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El tema que escogí para desarrollar durante el semestre son las expresiones faciales y corporales. La expresión facial es uno de los medios más importantes para expresar las emociones y el estado de movimiento, esto nos ayuda a comprender lo que los demás nos están tratando de comunicar. A su vez la expresión corporal también es una forma básica para la comunicación. No escogí como tema a las expresiones como un todo ya que estas abarcan muchos más factores como las palabras, ideas o pensamientos que buscan representar algo, yo quiero estudiar la historia del arte a través de las expresiones faciales y corporales únicamente.  Por lo tanto cada vez que utilice o haga referencia a las expresiones me estaré refiriendo a las faciales y corporales.

Como lo pudimos ver en la primera clase, desde las primeras formas de arte los humanos ya estaban retratando y esculpiendo a su entorno, por lo tanto si analizamos las expresiones podemos saber cómo se sentían las personas en los diferentes periodos del arte y que era lo que los diferentes autores nos querían mostrar.

Me interesa mucho este tema ya que es muy transcendental en la historia, una persona en el siglo XIX no actuaba de la misma forma que en el siglo XX, con el pasar del tiempo, las costumbres, los problemas y el entorno cambia. Este tema me da muchas opciones para escoger, ya que muchas obras a pesar de no estar en movimiento si tienen rostros que me están diciendo algo, como en La Celestina de Picasso. A su vez puede haber cuadros sin rostros, pero que sus expresiones corporales me estén mostrando sus emociones como El caminante sobre el mar de nubes, de  Caspar David Friedrich.  Por lo tanto estoy convencido de que le sacare mucho provecho a este tema y estoy muy emocionado de empezar a analizar los diferentes periodos bajo esta perspectiva.

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Arte Prehistorico:  La piedra Coldstream 

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Arte Prehistorico:  La piedra Coldstream 

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Título: La piedra Coldstream
Autor desconocido
Técnica: Ocre rojo y blanco sobre piedra coldstream.
¨Fecha: 9.000-7000a.C
Dimensiones: 30cm
Lugar: Museos Iziko de Sudáfrica
Criterio: Composición

La piedra de Coldstream fue encontrada en 1911 y es una de las primeras piezas conocidas del arte de Sudáfrica.

Como podemos observar en la piedra se ven tres figuras humanas, la que está en medio lleva lo que parece ser en un principio un equipo de caza ya que podemos apreciar una vaina de flechas sobre su hombro.

En las tres figuras podemos ver que tienen manchas en las caras, esto según el Museo británico ¹ representan manchas de sangre lo que concuerda con las tradiciones bosquimanas, por lo que es posible que sean chamanes.

En un principio si solo vemos a la figura central podríamos pensar que estos tres individuos estaban cazando o van a cazar ya que podemos ver que los personajes no están estáticos.

Aquí podemos ver las expresiones de los personajes y lo que realmente nos quiere transmitir la obra. El Museo Británico también nos dice que la piedra fue encontrada encima de donde habría estado la cabeza de un entierro humano.

Por lo tanto se concluyó que la piedra está representando a unos chamanes que estaban realizando una danza.

Esto también se puede deducir viendo la composición de la obra, las figuras de las esquinas parecen estar moviendo los brazos mientras el de la mitad sostiene lo que en un principio es un equipo de caza ahora sabiendo lo que están haciendo también podrían ser otras cosas, lo que se ve en su mano izquierda perfectamente podría ser una copa.

Esto nos indica que el arte en la prehistoria en ese lugar tenía un uso para los rituales, o quizás la persona que lo hizo simplemente quería retratar su tradición.

Viendo otros detalles de su composición podemos ver como la figura de la izquierda no tiene cabello, mientras que la del centro si tiene y la de la derecha lo tiene rojo.

También podemos ver los detalles negros que tiene cada figura en sus rodillas, tobillos, hombros, muñecas y cuellos. Lo que podría simbolizar alguna prenda.

Otro detalle es el contraste en el color ya que la figura del medio es un poco más oscura que las otras figuras.

Bibliografía:

1) “Sudáfrica: el arte de una nación”, Current Archaeoloy, 3 de enero de 2017. https://www.archaeology.co.uk/articles/features/south-africa-the-art-of-a-nation .htm #: ~: text = En% 20contraste% 20with% 20the% 20small, mide% 202.5m% 20in% 20length.

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Título: Modelo de barco deportivo

Autor desconocido

Técnica: madera elucida y pintada, lino, hilo de lino, cobre

Dimensiones: Barco con timón y remos: L. 121,7 cm (47 15/16 pulg.); H. 34,3 cm (13 1/2 pulg.); Ancho 30,6 cm (12 1/16 pulg.)
Casco: L. 112,5 cm (44 5/16 pulg.); W. 23,7 cm (9 5/16 pulg.)

Fecha: California. 1981-1975 a. C.

Lugar: Museo Metropolitano de Arte.

Criterio: composición.

Esta pieza fue encontrada en tumba de Meketre en 1920.

Meketre fue un canciller y alto administrador durante el reinado de Mentuhotep II, Mentuhotep III y quizás Amenemhat I, durante el Reino Medio. En este mismo lugar fueron encontrados varias piezas de madera que representaban las actividades diarias y el estilo de vida de este individuo en el Antiguo Egipto.

En esta pieza en concreto podemos ver bastante movimiento que nos describe una situación.

En primer lugar podemos ver a Meketre con su hijo o compañero a la izquierda, los cuales están observando las diferentes actividades realizadas por el resto de la tripulación. Ellos se encuentran en su refugio hecho con tejidos y adornado con escudos.

