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https://www.uffizi.it/opere/putto-con-fulmine

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Questo magnifico rilievo di marmo era in origine più lungo e articolato. Raffigurava una serie di operosi amorini (personificazioni del dio Amore in forma di piccoli fanciulli alati, spesso chiamati putti) recanti gli attributi delle dodici maggiori divinità olimpiche. L'amorino superstite regge il Fulmine di Zeus e possiamo immaginare ulteriori puttini intenti a trasportare sulle spalle la Fiaccola di Demetra o il Forcone di Nettuno. Gli attributi sostenuti dai putti erano destinati a seggi vuoti, ragion per cui il marmo fu definito "rilievo dei troni". L'opera fu probabilmente realizzata da botteghe greche alla metà del I secolo d.C. per decorare un podio sul quale erano sistemate le statue dell'imperatore Claudio (41-54 d.C.) e dei suoi familiari. L'opera ben nota fin dal Quattrocento, fu attribuita, per la sua qualità, a due dei più celebri scultori dell'antichità classica: Prassitele e Policleto. Il rilievo degli Uffizi è prezioso perché fornisce dati sulle tecniche della statuaria classica. Nelle fonti antiche è scritto che le ali delle sculture raffiguranti personificazioni di Eros erano solitamente foderate con foglia d'oro. La prassi era frequente e tali figure erano dette chrysopteros, ossia con le ali dorate. Indagini scientifiche hanno rilevato lievi tracce di antiche dorature rinvenute, come indicato dalle fonti antiche, nelle pieghe del piumaggio delle ali del putto. Dell'originale colorazione non restano oggi che minuscoli frammenti, invisibili ad occhio nudo. Possiamo dunque solo immaginare l'originale, fastosa doratura. Quasi certamente anche gli altri amorini avevano le ali dorate ed è ipotizzabile che gli attributi delle divinità fossero parimenti colorati. Lo spettatore che si fosse trovato di fronte al podio dell'Imperatore avrebbe potuto godere di un'opera d'arte di notevole raffinatezza ed eleganza.

Modello 3D realizzato in collaborazione con Indiana University. Visita https://www.digitalsculpture-uffizi.org/

F. Paolucci, Marmi dorati. Esempi di rivestimento a foglia d'oro su alcuni marmi antichi della Galleria degli Uffizi, in I. Baldini, A.L. Morelli (a cura di), Oro sacro. Aspetti religiosi e economici da Atene a Bisanzio, Bologna 2014, pp. 53-71, in part. pp. 66-69

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Rilievo con putto con fulmine | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Questo magnifico rilievo di marmo era in origine più lungo e articolato. Raffigurava una serie di operosi amorini (personificazioni del dio Amore in forma di piccoli fanciulli alati, spesso chiamati putti) recanti gli attributi delle dodici maggiori divinità olimpiche.

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https://www.uffizi.it/opere/tebaide

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https://www.uffizi.it/opere/paesaggio-morandi

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Paesaggio a Grizzana con la dedica sul retro, "Morandi a Ragghianti 1942", testimonia la stretta vicinanza tra il pittore e il noto critico d'arte Carlo Ludovico Ragghianti, che fu tra l'altro membro della Commissione per le acquisizioni della Galleria d'arte moderna di Palazzo Pitti nel decennio 1960-70. La dedica richiama il valore simbolico di questo dipinto eseguito quando Morandi si rifugiò sull'Appennino emiliano per sfuggire ai bombardamenti di Bologna: Ragghianti, antifascista e fondatore del Partito d'Azione, nel marzo 1942 veniva arrestato a Modena, confinato e nuovamente arrestato nel 1943, sorte che tocco anche a Morandi in quello stesso anno.

Così come le celebri ripetizioni tematiche delle nature morte, il paesaggio di Grizzana è sottoposto ad una calibrata sintesi formale che associa scomposizione e ricomposizione volumetrica per cubi operata da Cézanne, alla sospesa indagine degli spazi di Piero della Francesca, riscoperto dalla cerchia di intellettuali che intorno alla rivista "Valori Plastici" rileggevano la pittura della tradizione toscana.

Pochi mezzi compongono il dipinto: una sovrapposizione di verdi che, grazie a pochi segni tra luce e ombra, delinea le forme di alberi e colline, in mezzo alle quali appare, come un cubo, la sagoma di una casa da cui si dipana un sentiero. Si tratta di dati colti dal vero ma decantati in uno studio attento e costruiti come una "natura viva" sul palcoscenico di una collina nell'Appennino bolognese.

