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El miércoles 3 de mayo durante la clase discutimos y apreciamos algunas de las obras del Museo Frida Kahlo. Mediante la plataforma de google arts and culture pudimos visitar virtualmente este museo y observar las numerosas obras.
"La casa azul" es donde Frida Kahlo paso su juventud y niñez; actualmente dicha casa funciona como el museo Frida Kahlo. Es un museo biográfico principalmente de Frida Kahlo aunque también hay obras de su esposo, Diego Rivera. En este espacio se muestra la vida de Frida, tanto personal como artística.  Asimismo, todos los espacios hablan de su vida intima, al igual que su arte que habla mucho de sus propias experiencias. Por otro lado, el museo se encuentra en Coyoacán un barrio muy lindo en la Ciudad de México.

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El museo se inauguro en 1958 y se exponen objetos personales (como su cama y su estudio) y muchas pinturas que también integraron ese ambiente en el que Frida se inspiró para crear. En la entrada al museo hay una especie de cartel que dice: Frida y Diego vivieron en esta casa, 1929-1954. Las letras son amarillentas y la pared es azul por lo que estos colores complementarios en el circulo cromático resaltan mucho. Toda la entrada es muy llamativa por estos colores que se contrastan, como los marcos rojos brillantes con las paredes azules de la casa.
El museo que es "la casa azul" cuenta con dos pisos y un jardín. Dentro de la casa la planta baja es muy extensa y cuenta con obras de Frida y Diego Rivera. Dicho piso es muy colorido ya que las paredes son blancas, los suelos amarillos y los marcos de las puertas verdes. Además, en este espacio el techo es alto y se observa la antigua sala de estar de la casa con una gran chimenea.
En el primer piso se ven elementos personales de la artista como su silla de ruedas y sus libros en su estudio de arte . También se observan dos dormitorio pequeños con camas individuales y otro dormitorio principal. El primer piso esta compuesto mayormente por los muebles, los libros, los objetos y el ambiente donde Frida pintaría diariamente.
Finalmente, en el jardín se ven algunas pequeñas esculturas que tendría la pareja de decoración. Este espacio también tiene plantas y arboles y es muy colorido.

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Entrada al museo y el llamativo cartel morado con las letras del nombre en un color rojo muy brillante. 

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Museo de la Universidad de los Andes-Arte para Bogotá-

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Museo de la Universidad de los Andes-Arte para Bogotá-

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El viernes 21 de abril realizamos durante la clase una visita in situ a la exposición, en el Centro Cívico de la Universidad de los Andes, Arte para Bogotá. Dicha exposición la gestiona La Escuela de Bellas Artes de Los Andes, 1955-1974. Este museo tiene mayormente obras de artistas colombianos y latinoamericanos contemporáneos. Además, muchas de las obras expuestas son de estudiantes egresados y de antiguos profesores de la universidad.

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El martes 18 de abril en un recorrido virtual por medio de la plataforma de Google art and culture analizamos en clase el Museo de Rijksmuseum y algunas de sus obras. Dicho museo es muy importante por su gran cantidad de obras expuestas de diferentes artistas desde la edad media. Además el edificio principal es reconocido por ser una obra arquitectónica única y un patrimonio de la corriente neogótica.

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En el museo de Arte para Bogotá se puede apreciar que las paredes son blancas y el suelo es de un color gris claro; por lo que, los colores neutros del espacio permiten que las obras se aprecien mas fácilmente. Por otro lado, no tenia muchas luces la sala ya que había numerosas ventanas que iluminaban naturalmente las obras. Además, el museo abarca un extenso piso donde hay diferentes tipos de obras, como esculturas, pinturas al oleo e incluso telares. La mayoría de dichas obras siguen estilos contemporáneos y abstractos del arte.
Finalmente, me resulto una experiencia muy valiosa conocer la sala de arte que tiene nuestra propia universidad. Personalmente no conocía la sala y me sorprendió mucho que la universidad tuviera un espacio tan rico en arte contemporáneo donde se puede apreciar la obra de antiguos alumnos y profesores del departamento.

