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Artista: Franck-François-Genès Chauvassaignes (francés, 1831-después de 1900)

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Artista: Franck-François-Genès Chauvassaignes (francés, 1831-después de 1900)

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Fecha: 1856–59

Medio: Impresión en papel salado a partir de negativo de vidrio.

Dimensiones: 19,1 x 15,2 cm (7,5 x 6 pulgadas)

Clasificación: Fotografías

Línea de crédito: Compra, donación de la Fundación Horace W. Goldsmith, a través de Joyce y Robert Menschel, 1998

Número de acceso: 1998.338

Citlali Benito C.

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Título: La Caída de Babilonia

Artista: Jhon Martin

Fecha de Creación: Siglo XIX

Estilo: Pintura histórica

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: Aproximadamente 150 cm x 200 cm

Contexto Histórico: Inspirada en el relato bíblico de la caída de Babilonia, esta obra refleja la destrucción de la antigua ciudad mesopotámica según las narrativas presentes en el Libro de Daniel. El cuadro captura el dramatismo y la magnitud de este evento histórico.

Composición: El lienzo presenta una composición centrada en la monumentalidad de la ciudad en ruinas, destacando la caída de las torres y murallas. Se incorporan elementos simbólicos, como el fuego y la desolación, para transmitir la tragedia y la decadencia.

Color y Tonalidad: Predominan los tonos oscuros y terrosos para representar la destrucción, contrastados con tonalidades más brillantes para resaltar la magnificencia pasada de Babilonia. El uso del color contribuye a la atmósfera apocalíptica de la escena.

Detalle Artístico: El artista demuestra habilidad en la representación detallada de la arquitectura babilónica y las figuras humanas, transmitiendo expresiones de horror y desesperación en los habitantes de la ciudad.

Influencias Artísticas: La obra refleja la influencia de la pintura histórica del siglo XIX, con un enfoque romántico en la representación de eventos dramáticos y una atención cuidadosa a la iconografía histórica y cultural.

Significado: La Caída de Babilonia en el cuadro se interpreta como una reflexión sobre la transitoriedad de la grandeza humana, recordando la inevitable caída de imperios y civilizaciones a lo largo de la historia.

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Artista: Tsuchiya Koitsu

Título: Castillo de Nagoya - 名古屋城

Fecha: 1937

Lugar: Japón

Es una pintura que representa al castillo de Nagoya (名古屋城). El castillo fue completado originalmente en 1615 por el primer shogun Tokugawa. Con dos shachihoko dorados en la cima, un precioso palacio y un jardín enorme, además de impresionantes muros y torretas, el castillo contribuyó al desarrollo de Nagoya como una «ciudad castillo» de gran influencia. Lo que vemos ahora es una reconstrucción de hormigón de 1959, porque el castillo original quedó totalmente destruido tras los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial.

Rosa María Rosales Pérez

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Título: Bailarina inglesa, de la serie Dancing Women (N186) emitida por Wm. S. Kimball & Co.
Editorial: Publicado por William S. Kimball & Company
Fecha: 1889
Medio: litografía en color comercial.
Dimensiones: Hoja: 2 11/16 × 1 7/16 pulg. (6,9 × 3,7 cm)
Clasificaciones: Impresiones, Ephemera
Aquí quería el artista representar el movimiento danzante de una señorita de Inglaterra, portando su uniforme y demostrando felicidad buscando compartirlo.
Me llamó la atención por la intensión de representarlo, y como quería compartir un poco de cultura de su origen con el resto del mundo, y me contagió la sonrisa de la chica.

Maximiliano Valente Ramirez

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Artista: Francisco de Goya

Saturno queriendo saber la estabilidad de su Reino, tuvo por respuesta de un Oráculo, que le despojaría de él un hijo suyo. Con este temor dio orden de que se criasen las hijas, que tuviese en su mujer Rea, o Cibeles, y los varones que parian se los comía el mismo.

Izel Yaretzi Medel Rodriguez

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The Storm
Autor: Pierre-Auguste Cot
Fecha: 1880
Técnica: Óleo sobre lienzo

Esta pintura originalmente representa a dos jóvenes huyendo de la lluvia utilizando la sobrefalda como un paraguas pero también es interpretada como un desafío del amor. Los colores dominantes como el azul y verde indica un cielo tormentoso, sus cuerpos pálidos pero sus rostros tranquilos a pesar de la tempestad.

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Escultura: "Psique reanimada por el beso del amor"

Autor: Antonio Canova

Año: 1793

Tipo de escultura: Marmol

Esta historia se centra en el poder del amor verdadero. Psique

supera todos los obstáculos en su camino. Cuando

Cupido ve la belleza del alma de Psíque, inmediatamente

quiere unirse con ella.

El final feliz, con Venus, Psique y

Cupido todo hace llegar a una solución positiva y nos ilustra que cuando el amor es puro, todos los dolores, tristezas y desafíos se alinean para garantizar que el amor se realice. El momento del

despertar de Psique con el beso de Cupido nos lleva a nuestra escultura.

Roberto Nava Motolinia

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Virginie Amélie Gautreau, nacida en la afrancesada Nueva Orleans, en el seno de una rica familia criolla, se mudó a París de niña. Casada ahí con un rico, se convirtió en una verdadera fuente de chismorreos en la época, por su carácter independiente y sus infidelidades que eran un secreto a voces.

La señora posó para Sargent, que en aquel entonces era el retratista más cotizado del mundo, y la obra resultó ser tan rebelde, elegante y llamativa como su modelo. Eso de Madamme X viene a que querían mantener oculta la identidad de la modelo, pero parece que en París todo el mundo la conocía.

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Artista: El Bosco

Ubicación: Museo

Nacional del Prado

Período: Renacimiento

nórdico

Fecha de creación:

1503-1515

Género: Arte cristiano

Materiales: Pintura al óleo, Encinos

Tamaño: 2.2 m x 3.89 m

Es una de las obras en la cual representa una recopilación de un mundo fantástico

oculto en los textos de la época. Flores y frutas representando felicidad y placer, un desenfreno que desemboca en locura y, al final, en el infierno El cuadro se divide en tres escenas, las tablas laterales se convierten en dos puertas que cerradas muestran la creación del mundo.

Nombre: Jordy Ochoa Aguilar

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TITULO: Pequeños motivos de insectos y plantas.
GRABADOR: Georg Herman
FECHA: 1596

El grabado muestra varios insectos, plantas, un caracol y una tortuga, está obra podría usarse cómo decoración.
Me interesa el grabado porque más allá de ser visto como decoración, puede tener un trasfondo que llevara a su creación ya sea un gusto específico o la armonía entre plantas e insectos.
También es llamativo a qué a la corta edad del autor haya creado una obra tan linda.

Viviana Pamela Toral González

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Autor: Francisco de Zurbarán
Año: 1630
Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Barroco

La niña aparece rezando, tras haber interrumpido su labor femenina, con el rostro absorto y enmarcado por una aureola de angelitos mofletudos. A sus pies están esparcidas diversas florecillas de colores, que además de adornar la imagen, simbolizan las virtudes de la futura madre: flores azules que indican fidelidad, flores amarillas que significan la inteligencia y la madurez, rosas para el amor, azucenas blancas por su virginidad... Estos objetos que la rodean son detalles de naturalezas muertas, que de ser pintadas aisladamente podrían formar bodegones de gran calidad. El lienzo aparece enmarcado en un cortinaje rojo, que evoca la cortina del templo, constituyendo una especie de altar campesino.

Me gusto mucho esta pintura por que representa a la mayoría de las niñas que rezan y que representa la dulzura, la inocencia de la niñez

Abigail Rosas Saldivar

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Autor: Faience
Fecha: 1294–1279 B.C.
Técnica: estatuillas de cera

Esta figura me gusto porque tiene colores vibrantes y en cierto estilo elegante a la realeza egipcia, la escritura en la parte de sus piernas es interesante ya que fueron hechas para servir a los difuntos que morían en el antiguo egipto, los metían dentro de su sarcófago para acompañarlos durante su viaje al mas alla.
En realidad me inquieta todo lo relacionado con egipto y me gusto mucha esta figura en honor a Ramses I

Blanca Denisse Perez Ortiz

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Título: Pin del reloj

Creador: Riker Brothers (activo entre 1892 y 1926)

Fecha: ca. 1900

Geografía: Hecho en Newark, Nueva Jersey, Estados Unidos

Cultura: Americana

mediana: oro, esmalte plique-à-jour, diamantes, perla y rubí

Dimensiones: Diám. 1 pulgada (2,5 cm)

Línea de crédito: Compra, donación de Susan y Jon Rotenstreich, 2001

Número de acceso: 2001.331

Este alfiler de reloj de oro, piedras preciosas y esmalte es un buen ejemplo de la joyería Art Nouveau estadounidense. Se hizo como dos secciones separadas que luego se unieron con remaches. La sección frontal muestra una garza de pie en medio de totoras y nenúfares tachonados de diamantes y perlas. El reverso representa una puesta de sol en esmalte plique-à-jour azul, verde, amarillo y rojo brillante. En el esmaltado plique-à-jour, las "células" de color no tienen respaldo, lo que permite que la luz brille a través del esmalte transparente, creando el efecto de una vidriera. Plique-à-jour era una técnica favorita de muchos joyeros que trabajaban en el estilo Art Nouveau, incluido el gran joyero francés René Lalique.

En el siglo XIX, Newark, Nueva Jersey, fue el hogar de algunos de los fabricantes de joyas más exitosos de Estados Unidos. Para la década de 1870, había desarrollado una industria de $ 5,000,000 al año, respondiendo a la demanda de los consumidores mediante la combinación de una mano de obra exquisita y la innovación tecnológica. Su reputación de calidad y estilo estaba tan extendida que sus productos se vendían en todo el mundo. Este pin de reloj representa una de las mejores firmas de Newark.

GUADALUPE MICHELLE LORANCA LEON

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Autor:Sandro Boticelli
Tecnica: Temple sobre lienzo
Fecha: 1482-1485

Esta pintura es una obra del Renacimiento Italiano, fue creada por el año 1485 por el artista Sandro Botticelli. Esta obra me llamó la atención por que representa a la diosa del amor y la belleza como una figura perfecta.
Respecto a los colores utilizados predomina la paleta clara de colores pasteles como turquesas, verdes, celestes, naranjas, etc
La obra es considerada una de las más importantes del Renacimiento temprano.

Yuridiana Valderrabano Herrera

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Título: La Vocación de San Luis (Luigi) Gonzaga

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Título: La Vocación de San Luis (Luigi) Gonzaga

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★ Categoría: pintura.
★ Artista: Guercino (Giovanni Francesco Barbieri) (Italiano, Cento 1591-1666 Bolonia).
★ Fecha: ca. 1650.
★ Técnica: Óleo sobre lienzo.
★ Dimensiones: 140 x 106 pulg. (355,6 x 269,2 cm).
Este retablo fue encargado para la iglesia teatina de Guastalla en 1650 por el duque Ferrante III Gonzaga (1618-1678) en celebración de Luigi Gonzaga (nacido en 1568), quien renunció a su título heredado de marqués y se unió a la orden de los jesuitas en Roma en 1585. se dedicó al cuidado de los pobres hasta que murió de peste en 1591. Fue beatificado en 1621 y canonizado en 1726. En el cuadro de Guercino, un ángel sostiene sobre la cabeza del santo una corona que sustituye a la corona, simbolizando al marquesado, que ha sido arrojado al suelo junto a una gavilla de lirios que representan la castidad.
★IRIS YANELLY SANCHEZ ESPINOSA.

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El nacimiento de Venus (La Nascita di Venere)

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El nacimiento de Venus (La Nascita di Venere)

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El nacimiento de Venus
Autor: Sandro Botticelli
Fecha: 1482-1485
Técnica: Temple sobre lienzo

La pintura "El nacimiento de Venus" es una obra maestra del Renacimiento italiano, creada por el artista Sandro Botticelli alrededor de 1485. La obra representa a la diosa Venus emergiendo del mar en una concha, rodeada de ninfas y zéfiros. Venus, la diosa del amor y la belleza, está representada como una figura idealizada y perfecta, con un cuerpo esbelto y curvilíneo. Los colores suaves y delicados utilizados en la pintura, así como la atmósfera etérea que rodea a Venus, crean una sensación de serenidad y gracia. La obra es considerada una de las más importantes del Renacimiento temprano y ha sido objeto de numerosas interpretaciones y análisis por parte de los críticos de arte.

Itzel Flores Zarate

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Artista: Francisco de Zurbarán (español, Fuente de Cantos 1598-1664 Madrid)
Fecha: ca. 1632-1633
Media: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 46 x 37 pulg. (116,8 x 94 cm)

Clasificación: Pinturas
Línea de crédito: Fondo Fletcher, 1927
Número de Acceso: 27.137
Representación:
Según la leyenda medieval, de niña la Virgen María vivía en el Templo de Jerusalén, donde se dedicaba a rezar ya coser vestiduras. Este fue un tema particularmente popular en la pintura italiana y española del siglo XVII, donde la pequeña
Virgen, devota y ocupada en sus tareas, sirvió como modelo de comportamiento para las jóvenes. El delicado tratamiento del rostro de la Virgen y la atención al detalle en los elementos de la naturaleza muerta, cada uno de ellos pulcramente individualizados y meticulosamente colocados, son característicos de la obra de Zurbarán.
Me interesó en lo particular porque la pintura está muy detallada, se ve interesante y aplica en mi caso jiji ;)
Daniela Amador García
Historia del Arte
Clase: 1:00 a 2:00 pm

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Autor: Anonimo
Fecha: 1337 y fue modificada en 1427
Tecnica: utilizando enormes bloques de piedras labrados y esculpidos de manera única.

Las interpretaciones recientes sugieren que el edificio estaba relacionado con la creación del tiempo y el calendario, y con la serpiente emplumada como patrona de los gobernantes.
Luis Fernando Rojano Rivera

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Retrato póstumo de Akbar... del pintor Govardhan

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Retrato póstumo de Akbar... del pintor Govardhan

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Retrato póstumo de Akbar.
Autor: Govardhan.
Fecha: 1630.
Técnica: Tinta, acuarela opaca y oro sobre papel.

Esta pintura incorpora el motivo de origen de un león y un becerro que viven en paz bajo el gobierno del emperador. Govardhan, un maestro del retrato psicológico, le ha dado al becerro un aire de manso nerviosismo, expresado en su mirada de soslayo y sus orejas bajas, debido sin duda a la proximidad de los dientes visibles del león. Los querubines arriba y un fondo holandés añaden toques cosmopolitas en ese momento.

Esta obra me intereso porque representa la capacidad para unir personalidades opuestas, transmitiendo un mensaje de liderazgo sabio y pacífico, encontrando el equilibrio entre la fuerza y la suavidad, y me gustaría creer que en un futuro todos los animales podamos convivir en armonía.

Yaritza Yamilet Granada Flores.

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Autor: Pierre Auguste Cot
Fecha: 1880
Técnica: Óleo sobre lienzo

El artista francés Pierre pintó una pareja que corre y se protege de la tormenta con la falda de la dama. Para algunos representa el despertar sexual y a su vez el desafío del amor.
En lo personal, esta pintura despertó mi interés ya que, en efecto, muestra una pareja que huye de una tormenta, sin embargo se muestran tranquilos.
Me hizo recordar la sensación de paz y ese espíritu aventurero de dos enamorados.

Erika Hernández Pérez

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Shiva como Mahesha
Autor: Ceño de Vishnu
Fecha: Siglo X, Época Chola
Cultura: India (Tamil Nadu)
Medio: Granito

Esta estatua es parte de un grupo de inusuales grandes tallas de piedra en redondo del período Chola. Todos representan a la misma deidad, identificada durante mucho tiempo como Brahma, pero ahora se cree que es Mahesha, una forma de Shiva. Los adoradores de Shiva creen que él se manifiesta en tres etapas, que van de lo abstracto a lo concreto, simbolizado por el linga (eje) sin decoración; el linga con una o más caras que emergen de él; y, finalmente, Mahesha.

Alma Delia Allende Mendoza

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Plato de cristal de roca en forma de templo

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Rock Crystal Dish in the Form of a Temple

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Rock Crystal Dish in the Form of a Temple

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Esta talla de cristal de roca encontrada en una cisterna en Cartago (ahora en Túnez, África del Norte) demuestra la calidad de las artes de esa gran ciudad cuando el mundo romano se convirtió en bizantino. El naturalista romano Plinio, al describir su belleza, creía que el cristal provenía de la nieve. Se pensaba que protegía contra dolencias renales y otras enfermedades.

Título: Plato de cristal de roca en forma de templo

Fecha: 3rd-5th siglo

Cultura: Norte de África (Cartago)

media: cristal de roca

Dimensiones: Total: 2 3/8" x 1 5/8". (6 x 4,1 cm)

Clasificación: Obra Lapidaria-Cristal

Línea de Crédito: Legado de Ada Small Moore, 1955

Número de acceso: 55.135.5

La forma de la creación es lo que llamo mi atención ya que es genial el como pueden recrear diversas figuras en materiales tan rígidos y la vista que se le da a esta.

Ales D. Sanchez Flores :')

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Diseñador: Cristobal Balenciaga
Fecha: primavera/verano 1948
Cultura:  Francés
Técnica: seda

Este vestido de cóctel (a) de gasa de seda lleva un gran estampado estilizado de amapolas en tonos rojos con tallos verdes sobre fondo negro, con un cinturón ancho de contorno (b) de ante negro. El vestido tiene un amplio cuello acampanado que es plano a través del alto escote de la espalda, cayendo en ondas a cada lado del profundo escote en V de la parte delantera, por encima del cierre cruzado por debajo de la línea del busto. El corpiño es de una pieza en la espalda y de dos piezas en la parte delantera, con una pinza en la cintura a cada lado. Las mangas, ajustadas hasta la muñeca, están cortadas a la altura del corpiño y llevan un fuelle bajo cada brazo. El corpiño y las mangas están forrados de gasa negra lisa. La falda "Zouave" de gasa fruncida está drapeada en pliegues sueltos sobre una base acampanada de diez pliegues de tafetán negro, con la gasa extendiéndose ligeramente por debajo de la base, fruncida por debajo y sujeta por dentro del dobladillo. El vestido se abrocha con broches de presión y un lazo de gancho e hilo en el centro delantero, y tiene una cremallera que cierra bajo el brazo izquierdo. El cinturón ancho de contorno de ante negro, con hebilla forrada de ante, rodea la cintura.

Balenciaga ha trasendido en el mundo de la moda y la alta costura, lograndro así situarse dentro del ámbito del arte, un ejemplo muy claro, es el vestido de la imagen, pues es una prenda muy interesante que demuestra elegancia y marca tendencia, el diseño del vestido me parece precioso, los colores y el estampado a mi punto de vista hacen del vestido aún más lindo y de un porte fino.

Denise Corona Martínez

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House of Balenciaga | Cocktail dress | French | The Metropolitan Museum of Art

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Titulo: Mujer en Blanco
Autor: Pablo Picasso
Fecha: 1923
Técnica: Óleo, pintura al agua y crayón sobre lienzo

Picasso pintó esta obra, uno de sus cuadros neoclásicos más conocidos, a su regreso a París tras una estancia de verano en Cap d'Antibes. Allí, él y su esposa, Olga, socializaron con los carismáticos expatriados estadounidenses Gerald y Sara Murphy. Debido a que Sara Murphy tenía hermosos rasgos regulares, algunos escritores creen que este lienzo es un retrato de ella. Sin embargo, las fotografías que Picasso tomó de Olga posando frente a cabezas clásicas similares demuestran que al menos ella pensó que eran representaciones de ella.

Fuera de los rasgos físicos de la mujer de la pintura, para mi es una mujer metida en un pensamiento profundo, posiblemente algo que le causa preocupación, tristeza o tal vez ambos, que le permiten tener esa expresión en la cara, las colores de la pintura también me hacen verla de esa forma.