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Paesaggio a Grizzana di Giorgio Morandi | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Paesaggio a Grizzana con la dedica sul retro, "Morandi a Ragghianti 1942", testimonia la stretta vicinanza tra il pittore e il noto critico d'arte Carlo Ludovico Ragghianti, che fu tra l'altro membro della Commissione per le acquisizioni della Galleria d'arte moderna di Palazzo Pitti nel decennio 1960-70.

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iI ritrovamenti archeologici avvenuti nel Cinquecento hanno raramente restituito nella loro compiutezza i grandi gruppi della statuaria antica. I Lottatori rappresentano in tal senso un'eccezione. L'opera fu scoperta, al pari del celebre gruppo dei Niobidi, nel 1583 in una vigna di proprietà della famiglia Tommasini presso la romana Porta San Giovanni. I terreni erano in antico compresi negli Horti Lamiani, sontuosi giardini situati sulla sommità del colle Esquilino che allietavano la residenza del console Lucio Elio Lamia (da cui il toponimo). Nei medesimi horti furono rinvenuti tesori quali il Discobolo Lancellotti (oggi al Museo Nazionale Romano) e la Venere Esquilina (oggi ai Musei Capitolini).

Il gruppo raffigura due uomini dalle muscolature pronunciate avvinti nella lotta: la salda anatomia e le giuste proporzioni rendono la scena particolarmente realistica. L'equilibrio dei corpi è tale da non svelare l'esito della lotta. Il restauro ordinato dal Cardinale Ferdinando de' Medici, acquirente dell'opera, integrò le teste perdute. Il gruppo, trasportato ed esposto per circa un secolo in Villa Medici a Roma, giunse a Firenze nel 1677 dove fu oggetto di ulteriori restauri che ripristinarono certamente il braccio destro del lottatore superiore. Il marmo, datato al I sec. a.C., è replica romana di un perduto originale bronzeo greco del III sec. a.C. riconducibile alla produzione di Lisippo, scultore celebre per numerose opere in bronzo e marmo, nonché in particolare per il ritratto di Alessandro Magno. Il gruppo rappresenta un esemplare unico, poiché non sono note ulteriori repliche.

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A. Cecchi - C. Gasparri, La Villa Médicis. Le collezioni del cardinale Ferdinando. I dipinti e le sculture, Roma 2009, p. 62, n. 50

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Lottatori | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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iI ritrovamenti archeologici avvenuti nel Cinquecento hanno raramente restituito nella loro compiutezza i grandi gruppi della statuaria antica. I Lottatori rappresentano in tal senso un'eccezione. L'opera fu scoperta, al pari del celebre gruppo dei Niobidi, nel 1583 in una vigna di proprietà della famiglia Tommasini presso la romana Porta San Giovanni.

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https://www.uffizi.it/opere/sarcofago-ercole-fatiche

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Il sarcofago presenta una decorazione a rilievo sulla fronte inquadrata superiormente e inferiormente da una cornice a listello semplice. Le scene ivi scolpite mostrano otto delle fatiche di Ercole, disposte, da sinistra verso destra, in base all'avanzamento dell'età dell'eroe. L'ordine tradizionale delle fatiche è riportato dallo Pseudo Apollodoro (2, 5, 1-12), e in questo sarcofago si riconoscono: la vittoria sul leone di Nemea; la lotta contro l'Idra, il mostro a nove teste di cui una immortale, schiacciata dall'eroe; il cinghiale di Erimanto; la lotta con la cerva di Cerinea, entrambi catturati e portati a Euristeo; gli uccelli dello Stinfalo, che si nutrivano di carne umana; il gruppo con Ippolita, uccisa da Eracle per portare la sua cintura alla figlia di Euristeo; le stalle di Augia, ripulite con l'impeto del fiume Alfeo, deviato dall'eroe; il toro cretese, catturato vivo e soffocato con le mani; quello che rimane della scena con le cavalle di Diomede, che Ercole catturò e portò a Euristeo dopo aver fatto loro uccidere il terribile Diomede. Alle sovrumane imprese di Ercole, spesso compiute con un atteggiamento di sfida alla morte, si può attribuire un significato filosofico, morale per cui possono essere interpretate come una sorta di cammino spirituale. Da un lato Ercole mira a liberare la terra dai mostri, dall'altro addomestica, ammansisce e rende disponibile per l'uomo ciò che dapprima risultava a lui estraneo. Ercole può rappresentare chiunque, uomo o donna, si batta con i problemi della vita, affrontando con coraggio i compiti del proprio destino, sopportando pene e tribolazioni, e attuando un percorso che lo porterà alla conquista dell'immortalità. Un confronto con questo sarcofago può essere fatto con un altro conservato sempre alle Gallerie degli Uffizi ( Inv. 1914, n. 110). La tematica della decorazione è sempre la stessa, ma qui le figure appaiono meno massicce e maggiormente slanciate e affastellate. La composizione appare animata essenzialmente grazie ad espedienti chiaroscurali e coloristici ottenuti con un largo impiego del trapano e una maggiore altezza del rilievo. Nella parte inferiore della cassa, al centro della fronte, è visibile una frattura trasversale. La cornice e la parte superiore della decorazione presentano ampie integrazioni; risultato di interventi moderni sono anche le tracce di policromia (blu ed ocra). È possibile inoltre che alcuni dettagli iconografici fossero realizzati in metallo come suggerirebbero i due piccoli fori vicino alla testa di Ippolita, aventi lo scopo di applicare una miniatura metallica dell'ascia bipenne, normalmente associata all'amazzone. Nel Settecento, all'epoca di Anton Francesco Gori (1691-1757), studioso di antichità fiorentino, il sarcofago si trovava nel giardino della Villa medicea di Castello a Firenze. Dopo aver subito un parziale intervento di rimaneggiamento ad opera dello scultore Innocenzo Spinazzi nel 1791, fu trasferito in Galleria nel 1795 e posto ad ornamento della "Scala della Reale Galleria".

