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1. L'art abstrait est né en Russie par le célèbre peintre Piet Mondrian.
2. Il s'est ensuit transmit en tant qu'art astrait géométrique a Kiev, par Kasimir Malevitch en 1911.
3.

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tu n'avances pas a assez vite il ne te reste que 3 cours pour travailler avec mon aide dessus

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Pour comprendre l'évolution d'un mouvement artistique, la diversité des styles des artistes et leurs influences, il est nécessaire de faire un saut en arrière. Aujourd'hui, c'est focus sur l'art abstrait : Artsper vous résume son histoire picturale, à lire avant votre prochaine expo !
Débuts en Europe de l'Est

L'art abstrait naît au début du XXème siècle. Le paysage artistique de l'époque se composait majoritairement du fauvisme, du cubisme et de l'expressionisme figuratif. L'art est marqué par la libération de la couleur, des formes, et surtout : du sujet. Tant et si bien que peu à peu, la figuration est carrément laissée de côté, le contenu abandonné pour la forme pure. Audace et recherches chromatiques caractérisent cette période; le style des artistes s'affranchit de plus en plus des carcans académiques.

Les débuts de l'art abstrait sont difficiles à cerner. On constate en effet l'apparition simultanée de différents peintres aux styles variés, chacun apportant sa touche très personnelle à la définition de l'abstraction. S'il devait être donnée une date au début de l'art abstrait, 1910 fait (quasiment) l'unanimité. Elle correspond à la Première aquarelle abstraite de Vassily Kandinsky. Ce peintre russe, rattaché au courant d'avant-garde d'Europe de l'Est, est le premier à peindre sans aucune figuration. Ainsi se définira l'art abstrait : comme un art qui, à l'opposé de l'art figuratif, ne représente pas la réalité, s'en abstrait. Cet art se concentre sur les couleurs, les formes, libéré des habituels sujets ou objets du monde extérieur.

Rationalité et expressivité

L'abstraction peut être résumée grossièrement en deux idées : d'une part, la recherche d'une rationalité, d'un ordre indépendant de la réalité extérieure; d'autre part, le développement de la fonction expressive et symbolique de la couleur, du rythme des formes, et de leur indépendance face au sujet. Les artistes comme Kandinsky, Kupka, Delaunay, trouvent dans la diversité chromatique un important panel d'émotions. Le rouge vif ou le bleu profond, étalés sur la toile, procurent un certain effet sur le spectateur, communiquent un état d'esprit. Le peintre tchèque Kupka, un des pionniers du mouvement, déclara : " il semble donc plus opportun de considérer et d'interroger les sensations de lumière, de caractère et de valeur différentes, en tant qu'elles suscitent en nous des états d'âme. "

Différents arts abstraits

L'art abstrait est une mouvance riche, rapidement divisée en sous-catégories aux codes bien précis. Kandinsky est le représentant de l'abstraction lyrique ; l'on trouve au coeur de ses préoccupations la puissance des émotions et l'impact de la couleur sur l'être humain. Malevitch représente le suprématisme : un movement qui recherche la sensibilité picturale pure et où les formes et les couleurs sont travaillées pour elles-mêmes. Les oeuvres de ce dernier sont plus géométriques, moins colorées que celles de Kandinsky, qui sont comparables à un tourbillon de formes et de couleurs, pourtant savamment organisé. Piet Mondrian, quant à lui, avec ses carrés de couleurs primaires et ses lignes noires, ouvre la voie vers l'abstraction géométrique, un art presque mathématique. On note également le développement de l'orphisme, porté par les Delaunay qui usent de couleurs acidulées et formes arrondies recouvrant entièrement la toile. Ces différentes tendances sont quasiment concomitantes, et durent jusqu'aux années 30.

Dans les années 40-50 se développe une nouvelle mouvance de l'abstraction, instiguée par les peintres américains : il s'agit de l'expressionisme abstrait. Au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale, ce style nouveau envahit littéralement le paysage artistique. Des figures comme Jackson Pollock et Willem de Kooning marquent les esprits et comptent encore aujourd'hui parmi les plus prisés sur le marché. Au sein même de l'expressionisme abstrait, plusieurs dénominations sont utilisées selon les artistes. Pollock, par exemple, est le représentant de l'action-painting, une peinture caractérisée par les gestes virulents du peintre, qui secoue son pinceau au-dessus de la toile, créant des taches de couleur (" spotting ") qui forment peu à peu l'oeuvre. Ici, c'est l'acte physique du peintre qui est au centre du processus artistique, et non le sujet (par ailleurs inexistant) du tableau. Le colorfield-painting, grands aplats de couleurs vibrantes, est porté par des artistes comme Rothko ou Clyfford Still, et prône une autonomisation de la couleur, libérée du sujet et de la toile.

