas inúteis, que abelhuda
Simples aceitas do sagaz Brichote.

Oh se quisera Deus que de repente
Um dia amanheceras tão sisuda
Que fora de algodão o teu capote!

Análise

O poema faz uma crítica à degradação moral e econômica na qual a Bahia se encontrava naquela época. Enquanto os ladrões e comerciantes eram os detentores do poder político e econômico, os trabalhadores encontravam-se na intensa pobreza.

Gregório de Matos ficou conhecido como "Boca do Inferno" por seus poemas satíricos que, entre outras coisas, criticavam a situação econômica da Bahia (local de origem do autor). Nesse poema ele lamenta a situação da Bahia (outrora rica) que é devastada pela exploração, principalmente na época açucareira em que os recursos naturais eram prejudicados para levar riqueza à metrópole.
A Bahia de outrora aparece com um tom nostálgico, e o poeta critica a degradação moral e econômico no qual a cidade se encontra no momento. Os ladrões e oportunistas (comerciantes, etc) são os detentores do poder político e econômico, enquanto os trabalhadores honestos encontram-se na pobreza. Esse tom nostálgico e de lamentação aparece também no famoso soneto “À cidade da Bahia”, em que vemos a decadência dos engenhos de açúcar e a ascensão de uma burguesia oportunista segundo o poeta.
O poema termina com "Oh se quisera Deus que de repente/Um dia amanheceras tão sisuda/Que fora de algodão o teu capote!" que deseja que um dia a Bahia se torne livre com a humildade de um tecido de algodão, longe dos tecidos finos da Europa.
A melancolia com doses de saudades, pesar e exagero é uma marca do período literário o qual Gregório de Matos fez parte, o período barroco, o que coloca mais profundidade no sentimento do autor representado no poema.

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Para entender a obra de Gregório de Matos é preciso conhecer o contexto histórico no qual ele está inserido, uma vez que grande parte de sua poesia (principalmente a satírica) faz alusão a duas de suas maiores referências: o Brasil e Portugal. No final do século XVII, Portugal estava em decadência, sendo que o sistema escravocrata não conseguia mais sustentar a economia da Metrópole. Assim, Portugal impunha ao Brasil uma série de restrições comerciais a fim de conseguir vantagens. Por conta disso, os senhores do engenho e proprietários rurais brasileiros passaram a enfrentar uma forte crise económica.
Em contrapartida à crise do mercado de escravos e do engenho de açúcar, surge uma rica burguesia composta por imigrantes vindos de Portugal e que comandavam o comércio na colônia. Esta rica burguesia dominou também o mercado de crédito e outros contratos reais. Por conta do monopólio gerado por estes imigrantes, agravou-se a crise dos proprietários rurais brasileiros e a hostilidade entre esses dois grupos foi crescendo ao longo dos anos.
Gregório de Matos, como filho de senhor de engenho e bacharel em Direito, encontra-se em uma posição central neste cenário, tendo condições de pensar e analisar seu momento histórico sob diversas perspectivas. Gregório de Matos, apesar de ter tido diversos cargos de poder, resolve desligar-se de tudo e viver à margem da sociedade como um poeta itinerante, percorrendo o recôncavo baiano e frequentando festas e rodas boemias. Porém, mesmo distanciado da sociedade hipócrita a qual ele condena, ele também se insere nela, pois Gregório ainda depende da nobreza e vive à custa de favores deles. Ao mesmo tempo, ele encara o papel do portador de uma “voz crítica” sobre essa mesma sociedade na qual ele se insere.
Se de um lado existe a obra satírica de Gregório de Matos, onde ele expõe e critica sem nenhum pudor a sociedade da época, de outro lado há também a poesia lírica produzida por ele. Seus poemas líricos são comumente divididos em: lírico-amorosos e burlescos/eróticos. Há ainda uma vasta produção de poemas com temática religiosa. Porém, há de se ressaltar que a ironia e crítica social existente nos poemas satíricos não são deixados de lado em sua produção lírica e religiosa.
Na poesia amorosa e erótica de Gregório de Matos, o tema básico continua sendo o choque de opostos: “espírito” e “matéria”, “ascetismo” e “sensualismo”. Essa visão dualista também aparece na figura da mulher desejada, sendo que esta representa uma espécie de “anjo-demônio”. É interessante notar que na obra de Gregório de Matos o “outro lado” em um par de opostos sempre irá conter um pedaço do seu par antagônico. Ou seja, se tomarmos por exemplo a figura da mulher, quando ela aparece como um ser angelical, ela também terá uma parte demoníaca, e vice-versa.
Dessa forma, a poesia lírico-amorosa de Gregório de Matos é construída em torno de contradições e pares de opostos, utilizando figuras de linguagens como o oximoro, que reforça essas contradições. Porém, deve-se ter em mente que estas contradições não se anulam e a mensagem final que o poeta passa é de que “diferença é identidade”. Já a poesia erótica de Gregório de Matos, na qual o poeta utiliza uma linguagem mais direta e explícita do que na lírico-amorosa, o amor carnal aparece como forma de libertação do corpo e, por consequência, do indivíduo também.
Por fim, tem-se a poesia religiosa de Gregório de Matos, que também é trabalhada constantemente através de pares de opostos. O ambiente fortemente cristão do período barroco, faz-se presente aqui, onde os pares antagônicos da vez é a “culpa” versus “perdão”. Gregório de Matos faz uso da poesia para se libertar e ela é a única forma possível de salvação para o poeta. Esta salvação não se dá somente entre o poeta e Deus, mas também perante a sociedade e si mesmo.