A. Filippi, Scultura antica: catalogo dei sarcofagi romani nella città di Firenze e un'ipotesi ricostruttiva del complesso del Battistero, Firenze 2013.

G. Koch - H. Sichtermann, Griechische Mythen Auf Romischen Sarkophagen, Tübingen 1975.

G. Mansuelli, Galleria degli Uffizi, Le sculture (I), Roma 1958.

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Fronte di sarcofago con fatiche d'Ercole | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Il sarcofago presenta una decorazione a rilievo sulla fronte inquadrata superiormente e inferiormente da una cornice a listello semplice. Le scene ivi scolpite mostrano otto delle fatiche di Ercole, disposte, da sinistra verso destra, in base all'avanzamento dell'età dell'eroe.

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Allegoria sacra di Giovanni Bellini | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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In questo dipinto, tra i più enigmatici del Rinascimento, niente è casuale e ogni elemento della composizione contribuisce armonicamente a spiegare un pensiero complesso che rimane per noi misterioso.

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Allegoria sacra di Giovanni Bellini | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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In questo dipinto, tra i più enigmatici del Rinascimento, niente è casuale e ogni elemento della composizione contribuisce armonicamente a spiegare un pensiero complesso che rimane per noi misterioso.

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https://www.uffizi.it/opere/una-pastura

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L'opera testimonia l'assimilazione delle esperienze francesi del pittore (a Parigi nel 1855), in particolare la conoscenza della pittura della Scuola di Barbizon, con le indagini sul paesaggio condotte in Toscana nell'ambito della cosiddetta Scuola di Staggia Senese, a cui De Tivoli aveva preso parte.

Tra 1854 e 1859, al Caffè Michelangelo, ritrovo fiorentino degli artisti, si parlava di rinnovamento del genere del paesaggio, attraverso la pittura en plein air e l'uso del ton gris. Questa nuova tecnica, introdotta dai paesaggisti francesi, consentiva di cogliere gli effetti pittorici attraverso un uso marcato del chiaroscuro, facendo riflettere le immagini dal vero su un specchio annerito, cosicché i colori risultassero attenuati per far emergere volumi e contrasti di luce. La fervida partecipazione di Serafino De Tivoli a tali discussioni artistiche, gli valse l'appellativo di "papà della macchia", come ricorda Telemaco Signorini. Quest'opera, indicata da Adriano Cecioni come un "pezzo di vero visto dalla finestra", attesta il superamento delle suggestioni romantiche, in favore di una maggiore aderenza al dato reale.

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Serafino De Tivoli, Una Pastura | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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L'opera testimonia l'assimilazione delle esperienze francesi del pittore (a Parigi nel 1855), in particolare la conoscenza della pittura della Scuola di Barbizon, con le indagini sul paesaggio condotte in Toscana nell'ambito della cosiddetta Scuola di Staggia Senese, a cui De Tivoli aveva preso parte.

