# data[].attributes.body
Cours tous les mardis de 19h15 à  20h45

# data[].attributes.body
Vidéos et  dossiers thématiques  à  consulter

# data[].attributes.body
https://www.cairn.info/revue-reperes-cahier-de-danse-2011-2-page-28.htm

Voici un article très intéressant sur la mémoire corporelle et bien d'autres.
Bonne lecture!
Isabelle

# data[].attributes.body
https://www.rosas.be/fr/news/733-video-conference-d-anne-teresa-de-keersmaeker-au-college-de-france

Voici le lien pour écouter cette magnifique conférence à laquelle j'étais présente. On pourra en reparler ensemble.

# data[].attributes.body
https://youtu.be/zIxPTpxvxyc

Bonjour à tous
Voici le lien musical pour la composition sur la chaise, la durée entre 1' et 2'  voir plus si vous avez envie, prévoir une entrée et une sortie du cadre.
C'est un premier jet bien sûr à  travailler par la suite .Vous pouvez aussi utiliser d'autres musiques pour composer si celle-ci ne vous inspire pas.
Bon travail  à  tous
et à mardi.
Isabelle

# data[].attributes.body
https://youtu.be/apEzV4W4gco

Je vous envoie cette vidéo pour  vous donner quelques sources d'inspiration  pour votre composition.
La contrainte d'espace est au cœur de sa pièce avec pour décor, une chaise.

Je vous enverrai d'autres vidéos pour nourrir vos compositions et votre curiosité.

# data[].attributes.body
https://www.numeridanse.tv/videotheque-danse/echad-mi-yodea

La suite..

# data[].attributes.body
https://www.numeridanse.tv/videotheque-danse/wrapped
Dans cette vidéo, il est question d'un duo mais on peut le penser en solo. La légèreté , l'humour et la précision des mouvements  sont présents dans ce travail.

# data[].attributes.body
https://www.numeridanse.tv/videotheque-danse/petit-psaume-du-matin

Voici le lien du duo dont je vous parlais hier avec deux magnifiques danseurs, Josef Nadj et Dominique Mercy.

Observez le rapport aux objets , au temps, aux qualités de mouvement, et aussi la création d'un personnage par la danse-théâtre.

# data[].attributes.body
https://www.facebook.com/PhilippeSolanodanseur/videos/2585222161798700/?sfnsn=scwspmo

A la demande de Sarah, je vous transmets le lien pour la séance de gainage à  faire sans modération, c'est un kinésithérapeute qui l 'a créé.

# data[].attributes.body
Cultures choregraphiques Fabrice Merlen

# data[].attributes.headline
Voici le lien pour ouvrir le dossier de Fabrice Merlen

# data[].attributes.subject
Voici le lien pour ouvrir le dossier de Fabrice Merlen

# data[].attributes.body
https://padlet-uploads.storage.googleapis.com/597306218/afb90be8448fb559b391791244bb933c/proxy.pdf

# data[].attributes.body
Roaratorio de Merce Cunningham , pour faire écho  au document de Fabrice Merlen. Appuyer sur le logo bleu pour l'ouvrir.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Add video to a playlist

The video has been added successfully.

The video is already in this playlist.

You must be a member to enjoy all functionalities Login Register

You must be a member to view this playlist Login Register

Delete my video history Are you sure you want to delete the history? Yes No

Delete my search history Are you sure you want to delete the history? Yes No

Create a playlist Description of the playlist The description is limited to to a length of 500 characters Statut de la playlist :

Embed the video Embed the video on your website

Delete the playlist Are you sure you want to delete the playlist ? Yes No

Configure access Keep your playlist privateMake your playlist public
(Only you can see it)
(and share it with the rest of users) Yes No

Help By default, the search engine returns results for all founded words. For an advanced search, please use ":"
(eg: ":hiphop && breakdance")

You can use thoses operators :
AND (&&), OR (||), NOT, (! or -)

To use the NOT operator correctly, the second word needs to be written just after the exclamation mark, without space (e.g. ":merzouki !hip hop").

Information Your submission has been sent

Video information

Google Chrome Web Browser's video policy changed since version 66 : Video playlist can't be played automatically.

For the best experience of Numeridanse, we recommand you to use Mozilla Firefox.

Exclusively for artists/companies, directors.

options:

Virtual exhibition tool

Independent management and promotion of your work

Unlimited number of contributor account administrators

Guest account creation

No advertising on the site or videos

Site available in French and English

HTML5 player ready

Unlimited bandwidth

Shareable private links

Unlimited uploads

Secure data storage

+ Technical support

Artists, companies, organisations, production agencies, libraries and resource centres, local authorities, festivals, performance centres, arts councils and foundations, directors, associated professionals.

options:

Virtual exhibition tool

Independent management and promotion of your work

Unlimited number of contributor account administrators

Guest account creation

No advertising on the site or videos

Site available in French and English

HTML5 player ready

Unlimited bandwidth

Shareable private links

Unlimited uploads

Secure data storage

+ Technical support

+ Advice and support to create video content, further training in cataloguing, browsing, researching documents and organising video content (virtual exhibitions, playlists, etc.)

Promote your video collection

Unlike more generic platforms, Numeridanse offers a platform dedicated to dance and is run by professionals - La Maison de la Danse and Centre national de la danse.
Numeridanse is an internationally renowned site used by artists, arts professionals, journalists, researchers, teachers, dance enthusiasts, etc.

Guaranteed access to an exclusive video collection

Only dance professionals can open PRO and PRO+ accounts and exhibit their content on the platform. You are contributing to the history of dance. By appearing on Numeridanse your videos are made available to everyone.

Roaratorio

(1983 - reprise 2010)
Choreography : Merce Cunningham

Music : John Cage

Created by John Cage, based on Finnegans Wake by James Joyce, Roaratorio is a completely crazy project that was intentionally unfinished, tending towards the infinite. Roaratorio is an atypical piece amongst
the works of Merce Cunningham. The choreography seems to give body to James Joyce's literature, like an incarnation of the tongue beyond language.
Générique
Choreography : Merce Cunningham

Music : John Cage, " Roaratorio, an Irish Circus on Finnegans Wake "

Set, light : Mark Lancaster

With : Brandon Collwes, Dylan Crossman, Julie Cunningham, Emma Desjardins, Jennifer Goggans, John Hinrichs, Daniel Madoff, Rashaun Mitchell, Marcie Munnerlyn, Krista Nelson, Silas Riener, Jamie Scott, Robert Swinston, Melissa Toogood, Andrea Weber

Reprise 2010 : Patricia Lent, Robert Swinston

Duration : 1 heure
Filmed by Marie-Hélène Rebois for the special journey about "Montpellier Danse 30 years old " - Arte july 3rd 2010 Production : Leslie Grunberg, les films Pénélope

Cunningham, Merce

Born in Centralia, Washington on April 16, 1919, Cunningham began his career as a modern dancer at the age of 20, dancing for six years with the Martha Graham Dance Company. He presented his first recital in 1944, and formed the Merce Cunningham Dance Company in 1953. The company was a living canvas for his experimentation and the creation of his unusual pieces.
Over his long career he choregraphed more than 150 pieces and more than 800 Events. Many dancers studied and worked with Cunningham before founding their own companies, among them Paul Taylor, Trisha Brown, Lucinda Childs and Karole Armitage ... He collaborated with many artists; his collaboration with John Cage had the most influence on his practice.
Together Cunningham and Cage proposed a series of radical innovations in dance. The most famous and controversial of these dealt with the relationship between dance and music, able to co-exist in the same space and time but needing to be conceived independently of each other.
Cunningham continued to experiment and innovate throughout his life, and he was one of the first to use new technologies in his own art form. He choreographed and taught almost until the day he died, July 26, 2009, and received many awards and accolades. Cunningham's life and work have inspired the publication of four books and three important exhibitions; several of his pieces have been presented by other prestigious companies such as American Ballet Theatre, the Ballet de Lorraine, the New York City Ballet, the Paris Opera Ballet, the Rambert Dance Company in London and the White Oak Dance Project.

Source: CCN-Ballet de Lorraine

More information: www.mercecunningham.org

Cage, John

Working during the heyday of Abstract Expressionism, John Cage honed his skills in the midst of the growing American avant garde. Neither a painter or a sculptor, Cage is best known for revolutionizing modern music through his incorporation of unconventional instrumentation and the idea of environmental music dictated by chance. His approach to composition was deeply influenced by Asian philosophies, focusing on the harmony that exists in nature, as well as elements of chance. Cage is famous not only for his radical works, like 4'33" (1952), in which the ambient noise of the recital hall created the music, but also for his innovative collaborations with artists like Merce Cunningham and Robert Rauschenberg. These partnerships helped break down the divisions between the various realms of art production, such as music, performance, painting, and dance, allowing for new interdisciplinary work to be produced. Cage's influence ushered in groundbreaking stylistic developments key to contemporary art and paved the way for the postmodern artistic inquiries, which began in the late 1960s and further challenged the established definition of fine art.

