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O estudo da história da arte também pode ser considerado como o estudo da história da humanidade

A História da Arte é muito vasta e complexa, pois acompanha todo o desenvolvimento do ser humano. Sendo assim, ela está dividida em vários períodos, nos quais se verificam as variadas formas de produção artística de inúmeras civilizações ao longo da história humana. Alguns historiadores entendem que a História da Arte, desde a Pré História até os nossos dias, traduz a própria história da humanidade, isto é, revela o processo de autocompreensão humana.

Um dos temas iniciais em história da arte, por exemplo, é " A Arte na Pré-História", período no qual podem ser colhidas informações sobre os sistemas simbólicos desenvolvidos pelos homens primitivos, suas técnicas (como a arte rupestre) e os principais lugares do mundo onde esse tipo de arte pode ser encontrado atualmente.

Não podemos deixar de falar também sobre a arte desenvolvida pelas grandes civilizações da Antiguidade no Ocidente e no Oriente Médio, como a arte da Mesopotâmia, a arte do Egito Antigo, a Arte Persa, a Arte Grega, a Arte Romana, a Arte Bizantina e a Arte Cristã Primitiva, essa última divide-se entre a fase da produção artística oficial e a produção nas catacumbas romanas.

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Seguindo cronologicamente, temos a arte no período da Idade Média, com temas como a Arte Gótica, que pode ser esmiuçada no estudo dos vitrais góticos e na especificidade do gótico alemão, além das catedrais medievais e as técnicas de pinturas que estabeleceram as bases para os artistas do Renascimento.

Entre os artistas do Renascimento, destacam-se os italianos, como Michelangelo. Além disso, temos ainda a fase pós-renascentista, destacando-se a arte barroca (em especial, a pintura barroca - em que foram empregadas com maestria as técnicas de luz e sombra -) e a variação do mesmo período, conhecida como Rococó.

Outros temas também estão inseridos no campo da História da Arte, como aqueles dos séculos XVIII e XIX, isto é, o Romantismo, o Simbolismo e o Impressionismo; bem como os temas relacionados com a arte moderna, ou seja, a arte de vanguarda do século XX, sendo o surrealismo um dos exemplos prementes.

Por Me. Cláudio Fernandes

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História da Arte. Aspectos da História da Arte - Brasil Escola

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A História da Arte é muito vasta e complexa, pois acompanha todo o desenvolvimento do ser humano. Sendo assim, ela está dividida em vários períodos, nos quais se verificam as variadas formas de produção artística de inúmeras civilizações ao longo da história humana.

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Bom dia! Queridos alunos, vamos produzir uma galeria de arte, quero que vocês pesquisem fotos, quadros, e a história da arte e postem no nosso mural colaborativo.

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Bom dia! Queridos alunos, vamos produzir uma galeria de arte, quero que vocês pesquisem fotos, quadros, e a história da arte e postem no nosso mural colaborativo.

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O Última Ceia de Leonardo da Vinci (Cenáculo Vinciano) é uma das pinturas mais famosas do mundo, a obra foi pintada entre 1494 e 1498 sob o governo de Ludovico o Moro, e representa a última "ceia" de Jesus e seus apóstolos.

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O Última Ceia de Leonardo da Vinci (Cenáculo Vinciano) é uma das pinturas mais famosas do mundo, a obra foi pintada entre 1494 e 1498 sob o governo de Ludovico o Moro, e representa a última "ceia" de Jesus e seus apóstolos.

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Contribuidores dos projetos da Wikimedia

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Leonardo da Vinci – Wikipédia, a enciclopédia livre

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Retrato de Leonardo da Vinci atribuido a Francesco Melzi.[1]

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Vincent van Gogh (1853-1890) foi um importante pintor holandês, um dos maiores representantes do pós-impressionismo. Van Gogh morreu praticamente no anonimato, depois de uma vida atormentada que o levou ao isolamento e finalmente ao suicídio.

Com uma trajetória difícil, cheia de problemas emocionais, Van Gogh deixou uma obra comovente e vigorosa que se constitui em um dos maiores legados artísticos da humanidade.

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Considerado um dos maiores pintores de todos os tempos, Van Gogh produziu mais de 2 mil obras durante seus 37 anos de vida. Seu legado é tão representativo que, em 1973, em Amsterdã, na Holanda, seu país-natal, foi criado um museu para abrigar suas criações.

O artista foi caracterizado por alguns como um homem incompreendido, atormentado, intempestivo e com distúrbios comportamentais. Por isso, não só suas obras como sua vida geram muita curiosidade até os dias de hoje. Van Gogh foi tema de diversos livros, filmes e documentários.

Tópicos deste artigo

Vida de Van Gogh

Vincent Willen Van Gogh nasceu em 30 de março de 1853, na vila Brabante de Zundert, no sul da Holanda. Membro de uma família com condições financeiras, ele teve cinco irmãos, sendo três mulheres e dois homens. Um deles chamava-se Theo, que foi seu melhor amigo durante toda sua vida.