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Tebaide di Beato Angelico | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Si indica con il termine Tebaide la raffigurazione di un paesaggio roccioso in cui alcuni monaci sono intenti in varie attività connesse con la vita di preghiera e ascetismo. Questo tema ebbe particolare fortuna a Firenze nel XV secolo, dove venne raffigurato su tavole di formato rettangolare, di cu…

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https://www.uffizi.it/opere/allegoria-sacra

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Allegoria sacra di Giovanni Bellini | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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In questo dipinto, tra i più enigmatici del Rinascimento, niente è casuale e ogni elemento della composizione contribuisce armonicamente a spiegare un pensiero complesso che rimane per noi misterioso.

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https://www.uffizi.it/opere/ritratto-agrippina-minore

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La testa ritratto riproduce le fattezze di Agrippina Minore, inserita su uno splendido busto moderno in alabastro, che un'iscrizione tracciata su un lembo della veste all'altezza del seno sinistro data al 1652. La disposizione dei ricci, ordinati in tre file ai lati del viso, cui si aggiungono una serie di piatte ciocchette ad anello che incornicia fronte e tempie e le ciocche di ricci "a cavatappi" che scendono lungo il collo, rappresentano essenzialmente un aggiornamento dell'acconciatura della madre, Agrippina Maggiore. Il ritratto rientra nella tipologia "Milano-Firenze", che prende il nome dal luogo di conservazione delle più importanti repliche ed è databile agli anni del matrimonio con l'imperatore Claudio, tra il 49 e il 54 d.C., anche se manca il diadema semilunato che usualmente ne caratterizza i ritratti dopo il conferimento del titolo di Augusta, nel 50 d.C.

La figura di Agrippina Minore è centrale nella storia della prima dinastia imperiale romana, la giulio-claudia; ella fu infatti la prima matrona a trovarsi nella condizione di sorella, moglie e madre di un principe, condizione che la portò al centro della scena politica, di cui visse pienamente sia le possibilità sia i rischi, esemplificati nelle classiche accuse rivolte a Roma contro le donne, impudicizia e veneficio. Esiliata sotto il fratello Gaio con l'imputazione di adulterio, ma probabilmente per sospetto coinvolgimento insieme alla sorella minore Livilla in una congiura ai suoi danni, fu richiamata a Roma dallo zio Claudio, di cui divenne sposa nel 49 d.C. A lei, ormai Augusta, è imputato l'assassinio del marito per avvelenamento, al fine di favorire il passaggio di potere al figlio di primo letto, Nerone, sotto il quale giunse ad esercitare quasi una co-reggenza, finché la volontà di quest'ultimo di limitarne l'influenza non lo indusse al matricidio.

Non è nota la provenienza del ritratto, con ogni probabilità entrato in Galleria agli inizi del XVIII secolo, quando la testa fu collocata nella Tribuna, come confermato anche dal dipinto del 1772 di Johann Zoffany, " The Tribuna of the Uffizi ". Il suo attuale assetto è ascrivibile verosimilmente agli anni '80 del Settecento, ad ogni modo entro il 1783, quando la scultura viene descritta negli inventari completa di busto.

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Ritratto di Agrippina Minore | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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La testa ritratto riproduce le fattezze di Agrippina Minore, inserita su uno splendido busto moderno in alabastro, che un'iscrizione tracciata su un lembo della veste all'altezza del seno sinistro data al 1652.

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L'opera testimonia l'assimilazione delle esperienze francesi del pittore (a Parigi nel 1855), in particolare la conoscenza della pittura della Scuola di Barbizon, con le indagini sul paesaggio condotte in Toscana nell'ambito della cosiddetta Scuola di Staggia Senese, a cui De Tivoli aveva preso parte.

Tra 1854 e 1859, al Caffè Michelangelo, ritrovo fiorentino degli artisti, si parlava di rinnovamento del genere del paesaggio, attraverso la pittura en plein air e l'uso del ton gris. Questa nuova tecnica, introdotta dai paesaggisti francesi, consentiva di cogliere gli effetti pittorici attraverso un uso marcato del chiaroscuro, facendo riflettere le immagini dal vero su un specchio annerito, cosicché i colori risultassero attenuati per far emergere volumi e contrasti di luce. La fervida partecipazione di Serafino De Tivoli a tali discussioni artistiche, gli valse l'appellativo di "papà della macchia", come ricorda Telemaco Signorini. Quest'opera, indicata da Adriano Cecioni come un "pezzo di vero visto dalla finestra", attesta il superamento delle suggestioni romantiche, in favore di una maggiore aderenza al dato reale.

