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Roxana Azimi présente Le Guide Hazan de l'art contemporain 

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Roxana Azimi présente Le Guide Hazan de l'art contemporain 

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Roxana Azimi présente Le Guide Hazan de l'art contemporain

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À l'occasion de la parution du premier Guide Hazan de l'art contemporain, son auteure Roxana Azimi nous présente ce nouveau vae-mecum de l'achat d'art paru aux éditions Hazan. Journaliste au Monde, co-fondatrice du Quotidien de l'Art, cette spécialiste de l'art contemporain livre sa vision du monde de l'art, et plaide pour une ré-appropriation des œuvres par le public.

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Comment le marché de l'art réagit-il face à la crise ? 

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Comment le marché de l'art réagit-il face à la crise ? 

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Comment le marché de l'art réagit-il face à la crise ?

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http://fr.euronews.com/ Aujourd'hui, le marché annuel de l'art est estimé à 43 milliards d'euros. Comment réagit-il à la crise économique internationale ?Qui sont les nouveaux acteurs de ce marché? Et comment les législations fiscales affectent-elles les ventes ? Euronews a posé ces questions à Guillaume Cerutti,PDG de la maison d'enchères Sotheby's France, et vice-PDG de Sotheby's Europe.

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La naissance de l'histoire de l'art au siècle des Lumières

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La naissance de l'histoire de l'art au siècle des Lumières

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La naissance de l'histoire de l'art au siècle des Lumières

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Art contemporain : un business artificiel ? 

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Art contemporain : un business artificiel ? 

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Art contemporain : un business artificiel ?

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Abonnez-vous à notre chaîne sur YouTube : http://f24.my/youtube En DIRECT - Suivez FRANCE 24 ici : http://f24.my/YTliveFR Dans son ouvrage "L'imposture de l'art contemporain" (Ed. Eyrolles), l'artiste Aude de Kerros dénonce l'utopie financière qui entoure l'art contemporain. Elle assure que grands collectionneurs, mécènes et administrations sont complices pour fabriquer artificiellement la cote des œuvres d'art et tirer les prix vers d'hallucinants sommets.

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Art-Culture-France, le portail des artistes peintres, sculpteurs et de la culture en France

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Art-Culture-France, le portail des artistes peintres, sculpteurs et de la culture en France

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Art contemporain: Recherche artistes français, désespérément

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Art contemporain: Recherche artistes français, désespérément

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En dépit de quelques réussites individuelles, l'art contemporain français n'existe presque pas sur la scène internationale. C'est d'autant plus dommageable que la légitimité et la reconnaissance des artistes, dans un marché devenu planétaire, se gagnent hors des frontières.

Les rares succès n'en sont donc que plus formidables et inattendus, comme ceux presque simultanés de trois jeunes artistes françaises en quelques mois: Camille Henrot recevant le Lion d'Argent lors de la 55 e Biennale de Venise en 2013, Laure Prouvost récompensée en décembre par le Turner Prize, à Londres, ou Pauline Curnier Jardin exposant au MIT List Visual Arts Center à Boston, le musée du prestigieux Massachusetts Institute of Technolog y. Mais toutes les trois ont gagné cette reconnaissance en s'expatriant: Laure Prouvost à Londres à la fin des années 90, Camille Henrot à New York depuis 2012 et Pauline Curnier Jardin à Berlin.

Ces succès sont inhabituels à plus d'un titre. Ils sont le fait de femmes, jeunes et françaises. Ils illustrent aussi le fait qu'en restant en France et dans les systèmes français, il est devenu presque impossible pour de jeunes artistes contemporains de réussir.

Au contraire de leurs homologues américains, anglais, allemands, suisses... ils semblent n'intéresser personne, peu de collectionneurs privés, peu de galeristes capable de les propulser sur la scène internationale, à l'exception toutefois de fondations récentes comme la Maison Rouge d'Antoine de Galbert (2003), la Fondation Ricard (2006) ou le Sam Art Project de Sandrine et Amaury Mulliez (2009), qui font de réels efforts.

Même l'Etat ne croit pas aux artistes français et complique les choses en imposant un double taux de TVA sur la vente de leurs œuvres. Un taux préférentiel est appliqué aux œuvres d'art d'un artiste étranger (5,5%) tandis que l'artiste français sera lui taxé à 10%. L'exception culturelle française... à l'envers.