A partir de 1960 apparaissent principalement deux nouvelles tendances : l'art optique ou op art, et le minimalisme. Le hongrois Victor Vasarely est le père de l'op art, un art s'intéressant aux effets d'optique. Les artistes de ce mouvement (Julio Le Parc, François Morellet, Yaacov Agam) jouent sur les effets de couleur, forme et lumière pour créer des sensations visuelles chez le spectateur. A la même période émerge l'art minimal, porté par des artistes comme Sol LeWitt, Robert Morris ou encore Dan Flavin. Leur mot d'ordre est l'économie de moyens. L'art est réduit à une structure simple, souvent géométrique, toujours abstraite.

Et si le père de l'abstraction était... une mère ?

Si Kandinsky, Malevitch et Mondrian sont communément considérés comme les fondateurs de l'art abstrait, l'histoire de l'art reste entourée de zones d'ombre, qui s'éclaircissent parfois avec le temps. Ainsi est revenue récemment sur le devant de la scène une artiste peintre, qui aurait été la véritable pionnière de l'abstraction picturale. Hilma af Klint, peintre suédoise, réalise en 1906, soit 4 ans avant l'aquarelle de Kandinsky, une série de peintures abstraites. Aurait-elle influencé les trois hommes ? Son statut de femme lui aurait-il porté préjudice, empêché d'accéder à la reconnaissance ? Ou alors, tout simplement, l'éloignement géographique de la Suède est-il seul à blâmer ? Quelle que soit la réponse à cette interrogation, la redécouverte de son oeuvre est sans conteste à saluer.

Pour en savoir un peu plus sur l'art abstrait, et plus précisément sur ses acteurs contemporains, jetez un oeil à notre article sur les 10 artistes abstraits à connaître !

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Petite histoire de l'art abstrait | Magazine Artsper

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Pour comprendre l'évolution d'un mouvement artistique, la diversité des styles des artistes et leurs influences, il est nécessaire de faire un saut en arrière. Aujourd'hui, c'est focus sur l'art abstrait : Artsper vous résume son histoire picturale, à lire avant votre prochaine expo ! L'art abstrait naît au début du XXème siècle.

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Kasimir Malevitch (1888-1976) est l'un des deux premiers artistes utilisant l'art abstrait géométrique est mit en lien car il utilise des formes géométriques, qui est l'une des principales caractéristiques de cet art.

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on est très loin de ce que tu devrais avoir terminer en 2h une ligne du temps c'est peu

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Art abstrait géométrique

L'Abstraction géométrique désigne une forme d'expression artistique très souvent non figurative dans laquelle se sont illustrés plusieurs courants historiques et qui a recours à l'utilisation de formes géométriques et de couleurs disposées en aplats dans un espace bidimensionnel.

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l'art académique est un art de la même époque que celle de l'art abstrait géométrique. Malgré l'égalité d'époque, il y a aussi des différences tel que la méthode employée, le thème, etc...

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L' art académique, aussi nommé art pompier, est un courant artistique du milieu du . L'académisme est caractérisé par un goût pour les thèmes historiques et pour l' orientalisme. En sculpture, il se caractérise par une tendance à la monumentalité, représentée entre autres par les sculpteurs Auguste Bartholdi et Emmanuel Fremiet.

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en 2h juste mettre une définition que nous avons trouver ensemble n'est pas suffisant

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Cet article est extrait de l'ouvrage Larousse " Dictionnaire de la peinture ".

Nom donné à l'une des principales tendances qui se sont affirmées dans la peinture et la sculpture du xx e s.

Origine historique et esthétique

On peut situer son avènement aux environs de 1910, lorsque Kandinsky peint une aquarelle (Paris, M. N. A. M.) où toute référence au monde extérieur est délibérément supprimée.

Presque en même temps, la forme abstraite trouve sa justification sur le plan de l'esthétique : c'est en 1908, en effet, que paraît à Munich l'ouvrage de Wilhelm Worringer (à l'origine sa thèse de doctorat, soutenue à Berne) Abstraction et Einfühlung. À partir de la notion d' Einfühlung, déjà formulée dans la philosophie allemande, qui exprime une sorte de communion entre l'être humain et le monde extérieur, reflet d'un équilibre spirituel, l'auteur conçoit un état d'âme opposé, dominé par l'angoisse, dont les civilisations antérieures avaient déjà donné nombre d'exemples. Cet état d'angoisse se traduit, dans le domaine de l'art, par une tendance à l'abstraction (art celte, irlandais). L'homme, écrasé par la puissance des dieux ou par l'incertitude de sa propre existence, se détourne du réel, que seule la forme abstraite peut transcender.

Avènement de l'Art abstrait

En dehors de l'esthétique, l'évolution de la peinture elle-même prépare l'apparition de l'Art abstrait. Les théories chromatiques des postimpressionnistes ont éloigné l'objet peint de sa couleur réelle. Le ton local une fois abandonné, l'emploi de la couleur devient de plus en plus libre, jusqu'au triomphe de la couleur pure, qui est la grande conquête des fauves. Parallèlement, la structure du tableau et les formes se modifient dans le même esprit. Gauguin, tout en forçant les contrastes de tons, infléchit les lignes de sa composition au nom de l'expression. Cézanne soustrait la forme à ce qu'elle comporte d'accidentel. La pureté géométrique qu'il finit par entrevoir comme une possibilité d'accomplissement de la peinture au-delà de l'éphémère conduit au Cubisme, où les objets perdent leur apparence réelle.