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Serafino De Tivoli, Una Pastura | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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L'opera testimonia l'assimilazione delle esperienze francesi del pittore (a Parigi nel 1855), in particolare la conoscenza della pittura della Scuola di Barbizon, con le indagini sul paesaggio condotte in Toscana nell'ambito della cosiddetta Scuola di Staggia Senese, a cui De Tivoli aveva preso parte.

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https://www.uffizi.it/opere/testa-di-zeus

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La testa giunse in Galleria alla fine del Settecento. Non disponiamo di notizie relative al luogo di ritrovamento e alle precedenti collocazioni. La scultura fu restaurata da Innocenzo Spinazzi (1726-1798) che ricostruì il naso, il sopracciglio sinistro, lo zigomo destro e il labbro superiore. L'imponente testa rimanda a un prototipo del III-II sec. a.C. impiegato per la raffigurazione di divinità paterne: Giove, Nettuno e Serapide. Nel modellato della fronte e nella disposizione della barba, l'opera richiama lo Zeus di Otricoli (il cui esemplare meglio conservato è oggi ai Musei Vaticani). L'andamento della capigliatura rimanda al ritratto di Serapide elaborato da Briasside, scultore greco della metà del IV secolo a.C. La lavorazione del marmo consente un inquadramento dell'opera in età antonina.

G. Mansuelli, Galleria degli Uffizi. Le sculture, vol. I, Roma 1958, p. 64, n. 42

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Testa di Zeus | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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La testa giunse in Galleria alla fine del Settecento. Non disponiamo di notizie relative al luogo di ritrovamento e alle precedenti collocazioni. La scultura fu restaurata da Innocenzo Spinazzi (1726-1798) che ricostruì il naso, il sopracciglio sinistro, lo zigomo destro e il labbro superiore. L'imponente testa rimanda a un prototipo del III-II sec.

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https://www.uffizi.it/opere/lo-spinario

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La statua ritrae un fanciullo nudo assiso su una roccia, intento a togliersi una spina dal piede, probabilmente conficcatasi mentre il ragazzo stava schiacciando l'uva in occasione della vendemmia. Era un motivo molto diffuso e noto nell'antichità, probabilmente creato in Grecia nel III secolo a.C.. Da lì giunse a Roma dove venne replicato per raffigurare Ascanio, figlio di Enea e, secondo il mito, progenitore della dinastia a cui appartennero Giulio Cesare e Augusto.

Una curiosità: la prima volta che in epoca moderna si vide questa scultura fu attorno alla fine del XII secolo, a Roma: si trattava di una copia in bronzo, forse un originale (oggi conservato nei Musei Capitolini di Roma), scoperto per caso da un viaggiatore inglese. Fu da quel momento più volte replicato e divenne fonte di ispirazione anche di scultori moderni. Forse fu proprio la freschezza della scena, raffigurata con discreta eleganza, a fare del giovinetto indaffarato un motivo tanto interessante da replicare.

Il nostro Spinario risale al I sec a.C.: lo sguardo intento rivolto al piede sofferente, i capelli che accarezzano il collo e la fronte, le forme del corpo delicatamente modellate a ritrarre un corpo di giovinetto con i muscoli tesi nel difficile compito di non provare dolore.

Per un approfondimento sui restauri esplora le nostre risorse: risorsa 1.

Palazzo Pitti. La reggia rivelata, Catalogo della mostra (Firenze, Palazzo Pitti, 7 dicembre 2003-31 maggio 2004), a cura di M. Chiara Monaco in G. Capecchi, D. Heikamp, A. Fara, V. Saladino, Firenze 2003, p. 650, n. 180 (in scheda)

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Spinario | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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La statua ritrae un fanciullo nudo assiso su una roccia, intento a togliersi una spina dal piede, probabilmente conficcatasi mentre il ragazzo stava schiacciando l'uva in occasione della vendemmia. Era un motivo molto diffuso e noto nell'antichità, probabilmente creato in Grecia nel III secolo a.C..