Al frente de Meketre se encuentra la única figura femenina la cual le está mostrando algunos patos que se han cazado. Sabemos que esta figura es femenina por el vestido y los adornos que lleva, los cuales la diferencian de cualquier otro personaje, además de que también tiene el cabello largo y un adorno en su cabeza.

Esto nos podría indicar que quizás esta figura es más relevante que los otros tripulantes.

Podemos seguir viendo al resto de la tripulación que está haciendo diversas actividades, unos reman, otros dos en la proa apuntan con arpones a algunos peces y otro esta arrodillado quitándole el arpón a un pez recién cazado.

Las expresiones corporales de estos individuos y la composición de la obra nos muestran un panorama donde se ve una actividad recreativa de este alto mando en particular. Donde se le ve muy tranquilo, sentado casi sin moverse, viendo como el resto de su tripulación hace todas las actividades.

Otro detalle de la obra es el remo grande que se encuentra detrás del refugio de Meketre. Este sirve para ayudar a darle al barco dirección.

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Arte Griego: Dios del Cabo Artemisio y Púgil en Reposo

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Arte Griego: Dios del Cabo Artemisio y Púgil en Reposo

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A la izquierda:
Título: Dios del Cabo Artemisio.
Autor
desconocido aunque se lo atribuyen con poca seguridad a Kalamis.
Técnica: Bronce,
técnica de la cera perdida.
Fecha: 460 a.C.
Dimensiones: 210 cm.
Lugar: Museo
Arqueológico Nacional de Ateneas.
Criterio: Composición.

A la derecha:
Título: Púgil en Reposo
Autor: atribuido a Apolonio
Técnica: Bronce, técnica de la cera perdida
Fecha: s. I a. C.
Dimensiones: 120 cm
Lugar: Museo Nazionale Romano
Criterio: Composición.

Con estas dos magníficas esculturas podemos analizar los periodos estudiados en clase y como cada uno representa distintos valores para la sociedad. En primer lugar tenemos la escultura “Dios del Cabo Artemisio” la cual representa a Poseidón momentos después de lanzar un tridente (se cree que puede representar a Zeus lanzando un rayo pero por la forma de la mano se ha concluido que es Poseidón).  Esta obra fue realizada en el año 460 a.C aproximadamente por lo que podemos decir que fue realizada a finales o durante la transición del arcaísmo al clasicismo. Esta tiene muchas características que lo demuestran, por ejemplo, ya no se usa la ley de frontalidad por lo que la escultura puede ser observada por todos los puntos de vista. También podemos ver que no existe la rigidez y hay una sensación de movimiento, la obra nos muestra una expresión, en este caso el momento en el que el dios lanza el tridente. Podemos apreciar que pese a que el movimiento se puede ver limitado, hay una gran apertura de brazos, pies y cabeza que la diferencian notoriamente de las obras del arcaísmo. Sin embargo esta pieza tiene muchas características clave de la edad clásica, empezando porque la obra mide 2,1 metros, medida en la que los griegos representaban a los dioses. La obra nos muestra cómo era la belleza ideal para los clásicos ya que se puede apreciar el cuerpo desnudo masculino con una gran perfección anatómica y unas expresiones faciales que representan calma, serenidad y tranquilidad.  El cuerpo es perfecto, tanto en su musculatura como en la barba y el cabello. Además, la escultura forma un cuadro perfecto, ya que la anchura de los brazos es igual a la altura de la figura. Básicamente las expresiones  de Poseidón nos muestran como los griegos clásicos apreciaban y buscaban más la belleza ideal, las proporciones perfectas y la tranquilidad.

Por otra parte tenemos al “Púgil en Reposo” una obra que representa un cambio en la percepción de los griegos ya que esta escultura es mucho más realista. En este boxeador podemos ver a diferencia del Poseidón, que se abandonan los conceptos estéticos del periodo clásico. Hay mucha más expresión, movimiento y dinamismo en la obra. Podemos ver como el boxeador gira la cabeza, pareciera que alguien le habla por sorpresa o que después de una dura batalla se sienta a ver a la multitud de espectadores. Su cara es mucho más expresiva, no es perfecta como en el clasicismo, es realista. Nos muestra dolor, preocupación e incertidumbre, no solo en su rostro, donde además de ver su expresión podemos ver como este sangra, tiene rasguños e incluso se le ven muy golpeadas las orejas. También tiene heridas en los pies y manos, la nariz rota y muchas cicatrices más. La obra nos muestra las expresiones cotidianas de un boxeador en su día a día y como este tiene un volumen anatómico muy natural y no tan geométrico como en las épocas anteriores. Esta obra incluso podría representar como es la vida para el artista, ya que un boxeador no siempre gana las luchas, a veces  la vida nos da golpes y nos sentimos agobiados, cansados e incluso desorientados como el Púgil en Reposo. En conclusión podemos ver a través de las expresiones que en la etapa Helenística los griegos de alejaron de los valores clásicos y dejaron de idealizar la belleza, por el contrario, buscaban profundizar en la realidad a través de las diferentes pasiones y sentimientos.

Bibliografía:

- “Poseidón Cabo Artemisio. Comentario y Análisis”. Aula De Historia, 30/8/2016. https://www.auladehistoria.org/2016/08/poseidon-cabo-artemisio-comentario-y.html

-“Púgil en Reposo”. Aula De Historia, 21/11/2016. https://www.auladehistoria.org/2016/11/pugil-en-reposo-comentario.html

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Título: Bodas Aldobrandinas

Autor desconocido

Técnica: Pintura al fresco

Dimensiones: 120cm de alto x 260cm de ancho.

