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Fiche spectacle préparé par le Grand Bleu, Scène conventionnée d'intérêt national - Arts, enfance, jeunesse

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Fiche spectacle préparé par le Grand Bleu, Scène conventionnée d'intérêt national - Arts, enfance, jeunesse

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Pistes et prolongements autour du spectacle

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La plasticienne et scénographeEmilie Faïf, sur installaton "Station bébé mobile" en textile pour les bébés - Interview Radiofrance

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La plasticienne et scénographeEmilie Faïf, sur installaton "Station bébé mobile" en textile pour les bébés - Interview Radiofrance

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La plasticienne et scénographe Émilie Faïf

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Pour “Station Bébé Mobile” sa série de sculptures textiles autour du motif du corps humain

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"Station Bébé Mobile", une série de sculptures textiles autour du motif du corps humain imaginé par la plasticienne Emilie Faïf, 2020

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"Station Bébé Mobile", une série de sculptures textiles autour du motif du corps humain imaginé par la plasticienne Emilie Faïf, 2020

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Source et piste de recherche : illustration de "Les petits" de Marion Fayolle 

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Source et piste de recherche : illustration de "Les petits" de Marion Fayolle 

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Source et piste de recherche : Pillow talk- Begüm Erciyas

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Source et piste de recherche : Pillow talk- Begüm Erciyas

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Les Petits de Marion Fayolle a inspiré l’ univers du spectacle. C'est un recueil de poèmes dessinés qui parle de la complexité du processus de devenir parent. 

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Sélection des rédacteurs

L'avis de Ricochet

Qui sont " les petits " désignés par Marion Fayolle ? Les enfants, le bébé qui arrive aux premières pages ou, par retournement de situation, les parents de la fin de l'album ? Tous à la fois tant il est vrai que chacun d'entre nous est d'abord un " petit ". Par séquences successives, chronologiquement, Marion Fayolle construit un parcours de vie. C'est d'abord une fière jeune femme, brune, pieds nus, au ventre très rebondi, poussant allégrement une poussette. Tout de suite après, une jeune femme, finement dessinée, nue et blonde, donne le sein à un bébé hissé sur un chou ... un petit garçon sans doute...

Cette image surprenante " inaugure " la tonalité de ce livre entre réel et surréel. L'autrice titille son lecteur par des décalages amusés entre ce que disent les images et ce qu'elles suggèrent. Par jeu, elle trace des liens avec d'autres livres qu'elle a produits et le chou qui cache le sexe de la maman fait un clin d'œil à Coquins, une production précédente. Cet humour, cette distance cultivée entre la réflexion et sa traduction graphique réjouissent le lecteur qui s'engage avec elle le long du chemin. Couchés côte à côte sur une photocopieuse, un homme et une femme " produisent " des photocopies qui choient sur le sol et leur ressemblent ou pas, comme en témoigne leur surprise lorsque le tableau de l'enfant découvre l'enfant réel, celui que les parents n'attendaient peut-être pas ...

Car telle est la force de ce livre de Marion Fayolle : sous des dehors limpides, un trait fin qui cerne des silhouettes élégantes, elle pointe toutes les questions de la maternité, de la parentalité. Etre dévoré, dépassé par les petits, c'est l'apprentissage de la maman dont le ventre est vidé du fœtus et qui " remet " le bébé à son père ; celui des parents qui découvrent le bébé entre eux deux dans le lit conjugal. L'autrice déroule des scènes intemporelles : une mère universelle, en forme de grotte primitive, abrite une famille primordiale autour d'un feu. Elle décrit aussi les difficiles relations mère/fille, le détachement, la déchirure, mais aussi l'abnégation de la maman bouée, sans oublier les ruptures papa/maman. Les images où sont enchaînés les parents, les enfants, tantôt les uns, tantôt les autres sont drôles ou glaçantes, au choix du lecteur.