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https://www.uffizi.it/opere/eros-dormiente      tyler feldman

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La Tribuna, sede di capolavori indiscussi della Galleria, accoglie figure di putti addormentati, delicatamente sdraiati su pelli di leone. Sculture del genere erano solitamente impiegate nell'arte romana per ornare tombe infantili. Di tale tipologia sono noti svariati esemplari, raffinati e dal forte impatto emotivo. Gli sguardi assopiti dei putti non mostrano segni di tristezza nonostante la destinazione funeraria delle sculture. Immersi nel mondo dei sogni, con capelli leggeri che incorniciano i volti dalle gote paffute e dalle bocche semiaperte, questi fanciulli erano circondati da simboli di augurio e rinascita. L'idea della morte come passaggio ad una nuova vita è testimoniata, anche nella nostra opera, dai fiori di papavero raccolti nella mano sinistra del fanciullo. Dai papaveri in antico si ricavavano potenti sonniferi e la loro raffigurazione attribuisce alla morte il carattere di torpore provvisorio. Tale concezione del trapasso è confermata dalla presenza di una farfalla, il cui impiego quale simbolo dell'anima, con cui condivide in greco il medesimo nome, psyché, è ampiamente documentato da numerose attestazioni in contesti funerari. I simboli esibiti, dai forti connotati naturalistici, comunicano un intenso messaggio di speranza

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A. Muscillo in 1564-2014. Michelangelo. Incontrare un artista universale, Catalogo della mostra (Roma, Musei Capitolini 27 maggio - 14 settembre 2014), Roma 2014, pp. 245-246, cat. II.7

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Erote dormiente | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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La Tribuna, sede di capolavori indiscussi della Galleria, accoglie figure di putti addormentati, delicatamente sdraiati su pelli di leone. Sculture del genere erano solitamente impiegate nell'arte romana per ornare tombe infantili. Di tale tipologia sono noti svariati esemplari, raffinati e dal forte impatto emotivo.

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Ritratto di donna detta "la Bella" | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Tiziano. Ritratto di donna. La Bella. Francesco Maria della Rovere. Venezia

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Commissionata da Eleonora da Toledo allo scultore fiorentino Baccio Bandinelli, la scultura fu effettivamente progettata da questi, che ne fornì il modello, ma fu eseguita dal suo allievo e collaboratore Giovanni Fancelli detto anche Nanni di Stocco, che in quegli anni stava lavorando con il maestro alla decorazione della vicina Grotta di Madama. Il "Villano con la Botticella", scolpito entro il 1557 fu capostipite di una fortunata tradizione di statue di soggetto popolare che tuttora animano i percorsi all'aperto nel verde. Ricordata anche da Giorgio Vasari nella Vita di Bandinelli, fu trasferita nel Seicento nel parco della villa medicea di Pratolino. Ritornò nel Giardino di Boboli soltanto nel 1773.

La statua, in origine posizionata nella peschiera che da essa prese il nome di "vivaio del Villano", aveva la funzione di fontana. Il protagonista, abbigliato secondo i costumi dell'epoca, è raffigurato nel corso di un'azione quotidiana, ovvero versare il vino con il tipico contenitore di legno destinato alla sua conservazione, il caratello, termine derivante dal latino medievale carratum (piccolo vaso di legno a forma di botte adatto a trasportare il vino sui carri). Le fonti figurative di quest'opera, espressione della scultura di genere cinquecentesca destinata all'arredo dei giardini, possono essere rintracciate nella statuaria ellenistica e, in tempi più vicini agli autori, nelle stampe di Albrecht Dürer.

La scultura, recentemente restaurata, è stata sostituita da una copia per le evidenti ragioni conservative che ne sconsigliavano mantenerne l'esposizione all'aperto.

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Villano con la botticella di Giovanni Fancelli | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Commissionata da Eleonora da Toledo allo scultore fiorentino Baccio Bandinelli, la scultura fu effettivamente progettata da questi, che ne fornì il modello, ma fu eseguita dal suo allievo e collaboratore Giovanni Fancelli detto anche Nanni di Stocco, che in quegli anni stava lavorando con il maestro alla decorazione della vicina Grotta di Madama.

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https://www.uffizi.it/opere/fanciullo-togato

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Fanciullo togato | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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La scultura fu rinvenuta nel 1651 sul colle Celio a Roma.