Diana Marielle Hernández Palacios

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Máscara de Anna Pavlova Malvina Cornell Hoffman Estadounidense 1924

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Máscara de Anna Pavlova Malvina Cornell Hoffman Estadounidense 1924

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Hoffman organizó una elaborada fiesta de disfraces en su estudio para el cumpleaños de la primera bailarina Anna Pavlova (1881-1931). Para el evento, el escenógrafo Boris Anisfeld creó una pantalla elaborada, inspirada en un ícono ruso, cuya ventana se abrió a la medianoche para revelar a Pavlova, con los ojos cerrados, adornada con un tocado enjoyado y apareciendo como una Madonna bizantina. Después de permanecer inmóvil, el "icono" cobró vida, cuando Pavlova abrió los ojos y sonrió. Conmemorando el evento, la Máscara de Anna Pavlova está modelada en cera teñida. Al elegir esta encarnación para su tema, en lugar de una que retrata más el cuerpo de la bailarina lírica, Hoffman revela su actitud de adoración hacia Pavlova.

Lourdes Alejandra Salgado Suarez

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Pauline Carrington Bouvé. "The Two Foremost Women Sculptors in America: Anna Vaughn Hyatt and Malvina Hoffman." Art and Archaeology 26 (September 1928), p. 80, ill. p. 81 (unknown edition), calls it "Mask 'Anna Pavlowa'".

J[ohn]. G[oldsmith]. P[hillips]. "Notes: A Portrait in Wax." Metropolitan Museum of Art Bulletin 31 (January 1936), p. 15.

Malvina Hoffman. Heads and Tales. New York, 1936, ill. p. 66.

Malvina Hoffman. Malvina Hoffman. New York, 1948, p. 63.

Albert TenEyck Gardner. American Sculpture: A Catalogue of the Collection of The Metropolitan Museum of Art. New York, 1965, p. 159, ill.

Daniel Robbins in 200 Years of American Sculpture. Exh. cat., Whitney Museum of American Art. New York, 1976, pp. 137, 341, no. 100, fig. 186.

George Dorris. "Looking at Dance History: Three Exhibitions." Dance Chronicle 2, no. 3 (1978), p. 242.

Joshua C. Taylor. "Malvina Hoffman." American Art & Antiques 2 (July/August 1979), p. 100.

Charlotte Streifer Rubinstein. American Women Sculptors: A History of Women Working in Three Dimensions. Boston, 1990, p. 180, calls it "Byzantine Madonna".

Joan M. Marter in American Sculpture in The Metropolitan Museum of Art. Ed. Thayer Tolles. Vol. 2, A Catalogue of Works by Artists Born between 1865 and 1885. New York and New Haven, 2001, pp. 733, 740-41, no. 370, ill. (color).

Janis Conner. "The Ethereal Icon: Malvina Hoffman's Worshipful Imagery of Anna Pavlova." Perspectives on American Sculpture before 1925. Ed. Thayer Tolles. New York, 2003, pp. 130, 146, 148, fig. 117.

E. Adina Gordon. "Color in Sculpture: Scandal and Revival." Sculpture Review 52 (Fall 2003), p. 38, ill. p. 39, calls it "Mask of Anna Pavlova in Russian Headdress" and dates it 1932.

Brinda Kumar in Like Life: Sculpture, Color, and the Body. Exh. cat., The Metropolitan Museum of Art [The Met Breuer]. New York, 2018, pp. 103-4, 282, no. 19, ill. p. 113 (color).

Linda Kim. Race Experts: Sculpture, Anthropology, and the American Public in Malvina Hoffman's "Races of Mankind". Lincoln, Neb., 2018, pp. 10, 162, 164, 314 n. 26, fig. 6.

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Malvina Cornell Hoffman | Mask of Anna Pavlova | The Metropolitan Museum of Art

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Pauline Carrington Bouvé. "The Two Foremost Women Sculptors in America: Anna Vaughn Hyatt and Malvina Hoffman." Art and Archaeology 26 (September 1928), p. 80, ill. p. 81 (unknown edition), calls it "Mask 'Anna Pavlowa'". J[ohn]. G[oldsmith]. P[hillips]. "Notes: A Portrait in Wax." Metropolitan Museum of Art Bulletin 31 (January 1936), p.

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holandés 1603 A la vista en The Met Fifth Avenue en la Galería 964
En general, se considera que este panel es la pintura de naturaleza muerta independiente más antigua conocida de un tema de vanitas, o representación simbólica de la vanidad humana. La calavera, la gran burbuja, las flores cortadas y la urna humeante evocan la brevedad de la vida, mientras que las imágenes que flotan en la burbuja, como una rueda de tortura y el sonajero de un leproso, se refieren a la locura humana. Las figuras que flanquean el arco de arriba son Demócrito y Heráclito, los filósofos que ríen y lloran de la antigua Grecia.
Dafne Valentina reyes Gómez

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Utagawa Hiroshige | Kinryūsan Temple at Asakusa, from the series "One Hundred Famous Views of Edo" | Japan | Edo period (1615-1868) | The Metropolitan Museum of Art

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Templo Kinryūsan en Asakusa, de la serie "Cien vistas famosas de Edo"

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Templo Kinryūsan en Asakusa, de la serie "Cien vistas famosas de Edo"

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Templo Kinryūsan en Asakusa, de la serie "Cien vistas famosas de Edo"
Autor : Utagawa Hiroshige
Fecha : 1856

En este estampado, el blanco nieve se complementa con los rojos de los edificios del templo, la puerta, la gran linterna e incluso la etiqueta firmada "pintado por Hiroshige" en la esquina inferior derecha. El esquema de color auspicioso de rojo y blanco aquí crea un ambiente de celebración.

Escogí esta obra porque representa la belleza de la cultura japonesa con sus casas con estructura particulares y la lámpara que tiene un diseño hermoso, también me gustó porque en lo personal a mí me gusta mucho la cultura y quisiera poder conocerla algún día.

Naomi Aily Ramírez Palacios

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Nagoya City Museum. "Ukiyo-e from the Metropolitan Museum of Art," April 14, 1995-May 28, 1995.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Snow in Ukiyo-e Prints and Paintings," October 20, 2004-November 26, 2005.

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Utagawa Hiroshige | Kinryūsan Temple at Asakusa, from the series "One Hundred Famous Views of Edo" | Japan | Edo period (1615-1868) | The Metropolitan Museum of Art

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Nagoya City Museum. "Ukiyo-e from the Metropolitan Museum of Art," April 14, 1995-May 28, 1995. New York. The Metropolitan Museum of Art. "Snow in Ukiyo-e Prints and Paintings," October 20, 2004-November 26, 2005.

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Desnudo reclinado
Autor:Amedeo Modigliani Italian

Fecha: 1917

La célebre serie de desnudos reclinados de Modigliani, iniciada en 1916, está influenciada por las representaciones renacentistas italianas de Venus y otras figuras femeninas idealizadas. En esta pintura de 1917, el cuerpo estilizado y delineado del modelo, visto de cerca y desde arriba, abarca todo el lienzo; Sus manos y pies desaparecen fuera del marco y su piel cremosa brilla contra la cama o el sofá de color rojo oscuro. A diferencia de las representaciones de Venus desde el Renacimiento hasta el siglo XIX, en las que la desnudez femenina se expresa en mitología o alegoría, Modigliani presenta provocativamente su Desnudo reclinado sin ningún contexto, destacando el erotismo de la pintura.

La pintura se puede dar a muchas interpretaciones, para mi representa la perfección del cuerpo humano el como fue pintado apesar de la epoca en donde este tipo de pinturas eran muy polemicas, tambien la vision que no ve el cuerpo como objeto sexual si no como un lienzo el cual admirar y retratar.
Eder Omar Torres Gomez

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O. L. "Gemälde von Modigliani." Deutsche Kunst und Dekoration 56 (July 1925), ill. p. 208, as "Liegender Akt".

André Salmon. Modigliani: Sa vie et son œuvre. Paris, 1926, pl. 8, as "Femme endormie," 1917, collection G. Meunier [sic].

Giovanni Scheiwiller. Amedeo Modigliani. Milan, 1927, pl. [4] [French ed., 1928, pl. 3], dates it 1917 and locates it in the collection of G. Meunier, Paris [sic]; French edition lists collection Ch. Meunier.

Arthur Pfannstiel. Modigliani. Paris, 1929, ill. opp. p. 98; catalogue présumé, pp. 20-21, as "Nu couché," 1917, in the collection of G. Meunier, Paris [sic].

Michel Georges-Michel. Les Montparnos: Roman. Paris, 1929, ill. p. 223.

Seigo Taguchi. Modigliani. Tokyo, 1936, pl. 9.

Vincenzo Costantini. Architettura, scultura, pittura, contemporanea Europea in un secolo di materialismo. Milan, 1951, ill. p. 259, as "Donna addormentata".

Raffaele Carrieri. Avant-Garde Painting and Sculpture (1890-1955) in Italy. 2nd rev. ed. (1st ed., Italian, 1950). Milan, 1955, pl. 102, as "Donna addormentata" in the Meunier [sic] collection, Paris.

Arthur Pfannstiel. Modigliani et son œuvre. Paris, 1956, p. 98, no. 132, as "Nu couché" in the collection of G. Menier, Paris.

Ambrogio Ceroni. Amedeo Modigliani, peintre: Suivi des "souvenirs' de Lunia Czechowska. Milan, 1958, p. 64, no. 130, ill., as "Nu couché (au bras derrière la tête)," 1918; locates it in a private collection, Paris.

Jeanne Modigliani. Modigliani sans légende. Paris, 1961, pl. 52, as "Nu étendu" in the caption and "Nu couché" in the list of plates; dates it 1918; locates it in a private collection, Paris.

Alfred Werner. Amedeo Modigliani. New York, [1966], fig. 52, as "Reclining Nude," 1918, in a private collection, New York.

John Canaday. "Art: Modigliani's Nudes, a Charming Sisterhood." New York Times (October 15, 1966), ill. p. 24.

Ambrogio Ceroni. I dipinti di Modigliani. Milan, 1970, p. 98, no. 199, ill. and colorpl. XXVIII-XXIX [French ed., 1972], dates it 1917 and locates it in a private collection, New York.

J[oseph]. Lanthemann. Modigliani, 1884-1920, catalogue raisonné: Sa vie, son Oeuvre complet, son art. Barcelona, 1970, p. 117, no. 153, ill. p. 200, calls it "Nu couché (les bras derrière la tête)" and dates it 1916.

Joseph Masheck in "New York." Artforum 10 (December 1971), pp. 84-85, ill.

James R. Mellow. "Modigliani." New York Times (December 3, 1972), p. D21 [probably this picture], describes "Nu coucheé," 1918 in a Modigliani exhibition at the Perls Galleries [Exh. New York 1972].

Marianne Hancock. "Gallery Reviews." Arts Magazine 47 (February 1973), p. 83 [probably this picture], describes "Nu couché" in Exh. New York 1972.

Claude Roy. Modigliani. 2nd rev. ed [1st ed., 1958]. New York, 1985, p. 156, ill. pp. 79 (color) and 103 (detail), as "Reclining Nude with Hands Behind her Head," 1917, Perls Galleries, New York.

Janet Hobhouse. "The World, the Flesh, and Modigliani." Connoisseur 215 (July 1985), pp. 5, 44-45, ill. (color), calls it "Recumbent Nude, Hands behind Her Head" and dates it 1917-18.

Gaston Diehl. Modigliani. rev. ed. [1st ed., 1969]. New York, 1989, pp. 72, 78, ill. p. 92 (color), as "Reclining Nude, Hands Behind Her Head," 1918, in the collection of Mr. and Mrs. Klaus G. Perls, New York.

Angela Ceroni. Modigliani: Les Nus. Paris, 1989, pp. 82-83, no. 24, ill. (color), as "Nu couché, les mains derrière la tête," 1917, Perls Galleries, New York.

June Rose. Modigliani: The Pure Bohemian. London, 1990, ill., half title page (color), dates it 1918.

Osvaldo Patani. Amedeo Modigliani: Catalogo generale. Vol. 1, Dipinti. Milan, 1991, p. 219, no. 208, ill. (color), calls it "Nudo sdraiato con le mani dietro la testa," dates it 1917, and locates it in the Perls Galleries, New York.

Christian Parisot. Modigliani: Catalogue raisonné. Ed. Giorgio and Guido Guastalla. Vol. 2, Peintures, dessins, aquarelles. Livorno, 1991, p. 316, no. 40/1917, ill. p. 176, calls it "Nu couché (les mains derrière la tête)" and locates it in a private collection.

J[ason]. E[dward]. K[aufman]. "Perls Adds Gems to the Met." Art Newspaper no. 61 (July-August 1996), p. 14.

Carol Vogel. "Met is Given 13 Works Worth Over $60 Million." New York Times (May 20, 1996), pp. C11-C12.

Sabine Rewald in "Recent Acquisitions. A Selection: 1996-1997." Metropolitan Museum of Art Bulletin 55 (Fall 1997), p. 73, ill. (color), dates it 1918.

Emily Braun in Modigliani and His Models. Exh. cat., Royal Academy of Arts. London, 2006, p. 63 n. 20, lists it among 22 reclining nudes painted between 1916-19.

Sabine Rewald in The Masterpieces of French Painting from The Metropolitan Museum of Art: 1800-1920. Exh. cat., Museum of Fine Arts, Houston. New York, 2007, pp. 174-75, 236, no. 130, ill. (color and bw), discusses it as part of a series of thirty reclining nudes begun in 1916.

Sabine Rewald in Masterpieces of European Painting, 1800-1920, in The Metropolitan Museum of Art. New York, 2007, pp. 206-7, 277-78, no. 191, ill. (color and bw).

The Metropolitan Museum of Art Guide. New York, 2012, p. 402, ill. (color).

Robert Brown. "The Great Beauty: Modigliani, 'Nu Couché' and the Grand Tradition of the Female Nude." Amedeo Modigliani: "Nu Couché". Ed. Robert Brown. New York, 2015, p. 33, ill. p. 21 (color), calls it "Nu couché, les mains derrière la tête".

Fiammetta Luino. "Modigliani and the Zborowski Nudes." Amedeo Modigliani: "Nu Couché". Ed. Robert Brown. New York, 2015, p. 64, ill. p. 86 (color), calls it "Nu couché, les mains dernière la tête" in the text and "Nu couché, les mains derrière la tête" in the caption.

Kathryn Calley Galitz. The Metropolitan Museum of Art Masterpiece Paintings. New York, 2016, p. 523, ill. (color), colorpl. 441.

The Metropolitan Museum of Art Guide. New York, 2019, p. 402, ill. (color).

Marc Restellini in Modigliani: The Primitivist Revolution. Ed. Marc Restellini. Exh. cat., Albertina Museum. Vienna, 2021, pp. 78, 212, no. 38, ill. p. 94 (color).

Silvia Centeno et al. in Modigliani Up Close. Ed. Barbara Buckley et al. Exh. cat., Barnes Foundation. Philadelphia, 2022, pp. 136-39, no. 24, ill. (color, overall), figs. 1-6b (color details, X-radiograph and photomicrograph imagery).

Barbara Buckley and Martha Lucy in Modigliani Up Close. Ed. Barbara Buckley et al. Exh. cat., Barnes Foundation. Philadelphia, 2022, p. 127 n. 2, p. 143 n. 6.

Vivien Greene and Lena Stringari in Modigliani Up Close. Ed. Barbara Buckley et al. Exh. cat., Barnes Foundation. Philadelphia, 2022, p. 128.

Anaïs Genty-Vincent and Marie-Amélie Senot in Modigliani Up Close. Ed. Barbara Buckley et al. Exh. cat., Barnes Foundation. Philadelphia, 2022, pp. 132, 134.

Barbara Buckley and Simonetta Fraquelli in Modigliani Up Close. Ed. Barbara Buckley et al. Exh. cat., Barnes Foundation. Philadelphia, 2022, p. 66.

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Amedeo Modigliani | Reclining Nude | The Metropolitan Museum of Art

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O. L. "Gemälde von Modigliani." Deutsche Kunst und Dekoration 56 (July 1925), ill. p. 208, as "Liegender Akt". André Salmon. Modigliani: Sa vie et son œuvre. Paris, 1926, pl. 8, as "Femme endormie," 1917, collection G. Meunier [sic]. Giovanni Scheiwiller. Amedeo Modigliani. Milan, 1927, pl. [4] [French ed., 1928, pl.

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Título: Broche de mujer con máscara de monstruo

Fecha: 17th-siglo XIX
Nueva York. El Museo Metropolitano de Arte. "Artes desde los tejados de Asia; Tíbet, Nepal y Cachemira", 22 de abril a 30 de junio de 1971.

Nueva York. El Museo Metropolitano de Arte. "Tradiciones sagradas del Himalaya", 20 de diciembre de 2014 a 14 de junio de 2015.

Escogí esta obra por qué es un accesorio de mujer con varios colores y brillantes que lo hace aún más llamativo, en el centro tiene un dragón chino que representa fuego.

Minerva Muñoz Napoleón

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Título: Léon Pallière (1787–1820) en su habitación en la Villa Medici, Roma
Artista: Jean Alaux (francés, Burdeos
1786-París 1864)

Fecha: 1817

Técnica: Óleo sobre lienzo

Está pintura realizada por un hombre encuartelado durante el inicio del siglo 1800. Retrata la soledad y la intimidad de un hombre mientras toca la guitarra, observando el paisaje de su única ventana que da hacia un jardín. Romantizando el paisaje a su alrededor, apreciando su soledad junto a su guitarra, mientras terminan sus ideas en la academia que lo acoje hasta su salida de ella.

Alan de Jesús Fernández Solano

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Nombre: Helmet (Zukinnari Kabuto)
Autor: Anónimo
Fecha: Siglo XVI
Técnica: Tataki-Nuri

Emulando la textura de la tela de un sumi-zukin. Un sombrero utilizado únicamente por los ancianos, médicos y sacerdotes. Su escudo representa a la deidad budista protectora Acana (en Japón mejor conocida como Fudō Myō-ō) envuelta en llamas.
Su diseño único y la combinación de colores ostentosos sirven como una representación opulenta del periodo Momoyama. 1573- 1615.

Alondra Yareth Jimenez Olea

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Titulo: Side Chair
Diseñador: Charles Eames
Fecha: 1952
Tecnica: Cable moldeado

Esta silla marco una pauta para el diseño mobiliario moderno, desde su creación ha sido un diseño icónico que sigue luciendo moderno a mas de 70 años de su invención, mismos años que lleva en producción y la ha convertido en un clásico del diseño

Yanira Bernabé Pérez

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Titulo: El columpio
Autor: Jean-Honoré Fragonard
Fecha: 1767
Periodo: Rococo
Materia: Pintura al oleo

Nos retrata la vida en esa época, se acuesta entre la naturaleza para ver si puede ver algo bajo esas faldas tan excesivo, todo es impresionante que hasta los cupidos de las estatuas se sonrojan.
Por el otro lado podemos ver que es como un secreto a voces en la realidad, la escena describe algo tan común entre esta gente de alta alcurnia como eran los matrimonios de conveniencia, en la que tener amantes eran casi una obligación. Una época en la que el pecado eran vistos como algo bueno, jugar al escondite o columpiarse arriba y abajo, adentro y afuera, mientras se escuchaban los ecos de las risas en los bosques y jardines eran el deporte nacional de la nobleza francesa de esos años de colores pastel.

Yolanda Rendon Cardoso

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Titulo: River Scene
Artista: Asher Brown Durand
Fecha: 1854
Técnica: Óleo sobre lienzo

El suave sol de un atardecer, lleno de aire fresco y una vista impresionante, el ganado terminando de pastar se dirigen a un granadero para poder descansar, proyectando largas sombras a través del camino lleno de baches.

Jesus Alberto Mendizabal Muñoz

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Puerta de oro
Autor: Charles Sheeler
Fecha: 1955
Técnica: Pintura

En esta pintura se logra ver el puente Golden Gate que muestra la gran altura de la estructura, fue el resultado de la superposición de varias diapositivas de 35 milímetros y fue pintada después de su regreso a la costa este.