Ainsi, vers 1910, l'indépendance de la forme rejoint celle de la couleur et elle s'affirme au détriment de l'espace tridimensionnel, qui est la charpente de la vision réaliste apparue avec la Renaissance. La désintégration de cet espace, à son tour, entraînera la progressive dissolution de l'objet, puis sa disparition, qui marque l'avènement de l'Art abstrait. Deux des trois pionniers de cette peinture, Mondrian et Malévitch, passeront en effet du Cubisme à l'Abstraction. Seul Kandinsky restera indifférent aux recherches cubistes et atteindra l'Abstraction directement par la voie de la couleur, d'où le lyrisme de ses premières expériences abstraites, à la différence de la conception géométrique qui domine dès le début les œuvres de Malévitch et de Mondrian. Il sera le seul à ne pas devenir le chef de file d'un mouvement abstrait, comme le furent Malévitch pour le Suprématisme et Mondrian pour le Néo-Plasticisme.

La vision abstraite. Son développement et ses prolongements

Entre 1910 et 1920, la vision abstraite étant une conséquence de l'évolution de la peinture, en dehors de toute influence précise, on assiste à l'éclosion de formes abstraites dans l'œuvre de différents artistes.

L'Américain Arthur Dove réalise en 1910 quelques peintures abstraites très personnelles ; le Russe Larionov lance en 1913 le Rayonnisme, mouvement abstrait, qui reste lié à son nom et à celui de Gontcharova. En France, en 1913, Delaunay et Léger conçoivent respectivement les Formes circulaires et les Contrastes de formes. Chez ces artistes, cependant, les tentatives abstraites demeurent occasionnelles (Delaunay reviendra une nouvelle fois à l'Abstraction, en 1930).

D'autre part, lorsqu'on observe l'évolution, vers les années 20, de nombreux artistes très différents d'esprit - Villon, Klee, Carrà et jusqu'aux dadaïstes -, on ne manque pas de noter chez eux des " moments abstraits ", passagers, mais significatifs dans la mesure où ils montrent l'intérêt général que l'expression abstraite avait éveillé. Or, même si cette attitude a pu susciter des œuvres intéressantes, elle ne doit aucunement être confondue avec celle des véritables pionniers qui assument l'Abstraction comme un engagement à la fois esthétique et moral. Chacun d'eux éprouve le besoin d'écrire : Kandinsky ( Du spirituel dans l'art, 1912 ; Point, ligne, surface, 1926), Mondrian (nombreux textes dans De Stijl, à partir de 1917), Malévitch ( Die gegenstandslose Welt, " le Monde sans objet ", 1927, et autres essais antérieurs). D'une manière plus ou moins prononcée, l'expression abstraite est pour eux non seulement une révolution plastique, mais un pas en avant vers un monde meilleur. Cette conscience d'une mission à remplir, fondement de l'Art abstrait, lui confère un caractère à part parmi les mouvements d'avant-garde. Simple tendance à ses débuts, il prend de plus en plus l'aspect d'un phénomène après 1920, lorsque l'influence de la forme abstraite commence à se manifester dans l'architecture, la décoration, l'ameublement, la typographie, les arts graphiques. L'action de la nouvelle esthétique met fin au décor 1900. À cet égard, la revue De Stijl (1917-1932) joue un rôle de premier plan. Fondée par un groupe d'artistes et d'architectes réunis autour de Mondrian, elle a pour principal animateur Théo Van Doesburg. Avec une énergie et un pouvoir de persuasion extraordinaires, celui-ci entreprend une série de voyages et de conférences à travers l'Europe pour imposer à ses contemporains l'esthétique abstraite, qui se rattache dans son esprit à la conception de Mondrian, telle qu'elle sera formulée dans le Néo-Plasticisme.

Cette influence considérable de De Stijl n'est pas la seule à avoir agi. Les applications pratiques de l'expérience abstraite ont également leur source dans les mouvements d'avant-garde russes. En Union soviétique, où, à la faveur de la révolution, l'avant-garde occupe pour un certain temps la place de l'art officiel, le problème de la réalisation pratique des recherches abstraites se pose avec insistance, l'art étant appelé à servir la société. Les expériences de Tatline, promoteur de la sculpture abstraite (1914-15), et le Constructivisme qui leur fait suite (manifeste signé par les sculpteurs Gabo et Pevsner, 1920) aboutissent à deux tendances opposées : l'une (Pevsner et Gabo) prend le parti de l'art pur, alors que l'autre (le groupe réuni autour de la revue Lef ) recommande aux artistes de cesser toute activité spéculative pour retrouver " les bases saines de l'art - la couleur, la ligne, la matière et la forme - dans le domaine de la réalité qui est celui de la construction pratique " (programme des constructivistes soviétiques paru dans le premier numéro de Lef, 1923). Mais ce rôle social que l'art devait jouer, et qui aurait permis à l'esthétique abstraite de donner un essor au dessin industriel et à l'architecture, se heurta à la crise économique que l'Union soviétique traversait, et l'influence des nouvelles formes se manifesta presque exclusivement dans le domaine de la typographie. Malgré la poussée de l'art abstrait, le décor de la vie ne changea pas en Union soviétique. Cependant, par l'intermédiaire de l'architecte et peintre suprématiste El Lissitsky, qui avait fortement subi l'influence de Malévitch, les innovations des artistes russes eurent des prolongements en Allemagne.