Seu interesse pela arte teve início ainda na infância, o qual era encorajado pela sua mãe. O futuro artista gostava de pintar com aquarelas.

Ainda na Holanda, aos 11 anos, Vincent estudou em um colégio interno em Zevenbergen, o que, segundo sua biografia Van Gogh, A Vida, de Steven Naifeh e Gregory White Smith, deixou-o infeliz. Quando tinha 13 anos, ele cursou o ensino médio em Tilburg.

Na sua adolescência, Vincent trabalhou em uma galeria de arte de um tio, situada em Paris. Já adulto, ele foi para a Inglaterra trabalhar como professor.

Vincent teve relação intensa com a religião. Ele chegou a prestar vestibular para o curso de Teologia, na Universidade de Amsterdã, mas não foi aprovado. Depois, ele trabalhou como missionário na Bélgica. Foi dispensado por ter um temperamento considerado muito instável, característica que o acompanhou ao longo de sua vida.

De acordo com a biografia dele, o artista tinha personalidade difícil e facilidade para discutir, o que prejudicava os seus relacionamentos. Ele isolava-se, tinha episódios de depressão, o que deixava sua família preocupada. Vincent teve romances mal-sucedidos, destacando-se paixões por uma prima e por uma prostituta.

De acordo com os autorretratos que Van Gogh fez, sua aparência física era de um homem magro, branco, com olhos claros, cabelos ruivos e, na maioria das vezes, com barba.

Van Gogh pintou este autorretrato em 1889

O seu irmão Theo, quatro anos mais novo, foi o seu principal amigo e apoio durante toda a sua vida. Desde 1872, o pintor escrevia para ele com frequência, chegando a redigir mais de 600 correspondências. Depois da morte de Theo, a esposa deste tornou as cartas públicas.

Nos textos, Van Gogh desabafava e realizava alguns esboços. Ao ver os desenhos, Theo estimulou o irmão a seguir a carreira artística. Chegou, inclusive, a ajudá-lo financeiramente, em especial nos últimos anos de sua vida.

Durante sua existência, Van Gogh apresentou episódios de instabilidade mental e comportamento tempestuoso, chegando a ser internado em hospitais psiquiátricos. Estudos relatam que ele não se alimentava muito bem e consumia bebidas alcoólicas com frequência.

Conforme biografias, nunca se soube ao certo qual doença acometia o artista, mas estudos transitam entre transtorno bipolar e epilepsia. Ele teve crises mais frequentes no final da sua vida.

Obras de Van Gogh

Van Gogh é tido como o maior expoente do pós-impressionismo. Seu legado impressiona. Alguns apontam em suas obras os primeiros sinais do expressionismo. Suas pinturas serviram de inspiração para diversos artistas.

O artista pintou mais de 2 mil quadros, entre paisagens, elementos da natureza, retratos, autorretratos, café, representações de camponeses, flores, como o girassol, que ele adorava. Também teve inspiração na cultura japonesa. Seu legado inclui mais de 800 pinturas a óleo, especialmente nos dois últimos anos de sua vida.

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Confira algumas obras de Van Gogh:

Os comedores de batatas - 1885

A casa amarela - 1888

Terraço do café na praça do fórum - 1888

A vinha encarnada ou Vinhedo Vermelho- 1888

Doze girassóis em uma jarra - 1889

A noite estrelada - 1889

Autorretrato - 1889

Autorretrato com a orelha cortada - 1889

Lírios - 1889

O campo de trigos com corvos - 1890

Retrato de Dr. Felix Rey - 1889

A primeira obra de destaque de Vincent Van Gogh foi "Os comedores de batatas", de 1885. É um quadro sombrio e escuro, retratando camponeses durante uma refeição noturna. Segundo sua biografia, foi nessa pintura que se pode notar o interesse do artista na teoria das cores, luz, sombra, contrastes e pinceladas carregadas de tinta.

Os comedores de batatas, de 1885, é a primeira obra de destaque de Van Gogh

Em 1886, Van Gogh mudou-se para Paris e deparou-se com obras de pintores impressionistas e ficou interessado. Antes disso, ele costumava pintar quadros com tons mais escuros. Depois, passou a usar cores puras primárias e secundárias. Suas obras passaram a ter luminosidade e leveza.

Em 1887, Theo e Vincent Van Gogh tornaram-se amigos do também pintor Paul Gauguin. Em 1888, o último fez o quadro "O Pintor de Girassóis", retrato de Van Gogh.

O artista pintava ao ar livre, hábito que conservou até morrer. Segundo sua biografia, a técnica de pinceladas firmes e carregadas que criou para seu próprio uso, aplicadas sem hesitação, permitiu-lhe pintar rapidamente e produzir um vasto número de obras nos últimos dois anos e meio de sua vida.