La présence de plasticiens français dans les expositions temporaires est anecdotique, et quasi-inexistante dans les collections permanentes des grandes institutions culturelles internationales. Déjà en 2000, le chercheur Alain Quemin établissait un constat sévère sur l'état de l'art contemporain en France. Quatorze ans plus tard, on ne peut pas dire que la situation se soit améliorée.

Des commandes publiques en circuit fermé

Alors, bien sûr, nous avons la FIAC, la foire d'art contemporain, qui se tient au début de l'automne à Paris depuis plus de 40 ans. Elle tente de se redynamiser, mais pourtant, tend surtout à confirmer les valeurs sûres et étrangères. Son salut viendra peut être de ses déclinaisons à l'étranger, à Los Angeles en 2015 ou, de manière plus hypothétique, à Saint-Pétersbourg.

Bien sûr aussi, Paris attire encore des galeries. Quand Larry Gagosian s'installe au Bourget ou Thaddaeus Ropac à Pantin, on s'extasie. On souligne aussi que d'autres font le choix de rester, comme l'américaine Marian Goodman, présente depuis 1995.

Mais ces méga-galeries ne sont pas là pour découvrir ou promouvoir de nouveaux talents français. Quant aux galeristes parisiens, s'ils veulent continuer à exister, ils doivent se tourner vers l'étranger en s'installant, avec succès, à Shanghai ( Madga Danysz), Hong Kong ( Galerie Perrotin), Bruxelles ( Daniel Templon) ou New York ( Galerie Zürcher).

Quant au second marché, qui établit réellement la "valeur" marchande des œuvres, et qui passe par les maisons de vente, la place parisienne est largement désavantagée face à ses concurrentes par une fiscalité pénalisante et complexe, et son éclatement en pas moins de 74 maisons intervenant à Drouot. Résultat, selon Artprice, le marché parisien représentait l'an dernier 2,8% du marché mondial, très loin derrière les Etats-Unis et la Chine, quasi ex aequo à près de 33%, et le Royaume-Uni, à 21%. On comprend mieux que les vendeurs potentiels préfèrent être à New York et Londres.

La vraie exception française en matière d'art contemporain? Des institutions publiques comme le Fonds national d'art contemporain (FNAC) et les 23 Fonds régionaux d'art contemporain (FRAC), qui viennent de fêter leur trentième anniversaire. De vraies "machines" bureaucratiques au service de l'art.

La collection d'art contemporain appartenant à l'État comprend près de 96.000 œuvres achetées, dont la moitié produites par des artistes français, entreposées sur 4.500m2 dans le quartier de la Défense à Paris. Chaque année, entre 600 et 1000 œuvres sont acquises. Mais les commandes d'Etat parasitent la scène artistique en surreprésentant des artistes qui vivent presque exclusivement de la manne publique et les acquisitions sont faites dans la plus grande opacité.

Les artistes issus de ce système fermé sont totalement absents des catalogues de vente. Et les rares artistes français qui ont réussi à émerger au cours des dernières années l'ont fait hors de la sphère publique.

Cela se voit dans les classements. Selon Artprice, le premier français en termes de ventes en 2013, Robert Gombas, arrive en 81 e position. Son record? 166.000 dollars pour une toile de 1985 vendue à Bruxelles. Pour mettre en perspective, le dernier grand artiste français "contemporain" à apparaître dans les ventes d'art est Yves Klein, décédé en 1962! Sa dernière toile vendue remonte à 2012 chez Christie's à Londres, à un peu plus de 23 millions d'euros.

Valeur marchande et nationalité

On peut le dénoncer ou le déplorer, mais le constat est sans appel. La valeur esthétique d'un artiste est plus que jamais liée à sa valeur financière. Plus un artiste vend d'œuvres, plus il sera reconnu.

Les codes de la scène artistique contemporaine sont devenus de plus en plus marchands au fil des années. Une accélération de la monétisation de l'art qui est notamment liée à la place plus grande prise par les grands collectionneurs privés au détriment des institutionnels.

En devenant collectionneurs, les financiers et les gestionnaires de hedge funds (fonds spéculatifs) ont introduit de nouvelles règles. Ils achètent de l'art comme un investissement parmi d'autres, recherchant en priorité les valeurs sûres leur "garantissant" une plus-value. Du coup, ils tendent à stabiliser, voire à figer, les positions occupées par les artistes. Un des éléments pour minimiser les risques de leur investissement est la nationalité, et certaines "fonctionnent" mieux que d'autres à ce petit jeu.