Dans l'expansion des formes abstraites, entre 1920 et 1930, l'activité de Lissitsky correspond à celle de Van Doesburg, et c'est dans les milieux du Bauhaus que leurs personnalités fusionnent et se complètent. Le dynamisme suprématiste se joint à la rigueur néo-plastique pour donner à l'esthétique abstraite le rayonnement qui caractérise ces années. Le Bauhaus, fondé en 1919, malgré les vicissitudes de son existence, comme école d'art et d'architecture résolument moderne, réussit à approfondir la conscience du xx e s. à l'égard de son propre style et à former une élite qui a largement contribué à la diffusion de l'esthétique abstraite dans le domaine pratique. Dans les milieux du Bauhaus apparaît déjà cette influence du Néo-Plasticisme sur l'architecture, dont nous avons aujourd'hui de très nombreux exemples.

Paris, qui est resté jusque-là à l'écart des tendances proprement abstraites, accueille cette esthétique. En 1923, Léonce Rosenberg organise, dans sa galerie " l'Effort moderne ", une exposition du groupe De Stijl. Puis, en 1925, c'est l'Exposition internationale des arts décoratifs qui révèle l'existence, partout en Europe, des nouvelles formes, où prédomine la rigueur fonctionnelle. Au cours de ces mêmes années, le nombre d'artistes séduits par l'Abstraction augmente considérablement. D'importantes expositions de peinture et de sculpture abstraites ont lieu à Zurich (1926, 1929), à Paris (Cercle et carré, 1930). Cette expansion de l'Art abstrait atteint son point culminant dans le mouvement Abstraction-Création, fondé à Paris en 1931 et qui reste actif jusqu'en 1936. Les expositions internationales que ses membres organisent annuellement finissent par réunir plus de 400 artistes (416 exactement à l'exposition de 1935, dont 251 artistes français). Dans leur ensemble, ces manifestations imposantes marquent le triomphe de l'Abstraction géométrique. Il s'agit cependant d'une simple mode et non d'un épanouissement de l'Art abstrait. Le seul domaine où la vision abstraite des années 30 découvre des possibilités nouvelles est celui de la peinture murale. Les réalisations les plus importantes en sont les Rythmes sans fin de Robert Delaunay, dont la conviction profonde de la valeur décorative des formes abstraites apparaît clairement dans ses écrits ( Du Cubisme à l'Art abstrait, 1957). Delaunay devient le principal défenseur de l'Art abstrait en France et crée le Salon des réalités nouvelles (gal. Charpentier, 1939), premier Salon consacré exclusivement à l'Art abstrait, qui se tiendra régulièrement chaque année à partir de 1946.

Un autre fait, révélateur de l'esprit des années 30, est la tentative des artistes d'appeler l'Art abstrait Art concret. Pensant que leurs œuvres expriment le fond même de la réalité, ils estiment qu'il serait plus juste de les appeler " concrètes ". Van Doesburg lance la revue Art concret (avr. 1930), qui ne comptera qu'un numéro, mais le terme restera associé à l'Abstraction essentiellement géométrique de la période 1930-1940.

L'Art abstrait après 1945

Après la Seconde Guerre mondiale, l'expression abstraite change radicalement d'aspect et d'intentions. À côté de la tendance purement géométrique, qui, autour de 1950, connaît en France un grand succès (Vasarely) et en dehors de certains artistes qui parviennent à une vision personnelle en atténuant la rigueur géométrique (Poliakoff), d'autres formes d'abstraction apparaissent ne se rattachant plus aux origines de l'Art abstrait (œuvres lacérées de Fontana). Si dans le passé l'Abstraction était le résultat d'une construction méditée, progressivement mise au point, elle acquiert désormais pour certains peintres une valeur expressive d'autant plus forte qu'elle est livrée à l'instant même de son accomplissement (Hartung, Soulages), attitude qui conduit également à l'Abstraction calligraphique ou au Tachisme (Sam Francis), ou alors à une abstraction ambiguë (Wols) qui a été appelée " informelle ". Toutes ces œuvres visent à une expression totale et immédiate de ce que l'artiste porte de plus profond en lui. À ce niveau, la barrière entre Abstraction et Figuration tombe et très souvent le peintre éprouve le besoin de transgresser les moyens traditionnels en se servant d'une matière que la technique courante de la peinture exclut (Fautrier).