Source: theartstory.org

Rebois, Marie-Hélène

Marie-Hélène Rebois is a French director born in Nancy. Alongside literary studies (literature preparatory studies for "les grandes écoles", a Master's in literature, history of art and philosophy) and theatrical training with the director Jean-Marie Villégier and the Festival international de théâtre de Nancy, her home town, Marie-Hélène Rebois produced her first short films and became a filmmaker. In her films, she develops her favourite themes, always related to the expression of social issues and artistic creation, where family sagas, interior journeys, religion, writing, music, painting, opera and dance play a large role.
She collaborated in the educational work of the production department of La Femis from 1992 to 1997. She worked for one year with the Montpellier Danse Festival to produce a film on the history of the festival ( Montpellier Danse 1980-2000) and a special evening for Arte ( Montpellier Danse 2000, points de vue d'Afrique). This programme received a special mention at the 11th Grand Prix international video danse. In 2003, her film Ribatz, Ribatz ou le Grain du temps was awarded the French selection prize at the Festival international de cinéma de Marseille. She also produced for the Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris a film on the analysis of the body in danced movement: Le Geste créateur as well as, for the SACD (Society of Dramatic Authors and Composers), a short film on a circus act Rondeau pour un fardeau, a piece with lifts, together with portraits of the pianist Vanessa Wagner, the choreographer Jean-Claude Gallotta, and the Italian puppeteer Laura Kibel. In Dialogue avec les fauves, broadcast on Arte, she shows just how far man can go in communication with wild animals, with what language and with what gestures. Noces d'or, la mort du chorégraphe, broadcast on France 2, is the last part of the trilogy that Marie-Hélène Rebois imagined and started after the death of the French choreographer Dominique Bagouet (the first two parts were Histoire d'une transmission, So Schnell à l'Opéra, 1999, and Ribatz, Ribatz ou le Grain du temps, 2003). She has since produced three documentaries for Arte: Maguy Marin, la danse cachée; Montpellier Danse, 1980-2010, Zigzag, for the 30 years of the Montpellier Danse Festival and Merce Cunningham, la danse en héritage, where she follows the last tour paying tribute to the man who was one of the leading artists of the 20th century. Alternating rehearsal periods, images from archives, and interviews, her film raises the issue of the transmission of a truly intangible heritage. In 2016, her last film, Dans les pas de Trisha Brown, was selected for the Festival international de cinéma de Marseille.

Sources : Ardèche Image ; Film-documentaire.fr ; CMCA

Roaratorio

Choreography : Merce Cunningham

Interpretation : Brandon Collwes, Dylan Crossman, Julie Cunningham, Emma Desjardins, Jennifer Goggans, John Hinrichs, Patricia Lent, Daniel Madoff, Rashaun Mitchell, Marcie Munnerlyn, Krista Nelson, Silas Riener, Jamie Scott, Robert Swinston, Melissa Toogood, Andrea Weber

Original music : John Cage, " Roaratorio, an Irish Circus on Finnegans Wake "

Settings : Mark Lancaster

Production / Coproduction of the video work : Production : Leslie Grunberg, les films Pénélope

John Cage

John Cage
John Cage was born in 1912 in Los Angeles, and died on August 12, 1992. Composer and thinker, he was part of the American avant-garde for a number of years-perhaps the American composer which had the greatest impact on all contemporary music. Constantly exploring new possibilities, John Cage's music always found different ways of expression: prepared piano, radios, unusual percussion instruments, electric and electronic sounds, chance, the I Ching, silence... During the 1960s, his quest was directed toward a greater integration of life in art, a quest met by many vicious attacks.

Our videos suggestions

Our themas suggestions

# data[].attributes.attachment_link.description
(1983 - reprise 2010) Choreography : Merce Cunningham Music : John Cage Created by John Cage, based on Finnegans Wake by James Joyce, Roaratorio is a completely crazy project that was intentionally unfinished, tending towards the infinite. Roaratorio is an atypical piece amongstthe works of Merce Cunningham.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Ajouter cette vidéo à une playlist

La vidéo a été ajoutée avec succès.

La vidéo est déjà présente dans la playlist.

Vous devez être membre pour profiter de toutes les fonctionnalités Se connecter S'inscrire

Vous devez être membre pour voir cette playlist Se connecter S'inscrire

Supprimer mon historique vidéo Êtes-vous sûr de vouloir supprimer l'historique ? Oui Non

Supprimer mon historique de recherche Êtes-vous sûr de vouloir supprimer l'historique ? Oui Non

Créer une playlist Description de la playlist La description est limitée à 500 caractères Statut de la playlist :

Intégrez la vidéo Intégrez la vidéo sur votre site web

Supprimer la playlist Êtes-vous sûr de vouloir supprimer la playlist ? Oui Non

Configurer l'accès Garder votre playlist privéeRendre votre playlist publique
(elle ne sera visible que par vous)
(et partagez-là avec les autres utilisateurs) Oui Non

Help Par défaut, la recherche retourne les résultats pour tous les mots trouvés. Pour une recherche avancée, préfixez votre recherche par ":"
(ex ":hiphop && breakdance").

Vous pouvez utiliser les opérateurs suivants: AND (&&), OR (||), NOT (! ou -)

Pour utiliser l'opérateur NOT correctement, le deuxième mot doit être écrit juste après le point d'exclamation, sans espace (e.g. ":merzouki !hip hop").

Information Votre soumission a été envoyé

Informations vidéo

La politique vidéo du navigateur Google Chrome a été modifiée depuis la version 6.6 : les playlists vidéo ne peuvent pas être lues automatiquement

Pour une meilleure expérience sur Numeridanse, nous vous recommandons d'utiliser Mozilla Firefox

Uniquement accessible aux artistes/compagnies, réalisateurs

les options :

Outil de création d'expositions virtuelles

Gestion et valorisation de ses ressources en autonomie

Nombre illimité de gestionnaires du compte "contributeur"

Création de comptes invités

Aucune publicité sur le site et les vidéos

Site bilingue français-anglais

Player HTML5 exportable

Bande passante illimitée

Partage de liens privés

Pas de limite de volume

Stockage sécurisé

+ Assistance technique

Artiste, compagnie, association, bureau de production, centre ressource, collectivité territoriale, festival, lieu de diffusion et de création, mécène et fondation, réalisateur, réseau.

les options :

Outil de création d'expositions virtuelles

Gestion et valorisation de ses ressources en autonomie

Nombre illimité de gestionnaires du compte "contributeur"

Création de comptes invités

Aucune publicité sur le site et les vidéos

Site bilingue français-anglais

Player HTML5 exportable

Bande passante illimitée

Partage de liens privés

Pas de limite de volume

Stockage sécurisé

+ Assistance technique

+ Conseils et accompagnement dans la création de contenus vidéos, formation complémentaire en catalogage, navigation, recherche de documents et organisations de contenus vidéos (expositions virtuelles, playlists, etc.)

Promouvoir sa collection vidéo

Les plateformes vidéos généralistes sont utilisées pour la promotion d'un artiste et d'une œuvre. Mais Numeridanse offre un environnement dédié au monde de la danse, tant par ses outils de recherche que par l'éditorialisation du contenu que la plateforme propose. Ainsi les œuvres et leurs auteurs sont facilement accessibles et ce durablement.
Numeridanse est un site de référence reconnu et utilisé par les amateurs de danse, les professionnels de la culture, les pédagogues, les journalistes, les chercheurs, etc.

Garantir l'accès à un fonds vidéo unique

Seuls les professionnels de la danse peuvent ouvrir un compte PRO et PRO+ et proposer leurs ressources vidéo sur la plateforme. Vous êtes garants d'une histoire de la danse. En étant déposé sur Numeridanse votre fonds d'archive vidéo devient accessible à tous.

Barroco

Conception et danse Dominique Duszynski, Ennio Sammarco
Création et interprétation musicale Josselin Varengo
BARROCO : mot portugais, utilisé en joaillerie pour indiquer une perle irrégulière. A l'origine du mot " baroque ", courant artistique et littéraire du XVIIe siècle, étrange esthétique de l'exubérance en réaction au dépouillement et à la rigueur luthérienne.
Barroco naît d'abord de la volonté de Dominique Duszynski et Ennio Sammarco de s'offrir la possibilité d'une rencontre artistique. Deux interprètes aux parcours totalement distincts qui pourtant n'ont pas cessé de se croiser. Deux auteurs chorégraphiques qui poursuivent normalement leur recherche artistique sur des voies différentes.
Ensemble, ils choisissent comme point de départ certaines compositions de Dave Brubeck. Pour leur rythmique impaire, au caractère répétitif, obstiné et ce sens du swing, de la légèreté, de la rondeur et de l'insouciance. Barroco explore le principe de liberté au cœur d'un cadre extrêmement structuré.
Avec la précieuse complicité de Josselin Varengo, musicien de la scène lyonnaise et familier des projets des Woo, cette référence musicale si familière est perturbée, détournée. Il en extrait d'autres perspectives sonores qui affectent les deux corps dansants. C'est un dialogue à trois : chacun suscite, auprès des deux autres protagonistes, de nouvelles réponses sonores et chorégraphiques, joue de son apparition et de sa disparition.
Forme triangulaire qui n'exclut pas la singularité et la figure du double, où l'affirmation de soi côtoie la disponibilité à l'autre, Barroco est une étrange création. L'élégante nonchalance et l'extrême rigueur du geste s'accordent en un même souffle, jubilatoire et libertaire, nécessaire.
Source : Association Woo

Générique

Conception et danse Dominique Duszynski et Ennio Sammarco
Création et interprétation musicale Josselin Varengo
Production Association woo
Remerciements Summer Studio's Brussels et DCJ Werkplaatsen, Bruxelles ; I.U.F.M., Lyon , Le Croiseur, Lyon ; CND Rhône-Alpes.