Os autorretratos de Van Gogh tiveram muito destaque no legado do pintor. Foram registradas mais de 40 pinturas. A maioria apresentava a sua figura com olhares expressivos.

Ele teve pouco reconhecimento como artista durante a sua vida. "A vinha encarnada", produzida em 1888, foi a única obra vendida enquanto Van Gogh tinha vida.

De acordo com a sua biografia, apesar do seu temperamento muitas vezes intempestivo, melancólico, com acessos de raiva, Vincent pintava em momentos de clareza mental, não durante surtos.

Um dos episódios mais conhecidos na história da vida de Van Gogh ocorreu em dezembro de 1888 quando, após uma discussão com seu então amigo Paul Gaugain, ele teve um acesso de raiva e mutilou a sua própria orelha com uma navalha.

Segundo estudos, em 1889, Van Gogh internou-se voluntariamente em um asilo para doentes mentais situado em Saint Remy de Provence, na França. Na ocasião, ele pintou algumas de suas obras de maior renome, entre as quais "A noite estrelada".

Conforme relatos, no dia 27 de julho de 1890, o artista estava ao ar livre em Auvers, em Val-d'Oise, na França, quando resolveu atirar contra seu peito. Mesmo ferido, foi para casa. Foi encontrado por amigos e levado ao hospital. Os médicos não conseguiram retirar a bala do corpo de Van Gogh. Ele morreu dois dias depois, em 29 de julho de 1890. Foi enterrado no cemitério de Auvers.

[1] Museu de Arte Moderna (MoMA)

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Saiba detalhes da vida e da obra do holandês Vincent Van Gogh, um dos pintores mais famosos de todos os tempos.

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Candido Portinari (December 29, 1903 - February 6, 1962) was a Brazilian painter. He is considered one of the most important Brazilian painters as well as a prominent and influential practitioner of the neo-realism style in painting.

Portinari painted more than five thousand canvases, from small sketches to monumental works such as the Guerra e Paz panels, which were donated to the United Nations Headquarters in 1956. Portinari developed a social preoccupation throughout his oeuvre and maintained an active life in the Brazilian cultural and political worlds.

Born to Giovan Battista Portinari and Domenica Torquato, Italian immigrants from Chiampo Vicenza, Veneto, in a coffee plantation near Brodowski, in São Paulo. Growing up on a coffee plantation of dark soil and blue sky, Portinari gained his inspiration from the homeland he loved. In the majority of his later paintings, murals and frescoes, he used the colour blue and many browns and reds because this was the color of his home.

One of Portinari's beginner jobs was drawing photographs where he closely captured the exact image using paints and then enlarging the photos. These sold successfully because the resemblance was astounding. Portinari then studied at the Escola Nacional de Belas Artes (National School of Fine Arts) in Rio de Janeiro. In 1923, 1925 and 1927 Portinari won prizes at the Salon, and in 1928 he got a scholarship offered by the Brazilian government to study in Europe for three years. These visits significantly influenced Portinari. Portinari studied various European artwork, visited museums and during his travels met his future wife, Maria Martinelli. Throughout his time traveling, he didn't paint much but studied and possibly seeing life elsewhere, hoped to better his homeland as well. He came back to Brazil fully set on conveying the true Brazilian lifestyle and capturing the pain and struggles of his people through his art.

After his return, Portinari began portraying the reality of Brazil, from its natural beauties to the harsh lives of the country's most impoverished populations, pursuing an amalgamation of his academic formation with the modernist avant-gardes. Portinari remained himself and didn't allow his new experiences and new outlooks change him. His roots remained important to him and he strove to portray this in his paintings; the true Brazilian spirit. He wanted the world to see the harsh reality of living conditions in Brazil and the struggle for survival. Strength, hard work, independence and authenticity shows through in almost every one of his works.

In 1939, Portinari exposed at the New York World's Fair. In the following year, Portinari had for the first time a canvas exposed at the Museum of Modern Art. The rise of fascism in Europe, the wars and the close contact with Brazilian problematic society, reaffirmed the social character of his work, as well as conducting him to political engagement.

He joined the Brazilian Communist Party and stood for deputy in 1945 and for senator in 1947, but had to flee for Uruguay due to the persecution of communists during the government of Eurico Gaspar Dutra. In 1951, the first São Paulo Art Biennial dedicated a special room for his works. He returned to Brazil in the following year, after a declaration of general amnesty from the government. In 1956, after the United Nations had appealed to its affiliated countries for the donation of a work of art to the organization's new headquarters. Brazil designated Portinari for the task, who took four years and around 180 studies to complete the painting. Dag Hammarskjöld, UN Secretary-General, named the work "the most important monumental work of art donated to the UN".

Even after being warned by the doctor of the risks of the toxins and poisoning, he didn't give up and continued to paint. Portinari suffered from ill health during the last decade of his life. He died in Rio de Janeiro in 1962 in result of lead poisoning from his paints.