Le cas le plus frappant de cette nouvelle tendance de l'Art abstrait a été aux États-Unis celui de Jackson Pollock. Par réaction contre la lenteur d'exécution que la peinture exige, dans une sorte de rage de peindre, il aboutit en 1947 au " dripping ", procédé où il n'a plus besoin de pinceaux parce qu'il emploie des couleurs industrielles (duco, vernis d'aluminium) qu'il laisse directement couler de la boîte sur sa toile posée à plat sur le sol. Son tableau se compose ainsi uniquement de ces traînées de couleurs, superposées en tous sens, qu'il a obtenues en se déplaçant autour de la toile, la boîte de couleur à la main. Cette forme d'expression qui repose sur le geste, adoptée d'une manière plus ou moins exclusive par de nombreux artistes américains et européens, est connue sous le nom d' Action Painting et elle caractérise au plus haut point la liberté de conception et la spontanéité d'exécution qui distinguent l'Art abstrait de l'après-guerre. Une telle ouverture de la sensibilité peut être rapprochée des conceptions picturales de la Chine et du Japon anciens, desquelles, du reste, certains artistes (Tobey, Julius Bissier) avaient déjà, au cours des années 30, tiré un enseignement. Mais pour définir ces formes, le partage rationnel entre Abstraction et Figuration ne suffit plus ; le nombre des artistes purement abstraits, dans l'ensemble, est assez restreint. Bien plus nombreux sont ceux qui ont été abstraits pendant un moment de leur évolution (de Stael, Guston), mais il y a surtout ceux que le grand public pourrait considérer comme tels (Vieira da Silva, Manessier, Bazaine) du fait que leurs tableaux ne représentent rien de " reconnaissable ", alors qu'ils ne le sont nullement.

Au cours des années 60 l'apparition du pop art dans les pays anglo-saxons, suivi de la Nouvelle Figuration en France, marque une réaction contre l'Abstraction en général et plus particulièrement contre l'extrême subjectivité de certains peintres abstraits. Si l'Art abstrait n'occupe plus le centre de l'actualité, il ne cesse pas pour autant d'exister. Aux États-Unis s'impose ainsi, vers 1965, le Minimal Art, qui, à l'opposé de l'expressionnisme abstrait, évite toute redondance et insiste sur la simplicité fondamentale des moyens plastiques. Les principales recherches portent sur l'action perceptive de la couleur étalée en aplat sur la surface de la toile (Barnett Newman). Cette position limite de l'Abstraction, où la notion de forme s'estompe (Ad Reinhardt), n'est pas sans rappeler certaines expériences de Malévitch, notamment les formes blanches sur fond blanc. En France, une interrogation analogue des " unités minimales " de la peinture apparaît un peu plus tard (à la fin des années soixante) au sein du groupe Support-Surface. Nombreux sont les artistes qui, depuis les années 1985, restent marqués par l'abstraction : mentionnons Halley, Mangold, Ryman, Marden aux États-Unis, Armleder en Suisse, G. Richter en Allemagne, tandis qu'en France des peintres aussi différents que Soulages, Morellet, Aurélie Nemours, continuent leur œuvre dans une voie tracée depuis longtemps.

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Nom donné à l'une des principales tendances qui se sont affirmées dans la peinture et la sculpture du XXe s On peut situer son avènement aux environs de 1910 lorsque Kandinsky peint une aquarelle Paris M N A M où toute référence au monde extérieur est délibérément supprimée

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Voici un exemple de l'art abstrait géométrique

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Kazimir Malevich gave this artwork a secondary title of Painterly Realism of a Boy with a Knapsack - Color Masses in the Fourth Dimension, revealing...

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La maison Schröder de Rietveld (en néerlandais : Rietveld Schröderhuis) est construite en 1924 par l' architecte néerlandais Gerrit Rietveld pour Truus Schröder , pharmacienne impliquée au sein du mouvement De Stijl. Se trouvant à Utrecht parmi d'autres villas bourgeoises, elle est désormais reconnue comme un des premiers symboles du mouvement moderne en architecture, illustration de l'aventure néoplasticiste de l' architecte néerlandais Rietveld.

Faisant partie du Centraal Museum, elle a été inscrite par un comité de l' UNESCO en 2000 sur la liste du patrimoine mondial.

Après la mort de son mari, Truus Schröder demande à Rietveld de construire une maison où elle sera partenaire dans la conception. Ils trouvent un terrain et y font ériger un assemblage asymétrique d'éléments simples et rehaussés par les couleurs primaires, bleu, rouge et jaune, dans l'esprit des principes de De Stijl.

Jusqu'à sa mort en 1985, Truus Schröder a vécu dans la maison Rietveld Schröder. Le bâtiment a ensuite été restauré et ouvert au public.