Il est évidemment absurde de raisonner seulement en terme de nationalité dans le domaine de l'art, de vouloir cloisonner l'artiste dans un périmètre de frontières. C'était vrai hier, ça l'est encore plus aujourd'hui à l'heure de la mondialisation. L'artiste a un passeport, mais son travail, ses inspirations proviennent d'univers multiples où se mêlent formation, lieu où il travaille, vit, confrontations avec ses pairs...

La mondialisation a bouleversé le marché de l'art, que ce soit les galeries, qui désormais, pour continuer à exister, multiplient leurs annexes internationales, ou encore les grandes maisons d'enchères, qui ont développé des bureaux et des ventes spécifiques aux quatre coins de la planète. L'effacement des frontières est même devenu une réalité pour les musées, qui conçoivent les grandes expositions en collaborations entre plusieurs institutions internationales.

Enfin, et c'est particulièrement vrai aux Etats-Unis, les institutions reconnaissent les talents quels que soient leurs passeports. Philippe Vergne, un Français qui a fait l'essentiel sa carrière en dirigeant des institutions aux Etats-Unis, à Minneapolis puis plus récemment au Dia Beacon à New York, a été choisi pour diriger le Museum of Contemporary Art (Moca) de Los Angeles au début de cette année.

Les modèles britannique et allemand

Mais la question de la nationalité reste tout de même pertinente. Elle est le reflet du dynamisme d'une jeunesse et d'une culture, et plus encore un levier pour promouvoir les jeunes artistes sur la scène internationale.

Ainsi, l'explosion britannique dans l'art contemporain au tout début des années 1990 est sans aucun doute dû au soutien et à la volonté d'un "grand patron", Charles Saatchi, qui a permis à une génération d'artistes britanniques d'éclater sur le devant de la scène artistique, notamment au sein des "Young British Artists", en appuyant par diverses actions, comme l'exposition massive des artistes nationaux, et en facilitant leur promotion internationale.

Un développement qu'est venu renforcer la place de Londres, qui a su garder sa toute première importance, notamment pour les ventes aux enchères de l'art contemporain. Enfin, un événement a su "capitaliser" cette place centrale, la foire de Frieze qui en à peine une dizaine d'années d'existence, a su se hisser dans le trio des foires les plus importantes au monde, tandis que la Tate Modern, musée consacré à l'art contemporain depuis son ouverture en 2000, a su drainer plus de 40 millions de visiteurs

En Europe, l'autre pays qui a su promouvoir l'art contemporain est l'Allemagne, avec une démarche et des atouts bien différents. Un curieux mélange d'initiatives publiques et privées, comme l'ABC (Art Berlin Contemporain), une manifestation pilotée par l'Administration du Sénat de Berlin pour l'économie, la technologie et la recherche, la chancellerie des affaires culturelles de la ville et la Deutsche Bank. Ou comme la série d'expositions organisées à Hanovre en 2012, "Made in Germany", qui montrait un instantané de la scène artistique contemporaine en Allemagne.

Surtout, le pays bénéficie de l'aura particulière de Berlin, qui concentre près de 20.000 artistes et 450 galeries depuis une quinzaine d'années dans les quartiers de Mitte, Kreuzberg, ou plus récemment Potsdamer Straße. Enfin, il faut souligner la place particulière de la prestigieuse Documenta, une exposition internationale qui se tient tous les cinq ans pour une durée de 100 jours à Cassel, depuis 1955.

Restent en Europe deux autres villes qui sont des hauts lieux de convergence des amateurs d'art contemporain: Venise, avec sa biennale incontournable depuis sa création à la fin du XIX e siècle, et Bâle, avec sa foire qui transforme chaque année la ville suisse durant un long week-end de juin.

Les Etats-Unis, le centre du monde

Mais un pays concentre tous les atouts: les Etats Unis, et cela depuis 1945. Si au début des années 1950, la France était encore un lieu attractif pour les artistes, les galeries et le marché, au tournant des années 1960, New York a pris le relais.