Fatima Perez Arroyo

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Charles Sheeler | Golden Gate | The Metropolitan Museum of Art

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Las orillas del Bièvre cerca de Bicêtre
Artista: Henri Rousseau (le Douanier) (francés
Fecha: ca. 1908–09

Rousseau identificó el tema de esta pintura en una nota manuscrita, a escena representa el paisaje alrededor de Bicêtre, una comunidad de clase trabajadora en el sur de París cerca del río Bièvre (ahora enterrado bajo tierra a medida que atraviesa la ciudad). En la época de Rousseau, la vía fluvial estaba muy contaminada, pero ciertos lugares aún ofrecían vistas pintorescas, como sugieren las figuras vestidas de campesinos en el camino arbolado de la izquierda, y el acueducto de Arcueil del siglo XVII al fondo. .
Esta obra me llamo la atención porque utiliza colores opacos sin perder la esencia y el mensaje que quiere transmitir haciendo que sea llamativa y cultural.

Denisse Mishel Guzman Lopez

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Adolphe Basler. "Henri Rousseau, le douanier." Les albums d'art Druet 24 (1927), unpaginated, ill.

Christian Zervos. Rousseau. Paris, 1927, pp. II, 31, ill.

Harry B. Wehle. "A Picture by Henri Rousseau." Metropolitan Museum of Art Bulletin 34 (March 1939), pp. 64-65, ill.

"Rousseau-Primitive or Professional?" Art News 61 (1942), p. 19, ill., dates it 1908-10; notes that this type of quiet local landscape belongs to Rousseau's final period.

Daniel Catton Rich. Henri Rousseau. Exh. cat., Art Institute of Chicago. New York, 1942, p. 57, ill., tentatively dates it 1908-10.

Douglas Cooper. "Henri Rousseau: Artiste-peintre." Burlington Magazine 85 (July 1944), pp. 158, 164, ill., tentatively dates it 1908.

Rodolfo Pallucchini. "Il doganiere Rousseau." XXVe Biennale di Venezia. Exh. cat., Biennale. Venice, 1950, p. 242, no. 19, dates it 1909.

Josephine L. Allen and Elizabeth E. Gardner. A Concise Catalogue of the European Paintings in The Metropolitan Museum of Art. New York, 1954, p. 86.

Alfred Werner. Henri Rousseau, 1844-1910. Munich, 1956, colorpl. 24 [see Ref. Certigny 1984].

Maximilien Gauthier. Henri Rousseau, 1844-1910. Paris, 1956, colorpl. 24 [see Ref. Certigny 1984], dates it about 1908.

Dora Vallier. Henri Rousseau. Paris, 1961, unpaginated, no. 92, ill., dates it about 1904.

André Salmon. Henri Rousseau. Paris, [1962], p. 58, ill. (color) [see Ref. Certigny 1984].

Jean Bouret. Henri Rousseau. London, 1963, colorpl. 8 [see Ref. Certigny 1984].

Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou. Le monde des Naïfs. Exh. cat., Rotterdam Museum Boijmans Van Beuningen. Paris, 1964, unpaginated, no. 21, ill. [Dutch ed., 1964], dates it about 1903-4.

Charles Sterling and Margaretta M. Salinger. French Paintings: A Catalogue of the Collection of The Metropolitan Museum of Art. Vol. 3, XIX-XX Centuries. New York, 1967, pp. 167-68, ill., discusses a signed note pasted on the back of the canvas by the artist that identifies the landscape as a view of the banks of the Bièvre near Bicêtre; remarks that although the note is dated February 23, 1909, the foliage is too advanced for February and the date does not indicate when the picture was finished, but when the annotation was made; comments that stylistically this work is related to works made two or three years before 1900.

Dora Vallier and Giovanni Artieri. L'opera completa di Rousseau il doganiere. French ed., 1970. Milan, 1969, p. 102, no. 162, ill. and colorpl. XXI, remarks that it is stylistically similar to works that date before 1905 and rejects the 1909 date.

Liza Bihalji-Merin and Oto Bihalji-Merin. Leben und Werk des Malers Henri Rousseau. Dresden, [1971], pp. 37, 114, fig. 14 [see Ref. Adriani 2001].

Liza Bihalji-Merin and Oto Bihalji-Merin. Henri Rousseau: Leben und Werk. Cologne, [1976], pp. 24, 67ff, fig. 15 [see Ref. Adriani 2001].

Klaus Werner. Henri Rousseau. Berlin, 1976, p. 10 [see Ref. Adriani 2001].

Cornelia Stabenow. "Die Urwaldbilder des Henri Rousseau: Stilbildung und Verhältnis zum Gesamtwerk." PhD diss., Ludwig-Maximilians-Universität, 1980, p. 185 [see Ref. Adriani 2001].

Henry Certigny. Le douanier Rousseau en son temps. Tokyo, 1984, vol. 2, pp. 536-37, no. 256, ill., dates it 1900-1908.

Michel Hoog. Henri Rousseau. Exh. cat., Galeries nationales du Grand Palais. New York, 1985, pp. 222-23, no. 54, ill. [French ed., 1984, pp. 226-27, no. 53, ill.], supports the 1909 date and notes that Rousseau could have painted it either from memory or from a postcard.

Henry Certigny. Le douanier Rousseau en son temps, catalogue raisonné: Supplément No. 3. Paris, 1991, p. 22 [see Ref. Adriani 2001].

Eva Müller. Henri Rousseau und die Künstler des Bateau-Lavoir. Bochum, Germany, 1993, pp. 107, 189 [see Ref. Adriani 2001].

Cornelia Stabenow. Henri Rousseau, 1844-1910. Cologne, [1994], pp. 41, 47, ill. [see Ref. Adriani 2001].

Katharine Baetjer. European Paintings in The Metropolitan Museum of Art by Artists Born Before 1865: A Summary Catalogue. New York, 1995, p. 488, ill.

Götz Adriani. Henri Rousseau: Der Zöllner - Grenzgänger zur Moderne. Exh. cat., Kunsthalle Tübingen. Cologne, 2001, pp. 236-37, no. 49, ill. (color) [English ed., "Henri Rousseau," trans. Scott Kleager and Jenny Marsh, New Haven], dates it 1908-9.

Nancy Ireson in Henri Rousseau: Jungles in Paris. Ed. Frances Morris and Christopher Green. Exh. cat., Tate Modern. London, 2005, pp. 128, 223, no. 35, ill. p. 133 (color), dates it 1908.

Susan Alyson Stein in Earth, Sea, and Sky: Nature in Western Art; Masterpieces from The Metropolitan Museum of Art. Exh. cat., Tokyo Metropolitan Art Museum. [Tokyo], 2012, pp. 148, 157, 248, no. 96, ill. (color and b&w) [Chinese ed., Hefei Shi, 2013, pp. 210-11, no. 96, ill. (color)], dates it about 1908-09.

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Henri Rousseau (le Douanier) | The Banks of the Bièvre near Bicêtre | The Metropolitan Museum of Art

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Adolphe Basler. "Henri Rousseau, le douanier." Les albums d'art Druet 24 (1927), unpaginated, ill. Christian Zervos. Rousseau. Paris, 1927, pp. II, 31, ill. Harry B. Wehle. "A Picture by Henri Rousseau." Metropolitan Museum of Art Bulletin 34 (March 1939), pp. 64-65, ill. "Rousseau-Primitive or Professional?" Art News 61 (1942), p.

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Virgen Entronizada
Autor : Anónimo
Fecha : ca. 1490 - 1500

Creada en el norte de Austria a lo largo del río Danubio, esta escultura se destaca por la profunda talla lírica de las cortinas. La pintura delicadamente aplicada en el rostro de la Virgen es original. El aspecto actual de gran parte de la superficie se debe a una restauración anterior que eliminó capas de pintura dejando al descubierto algunas áreas de yeso y bole, arcilla blanda rojiza utilizada como base para pan de oro. Pintado en azurita intensa, el revestimiento azul del manto de la Virgen, por otro lado, conserva en gran parte su aspecto original. Las manos de la Virgen, que habrían sostenido al niño Jesús, fueron talladas separadamente y se han perdido. Esta escultura se puede ver en el contexto del retablo monumental de Kefermarkt en la Alta Austria, que data de alrededor de 1490-1497.
Me gusto por su significado,  al ver la Escultura biene a mi  mente el valioso significado de ser  madre , cuidar lo que es nuestro y dar todo por nuestros seres queridos por igual la pintura tallada en su rostros y los colores rojizos que la hacen ser más realista.

Michel Itzayani Juárez Díaz

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Enthroned Virgin | Austrian | The Metropolitan Museum of Art

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Titulo: En el bosque                                    Autor: Asher Brown Durand                     Fecha: 1855                                                  Técnica: Óleo sobre lienzo 

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Titulo: En el bosque                                    Autor: Asher Brown Durand                     Fecha: 1855                                                  Técnica: Óleo sobre lienzo 

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Titulo: En el bosque
Autor: Asher Brown Durand
Fecha: 1855
Técnica: Óleo sobre lienzo

Esta pintura me llamo la atención porque me gustan los lugares tranquilos, con naturaleza y que me generen paz, y desde que la vi, me logro transmitir estos sentimientos.
Aparte nos demuestra que la vida y la muerte se encuentra presente en todas partes, pues se muestran arboles con vida y arboles que no.
Para mi es algo admirable, pues cada autor logra dar a entender, transmitir o reflejar algo en cada una de sus obras.

Katia Rivera Salado

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Artist: Asher Brown Durand (American, Jefferson, New Jersey 1796-1886 Maplewood, New Jersey)

Dimensions: 60 3/4 x 48 in. (154.3 x 121.9 cm)

Credit Line: Gift in memory of Jonathan Sturges by his children, 1895

Accession Number: 95.13.1

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Asher Brown Durand | In the Woods | American | The Metropolitan Museum of Art

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Artist: Asher Brown Durand (American, Jefferson, New Jersey 1796-1886 Maplewood, New Jersey) Dimensions: 60 3/4 x 48 in. (154.3 x 121.9 cm) Credit Line: Gift in memory of Jonathan Sturges by his children, 1895 Accession Number: 95.13.1

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Acuarela de Winslow Home sobre la colonia de las Bermudas

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Acuarela de Winslow Home sobre la colonia de las Bermudas

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Titulo: Flower Garden and Bungalow, Bermuda
Autor: Winslow Homer
Fecha: 1899
Técnica: Acuarela y Grafito sobre Papel avitelado blanquecino

En esta pintura se observa un jardín tropical y exótico, se centra en demostrar también la belleza de la arquitectura local. Un paisaje lleno de colores brillantes que resalta la naturaleza y el clima, se puede notar el agua con gas y el cielo soleado.

Adolfo Israel Martinez Cisneros

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Title: Flower Garden and Bungalow, Bermuda

Artist: Winslow Homer (American, Boston, Massachusetts 1836-1910 Prouts Neck, Maine)

Medium: Watercolor and graphite on off-white wove paper

Dimensions: 13 15/16 x 20 15/16 in. (35.4 x 53.2 cm)
Framed: 24 1/2 x 30 1/2 in. (62.2 x 77.5 cm)

Credit Line: Amelia B. Lazarus Fund, 1910

Accession Number: 10.228.10

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Winslow Homer | Flower Garden and Bungalow, Bermuda | American | The Metropolitan Museum of Art

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Title: Flower Garden and Bungalow, Bermuda Artist: Winslow Homer (American, Boston, Massachusetts 1836-1910 Prouts Neck, Maine) Medium: Watercolor and graphite on off-white wove paper Dimensions: 13 15/16 x 20 15/16 in. (35.4 x 53.2 cm)Framed: 24 1/2 x 30 1/2 in. (62.2 x 77.5 cm) Credit Line: Amelia B.

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título: Triada Amitabha
Autor: No identificado
Periodo: dinastía Goryeo (918-1392)
Cultura: Corea
Clasificación: Pintura

El buda Amitabha fue el foco de adoración en el budismo en la tierra pura que gozo gran popularidad en el periodo Goryeo. A los devotos se les prometió el paraíso occidental de amitabha.
Me llamo mucho la atención por que ver como desde tiempos antiguos esta religión ya se practicaba además se me hace muy interesante ver a buda y como representa bien cada símbolo del budismo

Dennisse Jireh Hernández Domínguez

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New York. Asia Society. "The Story of a Painting: The Korean Buddhist Treasure from the Burke Foundation," April 23, 1991-July 28, 1991.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "The Arts of Korea," June 7, 1998-January 24, 1999.

Asian Art Museum of San Francisco. "Goryeo Dynasty: Korea's Age of Enlightenment, 918-1392," October 18, 2003-January 11, 2004.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Arts of Korea," January 14, 2005-October 29, 2006.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Buddhist Paintings from the Koryō Dynasty (918-1392)," May 8-October 22, 2007.

Seoul. National Museum of Korea. "Masterpieces of Goryeo Dynasty," October 11, 2010-November 21, 2010.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Korea: 100 Years of Collecting at the Met," February 7, 2015-March 27, 2016.

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Unidentified artist | Amitabha triad | Korea | Goryeo dynasty (918-1392) | The Metropolitan Museum of Art

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New York. Asia Society. "The Story of a Painting: The Korean Buddhist Treasure from the Burke Foundation," April 23, 1991-July 28, 1991. New York. The Metropolitan Museum of Art. "The Arts of Korea," June 7, 1998-January 24, 1999. Asian Art Museum of San Francisco. "Goryeo Dynasty: Korea's Age of Enlightenment, 918-1392," October 18, 2003-January 11, 2004.

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Escultura: "Psique reanimada por el beso del amor"
Autor: Antonio Canova
Año: 1793
Tipo de escultura: Marmol

Esta historia se centra en el poder del amor verdadero. Psique supera todos los obstáculos en su camino. Cuando Cupido ve la belleza del alma de Psíque, inmediatamente quiere unirse con ella. El final feliz, con Venus, Psique y Cupido todo hace llegar a una solución positiva y nos ilustra que cuando el amor es puro, todos los dolores, tristezas y desafíos se alinean para garantizar que el amor se realice. El momento del despertar de Psique con el beso de Cupido nos lleva a nuestra escultura....

Esmeralda Ramirez Sanchez

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Woman in Green
Artista: Pablo Picasso
Año: 1901
Medio:
Tras celebrar la Nochevieja de 1901 en Barcelona, ​​Picasso se traslada a Madrid, donde tiene previsto permanecer al menos un año para trabajar en dos nuevas publicaciones: Arte joven y Notas d'arte . Mientras estuvo allí, creó más de una docena de imágenes que representan a mujeres vestidas de punta en blanco con confecciones baratas que anuncian al usuario como un actor teatral, sexual o ambos. Las pinturas relacionadas que se muestran en la primera exposición de Picasso en París, en la Galerie Vollard, como la Mujer de perfil (MMA 1999.363.58), también pueden haber sido realizadas en Madrid.
Me llamo la atención mas que nada la forma en que fue pintada, pude notar cierta delicadeza y cuidado al dibujar a una mujer de la alta sociedad y muy bien vestida cuya expresión es totalmente seria donde esta sentada y mirando fijamente a un lado como si supiera que esta siendo pintada.
Marisol Castelán Carrillo

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Pablo Picasso | Woman in Green | The Metropolitan Museum of Art

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Título: Conjunto
Diseñador: Halston (estadounidense, Des Moines, Iowa 1932–1990 San Francisco, California)
Fecha: 1974
Tecnica: Seda

En este conjunto de noche de Halston, una capa de doble capa funciona de la misma manera que el himation clásico. La capa está compuesta por varias capas y muchos metros de gasa de seda.
Con su alusión a los pliegues regulares de los vestidos antiguos, el plisado consume una cantidad especialmente grande de tela.
La capa de construcción simple se puede usar de varias maneras, pero siempre proporciona una cobertura decorosa para el vestido desnudo debajo.
Plisado, el vestido halter de color travertino con un escote pronunciado y una espalda completamente descubierta es esencialmente una columna griega estriada.

Yorceli Popoca Torres

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The Metropolitan Museum of Art. "Versailles 1973: American Fashion on the World Stage," September 9-November 28, 1993.

The Metropolitan Museum of Art. "Goddess: The Classical Mode," May 1-August 3, 2003.

MoMu - Fashion Museum Antwerp. "Goddess," May 6, 2004-August 22, 2004.

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Halston | Ensemble | American | The Metropolitan Museum of Art

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The Metropolitan Museum of Art. "Versailles 1973: American Fashion on the World Stage," September 9-November 28, 1993. The Metropolitan Museum of Art. "Goddess: The Classical Mode," May 1-August 3, 2003

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Fecha:10th- siglo XVI
Cultura: Tairona
Tecnica:
La figura representa una parte de un pequeño grupo llamado caciques ("jefes") debido a su apariencia extravagante e imponente. Los caciques miden entre una y seis pulgadas de altura y se encuentran entre las fundiciones de oro precolombinas más espectaculares y detalladas. Son huecos, habiendo sido vaciados por el método de la cera perdida en tumbaga para lograr un detalle notable. Los bucles en la espalda indican que se usaron como colgantes.

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Título: La lamentación
Artista: Scipione Pulzone (Il Gaetano) (Italiano, Gaeta, activo en 1569–murió en Roma en 1598)
Fecha: 1593
media: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 114 x 68 pulg. (289,6 x 172,7 cm)
Clasificación: Pinturas

Este retablo fue pintado para la capilla de la Pasión de Cristo en la iglesia del Gesù, en Roma, sede de la orden de los jesuitas. Su estilo estaba destinado a complementar el austero espacio interior de la iglesia. El lienzo de Pulzone se concibe no como una narración sino como una meditación sobre el Entierro de Cristo, en la línea de los Ejercicios Espirituales de Ignacio de Loyola . Detalles como las lágrimas de la Virgen, la corona de espinas que sostiene San Juan y la palidez del cuerpo de Cristo se presentan al espectador para su contemplación. La marca de realismo de Pulzone lo convirtió en un importante exponente del arte de la Contrarreforma.

MANI SANCHEZ YAHIR

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Autor: Pablo Picasso
Fecha: 1910
Técnica:  Óleo sobre lienzo
Ubicación:  Museo de Arte Moderno, Nueva York.

En esta pintura se puede apreciar claramente la imagen de una mujer alta, quien tiene una mandolina en las manos y se puede apreciar que esta haciendo una melodía con ella, por la posición en la que esta, con la cabeza inclinada y se nota en su rostro concentración.
Me llamo la atención por la manera en la que esta conformada, ya que se pueden apreciar varias texturas en ella y se logra apreciar con claridad la imagen que el autor quería transmitir y que con las mismas tonalidades se logra apreciar el contraste de cada una de las piezas que conforman la imagen y como forman a la mujer tocando un instrumentó.

Jessyca Ramirez Vazquez

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Artista: Diego Velázquez
Fecha: 1656
Dónde verlo: Museo del Prado (Madrid)

Madrid es la única ciudad en este resumen donde encontrarás dos de las 10 pinturas más famosas; la primera es "Guernica" en el número 5 y "Las Meninas", aquí en el número 9.

Ubicado en el popular (y vasto) Museo del Prado,"Las Meninas" no es solo la pintura más famosa de Diego Velázquez, sino también una de las más grandes. La complejidad del trabajo ha fascinado a los críticos de arte y al público durante siglos.

La pintura cumple una doble función como retrato. Sirve como un retrato grupal de la realeza española, pero también es un autorretrato del propio Velázquez en la obra (a la izquierda).

TIAGO PALACIOS MUÑOZ

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Título: Ventrílocuo y pregonero en el moro
Artista: Paul Klee (alemán (nacido en Suiza), Münchenbuchsee 1879–1940 Muralto-Locarno)
Fecha: 1923
Técnica: Acuarela y tinta de imprenta transferida sobre papel, bordeado con tinta, montado sobre cartón

En esta pintura se pueden percibir criaturas , bestias , miedos o incluso sentimientos que escondemos y que siempre vivirán dentro de uno mismo por mucho tiempo hasta que decidamos sacarlo todo . Los cuales pueden ser muy difíciles  de expresar o simplemente de deshacernos de ellos , y por alguna razón  nos aferramos tanto a todo aquello que sabemos que nos hace daño y no es bueno para nosotros  , o simplemente decidimos esconder y no exponer lo que llegamos a sentir por miedo. Y sin darnos cuenta todo se va acumulando poco a poco .

Esta obra me gusto mucho por la combinación de colores ,  figuras , trazos que realizo el artista para crear esta gran obra de arte , al igual que lo que busco transmitir con esta pintura hacia todas las personas .