De dimension modeste, le bâtiment se divise entre un rez-de-chaussée où on retrouve un petit studio, un garage ayant servi d'atelier à Rietveld et une cuisine spacieuse, et un étage cloisonné par des parois mobiles permettant de délimiter trois chambres et un salon. Des meubles encastrés et des tiroirs coulissants sont disposés à l'intérieur. Des fenêtres en angle laissent passer une lumière abondante.

Une illustration de la synthèse des arts plastiques

L'idée directrice du néoplasticisme est l'aspiration à une synthèse des arts plastiques (peinture, sculpture, architecture, arts appliqués) en recherchant l' abstraction des formes et de la couleur par l'emploi de la ligne droite, des couleurs primaires et des non-couleurs (gris, noir et blanc).

Truus Schröder et Rietveld, amoureux, conçoivent la maison ensemble, voulant un bâtiment léger, lumineux et ouvert, en privilégiant de larges fenêtres occupant toute la hauteur d'un étage, et un cadre harmonieux, reflet du souci éducatif de Schröder pour ses trois enfants. Elle travaille elle-même dans la maison, de même l'architecte y installe son atelier, meuble l'intérieur et le dote de cloisons coulissantes au premier étage, pour répondre à une demande d'espaces de vie modulables, espaces structurés en couleurs et lumières. " L'angle droit, transformé en dogme par Mondrian, est au cœur du volume d'ensemble cubique comme des moindres détails de structure ou de décoration : les fenêtres, qui sont tournées vers l'extérieur, ne s'ouvrent que dans une position, à 90° par rapport à la façade. Les couleurs du revêtement sont celles d'un tableau de Mondrian et les façades, régies par un système complexe de contrepoints et de rapports de proportions mathématiques, sont de grandes constructions claires et rigoureuses sans axe de symétrie ; l'ensemble est ordonné mais dynamique et ouvert en raison de l'intersection de nombreux plans et de la finesse des poteaux et balustrades des balcons. La distribution de chaque niveau est aussi sur une grille orthogonale qui n'empêche pas des effets de transparence dues à l'importance des sources lumineuses et à l'usage de cloisons coulissantes... Les meubles soulignent les articulations essentielles de l'architecture, ce qui fait de la villa une œuvre d'art totale où fusionnent les arts décoratifs et les arts dits majeurs ".

L'apparence standardisée de l'ensemble ne doit cependant pas faire illusion : loin d'une production industrialisée, la maison Schröder est plutôt l'expression d'une maison unique pensée comme un meuble. L'artiste Claes Oldenburg dira même que la maison est une chaise, se rappelant sans doute la fameuse chaise rouge et bleue conçue par Rietveld.

Notes et références

Articles connexes

Liens externes

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La maison Schröder de Rietveld (en néerlandais : Rietveld Schröderhuis) est construite en 1924 par l' architecte néerlandais Gerrit Rietveld pour Truus Schröder , pharmacienne impliquée au sein du mouvement De Stijl. Se trouvant à Utrecht parmi d'autres villas bourgeoises, elle est désormais reconnue comme un des premiers symboles du mouvement moderne en architecture, illustration de l'aventure néoplasticiste de l' architecte néerlandais Rietveld.

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L'abstraction géométrique est une forme d'art abstrait basée sur l'utilisation de formes géométriques parfois, mais pas toujours, placées dans un espace non illusionniste et combinées dans des compositions non objectives (non figuratives). Bien que le genre ait été popularisé par les artistes d'avant-garde au début du XXe siècle, des motifs similaires sont utilisés dans l'art depuis l'Antiquité.

L'abstraction géométrique a été appelée un chapitre de l'art abstrait développé depuis les années 1920, et est basée sur l'utilisation de formes géométriques simples combinées dans des compositions subjectives sur des espaces irréels. Elle se pose comme une réaction à la subjectivité excessive des artistes plasticiens des temps anciens pour tenter de se distancier de l'émotionnel. Le discours critique de ces artistes est complété par une exaltation exacerbée des deux dimensions face à l'effort de la plupart des mouvements précédents pour tenter de représenter une réalité tridimensionnelle.

Vassily Kandinsky était son principal précurseur et l'enseignant le plus influent d'une génération d'artistes abstraits. Kasimir Malévich et Piet Mondrian sont également parmi leurs moteurs et dans les deux, vous pouvez également apprécier l'influence des cultures anciennes qui utilisaient la géométrie comme expression artistique et décorative. C'est le cas des céramiques et mosaïques qui sont conservées de l'art islamique, forcées par le précepte religieux d'éviter la représentation de la figure humaine. Aussi les cultures classiques de la Grèce antique et de la Rome impériale, dans lesquelles les éléments décoratifs étaient utilisés à profusion sans références reconnaissables dans la réalité.

L'expressionnisme abstrait, qui sont des créateurs de représentants tels que Jackson Pollock, Franz Kline, Clyfford Still et Wols, représente l'exact opposé de l'abstraction géométrique.