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Anjo no nome, Angélica na cara,

Isso é ser flor, e Anjo juntamente,

Ser Angélica flor, e anjo florente,

Em quem, senão em vós se uniformara?

Quem veria uma flor, que a não cortara

De verde pé, de rama florescente?

E quem um Anjo vira tão luzente,

Que por seu Deus, o não idolatrara?

Se como Anjo sois dos meus altares,

Fôreis o meu custódio, e minha guarda

Livrara eu de diabólicos azares.

Mas vejo, que tão bela e tão galharda,

Posto que os Anjos nunca dão pesares,

Sois Anjo, Que me tenta, e não me guarda.

(Gregório de Matos)

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O Arcadismo foi um estilo literário que surgiu na Europa no século XVIII, durante a ascensão da Revolução Industrial e sob forte influência do Iluminismo.

Também conhecida por Setecentismo ou Neoclassicismo, esta vanguarda buscava reviver os valores estéticos do período clássico, valorizando o desejo por uma vida harmoniosa e equilibrada do homem na natureza.

Para conhecer melhor essa escola literária, confira algumas das suas principais características:

Exaltação da natureza

Os autores árcades desprezavam o estilo de vida agitado das cidades. Para eles, as pessoas que viviam nos grandes centros urbanos se comportavam como "selvagens" e perdiam a essência do "homem natural" do campo.
Por isso, esses artistas valorizavam a simplicidade e a tranquilidade que emanava da natureza, temas estes que eram recorrentes em suas obras.

No entanto, observa-se que a exaltação das belezas naturais e a simplicidade da vida no campo eram assuntos totalmente opostos a realidade que vivenciada naquela época.

A revolução industrial começa a provocar um forte êxodo rural, onde as pessoas saem interior para trabalhar nas cidades, a procura de melhores serviços e recursos.

Bucolismo e Pastoralismo

O bucolismo, ou seja, a descrição de cenas onde o homem simples do campo vive em harmonia com a natureza é uma das características mais importantes do arcadismo.
Os árcades buscam expressar a ideia de uma vida tranquila, amena e natural, onde o caos das cidades é substituído pelos cenários bucólicos do campo.

Assim como o bucolismo, o pastoralismo também se refere ao modo simples, ingênuo e tranquilo que o personagem é apresentado. É feita uma associação constante aos pastores de ovelhas e o modo como estes vivem, do ponto de vista dos autores neoclássicos.

O pastoralismo é representado através da linguagem racional, simples e clássica dos poemas neoclássicos, ou seja, sem qualquer tipo de rebuscamento no vocabulário.

Valorização das tradições clássicas

A arte feita durante o período clássico (Grécia e Roma Antiga) serviu de inspiração para os autores árcades. Desta forma, justifica-se a marcante presença da mitologia greco-romana nas obras arcadistas.
Outra característica que remete ao período clássico é o uso de palavras ou expressões latinas nos textos, como por exemplo:

locus amoenus ("lugar ameno");

fugere urbem ("fugir da cidade");

carpe diem ("aproveitar o dia"), entre outras.

Essas citações em latim acabavam por representar a visão ideal do arcadismo.

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O simplismo pretendido no arcadismo era totalmente oposto ao estilo artístico anterior: o Barroco. Este era baseado em excessos e exageros, seja nas artes plásticas (obras muito ornamentadas) como na literatura (uso constante de hipérbatos e hipérboles, por exemplo).