Ana Maria Tecuateque Vasquez

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Title: Ventriloquist and Crier in the Moor

Artist: Paul Klee (German (born Switzerland), Münchenbuchsee 1879-1940 Muralto-Locarno)

Medium: Watercolor and transferred printing ink on paper, bordered with ink, mounted on cardboard

Dimensions: 16 1/2 × 11 5/8 in. (41.9 × 29.5 cm)

Classification: Drawings

Credit Line: The Berggruen Klee Collection, 1984

Accession Number: 1984.315.35

Rights and Reproduction: © 2023 Artists Rights Society (ARS), New York

Inscription: Signed (upper right): Klee; dated and inscribed on cardboard (lower center): 1923.103 Bauchredner und Rufer im Moor; (lower left): VIII

the artist (1923-d. 1940; on consignment in 1928 to the Galerie Neumann Nierendorf, Berlin; on consignment 1928-32 to the Galerie Neue Kunst Fides [Rudolf Probst]); his widow, Lily Klee, Bern (1940-46; sold in 1946 to Cooper); Douglas Cooper, London and Argilliers (1946-56; sold in November 1956 to Berggruen); Heinz Berggruen, Paris and Berlin (1956-84; his gift to MMA)

Munich. Hans Goltz. "Paul Klee: 2. Gesamtausstellung 1920/1925," May-June 1925, no. 84.

Kunsthalle Bern. "Ausstellung [Der grosse Bär, Paul Klee, Paul Eichenberger, Dora Lauterburg, G. Lüscher, Robert Schmitz]," November 8-29, 1925, no. 70 (as for sale, SFr 1250).

Prague. Kunstverein für Bohmen, Künstlerhaus Rudolfinum-Parlament. "Drei Ausstellungen: I. Jarsov Veris, Paris; Bilder und Zeichnungen; II. Paul Klee, München; 60 Aquarelle; III. Bernhard Reder, Rumänien; farbige Zeichnungen," February 27-March 14, 1926, no. 32.

Brussels. Galerie "L'Époque". "Paul Klee 40 Aquarelles," end March-April 1928, no. 7.

Dresden. Galerie Neue Kunst Fides. "Paul Klee zum 50. Geburtstage. Aquarelle aus den Jahren 1920-1929," February 1-beginning March 1930, no. 10.

Staatliches Museum Saarbrücken. "Paul Klee. Aquarelle aus 25 Jahren, 1905 bis 1930," March 23-April 22, 1930, no. 7.

Hannover. Kestnergesellschaft. "Paul Klee: Gemälde, Aquarelle, Graphik 1903 bis 1930," March 7-April 5, 1931, unnumbered cat. (as for sale).

National Gallery, London. "Paul Klee 1879-1940," December 22, 1945-February 17, 1946, no. 67 (as "Ventriloquist and Crier in the Bog," lent by Frau Professor Klee, Bern).

Norwich Castle Museum and Art Gallery. "Paul Klee 1879-1940," May 11-June 1, 1946, no. 23 (as "Ventriloquist and Crier in the Bog," lent by Mr. Douglas Cooper).

Sheffield. Graves Art Gallery. "Paul Klee 1879-1940," June 8-29, 1946, no. 23.

Stoke-on-Trent. Hanley Public Museum and Art Gallery. "Paul Klee 1879-1940," July 6-27, 1946, no. 23.

Aberdeen Art Gallery and Industrial Museum. "Paul Klee 1879-1940," August 3-24, 1946, no. 23.

Liverpool. Bluecoat Chambers. "Paul Klee 1879-1940," August 31-September 21, 1946, no. 23.

Manchester City Art Gallery. "Paul Klee 1879-1940," September 28-October 19, 1946, no. 23.

New York. Solomon R. Guggenheim Museum. "Paul Klee 1879-1940: A Retrospective Exhibition," February 17-April 30, 1967, no. 63 (as "The Ventriloquist and Caller on the Moor," lent by Heinz Berggruen, Paris).

Kunsthalle Basel. "Paul Klee 1879-1940. Gesamtausstellung," June 3-August 13, 1967, no. 69 (lent by Heinz Berggruen, Paris).

Turin. Galleria Civica d'Arte Moderna. "Le Muse Inquietanti: Maestri del Surrealismo," November 1967-January 1968, no. 96 (as "Il ventriloquo sullo stagno," lent by Heinz Berggruen, Paris).

Frankfurter Kunstverein. "Aus dem Traumbuch der Maler: Phantasie und Vision. Zeichnungen und Aquarelle," August 10-September 29, 1968, no. 42 (lent by a private collection).

Paris. Musée National d'Art Moderne. "Paul Klee," November 25, 1969-February 16, 1970, no. 63 (as "Ventriloque [crieur dans le Marais] (Bauchredner [Rufer im Moor])", lent by Heinz Berggruen, Paris).

Paris. Berggruen et Cie. "Paul Klee. Les années 20," May-July 1971, no. 24 (as "Bauchredner und Rufer im Moor [Ventriloque criant dans le Marais]").

Cologne. Kunsthalle. "Paul Klee. Das Werk der Jahre 1919-1933. Gemälde, Handzeichnungen, Druckgraphik," April 11-June 4, 1979, no. 101 (as "Bauchredner [Rufer im Moor]," lent by a private collection, Zurich).

Museum of Modern Art, New York. "'Primitivism' in 20th Century Art: Affinity of the Tribal and the Modern," September 19, 1984-January 15, 1985, unnumbered cat. (p. 494; as "Ventriloquist [Caller in the Moor]," lent by Heinz Berggruen, Geneva).

Detroit Institute of Arts. "'Primitivism' in 20th Century Art: Affinity of the Tribal and the Modern," February 27-May 19, 1985, unnumbered cat.

Dallas Museum of Art. "'Primitivism' in 20th Century Art: Affinity of the Tribal and the Modern," July 23-September 1, 1985, unnumbered cat.

Museum of Modern Art, New York. "Paul Klee," February 12-May 5, 1987, unnumbered cat. (p. 186; as "Ventriloquist: Caller in the Moor").

Cleveland Museum of Art. "Paul Klee," June 24-August 16, 1987, unnumbered cat.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Paul Klee: The Berggruen Klee Collection in The Metropolitan Museum of Art," May 6-July 31, 1988, unnumbered cat. (p. 179).

Kunsthalle Tübingen. "Paul Klee: Die Sammlung Berggruen im Metropolitan Museum of Art, New York und im Musée National d'Art Moderne, Paris," January 22-April 16, 1989, unnumbered cat. (p. 183).

London. Tate Gallery. "Paul Klee: The Berggruen Collection in The Metropolitan Museum of Art, New York and the Musée National d'Art Moderne, Paris," May 17-August 13, 1989, unnumbered cat. (p. 183).

Mexico City. Centro Cultural Arte Contemporáneo. "Paul Klee: Selección de sesenta obras. The Berggruen Klee Collection. The Metropolitan Museum of Art," October 1989-January 1990, no. 40.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Paul Klee: Of Men and Women," opened March 27, 1990, no catalogue.

Los Angeles County Museum of Art. "Parallel Visions: Modern Artists and Outsider Art," October 18, 1992-January 3, 1993, unnumbered cat. (fig. 59; as "Bauchredner und Rufer im Moor [Ventriloquist: Caller in the Moor]").

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Paul Klee's 'Transferred' Drawings," February 19-October 1993, no catalogue.

Haus der Kunst München. "Elan vital oder Das Auge des Eros," May 20-August 14, 1994, no. 333.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Klee in New York," July 26-December 1, 1996, no catalogue.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Paul Klee at the Bauhaus," April 18-August 17, 1997, no catalogue.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Paul Klee: Figures and Faces," August 23-November 16, 1997, no catalogue.

Staatliche Museen zu Berlin. Sammlung Berggruen. "Klee aus New York: Hauptwerke der Sammlung Berggruen im Metropolitan Museum of Art," June 4-October 18, 1998, no. 25.

Cologne. Museum Ludwig. "Kunstwelten im Dialog: von Gauguin zur globalen Gegenwart," November 5, 1999-March 19, 2000, no. 217.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Klee Figures," October 5, 2001-March 10, 2002, no catalogue.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Klee's Best," May 24-September 22, 2002, no catalogue.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Klee Creatures," December 12, 2003-March 14, 2004, no catalogue.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Klee: His Years at the Bauhaus (1921-1931)," November 19, 2004-April 3, 2005, no catalogue.

Berlin. Neue Nationalgalerie. "Das Universum Klee / The Klee Universe," October 31, 2008-February 8, 2009, unnumbered cat. (p. 179; as "Bauchredner und Rufer im Moor [Ventriloquist and Caller in the Marsh]").

New York. The Metropolitan Museum of Art [The Met Breuer]. "Humor and Fantasy: The Berggruen Paul Klee Collection," September 1, 2016-January 2, 2017, no catalogue.

Carl Einstein. Die Kunst des 20. Jahrhunderts. 3rd ed. (1st ed, 1926). Berlin, 1931, pp. 215, 646, ill. p. 538, lists it in the collection of the artist.

Der Querschnitt 11 (end October 1931), ill. between pp. 714 and 715.

"Paul Klee." Cahiers d'art 20-21 (1945-46), ill. p. 40, as "Ventriloque perdu dans le marécage," in the collection of Douglas Cooper, London.

Nancy Wilson Ross in 5 Essays on KIee. New York, 1950, pp. 104-5, calls it "Ventriloquist and Caller in the Marshes".

Will Grohmann. Paul Klee. New York, [1954], p. 414, no. 189, ill. p. 193 (color), as "Ventriloquist (Caller in the Moor)" in the collection of Douglas Cooper, Argilliers, France.

Fritz Baumgart. Geschichte der Abenländischen Malerei von den Anfängen bis zur Gegenwart. Stuttgart, 1954, p. 248, colorpl. 31, calls it "Bauchredner (Rufer im Moor)" and locates it in the collection of Douglas Cooper, Argilliers.

Will Grohmann. Paul Klee. New York, 1956, pp. 8-9, ill. (color), calls it "Ventriloquist," in the collection of Douglas Cooper, Argilliers.

Gualtieri di San Lazzaro. Klee: A Study of His Life and Work. New York, 1957, pp. 177, 290, no. 46, ill. p. 265, as "Bauchredner (Rufer im Moor). Ventriloquist-Man Shouting in a Bog," still in the Douglas Cooper collection.

Giuseppe Marchiori. La pittura straniera nelle collezioni italiane. Turin, 1960, unpaginated, calls it "Ventriloquo".

Felix Klee. Paul Klee: 12 aquarelles. Paris, 1964, unpaginated, colorpl. 11, calls it "Ventriloque criant dans le marais (Bauchredner und Rufer im Moor)".

Miroslav Lamač. Paul Klee. Prague, 1965, pl. IX.

Christina Kröll. "Die Bildtitel Paul Klees: Eine Studie zur Beziehung von Bild und Sprache in der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts." PhD diss., Rheinischen Friedrich-Wilhelms-Universität, Bonn, 1968, pp. 104-6, 176, fig. 31.

Jean-Louis Ferrier. Paul Klee: Les années 20. Paris, 1971, ill. p. 98 and n. p. (color and bw).

Yusuke Nakahara. Paul Klee. Tokyo, 1971, p. 117, ill. and colorpl. 17, as "Bauchredner: Rufer im Moor" in a private collection, Paris.

Margaret R. Polson. "Paul Klee: A Study in Visual Language." PhD diss., University of North Carolina, 1974, p. 157 n. 15.

James Smith Pierce. Paul Klee and Primitive Art. PhD diss., Institute of Fine Arts, New York University. New York, 1976, p. 68, comments that the German word for ventriloquist "Bauchredner" means belly ("Bauch") and speaker ("Redner"), and in this picture the ventriloquist's belly "is filled with images of the animals he imitates".

Eva-Maria Triska in Paul Klee. Das Werk der Jahre 1919-1933: Gemälde, Handzeichnungen, Druckgraphik. Exh. cat., Kunsthalle Köln. Cologne, 1979, p. 72.

Andrew Kagan. Paul Klee/ Art & Music. Ithaca, 1983, pp. 113-16, fig. 54, calls it "Ventriloquist and Caller in the Moor," in a private collection, Switzerland; relates the comical figure in this work to the "Hanswurst," German street clowns admired by Mozart; describes the harmonious color combination of lavender, green and brown as reminiscent of "the lighter flavor of Mozart's sensibility".

Mark Rosenthal. "Picasso's 'Night Fishing at Antibes': A Meditation on Death." Art Bulletin 65 (December 1983), p. 657 n. 55, calls it "Ventriloquist (Caller on the Moor)".

Jürgen Glaesemer. Paul Klee. Handzeichnungen. Vol. 2, 1921-1936. Bern, 1984, p. 19 n. 24, ill. p. 15, calls it "Bauchredner (Rufer im Moor)" in an unknown location.

Jean Laude in "Primitivism" in 20th Century Art: Affinity of the Tribal and the Modern. Ed. William Rubin. Exh. cat., Museum of Modern Art, New York. New York, 1984, vol. 2, pp. 493-94, ill. (color), remarks that the transparent animal forms in the ventriloquist's body are similar to the "X-ray compositions" found in aboriginal tree-bark paintings in Northern Australia, as well as in works of the Canadian Tlingit Indians and of Oceanic art; calls the similar technique an example of "an analogy of purpose," used in indigenous art to represent anatomical reality but for Klee depicts "a personal imagery or obsession".

Dorothy M. Kosinski. Douglas Cooper and the Masters of Cubism. Exh. cat., Kunstmuseum Basel. Basel, 1987, p. 48 n. 41, calls it "Ventriloquist and Crier in the Bog".

Ann Temkin in Paul Klee. Ed. Carolyn Lanchner. Exh. cat., Museum of Modern Art, New York. New York, 1987, p. 30.

Sabine Rewald. Paul Klee: The Berggruen Klee Collection in The Metropolitan Museum of Art. Exh. cat., The Metropolitan Museum of Art. New York, 1988, pp. 178-79, 282, 318, ill. (color and bw), notes that it was copied from a pencil drawing of 1921 (Kunstmuseum Bern; Helfenstein and Rümelin no. 2781).

Philippe Comte. Klee. [Paris], 1989, p. 116, colorpl. 161, calls it "Le Ventriloque (Crier dans le marais) [Der Bauchredner Rufer im Moor]".

Marcel Franciscono. Paul Klee. His Work and Thought. Chicago, 1991, p. 193, fig. 105, as "Ventriloquist and Caller in the Moors".

Reinhold Heller in Maurice Tuchman and Carol S. Eliel. Parallel Visions: Modern Artists and Outsider Art. Exh. cat., Los Angeles County Museum of Art. Los Angeles, 1992, pp. 86, 315, fig. 59 (color).

Barbara Burn, ed. Masterpieces of the Metropolitan Museum of Art. New York, 1993, p. 299, ill. (color), dates it 1925.

Barbara Burn, ed. The Metropolitan Museum of Art Guide. 2nd rev. ed. (1st ed., 1983). New York, 1994, p. 461, no. 52, ill. (color).

Peter-Klaus Schuster in Klee aus New York: Hauptwerke der Sammlung Berggruen im Metropolitan Museum of Art. Exh. cat., Sammlung Berggruen. Berlin, 1998, p. 18, fig. 11, ill. front cover (color), asserts that this picture reveals Klee's interest in the art of children and the mentally ill; cites a similar drawing by a mental patient illustrated in a 1922 book by psychologist Hans Prinzhorn with which Klee would have been familiar; also suggests that it demonstrates Klee's interest in the invention of the X-ray.

Marta Schneider Brody. "Paul Klee: A Painter and His Objects." PhD diss., San Francisco School of Psychology, 1998, p. 114, ill.

Josef Helfenstein and Christian Rümelin, ed. Paul Klee: Catalogue Raisonné. Ed. Paul Klee Foundation, Museum of Fine Arts, Berne. Vol. 3, 1919-1922. New York, 1999, p. 347, under no. 2781.

Marc Scheps in Kunstwelten im Dialog: von Gauguin zur globalen Gegenwart. Ed. Marc Scheps, Yilmaz Dziewior, and Barbara M. Thiemann. Exh. cat., Museum Ludwig. Cologne, 1999, pp. 86, 532, no. 217, colorpl. 130.

Josef Helfenstein and Christian Rümelin, ed. Paul Klee: Catalogue Raisonné. Ed. Paul Klee Foundation, Museum of Fine Arts, Berne. Vol. 4, 1923-1926. New York, 2000, pp. 76, 95, no. 3197, ill. (color and bw), as "Bauchredner und Rufer im Moor (Ventriloquist and Caller in the Marsh)".

Christina Thomson in The Klee Universe. Ed. Dieter Scholz and Christina Thomson. Exh. cat., Neue Nationalgalerie, Berlin. Ostfildern, 2008, pp. 164, 356, ill. p. 179 (color).

Peter-Klaus Schuster in The Klee Universe. Ed. Dieter Scholz and Christina Thomson. Exh. cat., Neue Nationalgalerie, Berlin. Ostfildern, 2008, p. 20, fig. 10 (color).

Sebastian Zeidler. "Form and Revolt: Carl Einstein's Philosophy of the Real and the Work of Paul Klee." RES: Anthropology and Aesthetics no. 57/58 (Spring/Autumn 2010), p. 252 n. 59, pp. 261-62, fig. 11, calls it "Ventriloquist and Caller in the Marsh (Bauchredner und Rufer im Moor)".

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Paul Klee | Ventriloquist and Crier in the Moor | The Metropolitan Museum of Art

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Title: Ventriloquist and Crier in the Moor Artist: Paul Klee (German (born Switzerland), Münchenbuchsee 1879-1940 Muralto-Locarno) Medium: Watercolor and transferred printing ink on paper, bordered with ink, mounted on cardboard Dimensions: 16 1/2 × 11 5/8 in.

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ARTISTA: Rufino Tamayo
FECHA:1939

En esta obra se puede observar un retrato que representa a mujeres de la cultura zapoteca, Este trabajo en particular muestra su habilidad para capturar la identidad cultural a través de poderosas imágenes de personas comunes. Tamayo captura la fuerza y ​​el orgullo de estas mujeres mientras se paran con dignidad ante él.
ANETTE VAERIA ZONOTL AGUILAR

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Titulo: Amuleto

Año: ca. 1840–70
Geografía: Hecho en Alaska, Estados Unidos

Cultura: Tlingit, nativo americano

Los chamanes emplean técnicas como el ayuno y la danza para entrar en estados alterados de conciencia, en los que tienen visiones que los guían en la curación o el asesoramiento a la comunidad. Usan colgantes protectores o espiritualmente cargados, como este ejemplo, y algunas veces se los dan a los pacientes como poderosas medicinas.
Palacios Olvera Analee

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Artista: Anselm Kiefer (alemán, nacido en Donaueschingen, 1945)

Fecha: 1974–75

media: acuarela, gouache y bolígrafo sobre papel

En esta pintura se puede observar la espada, la espada a la que se hace referencia en el título es Nothung ("necesaria"), el arma clavada en un gran fresno por Wotan, jefe de los dioses.
Me llamo mucho la atención esta pintura espada que se puede ver en lo mas alto, talvez para algunos algo inalcanzable y para otros como una nueva meta que lograr, me encanto los colores que se llegan a percibir en la pintura.

Maria Guadalupe Ramirez Saldivar

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Inscription: Inscribed (upper center, in ballpoint pen): Ein Schwert verhieß mir der Vater

private collection (until 1983; sold in 1983 to d'Offay); [Anthony d'Offay Gallery, London (1983-95; sold to MMA]

Kunstverein Freiburg. "Anselm Kiefer: Aquarelle 1970-1980," September 18-October 18, 1981, unnumbered cat. (as "Ein Schwert verhiess mir der Vater").

Städtische Kunsthalle Düsseldorf. "Anselm Kiefer," March 24-May 5, 1984, no. 102 (as "A sword did my father promise me").

ARC/Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. "Anselm Kiefer," May 11-June 21, 1984, no. 102.

Israel Museum, Jerusalem. "Anselm Kiefer," July 31-September 30, 1984, no. 102.

Art Institute of Chicago. "Anselm Kiefer," December 5, 1987-January 31, 1988, unnumbered cat. (colorpl. 34; as "My Father Promised Me a Sword," lent by a private collection).