Réalisation vidéo : Charles Picq
Production : Maison de la Danse

Mise à jour : août 2011

Duszynski, Dominique

Après dix années passées dans la Compagnie de Pina Bausch où elle a dansé dans des spectacles mythiques tels que "Le Sacre du Printemps", "Kontakthof", "Arien", 1980, et bien d'autres encore, Dominique Duszynski poursuit son travail de recherches et d'expérimentations en enseignant mais aussi en créant des chorégraphies pour danseurs et acteurs.

Elle est, entre autres, professeur à P.A.R.T.S (Bruxelles), école créée par A.T de Keersmaeker en 1995. Son approche de la danse s'est construite sur l'art du mouvement chez Pina Bausch et est directement inspiré des éléments de dynamique et d'espace développés par Laban.

Dominique Duszynski propose une danse fluide et dynamique. Elle développe une conscience anatomique qui permet d'affiner précision et énergie dans le mouvement. Le cours commence par une recherche des contacts et appuis sur le sol, pour, au fur et à mesure, entrer dans l'espace spiral et vertical. Les phrases de danse touchent diverses qualités de mouvement : glissé, lancé, dissocié, séquencé, transféré, tilt, suspension...

De léger à tonique, le mouvement du poids est toujours présent et ouvre l'espace à la musicalité et à l'instinct.
Formation

De formation classique et contemporaine, Dominique Duszynski a débuté son apprentissage à Liège, à l'Opéra Royal de Wallonie avec J. Douat. Elle a continué ses classes à Bruxelles et participé à de nombreux stages internationaux entre Cologne, Paris et, d'autres villes en Europe et aux Etats-Unis.

Dès l'âge de 16 ans, elle prend ses premiers cours de yoga pour plus tard se tourner vers le Tai-chi et ensuite, le Kinomichi.

Source : Site de l'Association Woo

En savoir plus
associationwoo.free.fr

Sammarco, Ennio

Italien, doté d'une maîtrise en Economie Internationale, il découvre tard sa passion pour les arts de la scène. Après différentes expériences en théâtre et danse, en Italie comme à l'étranger, il focalise son intérêt autour du mouvement de la danse contemporaine française et en 1995 intègre la Compagnie Maguy Marin, à l'époque à Créteil. Une longue collaboration s'en suit et encore aujourd'hui il partage sa propre recherche chorégraphique avec son travail d'interprète pour la
Compagnie Maguy Marin (dernière création : "Salves," création 2010). Depuis 2005 il co-dirige l'Association Woo aux cotés de Jean-Emmanuel Belot et Stéphanie Thomas et développe d'étroites collaborations avec d'autres artistes tels que Dominique Duszynski, Josselin Varengo et Kirstie Simson.Titulaire du Diplôme d'État de professeur de danse, il mène une intense activité pédagogique en France et à l'étranger et il intervient régulièrement au CCN de Rillieux-la-Pape, à DanceHouse- Dublin et à la Faculté d'Art et Spectacle Lyon 2.

Après 7 ans de créations communes, les membres de l'association Woo ont décidé de mettre fin à leur collaboration. C'est désormais à Toulouse qu'Ennio Sammarco a souhaité de poursuivre sa route.

Source : Association Woo

En savoir plus : associationwoo.free.fr

Agora, cité internationale de la danse

D'abord couvent des Ursulines, dédié à l'éducation des jeunes filles pauvres de la ville, puis prison de femmes et enfin caserne, l'histoire de l'Agora, cité internationale de la danse commence lorsque, en 1990, Georges Frêche, alors maire de la Ville de Montpellier, accède au désir de Dominique Bagouet d'établir le Centre chorégraphique dans cet ancien bâtiment du centre-ville. Depuis 1986, Montpellier Danse y montait déjà une scène et des gradins pour les spectacles invités au festival, au cœur de la rotonde, alors appelée Cour des Ursulines, devenue aujourd'hui le Théâtre de l'Agora. C'est en 1994 que la restauration d'une première partie du bâtiment est achevée pour y accueillir le Centre chorégraphique national de Montpellier, aujourd'hui dirigé par Mathilde Monnier. En 2001, Montpellier Danse établit ses bureaux dans une autre aile de l'édifice. Finalement, c'est en 2010 que l'Agora, cité internationale de la danse voit le jour. La dernière tranche de travaux, financée essentiellement par la Communauté d'Agglomération de Montpellier, a permis la restauration complète du bâtiment aujourd'hui entièrement consacré à la danse grâce à deux studios de répétition, les studios Maurice-Fleuret et Cunningham - le dernier pouvant également accueillir le public -, un théâtre de plein air totalement restauré et la Salle Béjart - ancienne chapelle permettant l'organisation de conférences, de séances de cinéma, de performances... L'Agora, cité internationale de la danse réunit ainsi tous les aspects du travail chorégraphique : la création, la diffusion, l'accueil du public, l'accueil d'artistes en résidence... faisant de l'ensemble, un lieu unique en Europe.

Nos suggestions de videos

Nos suggestions de themas

# data[].attributes.attachment_link.description
Conception et danse Dominique Duszynski, Ennio SammarcoCréation et interprétation musicale Josselin VarengoBARROCO : mot portugais, utilisé en joaillerie pour indiquer une perle irrégulière. A l'origine du mot « baroque », courant artistique et littéraire du XVIIe siècle, étrange esthétique de l'exubérance en réaction au dépouillement et à la rigueur luthérienne.

# data[].attributes.body
https://www.numeridanse.tv/videotheque-danse/two-room-apartment?s

# data[].attributes.attachment_link.title
Minute du spectateur - Ohad Naharin - Maison de la Danse

# data[].attributes.body
Biographie de Ohad Naharin

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Né en 1952 à Mizra en Israël, Ohad Naharin est le chorégraphe résident de la Batsheva Dance Company et le créateur du langage du mouvement Gaga. Sa mère est chorégraphe, professeure de danse et enseigne la méthode Fekdenkrais. Son père est acteur et psychologue. Il rejoint la Batsheva Dance Company en 1974 avec seulement une petite formation formelle. Pendant sa première année, la chorégraphe invitée Martha Graham lui propose de rejoindre sa compagnie à New-York. Entre 1975 et 1976, Naharin étudie à la School of American Ballet, à la Juilliard School, avec Maggie Black et avec David Howard. Il rejoint ensuite l'école Mudra de Maurice Béjart à Bruxelles pour une année. Naharin retourne à New York en 1979 et fait ses débuts en tant que chorégraphe au studio Kazuko Hirabayshi. Entre 1980 et 1990, Naharin présente des créations à New-York et à l'étranger, dont des pièces pour la Batsheva Dance Company, la Kibbutz Contemporary Dance Company et le Nederlands Dans Theater. En parallèle, il travaille avec sa première femme Mari Kajiwara et un groupe de danseurs de New-York. Naharin et Kajiwara continuent de travailler ensemble jusqu'à ce qu'elle meurt d'un cancer en 2001. En 1990, Naharin est nommé directeur artistique de la Batsheva Dance Company, et la même année, il établit la catégorie Junior de la compagnie, Batsheva - the Young Ensemble. Depuis, il crée une trentaine d'oeuvres pour les deux compagnies. Après presque trente ans de direction de la Batsheva, Naharin quitte ses fonctions de directeur artistique en 2018 et continue de servir en tant que chorégraphe résident de la compagnie. En plus de son travail pour la scène, Ohad Naharin invente Gaga, un langage innovateur du mouvement basé sur la recherche d'accentuation des sensations et de l'imagination, la prise de conscience des formes, la recherche de nouvelles habitudes de mouvement, et le dépassement des limites que l'on connaît. Gaga est l'entraînement quotidien des danseurs de la Batsheva et il s'est répandu mondialement parmi les danseurs et les non-danseurs. Naharin a reçu une formation musicale durant son enfance et continue d'infuser son travail d'une musicalité unique. Il collabore avec des groupes de rock israéliens tels que The Tractor's Revenge ( Kyr, 1990), Avi Balleli et Dan Makov ( Anaphaza, 1993), Ivri Lider ( Z/na, 1995) et Grischa Lichtenberger ( Last Work, 2015). Sous le pseudonyme Maxim Waratt il compose la musique de MAX (2007), édite et mixe la bande sonore de Mamootot (2003), Hora (2009), S adeh21 (2011), The Hole (2013), Last Work (2015) et Venezuela (2017). Le travail de Naharin a aussi été présenté dans plusieurs films. Dans son documentaire Out of Focus réalisé en 2007, le réalisateur Tomer Heymann filme le processus de reprise de Decadance avec le Cedar Lake Contemporary Ballet. En 2015, les Heymann Brothers réalisent leur documentaire sur Naharin, Mr. Gaga, qui a conquis les critiques et le public. De nationalité Israélienne et naturalisé Américain en 1991, Naharin vit actuellement en Israël avec sa femme, Eri Nakamura danseuse et créatrice de costumes et leur fille, Noga.