La ville a alors tout raflé: marché, galeries et artistes, américains bien sûr, mais pas seulement. Les grands mouvements de l'art contemporain qui ont rythmé l'après-guerre sont nés de l'autre côté de l'Atlantique, que ce soit l'art abstrait, l'art minimaliste ou encore le pop art. A présent, et même si les artistes américains ne sont plus seuls à tenir la place, le pays garde son pouvoir d'attraction auprès des jeunes artistes.

C'est simple, si un artiste veut obtenir une reconnaissance internationale, et s'il veut parvenir au premier plan, il travaillera à un moment ou un autre aux Etats-Unis: qu'il soit chinois comme Ai Weiwei, brésilien comme Vik Muniz ou français tel Pierre Huyghe, qui tous ont eu ou ont encore un atelier dans la cité.

La ville offre une concentration incroyable de près de 1.000 galeries disséminées dans plusieurs quartiers -Midtown, Chelsea, Lower East Side, Williamsburg ou Bushwick. Ces ventes aux enchères servent de référence au marché mondial.

La force des Etats-Unis est d'être resté un carrefour. Ainsi, la foire Art Basel de Miami, qui se tient en décembre, après une première année un peu difficile en 2001, a très vite su saisir l'attention d'un vaste public dépassant les habituels amateurs d'art, et attiré largement toute l'Amérique latine. Sur la côte Ouest, depuis quelques années, le renouveau de la scène californienne anime Los Angeles, où une nouvelle concentration d'artistes, de jeunes collectionneurs et de galeries revitalise la ville et en fait une porte ouverte vers l'Asie.

Il n'y aucune fatalité pour que la France et ses artistes soient exclus de cette mondialisation de la scène contemporaine, même si le constat est peu réjouissant. L'agence de presse Bloomberg a établi deux classements pour 2013, des jeunes artistes de moins de 40 ans et de moins de 30 ans à partir des ventes répertoriées par Art Price. Si une forte majorité d'artistes provenait des pays asiatiques ou de pays émergents, on ne pouvait compter qu'un seul français sur les deux listes... JR.

Cela ne signifie pas que les talents manquent en France, bien au contraire. Ce qui manque c'est à la fois l'envie et les moyens de faire connaître les jeunes artistes français.

Il ne faudrait pas grand-chose pour tout changer. Un Saatchi par exemple, ou à défaut la création d'un sorte de vitrine pour promouvoir les artistes français au cœur du marché américain, comme l'ont fait les Suisses avec le Swiss Institute.
Anne de Coninck

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Art contemporain: Recherche artistes français, désespérément

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En dépit de quelques réussites individuelles, l'art contemporain français n'existe presque pas sur la scène internationale. C'est d'autant plus dommageable que la légitimité et la reconnaissance des artistes, dans un marché devenu planétaire, se gagnent hors des frontières.

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 FranceFrance : les meilleurs musées d'art contemporain

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 FranceFrance : les meilleurs musées d'art contemporain

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Formes étranges à l'extérieur, œuvres et installations surprenantes à l'intérieur... Visiter un musée aujourd'hui n'est plus un pensum. Les laboratoires de l'art contemporain ne s'adressent pas seulement aux spécialistes, mais à tous les curieux.

1. CENTRE POMPIDOU, METZ (MOSELLE)

Le Centre Pompidou-Metz, inauguré en 2010, occupe l'emplacement d'une ancienne gare de marchandises, dans un quartier en pleine mutation. L'originalité de son architecture, signée Shigeru Ban et Jean de Gastines, stimule l'imagination. Certains y voient une immense voilure blanche livrée aux caprices du vent ; d'autres la comparent à une raie géante ou à un chapeau chinois. La magie se prolonge à l'intérieur, avec une succession de galeries aux volumes très différents, qui accueillent des expositions de haut niveau consacrées à l'art moderne et contemporain. Du design à la peinture, tous les champs de la création sont concernés.
Infos et programmation sur www.centrepompidou-metz.fr

2. CARRÉ D'ART, NÎMES (GARD)

Au cœur de Nîmes, ancienne cité romaine, les siècles se répondent. Face à l'antique Maison carrée a surgi, en 1993, le Carré d'art, un bâtiment de verre et d'acier, ode à la lumière et à la légèreté. Conçu par Norman Foster, ce musée d'Art contemporain regroupe plus de 400 œuvres, des années 1960 à nos jours. Art français, identité méditerranéenne et tendances anglo-saxonnes sont les axes forts d'une collection dédiée aux avant-gardes (mouvement Supports/Surfaces, Figuration libre, Arte Povera, etc.). Des expositions temporaires, une médiathèque et des animations complètent la visite.
Visite gratuite les 1ers dimanches du mois, comme dans tous les musées nationaux.

