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párrafo de conclusión de la vida es bella

En realidad, la película suaviza ligeramente el Holocausto para hacer posible el humor. Pero "La vida es bella" no trata sobre nazis y fascistas, sino sobre el espíritu humano. Se trata de rescatar todo lo bueno y esperanzador de los restos de los sueños. Sobre la esperanza para el futuro. Sobre la necesaria convicción humana, o ilusión, de que las cosas serán mejores para nuestros hijos, de lo que son ahora. Expresa como la creatividad y la imaginacion nos pueden librar de todo peligro. De que el amor de un padre es tan infinito, que a pesar de que supo que sería su final, no dudo en sacar una sonrisa a su hijo y sacrificar su propia vida por él. Y es así "Como el amor de un padre puede transformar la adversidad en una aventura maravillosa." (Adolfo Pérez - 1980).

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Como conclusión, la maternidad se presenta como un tema central que trasciende las barreras raciales y sociales, mostrando cómo las mujeres pueden encontrar conexiones profundas a pesar de las diferencias superficiales. A lo largo de la película, las protagonistas enfrentan desafíos únicos como madres y mujeres en una sociedad marcada por la segregación racial. Aibileen, Skeeter y Minny representan diferentes perspectivas de la maternidad: la ternura de Aibileen hacia la pequeña Mae Mobley, la valentía de Skeeter al desafiar las expectativas de la sociedad y la lucha de Minny por proporcionar y proteger a sus propios hijos. Estas historias entrelazadas ofrecen una visión completa y matizada de la maternidad, destacando la fuerza, la resiliencia y el amor que trascienden las barreras sociales. Al final, la película nos deja con la impresión de que, independientemente de nuestras diferencias, la maternidad es un vínculo universal que puede inspirar cambio y unidad en una sociedad dividida. Ya que la narrativa de "Historias cruzadas" sobre la maternidad es una invitación a reflexionar sobre la importancia de la empatía y la comprensión mutua en la construcción de un mundo más compasivo.

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Película: La La Land

Conclusión: A menudo nos preguntamos, cual fuera sido la diferencia si nuestra toma de decisiones hubiese sido distinta, ¿Qué fuera pasado si le fuera dicho que me gustaba? ¿Qué hubiera pasado si no hubiésemos peleado? ¿Qué hubiese pasado si no lo fuera terminado? Cargamos constantemente con el peso de nuestras decisiones, que por mucho que se quiera evitar terminamos imaginando nuestra vida con los beneficios y consecuencias de estas decisiones. El final de La La Land nos da específicamente lo que el espectador esperaría de una historia común, un romance que a pesar de las adversidades triunfa, para luego arrebatárnosla de una manera abrupta, ya que estamos en la realidad, y en esta, a veces hay que aprender a soltar para poder continuar, contrastando toda esta bella historia de amor como un mero pensamiento mientras Sebastian toca la pieza con la que conoció a Mia mientras la ve siendo feliz habiendo cumplido su sueño al igual que el suyo. Nuestra imaginación es infinita y es ahí, y solo ahí que puede vivir el ¿Qué hubiese pasado sí?

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Película: El laberinto del fauno

Párrafo de Conclusión:

Sin duda, este filme de Guillermo del Toro es una experiencia cinematográfica inolvidable que mezcla magistralmente la realidad y la fantasía. A través del viaje de Ofelia, la película nos sumerge en un universo rico en simbolismo, donde la crueldad de la guerra y la inocencia de la fantasía se entrelaza de manera conmovedora. Del Toro demuestra su ingenio al crear un mundo visualmente impactante, donde cada detalle contribuye a la trama de la historia. El capitán Vidal encarna la brutalidad humana, ofreciendo un contraste desgarrador con la esperanza representada por las criaturas mágicas como el Fauno. Por otro lado, Ofelia dentro de la historia viene a representar la inocencia en su estado más puro, cautivando desde el primer segundo a todo el público. Esta película nos invita a reflexionar sobre la esencia misma de la humanidad y la constante elección entre el bien y el mal. La dedicación de Guillermo Del Toro a los pequeños detalles demuestra una vez más su compromiso con la excelencia cinematográfica. En última instancia, este filme perdura como una obra maestra atemporal, explorando temas como la resistencia, la imaginación y la capacidad de descubrir la belleza, incluso en los momentos de dificultad.