Enquanto que o arcadismo tinha como referência o ser humano como centro do mundo, a partir das ideias antropocêntricas disseminadas pelos iluministas, o barroco agiu como uma ferramenta de contrarreforma para reavivar a fé cristã.

Ausência da subjetividade

Os artistas do arcadismo seguem uma "fórmula" para produzir os seus poemas, onde há a presença de uma musa para ser louvada (amor respeitoso), um pseudônimo pastoril (personagem que vive no campo) e como pano de fundo um cenário bucólico.
Desta forma, não há espaço para a externalização dos sentimentos do autor, mas sim a representação do ideal de vida simples e campestre que os árcades valorizavam.

Uso de pseudônimos

Os autores árcades adotavam nomes falsos para assinar as suas obras. Porém, esses pseudônimos deviam remeter a nomes tradicionalmente associados aos homens do campo.
Esse pseudônimo pastoril (ou nome arcádico, como também era conhecido) tinha de ser simples, pois a simplicidade era uma das palavras-chave para os árcades ao imaginar a essência da vida no campo

Dirceu, por exemplo, era o pseudônimo de Tomás António Gonzaga, um dos principais nomes do arcadismo / neoclassicismo brasileiro.

Fingimento poético

Devido ao fato de serem obras feitas, em sua grande maioria, a partir de pseudônimos, nas poesias arcadistas também era comum o fingimento poético.
Em suma, consiste na expressão de emoções que não são próprias do poeta, mas sim simulações ou imitações de sentimentos do classicismo renascentista, e apresentados através de seus pseudônimos.

Líricas ou épicas

Os poemas arcadistas são classificados em dois gêneros: líricos e épicos.
Os textos líricos contêm as características básicas dessa escola literária, como a exaltação do campo, a presença de uma musa inspiradora, a harmonia com a natureza, o pastoralismo, o bucolismo, etc.

Já os poemas épicos se diferenciam por retratar fatos históricos, onde o destaque está na ação heroica de determinado personagem ou nação, por exemplo.

No Brasil ainda é identificado um terceiro gênero: satírico. Este é representado pela obra "Cartas Chilenas" de Tomás António Gonzaga, onde faz uma série de críticas ao governo de Minas Gerais da época.

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Os poetas árcades escreviam sobre temáticas relacionadas com as belezas do campo e a paz da natureza, contemplando a vida simples. Costumavam criticar e desprezar a vida nas grandes cidades e centros urbanos, pela agitação e pelos problemas da vida moderna.

Os árcades eram formados pela sociedade burguesa da época, que repudiava o comportamento mais "selvagem" da vida social. Eles preferiam a simplicidade do "homem natural" como ideal de vida, como escreveu o filósofo Jean-Jacques Rousseau.

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Os Inconfidentes: líderes da Inconfidência Mineira

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Os Inconfidentes: líderes da Inconfidência Mineira

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Os líderes da Inconfidência juram sobre a bandeira do movimento

Os inconfidentes eram, em sua maioria, grandes proprietários ou mineradores, padres e letrados, como Cláudio Manuel da Costa. Oriundo de família enriquecida na mineração, havia estudado em Coimbra e foi alto funcionário da administração colonial. Por sua parte, Alvarenga Peixoto era minerador e latifundiário.

Tomás Antônio Gonzaga, escritor e poeta, depois de estudos jurídicos na Europa, tornou-se ouvidor (juiz) em Vila Rica.

Francisco de Paula Freire, tenente coronel e comandante do Regimento dos Dragões, tropa militar de Minas Gerais, estava hierarquicamente logo abaixo do governador.

Joaquim José da Silva Xavier, chamado de Tiradentes, era filho de um pequeno fazendeiro. Dotado de grandes habilidades, ganhou a vida como militar, dentista, tropeiro e comerciante.

Foi o mais popular entre os conspiradores. Embora não tenha sido o idealizador do movimento, teve papel importante na propagação das ideias revolucionárias junto ao povo.

Objetivos

Os Inconfidentes tinham uma série de propostas para a capitania de Minas Gerais como:

Romper com Portugal e adotar um regime republicano (a capital seria São João del Rei);

Criar indústrias;

Fundar uma universidade em Vila Rica;

Acabar com o monopólio comercial português;

Adotar o serviço militar obrigatório.

A bandeira do novo país seria um pavilhão que conteria a frase latina Libertas quae sera tamen (Liberdade ainda que tardia). Mais tarde, um desenho semelhante e o lema seriam a base para a criação da bandeira do Estado de Minas Gerais.