Fecha: 27 a.C – 14 d.C

Lugar: Biblioteca Apostólica del Vaticano en Roma

Criterio: composición.

Esta obra en primer lugar hay que destacar que fue hecha en el periodo imperial de Roma cuando estaba dirigida por el emperador Augusto. En la composición de esta obra podemos ver tres escenas que nos están narrando como era una boda en la Roma imperial. En el lado izquierdo podemos ver a la matrona que está tocando el agua (como si le estuviese tomando la temperatura), al lado de ella hay un niño y otra mujer que está preparando el agua para el lavatorio de la novia. En la escena de la derecha nos encontramos con tres mujeres jóvenes alrededor de un quemador de incienso, esta escena es al aire libre y una de las mujeres está tocando la lira, otra está vertiendo cosas y la del medio se destaca por tener lo que parece ser una corona de hojas. Lo más interesante esta en el medio, aquí podemos ver que esta escena se desarrolla a las afueras de su casa. También podemos ver a la novia, a una mujer semidesnuda vertiendo aceite en un pilar y a otra al lado de la novia. Por ultimo está el hombre sentado con el torso desnudo y un adorno de hierbas en la cabeza observando a la novia.

Como bien sabemos en este periodo ya no se buscaba la perfección en el arte y se empezaban a retratar cosas más reales y cotidianas como lo es una boda. En esta pieza me parece fundamental las expresiones de los personajes ya que refleja los sentimientos de una situación tan importante para ese momento como lo es el matrimonio. En el momento del matrimonio la mujer perdía la virginidad, por eso podemos ver al hombre que es el novio semidesnudo. La novia que está en el centro cubierta con mantos y con velo se siente ansiosa y por este momento tan importante para su vida, motivo por el cual la otra mujer la está reconfortando para calmarla. La obra como tal nos muestra un matrimonio, pero las expresiones nos muestran la relevancia del matrimonio y los sentimientos encontrados por las personas que se casaban en la Roma imperial.

A través de los años muchos críticos intentan relacionar esta obra con la mitología, diciendo que quizás la que le está dando ánimos a la novia es Afrodita, o que la matrona es la diosa del matrimonio Hera e incluso de que puede ser una representación de la boda de las deidades Baco y Cora. Sin embargo la mayoría concuerda en que esto solo se trata de una boda como cualquier otra y de los sentimientos que esta genera.

“Bodas Aldobrandinas” 14/01/2019 http://kokitaerihistoriadelarte.blogspot.com/2019/01/bodas-aldobrandinas.html

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Arte paleocristiano: Curación de la hemorroísa

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Arte paleocristiano: Curación de la hemorroísa

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A la izquierda
Título: Cruación de la hemorroísa

Autor desconocido

Técnica: Pintura al fresco

Fecha: Siglo III d.C

Lugar:  Catacumbas de los santos Pedro y Marcelino, Roma.

Criterio: Figura

A la derecha:
Título: Virgen de Vladimir
Autor desconocido
Técnica: témpera sobre madera
Fecha: s.XII d.C
Dimensiones:  77 por 55,3 cm
Lugar: Galeía Tretiakov de Moscú
Criterio: Figura y conexión con el espectador.

Ambas obras a pesar de tener contenido religioso son muy diferentes, tanto en la época donde fueron realizadas como el fin que estas tenían. Cronológicamente primero tenemos la obra titulada “Curación de la hemorroísa” que se encuentra en las catatumbas de Roma y representa los inicios de la cristiandad y el arte paleocristiano. En esta obra podemos ver a dos figuras, un hombre con una túnica y una cara en la que podemos ver expresiones sorpresivas y una mujer arrodillada que se ve muy preocupada tocándole la túnica. Las catatumbas de Roma son una red de catatumbas antiguas que se utilizaban como lugar de sepultura, aquí era donde los primeros cristianos de roma enterraban a las personas. Las paredes estaban llenas de iconografías representativas del cristianismo, casi todas realizadas con la técnica de pintura al fresco. Esta obra en particular representa lo que está escrito en evangelio según San Marcos versículo 5 del 21 al 43 el cual habla sobre uno de los milagros que hizo Jesús. En el milagro ocurren dos escenas, la que está pintada en este caso es cuando Jesús cura a una mujer que sufre hemorragias. En ese entonces si una persona sufría de hemorragias debía quedarse encerrada ya que la sangre era sagrada y esta persona la estaba perdiendo. La obra pintada en las catatumbas refleja el momento en el que la mujer se arrodilla y le toca la túnica a Jesús sin el darse cuenta. Ella se sentía asustada y temblorosa y las expresiones de la obra nos muestran exactamente eso, sin embargo Jesús a pesar de estar sorprendido se da cuenta de la fe de esta mujer y por eso ella se logra salvar. A pesar de que la obra no tiene demasiados detalles si se puede apreciar la expresión de los personajes y el movimiento de las acciones que están haciendo.