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Párrafo de conclusión.

Un monstruo viene a visitarme.

En el despertar de la ira que ha abandonado su cuerpo y la aceptación de la inevitable muerte de su madre, Conor encuentra la paz de sus sentimientos descansando bajo el árbol que le ha impartido enseñanzas tan significativas. Después de horas, se despierta y es descubierto por su abuela, quien lo lleva de inmediato al lado de su madre. En el trayecto, Conor llega a reconocer que nadie es perfecto y nadie está completamente equivocado, logrando una reconciliación con su abuela. Al llegar al hospital, Conor finalmente comparte su verdad con su madre: no quiere que ella se vaya. A través de un abrazo cargado de tristeza y amor, la madre transcurre a una vida mejor. Este momento marca el cierre de toda una historia de vida. El miedo, Conor aprende, es lo único que nos detiene en la vida. Aunque tengamos seres queridos fundamentales a nuestro alrededor, es crucial confrontar nuestros miedos para perpetuar nuestro crecimiento. La valentía no radica en la ausencia de miedo, sino en la capacidad de seguir adelante a pesar de él, enfrentando las situaciones que se presentan.

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Parrafo de conclusion: El laberinto del Fauno

Como pudimos ver en la cinta están presentes los elementos que mejor definen a Guillermo del Toro como guionista y director, su visión de los monstruos no como una otredad invasiva y peligrosa sino como entidades que ayudan al incomprendido. Podemos apreciar su construcción de escenarios para cautivar a la audiencia, se siente la magia en el mundo que crea, te lleva a una realidad distinta a la que uno está acostumbrado. Guillermo del Toro además en sus historias alienta a la diferencia, a destacar, a ser uno mismo, aunque puedas terminar distanciándote de los demás ya que eso es ser humano y darte cuenta de las diferencias es lo que engrandece la propia existencia. Con el filme El laberinto del fauno Guillermo del Toro nos muestra un cuento de hadas mayormente orientado a un público mayor en el que contrasta el mundo de la guerra, perspectiva del capitán Vidal, y el mundo de fantasía que pertenecía a la perspectiva de Ofelia. La vida siempre será una mezcla de una realidad irrefutable y una magia inexplicable.

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Párrafo de Conclusión: El Hoyo

En síntesis, la película muestra como la sociedad es realmente. Las personas en los niveles superiores no tienen preocupaciones, mientras que los demás tienen que tomar decisiones difíciles para poder sobrevivir. En la vida real, las personas de escasos recursos económicos luchan día a día para poder subsistir, pero los que tienen mayores riquezas hacen lo que quieran sin importar los demás.

El Hoyo lo que refleja son los problemas actuales que se viven en la sociedad y trata de llevar a la reflexión para que nuestro entorno se restablezca.

Esta película demuestra lo difícil que es tomar decisiones cuando la única opción que tienes es sobrevivir.

El tema social nunca deja de ser la prioridad y el cómo los humanos pueden llegar actuar en diferentes situaciones. Quizás muchas veces tienes que empezar desde cero para poder entender lo que sufren aquellas personas de bajos recursos. Al final lo único que se ha logrado es que el egoísmo predomine, que el mundo sea una cárcel y todos seamos reclusos.