Et si le temps passe, si l'enfant grandit, dessine quelques rides au front de sa mère, si l'enfant a besoin de " tuer " ses parents pour trouver sa voie, on est émus par le dernier signal d'au revoir qu'ils lancent au fils qu'est devenu leur grand bébé qui prend son envol et va disparaître dans l'espace, les laissant, unis, liés, sur la rive...

Tout le savoir-faire de Marion Fayolle et des éditions Magnani est dans ce livre très fort que, petit ou grand, chacun peut apprécier. Sans une parole, dans l'élégance du format et la délicatesse du blanc, cet opus éveille la réflexion, il nous tend un miroir de situations, d'émotions sur les relations familiales, le dur métier de parents, sur un fil tendu entre humour et mélancolie, avec tendresse.

On complètera cette lecture par la très intéressante conférence de Julien Magnani et Marion Fayolle.

Présentation par l'éditeur

Une main qui berce, qui caresse, qui soutien et qui dessine sur la pointe des pieds quand l'enfant dort. Durant la première année de son fils, Marion dessine comme pour prendre une grande respiration. Ses images s'entassent, l'aident à penser, la questionnent, fixent ses émotions et adressent à son fils des souvenirs de sa grande métamorphose en maman. Après la parution de sa dernière bande

Les derniers avis de lecture

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Les petits | Marion Fayolle | Une main qui berce, qui caresse, qui soutien et qui dessine sur la pointe des pieds quand l'enfant dort. Durant la première année de son fils, Marion dessine comme pour prendre une grande respiration.

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Quelques conseils pour mieux apprécier la sortie au spectacle. A lire en classe avant la venue de la classe au Manège

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Potrait d'Emilie Faïf, scénographe et plasticienne du spectacle

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Potrait d'Emilie Faïf, scénographe et plasticienne du spectacle

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Emilie faïf est scénographe plasticienne. Sa pratique de la sculpture, de l'installation et des dispositifs participatifs s'inscrit dans une réflexion sur le vivant. Elle expérimente la matière textile comme une surface de contact, une interface sensible entre le dedans et le dehors, le corps et ce qui l'entoure. Emilie Faïf la travaille pour sa faculté à réagir au mouvement et pour ses multiples possibilités de transformation. Gonflé, structuré, soudé, rembourré, le tissu est utilisé comme une matière organique, capable de répondre à une recherche de formes en perpétuel mouvement. Le travail d'Émilie Faïf s'enrichit de nombreuses collaborations avec le monde de la mode, du théâtre et de la danse contemporaine, ainsi que de nombreux projets pour le jeune public. Ses œuvres sont exposées dans des musées, galeries, fondations et festivals en France et à l'international : le Centre Pompidou (Paris), Le Centre Mille Formes (Clermont Ferrand), la Fondation François Schneider (Watwiller), La Cité de la Mode et du Design (Paris) et bien d'autres.

L'univers d'Emilie Faïf a quelque chose de naturel et d'incongru. Car l'évidence, ici, est celle des rêves et les rêves épousent les couleurs et les contours de la réalité. Ils en dessinent une sorte de double où la lumière ne fait pas d'ombres, où le lourd devient léger, où les vœux ne retombent jamais. Et puis il y a le corps, ce continent dont on aimerait être familier et qui n'est peut être qu'un souffle, tendre et un peu monstrueux. Corps, Rêve, tout est là: le corps dans les rêves, les rêves dans la peau, le tissus entre les deux. Emilie Faïf sculpte le tissu mais à l'envers: car c'est dessous, derrière, au verso, quelque part à l'intérieur, que ça se joue.

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fondation caisse d'epargne ecureuil toulouse

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Interview avec Marion Muzac autour du spectacle

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Interview avec Marion Muzac autour du spectacle

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Flashdanse - Numéridanse

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Flash danse

Des interviews de 3 minutes où les artistes soutenu*e*s en résidence ont la parole !