Le Carré d'Art de Nîmes. Jacqueline Poggi
3. MUSÉE D'ART MODERNE DE SAINT-ÉTIENNE (LOIRE)

Inauguré en 1987, ce musée rassemble avec d'autres musées de Saint-Étienne (musée d'Art et d'Industrie, musée de la Mine) des collections mêlant volontiers l'art et les techniques de l'ère industrielle. Le passé ouvrier stéphanois resurgit ainsi souvent au travers d'expositions temporaires mêlant art contemporain et design. Parmi les collections permanentes, un nombre important d'œuvres picturales du XXe siècle (Monet, Magnelli, Picasso, Brauner, Léger...) mais également une collection d'art ancien, de design et de photographies.
Informations sur www.mam-st-etienne.fr

4. CAPC, BORDEAUX (GIRONDE)

À deux pas des quais et du quartier des Chartrons, le Centre d'arts plastiques et contemporains de Bordeaux occupe les anciens entrepôts Lainé de denrées coloniales, construits au début du XIXe siècle. Une véritable basilique aujourd'hui consacrée à l'art contemporain et réaménagée dans les années 1980 par Andrée Putman. Les expositions ont lieu dans l'immense nef centrale et les galeries supérieures. Le musée abrite plus de 1 200 œuvres, et 189 artistes y sont représentés.
Le CAPC a fêté ses 40 ans en 2013.

5. CNAC, GRENOBLE (ISÈRE)

Le Centre national d'art contemporain de Grenoble, communément appelé le Magasin, a ouvert ses portes en 1986. La particularité du lieu tient notamment à son impressionnante structure métallique de type Eiffel, surmontée d'une verrière immense. Cet ancien site industriel offre la possibilité aux artistes internationaux d'exposer des œuvres au format impressionnant, parfois même de les créer in situ, comme Jim Isermann en 1999 ou Paul Morrison en 2003. D'autres grands noms y ont exposé, comme Anish Kapoor ou Daniel Buren.
Consultez la programmation sur www.magasin-cnac.org

6. CONSORTIUM, DIJON (CÔTE-D'OR)

Sous l'égide d'une association très active depuis 1977, ce centre, ouvert en 2011 dans une ancienne usine de chaussures magnifiquement réinstallée sur 4 000 m2 par Shigeru Ban (architecte du Centre Pompidou à Metz), présente des expositions temporaires des plus éminents artistes contemporains. Le Consortium, à l'origine de nombreuses actions artistiques dans la région, développe une réflexion critique sur la place et le rôle de l'art. La visite du bâtiment offre une déambulation presque monastique dans les espaces tout de béton et de lumière.
En 2008, le célèbre Turner Prize a été décerné à Mark Leckey suite à une exposition réalisée au Consortium

7. CENTRE POMPIDOU (PARIS)

Exposition "Play it Yourself" en 2011. Pierre Métivier
Avec ses gaines de circulation peintes de couleurs vives et l'immense chenille des escalators rejetés vers l'extérieur, son architecture signée Renzo Piano et Richard Rogers est déjà un manifeste de modernité. Elle fit scandale en 1977 et continue de fasciner. Cet audacieux bâtiment abrite l'incontournable musée national d'Art moderne (MNAM), qui possède la plus grande collection en Europe d'art des XXe et XXIe siècles. Soit quelque 60 000 œuvres (peinture, architecture, sculpture, design, photo, cinéma, nouveaux médias, etc.) accrochées par alternance (niveaux 4 et 5). Ses grandes expositions temporaires ont un succès fou.
Découvrez toutes les œuvres de la collection du Centre sur www.centrepompidou.fr

8. MUSÉE D'ART MODERNE ET PALAIS DE TOKYO (PARIS)

Avec sa riche collection permanente, le MAM couvre la plupart des grands courants artistiques de 1901 à nos jours (avec, notamment, des œuvres de Matisse, Raoul Dufy, Georges Rouault, Modigliani, Giacometti, Louise Bourgeois, Christian Boltanski). Il présente aussi d'intéressantes expositions temporaires, comme celle sur Basquiat en 2010 ou sur Christopher Wool en 2012. Quant au palais de Tokyo, qui a rouvert en 2012 après avoir triplé sa surface (22 000 m2), il entend être l'un des plus grands sites dédiés à la création contemporaine en Europe.
Le musée est ouvert en nocturne jusqu'à 22h le jeudi. Les collections permanentes sont en accès gratuit.