On December 20, 2007, his painting was stolen from the São Paulo Museum of Art along with Pablo Picasso's Portrait of Suzanne Bloch. The paintings remained missing until January 8, 2008, when they were recovered in Ferraz de Vasconcelos by the Police of São Paulo. The paintings were returned, undamaged, to the São Paulo Museum of Art.

There were a number of commemorative events in the centenary of his birth in 2003, including an exhibition of his work in London.

Portinari's works comprehend a strong will to represent Brazilian people and their traits. Portinari himself said he would "paint that people with that clothing and that color". According to Antonio Callado, Portinari's oeuvre demonstrate a "monumental book of art which teaches Brazilians to love more their land".

Portinari was capable of transcending his original academic formation by experiencing with and absorbing modernist techniques and styles, which fundamentally created his painting personality. The range and sweep of his output includes paintings depicting rural and urban labour, refugees fleeing the hardships of Brazil's rural north-east; and, despite these major and better known aspects of his work, treatments of the key events in the history of Brazil since the arrival of the Portuguese in 1500, images of childhood, portraits of members of his family and leading Brazilian intellectuals, illustrations for books and tiles decorating the Church of São Francisco at Pampulha, Belo Horizonte.

His career coincided with and included collaboration with Oscar Niemeyer amongst others. Portinari's works can be found in galleries and settings in Brazil and abroad, ranging from the family chapel in his childhood home in Brodowski to his panels Guerra e Paz ( War and Peace) in the United Nations building in New York and four murals in the Hispanic Reading Room of the Library of Congress in Washington, DC.

As previously mentioned, Candido Portinari came from a poor immigrant family. This allowed him to have a unique perspective on Brazilian culture and what it meant to truly Brazilian. This is important because he was a prominent artist during the Brazilian Modernism era. As such, his perspective gave a more proud and dignified view of the workers at that time. While other artists like Lasar Segall with Bananal and Tarsila do Amaral with Workers provided a picture of the workers that removed personality and made each individual anonymous, Portinari did the opposite. For example, in his painting, The Mestizo, he paints a character that looks strong, competent, and noble. In this, he is demonstrating that the workers were not broken. Instead, they were proud and independent. Portinari used his culture and life experience to add to the explanation of what Brazil is in a distinctive style.

In Cocoa (1938) Portinari depicts workers on the coffee plantations. A woman is seen in the back balancing a crate on her head and there is a child in the painting. This was meant to signify that children were present during this hard work as well, and were encouraged to help the parents. Land was given to families in return for their labor on the plantations where they took care of their share. Here too is included the use of blues and oranges to truly capture the significance of Brazil, which was Portinari's desire. This artwork was described by saying "Brazil is being rescued from obscurity by 'Portinari's Coffee'."

Coffee (National Museum of Fine Arts, 1935) represents strong and resourceful workers. Their big hands and feet show they were strong and did not fear hard work. The people worked together to preserve their lands and survive. This painting is also a great depiction of "realism" because of how he captures his people with the short bodies, rounder heads and the brown and red hues of the land.

In The Mestizo (1934) he tries to present not just a portrait but an individual type of person. Portinari shows that Brazilian workers were tough and proud of their work because in the background of the Mestizo are seen the fields and all their hard work; his proud stance portrays confidence and strength.

War and Peace (Guerra and Paz; Gustavo Capanema Palace in Rio de Janeiro; 1952-56) was a mural created when the United Nations asked Brazil to donate a work of art. Portinari created two murals to show war, agony, fear and pain that showed how the people suffered and were affected during the war. His use of blue hues in War created a contrast between the lighter yellows in Peace. The second was meant to express peace and happiness. Bento Antonio in his book Portinari, describes this work as, "a sort of innocent vision of paradise." With this mural, he also meant to connect different racial groups and show peace among the variety of individuals. There was a large variety of ethnicities that lived in Brazil at this time. His works were meant to create a bridge between the multicultural individuals. This work is located in the United Nations General Assembly building in New York which was created in remembrance to World War II and its horrors. It was meant to resemble something that should never occur again. Here, visitors come witnessing an epitome of war and leave realizing that peace is indeed attainable. "Guerra and Paz are the synthesis of an entire life committed to human beings. His painting, like his militant political views, spoke out against injustice, violence and misery in the world per his son, João Candido Portinari.

In the Hispanic Foundation of the Library of Congress, Washington D.C. are located four murals that Portinari did in 1941 depicting the struggles of the Hispanic Americans. Discovery of the Land, Entry into the Forest, Teaching of the Indians, and Discovery of Gold are all meant to represent the coming of the Spaniards and Portuguese to America and took him two months to complete with the help of his brother Luiz. The Discovery of the Land is meant to show common sailors that sailed the boats. Entry in the Forest is the "reminiscent of frescoes" where he also doesn't fail to capture his style of enlarging the figures' arms and legs to show their strength. In the Teaching of the Indians, Portinari tries to create a scene of a priest or Spanish "Jesuit father" with Indians and obvious unity. Also the presence of the red Brazilian soil. The last mural, Discovery of Gold the artist chooses to paint just a single boat and specific people to represent that they had found gold. The Brazilian government paid for Portinari to travel to Washington to create the murals and represent their country.