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Parrafo de Conclusión: Historias Cruzadas

En definitiva, Historias Cruzadas ofrece una poderosa representación del papel crucial que desempeñó la solidaridad femenina en el contexto social y cultural de la década de 1960 en Estados Unidos. La lucha por los derechos civiles y la resistencia a las leyes de segregación racial fueron moldeadas y fortalecidas por la colaboración entre mujeres de diversas clases sociales y contextos culturales. Este acto de solidaridad no solo desafiaba las discriminaciones raciales, sino que también cuestionaba las restricciones de género, convirtiéndose en una fuerza transformadora central. La película destaca la diversidad de experiencias dentro de esta solidaridad, resaltando que no era homogénea, sino una amalgama de vivencias y aspiraciones diversas que demostraron ser una fuerza unificadora y transformadora. La colaboración entre mujeres trascendió las barreras sociales y culturales, amplificando las voces de aquellas que históricamente habían sido marginadas. Este fenómeno no solo tuvo un impacto inmediato en la lucha por la equidad de derechos, sino que también dejó un legado duradero. La solidaridad femenina de la década de 1960 continúa resonando en la actualidad, sirviendo como inspiración para generaciones futuras y recordándonos el poder transformador que puede surgir cuando las mujeres se unen en busca de la igualdad y la justicia. La colaboración entre mujeres no solo desafiaba las percepciones arraigadas de género, sino que también allanaba el camino para una transformación cultural más amplia, dejando un impacto perdurable en la historia de la lucha por los derechos civiles y la equidad de género.

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En conclusión, Million Dollar Baby se posiciona como una obra cinematográfica magistral que explora la resiliencia humana frente a desafíos que a primera vista parecen insuperables. La determinación y coraje personificados por Maggie Fitzgerald y Frankie Dunn resaltan como conmovedores testimonios de la capacidad intrínseca del ser humano para superar adversidades. La trama se enriquece con un dilema ético y moral que se despliega a través de decisiones sorprendentes, aportando un toque de originalidad y una resonancia emocional profunda. A medida que la película destaca la fragilidad de la vida mediante giros inesperados, enfatiza la fugaz naturaleza de nuestra existencia. Clint Eastwood, desempeñando roles tanto de director como de actor, teje una narrativa impactante respaldada por las emotivas interpretaciones de Hilary Swank y él mismo. Million Dollar Baby desafía convenciones al explorar temáticas universales que invitan a la audiencia a reflexionar sobre la complejidad innata de la condición humana. Más allá de su habilidad para evocar emociones efímeras, esta obra se distingue por su capacidad para instigar una profunda reflexión acerca de la vida y sus matices intrincados. La película no solo impacta en el momento presente, sino que también ofrece una visión poética y reflexiva sobre la fragilidad de la vida, dejando una impresión duradera en el espectador.

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Sasha Parrales Filme "La noche de los lápices" 

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Sasha Parrales Filme "La noche de los lápices" 

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Cómo conclusión la tesis central es que la inocencia de las víctimas probaba la naturaleza criminal de la represión y por tanto la falsedad del discurso dictatorial. Estos eran dotados de inocencia por dos razones, una de tipo jurídico, ya que eran menores de edad y de tipo simbólico, ya que la adolescencia está asociada a la idea de pureza y de virginidad que le otorga su proximidad con la niñez. Se complementa aquí con una explicación histórica que traduce el compromiso político de las víctimas en una clase reivindicativa simple como lo es la lucha por el boleto secundario.En un ser como víctima a los sujetos de la historia implica sustraer a esto de su responsabilidad en el hecho,sobre todo el crimen contra ellos perpetrados. Sería injusto pensarlo de otra manera pues quien constituye a la víctima como tal son quienes aparecen haciendo la historia y son quienes terminan sufriendo la consecuencias de una pedida de boleto secundario.