Visiteurs à la Maison Rouge. looking4poetry
9. TRAM (PARIS, ÎLE-DE-FRANCE)

L'association Tram, réseau d'art contemporain ( www.tram-idf.fr), qui fédère plus d'une trentaine de lieux à Paris et en Île-de-France, peut vous ouvrir des pistes d'exploration nouvelles. Des lieux très branchés comme la Maison Rouge ( www.lamaisonrouge.org), boulevard de la Bastille, ou le Mac/Val ( www.macval.fr), à Vitry-sur-Seine, et d'autres plus inattendus mais pas moins intéressants. Début 2012, elle proposait ainsi, un samedi par mois, un parcours différent associant deux ou trois lieux du réseau et des rencontres avec les artistes ou les organisateurs des expositions.
Carte du réseau et infos sur www.tram-idf.fr

10. LAM, VILLENEUVE D'ASCQ (NORD)

Les artistes fous, les médiums, les autodidactes solitaires ont leur panthéon. Depuis sa réouverture en 2010 et grâce à son extension à l'architecture très réussie, le musée d'Art moderne Lille Métropole abrite la plus grande collection d'art brut jamais réunie en France. Des œuvres incroyables, tels les totems géants, les fresques orientales d'une minutie affolante ou les villes futuristes en matériaux de récupération sont réalisées par des non-professionnels de l'art. Une véritable incitation à la modestie pour les stars de l'art moderne ou contemporain également représentées : Picasso, Braque, Modigliani, Léger ou encore Miró.
Lille est accessibile en 1 h en TGV depuis Paris-Gare du Nord.

Photo Centre Pompidou Metz: airdecker

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France : les meilleurs musées d'art contemporain

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Formes étranges à l'extérieur, œuvres et installations surprenantes à l'intérieur... Visiter un musée aujourd'hui n'est plus un pensum. Les laboratoires de l'art contemporain ne s'adressent pas seulement aux spécialistes, mais à tous les curieux. Le Centre Pompidou-Metz, inauguré en 2010, occupe l'emplacement d'une ancienne gare de marchandises, dans un quartier en pleine mutation.

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École nationale supérieure des beaux-arts

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École nationale supérieure des beaux-arts

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NOS ARTISTES

Appel à candidatures (jusqu'au 29 avril) Galerie virtuelle sur l'Art numérique Appel à candidatures (jusqu'au 24 mai) Programme de formation d'Artiste Intervenant en Milieu S

en savoir plus

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NOS ARTISTES Appel à candidatures (jusqu'au 29 avril) Galerie virtuelle sur l'Art numérique Appel à candidatures (jusqu'au 24 mai) Programme de formation d'Artiste Intervenant en Milieu S en savoir plus

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Initiation à l'art contemporain | Enseigner le français avec TV5MONDE

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Initiation à l'art contemporain | Enseigner le français avec TV5MONDE

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1 minute pour découvrir une œuvre d'art en vidéo, tout simplement. Le + : 1 émission courte, 3 activités par fiche pour guider l'interprétation d'œuvres artistiques.

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Les galeries Carré d'artistes, l'art contemporain en France

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Les galeries Carré d'artistes, l'art contemporain en France

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Les galeries Carré d'artistes, l'art contemporain en France et à l'international

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Retrouvez les galeries Carré d'artistes à travers le monde et découvrez des artistes peintre contemporain et des œuvres d'art uniques

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Centre d'Histoire de l'Art de la Renaissance

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Centre d'Histoire de l'Art de la Renaissance

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Le séminaire collectif d'histoire de l'art de la Renaissance est organisé par le Centre d'Etudes Supérieures de la Renaissance (Université de Tours), le Centre d'Histoire et de Théorie des Arts (EHESS), l'Ecole Pratique des hautes Etudes et le Centre d'Histoire de l'Art de la Renaissance(Université Paris 1 Panthéon Sorbonne). Programme 2017-2018 La deuxième séance de l'année portera sur les Mythes, récits et images des origines de l'humanité et sera l'occasion d'une rencontre avec Susanna Longo (maître de conférences à l'Université Lyon III) et...