A revolta deveria ter início no dia do derrama, que o governo programara para 1788 e acabou suspendendo quando soube da conjuração.

Os planos dos inconfidentes foram frustrados porque três participantes da conspiração procuraram o governador, Visconde de Barbacena, para delatar o movimento.

Foram eles: o coronel Joaquim Silvério dos Reis, o tenente coronel Basílio de Brito Malheiro do Lago e o mestre de campo (militar) Inácio Correia Pamplona.

Tiradentes, que viajava para o Rio de Janeiro com o objetivo de adquirir armas, foi preso naquela cidade, no dia 10 de maio de 1789.

Após três anos sendo processado, todos os participantes foram perdoados ou condenados ao degredo. Somente Tiradentes foi condenado à morte e executado no dia 21 de abril de 1792, no campo de São Domingos, no Rio de Janeiro. Após o cumprimento da sentença, o corpo foi esquartejado e ficou exposto à execração pública.

A Questão da Escravidão

Não havia consenso com relação à libertação dos escravos. Alguns inconfidentes, entre eles Tiradentes, eram favoráveis à abolição da escravidão, enquanto outros eram contrários e queriam a independência sem transformações sociais de grande impacto.

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Bucólico significa campestre, rural, gracioso. Refere-se à natureza e às belas paisagens do campo.Significa também ingênuo, simples ou puro.
O termo bucólico tem origem etimológica no grego "boukolikos" (pastoril, rústico), formado a partir de "boukolos" (vaqueiro), uma junção de "bous" (vaca) + "kolos" (cuida de).

O Bucolismo é um gênero literário poético em que os autores exaltam a vida no campo, a simplicidade e ingenuidade dos costumes, a tranquilidade e riqueza do contato com a natureza, e os hábitos peculiares dos pastores.

É uma poesia caracterizada pela idealização de um cenário de paz e sossego, em contraste com o corre-corre, confusão e agitação da vida na cidade.

Com o pleno desenvolvimento dos centros urbanos no século XVIII, a paisagem bucólica representava um refúgio à opressão vivida pela sociedade daquele período.

Os textos literários que caracterizam o Arcadismo (inspirados numa região campestre denominada Arcádia, na Grécia Antiga), também são marcados pelo enaltecimento de tudo o que está relacionado com a natureza e a vida no campo.

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Literatura - Aula 6: Romantismo (poesia)

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O Romantismo no Brasil teve como marco inicial a publicação do livro de poemas de Gonçalves de Magalhães (1811-1882), intitulado "Suspiros poéticos e saudades", em 1836.

Além dessa obra, a Revista Niterói, publicada nesse mesmo ano em Paris, também foi precursora do movimento romântico na Brasil.

Esse período é caracterizado por manifestações culturais, artísticas e literárias iniciadas na Europa no século XVIII.

Principais Características
As principais caraterísticas da literatura romântica no Brasil são:

Rompimento com a tradição clássica;

Amor platônico, idealismo;

Idealização da mulher;

Subjetivismo e egocentrismo;;

Indianismo (tema do índio);

Nacionalismo e ufanismo;

Culto à natureza;

Sentimentalismo exacerbado;

Maior liberdade formal;

Religiosidade;

Evasão e escapismo.

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1ª Fase Romântica

As características da primeira geração romântica é o Nacionalismo e o Indianismo.

Aqui os escritores exploram temas como: natureza, sentimentalismo, religiosidade, ufanismo, nacionalismo.

Nesse sentido, o indianismo, expressa uma das buscas aos temas nacionais, visto que o Brasil havia conquistado sua independência pouco antes, em 1822.

Interessante notar que nessa fase, os autores buscam um retorno ao passado histórico bem como ao medievalismo.
A Primeira Geração Romântica tem como principais características:

Exaltação da natureza e da liberdade

Religiosidade

Figura do índio ou indianismo

Sentimentalismo, emoções

Nacionalismo-ufanista

Brasileirismo (linguagem)

Nesse momento, merecem destaque os autores:

Gonçalves Dias

Gonçalves de Magalhães

José de Alencar

2ª Fase Romântica

Conhecida como a geração do “Mal do Século” ou “Ultrarromântica”, a segunda geração romântica foi profundamente influenciada pela poesia do inglês George Gordon Byron, (1788-1824). Por isso, é muitas vezes chamada de geração “Byroniana”.