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Para acabar, esta película muestra un ambiente y una contextualización de lo que puede llegar ser y hacer el jefe empresarial de una compañía exitosa sin importar la vida de cada uno de sus trabajadores para alcanzar sus tan codiciados deseos. Cada uno de los personajes encontrado en esta entrega cinematográfica tienen una peculiar característica de ser únicos y de poder enfrentarse a los problemas que se les presente, excepto a Julio Blanco que absorbe problemas ajenos que no debería adentrarse. Julio Blanco como jefe que vende exclusivamente balanzas debería buscar una paz interior equilibrada y respetar el espacio de cada uno para que haya una imparcialidad única. El papel de Javier Bardem, quien interpreta a Julio Blanco, me parece increíble con las tomas y expresiones que él con su equipo han hecho para esta película, porque tiene una exteriorización y manifestación asombrosa que siempre cuando habla impone un tono serio. Y tocando un tono serio de la película es la manipulación en el entorno laboral, al emplear tácticas psicológicas sutiles como la manipulación emocional o la crítica encubierta, que dificulta su detección, generando desconfianza y tensiones entre los miembros del equipo. Esta falta de transparencia socava la colaboración y la cohesión, erosionando la confianza mutua y contribuyendo a un clima laboral tóxico donde la comunicación abierta y la expresión libre de ideas se ven obstaculizadas, afectando el bienestar psicológico de los empleados y comprometiendo la eficiencia y el rendimiento del equipo. La película, dirigida por Fernando León de Aranoa, se sumerge en la complejidad de la vida laboral de este personaje, explorando su dinámica con sus empleados y su propia existencia. A través de un enfoque meticuloso, la cinta destaca las tensiones, los desafíos éticos y la soledad que caracterizan la vida del protagonista, generando una reflexión profunda sobre la naturaleza humana en el contexto del entorno laboral contemporáneo. Además, la película brinda una mirada perspicaz a los dilemas morales y sociales que atraviesan las relaciones de poder y las dinámicas de trabajo en un mundo en constante cambio, es por ello que es una película recomendada para aquellas personas que están interesadas en situaciones sociales y laborales, pero con un tono de comedia.

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Párrafo de conclusión: Silencio deja una impresión duradera al transmitir un poderoso mensaje sobre la resiliencia y la supervivencia humana. Como fue mencionado anteriormente, Maddie deja en claro que la supervivencia va más allá de la fuerza física.  Nos muestra lo ingeniosa que puede llegar a ser una persona con alguna discapacidad, y que eso no es obstaculo para conseguir algo. Los sentimientos tambien son importantes, porque vemos como puede llegar a cegar el actuar de las personas. También logramos ver lo perversa que puede llegar a ser la mente humana, ya que nos damos cuenta que de cierto modo el antagonista disfruta el nivel que crea el combate puesto a las afectaciones que posee Maddie. El juego de sonidos de la pelicula hacen que sea aun mas envolvente para el espectador, ubicandolos en cada lado de la historia. Sin duda alguna el final de la pelicula deja al cinefilo con una montaña rusa de sensaciones. El desenlace, que equilibra la victoria de Maddie con las secuelas emocionales, añade capas de complejidad y reflexión.

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En conclusión, la película resalta la importancia de abordar el racismo a través de medios cinematográficos y su potencial para generar reflexión y cambio social. También se destacarán posibles áreas para futuras investigaciones sobre la representación del racismo en el cine y su impacto en la sociedad. Mi opinión como persona de color al ver esta película es una admiración a estas mujeres ya que luchan por lograr un cambio en la sociedad y ver que en la actualidad se ha progresado pero que lastimosamente en racismo y desigualdad sigue.

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En Conclusión, se puede decir que “El pianista” es una película bien filmada, y muy bien organizada que demuestra la revolución que hubo en cierta parte por la Segunda Guerra Mundial provocada por los nazis (alemanes) y que valoremos nuestras creencias y tener respeto a otras personas que sean de diferente cultura, porque esta fue una de la guerras más horrorosas y brutales. Tan solo ver como mataban a las personas ahí en plena calle no les importaba si eran discapacitados o de la tercera edad. Solo por ser judíos o peor los que le daban de comer y como los maltrataban, abusaban y pegaban. Tan solo porque el país estaba en Guerra mucha gente inocente murió. Fue horrible como el pianista tenía que esconderse y a causa de esto obtenía migajas de comida por parte de sus amigos o compañeros de trabajo. La segunda Guerra mundial fue realmente un desastre mundial.