Retrouvez les spectacles de cet artiste :

# data[].attributes.attachment_link.description
Né en 1952 à Mizra en Israël, Ohad Naharin est le chorégraphe résident de la Batsheva Dance Company et le créateur du langage du mouvement Gaga. Sa mère est chorégraphe, professeure de danse et enseigne la méthode Fekdenkrais. Son père est acteur et psychologue.

# data[].attributes.headline
  Très intéressante émission avec une interview d'hofesh shechter

# data[].attributes.subject
  Très intéressante émission avec une interview d'hofesh shechter

# data[].attributes.body
https://www.franceculture.fr/emissions/affaires-culturelles/hofesh-shechter-est-linvite-daffaires-culturelles

# data[].attributes.headline
Extrait : Political mother Unplugged d'Hofesh Shechter

# data[].attributes.subject
Extrait : Political mother Unplugged d'Hofesh Shechter

# data[].attributes.body
https://youtu.be/NbztFrI_zj4

# data[].attributes.headline
La table verte de Kurt Joss (1901-1979) crée en 1932 au théâtre des Champs Elysées à Paris, célèbre ballet du courant expressionniste allemand.Il dénonce dans cette oeuvre, l'absurdité et les horreurs de la guerre à travers une suite de tableaux sarcastiques ou dramatiques, inspirés notamment par les danses macabres médiévales. La musique de Fritz Cohen s'inscrit dans un courant qui rassemble des artistes aussi divers que Mary Wigman, Valeska GERT ou Harald Kreutzberg.

# data[].attributes.subject
La table verte de Kurt Joss (1901-1979) crée en 1932 au théâtre des Champs Elysées à Paris, célèbre ballet du courant expressionniste allemand.Il dénonce dans cette oeuvre, l'absurdité et les horreurs de la guerre à travers une suite de tableaux sarcastiques ou dramatiques, inspirés notamment par les danses macabres médiévales. La musique de Fritz Cohen s'inscrit dans un courant qui rassemble des artistes aussi divers que Mary Wigman, Valeska GERT ou Harald Kreutzberg.

# data[].attributes.attachment_link.description
Regardez LA TABLE VERTE - Aurore Gruel sur Dailymotion

# data[].attributes.body
Rudolf Laban est un artiste Hongrois : danseur, chorégraphe, pédagogue et théoricien de la danse. Il est notamment à l'origine de nouvelles conceptions du mouvement et de la notation chorégraphique : la labanotation. Il pratique la danse traditionnelle hongroise appelé csárdás, puis étudie l'art à l'École des beaux-arts de Paris à partir de 1907. C'est un artiste qui s'intéresse au rapport du mouvement humain à l'espace qui l'entoure. Il se concentre sur l'art du mouvement : Bewegungskunst et la danse expressive : Ausdruckstanz. Rudolf Laban a fondé une école à Munich en 1910, dont l'artiste Mary Wigman sera élève, une autre sur le Monte Verità en Suisse, une école, que rejoignent bientôt de nombreux partisans de la danse moderne et y dispense des cours d'été (1913-1919). En 1923, il fonde à Hambourg son propre théâtre, consacré à la danse et en 1927, l'Institut chorégraphique de Berlin. Il organise aussi un grand congrès pacifiste et végétarien en 1914 qui célèbre le coucher et le lever du soleil : Sang an die Sonne. => LA NOTATION LABAN : Son impulsion de départ est exprimée dès sa toute première publication, Die Welt des Tänzers. Fünf Gedankenreigen (Le monde du danseur. Cinq rondes d?idées), où il remarque, en 1920, que : Personne n?a jamais observé le mouvement en tant que tel, on a presque entièrement ignoré l?élément générateur, telle une danse au sein de l?énergie mouvante, et on est passé à côté de l?indice essentiel sur la nature mêmedu jeu énergétique. On a considéré la forme comme un facteur esthétique ou mathématique, et on n?a pas pris en compte la substance de son jeu, de sa danse avec les pouvoirs générateurs de formes et ses tensions spatio-rythmiques. Outre le mouvement des corps dans l?espace, il existe le mouvement de l?espace dans les corps... En 1928, il publie alors Kinetographie Laban qui propose un système de notation pour les mouvements dansés primaires appelé par suite labanotation. Cette étude est aujourd'hui utilisée dans d'autres domaines que la chorégraphie, par exemple, dans les études culturelles, la communication non verbale... Il propose également des mouvements de danse pour les masses, soit un art du « ch?ur en mouvement ». Rudolf Laban a construit son système autour des quatre éléments essentiels constitutifs d'un mouvement : l'espace, le temps, le poids et la force. Les signes d'écriture sont placés le long d'une portée verticale qui se lit de bas en haut. La ligne verticale centrale définit l'appui au sol. Ainsi, la plupart du temps, les appuis des pieds sont placés à gauche et à droite de la ligne centrale, déterminant le pied en mouvement. Un même signe peut indiquer : * la direction du mouvement : en fonction de sa forme, comme indiqué sur la figure ci-contre (avant - arrière - gauche - droite - diagonales - sur place) ; * sa hauteur : en fonction de son remplissage, noir pour bas, blanc pour intermédiaire et hachuré pour haut (exemple pour les appuis : haut = sur pointe ; bas = plié ; intermédiaire = « normal ») * sa durée : en fonction de la longueur du signe ; * la partie du corps concernée par le mouvement : selon le symbole de la partie du corps qui est juxtaposé au signe. * Le placement des signes sur la portée donne la simultanéité des mouvements (lecture horizontale) et leur succession (lecture verticale). Les distances, les relations avec des partenaires ou avec des objets, le centre de gravité, la dynamique, les tours, sauts, trajets et déplacements au sol sont indiqués par des signes spécifiques. En Allemagne, le système a été développé par Albrecht Knust, au Royaume-Uni et aux États-Unis par Ann Hutchinson Guest et en France par Jacqueline Challet-Haas. Ci-dessous le diagramme de l'« effort », qui permet d'observer et d'expérimenter les mouvements du corps selon 4 facteurs : poids, temps, espace et flux, eux-mêmes polarisés (poids « fort » et poids « léger », temps « soudain » et temps « soutenu », espace « direct » et espace « indirect » (ou « flexible »), flux « contenu » et flux « libre » : => L'ETUDE DU MOUVEMENT : Laban définit différents plans du mouvement : le plan de la table (horizontal), de la porte (vertical), de la roue (sagittal). Il construit un icosaèdre avec différents points et angles de l'espace et entre dans cette structure qui précise les directions du corps. Cette sphère du mouvement, la kinésphère, se déplace avec le danseur qui en est le centre. On distingue aujourd'hui six catégories distinctes du mouvement dans les études de Laban, qui répondent à différentes questions : * Le Corps Qu'est-ce qui bouge et comment ? Quel est le mouvement produit ? L'étude de mouvements effectués par différentes parties de notre corps prises une à une et les articulations qui se mettent en place pour donner la fluidité et la direction supposent que l'on connaisse la structure du corps humain et son organisation. Il nous faut comprendre d'où part le mouvement, quelle partie du corps l'a initié et quels sont les faits, actions qui en résultent. * L'Espace Où va le mouvement ? Dans quel espace s'inscrit-il ? L'Homme doit vivre en harmonie avec son environnement, apprendre à y évoluer sans peine. Pour cela il le structure en lui donnant la forme d'un icosaèdre au milieu duquel il se trouve (la kinésphère). Cette forme harmonieuse lui permet d'apprendre à utiliser l'espace et à le visualiser en trois dimensions pour donner toute sa mesure au mouvement. La notion d'espace est liée chez Laban à celles d'énergie et de forme. * L'Effort Comment le mouvement est-il exécuté ? Avec quelles qualités d'énergie ? Laban parvint à analyser le terme de dynamique du mouvement, qu'il préféra nommer énergie, grâce à d'autres notions simples. La singularité d'un mouvement résulte de la diversité des combinaisons corporelles possibles et de son exécution, relativement aux facteurs suivants : le poids, le temps, l'espace et le flux. Cette analyse de l'énergie a permis de définir la qualité de l'expression non verbale, qui diffère selon le vécu des individus et le contexte de réalisation. Le diagramme de l'Effort, présenté plus haut, permet de visualiser cette théorisation. * La Forme Quels sont les différents chemins empruntés par le mouvement ? La forme plastique du corps humain et sa relation à son environnement change à chaque mouvement.On observe son aspect, c'est-à-dire le processus d'exécution et ce que cela change dans le corps. Ceci est directement lié à la respiration, notion fondamentale en danse contemporaine, car c'est par celle-ci que le mouvement existe. La forme est très importante car c'est ce qui est perçu par les autres, c'est un réel moyen de communication signifiant. * Le Phrasé ou le Rythme Dans quel laps de temps et suivant quel rythme s'effectue le mouvement ? La notion de phrasé est propre à chaque individu. C'est ce qui le défini (par exemple d'un point de vue chorégraphique), il est caractéristique de sa propre façon d'user de son corps dans le temps, l'espace et avec quelle énergie. Grâce à cette catégorie, on peut apprendre beaucoup d'une personne, sur son comportement: elle traduit en effet une part d'inconscient donc dépasse le stade purement physique pour s'inscrire en partie dans sa psychologie. Après observation, le phrasé de chaque individu devient reconnaissable. * L'Interrelation Comment l'individu en mouvement est-il en relation avec son entourage ? Dans cette catégorie, Laban traite de la relation entre la personne en mouvement et une autre personne ou un objet du monde. Ce degré de relation diffère selon la manière dont le corps qui bouge aborde l'autre, s'en approche, le touche ou bien s'y appuie.On entre alors soit dans une relation d'égalité ou bien dans un rapport de forces (entre un actif et l'autre passif). Grâce à ces six catégories, il est possible de définir précisément le mouvement. Le but de ces études étaient pour Laban d'éprouver, observer, comprendre et présenter les différents aspects du mouvement.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Steve Paxton explore depuis cinquante-cinq ans la fiction de la danse " cultivée " et la " vérité " de l'improvisation.