Philadelphia Museum of Art. "Anselm Kiefer," March 6-May 1, 1988, unnumbered cat.

Museum of Contemporary Art, Los Angeles. "Anselm Kiefer," June 14-September 11, 1988, unnumbered cat.

Museum of Modern Art, New York. "Anselm Kiefer," October 17, 1988-January 3, 1989, unnumbered cat.

Sezon Museum of Modern Art. "Anselm Kiefer-Melancholia," June 3-July 19, 1993, no. W-11 (as "Ein Schwert verhieß mir der Vater").

National Museum of Modern Art, Kyoto. "Anselm Kiefer-Melancholia," August 3-September 5, 1993, no. W-11.

Hiroshima City Museum of Contemporary Art. "Anselm Kiefer-Melancholia," September 18-October 24, 1993, no. W-11.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Anselm Kiefer: Works on Paper in The Metropolitan Museum of Art," December 15, 1998-March 21, 1999, no. 18.

New York. Arnold and Marie Schwartz Gallery at the Metropolitan Opera. "From the Met to the Met: Anselm Kiefer and Wagner's Ring," February 17-May 9, 2009, unnum. brochure.

London. Royal Academy of Arts. "Anselm Kiefer," September 27-December 14, 2014, no. 22.

New York. The Metropolitan Museum of Art [The Met Breuer]. "Provocations: Anselm Kiefer at The Met Breuer," December 13, 2017-April 8, 2018, no catalogue.

R. H. Fuchs. Anselm Kiefer. Exh. cat., Stedelijk van Abbemuseum, Eindhoven. Eindhoven, 1979, unpaginated, ill. (color), calls it "Ein Schwert verhiess mir der Vater" and dates it 1974.

R. H. Fuchs. Anselm Kiefer: Aquarelle 1970-1980. Exh. cat., Kunstverein Freiburg. Freiburg, 1981, unpaginated.

Jürgen Harten in Anselm Kiefer. Exh. cat., Städtische Kunsthalle Düsseldorf. Dusseldorf, 1984, pp. 38, 175, no. 102, fig. 16.

Mark Rosenthal. Anselm Kiefer. Exh. cat., Art Institute of Chicago. Chicago and Philadelphia, 1987, colorpl. 34.

Mark Rosenthal, Akira Moriguchi, Sawako Ogiwara, Etsuko Sugiyama, Junsi Magara, and Takashi Suzuki in Anselm Kiefer: Melancholia. Exh. cat.Tokyo, 1993, p. 123.

Nan Rosenthal in "Recent Acquisitions. A Selection: 1994-1995." Metropolitan Museum of Art Bulletin 53 (Fall 1995), p. 68.

Nan Rosenthal. Anselm Kiefer: Works on Paper in The Metropolitan Museum of Art. Exh. cat., The Metropolitan Museum of Art. New York, 1998, p. 48, no. 18, ill. p. 49 (color).

Christian Weikop in Anselm Kiefer. Exh. cat., Royal Academy of Arts. London, 2014, pp. 45-46, 225, no. 22, ill. p. 95 (color).

Daniel Arasse. Anselm Kiefer. 2nd ed. [1st ed., 2010]. London, 2014, ill. p. 141 (color).

Doïna Lemny in Anselm Kiefer. Ed. Jean-Michel Bouhours. Exh. cat., Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, Galerie I. Paris, 2015, p. 144, ill. (color).

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Anselm Kiefer | My Father Pledged Me a Sword | The Metropolitan Museum of Art

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Inscription: Inscribed (upper center, in ballpoint pen): Ein Schwert verhieß mir der Vater private collection (until 1983; sold in 1983 to d'Offay); [Anthony d'Offay Gallery, London (1983-95; sold to MMA] Kunstverein Freiburg. "Anselm Kiefer: Aquarelle 1970-1980," September 18-October 18, 1981, unnumbered cat. (as "Ein Schwert verhiess mir der Vater").

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Saturno devorando a su hijo
Autor: Francisco de Goya
Fecha de creación: 1819–1823

Lo intente e impactante de esta obra es la historia que hay detras de ella pues Saturno queriendo saber la estabilidad de su Reino, tuvo por respuesta de un Oráculo, que le despojaría de él un hijo suyo. Con este temor dio orden de que se criasen las hijas, que tuviese en su mujer Rea, o Cibeles, y los varones que parian se los comía el mismo y en la pintura se representa con exactitud lo que Saturno le hacía a sus hijos

Urrutia Casillas Samantha Yurico

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Titulo: Nurse Reading to a Little Girl

Artista: Mary Cassatt

Fecha: 1900

Periodo: Impresionismo

Material: Oleo sobre lienzo

Ubicación actual: Museo Metropolitano de Arte

La joven madre cosiendo, también conocida como niña apoyada en la rodilla de su madre, da una sensación de tranquilidad. La paleta de colores utilizadas combinan muy bien entre si, dando un toque primaveral y sutil a la pintura. Expresando cariño y amor entre una madre e hija.

Metzli Andrea Barrera Esteva

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El jardín de las Tullerías en una mañana de primavera 

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El jardín de las Tullerías en una mañana de primavera 

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El jardín de las Tullerías en una mañana de primavera

Título: El jardín de las Tullerías en una mañana de primavera

Artista: Camille Pissarro (Francés, Charlotte Amalie, Saint Thomas 1830-1903 París)

Fecha: 1899

Este cuadro, como las dos vistas invernales del Jardín de las Tullerías de Pissarro en la colección del Museo (66.36 y 1979.414), pertenece a una serie que pintó desde su apartamento de la rue de Rivoli en 1899. Aquí ha llegado la primavera: debajo los árboles en flor y el cielo azul suave, se puede ver a una mujer en el centro inferior, empujando a un bebé vestido de colores brillantes en un carruaje. Habiendo vendido varias de las escenas a su marchante Durand-Ruel, ese mismo año Pissarro alquiló el mismo apartamento y ejecutó otras catorce obras.

Esta obra me gustó por los colores cálidos qué usa y porque me parece muy atractivo la simplicidad de la pintura, pues no necesita sobre cargar de colores u objetos para llamar la atención
Evelyn Ramírez Mendoza

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Artista: El Bosco

Ubicación: Museo Nacional del Prado

Período: Renacimiento nórdico

Fecha de creación: 1503-1515

Género: Arte cristiano

Materiales: Pintura al óleo, Encinos

Tamaño: 2.2 m x 3.89 m

Es una de las obras en la cual representa una recopilación de un mundo fantástico oculto en los textos de la época. Flores y frutas representando felicidad y placer, un desenfreno que desemboca en locura y, al final, en el infierno
El cuadro se divide en tres escenas, las tablas laterales se convierten en dos puertas que cerradas muestran la creación del mundo, con el Creador en la parte superior y la cita bíblica

Karen Melo Romero

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Mural

Autor: Lucien Lévy-Dhurmer

Fecha: 1910–14

Técnica: Óleo sobre lienzo

Lo interesante de esta pintura de Lucien  Lévy-Dhurmer es que podemos observar que el mural, aparte de contar con colores que recuerdan al otoño, esta pintada en estilo puntillista, además de que si miramos detalladamente la pintura se encuentran garzas y pavos reales de pie en paisajes cargados de glicinias.

Mayte Nava Sanchez

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Pascal Forthuny. "L'Art Décoratif Moderne: Une salle à manger du peintre Lévy-Dhurmer." La Renaissance de l'art français et des industries de luxe 2 (July 1919), pp. 290-94, ill.

Penelope Hunter in "Western European Arts." The Metropolitan Museum of Art: Notable Acquisitions, 1965-1975. New York, 1975, p. 256, ill.

Carol Vogel. "Inside Art: An Art Nouveau Room Thick With Wisteria." New York Times (November 23, 2007), p. E38.

The Metropolitan Museum of Art Guide. New York, 2012, p. 408, ill. (color).

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Lucien Lévy-Dhurmer | Mural | The Metropolitan Museum of Art

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Auguste Rateau, Paris (commissioned 1910-14 for his apartment, 10 bis Avenue Élysées Reclus; d. 1930); René de Montaigu, Paris (1950-66; purchased in 1950 with the lease for Rateau's apartment; sold to MMA)

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Obra: Girl with dog
Autor: Saint James Factory (British)
Fecha: 1750-55
Técnica: Porcelana de pasta blanda

Significado: En esta obra podemos observar la relación que el humano (en este caso una dama) tiene con un cachorro, dando a entender que esta escultura refleja la compañía y la paz que ambos sienten al estar juntos, denotando la confianza que existe en la relación.

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Maker: Saint James's Factory (British, ca. 1748/49-1760)

Culture: British, London

Medium: Soft-paste porcelain

Dimensions: 2 1/2 × 1 3/4 in. (6.4 × 4.4 cm)

Classification: Ceramics-Porcelain

Credit Line: Gift of Irwin Untermyer, 1964

Accession Number: 64.101.616a, b

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Saint James's Factory | Girl with dog | British, London | The Metropolitan Museum of Art

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Maker: Saint James's Factory (British, ca. 1748/49-1760) Culture: British, London Medium: Soft-paste porcelain Dimensions: 2 1/2 × 1 3/4 in. (6.4 × 4.4 cm) Classification: Ceramics-Porcelain Credit Line: Gift of Irwin Untermyer, 1964 Accession Number: 64.101.616a, b

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Título: Sra Robert Shurlock (Henrietta Ann Jane Russe, 1775-1849) y su hija Ann
Artista: John Russel (británico)
Fecha: 1801
Técnica: Pastel sobre papel, establecido sobre lienzo

En esta obra de arte se ve una joven que es madre con un elegante vestido blanco y un como pañuelo en la cabeza, en los brazos lleva a su hija vestida de igual manera elegante en dónde se aprecia su época de madre en dónde también hay un matrimonio de por medio, me llama mucho la atención el hecho de que el arte puede transmitir sentimientos y emociones

Fernández De La Rosa Karla Michell

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Artista: Anselm Kiefer (alemán, nacido en Donaueschingen, 1945)

Fecha: 1974

Técnica: Acuarela y gouache sobre papel.

Dimensiones: 15 3/4 x 11 3/4 pulg. (40 x 29,8 cm)

Tal como está escrito, Kiefer finge que la rosa que se muestra aquí en delicada acuarela fue un regalo para su entonces esposa, Julia, de Oscar Wilde ("von Oskar Wilde / für Julia"). Kiefer vincula así su romántico tema floral con los ingeniosos y agridulces cuentos de hadas del gran escritor, en particular "El ruiseñor y la rosa" (1888). En la historia de Wilde, el pájaro cantor se empala en la espina de un rosal para que su canto y su sangre inunden la planta y den a luz una flor roja. La rosa producida por el sacrificio del ruiseñor es luego arrancada por un estudiante de filosofía irresponsable para dársela a su amor no correspondido. A su vez, ella rechaza su oferta y elige en su lugar las joyas ofrecidas por otro pretendiente, y el erudito vuelve al único tipo de conocimiento que comprende: la filosofía.

La pintura me llamó la atención ya que me impacto después de verla y me impacto que la técnica de acuarela en ocasiones suelen solo parecer manchas, entonces me sorprende que esas "manchas" al final formen algo, además de que los colores me llamaron mucha atención y la pintura me pareció muy linda.

Angela Cristina Hernández Méndez

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London. Anthony d'Offay Gallery. "Anselm Kiefer: Watercolours, 1970-1982," May 24-July 9, 1983, no. 8 (as "Von Oskar Wilde für Julia [From Oscar Wilde for Julia]").

Städtische Kunsthalle Düsseldorf. "Anselm Kiefer," March 24-May 5, 1984, no. 86 (as "From Oscar Wilde for Julia").

ARC/Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. "Anselm Kiefer," May 11-June 21, 1984, no. 86.

Israel Museum, Jerusalem. "Anselm Kiefer," July 31-September 30, 1984, no. 86.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Recent Acquisitions: 1993-1995," July 28-September 24, 1995, no catalogue (promised gift of Cynthia Hazen Polsky).

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Anselm Kiefer: Works on Paper in The Metropolitan Museum of Art," December 15, 1998-March 21, 1999, no. 10.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Broken Flowers and Grass: Nature and Landscape in the Drawings of Anselm Kiefer," March 24-August 2, 2009, no catalogue.

London. Royal Academy of Arts. "Anselm Kiefer," September 27-December 14, 2014, no. 17.

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Anselm Kiefer | From Oscar Wilde | The Metropolitan Museum of Art

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London. Anthony d'Offay Gallery. "Anselm Kiefer: Watercolours, 1970-1982," May 24-July 9, 1983, no. 8 (as "Von Oskar Wilde für Julia [From Oscar Wilde for Julia]"). Städtische Kunsthalle Düsseldorf. "Anselm Kiefer," March 24-May 5, 1984, no. 86 (as "From Oscar Wilde for Julia"). ARC/Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris.

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Autor: Charles Sheeler
Fecha: 1955
Técnica: Óleo sobre lienzo.

Es una pintura que retrata una serie de fotografías tomadas por el mismo autor.
Me parece que capta perfectamente en el óleo las formas y similitudes características del Golden Gate para ser vistas de todos ángulos, de distintas posturas, perdiendo te cada vez  que la miras, adentrandote en la pintura como si estuvieras en otra realidad.

Zarate García Evelyn Jaret

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ZAPATOS DE NOCHE
Diseñador: Roger Vivier
Fecha: 1961
Técnica: Seda, metal, cuero, hilo metálico, plástico, vidrio.

El diseñador de estos zapatos se caracterizaba por sus extravagantes diseños ya que estos no eran como los zapatos que comúnmente se hacían, estos no solo eran elegantes si no que también les daba una visión artística.
Me llamo la atención su hermoso color turquesa ya que este es un color que siempre me a gustado, las piedras que lo adornan hacen que resalte mucho mas, la posición en la que esta su tacón, el diseñador demostraba como un par de zapatos no solo tenían que ser cómodos si no que también le daba un toque de fantasía con cada diferente detalle que le ponía a estos.
Jhoanny Silva Apango

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Musée de la Mode et du Textile. "Les Souliers De Roger Vivier," December 9, 1987-April 3, 1988.

Musee de la Chaussure. "Retrospective Roger Vivier," October 9, 1992-January 15, 1993.

The Metropolitan Museum of Art. "Orientalism: Visions of the East in Western Dress," December 8, 1994-March 19, 1995.

New York. The Metropolitan Museum of Art. "Extreme Beauty: The Body Transformed," December 6, 2001-March 17, 2002.

The Bata Shoe Museum. "Icons of Elegance," September 22, 2005-December 22, 2005.

The Bata Shoe Museum. "Roger Vivier: The Fabergé of Footwear," May 10, 2012-April 28, 2013.

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House of Dior | Evening shoes | French | The Metropolitan Museum of Art

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Musée de la Mode et du Textile. "Les Souliers De Roger Vivier," December 9, 1987-April 3, 1988. Musee de la Chaussure. "Retrospective Roger Vivier," October 9, 1992-January 15, 1993. The Metropolitan Museum of Art. "Orientalism: Visions of the East in Western Dress," December 8, 1994-March 19, 1995. New York.

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Título: Daga con vaina

Fecha: 1605–27

Cultura: india, mogol

Medio: acero, hierro, oro, rubíes, esmeraldas, vidrio, madera, textil

Dimensiones: L. 14 5/8 pulg. (37,1 cm); L. sin vaina 13 15/16 pulg. (35,4 cm); L. de agarre 4 13/16 pulg. (12,2 cm); L. de hoja 9 1/8 pulg. (23,2 cm); W. de agarre 1 3/4 pulg. (4,4 cm); L. de vaina 10 1/2 pulg. (26,7 cm)

Clasificación: Dagas

Línea de crédito: Compra, Fondo Harris Brisbane Dick y Donación de la Fundación Vincent Astor, 1984

Número de acceso: 1984.332

La empuñadura de la daga está construida con pesadas secciones de oro sobre un núcleo de hierro y las monturas de la vaina son de oro macizo. Todas las superficies intrincadamente grabadas están engastadas con gemas y vidrios de colores finamente cortados con formas florales. Los diseños son muy parecidos a los de la pintura mogol de principios del siglo XVII, lo que sugiere que la daga data del reinado del emperador Jahangir (1605-1627), cuyo profundo amor por la naturaleza, especialmente las flores, está bien documentado en sus memorias, el "Tuzuk. " La hoja está forjada en acero al agua.

Juan Carlos Fuentes Aparicio

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Autor: Claude Monet
Año: 1869
Técnica: oleó sobre lienzo
Pienso que es un pintura muy bonita, y nos demuestra la competitividad

Joselin Andrea Adauta Cerón

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Parejas de figuras de papel maché con forma de perro (inuhariko) se produjeron a partir del período Heian como amuletos protectores. A principios del período Edo, formaban parte del conjunto tradicional de bodas, utilizado para garantizar un parto seguro y también para proteger la salud del niño. Inicialmente, se presentaron parejas de inuhariko, hombres y mujeres, en la ceremonia de compromiso; más tarde, también tuvieron un papel importante en el proceso de la boda: se llevaban en el palanquín de la boda como amuletos de buena suerte. Inuhariko también se puede encontrar en forma de gato.
Me gustan mucho los gatos y por esa razón me llamo mucho la atención la obra y más en significado que tiene

Título: Uno de un par de cajas de incienso en forma de dijes de perro

Período: período Edo (1615-1868)

Fecha: ca. 1840

Cultura: Japón

Media: Porcelana con esmaltes overglaze (hornos Minpei)

Dimensiones: H. 1 3/4 pulg. (4,4 cm); L. 2 1/2 pulg. (6,4 cm)

Clasificación: Cerámica

Línea de Crédito: Regalo de la Sra. V. Everit Macy, 1923

Número de acceso: 23.225.6a, b

Castro Robles Senén Corintia

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Autor: Claude Monet
Año: 1869
Técnica: oleó sobre lienzo
Pienso que es una pintura muy bonita que demuestra la competitividad

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Armadura de infante luis(príncipe de Asturias) 

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Armadura de infante luis(príncipe de Asturias) 

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Título: Armadura del Infante Luis, Príncipe de Asturias (1707–1724)

Armero: la firma probablemente se refiere a Jean Drouart (francés, París, murió antes de octubre de 1715)

Fecha: de 1712

Geografía: París

Cultura: Francés, París

Media: acero, oro, latón, seda, algodón, hilo metálico, papel

Dimensiones: H. 28 pulg. (71,1 cm)

Clasificación: Armadura para Niño

Línea de Crédito: Compra, Armand Hammer, Obsequio de Occidental Petroleum Corporation, 1989

Número de acceso: 1989.3"
Me gustó por que la armadura sigue conservando sus lustrosas superficies azules y doradas y casi todo el forro de seda roja original. Las cabezas de remaches dorados son de diseño heráldico: el león de León, el castillo de Castilla y la flor de lis de Francia, que representan los reclamos dinásticos de los que Luis era heredero.

Estrella Enriquez Guzmán

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Armadura ( Gusoku )
Autor: Myōchin Munesuke
Fecha: Siglos XVI y XVIII

En esta armadura veo que se utilizaron varias caracteristicas de las armaduras de los samurai, sin embargo, en esta en especifico se pueden observar otros detalles llamativos como lo son los toques dorados, el dragon arriba de su casco donde sobresalen unas alas grandes entre otros.
Quizas el artista intento reunir varios elementos de epocas anteriores y representarlas en esta armadura de una forma distintiva, creativa y llamativa.