Le petit B

Le petit B, duo chorégraphié par Marion Muzac est une aventure de la perception destinée à la petite enfance où les jeunes enfants pourront voir, sentir, toucher... Avec la plasticienne Emilie Faïf, Marion imagine un décor immersif fait de corps, de matières et de sons. Cette expérience momentanée est enveloppée par un univers musical envoûtant et hypnotique créé par les musicien·ne·s et chanteur·se·s Johanna Luz et Vincent Barrau.

Muzac, Marion

Marion Muzac se forme en conservatoire puis mène un cursus universitaire en commerce et communication. A New York, elle suit l'enseignement de la technique de Merce Cunningham et à Toulouse profite de la formation du Centre de Développement Chorégraphique. Elle enseigne la danse contemporaine à l'isdaT et au Conservatoire de Toulouse, où en 2013 elle devient responsable du département danse. Depuis 2001, elle mène simultanément des activités pédagogiques et des projets chorégraphiques. Elle rencontre Jérôme Brabant en participant en tant qu'interprète à une pièce de Marco Berrettini et ils fondent ensemble le UND und ballet [...], ils créent ensemble Roomy Dancing en 2002, GALA en 2003 et Pavillon en 2004. En 2008, elle crée avec le saxophoniste David Haudrechy le duo danse et musique hero hero, régulièrement présenté dans les écoles, collèges et lycées. En 2010, elle cosigne avec la plasticienne Rachel Garcia Le sucre du printemps, un projet chorégraphique pour 27 jeunes danseur.ses.
Après Toulouse, Le Sucre du printemps a été créé à Düsseldorf, à Paris au Théâtre national de Chaillot en collaboration avec le CND de Pantin et à Ramallah en Palestine. Suite à cette création, elle réalise un film documentaire 17 printemps avec la réalisatrice Sophie Laloy, sur le parcours initiatique d'un jeune danseur de 17 ans qui entre dans le monde adulte par l'expérience de la danse. En 2016, elle crée Ladies First, création pour 20 adolescentes qui rendent hommage aux pionnières de l'histoire de la danse contemporaine et collabore avec la plasticienne Emilie Faïf depuis ce jour. Ce projet est présenté dans les CDCN partenaires et le Théâtre de Chaillot. Avec Let's Folk !, création 2018, elle questionne l'accès des publics aux codes culturels et propose de travailler autour des danses dites " populaires " en alliant performance chorégraphique et participation des publics. Depuis septembre 2018, elle est artiste associée à la Scène nationale de La Rochelle où elle crée la pièce Etreinte(S) pour 14 danseur.ses amateurs et professionnels en novembre 2020. Avec ce projet elle souhaite mettre en avant des gestes fondamentaux comme celui de nous prendre dans les bras à l'heure du tout numérique. Cette même année elle crée la petite forme MU qui explore, par la danse, la culture populaire. À mi-chemin entre spectacle de danse, concert et performance visuelle, MU est une forme hybride, changeante et énigmatique, un pont entre les mythologies ancestrales et modernes. Depuis septembre 2019 elle est artiste associée à l'Estive Scène nationale de Foix et au théâtre le Rive Gauche, scène conventionnée danse à St Etienne du Rouvray.

Marion Muzac a été nommée Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres en septembre 2017.

Source : site de la compagnie https://www.marionmuzac.com/

Le petit B

Direction artistique / Conception : Marion Muzac

Chorégraphie : Marion Muzac

Assistance à la chorégraphie : Mathilde Olivares

Interprétation : Aimée Rose Rich, Valentin Mériot, Mostafa Ahbourrou, Maxime Guillon Roi-Sans-Sac, Florent Brun (2 interprètes en alternance)

Scénographie : Émilie Faïf

Musique originale : Johanna Luz, Vincent Barrau (Jell-oO)

Autres collaborations : Création avec : Aimée Rose Rich, Valentin Mériot, Mostafa Ahbourrou, Maxime Guillon Roi-Sans-Sac