Né à Phoenix dans l'Arizona en 1939, il aborde sa recherche sur le mouvement par la gymnastique avant de se former en modern dance puis en danse classique, yoga, aïkido et tai chi chuan. Pendant l'été 1958, il participe à l'American Dance Festival du Connecticut College, où il suit l'enseignement des chorégraphes Merce Cunningham et José Limón. Peu après, il s'installe à New York. Il danse dans la José Limón Company en 1959 et avec la Merce Cunningham Dance Company de 1961 à 1964. Il aborde la pratique de l'aïkido en 1964 au dojo Hombu de Tokyo et poursuit son apprentissage à New York auprès de Yamada Sensei.

Par goût de la déconstruction, de l'exploration, de la subversion et de l'invention, il se retrouve membre fondateur du Judson Dance Theater (1962-1966), dans le droit fil des ateliers du compositeur Robert Dunn, lui-même inspiré par les méthodes de John Cage. Steve Paxton a pour partenaires en expérimentation Yvonne Rainer, Trisha Brown, Robert Rauschenberg et Lucinda Childs, entre autres. Le courant du Judson influera sur l'émergence d'une danse contemporaine et ce, à différentes époques aux quatre coins de la planète.

Dans les années 1960, Steve Paxton a recours au mouvement prosaïque et quotidien pour créer des premières pièces aussi singulières que Flat (1964), Satisfyin Lover (1967) et State (1968). En phase avec son intérêt pour la science et la technologie, Steve Paxton participe aux Nine Evenings: Theater and Engineering en 1966, à l'initiative de Billy Klüver, un ingénieur des Laboratoires Bell en collaboration avec Robert Rauschenberg. Il est aussi membre fondateur du Grand Union (1970-1976), un collectif d'improvisation réunissant plusieurs chorégraphes des débuts du Judson, Yvonne Rainer, David Gordon, Trisha Brown ainsi que Douglas Dunn, Lincoln Scott, Barbara Dilley et Becky Arnold.

En 1972, Steve Paxton est à l'origine du Contact Improvisation, qui propose des principes physiques pour le mouvement de corps en contact : la fluidité dans la transmission et la réception du poids, la prise d'initiative, les réflexes et l'empathie physique innée. Le Contact Improvisation évoluera en un réseau international de danseurs qui se réunissent pour pratiquer et aussi pour publier des informations et des essais dans la revue de danse et d'improvisation, Contact Quarterly, à laquelle Steve Paxton collabore en tant qu'auteur et éditeur depuis 1975. Il fonde Touchdown Dance avec Anne Kilcoyne en Angleterre en 1986, une structure qui offre à des malvoyants la possibilité de danser.

En 1986, il commence sa recherche sur Material for the Spine. Dans MFS, qui découle de son observation du Contact Improvisation, la colonne vertébrale devient un " membre " essentiel du corps. C'est une étude technique et méditative des potentiels de mouvement du bassin et de la colonne vertébrale. En 2008, Steve Paxton réalise une publication numérique interactive du même nom, Material for the Spine, avec les Éditions Contredanse à Bruxelles, qu'il décline ensuite sous forme d'expositions et d'installations : Phantom Exhibition, qu'on a vue en Belgique, au Portugal et au Japon, et Weight of Sensation au MoMA à New York.

Steve Paxton poursuit une collaboration au long cours avec la danseuse Lisa Nelson - PA RT (à partir de 1979) et Night Stand (depuis 2004). En 2016, il présente en tournée une reprise de Bound (1982) et chorégraphie la mise en scène d'un opéra de Robert Ashley, Quicksand, à New York.

En 2018, toujours avec les Éditions Contredanse, il publie son premier livre Gravity, traduit ensuite en français La gravité. Cette édition est également déclinée au format audiobook en mp3 et sur un vinyle collector.

En 2019 à Lisbonne, une grande exposition lui est consacrée Drafting Interior Techniques. En 2020, une publication en ligne, Conversations in Vermont, héberge une très vaste collection d'interviews avec lui et Lisa Nelson.

Steve Paxton reçoit trois New York Dance and Performance Awards, dits Bessies, dont l'un en 2015 pour l'ensemble de sa carrière ; le Vermont Governor's Award for Excellence in the Arts en 1994 et un Lion d'or de la Biennale de Venise en 2014. Il a bénéficié du soutien du National Endowment for the Arts, de la Rockefeller Foundation, de la Contemporary Performance Arts Foundation, de Change, Inc., d'Experiments in Art and Technology et d'une bourse Guggenheim en 1995. En 2017, il est récompensé par la fondation United States Artists.

Il vit dans le Vermont.

# data[].attributes.attachment_link.description
Steve Paxton explore depuis cinquante-cinq ans la fiction de la danse " cultivée " et la " vérité " de l'improvisation.

# data[].attributes.attachment_caption
60391cfba32e0 aboulagraa bio repertoire commandes maj260221

# data[].attributes.attachment_link.title
Steve Paxton and Gerry Overington contact improv duet (Gerry is completely blind)

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Un exemple de contact-improvisation YANN PEUCAT

" Un art martial mais sans le martial, un art-coopération. " Jeux de mots, de jambes, cette formule du danseur et chorégraphe américain Steve Paxton définit le Contact Improvisation qu'il inventa dans les années 1970. Capsule secouée d'aïkido, d'acrobatie et de danse, qui s'avale cul sec, en duo mais aussi en groupe. Autant dire que le résultat sent parfois bon la pagaille au point de faire surgir des comparaisons follement lyriques. " Ça ressemble à des chiens qui se chamaillent, des gens qui font l'amour ou la sieste ou encore de la voltige ", s'emballe le très passionné Romain Bigé, philosophe et praticien, commissaire de l'exposition Gestes du Contact Improvisation, jusqu'au 5 mai, au Musée de la danse, à Rennes.

Concrètement, cette pratique, devenue la routine de nombre de professionnels et d'amateurs dans le monde entier, est fondée sur une invention gestuelle spontanée qui utilise toutes les parties du corps. Avec un principe : ne jamais perdre le contact de son (ou ses) partenaire(s). Cette spécificité la différencie de l'improvisation au sens plus classique du terme. C'est l'ici et le maintenant qui parlent, la qualité de l'air, la texture de la lumière, l'humeur du jour et le courant qui passe (ou pas). Et il peut en arriver de drôles lorsque deux personnes se jettent à l'assaut l'une de l'autre sans prédire ce que sera leur rencontre. " A l'origine, Steve Paxton a fait de nombreuses fois, en studio mais aussi en forêt, l'expérience de se jeter dans les airs en fermant les yeux pour voir ce qui allait arriver, poursuit Romain Bigé. De cette situation va naître l'idée d'un corps réflexe, intuitif. Et la chute est devenue un des gestes-clés de sa pratique car elle ouvre un espace de désorientation qui dépasse la monotonie de nos repères physiques. " En débordant les habitudes et les codes.