Portinari once said, "I am the Son of the Red Earth. I decided to paint the Brazilian reality, naked and crude as it is." Life in Brazil wasn't easy for Portinari, especially considering he was never wealthy, but his desire to show proof of this reality is evident in all his artworks. Poor housing, inadequate nutrition, no education, little or no healthcare access and various diseases created desperate situations for the Brazilian people who struggled to survive. This led to Portinari's desire to raise global awareness of the human pain which he tried to depict in almost every painting.

Portinari also greatly affected the future Brazilian generation of artists, musicians, poets and composers. Having vastly traveled Europe, studying their art, their technique and styles, he came back to Brazil hoping to create his personal method and interpret his own style. Instead of continuing to imitate the European appearance, Portinari painted what he experienced and his life. Portinari's works urged emerging artists to pursue their own, unique style particular to their lives, experiences and reality in their country. This is also another reason blues, reds, and oranges were so commonly used in his art; the colors of his homeland.

Projeto Portinari, begun in 1979 is dedicated to Candido Portinari by his son Joao Candido to revive his works, make them more known and preserve the history. Not only was his son able to locate more than 5,000 paintings, he also found thousands of drawings, sketches, and documents related to Portinari's life and travels and interactions. The Catalogue Raisonné of Portinari's complete works was published in 2004. It was the first Raisonné covering the complete works of a Latin American painter. "Projeto Portinari" also curated the first retrospective exhibition of Portinari's oeuvre, at the "Museu de Arte de São Paulo - MASP", in 1997.

Nicolás Guillén's and Horacio Salinas's 'Un son para Portinari', famously performed by Mercedes Sosa, is dedicated to the artist. Candido Portinari name continues to be seen today. Rodovia Candido Portinari is a State highway located in Brazil in São Paulo.[citation needed ]

Paintings and murals

1932 Fishes with Lemon

1933 Morro or Hill. Collection of the Museum of Modern Art

1934 Coffee Growers

1934 Seated Women

1934 Dispossessed

1934 The Mestizo

1935 Coffee. Collection of the National Museum of Fine Arts- Second Honorable Mention, Rio De Janeiro

1936 Woman and Child

1938 Cocoa

1938 Women Tilling

1938 Composition with Figures

1939 Family

1939 Earthquake

1939 Tobacco

1940 Carcass

1940 Surrealist Landscape

1940 Oxen and Landscape

1941 Discovery of the Land. Hispanic Foundation, Library of Congress; Washington D.C.

1941 Entry into the Forest. Hispanic Foundation, Library of Congress; Washington D.C.

1941 Teaching of the Indians. Hispanic Foundation, Library of Congress; Washington D.C.

1941 Discovery of Gold. Hispanic Foundation, Library of Congress; Washington D.C.

1952 War. United Nations General Assembly building; New York

1952. Peace. United Nations General Assembly building;New York

Giunta, Andrea, ed. Cândido Portinari y el sentido social del arte. Buenos Aires: Siglo XXI 2005.

Vitureira, Cipriano S. Portinari en Montevideo. Montevideo: Alfar 1949.

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Candido Portinari (December 29, 1903 - February 6, 1962) was a Brazilian painter. He is considered one of the most important Brazilian painters as well as a prominent and influential practitioner of the neo-realism style in painting.

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Composição nos tons ocres, terras, vermelho, rosa, amarelo, azuis, branco, preto, laranja, verde e cinza. Textura lisa no fundo e áspera nas figuras do menino e do carneiro. Representa menino com carneiro em campo aberto, tendo ao fundo colinas e sol verde. Em primeiro plano à esquerda, carneiro ou cabrito azul, 3/4 à direita, deitado, pernas dianteiras esticadas à frente, cabeça 3/4 à esquerda, orelhas para trás. Ao centro, armadilha para pegar passarinhos em tons de marrom com toques de azul e branco. À direita, menino de frente, ajoelhado, cabeça abaixada, mãos segurando varetas de madeira que compõem uma armadilha para pegar passarinhos. Tem cabelos castanhos, veste camisa amarela de mangas curtas e calças em tons de laranja, azul e vermelho. Braços, mãos e pé esquerdo representados em vermelho e branco. Chão cor de barro. Ao fundo, pequenas elevações. Céu azulão e sol verde.