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https://www.uffizi.it/opere/ritratto-adriano

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Il ritratto raffigura l'imperatore Adriano (117-138 d.C.), con il volto ovale e dalla fronte ampia, rivolto verso destra. Questo imperatore curò con insolita attenzione la sua immagine. Durante il suo regno, infatti, commissionò almeno sette immagini ufficiali di se stesso, un numero superiore a quello dello stesso Augusto, che vantava solo cinque tipi ritrattistici, e decisamente maggiore di quello del suo successore, Antonino Pio, che, pur avendo regnato più a lungo di Adriano, fece realizzare solo due effigi autorizzate. Sono sicuramente d'integrazione parte del naso e delle orecchie, così come la porzione inferiore dello spallaccio sinistro, mentre il busto, con i suoi finimenti e la maschera di Medusa sul petto, nel complesso risulta autentico. Di indubbio interesse è l'acconciatura sulla fronte dell'imperatore, che in virtù dei suoi particolari riccioli viene identificata con una tipologia arcaizzante: per questo motivo, si ritiene che il ritratto possa esser stato realizzato verso il 130 d.C., quando Adriano ottenne gli appellativi onorifici di Olympios e Pater Patriae. Il ritratto fiorentino è con ogni verosimiglianza da ascrivere a botteghe attiche alle quali fu affidata anche l'elaborazione del ritratto di Antinoo, l'amante dell'imperatore divinizzato dopo la sua precoce morte.

A. Romualdi (a cura di), Studi e restauri. I marmi antichi della Galleria degli Uffizi, II, Firenze, Polistampa, 2007 (con contributi di A. Romualdi, Ritratto di Adriano (117-138 d.C.), pp. 190-194; M. Masini, P. Rosa, Il restauro, pp. 195-199 e bibliografia precedente.

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Arte romana, ritratto di Adriano | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Il ritratto raffigura l'imperatore Adriano (117-138 d.C.), con il volto ovale e dalla fronte ampia, rivolto verso destra. Questo imperatore curò con insolita attenzione la sua immagine.

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https://www.uffizi.it/opere/antonia-minore-piccolo-busto

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https://www.uffizi.it/opere/eros-dormiente

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La Tribuna, sede di capolavori indiscussi della Galleria, accoglie figure di putti addormentati, delicatamente sdraiati su pelli di leone. Sculture del genere erano solitamente impiegate nell'arte romana per ornare tombe infantili. Di tale tipologia sono noti svariati esemplari, raffinati e dal forte impatto emotivo. Gli sguardi assopiti dei putti non mostrano segni di tristezza nonostante la destinazione funeraria delle sculture. Immersi nel mondo dei sogni, con capelli leggeri che incorniciano i volti dalle gote paffute e dalle bocche semiaperte, questi fanciulli erano circondati da simboli di augurio e rinascita. L'idea della morte come passaggio ad una nuova vita è testimoniata, anche nella nostra opera, dai fiori di papavero raccolti nella mano sinistra del fanciullo. Dai papaveri in antico si ricavavano potenti sonniferi e la loro raffigurazione attribuisce alla morte il carattere di torpore provvisorio. Tale concezione del trapasso è confermata dalla presenza di una farfalla, il cui impiego quale simbolo dell'anima, con cui condivide in greco il medesimo nome, psyché, è ampiamente documentato da numerose attestazioni in contesti funerari. I simboli esibiti, dai forti connotati naturalistici, comunicano un intenso messaggio di speranza

Modello 3D realizzato in collaborazione con Indiana University. Visita https://www.digitalsculpture-uffizi.org/

A. Muscillo in 1564-2014. Michelangelo. Incontrare un artista universale, Catalogo della mostra (Roma, Musei Capitolini 27 maggio - 14 settembre 2014), Roma 2014, pp. 245-246, cat. II.7

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Erote dormiente | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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La Tribuna, sede di capolavori indiscussi della Galleria, accoglie figure di putti addormentati, delicatamente sdraiati su pelli di leone. Sculture del genere erano solitamente impiegate nell'arte romana per ornare tombe infantili. Di tale tipologia sono noti svariati esemplari, raffinati e dal forte impatto emotivo.

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https://www.uffizi.it/opere/ritratto-di-pietro-aretino

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Il Ritratto di Pietro Aretino di Tiziano del 1545 | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Il ritratto di Pietro Aretino fu dipinto da Tiziano nel 1545. Pietro Aretino lo donò poi a Cosimo de'Medici

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https://www.uffizi.it/opere/sandro-botticelli-firenze-1445-1510