Les principes de l'abstractionnisme géométrique sont:

Abolition de la troisième dimension;
Indépendance vis-à-vis des valeurs émotionnelles, contrairement à ce que dit Vasili Kandinskij, la peinture ne doit pas exprimer des sentiments;
Les moyens d'expression sont la ligne et la couleur;
La forme idéale est le rectangle car en lui la ligne est droite sans l'ambiguïté de la courbe;
Utilisation de couleurs primaires: jaune, bleu, rouge.

Histoire
L'abstraction géométrique est présente dans de nombreuses cultures à travers l'histoire à la fois comme motifs décoratifs et comme pièces d'art elles-mêmes. L'art islamique, dans son interdiction de représenter des figures religieuses, est un excellent exemple de cet art basé sur des motifs géométriques, qui existait des siècles avant le mouvement en Europe et qui, à bien des égards, a influencé cette école occidentale. Alignés et souvent utilisés dans l'architecture des civilisations islamiques du 7e siècle au 20e siècle, des motifs géométriques ont été utilisés pour relier visuellement la spiritualité à la science et à l'art, deux éléments clés de la pensée islamique de l'époque.

En 1917, le magazine De Stijl est né aux Pays-Bas et avec lui le mouvement artistique de néoplasticisme de divers artistes, dont Piet Mondrian (1872 - 1944). Leur abstractionnisme est de type géométrique basé sur la création de formes pures et bidimensionnelles.

La ligne de démarcation avec l'art abstrait est appelée abstraction géométrique, jouée en englobant les deux positions artistiques. Cela remonte probablement au groupe d'artistes influent et cosmopolite Abstraction-Création, fondé en France en 1931 par Georges Vantongerloo, entre autres, avec de nombreux membres très éminents. Le nom du groupe décrit le large éventail de mouvements artistiques qui y sont représentés. " Création " signifie la création d'une œuvre d'art à partir de rien, plus précisément sans point de départ matériel: la position de l'art concret ultérieur. Afin de rassembler autant d'artistes "progressistes" que possible dans ce groupe, des tentatives ont été faites pour brouiller les clivages existants, mais (jusqu'à aujourd'hui) n'ont pas réussi entièrement sans termes distinctifs:

Dans l'art nord-américain depuis 1945, il faut regarder plusieurs mouvements artistiques (et ses ramifications mondiales) dans la tradition de l'abstraction géométrique, par exemple l'abstraction du post-peintre, le Hard Edge, le Color Field Painting et le minimalisme.

Analyse savante
Tout au long du discours historique de l'art du XXe siècle, les critiques et les artistes travaillant dans les souches réductrices ou pures de l'abstraction ont souvent suggéré que l'abstraction géométrique représente le sommet d'une pratique artistique non objective, qui souligne ou attire nécessairement l'attention sur la plasticité des racines et les deux. dimensionnalité de la peinture comme médium artistique. Ainsi, il a été suggéré que l'abstraction géométrique pourrait fonctionner comme une solution aux problèmes concernant la nécessité pour la peinture moderniste de rejeter les pratiques illusionnistes du passé tout en abordant la nature intrinsèquement bidimensionnelle du plan de l'image ainsi que la toile fonctionnant comme support. . Wassily Kandinsky, l'un des précurseurs de la peinture non objective pure, a été parmi les premiers artistes modernes à explorer cette approche géométrique dans son travail abstrait. D'autres exemples d'abstractionnistes pionniers tels que Kasimir Malevich et Piet Mondrian ont également adopté cette approche de la peinture abstraite. La peinture de Mondrian "Composition n ° 10" (1939-1942) définit clairement son approche radicale mais classique de la construction de lignes horizontales et verticales, comme Mondrian l'a écrit, "construit avec conscience, mais pas avec calcul, dirigé par une grande intuition, et apporté à l'harmonie et au rythme. "

Tout comme il existe des géométries à la fois bidimensionnelles et tridimensionnelles, la sculpture abstraite du XXe siècle n'est bien sûr pas moins affectée que la peinture par des tendances géométriques. Georges Vantongerloo et Max Bill, par exemple, sont peut-être mieux connus pour leur sculpture géométrique, bien que tous deux soient également peintres; et en effet, les idéaux de l'abstraction géométrique trouvent une expression presque parfaite dans leur titre (par exemple, " Construction in the Sphere " de Vantongerloo) et des déclarations (par exemple, la déclaration de Bill que " je suis d'avis qu'il est possible de développer un art en grande partie sur la base de la pensée mathématique. " ) La peinture abstraite expressionniste, telle que pratiquée par des artistes tels que Jackson Pollock, Franz Kline, Clyfford Still et Wols, représente le contraire de l'abstraction géométrique.

Relation avec la musique
L'art abstrait a également été historiquement comparé à la musique dans sa capacité à transmettre des sentiments et des idées émotionnels ou expressifs sans se fier ou se référer à des formes objectives reconnaissables qui existent déjà dans la réalité. Wassily Kandinsky a discuté de ce lien entre la musique et la peinture, ainsi que de la manière dont la pratique de la composition classique a influencé son travail, longuement dans son essai fondateur Concerning the Spiritual in Art.