Por otro lado tenemos uno de los iconos más representativos del arte bizantino, la “Virgen de Vladimir”. Esta obra fue realizada tiempo después, aproximadamente en el año 1133. La técnica utilizada para esta obra nos muestra más detalles que la anterior, aquí podemos ver a una madre (la virgen) que refleja unas expresiones de amor maternal al mismo tiempo que se le ve un poco angustiada y al niño (Jesús). Esta obra tiene mayores detalles en cuanto a la vestimenta y las expresiones de los personajes. Sin embargo esta obra tenía otro propósito diferente, se utilizó como un icono religioso el cual ha sido venerado y alabado durante siglos. La obra nos muestra dos caras, por un lado la maternidad de una mujer con su hijo y por otro la encarnación de Dios en humano. Esta pieza tenía otro propósito más que adornar una sala, ya que se creía que donde estuviese la figura de la virgen no ocurriría ningún problema gracias a su protección. Incluso se dice que Stalin mandó que un avión volase sobre la ciudad con el icono dentro cuando los alemanes la estaban asediando en la segunda guerra mundial. Por lo tanto a pesar de que ambas obras representan momentos y personas importantes para la religión, su composición técnica y la interacción que esta tuvo con los espectadores fue distinta.

Bibliografía:

“Virgen de Vladimir”, Mundiario. Acceso el dia 16 de septiembre de 2020. https://www.mundiario.com/articulo/cultura/icono-virgen-vladimir-icono-moscu/20180223192929114711.html

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Arte de la alta edad media: Ábside de San Clemente de Tahull

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Arte de la alta edad media: Ábside de San Clemente de Tahull

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Título: Ábside de San Clemente de Tahull
Autor: Maestro de Tahull
Técnica: Pintura al fresco
Dimensiones: 620 x 360 x 180cm
Fecha: hacia 1123
Lugar: Museo Nacional de Arte de Cataluña
Estilo: Románico
Criterio: composición.

Esta obra que vamos a analizar a continuación podemos ver que está dividida horizontalmente en 2 partes separadas por una banda de texto. La figura central que se encuentra en la franja superior es Jesús, el cual tiene una túnica  y se haya sentado en la cima del mundo. Su mano derecha bendiciendo y con su mano izquierda sostiene un libro que dice traducido “yo soy la luz del mundo”. A Jesús lo acompañan 4 ángeles que representan los 4 evangelistas como lo vimos en clase: en la izquierda podemos ver al ángel que es símbolo de San Mateo y al león que representa a San Marcos, mientras que a la derecha está el águila que representa a San Juan y el toro que es el símbolo de San Lucas. En la franja de letras podemos ver los nombres de las seis figuras que se encuentran abajo que son la virgen y 5 personajes más: Tomás, Bartolomé, Juan, Santiago y Felipe.  En toda la composición de la obra podemos ver el interés que se tiene por la simetría. Las figuras a pesar de no representar una expresión clara, cuando conocemos la simbología detrás de esta pintura entendemos más lo que representan los personajes.

Esta Obra representa el apocalipsis de San Juan en el que se describe a Cristo en majestad en actitud de bendecir al mundo, sin embargo tiene una cara seria que representa la concepción de un Dios-juez. Un juez que sabe que es la luz del mundo y por eso se coloca encima de el para que las personas sepan cual debe ser el camino a seguir, esta expresión es muy importante y es la clave para entender la composición de la obra

Otra característica de la composición horizontal es que se muestra la parte superior como el cielo en torno a Jesús y la inferior muestra a las figuras terrenales que conforman la iglesia.  Podemos ver que el autor se inspiró en el estilo bizantino gracias a la simetría y la concepción plana de la obra. También inspiración mozárabe por la vialidad y expresividad que se ve en los rostros de las figuras, esto lo podemos saber ya que en la iglesia de San Clemente para la época en la que fue consagrada había mucha influencia y tradiciones de estos pueblos.

Bibliografía:

“Ábside de San Clemente de Tahull”  Museo Nacional de Arte de Cataluña, Acceso el día 19 de septiembre de 2020.  https://www.museunacional.cat/es/colleccio/abside-de-sant-climent-de-taull/mestre-de-taull/015966-000

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Arte románico y gótico: Iglesia de Saint-Étienne y Catedral de Durham

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Arte románico y gótico: Iglesia de Saint-Étienne y Catedral de Durham

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En la parte superior:
Título: Iglesia de Saint-Étienne Tipo: Iglesia parroquial
Fecha: Siglo XI d.C
Lugar: Nevers, Francia
Estilo: Arquitectura románica
Criterio: composición (de la sala principalmente)

En la parte inferior:
Título: Catedral de Durham
Tipo: Catedral
Fecha: Siglo XI-XII d.C
Lugar: Durham, Inglaterra
Dimensiones: 25m ancho x 23m alto
Criterio: composición (de la sala principalmente)

A pesar de que estas dos estructuras fueron construidas prácticamente en el mismo siglo, hay rasgos de su composición que nos muestran las diferencias entre las corrientes románicas y góticas. En la Iglesia de Saint-Étienne podemos ver una de las características más importantes del arte románico, y es su simetría y simplicidad en la composición de su planta, la cual tiene la forma de una cruz latina. Esta forma representa claramente un simbolismo religioso, en este caso la cruz, que es muy importante ya que este tipo de arquitectura busca ser religiosa y por eso la mayoría de plantas de esta corriente tienen esta forma. En su interior podemos apreciar bóvedas de cañón apuntada y arcos fajones, además de tener muros gruesos y pilares robustos los cuales son otras características del estilo románico. El descubrimiento de la bóveda de cañón apuntada es importante ya que permitía crear aperturas más grandes en los muros y es por esto que la mayoría de obras arquitectónicas románicas las tienen.