Gaona Gaona Jonathan

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-Título: Eterna primavera
-Artista: Auguste Rodin (francés, París 1840-1917 Meudon)
-Fecha: modelado ca. 1881, tallado 1907
-Cultura: Francés
Media: Mármol
-Dimensiones: total (peso confirmado): 28 × 29 × 18 pulg., 433 lb (71,1 × 73,7 × 45,7 cm, 196,4 kg)
-Clasificación: Escultura
-Línea de Crédito: Legado de Isaac D. Fletcher, 1917

En cuánto vi la escultura me llamo mucho la atención, dado a qué cada cuando, nos hemos puesto a pensar en lo vulnerables y entregados que somos cuando amamos de verdad, pues en esta obra la mujer está entregada completamente y confiada a su pareja, con ese beso sellan su amor, tan sutil pero tan erótico a la vez. El hecho de que no tenga ningún color en específico le da más profundidad y serenidad a un momento tan íntimo.
De ahí su nombre Eterna Primavera 🌼

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𝐀𝐥𝐢𝐯𝐢𝐨 𝐝𝐞𝐥 á𝐠𝐮𝐢𝐥𝐚
𝘼𝙪𝙩𝙤𝙧: 𝙁𝙧𝙚𝙙𝙚𝙧𝙞𝙘 𝘾𝙝𝙪𝙧𝙘𝙝
𝙁𝙚𝙘𝙝𝙖:1893

𝐄𝐬𝐭𝐞 𝐩𝐚𝐧𝐞𝐥 𝐝𝐞 𝐩𝐢𝐞𝐝𝐫𝐚 𝐞𝐱𝐪𝐮𝐢𝐬𝐢𝐭𝐚𝐦𝐞𝐧𝐭𝐞 𝐭𝐚𝐥𝐥𝐚𝐝𝐨, 𝐦𝐮𝐞𝐬𝐭𝐫𝐚 𝐮𝐧 á𝐠𝐮𝐢𝐥𝐚 𝐦𝐨𝐫𝐝𝐢𝐞𝐧𝐝𝐨 𝐮𝐧𝐚 𝐟𝐫𝐮𝐭𝐚 𝐝𝐞 𝐜𝐚𝐜𝐭𝐮𝐬, 𝐮𝐧𝐚 𝐫𝐞𝐩𝐫𝐞𝐬𝐞𝐧𝐭𝐚𝐜𝐢ó𝐧 𝐬𝐢𝐦𝐛ó𝐥𝐢𝐜𝐚 𝐝𝐞𝐥 𝐬𝐨𝐥 𝐝𝐞𝐯𝐨𝐫𝐚𝐧𝐝𝐨 𝐮𝐧 𝐜𝐨𝐫𝐚𝐳ó𝐧 𝐡𝐮𝐦𝐚𝐧𝐨. 𝐋𝐨𝐬 𝐝𝐨𝐬 𝐩𝐚𝐧𝐞𝐥𝐞𝐬 𝐬𝐨𝐧 𝐜𝐚𝐬𝐢 𝐢𝐝é𝐧𝐭𝐢𝐜𝐨𝐬 𝐞𝐧 𝐭𝐚𝐦𝐚ñ𝐨 𝐞 𝐢𝐦á𝐠𝐞𝐧𝐞𝐬 𝐲 𝐨𝐫𝐢𝐠𝐢𝐧𝐚𝐥𝐦𝐞𝐧𝐭𝐞 𝐩𝐮𝐞𝐝𝐞𝐧 𝐡𝐚𝐛𝐞𝐫 𝐟𝐨𝐫𝐦𝐚𝐝𝐨 𝐩𝐚𝐫𝐭𝐞 𝐝𝐞 𝐮𝐧𝐚 𝐜𝐨𝐦𝐩𝐨𝐬𝐢𝐜𝐢ó𝐧 𝐦á𝐬 𝐠𝐫𝐚𝐧𝐝𝐞 𝐞𝐧 𝐥𝐚 𝐟𝐚𝐜𝐡𝐚𝐝𝐚 𝐝𝐞 𝐮𝐧 𝐭𝐞𝐦𝐩𝐥𝐨 𝐮 𝐨𝐭𝐫𝐨 𝐞𝐝𝐢𝐟𝐢𝐜𝐢𝐨.

𝐄𝐬𝐭𝐚 𝐢𝐦𝐞𝐠𝐞𝐧 𝐦𝐞 𝐠𝐮𝐬𝐭𝐨, 𝐩𝐨𝐫 𝐪𝐮𝐞 𝙖𝙥𝙖𝙧𝙚𝙣𝙩𝙚𝙢𝙚𝙣𝙩𝙚 m𝐮𝐞𝐬𝐭𝐫𝐚 𝙪𝙣 𝙛𝙧𝙪𝙩𝙤 𝙙𝙚 𝙘𝙖𝙘𝙩𝙪𝙨 𝙨𝙞𝙚𝙣𝙙𝙤 𝙘𝙤𝙢𝙞𝙙𝙤 𝙥𝙤𝙧 𝙚𝙡 á𝙜𝙪𝙞𝙡𝙖. 𝐓𝐚𝐦𝐛𝐢𝐞𝐧 𝐦𝐞 𝐥𝐥𝐚𝐦𝐨 𝐥𝐚 𝐚𝐭𝐞𝐧𝐜𝐢𝐨𝐧 𝐪𝐮𝐞 𝙚𝙣 𝙘𝙖𝙙𝙖 𝙪𝙣𝙤 𝙙𝙚 𝙡𝙖 𝙘𝙪𝙧𝙫𝙖 𝙙𝙚𝙡 𝙙𝙤𝙧𝙨𝙤 𝙙𝙚𝙡 𝙖𝙫𝙚, 𝙙𝙚𝙨𝙙𝙚 𝙡𝙖 𝙘𝙖𝙗𝙚𝙯𝙖 𝙝𝙖𝙨𝙩𝙖 𝙡𝙖𝙨 𝙥𝙡𝙪𝙢𝙖𝙨 𝙙𝙚 𝙡𝙖 𝙘𝙤𝙡𝙖, 𝙛𝙤𝙧𝙢𝙖 𝙪𝙣 𝙖𝙧𝙘𝙤 𝙦𝙪𝙚 𝙙𝙚𝙩𝙚𝙧𝙢𝙞𝙣𝙖 𝙩𝙤𝙙𝙖 𝙡𝙖 𝙘𝙤𝙢𝙥𝙤𝙨𝙞𝙘𝙞ó𝙣 𝙮 𝙘𝙖𝙨𝙞 𝙡𝙡𝙚𝙣𝙖 𝙚𝙡 𝙚𝙣𝙘𝙪𝙖𝙙𝙧𝙚.

Diego Morales Lopez

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This exquisitely carved stone panel, one of a pair given to the museum by the Hudson River School painter Frederic Church in 1893, depicts an eagle biting into a cactus fruit, a symbolic representation of the sun devouring a human heart. The two panels are nearly identical in size and imagery and may originally have formed part of a larger composition on the façade of a temple or other sacred building (see MMA 93.27.1).

The Eagle Panels are among the finest examples of Mesoamerican stone relief sculpture, highly sophisticated in both composition and technique. In each, the curve of the bird's back, from its head through its tail feathers, forms an arc that determines the entire composition and nearly fills the frame. The artist has placed glyph-like scrolls, shells, pierced circles ( chalchihuitl), and what appears to be a bundle of reeds or a stylized ear of maize in the remaining spaces. The panel has suffered some damage. A large section on the top left corner is missing, as well as most of the narrow, raised band framing the image. Traces of paint remain on the background and inner carved surfaces, and intervening layers of plaster were discovered during conservation, indicating that the panels had been repainted multiple times, a testament to their importance. The sculptor employed a highly refined carving technique to create a multi-leveled composition, and to maximize the effect of light and shadow. Each row of feathers, from the eagle's tail through its neck, is rendered in a slightly higher level of relief, and each of the primary (flight) feathers is cut at an angle, so that they appear to overlap, suggesting even greater depth. The outer edges of the scrolls similarly bevel back, creating deep shadows.

When he purchased the panels, Frederic Church, an early trustee of the museum, was told that they had been found by a farmer plowing his field in northern Veracruz, near the city of Tampico, a region dominated by the Huastecs at the time of the conquest. However, the panels are unlike any known examples of stone carving from the area. Instead, they reflect a cosmopolitan blend of artistic traditions found in several regions of Mesoamerica. Most similar are the stone relief panels which adorn the outer walls of sacred structures at both Tula in central Mexico, El Cerrito, Queretaro, and Chichén Itzá on the Yucatan Peninsula, although these are much cruder in execution, and simpler in design. Both these regions had contact with Veracruz via trade routes across both land and sea, making it possible that the iconography of the panels, or the panels themselves, may have originated elsewhere in Mesoamerica.

According to Aztec mythology, eagles, soaring high into the sky, are symbols of the sun crossing the heavens. The sun itself needs strength to survive the dangerous nightly journey through the darkness of the underworld, and then to rise again each morning, allowing life on earth to continue. It is the obligation of human beings, through sacrificial offerings, to provide nourishment for the journey. Sacrifice, of the ruler or priest's own blood, or of the blood, hearts, and lives of victims, was practiced throughout Mesoamerica, and frequently depicted in sculpture, painting, and codices.

In describing the Aztec practice of human heart sacrifice, the early Spanish chronicler, Friar Bernardino de Sahagún, wrote that the sacrificed heart was called cuauhnochtli (precious eagle cactus fruit). After pulling it from the chest of the victim the priest placed the heart into a cuauhxicalli (eagle vessel). These cuauhxicalli could vary in form, size, and material, and a number have been identified. The Codex Borbonicus, written shortly before or after the Spanish conquest, depicts cuauhxicalli decorated with rows of eagle feathers, stylized hearts, and chalchihuitl, symbols of preciousness also seen on the panels, thus indicating both the nature of their use and the worth of their contents. There are three nearly identical greenstone examples in the collections of the Museum of the American Indian in Washington D.C., the Weltmuseum Wien (Vienna), and the Ethnologisches Museum in Berlin. The Aztec symbol of the Fifth Sun, our present era, is carved into the inner surface of each. The placement of the sacrificial heart within would directly feed the sun and guarantee its return from the underworld symbolized by the image of the earth deity Tlaltecuhtli carved on the bottom of the vessel. A cuauhxicalli in the Museo del Templo Mayor in Mexico City is in the shape of an over-life-sized stone sculpture of an eagle with a deep, bowl-like depression in its back. Its form most directly reflects its ritual purpose and meaning when, during the ritual, the heart is placed into the depression, into the body of the eagle. The seemingly naturalistic image of a cactus fruit being eaten by the eagle seen on the panels may be read as a visual metaphor for the placement of the sacrificial heart into the eagle vessel, to be consumed by the sun.

Eagles loom large in myth and imagery throughout ancient Mesoamerica, particularly for the Aztecs, representing worldly and spiritual power as well as the sun. Aztec eagle warriors were considered the bravest and most elite, and both the eagle and cactus are central to the Aztec mythic history of the founding of their capital city, Tenochtitlan. In this, the story of their transformation from a band of outsiders into the most powerful group in the region, they spent years migrating from the land of Aztlán, somewhere to the north, searching for a place to settle. Their god Huitzilopochtli told them to look for a place at the center of a lake, where they would find an eagle perched atop a cactus plant, and to build their capital there. They gave their city the name Tenochtitlan, from nochtli, the Aztec name for the nopal cactus. Historically, it was from this swampy island, surrounded by the waters of five interconnecting lakes, that the Aztec built and ruled a powerful empire that at one time comprised much of what is now Mexico. After razing Tenochtitlan to the ground, the Spanish invaders, recognizing the power the ruined city still held for the people, built Mexico City, the capital of their North American empire and now of modern Mexico, on its ruins. This same symbol, marking the connection between the indigenous past and the present, is seen in the national seal of Mexico, with the image of an eagle standing on a nopal cactus with a serpent in its beak at its center.

Patricia J. Sarro, 2019

Further Reading

Beyer, Herman. "The So-called 'Calendario Azteca': Description of the Cuauhxicalli of the 'House of the eagles' (1921)". In The Aztec Calendar Stone, Khristaan Villela and Mary Ellen Miller, eds., pp. 104-117. Los Angeles: Getty Research Center, 2010.

Braun, Barbara. Precolumbian Art in the Post Columbian World. New York: Abrams, 1993.

Easby, Elizabeth Kennedy, and John F. Scott. Before Cortez: Sculpture in Middle America. New York: The Metropolitan Museum of Art, 1970, no. 253.

González Block, Miguel Ángel. Dos águilas y un sol. Identidad, simbolismo, y conquista del Cuauhtli Sagrado.

Heyden, Doris."Posibles anticedentes del glifo de México-Tenochtitlan en los códices pictóricos y en la tradícion oral". In Primer Coloquio de Documentos Pictográficos de Tradición Náhuatl. Carlos Martínez Marín, ed, pp. 229. Mexico City: Universidad Nacional Autónoma de México, 1989.

Kowalski, Jeff Karl, and Cynthia Kristin-Graham, eds. Twin Tollans. Cambridge: Dumbarton Oaks and Harvard University Press, 2007.

Matos Moctezuma, Eduardo, and Felipe Solís Olguín. The Aztec Calendar Stone and Other Solar Monuments. Translated by H.J. Drake. Mexico City: Conaculta, Instituto Nacional de Antropoligía y Historia, Grupo Azabache, 2004.

Matos Moctezuma, Eduardo, and Felipe Solís Olguín. El calendario azteca y otros monumentos solares. Mexico City: Conaculta, Instituto Nacional de Antropología y Historia, Grupo Azabache, 2004.

Newton, Douglas, Julie Jones, and Kate Ezra. The Pacific Islands, Africa, and the Americas. The Metropolitan Museum of Art. New York: The Metropolitan Museum of Art, 1987.

Sahagún, Bernadino, de. General history of the things of New Spain/Florentine Codex. Edited and translated Into English, with notes and illus., by Arthur J. O. Anderson and Charles E. Dibble; Santa Fe, N.M., School of American Research, 1950-82. (English and Spanish text).

Sahagún, Bernadino, de. Historia general de las cosas de Nueva España, Book 2. Edited by Alfredo López Austin and Josephína García Quintana. Madrid: Alianza, 1988.

Seler, Eduard, "Collected Works in Mesoamerican Linguistics and Archaeology (1888, 1889, 1901, 1915)". In The Aztec Calendar Stone, Khristaan Villela and Mary Ellen Miller, eds., pp. 104-117. Los Angeles: Getty Research Center, 2010.

Taube, Karl. The Womb of the World, Cuauhxicalli and Other Offering Bowels of Ancient and Contemporary Mesoamerica. In Maya Archaeology 1, edited by Charles Golden, Stephen Houston, and Joel Skidmore, pp. 86-106. San Francisco: Precolumbian Mesoamerican Press, 2009.

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Eagle Relief | Toltec | The Metropolitan Museum of Art

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This exquisitely carved stone panel, one of a pair given to the museum by the Hudson River School painter Frederic Church in 1893, depicts an eagle biting into a cactus fruit, a symbolic representation of the sun devouring a human heart.

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Título: Vestido de noche
Diseñador: Paul Poiret
Fecha: 1922-23
Técnica: Seda

En este vestido de cena de dos piezas, el interés de Poiret por el estilo "liberador" y el corte del vestido regional no occidental da como resultado un conjunto parecido a un peplo. Dos cuadrados de tela separados pero idénticos, uno usado como un poncho corto y el otro envuelto en una falda cilíndrica, crean un efecto peplos con su top estilo apoptygma. Aunque el conjunto no está construido como ningún precedente griego clásico, el uso de telas, completamente ortogonales como recién salidas del telar, sugiere una afinidad con las prendas de configuración sencilla del mundo antiguo, que también se formaban a partir de piezas de tela rectilíneas escaladas para su uso previsto directamente en el telar.
Calderón García Maricruz

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                 Mujer sentada                              Antoine Watteau Francés1716-17 

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                 Mujer sentada                              Antoine Watteau Francés1716-17 

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Watteau, uno de los dibujantes más brillantes e innovadores del siglo XVIII, fue uno de los primeros exponentes de la técnica de los "trois-crayons" o "tres tizas", que permitió a sus dibujos acercarse a los ricos efectos colorísticos de la pintura. Este atractivo estudio de una mujer sentada es un ejemplo consumado de su dominio de la técnica. Mezclando libremente tiza roja, negra y blanca, capturó el cabello suelto recogido de la joven, los tonos luminosos de la piel y el brillo de su vestido. No se sabe que la hoja de Lehman sea un estudio preparatorio para una pintura, pero el modelo reaparece en al menos otro dibujo del artista. Su gesto no se entiende fácilmente, aunque se nota claramente su elegancia y su encantadora falta de timidez.

Me llama la atención el dibujo por como se representa el  momento donde la mujer es capturada con su esencia ,transmite cierta elegancia, calma y sencillez al estar observando lo que para mi parece una mariposa.
Valeria Ramírez Peralta

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Pintura "El Jardín del artista en Giverny"
Autor: Claude Monet
Año: 1900
Técnica: Óleo
Estilo: Impresionismo

En la pintura El jardín del artista en Giverny, Monet deja en segundo plano la casa en la que vivió y le da protagonismo a las flores y árboles que formaban parte del jardín. Las pinceladas gruesas y características del pintor se hacen presentes en los brillantes lirios pintados con diferentes tonos de violeta.
Aunque los árboles bloqueen la luz del sol, Monet mostró el brillo del día en las delicadas flores, llenando el espacio con tonos púrpura, lila, rosa y blanco. El marrón de los caminos de tierra contrasta con los tallos verdes de los brillantes lirios, los protagonistas de la pintura.

Aislinn Betzaida Dominguez Romero

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Esta figura parcial descaradamente erótica se inspiró en el interés de Rodin por la danza. Extendiendo sus piernas en pleno vuelo, la mensajera de los dioses se

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Cuando yo vi la imagen sin leer la descripción sentí que es un dolor de pies por una larga jornada. A leer la descripción siento que los pies y piernas es lo más importante para cualquier tipo de deporte y lo más vital en nuestra vida

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EL sueño de Eneas
Autor: Salvador Rosa
Fecha: 1660

El artista nos muestra una pintura totalmente sin sentido si no conoces el trasfondo de esta.
Se aprecia lo que parece un soldado descansando mientras un hombre que al parecer no es una persona física pues el soldado ni siquiera se percata de su presencia el fondo parece algo tenebroso y se puede apreciar en las ramas del árbol y en el mismo cielo.
La pintura es una evocadora de la fundación de Roma tal como se describe en la Eneida de Virgilio el señor de barba es el dios de Tíber que le dice al hombre "Este lugar será el lugar de tu ciudad"

Juan Manuel Flores Solis

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La espina
Autor: Raul Anguiano Valadez
Fecha: 1952
Tecnica: Pintura al oleo

En esta pintura se muestra a Maria, una mujer indigena que trabajaba en el campo y se le clavo una espina en el pie y utilizo una navaja para sacarse la espinaesto lo cuenta el mismo Raul Anguiano, a pesar de esto Maria se reincorporo a trabajar quedando plasmada en una obra pintoresca que retrata el espiritu y compromiso mexicano para salir adelante a pesar de cualquier circunstancia

Jesus Alberto Aguilar Cid

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El nacimiento de la virgen de Francesco Solimena

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El nacimiento de la virgen de Francesco Solimena

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El nacimiento de la virgen
Autor: Francesco Solimena
Año: 1690
Tecnica: Oleo sobre lienzo

Esta pintura muestra en primer plano a la virgen Maria infantil, a las enfermeras y a su padre adorador mientras que su alreedeor se ve envuelto por una luz celestial.
En lo personal esta pintura me parece atractiva por los colores y el contexto del cuadro, la tecnica y los sentimientos que quiere reflejar.
Domenica Mirel Carreón Millán

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"Principal Accessions." Metropolitan Museum of Art Bulletin 1 (April 1906), p. 72, lists this picture as by Luca Giordano and calls it both "Adoration" and "The Presentation in the Temple".

Hans Posse. Letter. May 26, 1932, questions the attribution to Giordano and suggests that it belongs to the School of Solimena; notes its similarity to the work of Sebastiano Conca.

Hermann Voss. Letter. December 1935, describes it as a "very characteristic work of the earlier period of Francesco Solimena, when the artist was strongly under the influence of his master Luca Giordano," concluding that "there seems to be no doubt about this attribution, because the Solimenesque features are easily recognizable even under the predominant influence of Giordano".

Arthur McComb. Letter to Margaret D. Sloane. September 17, 1935, as definitely by Giordano; points out that the "treatment of the drapery as well as of the blonde hair in the woman at the lower left seems to me most typical" of the artist.

Harry B. Wehle. The Metropolitan Museum of Art: A Catalogue of Italian, Spanish, and Byzantine Paintings. New York, 1940, pp. 266-67, ill., dates it to Solimena's early period; calls it "The Birth of Saint John the Baptist"; describes it as close in style to the work of Luca Giordano but harder in modeling and sharper in color.