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Esta es una obra de Nirma Zarate que se titula Abstracto. La artista colombiana estudio en Los Andes y es conocida por sus obras abstractas, luego por su estilo de "pop atr" y por sus grabados de denuncia.
Algunos elementos clave son el color, la textura y la forma. Los colores de lo que podría representar una cabeza son un degrade de verde, amarillo y naranja. Estos tonos son fuertes, saturados y brillantes. Al contrario el color del fondo es un verde mas oscuro y menos brillante y saturado. La combinación de estos colores genera un contraste, un mayor impacto visual y una sensación de movimiento. En el centro de la obra, donde se representa una cabeza, predomina una una figura orgánica. Las líneas donde se observa el trazo del pincel son discontinuas y no son del todo rectas pero tampoco son de un estilo sinuoso. Entonces las formas de ese cuadrante son curvas y fluidas. Asimismo la textura da una sensación de relieve ya que es mas rugosa.
Se puede notar que hay cierta unidad en la paleta de colores  y en el trazo de las pinceladas. Los elementos como la textura, la forma y el color funcionan juntos para generar un imagen placentera. Por otro lado, el balance de la obra es muy asimétrico ya que no se observa ningún tipo de repetición de los elementos si la dividiéramos por alguna mitad. Continuando, el énfasis esta en lo que pareciera ser el perfil de la cabeza de una persona. Mientras que el fondo verde oscuro y plano es menos interesante por lo que seria la subordinación. Debido a que la cabeza mencionada es lo que mas sobresale se puede decir que este aspecto es el punto focal.
La interpretación puede variar bastante en este estilo abstracto. Desde mi perspectiva, entiendo que esta obra es la representación de una persona con energías muy variadas, que tiene muchas cosas en la cabeza y/o que esta experimentando muchas sensaciones combinadas.
Finalmente, esta obra transmite una energía dinámica por sus colores brillantes que se superponen y sus líneas fluidas.

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El marxismo dará salud a los enfermos- Frida Kahlo

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El marxismo dará salud a los enfermos es una obra del año 1954, donde Frida Kahlo realiza uno de sus famosos autorretratos cargados de simbolismos.
La paleta de colores es muy amplia: blanco, verde, amarilló, naranja, azul y rojo son algunos de los colores principales. La saturación y el brillo es bastante fuerte en todos los cuadrantes de la obra. También hay tonos mas fríos como grises y negros que contrastan con los colores mas saturados. Otro elemento importante son las formas principalmente orgánicas. Asimismo, hay algunas formas geométricas como el mundo circular, los bastones triangulares y el posible ovillo de lana blanca que es circular. El espacio de la obra esta muy saturado de diferentes elementos, en todos los cuadrantes hay objetos con colores fuertes.
Esta obra presenta una gran variedad de elementos y muy poca unidad. Los elementos no funcionan juntos y hay muchas diferencias que crean interés. Por orto lado, no hay una escala proporcional entre todos los elementos. Por ejemplo, la paloma blanca es mucho mas grande que la cara de Frida. Es difícil encontrar un énfasis, por lo que se menciono anteriormente de la gran cantidad de elementos presentes, pero se puede entender que lo principal de la obra es el cuerpo de Frida. Por lo tanto, lo que mas sobresale y el énfasis esta en el autorretrato de la artista.
La interpretación de esta obra puede variar por la gran cantidad de simbolismos que se utiliza. El titulo de la obra ya tiene un fuerte componente político por lo que la artista estaría defendiendo su postura frente a la corriente social y política marxista. Además, las muletas y el corcet que lleva estarían representando su enfermedad y el dolor crónico que sufría después de su accidente. La cara del hombre con barba blanca podría ser un medico y/o la persona que curaría a todos los oprimidos, que en este caso seria Marx. La paloma blanca representa la paz y en este contexto podría significar la paz que el marxismo le traería a todos los enfermos y marginados, como a ella. También se podría entender, por el gesto de su rostro, que la figura principal tiene la certeza de ganar su lucha tanto política como personal por sus dolores.

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Esta obra es una pintura abstracta. El punto focal se encuentra en el centro de la obra donde hay muchas líneas orgánicas gestuales, gestos improvisados y colores apagados de tonos tierra. Hay dos momentos o lenguajes importantes; por un lado, lo abstracto de la obra y por el otro el del transfer fotográfico. Dicho transfer tiene fotografías negativas en el cuadrante superior derecho.

Finalmente, Augusto Rivera Garcés fue un pintor, muralista colombiano y profesor en la Universidad de los Andes. En esta obra el artista esta imitando la técnica de un artista estadounidense que en sus obras utilizaba el método del transfer para incorporar imágenes fotográficas en su trabajo.