Por otro lado está la Catedral de Durham, la cual tiene diferencias notorias con la construcción anterior. En primer lugar está la planta, en el transcurso del románico al gótico se empezaron a construir más plantas en las obras. Aquí las crucerías tienen un alto nivel técnico, ya que las bóvedas de crucerías están conformadas por el cruce de dos bóvedas de cañón apuntado. Esta característica de esta catedral es muy importante ya que constituye un precedente del gótico la cual seguirá un proceso de desarrollo técnico, se puede evidenciar este precedente ya que esta infraestructura pertenece al gótico temprano.  En el gótico temprano podemos ver que se siguió manteniendo la proporcionalidad y simetría del estilo románico, esto se mantiene en la sala principal de la catedral. Es por eso que muchos consideran incluso que esta catedral pertenece al estilo románico, pero por sus detalles como la bóveda de la nave principal, arcos apuntados transversales, entre otros, se considera una obra del gótico temprano.

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El arte flamenco y el arte italiano: La Fuente de la Gracia y La Presentación de la Virgen en el Templo.

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El arte flamenco y el arte italiano: La Fuente de la Gracia y La Presentación de la Virgen en el Templo.

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A la izquierda:
Título: La Presentación de la Virgen en el Templo.
Autor: Giotto.
Técnica: Fresco
Fecha: 1305-1306
Dimensiones: 200cm. X 185cm
Lugar: Capilla de los Scrovegni, Padua, Italia
Estilo: Gótico
Criterio: Composición.

A la derecha:
Título: La Fuente de la Gracia
Autor: Jan Van Eyck
Técnica: Óleo sobre tabla
Fecha: 1440-1450
Dimensiones: 181cm x 119cm
Lugar: Museo del Prado, Madrid, España
Criterio: Composición.

Por orden cronológico la primera obra es la Presentación de la Virgen en el Templo del pintor italiano Giotto. Esta escena representa uno de los episodios de la vida de la virgen María que se encuentran en los evangelios apócrifos (estos son un conjunto de manuscritos que no hacen parte de los evangelios oficiales). Aquí podemos ver a María a los tres años de edad siendo llevada al templo de Jerusalén por sus padres. Como podemos ver la escena se desarrolla en el centro de la obra donde María en la entrada es presentada al sumo sacerdote. María esta vestida con túnicas blancas, atrás de ella se encuentra su madre Santa Ana con una túnica roja y más atrás su padre Joaquín. A la derecha en primer plano están dos sacerdotes comentando lo que están presenciando y atrás del sacerdote de túnica roja se puede ver un grupo de personas claramente unos detrás de otros observando también. Los personajes están siendo representados con diferentes posturas a las tradicionales, en este caso están de espaldas o de perfil y no están pintados en un fondo vacío, al contrario, los personajes están en un templo. En esta obra se pueden apreciar mejor las expresiones de los personajes y las proporciones de sus cuerpos, además de los detalles realistas del mármol y de las delgadas columnas.

Por otro lado, 100 años después tenemos la pintura de Van Eyck “La Fuente de la Gracia” en donde el autor define muy bien el espacio y las dimensiones arquitectónicas (en este caso de tres niveles) en los que se desarrolla la obra. En este periodo ya estaba desarrollado el óleo el cual le permitía al autor detallar muchísimo más gracias a sus propiedades. Gracias a este material podemos diferenciar esta obra solo por su cantidad de detalles y mayor realismo en los personajes. Como se dijo en clase en el siglo XV se empezaron a utilizar diferentes dimensiones arquitectónicas para mostrar el espacio en el que se desarrollaban las pinturas. En este caso podemos ver una planta superior en la que se encuentra Cristo en el trono, entre la Virgen y San Juan y con el cordero a sus pies del cual nace un rio o manantial. En el segundo nivel podemos ver un espacio natural, en cada esquina aparecen ángeles con instrumentos y cantores, y en el centro pasa el rio llevando hostias benditas. Por último se encuentra el nivel inferior, en donde el rio desemboca en una fuente que representa la gracia de Cristo que ilumina a la iglesia. A la izquierda podemos ver a reyes, nobles y sacerdotes cuya expresión demuestra devoción (ya que están arrodillados con una postura de oración), mientras que a la derecha se encuentran judíos confusos (uno incluso tiene los ojos vendados) discutiendo y leyendo pergaminos haciendo caso omiso a la fuente. Esto es debido a que los judíos no aceptan a Cristo.

En ambas obras podemos ver las expresiones de los personajes reflejando ya sea devoción, desagrado, confusión o paz y podemos ver la implementación de la arquitectura como el espacio en el que se desarrollan estas dos obras. Sin embargo debido al óleo se pueden apreciar muchísimos más detalles en la obra de Van Eyck, como el diseño de las túnicas de cada personaje y el nivel de realismo de estos, entre otros.

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Arte del siglo XVI: El Camino al calvario

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Arte del siglo XVI: El Camino al calvario

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Título: El Camino al calvario
Autor: Jacopo
Bassano
Técnica: Óleo
Dimensiones: 145cm
x 133cm
Fecha: hacia 1540
Lugar: Museo National
Gallery de Londres
Criterio:
composición y figuras.