Josephine L. Allen and Elizabeth E. Gardner. A Concise Catalogue of the European Paintings in The Metropolitan Museum of Art. New York, 1954, p. 91.

Ferdinando Bologna. Francesco Solimena. Naples, 1958, pp. 75-76, 131 n. 65, p. 271, ill., calls it the "Birth of the Virgin"; suggests that the strong Giordanesque quality of the work has caused scholars to oscillate between attributions to Giordano and to Solimena.

Tony Ellis. Letter. December 30, 1963, considers it closely related to a bozzetto in the Bowes Museum (Barnard Castle, Co. Durham, England), from the last period of Solimena's career.

Federico Zeri with the assistance of Elizabeth E. Gardner. Unpublished manuscript for catalogue of Neapolitan paintings in The Metropolitan Museum of Art. [ca. 1970], date it to Solimena's early period, about 1690; consider the "interpretation of space, as well as the rhythm and the background . . . utterly Giordanesque," while the "modeling of the forms, the brushwork and the colours, along with the types of the female figures foretell the final formation of Solimena's mature style".

Burton B. Fredericksen and Federico Zeri. Census of Pre-Nineteenth-Century Italian Paintings in North American Public Collections. Cambridge, Mass., 1972, pp. 190, 300, 605, question the identification of the subject as the birth of the Virgin.

Nicola Spinosa. "More Unpublished Works by Francesco Solimena." Burlington Magazine 121 (April 1979), p. 212.

Nicola Spinosa. La pittura napoletana del '600. Milan, 1984, fig. 757, as the "Nativity of Mary".

John Pope-Hennessy. "Roger Fry and The Metropolitan Museum of Art." Oxford, China, and Italy: Writings in Honour of Sir Harold Acton on his Eightieth Birthday. Ed. Edward Chaney and Neil Ritchie. London, 1984, p. 233, identifies the subject as the Birth of Saint John.

George Hersey and Carmen Bambach Cappel in A Taste for Angels: Neapolitan Painting in North America, 1650-1750. Exh. cat., Yale University Art Gallery. New Haven, 1987, pp. 186-89, no. 20, ill. (color), attribute it to Solimena, about 1690, and describe it as in "Giordano's manner"; note that comparisons of this work to Giordano's depictions of the subject (SS. Apostoli, Naples, about 1690-92, and Norton Simon Museum of Art, Pasedena, 1696-98, or earlier) reveal "how closely both artists followed each other's styles in the late eighties to early nineties"; characterize the composition as "disciplined," noting that it "omits many of the excesses in genre that are usually connected with pictures of this subject".

Katharine Baetjer. European Paintings in The Metropolitan Museum of Art by Artists Born Before 1865: A Summary Catalogue. New York, 1995, p. 141, ill.

Keith Christiansen. "Going for Baroque: Bringing 17th-Century Masters to the Met." Metropolitan Museum of Art Bulletin 62 (Winter 2005), p. 9, fig. 6 (color).

Old Master & 19th Century Paintings, Drawings & Watercolors: Part II. Christie's, New York. January 27, 2010, p. 199, under no. 286, dates it about 1689-90.

Nicola Spinosa. Pittura del Seicento a Napoli. Vol. 2, Da Mattia Preti a Luca Giordano: Natura in Posa. [Naples], 2011, pp. 227, 229.

Simona Carotenuto. Francesco Solimena: Dall'attività giovanile agli anni della maturità (1674-1710). Rome, 2015, p. 72, fig. 4.18 (color).

Andrea Bayer. "Better Late than Never: Collecting Baroque Painting at The Metropolitan Museum of Art." Buying Baroque: Italian Seventeenth-Century Paintings Come to America. Ed. Edgar Peters Bowron. University Park, Pa., 2017, pp. 131, 152 n. 13.

Nicola Spinosa. Francesco Solimena (1657-1747) e le arti a Napoli. Rome, 2018 [vol. 1], pp. 64, 238, 253, 268-69, no. 91, ill. p. 268, fig. 46 (color), dates it 1687-90.

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Francesco Solimena | The Birth of the Virgin | The Metropolitan Museum of Art

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"Principal Accessions." Metropolitan Museum of Art Bulletin 1 (April 1906), p. 72, lists this picture as by Luca Giordano and calls it both "Adoration" and "The Presentation in the Temple". Hans Posse. Letter. May 26, 1932, questions the attribution to Giordano and suggests that it belongs to the School of Solimena; notes its similarity to the work of Sebastiano Conca.

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Diseñador: Christian Dior
Fecha: 1957/58
Técnica: Seda mediana color carmín

Concebido como un pareo, esta es una versión más formal de un estilo de vestido que se había ofrecido en colecciones anteriores. La tela se envuelve desde una costura trasera con un dobladillo asimétrico. Dior resolvió la asimetría del dobladillo pero, al hacerlo, perdió el ancho de tela necesario para continuar con el drapeado lateral. Como resultado, se junta un extra en la costura lateral para formar un tren que fluye libremente. La apariencia es de tejido continuo pero, de hecho, Dior tuvo que inventar el proceso.
Considero que está un poco infravalorado el arte de la moda y me gustaría que se hablara más de el, Dior fue un gran representante e hizo colecciones preciosas, me gusto este vestido por la silueta que da al cuerpo y el patrón que lleva se ve orgánico y bonito.
Myrka Flores Saavedra

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Ataúd
Autor: Atribuido a Michel Redlin
Fecha: Ca. 1680
Técnica: ámbar, lámina de oro, latón dorado, madera, satén de seda, papel

El ataúd está hecho casi completamente de placas unidas de ámbar translúcido, opaco y lechoso que demuestran la variedad natural del material. La sólida construcción realza los efectos decorativos de la luz de las velas: como la tapa abierta por los lados la admite en el interior, habría parpadeado en el ámbar como llamas. Este efecto habría relacionado el ataúd con las supuestas propiedades medicinales del ámbar.

Me intereso la imagen por los pequeños detalles que contiene, algo creativo pero laborioso al mismo tiempo.

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Venus y El Laudista
Autor: Tiziano Vecellio
Fecha: 1565-70
Técnica: Pintura al óleo sobre lienzo

En esta pintura considero que se retrata la importancia y el empoderamiento femenino sobre el hombre, ya que la diosa Venus es coronada por cupido, mientras el laudista toca el laúd y se celebra ese acontecimiento

Bonilla Gómez Joana

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VESTIDO DE CENA
Diseñadora: Sra. Grapanche
Fecha: 1884-1886

El polisón alcanzó su mayor extensión en 1885. Era casi perpendicular al respaldo y estaba muy tapizado. Las versiones de la década de 1880 estaban tan acolchadas y adornadas como un almohadón de salón de la época. Era un concepto popular que los voladizos de estos polisones podían soportar un servicio de té completo. Para soportar el mayor peso de los vestidos de la década de 1880, se crearon infraestructuras ligeras y flexibles con materiales flexibles (alambre, caña, ballena) unidos por cintas de lona o insertados en canales acolchados.

Me llamo la atencion la convinación de colores y el corte o forma de vestido ya que me recuerda a la reina de corazones de Alicia en el pais de las maravillas, las vestimentas de esa epoca siempre me han llamado la atencion ya que son muy bellos pero al igual que bellos eran muy dolorosos o peligrosos, ya que algunos para conseguir su color tenian que recurrir a productos toxicos para el ser humano, o tambien el corset era de barbas de ballena y al hacer un movimiento brusco se rompian y podian desangrar a la portadora del vestido, sin embargo tenian diseños y colores bellos, me gustan tambien que de cierta manera si representan esos vestidos a las mujeres ya que nosotras podemos ser tanto delicadas como rudas.

GARCIA CARRERA NICOLE DANAHI

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Autor: Gustav KlimtTécnica: Óleo sobre lienzo (1,80 x 1,80 m)Fecha de creación: 1909Ubicación: Galería Belvedere, Viena

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El beso es la culminación del particular y rompedor estilo artístico de Klimt, que se caracteriza por sus personajes lánguidos, una característica combinación de las dos y las tres dimensiones y el uso de materiales como el oro, que recuerda a las imágenes bizantinas. Una imagen convertida en un símbolo universal del amor.

Me gusta esta pintura porque refleja amor y tranquilidad, se ve que se sinten seguros estando juntos

Camila Diaz Cortes

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Maude Adams (1872-1953) como Juana de Arco

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Maude Adams (1872-1953) como Juana de Arco

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Título: Maude Adams (1872–1953) como Juana de Arco
Artista: Alphonse Mucha (Checo, Ivančice 1860–1939 Praga)
Fecha: 1909
Tecnica: Óleo sobre lienzo
Me llamo la atención la pintura, la expresión que pone la muchacha deja cierta intriga, y los colores son llamativos igual que las flores;la vestimenta también es peculiar la forma en que esta vestido es de una época anterior.
Laura Flores Payan

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El jardin de las delicias
Autor: El bosco
Fecha: 1503-1515
Tecnica:  Pintura de oleo sobre tabla

Cuando el tríptico está cerrado, podemos ver la representación del tercer día de la creación en grisalla, técnica pictórica en la que se usa un solo color para evocar los volúmenes propios del relieve. Según el relato del Génesis, referencia fundamental en tiempos de El Bosco, Dios creó la vegetación sobre la Tierra al tercer día. El pintor representa, pues, la tierra colmada de vegetación.

Al abrir el tríptico por competo, nos enfrentamos a una explosión de color y figuras que contrasta con el carácter monocromo e inanimado de la creación.

Algunos estudiosos han visto en este gesto (revelación del contenido interno de la pieza) una metáfora del proceso de la creación, como si de alguna forma El Bosco nos introdujera en una mirada cómplice hacia la evolución natural y moral del mundo. Veamos cuáles son los principales elementos iconográficos de cada panel.

David castillo contreras

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Anthony Van Dyck, Duque de Richmond y Lennox 

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Anthony Van Dyck, Duque de Richmond y Lennox 

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Obra: Duque de Richmond y Lennox
Autor: Anthony Van Dick
Fecha: 1633
Técnica: Óleo sobre lienzo

Representa a una persona a la cual le gustaban los perros y el amor que hay entre el amo y el perro, pero en particular fue más como parte de la familia para la persona y que siempre eran unidos, por ende quiso tener un retrato de ambos para recordar y mentalmente trasladarse a ese momento. Por otra parte, muestra el cuidado que le da a su mascota para que esté mismo cuide de él y así lograr una gran conexión entre ambos. Hernán Jiménez Palomo

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Título: Desde mi ventana en el Shelton, Norte
Artista: Alfred Stieglitz (estadounidense, Hoboken, Nueva Jersey, 1864–1946 Nueva York)

Fecha: 1931
Técnica: Impresión en gelatina de plata
Esta foto me gustó mucho, ya que muestra la belleza y originalidad de Manhattan y sus rascacielos, esto demuestra que para demostrar la belleza de un lugar no es necesario pintarlo, solo basta con captar el lugar.
Mayte Cruz Orozco

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Alfred Stieglitz | From My Window at the Shelton, North | The Metropolitan Museum of Art

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Inscription: Inscribed in pencil on mount, verso LL: “1C”;

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La carta de amor

Artista: Jean Honoré Fragonard (francés, Grasse 1732-París 1806).
Fecha: principios de 1770.
Técnica: Óleo sobre lienzo.

Esta pintura es interesante y llamativa, ya que una joven de vestido largo y hermoso, recibe flores junto con una carta, su perro la acompaña mientras ella se muestra con una mirada de cierto interés.

Brisa Yasmin Loaiza Sánchez

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Shelling Beans, Argentelle
Autor: Louis-Adolphe Humbert de Molard
Fecha: 1851
Tecnica: Impresion en papel salado a partir de negativo de papel

En un claro intento de crear en la fotografía el tipo de escena de género que admiraba en la pintura holandesa del siglo XVII y su renacimiento francés de principios del siglo XIX, el acaudalado barón y granjero Humbert de Molard posó a su cuidador Louis Dodier (de pie en un elegante contrapposto, vestido de madera). zuecos) y otros trabajadores en un cuadro de la actividad rural en su castillo de Argentelle, en Normandía.
A mi me gusta esta fotografía por el color que tiene y la forma que representa el trabajo.

Acocal Apango Sinai

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Title: Shelling Beans, Argentelle

Artist: Louis-Adolphe Humbert de Molard (French, Paris 1800-1874)

Medium: Salted paper print from paper negative

Dimensions: Image: 22.3 x 17.7 cm (8 3/4 x 6 15/16 in.)

Classification: Photographs

Credit Line: Gilman Collection, Purchase, Mr. and Mrs. Henry R. Kravis Gift, 2005

Accession Number: 2005.100.263

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Louis-Adolphe Humbert de Molard | Shelling Beans, Argentelle | The Metropolitan Museum of Art

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Title: Shelling Beans, Argentelle Artist: Louis-Adolphe Humbert de Molard (French, Paris 1800-1874) Medium: Salted paper print from paper negative Dimensions: Image: 22.3 x 17.7 cm (8 3/4 x 6 15/16 in.) Classification: Photographs Credit Line: Gilman Collection, Purchase, Mr. and Mrs. Henry R. Kravis Gift, 2005 Accession Number: 2005.100.263

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Thomas Moran.
Colburn's Butte, sur de Utah.
Artista: Thomas Moran.
Fecha: 1873
Geografía: Hecho en Estados Unidos.
Técnica: acuarela, gouache y Grafito sobre Papel avitelado blanquecino.

El viaje que resultó en la primera pintura del Gran Cañón también produjo esta acuarela del mismo artista, fué realizada durante un viaje a una expedición.
Para mi esta imagen representa el amor que le tengo a los paisajes cuando solo son el camino de ida, de vuelta y tú. Los paisajes de naturaleza son algo de admirar y agradecer, todo el tiempo podremos ver atardeceres preciosos y simplemente lo guardamos en la mente o en una foto.
Julieta López López

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The Storm
Autor: Pierre-Auguste Cot
Fecha: 1880
Técnica: Óleo sobre lienzo

Esta pintura originalmente representa a dos jóvenes huyendo de la lluvia utilizando la sobrefalda como un paraguas pero también es interpretada como un desafío del amor. Los colores dominantes como el azul y verde indica un cielo tormentoso, sus cuerpos pálidos pero sus rostros tranquilos a pesar de la tempestad. Irradia belleza y ternura pues muestra el mundo de los jóvenes amantes.

Andrea Irais López Cruz

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Cuenco ¨Bleu de Deck¨ de Joseph-Théodore Deck

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Cuenco ¨Bleu de Deck¨ de Joseph-Théodore Deck

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Cuenco Bleu de Deck
Autor: Joseph-Théodore Deck
Fecha: 1870-80
Técnica: Cerámica-Alfarería

Este objeto representa una parte importante de la cultura China, como lo son los dragones que se encuentran en la decoración de relieves, en esta pieza. Además tiene un esmalte muy llamativo, el cual fue creado por el mismo artista.
A mi me resulta una pieza bastante llamativa y muy bonita, por los colores y la decoración que tiene.

Metzli Domínguez García

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Maker: Joseph-Théodore Deck (French, Guebwiller, Alsace 1823-1891 Paris)

Medium: Glazed earthenware

Dimensions: 3 1/4 × 7 1/4 in., 1.3 lb. (8.3 × 18.4 cm, 0.6 kg)

Classification: Ceramics-Pottery

Credit Line: Gift of Mrs. Alice Stern, 1993

Accession Number: 1993.313

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Joseph-Théodore Deck | "Bleu de Deck" bowl | French, Paris | The Metropolitan Museum of Art

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Maker: Joseph-Théodore Deck (French, Guebwiller, Alsace 1823-1891 Paris) Medium: Glazed earthenware Dimensions: 3 1/4 × 7 1/4 in., 1.3 lb. (8.3 × 18.4 cm, 0.6 kg) Classification: Ceramics-Pottery Credit Line: Gift of Mrs. Alice Stern, 1993 Accession Number: 1993.313

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Retrato de Madame..... del pintor Jacques...

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Retrato de Madame..... del pintor Jacques...

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Retrato de Madame....
Autor: Jean Auguste Dominique Ingres
FEcha:
Técnica: Pintura sobre lienzo

En esta pintura se ve el retrato de una señora de sociedad, vestida de  negro con amarillo. Está sentada en un diván. Mira directamente al espectador. Trae joyas.....
Me gustó porque podemos ver cómo era la moda en el siglo XIX.

Claudia Marín

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Gabriel Laviron. Le Salon de 1834. Paris, 1834, p. 316 [see Ref. Lapauze 1911], harshly criticizes its color; remarks that the red tones in her face are too extravagant, making her look as if she had a bloody nose, and, even stranger, that she does not appear to have blood flowing through her veins.

Louis Peisse. "Beaux-Arts Salon de 1834." Le National (May 3, 1834), p. 316 [see Ref. Lapauze 1911], praises this painting, noting the beauty of the arms, hands, and the color; comments specifically on the execution of the transparent black gauze of the sleeves, the shawl, and other accessories; concludes that this work is the most remarkable work of the Salon.

A.-D. Vergnaud. Examen du Salon de 1834. Paris, 1834, p. 316 [see Ref. Lapauze 1911], maliciously writes that Mme Leblanc looks like a monster who lacks the upper part of her head, has bulging eyes and sausage-like fingers, concluding that the painting has the distorted perspective of a doll seen too close and reflected on the canvas by several curved mirrors, without a sense of the whole.

[Hilaire Léon Sazerac]. Lettres sur le Salon de 1834. Paris, 1834, pp. 19-21, criticizes this painting's color and execution but remarks that the eyes and mouth are finely drawn.

Maxime du Camp. Les Beaux-Arts à l'Exposition Universelle de 1855. Paris, 1855 [see Ref. Riopelle 1999], describes the picture, referring to it as "Mme L. B.," the title it bore in the exhibition catalogue.

"Explication des ouvrages de peintures, sculpture, gravure, lithographie et architecture des artistes vivants étrangers et français." Exposition Universelle de 1855. Exh. cat., Palais des Beaux-Arts. Paris, 1855, p. 353, no. 3368, dates it 1823.

Charles Perrier. "Exposition universelle des Beaux-Arts: II, la peinture française-M. Ingres." L'artiste, 5th ser., 15 (May 27, 1855), p. 45, as "madame L. B."; praises the beauty and delicacy of this painting and the sitter.

Théophile Silvestre. Histoire des artistes vivants: Français et étrangers. Paris, 1856, pp. 36, 39, lists the "Portrait de Mme Leblanc" as one of the paintings that Ingres made during his stay in Florence from 1820 to 1824.

Théodore Duret. Les peintres français en 1867. Paris, 1867, p. 14, praises it for its psychological acuity.

Olivier Merson. Ingres: Sa vie et ses oeuvres. Paris, 1867, p. 109, erroneously dates it 1821.

Henri Delaborde. Ingres: Sa vie, ses travaux, sa doctrine. Paris, 1870, pp. 40, 253-54, no. 135.

Charles Blanc. Ingres sa vie et ses ouvrages. Paris, 1870, pp. 33, 82-83, 232, notes that the Leblanc portraits and three other paintings occupied much of Ingres's time in 1823.

P. Durrieu. Letter to M. le Directeur. June 25, 1886 [published in Ref. Naef 1966], discusses Mme Place's offer of the Leblanc portraits to the Louvre, which was rejected.

"Nouvelles." Chronique des arts et de la curiosité, supplément à la Gazette des beaux-arts 5 (February 1, 1896), p. 38, notes that the portrait of Mme Leblanc was sold the previous week at the Hôtel Drouot sale, and that it was bought by Edgar Degas for Fr 7,500; comments that the price was too low for an Ingres, probably a result of the Louvre not being interested in it.

Edgar Degas. Ingres, Portraits de Mr et Mme Leblanc. n.d. [translated and published in Ref. Reff 1976], lists how much he spent for this portrait; recalls seeing the portraits of M. and Mme Leblanc in 1854 in the home of their son, on the rue de la vieille Estrapade, and again in 1855 at the World's Fair; notes that Mme Place obtained the portraits from her brother.

Arsène Alexandre. Jean-Dominique Ingres: Master of Pure Draughtsmanship. Ed. Walter Shaw Sparrow. London, 1905, pp. 15-16, tells of seeing this portrait in Degas's studio and of his great admiration for it.