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El martes 24 de abril en un recorrido virtual por medio de la plataforma de Google art and culture y con la visita a la exposición online: “From Station to the Renovated Musée d’Orsay” se recorrió el Museo d'Orsay en Paris. Dicho museo se construyo a las orillas del Sena en una antigua estación ferroviaria. Este es un espacio muy importante mundialmente por las impresionantes colecciones de arte, por la arquitectura del museo y por diversas exposiciones temporales que se realizan en este espacio.

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El espacio en el que se inauguro el museo era una estación de tren que representaba lo mas moderno y avanzado de construcción para la época. Además, la estación que actualmente es el museo, fue de las primeras estaciones en espacios cerrados para trenes mas modernos. Sin embargo, antes del estallido de la segunda guerra mundial la estación dejo de funcionar porque los trenes comenzaron a ser demasiado amplios. Por ello, se comenzó exponer arte del siglo XIX europeo y comenzó a funcionar como un museo. Asimismo, este museo conservo la estructura principal de la estación de tren como el antiguo y gran reloj en el centro de esta.
Los espacios del museo están dispuestas para delimitar periodos del arte europeo, como el neoclasicismo y el impresionismo. Asimismo, se puede notar que la mayoría del arte expuesto es de la corriente impresionista por el uso de las pinceladas que se observa fácilmente.
Por otro lado, las paredes en los pisos en donde se encuentran las obras, mas coloridas y saturadas, son de un azul muy vivo. Mientras que en el espacio donde se exponen obras en tonos mas blancos las paredes también son mas blancas y claras. Capturo mi atención como las obras y el espacio en donde se exponen son similares y en ambos casos de sigue la misma paleta de colores. Es importante mencionar que el techo de los espacios es muy alto y que las luces parecieran ser muy fuertes. También en el techo del piso 0 se tiene repetición de unas decoraciones muy elegantes en forma de rombo color crema.

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Van Gogh's Bedroom in Arles- Vincent Willem van Gogh

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Vincent Van Gogh fue un pintor de Paises Bajos, exponente del postimpresionismo, y nacido el 30 de marzo de 1853. La obra se titula Van Gogh´s Bedroom in Arles y es del año 1889.
En este oleo sobre lienzo los colores son muy notorios. El artista utiliza principalmente el azul (para las paredes) y el amarillo (en la cama y la silla); debido a que dichos colores son opuestos en el circulo cromático se generan contrastes fuertes. Además los colores son de una paleta clara, brillante y moderadamente saturada, dándole una sensación de calidez al cuarto. Las líneas rectas en el piso del cuarto y las líneas diagonales que unen las paredes con el piso generan una sensación de profundidad en el cuarto. Además, en la obra hay muchas líneas rectas muy marcadas en elementos como; los cuadros de arriba de la cama, en los marcos de las ventanas y en la mesa que soporta una vasijas. Por otro lado, de la ventana entra una luz tenue que genera algunas sombras que se ven en el piso de madera. Debido a que la iluminación es suave y a que no hay muchas sombras la habitación pareciera aun mas acogedora y cálida.
En cuanto a los principios de la composición, hay una escala proporcional entre todos los objetos de la obra. Todos los objetos tienen un tamaño realista. En esta obra es difícil determinar el énfasis/subordinación pero debido a los elementos como las líneas y los colores se podría decir que el énfasis esta en la cama. Lo anterior debido a que la cama es el objeto que mas espacio ocupa y por como las líneas de los cuadros y las paredes dirigen la mirada este elemento. El balance es muy asimétrico porque no hay una repetición de los elementos en ningún sentido. Tampoco se observa un ritmo/patrón que predomine en la habitación.
Esta obra representa la habitación en la que Van Gogh vivió en Arles, Francia. Algunos interpretan que el cuarto tan ordenado refleja el deseo del artista de también llevar una vida organizada. Hay muchos otros simbolismos en torno a esta obra, por ejemplo la cama sencilla o de tamaño individual se entiende como que el artista no tenia compañía en ese momento de su vida. También la sencillez del cuarto expresa la simplicidad con la que vivía Van Gohg.

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Mural en la entrada al museo con un escrito de Juan Carlos Mora Uribe. 