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Sandy Timbelo - " EL NIÑO QUE DOMO EL VIENTO "

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Sandy Timbelo - " EL NIÑO QUE DOMO EL VIENTO "

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En conclusión el protagonista " William" resalta el triunfo del ingenio y la voluntad inquebrantable de superación   a través de la determinación, la creatividad y el compromiso por el bienestar de su comunidad, el filme  concluye  con  un testimonio conmovedor que subraya la importancia crucial de la educación, la innovación y la resiliencia como herramientas fundamentales para superar dificultades "La sequía, la hambruna ", nos muestra que el protagonista  empapado de conocimiento y determinación, tiene el poder de transformar no sólo su propia vida sino también el destino de su comunidad, de esta manera " El Niño que Domó el Viento" es una inspiradora historia que nos permite valorar cómo la transición energética puede surgir desde iniciativas modestas y procesos de innovación que integran recursos y relaciones locales, llegando a tener impactos significativos en los modos de vida de comunidades con grandes necesidades.

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Al final esta historia nos sirve como una reflexión de varios temas como el racismo, el compañerismo y la igualdad. Pese a las adversidades vividas por estas mujeres ellas decidieron alzar su voz en manera de protesta para un mejor futuro no tanto de ellas sino de sus hijos e hijas. Un pueblo unido por un bien común jamás podrá ser vencido. Las desigualdades alrededor del mundo siempre van a existir y pese a que no estén bien todo dependerá de tu manera de enfrentar estas situaciones. Estas mujeres sirvieron de inspiración para mi y puede ser de inspiración también para ti. De como convertir una situación mala en una oportunidad para prosperar. También podemos ver que una chica como Skeeter que no tenia nada que ganar con estas historias y mucho que perder decidió ser el canal de transmisión por el cual estas mujeres se expresaran. Al final todo dependerá de la unidad y el amor que podamos ver en nuestro prójimo y la capacidad de ayudar que tengamos.

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En conclusión, "Persépolis" emerge como una obra cinematográfica trascendental al arrojar luz sobre la lucha por la democracia en Irán. La película destaca no solo por su destacada animación, guion y mensaje, sino también por la universalidad de los temas que aborda. Al explorar la condición humana, plantea argumentos fundamentales sobre la libertad de expresión, la educación, la paz, la tolerancia, la libertad y la democracia, destacando la relevancia de estos valores para todas las personas, sin importar su origen cultural.

A través de la narrativa de Marjane, la película se convierte en un poderoso testimonio de la resiliencia humana. En medio de adversidades extremas, la protagonista se erige como un símbolo de fuerza y perseverancia, demostrando que, incluso en las circunstancias más difíciles, es posible mantenerse fuerte.

"Persépolis" no solo entretiene, sino que también invita a la reflexión sobre la importancia de los derechos humanos y la libertad. Sirve como un recordatorio elocuente de que la lucha por la democracia es una empresa continua y desafiante, pero, al mismo tiempo, es imperativa. La película insta a la audiencia a cuestionar y valorar sus propios derechos, al tiempo que subraya la necesidad de persistir en la defensa de estos principios fundamentales. En última instancia, "Persépolis" es más que una obra cinematográfica; es un llamado a la acción y una celebración de la fuerza innata del espíritu humano ante la adversidad.