Favoriser l'inconnu, l'éphémère, la surprise

Loin du déjà-vu, de la duplication du même, du style et de l'académisme, le Contact Improvisation opte résolument pour l'inconnu, l'éphémère, la surprise. Plonger dans l'action comme si c'était la première fois mais aussi la dernière. Avec l'urgence et la détermination de l'exploration et d'une expérience de soi inédite. " Le Contact Improvisation est un sous-programme de la danse, énonçait non sans humour Steve Paxton à la fin des années 1990. On ne répète pas un mouvement préenregistré mais on découvre les forces souterraines du geste. " A condition d'être disponible, d'aimer jouer et se mettre en danger. " Ça ressemble à un saut dans le vide, décrit le chorégraphe Mark Tompkins, figure de l'impro depuis les années 1980 après avoir suivi le premier stage donné par Paxton en 1978 en France. Je ne sais pas ce qui va m'arriver. Je ne veux rien savoir d'ailleurs mais garder la spontanéité. Comme dans la vie, je dois m'adapter sans cesse et en temps réel à ce que j'ignore de moi, de l'autre. "

Patricia Kuypers, spécialiste du " Contact Improvisation " et praticienne : " Ce n'est que depuis une dizaine d'années que le nombre de pratiquants explose en France "

Stratégie de liberté, le Contact Improvisation a bouleversé la transmission du geste et impulsé une lame de fond qui continue de nourrir les démarches des artistes aujourd'hui.
" Dans les années 1970, cette approche a été une véritable déflagration dans le monde de la danse, commente Patricia Kuypers, spécialiste et praticienne. Paxton a proposé une autre manière d'entrer dans le geste à travers les sens et la perception, sans que le chorégraphe ou l'enseignant montre à travers son propre corps comme c'était le cas généralement, mais en suggérant, en défiant les limites pour découvrir ce que chacun recèle comme possibilité dont il n'est pas conscient. Impossible aujourd'hui qu'un danseur contemporain n'ait pas touché une fois à cette pratique qui offre une opportunité de renouvellement. "

Si les artistes français ont eu la chance de profiter très tôt de l'enseignement de Paxton et de ses amis, dont Lisa Nelson, la reconnaissance du Contact Improvisation a pourtant été plus lente dans l'Hexagone que dans les pays anglo-saxons. " Sans doute à cause de son aspect non formel et de son esprit communautaire dans un milieu qui reste assez attaché à une certaine esthétique du mouvement et à une organisation des compagnies assez hiérarchisée, poursuit Patricia Kuypers. Ce n'est que depuis une dizaine d'années que le nombre de pratiquants explose en France. " En plein dans la tendance retour à la communauté, au danser-ensemble, le Contact Improvisation matérialise le désir de rencontre et de dialogue que l'art comme la société pistent sur tous les fronts avec ardeur.

Gestes du Contact Improvisation. Musée de la danse, Rennes. Jusqu'au 5 mai. Tél. : 02 99 63 72 93.

Réutiliser ce contenu

# data[].attributes.attachment_link.title
Dans les pas de Steve Paxton, libérateur des corps

# data[].attributes.attachment_link.description
Une exposition à Rennes rend hommage au chorégraphe américain inventeur du " Contact Improvisation " dans les années 1970.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Ushio Amagatsu, éléments de doctrine

Au Japon, le blanc est la couleur du deuil. Les danseurs de butô s'enduisent le corps de poudre blanche et la poétisation de l'espace qui caractérise les pièces de la compagnie Sankai Juku est comme un cadavre exquis, au sens littéral du terme. Pour Amagatsu, fondateur de la compagnie, la danse butô est à la fois vie et mort.

Juin 1993 : Ushio Amagatsu et ses danseurs répètent "Graine de cumquat", pièce-fétiche de la compagnie, créée en 1978, qui relate l'initiation au monde d'un petit garçon japonais. André S. Labarthe et Alain Plagne ont suivi ces répétitions et interrogé le chorégraphe. L'oeuvre d'Amagatsu, axée sur la mort, la souffrance et la cruauté humaine, s'inscrit dans le prolongement des origines du butô, aux lendemains d'Hiroshima. Et même s'il estime sa compagnie moins morbide que celle d'Hijikata, fondateur du butô, ses exigences esthétiques requièrent de la part de ses danseurs une vraie capacité de concentration et d'équilibre. Un film très esthétique sur une compagnie qui ne l'est pas moins.

Source : Fabienne Arvers

Kinkan Shonen [Graine de Cumquat]

Le geste dans le souvenir, vers l'envers.
Il existe une espèce de poisson qui, dans une première phase de sa vie, naît mâle. Puis, ses organes masculins dégénèrent, et il se métamorphose en femelle. C'est pour cela qu'à l'origine mâle et femelle ne faisaient qu'un. On dit que ce mâle et cette femelle ont copulé et donnent naissance à un œuf. C'est une histoire bizarre ! Au cours de sa vie, ce poisson a donc l'expérience d'être successivement mâle et femelle. Les origines de l'homme se trouvent chez le poisson. Jadis, les poissons vinrent sur la terre et commencèrent à vivre. On sait qu'un spectacle a un début et une fin. Quand on trace un cercle avec un compas, il y a un point de départ et une fin. Quand le cercle est terminé, ces deux points se confondent et une forme apparaît.

Kinkan shonen (Graine de cumquat) évoque le rêve d'un jeune garçon sur les origines de la vie et de la mort. Cet enfant droit debout au bord de la plage laisse son regard plonger sous la surface de l'océan pour y fusionner avec les poissons, stade primitif de l'humanité. Les poissons séchés qui constituent le décors servent d'écrin vital aux danseurs, tous le crâne rasé, tous le corps poudré, glissant hors de leur gangue pour une mue violemment perturbante.

Amagatsu, Ushio

Né à Yokosuka, au Japon en 1949 Ushio Amagatsu a fondé la compagnie de Butoh Sankai Juku en 1975.

Il a créé Amagatsu Sho (1977), Kinkan Shonen (1978), Sholiba (1979) avant la première tournée mondiale en 1980. Depuis 1981, la France et le Théâtre de la Ville,Paris sont devenus son lieu de création et travail et cette année-là il crée Bakki pour le Festival d'Avignon. Il a créé au Théâtre de la Ville 14 productions depuis 1982.

Ushio Amagatsu travaille également de manière indépendante de Sankai Juku. En 1988, il crée " Fushi " à l'invitation de Jacob's Pillow Foundation, aux États-Unis, avec la musique de Philippe Verre. En 1989, il est nommé directeur artistique du Spiral Hall à Tokyo où il met en scène "Apocalypse" (1989) et "Cinquième-V" (1990).

En février 1997, il réalise "Le Château de Barbe Bleue" de Bartok dirigé par Peter Eotvos au Tokyo International Forum. En mars 1998, à l'Opéra National de Lyon, il met en scène l'opéra de Peter EOTVOS " Three Sisters " (première mondiale), qui a reçu le "Prix du Syndicat National de la Critique, France." "Three Sisters" a été vu dans la saison 2001-2002 au Théâtre du Châtelet à Paris, au Théâtre Royal de la Monnaie à Bruxelles à l'Opéra National de Lyon, et au Wiener Festwochen 2002 en Autriche.

En mars 2008, Amagatsu a réalisé "Lady Sarashina",le nouvel opéra de Peter EOTVOS à l'Opéra National de Lyon(première mondiale). "Lady Sarashina" a de nouveau reçu le " Prix du Syndicat National de la Critique, France " et on l'a vu à l'Opéra Comique en février 2009 et au Teatr Wielki, Opéra National de Pologne, à Varsovie en Avril 2013.

Ushio Amagatsu a également présidé le jury du Concours Chorégraphique International de National Academy of Dance, Italie (2011), et le Jury des Rencontres Internationales de Danse de Bagnolet (1992).

Les prix et mérites incluent la Médaille Purple-Ribbon par le gouvernement japonais (2011), le Geijyutsu Sensho Prix ​​(Art Encouragement Prize) du Ministre de l'Éducation, Culture, Sports, Science et Technologie(2004).

Il a été nommé Chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres par le Ministère de la Culture français (1992, commandeur de l'ordre des Arts et des Lettres par le ministère français de la Culture (2014).

Ouvrages sur ushio Amagatsu : "Ushio Amagatsu, des rivages d'enfance au buto de Sankai Juku" (Biographie dictée par Kyoko Iwaki, Actes Sud, 2013, France). " Dialogue avec la gravité " (Actes Sud, 2000, France).

En savoir plus : sankaijuku.com

Labarthe, André S.

Après des études universitaires en philosophie, André S. Labarthe commence sa carrière de critique cinématographique dans les années cinquante. Le jeune homme dont la cinéphilie était avant tout imaginaire (il a commencé par lire sur le cinéma avant de voir des films) rencontre André Bazin lors d'une projection. Séduit par son regard critique, le théoricien le sollicite pour rejoindre la rédaction des Cahiers du cinéma, revue qu'il a cofondée en 1951.
La vision d'André S. Labarthe va beaucoup contribuer aux positionnements des Cahiers du Cinéma, le critique étant très attentif au cinéma émergeant et à la Nouvelle Vague. À l'instar de ses collaborateurs, il préfère le cinéma qui fait "travailler" son spectateur et est de ce fait un grand admirateur de Michelangelo Antonioni, même s'il partage avec ses confrères une même admiration pour les "auteurs" tels que Howard Hawks ou John Ford.
André S. Labarthe passe à la réalisation et à la production quand il démarre avec Janine Bazin la série Cinéastes de notre temps de 1964 à 1970, une collection de portraits d'une durée de 52 minutes portant sur des cinéastes réputés et dont le premier est consacré à Luis Buñuel. Parallèlement, il collabore à l'émission Cinéma Cinémas de 1982 à 1987 ainsi qu'à de nombreux magazines télé consacrés à la danse, la peinture, au théâtre et dernièrement à la littérature, avec la collection Un siècle d'écrivains. La Société des gens de lettres lui décerne en 1984 le Grand Prix de la télévision pour l'ensemble de son œuvre.
En 1990, André S. Labarthe remet en chantier sa collection de portraits de cinéastes renommée Cinéma, de notre temps. Elle comprend la restauration de films de la première série et de nouvelles réalisations (axées sur le cinéma, toujours contemporain quelle que soit son époque) qui sont diffusés sur Arte. Il réalise également un documentaire sur le chorégraphe William Forsythe et est également auteur de quelques ouvrages sur le cinéma et la peinture.
Sa carrière d'acteur est faite de courtes apparitions dans des films majoritairement français comme ceux de Jean-Luc Godard (il interprète un journaliste dans A bout de souffle et fréquente également le tournage de Allemagne, annee 90 neuf zero ou de JLG/JLG) ou Jacques Rivette ( L'Amour fou). Présent également chez la nouvelle génération de cinéastes, il joue les patrons de cabaret dans le film de Mathieu Amalric, Tournée, primé pour sa mise en scène au Festival de Cannes 2010.