Production / Coproduction de l'œuvre chorégraphique : Production : Le Gymnase CDCN Roubaix - Hauts-de-France pour le réseau LOOP - réseau pour la danse et la jeunesse, dans le cadre du projet de commande chorégraphique Les mouvements minuscules. Coproduction : Le Grand Bleu Scène Conventionnée d' Intérêt National Art Enfance et Jeunesse - Lille, L' Échangeur - CDCN Hauts-de-France, La Comédie de Clermont-Ferrand Scène nationale, La Manufacture - CDCN Nouvelle-Aquitaine Bordeaux - La Rochelle, Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis, Chaillot Théâtre National de la Danse - Paris, CND Centre National de la Danse, La Coursive Scène nationale I La Rochelle, Agence culturelle départementale Dordogne- Périgord, Le Rive Gauche - Scène conventionnée d' intérêt national art et création - danse Saint-Étienne-du-Rouvray, La Place de La Danse - CDCN Toulouse Occitanie dans le cadre du dispositif d' insertion professionnelle " En Dehors ", MZ Productions.

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Des interviews de 3 minutes où les artistes soutenu*e*s en résidence ont la parole !

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Le Petit B

Avec la plasticienne Émilie Faïf, la chorégraphe a imaginé un espace en transformation, fait de matières, de formes et de sons. Immergés dans ce paysage, les danseurs le modifient par des gestes doux, presque comme par magie. Les enfants peuvent à tout moment choisir d'y pénétrer, jouer, toucher, sentir, en repartir... Une aventure sensorielle portée en musique par l'énergie du Boléro de Ravel.

Source : programme du CND

Muzac, Marion

Marion Muzac se forme en conservatoire puis mène un cursus universitaire en commerce et communication. A New York, elle suit l'enseignement de la technique de Merce Cunningham et à Toulouse profite de la formation du Centre de Développement Chorégraphique. Elle enseigne la danse contemporaine à l'isdaT et au Conservatoire de Toulouse, où en 2013 elle devient responsable du département danse. Depuis 2001, elle mène simultanément des activités pédagogiques et des projets chorégraphiques. Elle rencontre Jérôme Brabant en participant en tant qu'interprète à une pièce de Marco Berrettini et ils fondent ensemble le UND und ballet [...], ils créent ensemble Roomy Dancing en 2002, GALA en 2003 et Pavillon en 2004. En 2008, elle crée avec le saxophoniste David Haudrechy le duo danse et musique hero hero, régulièrement présenté dans les écoles, collèges et lycées. En 2010, elle cosigne avec la plasticienne Rachel Garcia Le sucre du printemps, un projet chorégraphique pour 27 jeunes danseur.ses.
Après Toulouse, Le Sucre du printemps a été créé à Düsseldorf, à Paris au Théâtre national de Chaillot en collaboration avec le CND de Pantin et à Ramallah en Palestine. Suite à cette création, elle réalise un film documentaire 17 printemps avec la réalisatrice Sophie Laloy, sur le parcours initiatique d'un jeune danseur de 17 ans qui entre dans le monde adulte par l'expérience de la danse. En 2016, elle crée Ladies First, création pour 20 adolescentes qui rendent hommage aux pionnières de l'histoire de la danse contemporaine et collabore avec la plasticienne Emilie Faïf depuis ce jour. Ce projet est présenté dans les CDCN partenaires et le Théâtre de Chaillot. Avec Let's Folk !, création 2018, elle questionne l'accès des publics aux codes culturels et propose de travailler autour des danses dites " populaires " en alliant performance chorégraphique et participation des publics. Depuis septembre 2018, elle est artiste associée à la Scène nationale de La Rochelle où elle crée la pièce Etreinte(S) pour 14 danseur.ses amateurs et professionnels en novembre 2020. Avec ce projet elle souhaite mettre en avant des gestes fondamentaux comme celui de nous prendre dans les bras à l'heure du tout numérique. Cette même année elle crée la petite forme MU qui explore, par la danse, la culture populaire. À mi-chemin entre spectacle de danse, concert et performance visuelle, MU est une forme hybride, changeante et énigmatique, un pont entre les mythologies ancestrales et modernes. Depuis septembre 2019 elle est artiste associée à l'Estive Scène nationale de Foix et au théâtre le Rive Gauche, scène conventionnée danse à St Etienne du Rouvray.