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A manera de síntesis, Parásitos no es únicamente una obra cinematográfica, sino también una poderosa crítica social. Este filme logra trascender las fronteras culturales, ya que, aborda temas universales como la desigualdad social y las complejidades de las relaciones humanas. Bong Joon-ho realiza un hábil uso de símbolos visuales, giros narrativos inesperados y personajes ricos, lo que permite que la audiencia se sumerja en profundas reflexiones sobre la movilidad social y sus consecuencias. Con una dirección magistral, la arquitectura cinematográfica como los espacios claustrofóbicos nos permiten hacer analogías sobre la diferencia de clases y como esto puede influir en las decisiones de cada persona. Gracias a esto, la película se presenta como un espejo cruel que nos enseña la realidad de la lucha de clases. Con una narrativa poderosa y una presentación visual única, Parásitos deja una impresión duradera, planteando preguntas difíciles sobre la naturaleza de la desigualdad y el deseo individual en un mundo donde la movilidad social sigue siendo desafiante y contradictoria. Por su sorprendente final y sus sorprendentes personajes, Parásitos no sólo entretiene, sino que deja cuestionamientos sobre las estructuras sociales y expone las grietas en el tejido de la sociedad moderna. Sin duda alguna, una obra maestra que redefinió el mundo del cine y será objeto de análisis y admiración en los años próximos.

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En la opresiva sombra de la religión en la que se entrelazan las vidas de Cecilia, Lux, Bonnie, Mary, y Therese, marcan un inicio de su tragedia. A través de la lente de Sofia Coppola, la película captura la angustiante complejidad de la adolescencia, enfatizando la búsqueda de conexión social como un antídoto a la soledad impuesta. La cita de Freud resuena, subrayando la intolerable carga del aislamiento, y la importancia de la conexión humana para evitar la autodestrucción. Las tensiones acumuladas entre las hermanas se manifiestan en patrones autodestructivos, revelando una gama de trastornos que van desde la desesperada necesidad de validación hasta el mutismo, y la hipersexualidad. El filme destaca aquella obsesión de sus cuatro vecinos, que, en su ceguera carnal, no logra comprender las señales de auxilio de las Lisbon, en las cuales se enfoca a la religión como fuente de restricción, y desencadenante de su trágico destino. En última instancia, la adaptación de el libro nos ofrece un oscuro trasfondo donde la religión, la obsesión, y la soledad convergen, demostrándonos la fragilidad humana, y la fatalidad que acompaña a la búsqueda desesperada de libertad.

Quizhpi Chele Valeria

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Conclusión

La película el niño de pijama de rayas es un filme que tiene un impacto directo hacia la pérdida de valores en ese tiempo, mostrando la dura situación que incluso los inocentes niños tuvieron que afrontar. Por lo tanto, ser perseguidos, ser asesinados, ser esclavizados y explotados, son aspectos que llevaron al pueblo judío  a si casi extinción. No obstante resaltó dos puntos muy importantes de este filme que son la manera en como Hitler convenció al pueblo alemán y compartió esa ideología sobre la separación de razas  y junto al partido de los nazis, esto al final de cuenta se convirtió en una dictadura. El otro punto es sobre los niños, específicamente su punto de vista, porque ellos nacen sin ninguna ideología y buscan adaptarse y poder compartir con los demás, busca ese amor y ese cariño, en este caso al ver dicha situación estos solo nacían para morir, pero la película nos demuestra que los seres más fuertes son los niños porque ellos son el puente entre diversas razas compartiendo su humanidad y es lo que al final de la película observamos, la unión de manos de dos niños de mundos  totalmente diferentes que tienen ese amor de hermanos.

Recomiendo este filme para todas las personas, para que puedan transportarse hacia ese ambiente y puedan entender la visión de los niños y la dictadura planteada por los nazis, no obstante desde mi punto de vista considero que es un filme increíble que nos lleva a al ocurrido en ese tiempo y nos transmite ese sentimiento que sintieron todas esas personas, por lo tanto podemos apreciar como una ideología impulsada por la palabras  son capaces de destruir y convertir a una sociedad entera en personas malvadas que buscan ser reyes de todos mientras no se dan cuenta que en realidad, todos somos iguales.