Source : Allociné

Sankai Juku

Direction artistique: Ushio Amagatsu

Année de création: 1975

Sankai Juku a été formé en 1975 par Ushio Amagatsu qui fait partie de la deuxième génération de danseurs butô ; Tatsumi Hijikata et Kazuo Ohno en étant les pères fondateurs. Le butô est une forme qui transcende les réactions de la génération "post-Hiroshima" au Japon et qui jette les bases d'une approche radicale de la danse contemporaine japonaise à partir de la fin des années 50. Son nom signifie littéralement "l'atelier de la montagne et de la mer" par référence à ces deux éléments déterminants de la topologie du Japon.
Sankai Juku, compagnie totalement indépendante, commence alors ses représentations au Japon dans des salles de spectacle louées. La première production d'importance de Sankai Juku fut "Kinkan Shonen" en 1978. Elle révéla la direction artistique d'Amagatsu qui donna du butô une image plus claire, plus transparente, plus cosmogonique. La force de chaque expression, de chaque mouvement, de chaque élan, ramène toujours aux origines du monde pour offrir une appréhension passionnée de la vie et de la mort. En 1980, Sankai Juku est invité pour la première fois en Europe. De cette première rencontre physique avec des cultures étrangères, Amagatsu développe sa théorie d'un équilibre entre les cultures "ethniques" dont la sienne, japonaise, avec une forme de recherche d'universalité. Pour Amagatsu, le butô n'est pas simplement une technique formelle ou un style académique, mais il tend à articuler le langage du corps afin de trouver, au plus profond des êtres, un sens commun, une universalité humaniste, quitte à recourir parfois à la cruauté ou à la brutalité.
Grâce à ses tournées internationales annuelles depuis près de 30 ans, mais aussi par des ateliers et master classes que Sankai Juku dirige à Paris, au Japon et ailleurs, le style propre de Sankai Juku et son esthétique si particulière, sont aujourd'hui diffusé dans le monde entier. Ils influencent désormais un nombre grandissant d'artistes dans les domaines aussi divers que ceux de la danse contemporaine, mais aussi du théâtre, de la peinture, de la mode, de la photo... Hors Sankai Juku, Ushio Amagatsu a créé deux pièces pour danseuses et danseurs occidentaux aux États-Unis et à Tokyo. Il a aussi chorégraphié la danseuse indienne Shantala Shivalingappa. Il a mis en scène "Barbe Bleue" de Bela Bartok au Japon et les créations mondiales des opéras "Trois Sœurs" et "Lady Sarashina" de Peter Eötvös à l'Opéra de Lyon.

Source : Programme de salle Maison de la Danse

En savoir plus
sankaijuku.com

Ushio Amagatsu, éléments de doctrine

Direction artistique / Conception : André S. Labarthe, Alain Plagne

Production / Coproduction de l'œuvre vidéo : Art production, Arcanal, CGP

Nos suggestions de videos

Nos suggestions de themas

# data[].attributes.attachment_link.description
Au Japon, le blanc est la couleur du deuil. Les danseurs de butô s'enduisent le corps de poudre blanche et la poétisation de l'espace qui caractérise les pièces de la compagnie Sankai Juku est comme un cadavre exquis, au sens littéral du terme.

# data[].attributes.attachment_link.title
L’intelligence du danseur est aussi essentielle que la technique

# data[].attributes.attachment_link.description
Créée en 1992 à l’initiative de Roland Petit, alors directeur du Ballet national de Marseille, l’Ecole Nationale Supérieure de Danse de Marseille prépare les jeunes danseurs à la vie professionnelle et délivre le DNSPD. Directeur depuis trois ans, Jean-Christophe Paré fait évoluer le cursus vers une plus grande interdisciplinarité en phase avec la réalité plurielle du paysage chorégraphique actuel.