Marion Muzac a été nommée Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres en septembre 2017.

Source : site de la compagnie https://www.marionmuzac.com/

Centre national de la danse, Réalisation

Depuis 2001, le Centre national de la danse (CND) réalise des captations de ses programmations de spectacle et de pédagogie et crée des ressources à partir de ces représentations filmées (interviews, conférences dansées, rencontres avec des artistes, démonstrations, grandes leçons, colloques spécialisés, montages thématiques, etc.).

Le Petit B

Direction artistique / Conception : Marion Muzac

Chorégraphie : Marion Muzac

Assistance à la chorégraphie : Mathilde Olivares

Interprétation : Mostafa Ahbourrou, Maxime Guillon Roi-Sans-Sac

Scénographie : Émilie Faïf

Musique originale : Johanna Luz, Vincent Barrau (Jell-oO)

Production / Coproduction de l'œuvre vidéo : Enregistré au CND le 9 février 2023

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Avec la plasticienne Émilie Faïf, la chorégraphe a imaginé un espace en transformation, fait de matières, de formes et de sons. Immergés dans ce paysage, les danseurs le modifient par des gestes doux, presque comme par magie. Les enfants peuvent à tout moment choisir d'y pénétrer, jouer, toucher, sentir, en repartir...

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Feuille de salle le petit B - Centre National de la Danse CND

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Feuille de salle le petit B - Centre National de la Danse CND

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" Je n'ai écrit qu'un seul chef d'œuvre dans ma vie, et il n'y a pas de musique dedans " ironisait Ravel à propos de son Boléro. Pas de musique ? Ou, devrait-on dire plutôt, pas de développement ? Car un seul et unique thème, obsédant, répété sans cesse, traverse la partition. Une idée radicale qui témoigne d'un extraordinaire tour de force, d'un génie de l'orchestration, d'un art d'accommoder les timbres dont le compositeur français avait le secret. Ce principe de composition révolutionnaire a fait du Boléro l'une des œuvres les plus fascinantes du répertoire qui demeure, aujourd'hui encore, l'une des plus populaires au monde.

Avec son Boléro, Ravel célèbre l'Espagne qui le captive depuis l'enfance

C'est à la demande de son amie et mécène, la danseuse Ida Rubinstein, que Ravel compose ce qui devait être " un ballet à caractère espagnol ". Songeant, dans un premier temps, à orchestrer des pièces tirées de la suite pour piano Iberia d' Isaac Albeniz, il opte finalement pour une œuvre originale basée sur un rythme de Boléro, danse traditionnelle andalouse. Car Ravel était fasciné par l'Espagne qui coulait dans ses veines grâce à sa mère, d'origine basque.

Cet engouement pour la culture ibérique était en vogue dans la France artistique du XIXème siècle mais n'avait rien d'anecdotique chez Ravel. Son rapport à l'harmonie, aux couleurs et, bien entendu, aux rythmes témoigne de son profond amour pour une Espagne folklorique, authentique, qu'il parvient à fantasmer dans son propre langage. Certaines de ses œuvres s'en font l'écho : la Pavane pour une infante défunte, L'Heure espagnole, l' Alborada del gracioso ou encore la Rhapsodie espagnole. Autant de pièces à travers lesquelles le souffle hispanique se marie à une esthétique qui n'en demeure pas moins française et personnelle.