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Oswaldo Franco-Conclusión Pinocho de Gillermo del Toro

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Oswaldo Franco-Conclusión Pinocho de Gillermo del Toro

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Conclusión: Si bien Pinocho es un cuento clásico para niños, la adaptación de Guillermo del Toro prueba que incluso las historias para niños pueden abordar temas y situaciones complejas. La película brinda una serie de lecciones relacionadas con el significado trascendente de la vida de una manera sutil, pero al mismo tiempo hermosa, el contrastar la vida eterna del protagonista con la mortalidad del resto de personajes y destacar el verdadero valor de sus vidas es solo una de las muchas lecciones que nos deja este filme. Es válido interpretar el mensaje del director como una posición en contra de la inmortalidad que mucha gente busca o espera conseguir, pues, sus líneas respecto a lo que le da valor a nuestra existencia tienen un mensaje claro. La vida es corta, eso es irrefutable, pero no por eso deja de ser importante. La adaptación logra exponer que lo que hace importante a la vida es el tiempo limitado que hay para vivirla, invitándonos a bajar el sueño de la inmortalidad del pedestal en el que se encuentra en nuestra sociedad actual, y empezar a valorar y aprovechar el tiempo que nos queda en esta tierra.

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En conclusión, esta película (lalalnd) se erige como una obra maestra que transcurre en el cruce de

la realidad y la fantasía, la intensidad se manifiesta a través de las decisiones

y dilemas de los personajes principales, cada uno lidiando con la tensión

entre la pasión individual y las expectativas sociales. La película no solo nos

sumerge en las complejidades de las aspiraciones artísticas, sino que también

utiliza magistralmente elementos cinematográficos, como la música y la

estética visual, para resaltar la riqueza emocional de esta lucha. En última

instancia, la película nos invita a reflexionar sobre nuestras propias

elecciones y a considerar la importancia de perseverar en la búsqueda de

nuestros sueños, incluso cuando la realidad amenaza con socavarlos.

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Conclusión: Para culminar,  Andrés Wood no solo narra la amistad entre dos niños en un contexto histórico convulso, sino que se erige como una representación magistral de las tensiones sociales y políticas en la Chile de los años 70. La película, respaldada por una dirección excepcional y un guion impactante, invita a reflexionar sobre la intersección ineludible entre lo personal y lo político. A través de la historia de Gonzalo y Pedro, "Machuca" trasciende su contexto histórico para ofrecer una mirada profunda y conmovedora sobre la complejidad de la experiencia humana en tiempos turbulentos, dejando una impresión duradera que resuena con relevancia en la actualidad. Este relato, hábilmente entrelazado por Wood, no solo documenta un momento específico en la historia chilena, sino que también invita a una reflexión más amplia sobre las intersecciones entre lo personal y lo político. La pérdida de la inocencia, el contraste de realidades y la inestabilidad social son presentados con maestría, destacando la habilidad del director para transmitir una narrativa compleja de manera accesible.
También destaca no solo por su impactante representación visual y narrativa, sino también por la capacidad de provocar una resonancia emocional profunda. La película ofrece una ventana hacia una realidad histórica, al tiempo que plantea preguntas universales sobre la amistad, la injusticia y la resistencia.

Recomendaría esta obra a aquellos que buscan más que una simple narrativa histórica, a quienes desean sumergirse en una reflexión profunda sobre las complejidades de la condición humana. "Machuca" es una experiencia cinematográfica que no solo informa, sino que también conmueve y deja una impresión duradera en el espectador.

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Conclusión

La película inspira a las audiencias a reflexionar sobre la importancia de la

diversidad en la investigación y el desarrollo, recordando que el talento y la inteligencia no conocen límites raciales o de género.

En conclusión, "Talentos Ocultos" emerge como una obra cinematográfica que

trasciende el entretenimiento al iluminar la historia no contada de mujeres

afroamericanas cuyas habilidades científicas y resistencia cambiaron el curso de la

exploración espacial. La película sirve como recordatorio de la necesidad continua de

equidad e inclusión en todos los ámbitos, alentando a las audiencias a reconocer y nutrir

los talentos que a menudo pasan desapercibidos.