Visite museus e divirta-se com os recursos Art Transfer, Pocket Galleries, Art Selfie e muito mais

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Menino com Carneiro - Candido Portinari - Google Arts & Culture

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Composição nos tons ocres, terras, vermelho, rosa, amarelo, azuis, branco, preto, laranja, verde e cinza. Textura lisa no fundo e áspera nas figuras do men...

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Tarsila de Aguiar do Amaral ( Capivari, 1 de setembro de 1886 - São Paulo, 17 de janeiro de 1973) foi uma pintora, desenhista, escultora, ilustradora, cronista e tradutora brasileira. É considerada uma das principais artistas modernistas latino-americanas, além de ser considerada a pintora que melhor alcançou as aspirações brasileiras de expressão nacionalista nesse estilo artístico.

Como integrante do Grupo dos Cinco, Tarsila também é considerada uma grande influência no movimento da arte moderna no Brasil, ao lado de Anita Malfatti, Menotti Del Picchia, Mário de Andrade e Oswald de Andrade. Foi fundamental na formação do movimento estético, Antropofagia (1928-1929); na verdade, foi Tarsila quem com seu célebre quadro, , inspirou o famoso Manifesto Antropófago de Oswald de Andrade.

Infância e educação

Tarsila do Amaral nasceu em Capivari, uma modesta cidade do interior do estado de São Paulo. Ela nasceu em uma família rica de fazendeiros e latifundiários que cultivavam café, dois anos antes do fim da escravidão no Brasil. Naquela época, no Brasil, as mulheres não eram incentivadas a grandes carreiras profissionais, principalmente se viessem de famílias abastadas. No entanto, apesar de vir de uma família rica, Tarsila teve o apoio para estudar. Quando adolescente, Tarsila e seus pais viajaram para a Espanha, onde ela chamou a atenção das pessoas desenhando e pintando cópias das obras de arte que viu nos arquivos de sua escola. Tarsila frequentou a escola em Barcelona e mais tarde estudou em sua cidade natal com o pintor Pedro Alexandrino Borges (1864-1942). Também frequentou a Académie Julian em Paris e estudou com outros artistas proeminentes (1920-1923).

A partir de 1916, Tarsila do Amaral começou a estudar pintura em São Paulo. Todos eram professores respeitados, mas conservadores. Como o Brasil não tinha um museu de arte público ou uma galeria comercial significativa até depois da Segunda Guerra Mundial, o mundo da arte brasileira era esteticamente conservador e a exposição às tendências internacionais era limitada.

Acredita-se que nessa época (1913-1920) Amaral compôs uma canção em lá menor para voz e piano chamada "Rondo D'Amour". A música permaneceu desconhecida até novembro de 2021, quando sua partitura foi descoberta na casa de sua sobrinha-neta em Campinas. Em 25 de janeiro de 2022, a música foi gravada no teatro da Escola de Música da Universidade Federal do Rio Grande do Norte por três professores da instituição: o pianista Durval Cesetti, a soprano Elke Riedel e o tenor Kaio Morais.

Modernismo brasileiro

Da esquerda para a direita: Pagu, Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Elsie Lessa e Eugênia Álvaro Moreyra em época posterior à Semana de Arte Moderna de 1922

Voltando a São Paulo em 1922, Tarsila foi exposta a muitas coisas depois de conhecer Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti Del Picchia. Esses colegas artistas formaram um grupo que recebeu o nome de Grupo dos Cinco. Antes de sua chegada a São Paulo vindo da Europa, o grupo havia organizado a Semana de Arte Moderna entre os dias 11 a 18 de fevereiro de 1922. O evento foi fundamental para o desenvolvimento do modernismo no Brasil. Os participantes estavam interessados em mudar o estabelecimento artístico conservador brasileiro, incentivando um modo diferenciado de arte moderna. Tarsila foi convidada a se juntar ao movimento e juntos formaram o Grupo dos Cinco, que buscava promover a cultura brasileira, o uso de estilos não especificamente europeus e a inclusão de coisas indígenas do Brasil.

Durante um breve retorno a Paris em 1929, Tarsila foi exposta ao cubismo, futurismo e expressionismo enquanto estudava com André Lhote, Fernand Léger e Albert Gleizes. Artistas europeus em geral haviam desenvolvido um grande interesse em culturas africanas e primitivas em busca de inspiração. Isso levou Tarsila a utilizar as formas indígenas de seu próprio país enquanto incorporava os estilos modernos que havia estudado. Nessa época, em Paris, pintou uma de suas obras mais famosas, A Negra (1923), cujo principal tema é uma grande figura de uma mulher negra com um único seio proeminente. Tarsila estilizou a figura e aplainou o espaço, preenchendo o fundo com formas geométricas.