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L'abstraction géométrique est une forme d'art abstrait basée sur l'utilisation de formes géométriques parfois, mais pas toujours, placées dans un espace non illusionniste et combinées dans des compositions non objectives (non figuratives). Bien que le genre ait été popularisé par les artistes d'avant-garde au début du XXe siècle, des motifs similaires sont utilisés dans l'art depuis l'Antiquité.

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ls caractéristiques de l'art abstrait géométrique

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ls caractéristiques de l'art abstrait géométrique

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La peinture abstraite définit une forme d'art non figuratif et contemporain. L'art utilise différents codes dans sa conception ainsi que l'imagination et les sens de ceux qui la voient. L'objectif n'est pas d'imiter la réalité, ni d'en concevoir une, mais de fabriquer une expérience visuelle pour ressentir certaines émotions. Il y a un art abstrait géométrique et non géométrique et d'autres types de peinture appartenant au même groupe. Qu'en est-il de celle qui est géométrique ?

Comprendre avant tout ce qu'est un art abstrait

Au début du XX siècle, dans l'histoire de la peinture visuelle, les experts ont cherché à répliquer la réalité de manière parfaite, les peintres abstraits ont refusé radicalement de participer à ce processus de mimesis plus longtemps. La composition de leurs arts, autant les formes que les couleurs et lignes sont très étudiées, cependant, elle ne demande pas de conter une histoire ni représenter la scène du monde réel. Comme pour les romantiques allemands qui avaient, quelques décennies plus tôt, de l'ambition dans la littérature, les peintres abstraits souhaitent leur œuvre peut se tenir d'elle-même, et qu'elle ne demande de rien d'autre que de l'esthétisme pur pour être très appréciée. Afin de garder les choses plus simples, vous pouvez diviser l'art abstrait en six genres de bases. Certaines de ces sortes d'arts sont moins abstraites que d'autres, tous vont alors se préoccuper de séparer l'art de la réalité. Parmi ces genres se trouve l'abstraction géométrique. Pour plus de détails, cliquez sur peintures-abstraites.fr

Quelle est l'histoire de cette abstraction géométrique ?

L'abstraction géométrique se trouve parmi les nombreuses cultures de l'histoire. Elle est à la fois des motifs décoratifs et des pièces d'art. L'art islamique, étant interdit de représenter les figures religieuses, est un exemple excellent de cet art basé sur quelques motifs géométriques, existant déjà des années avant le mouvement en Europe et qui a influencé l'école occidentale. Alignés et utilisés souvent dans l'architecture de ces anciennes civilisations islamiques, certains motifs géométriques ont été employés pour relier la spiritualité à l'art visuellement et à la science, deux éléments clés de cette pensée islamique. La ligne de démarcation avec l' art abstrait géométrique est nommée abstraction géométrique, pratiquée en englobant deux positions d'art. L'appellation du groupe décrit une large gamme de mouvements artistiques qui s'y trouvent. " Création " c'est la création d'une œuvre d'art en ne partant de rien, et précisément sans aucun point de départ au niveau matériel : position de l'art ultérieur concret. Pour rassembler plusieurs d'artistes " progressistes " dans le groupe, certaines tentatives ont été réalisées pour brouiller quelques clivages existants.

Abstraction géométrique, quelles sont les caractéristiques ?

L'abstraction géométrique représente une forme d' art abstrait basée sur l'usage de formes géométriques souvent, mais pas toujours, située dans un espace combiné et non illusionniste dans des compositions non objectives. Bien que le genre fût popularisé par certains artistes d'avant-garde au XXe siècle, certains motifs similaires furent employés dans l'art depuis belle lurette. L'abstraction géométrique a été nommée un chapitre de l'art abstrait conçu depuis 1920, et a comme base l'usage de simples formes géométriques combinées dans des compositions subjectives sur quelques espaces irréels. Actuellement, elle se pose telle une réaction à une subjectivité excessive d'anciens artistes plasticiens afin de tenter de se distancier de l'émotion. Le discours critique de ces experts est complété par l'exaltation exacerbée des dimensions face à l'effort de certains mouvements précédents pour représenter la réalité tridimensionnelle. Vassily Kandinsky fut le principal précurseur ainsi que l'enseignant le plus influent de la génération d'artistes abstraits. Piet Mondrian et Kasimir Malévich sont aussi parmi leurs moteurs et vous pouvez aussi apprécier l'influence des anciennes cultures qui employaient la géométrie comme une expression décorative et artistique.

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Toutes les caractéristiques de l'art abstrait géométrique.

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La peinture abstraite définit une forme d'art non figuratif et contemporain. L'art utilise différents codes dans sa conception ainsi que l'imagination et les sens de ceux qui la voient. L'objectif n'est pas d'imiter la réalité, ni d'en concevoir une, mais de fabriquer une expérience visuelle pour ressentir certaines émotions.