Cuando vemos este cuadro lo primero que resalta es el amontonamiento de los personajes, sin embargo se cree que cortaron los laterales y por eso se ve así. Si empezamos analizando la composición podemos ver como hay líneas diagonales que son las que nos muestran el recorrido por el cual debemos mirar la escena. En el lado inferior derecho está Cristo momentos después de haberse caído por el peso de la Cruz, a su lado izquierdo esta un personaje tirando una cuerda y a su derecha esta una mujer con un pañuelo que abarca gran parte de la obra. Esta mujer es La Verónica que se inclina para secarle el sudor y sangre con un pedazo de tela. Podemos ver la expresión muy bien definida de cansancio que tiene Jesús y la cara de preocupación de Verónica por querer ayudarlo. Siguiendo con los personajes están las tres marías y San Juan con su túnica verde. Por supuesto la expresión que más se resalta es la de la Virgen que llora al ver la situación de su hijo. Atrás hay más verdugos o caballeros que están guiando el camino y a lo lejos se ven las montañas, una de ellas con dos cruces la cual será el destino final de Jesús. Algo importante es que a pesar de que esta es una escena trágica en la historia del cristianismo el artista utiliza colores brillantes y alegres, por ejemplo la túnica lila de Jesús y el vestido de Verónica son trajes muy coloridos y renacentistas que no hacen parte de la escena original. También podemos ver que Jesús no tiene manchas de sangre y la corona de espinas parece no hacerle ninguna molestia, a pesar de estos detalles coloridos las expresiones de los personajes si reflejan tristeza, cansancio e incluso miedo. Esta composición diagonal llena de detalles como los de las vestimentas, con las expresiones bien marcadas y con un espacio bien definido hacen que la obra llame mucho la atención y refleja todo lo que un artista podía hacer con la técnica del Óleo.

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Interpretación de las meninas de Velázquez: Primera obra de la serie "las meninas" de Picasso. 

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Interpretación de las meninas de Velázquez: Primera obra de la serie "las meninas" de Picasso. 

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Título: Las meninas
Autor: Pablo
Picasso
Técnica: Óleo
Dimensiones:
194cm x 260cm
Fecha: 1957
Lugar: Museo Picasso
de Barcelona
Criterio: Composición y figuras.
Estilo: Cubismo

Picasso desde que visito el Museo del Prado cuando era joven se fascino por una de las obras más importantes y famosas de la historia del arte y desde ese momento supo que algún día las interpretaría a su estilo. Así fue como en 1957 realizo una extensa serie de 58 obras que realizo en tan solo 5 meses.  Como mencione anteriormente la intención de Picasso no era copiar la obra sino interpretarla, y esta fue la primera que realizó. Como podemos ver en el cuadro, Picasso logra sintetizar los aspectos principales de la obra original utilizando el volumen, la composición y la atmosfera cubista para representar tanto a los personajes como a los objetos y al ambiente en su totalidad.

Esta obra incluye a los mismos personajes que la original en sus mismas posiciones, podemos ver que el centro también es la infanta Margarita rodeada de sus ayudantes. También podemos ver a Velázquez a la izquierda con su lienzo, el famoso espejo (en el que no se ve exactamente a quien se está reflejando o si esa figura representa a algún personaje) y los demás personajes retratados al estilo de Picasso. Una diferencia importante son los colores utilizados, en este caso únicamente blanco y negro a diferencia de la amplia gama de colores que utiliza Velázquez.  Otro aspecto importante es que la luz enfoca a los mismos personajes y además la composición de estos (su tamaño y espacio) es bastante fiel a la pintura de Velázquez. Después de todo esto concluimos que la finalidad actual de estas interpretaciones cubistas de las meninas es resaltar y hacerle un tributo al considerado “genio del siglo de oro español”.

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Título: El Coloso.
Autor: atribuido a Francisco de Goya.
Técnica: Óleo sobre lienzo.

Dimensiones: 116 x 105cm
Fecha: entre 1808 y 1812
Lugar: Museo del Prado
Estilo: Romanticismo.
Criterio: composición y color.

Esta obra tiene varias interpretaciones y características del romanticismo que hacen que sea un cuadro extremadamente llamativo para analizar. El coloso se le atribuye a Francisco de Goya y es considerado uno de los primeros cuadros pertenecientes a las pinturas negras. En un primer vistazo podemos ver por supuesto que la paleta de colores utilizada para esta pintura es bastante oscura salvo por algunos detalles. Aquí podemos ver a un gigante erguido que ocupa gran parte de la composición de la obra, este se encuentra detrás de unas montañas que cubren sus rodillas, tiene la mano levantada con el puño y ojos cerrados. En la parte inferior podemos ver a una multitud de gente, a pesar de que están muy alejados se ve claramente como estos tienen miedo y por eso huyen temiendo por su vida hacia diferentes direcciones. También podemos ver animales que hacen lo mismo, como los caballos que huyen hacia la izquierda y los toros hacia la derecha, salvo por el burro blanco que se encuentra totalmente inmóvil. Cualquiera podría pensar que estas obras no se parecen a las demás piezas del romanticismo, pero cuando conocemos la historia y las interpretaciones que surgen a través de esta, nos damos cuenta de los profundos sentimientos que nos quiere expresar el autor. El Coloso fue pintado durante la Guerra de la Independencia Española por lo que el cuadro refleja un enfrentamiento. Una de las interpretaciones más populares sugiere que esta pintura está basada en un poema patriótico en el que se retrata a un gigante que se opone a la invasión Napoleónica. Sin embargo no sabemos si el gigante está caminando, o está quieto sobre sus piernas separadas, a pesar de esto muchos creen que tiene los ojos cerrados para representar la idea de violencia ciega. Por su parte el asno que no huye de la escena es interpretado como la incomprensión del fenómeno de la guerra que muchas personas pueden tener. Bajo la interpretación antes mencionada el coloso expresaría valentía al defender España utilizando nada más que sus manos.