Animada com seu estilo recém-desenvolvido e sentindo-se cada vez mais nacionalista, escreveu para sua família em abril de 1923:

"Me sinto cada vez mais brasileira. Quero ser a pintora do meu país. Como sou grata por ter passado toda a minha infância na fazenda. As memórias desses tempos tornaram-se preciosas para mim. Eu quero, na arte, ser a garotinha de São Bernardo, brincando com bonecas de palha, como na última foto que estou trabalhando. Não pense que esta tendência é vista negativamente aqui. Pelo contrário. O que eles querem aqui é que cada um traga a contribuição de seu próprio país. Isso explica o sucesso do balé russo, dos gráficos japoneses e da música negra. Paris estava farta da arte parisiense".

Fase Pau-Brasil

Oswald de Andrade, que se tornara seu companheiro de viagem, acompanhou-a por toda a Europa. Ao retornarem ao Brasil no final de 1923, Tarsila e Andrade viajaram pelo Brasil para explorar a variedade da cultura indígena e buscar inspiração para sua arte nacionalista. Nesse período, Tarsila fez desenhos dos vários lugares que visitaram, que serviram de base para muitas de suas próximas pinturas. Também ilustrou a poesia que Andrade escreveu durante suas viagens, incluindo seu livro fundamental de poemas intitulado Pau Brasil, publicado em 1924. No manifesto de mesmo nome, Andrade destacou que a cultura brasileira era produto da importação da cultura europeia e convocou os artistas a criarem obras exclusivamente brasileiras para "exportar" a cultura brasileira, assim como a madeira do pau-brasil se tornou uma importante exportação para o resto do mundo. Além disso, ele desafiou os artistas a usar uma abordagem modernista em sua arte, objetivo que eles buscavam durante a Semana de Arte Moderna em São Paulo.

Nesse período, as cores de Tarsila ficaram mais vibrantes. Na verdade, escreveu que havia encontrado as "cores que adorava quando criança. Mais tarde me ensinaram que elas eram feias e sem sofisticação". Sua pintura inicial desse período foi ECFB (Estrada de Ferro Central do Brasil), (1924). Além disso, na época, tinha interesse pela industrialização e seu impacto na sociedade.

Fase Antropofagia

Abaporu, uma de suas obras mais conhecidas e um ícone do Modernismo brasileiro. Óleo sobre tela, 1928

Em 1926, Tarsila casou-se com Andrade e continuaram a viajar pela Europa e Oriente Médio. Em Paris, em 1926, fez sua primeira exposição individual na Galerie Percier. As pinturas apresentadas na exposição incluíam São Paulo (1924), A Negra (1923), Lagoa Santa (1925) e Morro de Favela (1924). Seus trabalhos foram elogiados e chamados de "exóticos", "originais", "ingênuos" e "cerebrais", e comentaram sobre seu uso de cores vivas e imagens tropicais.

Enquanto esteve em Paris, foi exposta ao surrealismo e ao retornar ao Brasil iniciou um novo período de pintura onde se afastou de paisagens e cenários urbanos e começou a incorporar o estilo surrealista em sua arte nacionalista. Essa mudança também coincidiu com um movimento artístico maior em São Paulo e em outras partes do Brasil, focado em celebrar o Brasil como o país das grandes cidades, também impactou a forma como sua arte foi formada. Incluindo representações verticais de edifícios em grandes cidades, como São Paulo, sua arte tornou-se icônica. Essas peças de arte que fez podem incluir pequenos aspectos da cidade, como uma bomba de gasolina, ou grandes elementos, como edifícios. Sua mistura de detalhes era importante porque eles compunham a cidade. Com base nas ideias do movimento Pau-Brasil, os artistas se esforçaram para se apropriar de estilos e influências europeias para desenvolver modos e técnicas que eram exclusivamente deles e brasileiros. Esse movimento Pau-Brasil era um conceito modernista do Brasil.

A primeira pintura de Tarsila nessa fase artística foi (1928), que havia sido dada como pintura sem título a Andrade em seu aniversário. O tema da obra é uma grande figura humana estilizada com pés enormes sentados no chão ao lado de um cacto com um sol fatiado de limão ao fundo. Andrade escolheu o título, Abaporu, que é um termo indígena para "o homem come", em colaboração com o poeta Raul Bopp. O nome da obra estava relacionado às ideias então atuais sobre a fusão de estilo e influências europeias. Logo depois, Andrade escreveu seu Manifesto Antropófago, que literalmente chamava os brasileiros para devorar estilos europeus, livrando-se de todas as influências diretas, e criar seu próprio estilo e cultura. O colonialismo desempenhou um papel em seu trabalho; Tarsila incorporou esse conceito em sua arte. Em vez de serem devorados pela Europa, eles próprios devorariam a Europa. Andrade usou o Abaporu para a capa do manifesto como representação de seus ideais. No ano seguinte, a influência do manifesto continuou, Tarsila pintou Antropofagia (1929), que apresentava a figura do Abaporu junto com a figura feminina de A Negra de 1923, além da folha de bananeira brasileira, cacto e, novamente, a fatia de limão sol.