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Ravel se lance dans la composition d'un nouveau ballet à la demande d'une excentrique danseuse russe

Presque 10 ans se sont écoulés depuis son dernier ballet, La Valse. Avec Le Boléro, le compositeur revient donc à un genre où il s'est déjà brillamment illustré. On a souvent écrit que Ravel l'aurait composé à la dernière minute, en cette année 1928, suite à la demande d'Ida Rubinstein, ex-danseuse des Ballets russes et icône du Paris de la Belle Epoque. Les lettres du musicien (qui ont fait l'objet d'une édition monumentale grâce au travail acharné de Manuel Cornejo) nous prouvent, aujourd'hui, qu'il aurait eu l'idée de ce thème et de ce grand crescendo orchestral dès 1925.

Ainsi trouve-t-on la mention d'une Danse grotesque Fandango pour un ballet, commandé en 1923, qui ne vit jamais le jour. S'y devinent les racines du futur Boléro. " J'avais entrepris pour Ida Rubinstein un travail sans intérêt qu'après un échange il nous a fallu abandonner. Je lui ai alors proposé de réaliser une machine dont j'eus l'idée il y a quelque 3 ans et que je n'aurais jamais mise à exécution, sans crainte d'être saboté. Tout le monde est ravi. " écrit-il à l'une de ses amies, en septembre 1928. C'est le 15 octobre " très exactement ", comme il l'indique dans une de ses lettres, que Ravel met un point final à sa partition, avant d'entamer une tournée en Espagne qui l'empêchera d'assister à la création de son œuvre le 22 novembre, à l'Opéra de Paris.

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La création du Boléro suscite enthousiasme et remous dans le monde artistique français

Le tout Paris se presse à l'Opéra en ce soir du 22 novembre 1928 pour assister à la création du nouveau ballet de Ravel, associé à d'autres pages chorégraphiques signées Arthur Honegger et Darius Milhaud. Dans la fosse, l'orchestre Straram dirigé par son chef Walther Straram et sur scène, Ida Rubinstein avec ses danseurs, sur une chorégraphie de Bronislava Nijinska, des costumes d'Alexandre Benois et des décors signés Oreste Allegri. Dans la salle, se croisent Stravinsky, Misia Sert ou encore la princesse de Polignac. Serge de Diaghilev est aussi présent et décrit, avec ironie et sévérité, ce spectacle qui " suait l'ennui provincial " à ses yeux : " Tout y était long, y compris Ravel qui ne dure pourtant que 14 minutes.  Le pire était Ida. Voûtée, une tignasse rousse, sans chapeau, avec des chaussons de danse pour paraître plus petite. Elle est incapable de danser quoi que ce soit. Dans le Boléro, elle est restée un quart d'heure à tourner maladroitement sur une grosse table. "

Le public réserve, cependant, un bel accueil à la nouvelle création de Ravel, pourtant si déroutante, tandis que la presse salue " la somptuosité ", " les dons singuliers ", " le triomphe de la maîtrise technique ", " le délice d'élégance " et " le tour de force éblouissant " du compositeur. Des légendes, des rumeurs s'alimentent également. On raconte ainsi qu'une spectatrice aurait crié " Au fou ! " et que Ravel aurait déclaré : " Celle-là, elle a compris ". Le spectacle fait, rapidement, l'objet de plusieurs représentations à Bruxelles, Monte-Carlo, Milan et Londres. Ravel dirige la reprise à Paris, en mai 1929, en présence de Serge Prokofiev, ainsi que la version de concert, le 11 janvier 1930, salle Gaveau, à la tête des Concerts Lamoureux.

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Le nouveau ballet de Ravel connait un succès planétaire immédiat.