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El viernes 5 de mayo realizamos una visita guiada a la Sala de arte Bancolombia. Ubicada en las Torres Atrio hay casi 300 obras de diferentes artistas en el espacio del museo. Además, esta colección de arte del banco abrió al publico a principió del 2022.

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Entrada al museo mamu con las letras oscuras contrastadas por la pared blanca. 

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Durante la clase del día viernes 28 de abril se realizo un recorrido al Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU). En este espacio se puede apreciar una colección de arte desde lo colonial hasta estilos mas contemporáneos. Asimismo, el museo fue fundado en el 2004 para la promoción del arte mayormente colombiano en Bogotá. Además, se llama al museo Miguel Urrutia por el anterior director del banco de la República.

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Se puede apreciar el extenso espacio donde hay muchas esculturas del piso 0. Además en el techo se ve un patrón de repetición en los azulejos cuadrados o rombicos color crema.

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La experiencia en el recorrido fue muy enriquecedora debido a la inmersión en la cultura Holandesa que se logra. Asimismo, se puede apreciar una amplia gamas de artistas y de estilos desde la edad media. Además, me resulto muy interesante que a pesar de ser un museo europeo tiene una sección de arte asiático (con vasijas, esculturas y serigrafia japonesa, entre otras obras ) muy extensa.
Otro aspecto importante son los colores neutros en las paredes que junto con las luces brillantes enfocan perfectamente las diferentes obras. Continuando con el montaje de las obras, la gran mayoría tiene a su costado una explicación de estas  y/o del artista, facilitando la comprensión y apreciación del publico.
La arquitectura del museo y la zona es muy bella ya que tiene la fachada de un palacio. También es importante mencionar que el museo ha tenido ciertas modificaciones en los últimos años para que el edificio fuese mas accesible a los diferente visitantes.

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Esta obra se llama Floral Still Life y es del artista Hans Bollongier; nacido en Paises Bajos en el siglo XVII . Asimismo, Floral Still Life es una obra realizada alrededor del año 1639 y fue pintada al oleo sobre lienzo. Este tipo de obra se popularizo mucho durante el "Siglo de Oro holandes" donde los artistas buscaban representar de una manera muy realista la naturaleza muerta floral.
En cuanto a los elementos del análisis formal se puede apreciar principalmente la luz, los colores y el espacio. Los colores de los pétalos de las flores son los mas vibrantes y brillantes de la obra, varían entre una paleta natural rosada, rojiza y anaranjada. También hay pétalos de color blanco que logran resaltar aun mas los pétalos de los colores anteriormente mencionados. La pared del fondo es de un color tierra mas apagado, mientras la mesa es de un color café brillante.  Por otro lado, la luz da la sensación de que se dirige principalmente al cuadrante inferior y medio izquierdo debido a como brillan los colores en las flores en esa sección. Se puede notar que hay una gran sombra que se encuentra en los cuadrantes de la derecha, y por lo tanto,  allí no hay un efecto de luz. Donde hay menos luz las flores están mas marchitas o incluso muertas y donde hay mas luz se encuentran las flores mas vivas. Otro elemento importante es el espacio ya que el arreglo floral ocupa el centro de la obra. Esto permite que la mirada se enfoque rápidamente al arreglo floral dejando de lado otros elementos como la mesa en la que dicho arreglo se soporta. Todos los elementos mencionados anteriormente ayudan a generar una sensación de profundidad de la mesa y también del jarro con flores.
Siguiendo con los principios de la composición se mencionara la escala, el balance y el énfasis/subordinación de la obra. Los elementos de la obra como la mesada, las flores y el jarrón tienen un tamaño proporcional entre ellos por lo que hay una escala conforme a los diferentes objetos. Luego, hay un balance asimétrico ya que el orden y la organización de las flores no se repite si se divide la obra en el eje vertical/horizontal. Finalmente, hay un énfasis en el arreglo floral ya que es donde mas se enfoca la intención. La subordinación seria en los objetos menos interesantes como en la mesada y la pared. Asimismo, el punto focal son las flores coloridas por su manera de sobresalir del resto de los elementos.
Floral Still Life no es una obra que permita mucha interpretación. Simplemente se puede entender que el artista busco representar un aspecto de la naturaleza en un elemento cotidiano, pero delicado y hermoso, como lo son los arreglos florales. Hans Gillisz era un artista que se caracterizaba por representar ramos de flores, a veces de grandes dimensiones y asimismo naturalezas muertas. Finalmente, en esta obra se pueden apreciar muchos detalles en las flores y no se ven las pinceladas del artista, generando una sensación de mucho realismo.