Em 1929, Tarsila fez sua primeira exposição individual no Brasil, no Palace Hotel, no Rio de Janeiro, que foi seguida por outra no Salão Glória, em São Paulo. Em 1930, foi destaque em exposições em Nova York e Paris. No mesmo ano, o casamento de Tarsila e Andrade acabou, o que pôs fim à colaboração entre os dois artistas.

Em 1931, Tarsila viajou para a União Soviética. Enquanto esteve lá, fez exposições de suas obras em Moscou no Museu de Arte Ocidental e viajou para várias outras cidades e museus. A pobreza e a situação do povo russo tiveram um grande efeito sobre ela, como visto em sua pintura Operários (1933). Ao retornar ao Brasil em 1932, envolveu-se na Revolta Constitucionalista de São Paulo contra a ditadura liderada por Getúlio Vargas. Junto com outros que eram vistos como esquerdistas, foi presa por um mês porque suas viagens a faziam parecer simpatizante do comunismo.

Final da carreira e morte

Tarsila em 19 de março de 1969

No restante de sua carreira, ela se concentrou em temas sociais. Representativa desse período é a pintura Segunda Classe (1931), que tinha como tema homens, mulheres e crianças russas empobrecidas. Também começou a escrever uma coluna semanal de arte e cultura para o Diário de São Paulo, que continuou até 1952.

Em 1938, Tarsila finalmente se estabeleceu definitivamente em São Paulo, onde passou o restante de sua carreira pintando pessoas e paisagens brasileiras. Em 1950, fez uma exposição no Museu de Arte Moderna de São Paulo onde um crítico a chamou de "a mais brasileira das pintoras daqui, que representa o sol, os pássaros e os espíritos juvenis de nosso país em desenvolvimento, tão simples quanto os elementos de nossa terra e natureza...". Ela morreu em São Paulo no ano de 1973. A vida de Tarsila é marca do caloroso caráter brasileiro e expressão de sua exuberância tropical".

Além das 230 pinturas, centenas de desenhos, ilustrações, gravuras, murais e cinco esculturas, o legado de Tarsila é seu efeito na direção da arte latino-americana. Tarsila impulsionou o modernismo na América Latina e desenvolveu um estilo único no Brasil. Seguindo seu exemplo, outros artistas latino-americanos foram influenciados a começar a utilizar o tema indígena brasileiro e desenvolver seu próprio estilo. A cratera Amaral em Mercúrio recebeu o nome da pintora brasileira como uma homenagem da União Astronômica Internacional. Em 2018, o MoMA, em Nova Iorque, abriu uma exposição individual de seu trabalho, a oitava retrospectiva sobre artistas da América Latina.

Principais obras

Tarsila nos anos 1950

A seguir estão listadas algumas das principais obras de Tarsila do Amaral.

Referências

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Ligações externas

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Tarsila do Amaral - Wikipédia, a enciclopédia livre

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Tarsila de Aguiar do Amaral ( Capivari, 1 de setembro de 1886 - São Paulo, 17 de janeiro de 1973) foi uma pintora, desenhista, escultora, ilustradora, cronista e tradutora brasileira. É considerada uma das principais artistas modernistas latino-americanas, além de ser considerada a pintora que melhor alcançou as aspirações brasileiras de expressão nacionalista nesse estilo artístico.

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1924 - 1928
Depois de uma viagem ao Rio de Janeiro no Carnaval e às cidades históricas de Minas Gerais, para mostrar o Brasil ao poeta Blaise Cendrars, Tarsila contou que descobriu em Minas as cores que gostava na infância, as cores caipiras. Seus mestres diziam que ela não deveria usá-las, mas depois desta viagem, a pintora, que tinha muita personalidade, passa a usá-las e também mostra o Brasil rural e urbano em suas telas. Ela sempre quis ser a pintora do nosso país. Além das cores e do tema, Tarsila usava a técnica cubista que aprendeu em Paris anteriormente. A partir desta viagem, seu trabalho ficou conhecido como Pau-Brasil.

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1924 - 1928 Depois de uma viagem ao Rio de Janeiro no Carnaval e às cidades históricas de Minas Gerais, para mostrar o Brasil ao poeta Blaise Cendrars, Tarsila contou que descobriu em Minas as cores que gostava na infância, as cores caipiras.

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 Abaporu é um quadro da pintora modernista Tarsila do Amaral. Ele possui caráter surrealista, nacionalista e apresenta as cores da bandeira do Brasil: verde, amarelo e azul. Essa obra foi feita em 1928, como um presente para o escritor Oswald de Andrade, que, na época, era marido da artista.

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 Abaporu é um quadro da pintora modernista Tarsila do Amaral. Ele possui caráter surrealista, nacionalista e apresenta as cores da bandeira do Brasil: verde, amarelo e azul. Essa obra foi feita em 1928, como um presente para o escritor Oswald de Andrade, que, na época, era marido da artista.