# data[].attributes.attachment_link.description
Dans le cadre de la programmation à la Maison de la Danse de Lyon d’Histoire(s) de la danse dont le premier volet est consacré à Trisha Brown, Danser Canal Historique vous dit tout sur cette figure incontournable du post-modernisme américain. Trisha Brown (1936-2017) s’est imposée, au cours de la seconde moitié du xxe siècle, comme une danseuse et chorégraphe des plus inventives ayant fait évoluer la danse moderne américaine ou modern dance. Partant du rejet de la gestuelle de l’époque, elle élabore un langage qui correspond à une aisance du corps dans un mouvement fluide, « silky », dit-elle, qui, au fil de son questionnement renouvelé, fait appel à une haute et complexe technicité. Parallèlement, la chorégraphe joue de tous les paramètres du spectacle dont elle explore les limites en compagnie de ses contemporains plasticiens et compositeurs. Dans son ultime étape, elle aborde des musiques et des opéras classiques où la théâtralité s’intègre à son style abstrait et reconnaissable entre tous. Née le 25 novembre 1936 à Aberdeen, dans l’État de Washington, Trisha Brown est passionnée de sport et en particulier d’athlétisme, elle est une « rubber girl » une fille en caoutchouc. Suivant l’exemple de son frère aîné, elle se lance sur cette voie dès l’âge de dix ans. Un peu plus tard, elle se sent attirée par la danse, mais sans fixer son choix sur une discipline particulière. Elle pratique tout autant le classique et les claquettes, le jazz et l’acrobatie. Au Mills College, Californie, elle découvre la technique mise au point par Martha Graham. Louis Horst, pianiste accompagnateur à la prestigieuse école Denishawn, assistant de Graham, y devient son professeur de composition. Durant les étés de 1955 et de 1959, Trisha Brown le retrouve à l’occasion des stages organisés au Connecticut College. C’est là qu’elle aborde les enseignements de José Limon et de Merce Cunningham. L’année 1959 marque une étape importante dans son évolution. En Californie, auprès d’Anna Halprin elle s’initie à l’improvisation et à des travaux sur le son, le chant, l’expression verbale. Elle prend alors conscience de l’importance du geste quotidien, de la valeur qu’il peut revêtir comme mouvement dans une composition chorégraphique. Elle croise là d’autres jeunes femmes à l’esprit tout aussi aventureux : Simone Forti, Yvonne Rainer. Le bouillonnement new-yorkais Simone Forti conseille à Trisha Brown de s’installer à New York. Dans le studio de Merce Cunningham, passage obligé pour tous les danseurs de sa génération, elle profite des leçons de Robert Dunn et se familiarise avec les notions d’aléatoire et d’imprévu chères à Merce Cunningham. Ce génie de la chorégraphie a opéré une révolution copernicienne dans la danse moderne en reprenant la théorie d’Einstein : Il n’y a pas de point fixe dans l’espace, il déstructure la vision frontale de la danse. Du coup, il appartient à chacun de choisir ce qu’il regarde, et anéantit définitivement l’idée de soliste et d’ensemble. Les événements présentés sur le plateau sont simultanés, sans hiérarchie particulière, chaque danseur est un centre tout comme chacun est un individu. Ces principes sont renforcés par le fait que les mouvements qu’il développe incluent des gestes en apparence “ naturels ”, le rythme étant impulsé par une gestuelle faite de successions de temps forts et faibles, d’élans, d’équilibres brisés. Il réfute également l’idée d’un livret, ou d’une musique associée à la danse, affirmant que « la danse se suffit à elle-même ». C’est une première manière de « démocratiser » la danse, en l’extrayant définitivement de ses racines monarchiques ou autocratiques avec ses représentations d’une étoile (un chef) entourée d’un Corps de ballet (la piétaille). En 1962 se constitue le groupe du Judson Church Dance Theater, matrice de la postmodern dance. Trisha Brown en fera partie. Leurs chorégraphies utilisent des mouvements ordinaires (la marche, la course, le saut) et des gestes quotidiens dévoyés par leur répétition ou par extraction de leur contexte ordinaire. Leur postulat sous-jacent ruine la distinction entre danseurs et non-danseurs ou“ corps piéton ” selon leur expression, et affirme que tout peut être danse. Sur un plan plus conceptuel, le fonctionnement communautaire et non hiérarchique de ce groupe, que ce soit au niveau interne (entre chorégraphe et interprète) ou au niveau externe (entre danseurs et public) accentue une démocratisation chorégraphique. Cette danse, qualifiée de post-moderne, implique alors d’affronter véritablement un public qui participe de la représentation. L’idéologie contestataire des années 60 sous-tend le mouvement. Les chorégraphes post-modernes ont une vision politique et remettent en question l’image de l’Amérique triomphante. Il faut dire qu’ils arrivent juste après l’épisode McCarthyste et à l’orée de la guerre du Vietnam. Ils introduisent donc dans leurs chorégraphies des idéaux démocratiques sur fond de question socio-politiques comme la place des minorités ou la réaction à la société de consommation. Une œuvre très singulière Trisha Brown attire l’attention par l’originalité de ses œuvres. Délaissant les théâtres traditionnels, elle replace la danse dans des espaces inattendus, investit la rue et les toits. Elle privilégie ainsi de nouvelles perspectives, d’autres angles d’approche au tout début des années 70. À l’aide de harnachements spéciaux, fixés à un plafond, elle fait progresser le danseur perpendiculairement aux murs dans Man Walking down Side of Building. De même ; dans Floor of the Forest, une structure tubulaire soutient un réseau de cordes et de vêtements noués, à hauteur du regard, au centre d’une pièce. Deux danseurs s’y déplacent, s’habillent et se déshabillent, en essayant de garder leur équilibre. Roof Piece se développe sur les toits de New York. Ainsi, elle se lancera dans des recherches sur la verticalité en s’accrochant aux parois des immeubles, elle travaillera sur la chute gravitationnelle qui ouvre de nouvelles perceptions pondérales avant de se jeter dans de nouveaux défis tels que le rapport aux partitions musicales classiques ou la transposition des éléments linguistiques dans la danse. Sa gestuelle qui oscille d’une fluidité séduisante et sensuelle à la mise en espace de formes massives et quasi-immobiles lui permet d’affiner à chaque œuvre produite la perception du mouvement dansé. Ce qui la caractérise est peut-être une dynamique qui ne ressemble à rien de connu. Ses danseurs semblent être des électrons libres dans un espace miroitant et instable, d’aériens virtuoses de l’instant capturés en plein vol. L’entrée dans les théâtres En 1973, à l’invitation du festival d’Automne Trisha Brown se produit au musée Galliera, devant un public de curieux qui découvre ses Accumulations. Ces pièces expérimentales exploitent la répétition de mouvements suivant un principe de séries modulées qui met en branle le corps entier et engendre un flux continu. Trisha Brown revient trois ans plus tard en France où elle présente Line up, puis en 1979 Glacial Decoy, à la gestuelle rapide, fringante, qui propulse les danseuses, à grande vitesse, d’un point à un autre de l’espace. Pour cette pièce, elle intègre l’espace scénique traditionnel en collaboration avec le plasticien Robert Rauschenberg qui a conçu un décor mouvant de diapositives projetées. On peut distinguer plusieurs périodes du « mouvement brownien ». Les « equipments pieces » (1968-1971 ) où elle explore la gravité dans un environnement urbain arpentant les toits et les parois des buildings. Les « Accumulations » ((1975-1978) où elle développe des improvisations consistant à accumuler des mouvements et les mémoriser, comme dans son exceptionnel solo Watermotor (1978). Mais à partir de Glacial Decoy (1979), à la gestuelle rapide, fringante, qui propulse les danseuses, à grande vitesse, d’un point à un autre de l’espace, elle intègre définitivement l’espace scénique traditionnel. Set and Reset (1983), pièce culte,créée lors du festival Montpellier Danse annonce les « structures à instabilité moléculaires » avec ses longues phrases fluides à géométrie variable, pulvérisant les lignes pour créer une sorte d’utopie poétique où la fluctuance domine. Dans le cycle suivant, dit « Vaillant » elle pousse ses danseurs jusqu’à leurs limites physiques et atlhétiques, comme dans Newark. Une autre Trisha Brown se dessine alors. Son travail devient accessible à un plus large public, une jubilation communicative l’imprègne confèrant à la danse un caractère irréel, lointain, onirique qui annonce le « Retour à zéro » (1990-1994) dont l’une des pièces majeures est certainement Foray Forêt, dernière pièce créée avec Rauschenberg et ses costumes miroitants et dorés. Mais, la carrière de Trisha Brown trouve de meilleurs débouchés en France qu’outre-Atlantique. notamment au festival d’Automne, dirigé par Michel Guy auquel elle dédiera une pièce (For M.G. The Movie) et surtout celui de Montpellier Danse en la personne de Jean-Paul Montanari qui produira nombre de ses créations et la soutiendra tout au long de sa carrière. Galerie photo : Set & Reset et Newark © Laurent Philippe , En 1992, Trisha Brown fait une création pour Montpellier Danse, One Story as in Falling, où ses danseurs partagent l’espace scénique avec ceux de Dominique Bagouet, directeur du Centre chorégraphique national de Montpellier. C’est la première fois que l’artiste américaine travaille avec d’autres danseurs que ceux de sa compagnie. Galerie photo : Astral Convertible © Laurent Philippe , En 1994, Trisha Brown lance un nouveau pari : danser uniquement de dos dans If You Couldn’t See Me. La chorégraphe tisse là une architecture arachnéenne, aboutissant à une épure qui apparaît comme une véritable profession de foi louant la primauté du mouvement. Nouveaux champs Trisha Brown ouvre un nouveau champ à sa création. « Je me suis rendu compte qu’il m’était possible d’approcher la musique conventionnelle sans y laisser ma chemise », déclare-t-elle. Dès 1995, le magnifique M.O., sur un extrait de l’Offrande musicale de J. S. Bach, renouvelle des formes repérables de l’académisme par la gestuelle propre à ses danseurs. Trois ans plus tard, elle crée l’Orfeo de Monteverdi, fondé sur la symbiose réussie de la musique, du texte et du mouvement. Da Gelo a Gelo, du même compositeur s’inscrit au répertoire de l’Opéra de Paris en 2007, après Glacial Decoy en 2003, et O Złożony /O Composite, pièce créée pour trois étoiles de l’Opéra. Entre-temps, Present Tense, à la biennale internationale de Cannes, revient au piano préparé de Cage pour une aventure aérienne des danseurs où éclate décidément le constat que la danse abstraite de Trisha n’est pas dénuée d’émotion mais apparaît comme une structure malléable qui prend forme sous nos yeux. Ressemblant parfois à des revirements d’oiseaux en plein vol, mais aussi à une chorégraphie mue par un principe d’incertitude,elle laisse finalement apparaître, dans ces fausses transitions, un invisible de la danse, qui en est pourtant toute l’essence. Adepte du dessin, Trisha Brown est aussi plasticienne. Dans It’s a draw (2002),créé pour le festival Montpellier Danse, elle mêle ses œuvres plastiques et picturales à une performance au cours de laquelle le mouvement produit une trace graphique. Ses dessins et dispositifs ont été montrés dans plusieurs musées et manifestations : Documenta 12 à Kassel en 2007, Walker Art Center à Minneapolis en 2008, Biennale de Venise en 2009. Le Mac de Lyon lui consacre une exposition en 2010. Galerie photo : It’s a Draw © Laurent Philippe , La même année, Trisha Brown monte son dernier opéra, Pygmalion de Jean-Philippe Rameau, avec Les Arts Florissants dirigés par William Christie. Cette œuvre reprend des séquences dansées de L’Amour au théâtre (créé en 2009) et donnera lieu à une déclinaison dansée intitulée Les Yeux et l’âme (2011). Enfin, I’m going to toss my arms : if you catch them they’re yours (2011), dont le titre est tiré d’une consigne lancée en répétition, sera sa dernière pièce. En effet, elle décide de se retirer de la vie professionnelle pour des raisons de santé. Elle confie alors sa compagnie à Diane Madden et Carolyn Lucas, anciennes danseuses qui ont été promues directrices artistiques adjointes. Celles-ci ont organisé la tournée internationale d’adieu de la chorégraphe (2013-2015). Galerie photo : I’m going to toss my arms : if you catch them they’re yours et Foray Foret © Laurent Philippe , Chocs, chutes, mouvements à angles droit et pourtant d’une souplesse infinie, portés aussi aériens que surprenants, donnent à l’ensemble l’aspect d’une architecture abstraite et joyeuse. Rien n’est inutile, tout est passionnant. La danse semble surgir du néant, laissant jaillir toutes les couleurs d’une palette émotionnelle due à l’imprévisibilité du mouvement suivant. C’est aussi beau et énigmatique qu’une des œuvres plastiques de cette grande dame de la danse qu’est et restera Trisha Brown. Agnès Izrine Au programme de la Maison de la Danse de Lyon: Ven 24 nov. → 17h30 à Sciences Po Lyon : Conférence sur Trisha Brown → 19h00 au Plateau ouvert : À vos marques ! Atelier de danse au Studio : Restitutions d’ateliers chorégraphiques → 20h30 en Grande salle : Trisha Brown Dance Company : Working Title + For M.G.: The Movie + In the Fall + création Noé Soulier → Après la représentation en Grande salle : Bord de scène Sam 25 nov. → 18h00 au CinéMAD : Projections vidéo → 19h00 au Studio : Restitutions d’ateliers chorégraphiques → 20h30 en Grande salle : Trisha Brown Dance Company

# data[].attributes.attachment_link.title
Dominique Dupuy | Entretiens patrimoniaux | INA

# data[].attributes.attachment_link.description
Entretien avec Dominique Dupuy - Collection en-scènes

# data[].attributes.attachment_link.title
Le style Pina : épisode 3 du podcast Pina Bausch, danser l’indicible

# data[].attributes.attachment_link.description
AUDIO Pina Bausch, danser l’indicible, épisode 3 : Le style Pina. Une série inédite proposée par France Musique. Écoutez Le style Pina, et découvrez nos podcasts en ligne.