Otra interpretación muy conocida es la que asocia al coloso como una representación del rey de España Fernando VII el cual es incompetente, los montes representan su soberbia y el asno inmóvil a la aristocracia estancada partidaria de la monarquía. Sin embargo para académicos como Nigel Glendinning (el cual se pasó su vida estudiando a las pinturas negras de Goya) el gigante representa al patriotismo de la guerra de la independencia. Por lo tanto esta obra resalta los sentimientos del autor que podemos ver en otras obras como “Tres de mayo en Madrid”  en el que se plasma la lucha del pueblo español contra la dominación francesa.

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 Autor: Juan Francois Millet 
 Técnica: Pastel
Dimensiones: 29.2 x 41.9cm
 Fecha: entre 1866
 Lugar: Museo de las Finas Artes (Boston)
 Estilo: Realismo
 Criterio: composición y conexión con el espectador
 
Para analizar esta obra debemos conocer el estilo realista ya que esta corriente es muy diferente a las estudiadas anteriormente.  En este nuevo movimiento se buscaba denunciar a la sociedad, por lo que los temas cambiaron radicalmente. Ahora se busca reflejar la realidad social de las personas, sobre todo la de los trabajadores urbanos y campesinos.  Ya no se pintaban fantasías, mitos  y mucho menos a la realeza,  eran las labores comunes de los trabajadores, sus expresiones, sus fatigas, sus preocupaciones con el día a día eran la fuente de inspiración para estos artistas que querían mostrarle al mundo la realidad de sus pueblos. Millet fue un artista que decidió pintar la realidad, principalmente la dura vida de los trabajadores del campo. Una de sus muchas obras sobre este tema es Descanso al Mediodía, aquí podemos ver a dos campesinos (o a una pareja de campesinos) descansando en la sombra formada por la montaña de heno a la izquierda. Al fondo podemos ver más montañas de heno y a un par de animales comiendo al lado de una carretilla. También podemos ver en la esquina inferior izquierda los zapatos del hombre y un par de herramientas con las que se cosecha el trigo. La pintura lleva este nombre ya que los campesinos tenían unos minutos de descanso al mediodía después de trabajar toda la mañana para los terratenientes, esta expresión de cansancio le transmite a los espectadores la dura carga física que representa trabajar para alguien que te está explotando sol a sol. Muchos en ese momento consideraban este tipo de obras como feas ya que no mostraban nada nuevo o bello, pero para los artistas como Millet los campesinos son tan importantes como los nobles o los héroes que se retrataban en las pinturas tradicionales. 

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Autor: Edvard Munch
Técnica: Óleo, temple y pastel sobre cartón
Dimensiones: 91 x 74cm
Fecha: entre 1893
Lugar: Galería Nacional de Oslo (noruega)
Estilo: Expresionismo
Análisis: Artístico

Como pudimos ver la clase, el expresionismo suele reproducir a la realidad en cierto modo deformada, siempre queriendo representar a la naturaleza y al ser humano. Por eso este movimiento junto con otros vanguardistas eran considerados como “la destrucción del arte” ya que rompían los esquemas anteriores y mostraba una nueva forma en la que los artistas querían expresar su realidad. El grito es una obra en la que podemos ver a un hombre cuyo rostro no tiene que estar perfectamente detallado para transmitir el dolor y la agonía que está sintiendo. A la izquierda de esta figura central podemos ver a dos personas caminando a través del sendero que está ubicado al lado del mar. A simple vista creeríamos que el cuadro solamente nos quiere mostrar a un hombre gritando pero cuando analizamos el contexto artístico nos damos cuenta de la historia detrás de la obra. Edvard Munch tuvo una vida llena de tormentos, su padre tenía un temperamento muy fuerte, vio morir a su madre y tenía a una hermana con tuberculosis y otra (su hermana favorita) fue diagnosticada con trastorno bipolar y fue internada con un psiquiatra. La obra refleja los sentimientos y el estado de ánimo del artista durante ese periodo. En uno de los párrafos que Munch escribió en su diario hacia 1892 nos describe la escena que pintaría un año después: “Paseaba por un sendero con dos amigos; el sol se puso. De repente, el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio: sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad. Mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad. Sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.” Cuando conocemos la historia podemos apreciar mucho más la obra, como dije anteriormente no necesitamos que la figura central este perfectamente detallada para simpatizar tanto con la obra como con el autor, de eso se trata el expresionismo.

Referencias:
“El grito. El grito más famoso de la historia del arte”. Historia-Arte. Acceso el día 22 de noviembre del 2020. https://historia-arte.com/obras/el-grito

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Bono: ¿Debemos separar la obra del artista?

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Bono: ¿Debemos separar la obra del artista?

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Esta pregunta es una que no esperaba que nos hiciéramos en clase pero que definitivamente me gustó que la tratáramos ya que es un aspecto que está en todas las representaciones del arte. Cuando vi el video “Amar el arte, odiar al artista” me sentí impactado por los diferentes artistas que la narradora describió, y como a pesar de que le gustan mucho sus obras, no las quiere engrandecer porque sabe su historio. Creo que este es el detalle más importante, y es que muchas personas no conocen la historia detrás de los artistas, quizás no les interesa, pero muchas veces estas personas defienden ideas o movimientos y luego por no conocer la historia idolatran y aman a artistas que hacían todo lo contrario. El ejemplo de Picasso me recordó mucho a otro caso muy cercano. Yo soy de la costa caribe más específicamente de Valledupar, lugar donde el vallenato es la prioridad de muchas personas y la música más escuchada por supuesto. Uno de sus mayores representantes fue Diomedes Díaz, el cual cuando era y sigue siendo una leyenda cuya música es y seguirá siendo escuchada y engrandecida. Muchas personas que conozco aman a este artista y a su música, sin embargo estas mismas personas critican y castigan con su opinión a todos aquellos que le faltan el respeto a las mujeres sin darse cuenta de que Diomedes no era el más santo en este aspecto. Para el las mujeres eran simple placer, pero sin entrar en detalles, ¿Sería posible que estas personas conociendo la historia de Diomedes sigan queriendo su música? Este dilema es muy interesante y complejo ya que conozco a personas que aun sabiendo toda la historia de este cantante se hacen los ciegos y siguen adorando su música, ¿por qué se da esto?