Marcada por aspectos negativos, a poesia desse período romântico é permeada dos temas: egocentrismo, negativismo, pessimismo, dúvida, desilusão, boêmia, exaltação da morte e fuga da realidade.
A Segunda Geração Romântica tem como principais características:

Profundo subjetivismo

Sentimentalismo exacerbado

Pessimismo e melancolia

Egocentrismo e individualismo

Fuga da realidade

Escapismo

Saudosismo

No Brasil, os principais escritores dessa geração foram:

·         Álvares de Azevedo

·         Casimiro de Abreu

·         Fagundes Varela

·         Junqueira Freire

3ª Fase romântica

Chamada de “Geração Condoreira”, a terceira geração romântica é caracterizada pela poesia libertária e social.

Com isso, o período está associado ao condor, águia da cordilheira dos Andes, com o intuito de revelar sua mais importante característica: a liberdade.

Vale lembrar que essa geração sofreu muita influencia do escritor francês Victor-Marie Hugo (1802-1885), daí ser conhecida também como geração “Hugoana”.
Características

A Terceira Geração Romântica tem como principais características:

Erotismo

Pecado

Liberdade

Abolicionismo

Realidade social

Negação do amor platônico

No Brasil, seu principal representante foi:

Castro Alves

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Na literatura brasileira, o Indianismo corresponde a uma das tendências literárias mais marcantes do período romântico.
O nome dessa tendência remete a figura escolhida para exaltar aspectos nacionais: o índio, considerado o “bom selvagem”, símbolo da inocência e pureza.

No continente europeu os cavaleiros medievais eram as figuras românticas que representavam o bom herói, idealizado, corajoso e forte. Já no Brasil, a figura romântica do novo herói era a do índio.

Isso foi essencial para resgatar uma identidade nacional, que ficasse mais próxima do contexto nacional.

José de Alencar foi um dos mais representativos escritores brasileiros que explorou a mitificação do índio como herói nacional.

Após a independência do Brasil (1822), o país passava por diversas transformações sociais, políticas e econômicas.

Após a separação da Metrópole, os brasileiros, imbuídos pelo espírito anticolonialista e nacionalista, buscavam uma identidade nacional. Ou seja, genuinamente brasileira e afastada dos moldes europeus.

Destarte, os artistas passam a buscar temas nacionais com o intuito de criar uma cultura do próprio país, e a partir disso, o índio foi eleito o nosso “herói nacional”.

Note que essa personalidade idealizada não poderia ser figurada pelo “português” ou o “africano”. O português estava relacionado com a figura do colonizador e explorador das terras, e o africano, com a força escrava utilizada durante muito tempo no Brasil Colonial.

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Iracema é uma obra do escritor romântico cearense José de Alencar.

Publicada em 1865, trata-se de um romance indianista, com presença de elementos indígenas, mitológicos e históricos.

Lebre-se que o indianismo foi um movimento que esteve associado à primeira fase do romantismo no Brasil.

Com o intuito de buscar um tema nacional, o índio foi eleito. Por isso, é chamada de geração “nacionalista-indianista”.

Resumo e Trechos da Obra
Composta de 33 capítulos, Iracema possui grande valor estético e histórico. Essa obra relata a história de amor entre a índia Iracema e o europeu Martin Soares Moreno.

O romance começa porque Martin ficou encarregado de colonizar a região, atual Ceará. Foi ali que ele conheceu "Iracema, a virgem dos lábios de mel".
Personagens

Iracema: protagonista da história e índia da tribo dos tabajaras.

Caubi: índio tabajara e irmão de Iracema.

Araquém: pajé da tribo tabajara e pai de Iracema e Caubi.

Andira: Irmão de Araquém e velho guerreiro da tribo tabajara.

Moacir: filho de Iracema e Martim, o primeiro brasileiro miscigenado.

Irapuã: apaixonado por Iracema, é o chefe dos guerreiros tabajaras.

Martim: português encarregado de colonizar a região. Ficou amigo dos índios potiguaras e depois de batizado recebeu o nome indígena “Coatibo”.

Japi: cão de Martim.

Poti: amigo de Martim, herói dos índios potiguaras.

Jacaúna: chefe dos guerreiros potiguaras, irmão de Poti.

Batuirité: avô de Poti e Jacaúna. Teve a visão sobre a destruição de seu povo pelos portugueses.

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(Gonçalves Dias)
A Canção do Exílio, que começa com os versos "Minha terra tem palmeiras, onde canta o Sabiá", foi publicado em 1857 no livro “Primeiros Cantos”.