Le Boléro fait rapidement le tour du monde et résonne, pour la première fois, aux Etats-Unis, en novembre 1929, sous la direction d'Arturo Toscanini, à la tête du New York Philharmonic. Le célèbre chef inscrit, d'emblée, l'œuvre à son répertoire et la défend sur les plus grandes scènes internationales, avec une liberté quant au choix du tempo, particulièrement rapide (il enregistrera même, en 1940, la plus courte version du Boléro, d'à peine 12 minutes). Mais un concert du maestro italien à Paris, en mai 1930, irrite le compositeur. " Si l'on m'a vu à l'Opéra, c'est que je savais que Toscanini prenait un mouvement ridicule dans le Boléro, et voulais le lui dire, ce qui a consterné tout le monde, à commencer par le grand virtuose " confie-t-il à une amie. On parlera même, dans les journaux, d'une " affaire " Toscanini-Ravel. Outre le chef italien, Wilhelm Furtwängler, Serge Koussevitzky, Willem Mengelberg ou encore Pierre Monteux se feront les premiers grands ambassadeurs du Boléro.

West-Eastern Divan Orchestra, dir. Daniel Barenboim

Une œuvre déroutante et fascinante qui s'inscrit dans la modernité.

Face à ce succès, Ravel ne peut cacher son étonnement : " Je voudrais surtout qu'il n'y ait pas de malentendu sur ce travail. Il s'agit d'une expérience d'un type très particulier. Avant sa première représentation, j'avais prévenu que ce morceau de 17 minutes n'était constitué que d'un unique et long crescendo ininterrompu. Il n'y a pas de contrastes, et pratiquement pas d'innovation à l'exception de la structure et du mode d'exécution... l'écriture est simple et directe du début à la fin, sans la moindre recherche de virtuosité. "

Mais serait-ce justement la simplicité de son principe de composition qui lui donne une telle force, permettant ainsi à Ravel de déployer son génie de coloriste ? Car ici, tout n'est que répétition et amplification. Une cellule rythmique, jouée à la caisse claire, sur un tempo invariable, soutient la partition de bout en bout, tandis que s'ajoutent peu à peu de nouveaux instruments à chaque retour de l'unique thème, créant un vaste et saisissant crescendo orchestral. Ainsi, une ritournelle de deux mesures à peine, est-elle répétée pas moins de 169 fois. Point de monotonie pourtant, car les couleurs changent en permanence jusqu'à ce qui s'apparente à un écroulement final avec une force brutale presque sauvage.

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Si l'œuvre inspirera tout naturellement le mouvement de musique répétitive qui se développa aux Etats-Unis dans les années 1960 avec Terry Riley et Steve Reich, elle s'inscrit également dans le cadre de la naissance du machinisme et de l'industrialisme en musique. " Nous avons mis en musique la nature, la guerre et cent autres thèmes, et je m'étonne que les musiciens n'aient pas encore saisi les merveilles du progrès industriel. Honneger, Mossolov, Schönberg et d'autres ont puisé une bonne part de leur inspiration dans les machines. Quant à mon Boléro, c'est à une usine que je dois de l'avoir conçu. Un jour, j'aimerais le donner avec un vaste ensemble industriel en arrière-plan. " écrit Ravel. L'œuvre apparaît, en outre, profondément subversive de part son érotisme que n'ont pas manqué de célébrer les si nombreux chorégraphes qui se sont emparés de la partition. Une étude récente place même le Boléro en 3ème position des pièces musicales les plus écoutées pour accompagner les nuits d'amour !
Laure Mézan

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Le "Boléro" de Ravel : découvrez son histoire

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" Je n'ai écrit qu'un seul chef d'œuvre dans ma vie, et il n'y a pas de musique dedans " ironisait Ravel à propos de son Boléro. Pas de musique ? Ou,

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Lola la footeuse - Marie Nollet - Renaud Collin (illus.) - Erasme (nov 2022) Lola veut jouer au football mais il n’y a pas d’équipe de filles dans sa ville. Sur les conseils de sa maman, elle s’inscrit à la danse. Lorsque la troupe prépare un spectacle, Lola a une idée de génie : inclure un ballon dans la chorégraphie. Ses copines danseuses se prennent au jeu et voilà qu’elles veulent toutes faire du foot. Un QR code permet d’accéder à une version animée de l’histoire. (à partir de 4 ans)