Personalmente pienso que la historia es necesaria para apreciar el arte, sino como apreciaríamos obras como El grito de Munch, y por eso no estoy de acuerdo en que se deba separar la obra del artista. Ahora, hay artistas a los cuales se les ignora más su historia (como a Diomedes) y otros a los que no, Gauguin, ¿por qué ocurre esto? Supongo que cada quien simpatiza más con algún artistas en concreto y por eso tiende a ignorar su historia, sin embargo este es un tema que da para que hablar, porque personalmente no quiero engrandarse a alguien que fue malo, pero tampoco quiero ignorar las buenas contribuciones que esta persona hizo.

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Autor: Banksy
Técnica: Graffiti
Dimensiones: 56 x 76cm
Fecha: 2008
Lugar: El mural se encuentra en Nueva Orleans (Luisiana)
Estilo: Contemporáneo
Análisis: Histórico y función

Cuando veo una obra de Banksy siempre pienso ¿Por qué Banksy creó este mural?, ¿Cuál es su propósito original? En teoría Banksy es un activista político, anónimo, que expresa por medio del arte callejero una denuncia social (y hasta política) sobre la sociedad que podemos ver en obras como “Power Washer”. En este mural Banksy le disparó a dos pájaros de un solo tiro ya que no solo se solidariza con las personas de Nueva Orleans sino que nos deja un mensaje muy importante. Esta obra titulada Chica con paraguas o Nola (que es el apodo de la ciudad) nos muestra a una niña que tiene una expresión de extrema confusión ya que el paraguas que le dieron para supuestamente protegerse de la lluvia hace todo lo contrario y envés de protegerla la está mojando. A simple vista ya podemos resolver la pregunta inicial, Banksy quiere recordarnos que las cosas que se supone que nos protegen también pueden dañarnos. Esto ya es algo que impacta y hace que el espectador reflexione, sin embargo cuando conocemos un poco más de contexto entendemos por qué hizo el mural en ese lugar y en ese tiempo. Nueva Orleans sufrió mucho con el huracán Katrina en el 2005 y es por eso que la ciudad empezó a construir diques de contención para protegerse de estos ciclones. Sin embargo con la llegada del huracán Gustav en 2008 los diques que supuestamente protegerían a la ciudad de las inundaciones se rompieron destruyendo consigo a miles de vidas, negocios y hogares. Por este motivo Banksy creó a Nola, no tuvo que hacer una pintura al óleo con muchos colores y llena de técnica para retratar esta situación, por medio de su graffiti logra mostrar las expresiones que muchas personas sintieron y nos hace reflexionar sobre muchos temas en la sociedad.

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Ensayo visual: La reunión de las expresiones.

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Ensayo visual: La reunión de las expresiones.

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Durante todo el semestre he querido ver las expresiones faciales y corporales que podía encontrar en las obras de cada periodo de la historia del arte. En algunas obras podemos ver dolor, en otras esperanza y en otras cansancio a través de las expresiones retratadas, ¿esto por qué se da? En cada periodo del arte los artistas retrataban diferentes cosas, el contexto en el que se desenvuelve cada obra es fundamental para comprender las intenciones del artista que pinta o esculpe una de estas piezas.

Es por este motivo que quise hacer un collage en donde las obras de arte que analicé durante el semestre puedan tener una conversación entre ellas. En el contexto de este collage cada obra conoce los motivos del autor que las creó y en ese sentido, conoce el contexto en el que fue creada. Por lo tanto, sería interesante poder presenciar una conversación entre varias obras pertenecientes a un periodo distinto de la historia del arte.

Por ejemplo, durante el semestre, en el  periodo paleocristiano, alta edad media y en el siglo XVI analicé obras donde se retrataba a Jesús, ¿Qué pasaría si cada una de estas tres obras pudiesen hablar entre sí? Seguramente el Jesús del camino al calvario se sorprenda al ver que en el siglo III era representado en su etapa temprana haciendo milagros y que en el siglo XII era representado como un Dios todopoderoso. Entonces ¿Por qué él no fue representado en el siglo XVI de forma divina? Cuando los otros dos le expliquen que fueron creados para estar en templos y por eso eran retratados con grandeza el Jesús del camino al calvario se dará cuenta de que su propósito fue diferente y por eso su expresión es distinta.

Pero la verdadera importancia de conocer la historia de las obras es porque las expresiones faciales y corporales existen gracias a que hay un motivo que explica este comportamiento. La primera obra del semestre que analicé fue La piedra Coldstream, en esta roca del siglo 8000 a.C aproximadamente podemos ver a tres personajes realizando una danza sagrada, esto nos muestra que incluso las primeras manifestaciones artísticas mostraban expresiones cotidianas de ese momento histórico.

Por eso quiero que en este collage se entienda que más allá de la expresión hay que conocer la intención de dicha expresión para así disfrutar y comprender a las diferentes obras. Para mí la historia no se trata de conocer las diferentes técnicas de pintura y escultura o los diferentes movimientos artísticos, para mí la historia se trata de conocer el mundo a través de los ojos de un artista.