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La dama retratada es Madonna Lisa, la esposa de Francesco del Giocondo, de donde también toma su sobrenombre. Aunque algunas personas (críticos) han afirmado que podría ser un auto-retrato del autor con apariencia de mujer.

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La Gioconda (La Mona Lisa)

(Arte clásico)

Color:

Ocre quemado para sombras oscuras, albayalde, amarillo sulfuroso para los colores carne y marrón Verdes.

Forma:

Está formada por dos planos, la primera es La Gioconda que tiene una postura piramidal, que se usa para representar a las madonas sentadas y el paisaje.

Textura:

Textura realista.

Ritmo:

La Gioconda es el comienzo del paisaje y el cielo, que asciende hacia el horizonte, es el final, ya que todos los elementos del paisaje se confunden entre sí, porque las líneas de contorno están muy poco marcadas, utiliza la técnica de sfumato, difumina los rasgos hasta hacerlos indefinibles.

Equilibrio:

El cuerpo de La Gioconda está recto dando una sensación de reposo y equilibrio (formando así un triángulo).

Proporción:

Óleo sobre tabla. Medidas: 77 x 53 cm.

El paisaje, en continuo movimiento se conforma mediante ríos que fluyen, brumas, vapores, rocas deshilachadas, juegos de luces y vibraciones de colores.

La mujer en comunión con la naturaleza se integra y forma parte de ella, convirtiéndose igualmente en fondo

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Santa Catalina de Alejandría:

(La edad media)

COLOR:

Utiliza una paleta de tonos oscuros y terrosos, dominada por los tonos marrones y dorados. Estos colores cálidos le dan a la pintura una sensación de calidez y solemnidad, a la vez que resaltan la figura de Santa Catalina.

FORMA:

Puede estar compuesta por diferentes elementos, como la figura de Santa Catalina, símbolos religiosos, paisajes de fondo, y posiblemente otras figuras o elementos decorativos dependiendo del estilo y enfoque del artista. La disposición y el tratamiento de estos elementos contribuirían a la narrativa y al impacto visual de la obra.

TEXTURA:

Textura realista

RITMO:

Probablemente utilizó un ritmo suave y equilibrado en la disposición de los elementos dentro de la composición, con una atención particular a la armonía y la simetría. Esto es típico de muchas obras del arte gótico tardío y el comienzo del Renacimiento, donde se buscaba transmitir una sensación de calma y devoción en las representaciones religiosas.

EQUILIBRIO:

Podría ser principalmente simétrico o asimétrico, dependiendo de cómo el artista haya dispuesto los elementos dentro de la composición. Si la obra presenta una distribución equitativa de elementos visuales en ambos lados de un eje central, entonces se podría describir como simétrica. Por otro lado, si el equilibrio se logra a través de la distribución de elementos de diferentes tamaños, formas o colores en la composición, se consideraría asimétrica.

PROPORCIÓN:

Es probable que la figura de Santa Catalina y otros elementos en la pintura estén diseñados de acuerdo con ciertas proporciones ideales, como la proporción áurea o la proporción divina, para crear una composición estéticamente agradable y equilibrada. Sin embargo, sin ver la pintura específica, es difícil proporcionar detalles precisos sobre las proporciones utilizadas en esta obra en particular.

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El nacimiento de Venus:

(Arte renacimiento)

Color:

Respecto a los colores utilizados, predomina la paleta clara de colores pasteles como turquesas, verdes, celestes, rosas y naranjas acompañados de toques dorados en las alas de los vientos.

Forma:

Venus desnuda, se muestra en el acto de cubrirse el seno y el pubis con su cabello suelto. El cuerpo es sinuoso y esbelto, el rostro enmarcado por el cabello tiene una expresión de dulzura pero también de sutil melancolía.

Textura :

probablemente tomó como modelo una escultura del período helenístico de la colección medicea, la Venus Medici, no solo en el gesto y en la forma (venus púdica) sino en la textura marmórea de la piel.

Ritmo :

su ritmo  en su tiempo una obra revolucionaria por cuanto presentaba sin tapujos un desnudo no justificado por ningún componente religioso, así como un tema mitológico procedente de la cultura clásica grecorromana anterior al cristianismo, lo que suponía la plena aceptación

Equilibrio:

Simetría axial: "El nacimiento de Venus" exhibe simetría alrededor del eje vertical.

Proporción y armonía: Botticelli utilizó un cuidadoso cálculo de proporciones y armonía al organizar las imágenes para lograr el equilibrio.

La diferencia entre la imagen y el fondo, la imagen humana, se ve acentuada por la simplicidad del fondo del cielo y del mar, permitiendo que la imagen destaque claramente sin competir con el fondo.

Proporción:

Su interpretación iconográfica se vincula con la Academia Platónica Florentina, un círculo intelectual patrocinado por la familia Médici que se desarrolló tanto en el terreno de la filosofía como de la literatura y el arte. El significado de la obra está relacionado pues con el neoplatonismo y la formulación por Marsilio Ficino de un concepto idealizado del amor donde la figura de Venus se desdobla en dos versiones complementarias, la Venus celeste y la Venus terrenal, que simbolizan el amor espiritual y el amor material, una teoría derivada de El banquete de Platón.

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La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh, representa a esta milicia, encargada de la defensa de la ciudad saliendo de patrulla

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La ronda de noche:

(Arte Barroco)

Color:

Se utiliza una paleta de colores rica y variada, con tonos oscuros y cálidos que contrastan con zonas más claras y luminosas. Tonos dorados, amarillos y ocres destacan en la vestimenta de los personajes y en la zona central iluminada de la composición. El rojo, el azul y el verde también se utilizan en la ropa y los accesorios de los personajes, lo que le da a la pintura un contraste vibrante y una sensación de profundidad.