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Il dipinto è noto con il titolo di "Bella Simonetta", sulla base di una tradizione che identifica la giovane ritratta con Simonetta Cattaneo (1453-1476), la nobildonna genovese andata in sposa al fiorentino Marco Vespucci nel 1469 e amata da Giuliano de' Medici. In accordo con la ritrattistica italiana del primo Rinascimento, ispirata alle monete antiche, la donna è raffigurata di profilo, posa che consentiva di rappresentare con verosimiglianza i tratti somatici, l'acconciatura e le vesti, elementi essenziali per palesare lo stato sociale della persona ritratta. In questo caso tuttavia la donna non ostenta gioielli e non eccede nel lusso: la ricercatezza dell'abito, una gamurra, è affidata al colore cremisi, all'epoca molto apprezzato, e agli sbuffi della camicia che escono dai tagli praticati nelle maniche, separate dalla veste. Il ritratto sembra dunque esaltare, oltre alla bellezza, soprattutto la modestia e la pudicizia della donna, ritratta nell'intimità dell'ambiente domestico, in accordo con la scala di valori della società fiorentina del Rinascimento. Lo stipite grigio di pietra fa risaltare il volto della donna, caratterizzato dal candore dell'incarnato.

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Ritratto femminile | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Il dipinto è noto con il titolo di "Bella Simonetta", sulla base di una tradizione che identifica la giovane ritratta con Simonetta Cattaneo (1453-1476), la nobildonna genovese andata in sposa al fiorentino Marco Vespucci nel 1469 e amata da Giuliano de' Medici.

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Tebaide di Beato Angelico | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Si indica con il termine Tebaide la raffigurazione di un paesaggio roccioso in cui alcuni monaci sono intenti in varie attività connesse con la vita di preghiera e ascetismo. Questo tema ebbe particolare fortuna a Firenze nel XV secolo, dove venne raffigurato su tavole di formato rettangolare, di cu…

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La Velata                                                         Raffaello Sanzio (Urbino 1483 - Roma 1520)                    

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https://www.uffizi.it/opere/la-velata

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Bacco di Michelangelo Merisi, detto il Caravaggio | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Rinvenuta nei depositi degli Uffizi nel 1913 e attribuita al Caravaggio da Roberto Longhi, l'opera è da riferirsi all'attività ancora giovanile del pittore, quando, a Roma, si trovava sotto la protezione del cardinale Francesco Maria del Monte. Questo dipinto, assieme alla Medusa (inv. 1890 n.

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Giuditta con la testa di Oloferne
https://www.uffizi.it/opere/giuditta-con-la-testa-di-oloferne

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https://www.uffizi.it/opere/torso-di-centauro

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Il robusto torso venne acquistato nel 1778 dal Granduca Pietro Leopoldo dalla collezione Gaddi che si trovava a Firenze; nulla si sa dell'opera prima di questa data, ad eccezione della presenza nella suddetta collezione privata.

Derivata da un prototipo del II secolo a.C., la statua, di cui si conserva soltanto il torso, raffigurava in origine un Centauro con le mani legate dietro la schiena. Apparteneva a un gruppo composto da un Centauro giovane, libero ed esuberante, ed uno anziano cavalcato da un amorino che lo colpiva con la frusta. Ciò che rimane del torso ci parla di un corpo giovanile e muscoloso, la cui energia sembra essere costretta dai limiti del materiale con il quale venne realizzato; palpabile è lo sforzo nella torsione resa evidente dal modellato. Possiamo tranquillamente interpretarlo come metafora dell'invincibile forza di Eros, capace di domare anche i selvaggi Centauri; simbolo di forza e potenza fu più volte utilizzato come modello per diverse forme artistiche, tra le quali la pittura, in special modo nel periodo a cavallo tra Cinque e Seicento. Ne è vivace testimonianza il raffinato olio su tavola intitolato "Adorazione dei pastori di Amico Aspertini", datato 1515 e conservato agli Uffizi (Inv. 1890 n. 3803). Nel dipinto il torso è raffigurato all'estremità sinistra, poggiato su una base anch'essa di marmo, molto simile ad un'ara.

Una curiosità: a differenza di altre sculture, quest'opera non fu mai completata a recuperare le iniziali sembianze. Era difatti considerata un'opera d'arte così elevata qualitativamente e così potente nel provocare emozioni che si preferì non interferire con la straordinaria forza evocativa del passato.

Modello 3D realizzato in collaborazione con Indiana University. Visita https://www.digitalsculpture-uffizi.org/

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Torso Gaddi | Opere | Le Gallerie degli Uffizi

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Il robusto torso venne acquistato nel 1778 dal Granduca Pietro Leopoldo dalla collezione Gaddi che si trovava a Firenze; nulla si sa dell'opera prima di questa data, ad eccezione della presenza nella suddetta collezione privata. Derivata da un prototipo del II secolo a.C., la statua, di cui si conserva soltanto il torso, raffigurava in origine un Centauro con le mani legate dietro la schiena.