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Salón del piso 0-Entrada moderna con grandes decoraciones de luces. 

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En esta captura de pantalla se observa el piso 0 del museo donde hay muchas esculturas de varios artistas. Se puede apreciar que las paredes son de ladrillo, que el suelo es de un tipo de porcelanato color crema y que hay muchas luces en el techo que siguen un estilo mas moderno.

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Portret van Gerard Andriesz Bicker-Bartholomeus van der Helstca- 1642- En el Piso 3 del museo

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Esta escultura en metal es otra obra que se encuentra en el museo. Brevemente, en la obra se pueden apreciar formas geométricas abstractas y representa una nave espacial.

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En este espacio del museo hay muchos elementos personales de Frida y se puede apreciar donde ella probablemente crearía sus obras de arte.

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Probablemente la habitación de Frida Kahlo

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En el piso 1 de la casa se puede ver la habitación de la artista y demás elementos de su especio intimo.

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En cuanto a la disposición de las salas del museo, estaban organizadas en cinco ejes principales en base al criterio cronológico de las obras.
La primera sala es del siglo XIX, es la curadoria de ruptura y continuidades. En este espacio se muestra la relación de España con Colombia y su fuerte historia de movilidad en el siglo XIX; por ejemplo esta muy presente la ruptura con España pero también la continuidad de muchas de sus tradiciones. Me llamo la atención que en esta sala hay mucho retratos realistas de épocas coloniales. Además, en los retratos se siguen convenciones artísticas muy similares. Entonces hay retratos típicos del siglo XVIII-XIX muy realistas que representaban las fotografías de las familias más pudientes de la época. Por otro lado, en esta sala se observo que el techo es muy bajo y que también se podía acceder a las obras fácilmente porque no hay barreras. En el recorrido nos podíamos acercar a las obras porque no había nada que marcara la distancia a los espectadores.
En cuanto a las otras salas, la sala colonial se encontraba cerrada, esa curadoria la hizo un profesora de la Universidad de Los Andes. La última curadoria es la de arte contemporáneo y está se la modifica regularmente.
También recorrimos el espacio de la sala, con numero 14 en la entrada, que era mucho más abierto y grande. Allí se exponían pinturas que visualizaban el rol de la academia en Colombia cuando se afianza la relacion de civilización y la cultura. Además, hay pinturas académicas tradicionales producidas mayormente por artistas colombianos

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Es muy interesante como se organizan las obras en este museo en base a diferentes elementos. Cerca de la entrada esta la primer sección enfocada al Ser y al Alma. Le sigue el espacio que correspondía a las obras relacionadas a los elementos que serian: aire, agua, fuego y tierra. Luego el espacio de arte, que tiene esculturas y pinturas, se vincula con el tema de la gracia. Es importante mencionar que las obras a diferencia de muchos museo no se organizaban cronológicamente sino por su relacion con el ser, el alma, con los elementos de: agua, tierra, fuego y aire, y finalmente con la gracia.
Por otro lado, la sala era muy extensa y los espacios del techo y las paredes daban una sensación de amplitud. Toda la sala sigue un estilo de diseño moderno. Además, los tonos grisáceos de las paredes ayudan a resaltar los colores que hay en las obras de arte.

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La artista a los 18 años se accidento fuertemente y una barra de metal le atravesó la columna vertebral. Después de dicho accidente comenzó a concebir para si misma una carrera como artista. Sus pinturas son principalmente autorretratos y la experiencia de ella con su dolor físico. Asimismo, el dolor crónico que sufría se ve reflejado en muchos de sus autorretratos. También pinta mucho sobre su relacion turbulenta con su marido Diego Rivera.
Por otro lado, en sus obras esta muy presente la iconografía para representar la mexicanidad. Por ejemplo, en su obra Viva la Vida las sandias son típicas de una zona de México entonces utiliza este símbolo para representar la cultura mexicana.

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Montaje de la colección de arte japonesa en el piso B1

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En el piso B1 se aprecia una extensa colección de arte Japonesa. Allí las paredes son blancas permitiendo que las obras resalten fácilmente. Además, el techo esta mas bajo en comparación con el piso 0 y el suelo es de maderas.