Forma:

La composición está dispuesta alrededor de un eje vertical central, con los personajes principales dispuestos en columnas horizontales que se extienden hacia atrás desde el primer plano hasta el fondo de la imagen. La ubicación de los personajes y la perspectiva utilizada por Rembrandt ayuda a crear una sensación de profundidad y movimiento en la obra, y la iluminación dramática enfatiza las acciones y gestos de los personajes

Textura:

Textura realista

Ritmo:

Esto se logra a través de la naturaleza de las figuras, la dirección de la mirada y el movimiento del cuerpo, y el uso de luces y sombras para crear movimiento y dinamismo en la composición.

Equilibrio:

Esto se logra mediante la distribución armoniosa de los elementos visuales en la composición, así como el contraste de luces y sombras.

Proporción:

pintura al óleo sobre lienzo de aproximadamente 379,5 x 453,5 cm (149,4 x 178,5 pulgadas).

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Es el retrato de una mujer tumbada en pleno sueño, caída de la cama, derrochando un erotismo no carnal sino fantasmal, por el diseño estilizado de su cuerpo y el fenómeno de la fosforescencia

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La pesadilla:

(romanticismo)

Color:

Se utiliza una paleta de colores oscuros y sombríos, en donde predomina el negro, marrón y gris.

Forma:

Representan formas exageradas y distorsionadas.

Textura:

En algunas áreas resulta suave y lisa debido a la imagen de la mujer, en especial, la piel, pero una rugosidad en las sombras, sobre todo en los pliegues de las telas.

Ritmo:

Hay una cierta repetición de elementos como los pliegues, dándole una sensación de fluidez

Equilibrio:

La mujer como centro del cuadro está equilibrada por el demonio y el caballo que están a los extremos creando una sensación de estabilidad.

Proporción:

Tiene una proporción deliberada, ya que el demonio se representada de forma desproporcionada a comparación de la mujer.

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El pintor luchó contra sus problemas de salud mental, por lo cual su obra representa el amanecer que se veía desde la ventana orientada al este de su habitación del centro psiquiátrico.

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(SIGLO XX)

"La noche estrellada" - Van Gogh:

Color:

Se utilizó una paleta de colores azules, malvas y amarillos intensos de los cuales predomina el azul.

Formas:

Se observan formas geométricas y geólicas, en las nubes, estrellas y la luna.

Textura:

Debido a las gruesas, discontinuas y cortas pinceladas de óleo, hacen que la pintura tenga una textura rugosa.

Ritmo:

Ritmo irregular

Equilibrio:

Los elementos de la pintura, están distribuidos de manera que el peso visual de cada uno esté bien equilibrado, debido a la organización de las formas y el uso de la paleta de colores.

Líneas:

Las líneas curvas expresan un movimiento ondulante marcando recorridos visuales a la vista y las líneas rectas son los contornos de las casas del pueblo.

Proporción:

Materiales: óleo y lienzo

Medidas: (73,7 cm × 92,2 cm.)

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En esta obra Warhol representa el emblema del movimiento de arte pop, amor a las celebridades, la muerte y el Renacimiento. 

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(LA POSMODERNIDAD)

"Shot Marilyns" - Andy Warhol

Color:

En las pinturas de Marilyn se usaron colores muy expresivos y brillantes para los fondos como el rojo, naranja, azul claro, azul salvia, y turquesa. Así mismo, en las zonas de la cara los cuales el amarillo está en el cabello, el rosa en la piel del rostro, el turquesa en los párpados y el rojo en los labios.

Textura:

Es lisa debido a la serigrafía.

Equilibrio:

Los colores mantienen buena armonía y no hacen que las pinturas sean demasiado ostigantes a los ojos.

Líneas:

En cuanto a estas no están muy bien definidas pero se encuentran en los labios, rizos del cabello, cejas, ojos, pestañas y en la forma del rostro.

Proporción:

Material: En cuanto a esto es común que el autor haga uso de la técnica de serigrafía con pinturas acrílicas.

Dimensiones: (15,2 x 15,2 cm)

Consta de cuatro lienzos que fueron atravesados en la frente por una única bala por esa razón el nombre de "Shot Marilyns", a excepción de la quinta pintura de fondo turquesa que no estaba apilada con las demás.

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Una pintura de una calabaza al estilo tradicional japonés (nihonga), fue de las primeras obras que una Yayoi de apenas diecisiete años exhibió en Japón

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Kabocha:

(Arte actual)

Color:

Amarillo o naranja para representar calabazas, combinado con patrones de puntos característicos de su estilo.

Estos colores vibrantes pueden aportar energía y vitalidad a su trabajo.

Forma:

Está formada por formas orgánicas y geométricas

Textura:

Realista, utiliza una variedad de técnicas y materiales en sus obras para crear una sensación táctil y visualmente interesante.

Ritmo:

A través de la repetición de patrones, formas y colores característicos de su estilo característico.

Utiliza muchos elementos repetidos, como puntos, líneas o formas orgánicas, para crear un ritmo visual que guía al espectador a través de la composición.

Equilibrio:

Aunque el estilo de Kusama es a menudo caótico y animado, logra un equilibrio centrándose en la repetición de patrones y la simetría.

Proporción:

Las proporciones pueden distorsionarse en estas obras a medida que los elementos visuales se amplían o reducen para adaptarse al entorno en el que se presentan.