É um dos poemas líricos mais conhecidos do poeta romântico brasileiro Gonçalves Dias:

"Minha terra tem palmeiras,
Onde canta o Sabiá;
As aves, que aqui gorjeiam,
Não gorjeiam como lá.

Nosso céu tem mais estrelas,
Nossas várzeas têm mais flores,
Nossos bosques têm mais vida,
Nossa vida mais amores.

Em cismar, sozinho, à noite,
Mais prazer encontro eu lá;
Minha terra tem palmeiras,
Onde canta o Sabiá.

Minha terra tem primores,
Que tais não encontro eu cá;
Em cismar — sozinho, à noite —
Mais prazer encontro eu lá;
Minha terra tem palmeiras,
Onde canta o Sabiá.

Não permita Deus que eu morra,
Sem que eu volte para lá;
Sem que desfrute os primores
Que não encontro por cá;
Sem qu'inda aviste as palmeiras,
Onde canta o Sabiá."

Análise do Poema

Sem dúvida, a “Canção do Exílio” de Gonçalves Dias, é um dos mais emblemáticos poemas da fase inicial do romantismo.

Nele o autor expressa o nacionalismo ufanista por meio da exaltação da natureza.

Composto por cinco estrofes, sendo três quartetos e dois sextetos, o autor escreveu esse poema em julho de 1843, quando estava estudando Direito na Universidade de Coimbra, em Portugal. Assim, com saudades de seu país, sentia-se exilado.

Essa saudade fica bastante evidente na última estrofe, em que o poeta expressa o seu desejo de regressar:

"Não permita Deus que eu morra,
Sem que eu volte para lá;".

Curioso notar que dois versos da Canção do Exílio são mencionados no Hino Nacional Brasileiro, composto em 1822: “Nossos bosques têm mais vida, Nossa vida, (no teu seio) mais amores”.

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O Navio Negreiro é uma obra do escritor baiano romântico Castro Alves (1847-1871) que foi publicada em 1869.

Trata-se de uma poesia abolicionista, onde o autor aborda o tema da escravidão no Brasil.

Características da Obra

O Navio Negreiro um poema épico dramático dividido em seis partes. Nessa obra, Castro Alves relata as condições dos navios negreiros, os quais traziam escravos africanos para o Brasil.

Sentimento de liberdade, nacionalismo ufanista, denúncia social e busca de uma identidade nacional, são algumas das principais caraterísticas da poesia abolicionista de Castro Alves.

Além de descrever aspectos do navio de escravos, Castro Alves apresenta também a natureza circundante (o mar, o céu, o luar).

Numa narrativa vibrante e com uma linguagem expressiva, o autor vai aos poucos denunciado as precárias condições dos escravos. Dessa forma, ele vai tecendo diversas críticas a esse sistema tão desumano.

Para compor essa obra dramática ele utiliza diversas figuras de linguagem: metáforas, comparações, personificação, anáforas, dentre outras.

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(é apenas para assistir aos primeiros 5 min)

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Castro Alves, conhecido como “poeta dos escravos”, foi um dos maiores representantes da Terceira Geração Romântica no Brasil (1870 a 1880).

Esse período foi chamado de “Geração Condoreira” (associado a ave condor, emblema dos Andes) ou “Geração Hugoniana” (referente ao poeta francês Victor Hugo).

Os poetas dessa fase estavam dedicados em apresentar uma poesia social e libertária, bem diferente das características das outras gerações românticas.

Ainda que seja um dos maiores representantes da poesia abolicionista e social, Castro Alves apresenta obras de caráter lírico-amoroso. Por esse motivo, é também conhecido como “poeta do amor”.

Além de O Navio Negreiro destacam suas obras: Espumas Flutuantes (1870), A Cachoeira de Paulo Afonso (1876) e Os Escravos (1883).

Na infância, Castro Alves chegou a morar numa fazenda. Isso lhe permitiu conhecer as condições de muitos escravos nas senzalas e se posicionar contra os horrores da escravidão.

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A difusão da prosa romântica foi impulsionada pelo folhetim. Os folhetins eram capítulos de romances de periodicidade semanal publicados em jornais.

Por meio deles, o romance tornou-se extremamente popular e por ele, o sentimento de democracia aflorado no País foi alastrado.

Com o folhetim, a literatura passa de bem destinado à aristocracia e ultrapassa a exclusividade da nobreza.

Surgem os primeiros consumidores da produção literária e a literatura é expandida ao leitor comum. E é pelo folhetim que a prosa do Romantismo alcança o sucesso que obteve no Brasil.