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Gonzalo Ariza es un artista colombiano que suele representar la cultura y los paisajes del pais. En su obra, Monserrate, se puede apreciar el cerro de Monserrate junto con la iglesia en su cima. Además, en la pintura se tiene una fuerte perspectiva atmosférica.
En esta obra las líneas diagonales y gruesas que hay a lo largo de la montaña ayudan a dar una sensación de profundidad. Además, estas líneas que representan pliegues  del cerro ayudan a dirigir la mirada a la iglesias que hay en la cima. También hay líneas en zigzag que suben el cerro. Los colores principales son tonos suaves de verde, blanco y azul claro. La paleta de colores son muy claros, como pasteles,  y con un brillo y saturación baja. La luz pareciera que entra desde el cuadrante superior de la derecha. Asimismo, la sombra se observa en el cerro en el cuadrante medio y superior izquierdo.
Monserrate es una obra con mucha unidad ya que todos los elementos funcionan juntos para crear el paisaje natural del cerro y sus alrededores. Además, el énfasis se encuentra en Monserrate, particularmente en la iglesia. La iglesia es lo que mas sobresale de la obra por su color y su forma por lo que este seria el punto focal. Hay ciertas áreas menos interesantes, como el serró en el cuadrante inferior derecho y el del medio derecho, estos funcionan como elementos de la subordinación.
Finalmente, se puede interpretar que  el artista quiso representar un elemento clave del paisaje de la capital del pais, la iglesia de Monserrate. Además, pintar los paisajes en la época de Gonzalo Ariza (1912-1995) era un formato típico de muchos artistas populares; así mostraban la riqueza natural de una región.

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Retrato de la niña Inés Uribe Barrientos-Anónimo

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En esta obra se puede apreciar el retrato de una niña de entre los años 1800-1899. Seguramente dicha niña se llamaba Inés Uribe Barrientos ya que la obra tiene su nombre. El artista es desconocido y se sabe que este oleo sobre tela fue encontrado en el taller de los Figueroa.
En cuanto a la descripción formal, se puede notar que no hay sensación de espacio y que es una pintura muy plana. Los colores todos son muy opacos y no tienen saturación. No se observan prácticamente contrastes de luces y sombras. Además, se podría decir que no hay buenas cualidades de las texturas ya que el cabello de la niña es muy uniforme y los ojos no tienen ningún brillo, por lo que no se produce ninguna sensación táctil o visual. Continuando, la escena es muy estática; por ejemplo, no hay casi líneas diagonales que ayuden a dar esa perspectiva de profundidad. Otro componente importante es la escala, la cabeza de la niña tiene un tamaño muy desproporcional en comparación con el resto de su cuerpo. Entonces la escala de la cabeza es muy grande y desproporcionada.
Supuestamente, la niña del retrato es de unos pocos años de vida pero su cara es de una adulta joven. Se puede entender que por la época el artista no conocía aun la técnica  para pintar niños. Otra teoría es que en esa época a los niños se los pintaba de esa manera para proyectar como serian sus rostros en la adolescencia o en la adultez temprana.
De este estilo de obras se interpreta que solo las familias mas pudientes de la época podían tener sus retratos hechos por pintores.También se puede interpretar que la niña del retrato es de una familia adinerada por su vestido elegante y demás detalladles como el collar que lleva.

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Estos cuadros se encontraban en la sala de rupturas y continuidades del siglo XIX. En estos retratos muy realistas y típicos de la época se puede entender como cierto sector social podía permitirse tener sus retratos hechos como si fueran fotografías de los miembros familiares.

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En esta otra sala del museo se podían apreciar obras de estos paisajes típicos de Latinoamérica, donde predominan las montañas nevadas y los extensos prados. En dicha sala se evidencia como la pintura de los paisajes naturales adquirió mas popularidad en la etapa posterior a cuando todas las obras eran retratos.
Estas obras tienen una fuerte perspectiva atmosférica. Además, las tonalidades hacia el fondo son mas frías y blancas permitiendo ver el paisaje con una mejor profundidad. Un ejemplo de la descripción anterior es la obra Vista del Chimborazo del artista Rafael Salas. Realizada en oleo sobre tela entre los años 1870-1880. Se puede ver en el fondo el de la pintura el hermoso volcán ecuatoriano Chimboraozao.