J. Momméja. Ingres. Paris, [1907], p. 71, dates the pair 1823-24 and notes that they were the only portraits Ingres made during his stay in Florence, 1820-24.

A. J. Finberg. Ingres. London, [?1910], p. 45, dates it 1823-24.

Henry Lapauze. Ingres: Sa vie & son oeuvre (1780-1867), d'après des documents inédits. Paris, 1911, pp. 212-14, 316, quotes the reactions to its first exhibition the Salon of 1834.

"Nos Échos: . . . La Collection Degas." Le Cousin Pons 2 (October 15, 1917), p. 269, lists the Leblanc portraits among those most admired by Degas's friends.

Armand Dayot. "L'Atelier de Degas." L'illustration 76 (March 16, 1918), pp. 256-59 [Engl. translation published in Ref. Rabinow 1997, p. 309], states that Degas paid 12,000 francs for the pair.

Raymond Bouyer. "Mouvement des arts: La Collection Edgar Degas." Chronique des arts et de la curiosité, supplément à la Gazette des beaux-arts ([March] 1918), p. 86.

"La Vente Degas." New York Herald [Paris] (March 27, 1918), p. 3 [Engl. translation published in Ref. Rabinow 1997, p. 317].

"Sale of Degas Collection." Times (London) (March 27, 1918), p. 5.

"Art Sale in Paris Best of War Time: Edgard [sic] Degas' Collection Brings $320,000 Despite Raids and Bombardment." New York Herald, section 2, (March 28, 1918), p. 7 [reprinted in Ref. Rabinow 1997, p. 318].

L[ouis]. Dimier. "Les Arts pendant la guerre: La collection Degas." L'Action française (April 2, 1918), p. 4, criticizes Degas's collection of Ingres, calling the Leblanc portraits the worst of all.

Arsène Alexandre. "Essai sur Monsieur Degas." Les Arts 14, no. 166 (1918), pp. 12, 21.

"Degas Sale in Paris." American Art News 16 (April 27, 1918), p. 1.

Paul Lafond. Degas. Vol. 1, Paris, 1918, pp. 117-21.

Henry Lapauze. "Ingres chez Degas." La Renaissance de l'art français et des industries de luxe no. 1 (March 1918), pp. 10-11, ill, notes that this portrait remained in the Leblanc family until it was bought by Degas in an obscure sale at the Hôtel Drouot; states that Albert Bartholomé and Degas agreed to buy the two Leblanc portraits together, intending that each artist would get one of the two but that Degas kept both and Bartholomé never insisted on receiving his half of the pair.

B[ryson]. B[urroughs]. "Two Ingres Portraits." Metropolitan Museum of Art Bulletin 13 (May 1918), p. 119, states that the portraits of M. and Mme Leblanc will be stored in France until after the war.

"La Vente Degas." New York Herald [Paris] (March 26, 1918), p. 3 [Engl. translation published in Ref. Rabinow 1997, pp. 315-16], notes that the paint is a bit cracked, but that it is still one of the best portraits by Ingres in the collection of Degas.

"Art et curiosité: La collection Degas." Le temps (March 29, 1918), p. 3.

M. A. Frappart. Annuaire des ventes. Vol. 1, Les Principales ventes de 1918. October 1918-July 1919, p. 19 [Engl. translation published in Ref. Rabinow 1997, p. 334].

Albert Bartholomé. Letter to Alfred Roll. March 28, 1918 [Fondation Custodia, Paris, inv. 1977-1.632], states that he and Degas had the winning bid for the pair of Leblanc portraits in the 1896 auction at Hôtel Drouot; that they had the intention of splitting them, with Madame Leblanc's portrait going to Bartholomé; and that Bartholomé later informally ceded any claim to her portrait when Degas implored him not to break up the couple.

Albert Bartholomé. Letter to Henry Lapauze. March 28, 1918 [Musée du Petit Palais, Paris, Department of Manuscripts, Inv. L DUT 1174-3], in reference to his joint purchase of the pendant portraits with Degas, Bartholomé tells Lapauze he lost 135,000 francs by the excellent Madame Leblanc but that he pardons her since she left him for the love of Degas.

Royal Cortissoz. "Degas as a Collector of The Art of Other Men." New York Tribune (February 24, 1918), p. 3.

Bryson Burroughs. "Portraits of M. and Mme Leblanc by Ingres." Metropolitan Museum of Art Bulletin 14 (June 1919), pp. 133-34, ill., notes that Ingres made twenty studies for this painting, now in the Musée Ingres, Montauban; remarks that the painting is in its original frame, and that the blacks have cracked in Mme Leblanc's dress, probably due to a siccative that the artist mixed with this slow-drying color.

"Portraits by Ingres." American Magazine of Art 11, no. 1 (November 1919), pp. 15-16, ill.

Morton D. Zabel. "Ingres in America." The Arts 16, no. 6 (February 1930), pp. 372, 374-76, ill.

Walter Pach. Ingres. New York, 1939, pp. 51-52, 100, 266, ill. opp. p. 115.

P[aul]. A[ndré]. Lemoisne. Degas et son œuvre. [reprint 1984]. Paris, [1946-49], p. 175, ill. opp. p. 176.

Jean Alazard. Ingres et l'Ingrisme. Paris, 1950, pp. 66, 148 n. 31, pl. L.

Art Treasures of the Metropolitan: A Selection from the European and Asiatic Collections of The Metropolitan Museum of Art. Exh. cat., The Metropolitan Museum of Art. New York, 1952, p. 232, colorpl. 140, mentions its graceful line, simplicity of structure, and modeling.

Josephine L. Allen and Elizabeth E. Gardner. A Concise Catalogue of the European Paintings in The Metropolitan Museum of Art. New York, 1954, p. 50.

Georges Wildenstein. The Paintings of J. A. D. Ingres. 1st ed. 1954, p. 193, no. 152, pls. 58, 60, 61.

Theodore Rousseau Jr. "A Guide to the Picture Galleries." Metropolitan Museum of Art Bulletin 12, part 2 (January 1954), p. 6.

Georges Wildenstein. The Paintings of J. A. D. Ingres. 2nd revised ed. London, 1956, pp. 24, 193, no. 152, pls. 58, 60, 61 (overall and details).

Norman Schlenoff. Ingres: Ses sources littéraires. Paris, 1956, p. 140, dates it 1824.

John Canaday. "Four Women." Philadelphia Museum of Art Bulletin 52, no. 253 (1957), pp. 43-44, 46, 48-49, ill., suggests that this portrait is easily understood by the viewer because it offers the qualities most viewers look for in a female portrait: grace, impeccable technique, and a personable sitter; concludes that study of this painting could reveal complications and nuances, but that it can be accepted essentially at its most apparent values.

Daniel Halévy. My Friend Degas. Ed. Mina Curtiss. Middletown, Conn., 1964, pp. 85-86, remarks, in a journal entry of January 21, 1896, that Degas had bought it and was very excited about his purchase.

Charles Sterling and Margaretta M. Salinger. French Paintings: A Catalogue of the Collection of The Metropolitan Museum of Art. Vol. 2, XIX Century. New York, 1966, pp. 10-11, ill., remarks on the influence of the Italian Mannerists.

Hans Naef. "Ingres und die Familie Leblanc." du-atlantis 26 (February 1966), pp. 121-34, colorpl. 4, publishes Ingres's drawings of the Leblanc family and quotes from his letters.

Michel Laclotte. "L'année Ingres." Revue du Louvre et des musées de France nos. 4-5 (1967), p. 194.

Daniel Ternois in Ingres. Exh. cat., Petit Palais. Paris, 1967, pp. 186-87, no. 128, ill.

Robert Rosenblum. Jean-Auguste-Dominique Ingres. New York, 1967, pp. 122-23, colorpl. 31, mentions that this portrait conveys the new mood of bourgeois respectability that began to appear in Ingres's female portraits in the 1820s; notes that her pose recalls David's "Mme Verninac" of 1799 (Louvre, Paris).

Ettore Camesasca in L'opera completa di Ingres. Milan, 1968, p. 101, no. 109, ill., and colorpl. 32.

Hans Naef. "Ingres to M. Leblanc: An Unpublished Letter." Metropolitan Museum of Art Bulletin 29 (December 1970), pp. 178-84, fig. 3, reproduces and translates a letter from Ingres to M. Leblanc thanking him for his great friendship and patronage; publishes a small note that secures the date of Isaure Place's auction as January 23, 1896.

Kenneth Clark. "Ingres: Peintre de la vie moderne." Apollo, n.s., 93, no. 111 (May 1971), p. 358, no. 5, ill., remarks that it is more severe in style than Ingres's earlier portraits.

Jacques Foucart. French Painting, 1774-1830: The Age of Revolution. Exh. cat., Galeries nationales du Grand Palais. New York, 1975, pp. 272, 512-14, no. 110, ill., discusses the idea put forth by Rosenblum [see Ref. Rosenblum 1967] that the pose of the sitter is derived from David's "Mme de Verniac" of 1799 (Louvre, Paris), noting the difference in treatment of space between Ingres and David.

Theodore Reff. Degas, The Artist's Mind. [New York], 1976, pp. 54, 88-89, 309 n. 53, p. 312 nn. 139-40, 144-45.

Hans Naef. "Degas acheteur des portraits de M. et Mme Leblanc." Bulletin du Musée Ingres no. 39 (July 1976), pp. 11-14, ill., provides details on the Place sale of 1896; publishes the procès-verbal of the sale, which says that the pendant portraits were bought by Durand-Ruel for Degas.

Lydie Huyghe in René Huyghe. La Relève de l'imaginaire. La Peinture française au XIXe siècle: Réalisme, romantisme. Paris, 1976, p. 463, comments that one can see the influence of Mannerist painters such as Bronzino in the works of Ingres, particularly in this painting.

Hans Naef. Die Bildniszeichnungen von J.-A.-D. Ingres. Vol. 2, Bern, 1978, pp. 438-48, fig. 1, discusses Ingres's relationship with the Leblanc family; reprints letters that relate to the Leblancs as patrons and friends.

Daniel Ternois. Ingres. Milan, 1980, pp. 65, 94, 179, no. 163, ill. (color and black and white).

Gaëtan Picon. Jean-Auguste-Dominique Ingres. 2nd ed. [1st ed. 1967]. New York, 1980, pp. 98, 143 [1st edition has different page numbers], detects a faint smile and a glint of irony in the eyes of Mme Leblanc.

Thérèse Burollet in Degas scultore. Exh. cat., Centro Mostre di Firenze. Milan, 1986, p. 55, states that Edgar Degas and Albert Bartholomé purchased the Leblanc pendant portraits together at the Hôtel Drouot sale but that the pictures stayed in Degas's possession and that the friendship of the two artists impeded Bartholomé from claiming his share of the paintings.

Jean Sutherland Boggs in Degas. Exh. cat., Galeries Nationales du Grand Palais, Paris. New York, 1988, p. 491, fig. 280, translates and publishes a letter from Bartholomé to Paul Lafond, which mentions Degas's purchase of the portraits.

Steven Henry Madoff. "Face to Face." Art News 88, no. 2 (February 1989), pp. 105-7, ill. (color).

Georges Vigne. Ingres. New York, 1995, pp. 157, 159-60 197, 328, 333, no. 107, colorpl. 133, publishes Ingres's Cahier X where it is listed under "Florence, 1820" as "id. [portrait a mi corps] Me Leblanc avec mains".

Katharine Baetjer. European Paintings in The Metropolitan Museum of Art by Artists Born Before 1865: A Summary Catalogue. New York, 1995, p. 401, ill.

Colin B. Bailey. "Renoir's Portrait of His Sister-in-Law." Burlington Magazine 137 (October 1995), p. 685.

Paul de Roux. Ingres. Paris, 1996, pp. 59-61, ill. (color, overall and details), remarks on the painter's concern to accurately render the details of Mme Leblanc's dress and accessories; notes that the black gauze of the sleeve seems disproportionate and static.

Michael Kimmelman. "At the Met with Wayne Thiebaud: A Little Weirdness Can Help an Artist." New York Times (August 23, 1996), p. C25, ill.

Paul Mitchell and Lynn Roberts. Frameworks: Form, Function & Ornament in European Portrait Frames. London, 1996, p. 424 n. 25.

Colin B. Bailey in Colin B. Bailey. Renoir's Portraits: Impressions of an Age. Exh. cat., National Gallery of Canada, Ottawa. New Haven, 1997, p. 106.

Ann Dumas in The Private Collection of Edgar Degas. Exh. cat., The Metropolitan Museum of Art. New York, 1997, pp. 3, 5-6, 12, 19-20, 26, fig. 21 (color), remarks that Degas considered this portrait and its pendant to be the high points of his collection.

Theodore Reff in The Private Collection of Edgar Degas. Exh. cat., The Metropolitan Museum of Art. New York, 1997, p. 147.

Susan Alyson Stein in The Private Collection of Edgar Degas. Exh. cat., The Metropolitan Museum of Art. New York, 1997, pp. 271, 279-81, 287-88, fig. 352 (color detail).

Rebecca A. Rabinow in The Private Collection of Edgar Degas. Exh. cat., The Metropolitan Museum of Art. New York, 1997, pp. 302, 304, 307, 309, 312, 317-22, 325, 333.

Gary Tinterow in The Private Collection of Edgar Degas. Exh. cat., The Metropolitan Museum of Art. New York, 1997, p. 76.

Michael Kimmelman. Portraits: Talking with Artists at the Met, the Modern, the Louvre and Elsewhere. New York, 1998, pp. 171-72, ill. [text similar to Kimmelman 1996].

Rebecca A. Rabinow. "Catharine Lorillard Wolfe: The First Woman Benefactor of the Metropolitan Museum." Apollo 147 (March 1998), p. 54, lists it among the works that were purchased with the Wolfe Fund.

Christopher Riopelle in Portraits by Ingres: Image of an Epoch. Ed. Gary Tinterow and Philip Conisbee. Exh. cat., The Metropolitan Museum of Art. New York, 1999, pp. 21, 234-35, 244, 256-58, 260-61, 406, 504, 517 n. 46, pp. 519-20 n. 123, pp. 548, 550, 554, no. 88, fig. 134 (color) and colorpl. 88, remarks that the shawl is embroidered with the letter E for Grand Duchess Élisa Bacchiochi, for whom Mme Leblanc was lady-in-waiting; notes that there are fifteen sketches for this painting, some of which reveal that the first idea was to paint Mme Leblanc seated with her daughter Isaure; cites Lenormant who wrote that Ingres had planned to exhibit a "Portrait of 1823" in the Salon of 1833, but it could not have been delivered on time, probably this portrait of Mme Leblanc, which would be exhibited the following year.

Valérie Bajou. Monsieur Ingres. Paris, 1999, pp. 184-85, 187, 224, 359 n. 22, colorpl. 133.

Nicholas Penny. Notes on Frames in the Exhibition "Portraits by Ingres". February 1999 [published on the National Portrait Gallery, London website: http://www.npg.org.uk/research/programmes/the-art-of-the-picture-frame/artist-ingres.php], suggests that the Leblanc portraits were reframed in Paris in the 1830s, possibly as proposed by Ingres.

Gary Tinterow, Charlotte Hale, and Eric Bertin. "'Portraits by Ingres: Image of an Epoch': Reflections, Technical Observations, Addenda, and Corrigenda." Metropolitan Museum Journal 35 (2000), pp. 195, 205, 213, figs. 16, 18 (overall and infrared reflectogram assembly detail), note that its format has been adjusted slightly and that infrared reflectography reveals changes to the armrest and figure's right arm, among other alterations.

Vincent Pomarède in Ingres: 1780-1867. Ed. Vincent Pomarède et al. Exh. cat., Musée du Louvre. Paris, 2006, pp. 159, 195, 200-201, 381, no. 56, ill. p. 198 (color).

Gary Tinterow in The Masterpieces of French Painting from The Metropolitan Museum of Art: 1800-1920. Exh. cat., Museum of Fine Arts, Houston. New York, 2007, pp. 20-21, 220-21, no. 2, ill. (color and black and white).

Richard Dagorne. "Le 'Portrait de Madame Reiset:' un important portrait féminin par Girodet." Revue du Louvre et des musées de France 60 (February 2010), p. 12.

Walter B. Denny. How to Read Islamic Carpets. New York, 2014, p. 136.

Helga Kessler Aurisch in High Society: The Portraits of Franz Xaver Winterhalter. Exh. cat., Augustinermuseum, Freiburg im Breisgau. Stuttgart, 2015, p. 99, compares it to Winterhalter's later "Countess Marie Jaubert" (1837, private collection).

Roberta Crisci-Richardson. Mapping Degas: Real Spaces, Symbolic Spaces and Invented Spaces in the Life and Work of Edgar Degas (1834-1917). Newcastle upon Tyne, 2015, pp. 307-8.

Kathryn Calley Galitz. The Metropolitan Museum of Art: Masterpiece Paintings. New York, 2016, pp. 10, 429, 520, 528, no. 324, ill. pp. 336, 429 (color).

Sophie Matthiesson in Henri Loyrette. Degas: A New Vision. Exh. cat., National Gallery of Victoria. Melbourne, 2016, p. 249.

Thérèse Burollet. Albert Bartholomé, 1848-1928. Paris, 2017, p. 82, discusses the joint purchase of the two Leblanc portraits by Degas and Bartholomé at the 1896 sale, citing Bartholomé for the price of 12,000 francs for the pair; cites Bartholomé's letters to Roll and Lapauze (both 1918) regarding Bartholomé's subsequent indulgence of Degas's wish not to separate the couple.

Jane R. Becker in Women Artists in Paris, 1850-1900. Exh. cat., Denver Art Museum. New Haven, 2017, pp. 57, 61, compares the painting of her hands to those of Marie Bracquemond's sister in both her drawing squared for transfer "Portrait of the Artist's Sister" (ca. 1860, Musée du Louvre, Paris) and her painting "Woman in the Garden" (1877, private collection).

Jane Munro. Degas: A Passion for Perfection. Exh. cat., Fitzwilliam Museum, Cambridge. New Haven, 2017, p. 64.

Diana J. Kostyrko. The Journal of a Transatlantic Art Dealer: René Gimpel 1918-1939. London, 2017, pp. 34, 38.

Susan Alyson Stein in Van Gogh in America. Ed. Jill Shaw. Exh. cat., Detroit Institute of Arts. Detroit, 2022, fig. 7 (installation photo of New York 1920).

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Jean Auguste Dominique Ingres | Madame Jacques-Louis Leblanc (Françoise Poncelle, 1788-1839) | The Metropolitan Museum of Art

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Gabriel Laviron. Le Salon de 1834. Paris, 1834, p. 316 [see Ref. Lapauze 1911], harshly criticizes its color; remarks that the red tones in her face are too extravagant, making her look as if she had a bloody nose, and, even stranger, that she does not appear to have blood flowing through her veins.

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Ingresa a la página web del Metropolitan Museum of Art y selecciona una obra.
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The Met’s Heilbrunn Timeline of Art History

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Works of Art | Heilbrunn Timeline of Art History | The Metropolitan Museum of Art

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The Met’s Timeline of Art History pairs essays and works of art with chronologies and tells the story of art and global culture through the collection.

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Julia Margaret Cameron, Retrato de Julia Jackson

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Julia Margaret Cameron, Retrato de Julia Jackson

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Retrato de Julia Jackson
Autor: Julia Margaret Cameron
Fecha: 1867
Técnica: Fotografía plata sobre gelatina

La fotografía de Julia Jackson muestra más allá de su retrato, permite ver el espíritu de la persona detrás de la lente.
Se observa a una mujer joven en posición frontal, con un vestido sencillo y el cabello ondulado y suelto, cubriendo los hombros.
El personaje mira directamente al espectador y permite ver su mirada profunda, ojos claros e inquisitivos, probablemente reflejo de un espíritu inquieto, curioso, que reta las ataduras de la sociedad en la que vive.
Me interesa la imagen porque creo que para llegar a esta fotografía tan íntima, la fotógrafa debe haber generado un vínculo muy cercano con sus retratados, para establecer confianza y poder llegar, a través del lente de su cámara, a retratar su alma.