Séminaire collectif d'Histoire de l'Art de la Renaissance " Approches anthropologiques en histoire de l'art " 2017-2018 Institut National d'Histoire de l'Art, salle Vasari Programme en pdf Lundi 27 Novembre 2017, 18.30 Architecture, imaginaire et pratique du bain en France à la Renaissance Ronan Bouttier (docteur de l'Université Paris IV-Sorbonne) avec la participation d'Emmanuel Lurin (maître de conférences à l'Université Paris IV-Sorbonne) et Michèle Bimbenet-Privat (conservateur général au département des objets d'art, Musée du...

Voir l'au-delà. L'expérience visionnaire et sa représentation dans l'art italien de la Renaissance Actes du colloque international (Paris, 3-5 juin 2013) Sous la direction de Andreas Beyer, Philippe Morel et Alessandro Nova Brepols, 2017 A l'âge du triomphe de l'historia et de la mimésis, où " ce qui ne relève pas de la vue ne concernerait en rien la peinture ", la vision de l'au-delà a néanmoins très largement occupé la réflexion et la création...

Colloque international La Renaissance des origines. Commencement, genèse et création dans l'art des XVe et XVIe siècles Université de Tel Aviv ; Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne 14, 15 et 16 mai 2018 (Tel Aviv) ; 28, 29 et 30 mai 2018 (Paris) Deadline : 1er juin 2017 - June 1, 2017 [English version below] _____________________________________________ Dans l'histoire de la pensée occidentale, il n'est sans doute aucune autre grande question qui ait autant fasciné et suscité d'infinies spéculations que...

. Affiche des thèses publiées du CHAR en pdf. . . .

Le séminaire collectif d'histoire de l'art de la Renaissance est organisé par le Centre d'Etudes Supérieures de la Renaissance (Université de Tours), le Centre d'Histoire et de Théorie des Arts (EHESS), l'Ecole Pratique des hautes Etudes et le Centre d'Histoire de l'Art de la Renaissance(Université Paris 1 Panthéon Sorbonne). Programme 2017-2018 La deuxième séance de l'année portera sur les Mythes, récits et images des origines de l'humanité et sera l'occasion d'une rencontre avec Susanna Longo (maître de conférences à l'Université Lyon III) et...

Présentation de l'ouvrage : T. Golsenne, Carlo Crivelli et le matérialisme mystique du Quattrocento, Presses universitaires de Rennes, 2017 Le jeudi 14 décembre 2017 à 20H, Librairie l'Atelier (2 bis rue du Jourdain, 75020 Paris) Cette présentation sera suivie d'une discussion avec Etienne Anheim, directeur d'études à l'EHESS et rédacteur en chef des Annales. Ce sera l'occasion de (re)découvrir cet artiste extraordinaire, et ce livre qui conclut une dizaine d'années de recherches entreprises par l'auteur. " Carlo...

Corps renversés, membres contorsionnés, visages grimaçants, organes et orifices exhibés, émanations et bruits incontrôlés, autant de manifestations corporelles qui perturbent et créent un sentiment de malaise, une anxiété. Qu' est-ce qui cause ce trouble ? D' où vient-il ? A-t-il toujours été de la même nature à travers le temps ? Est-il ressenti de la même manière dans d'autres cultures que la nôtre ? Mises à distance ou au contraire exacerbées, voire sublimées dans les...

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Centre d'Histoire de l'Art de la Renaissance - HiCSA - ED441 - Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne

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Le séminaire collectif d'histoire de l'art de la Renaissance est organisé par le Centre d'Etudes Supérieures de la Renaissance (Université de Tours), le Centre d'Histoire et de Théorie des Arts (EHESS), l'Ecole Pratique des hautes Etudes et le Centre d'Histoire de l'Art de la Renaissance(Université Paris 1 Panthéon Sorbonne).

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Anne Martin-Fugier est historienne, auteure de nombreux ouvrages sur la vie sociale et culturelle française au XIXe siècle, parmi lesquels La Place des bonnes (Grasset, 1979 ; Tempus, 2004), La Bourgeoise (Grasset, 1983 ; Pluriel, 2007), La Vie élégante ou la Formation du Tout-Paris, 1815-1848 (Fayard, 1990 - Prix Chateaubriand ; Tempus, 2011), Les Romantiques. Figures de l'artiste, 1820-1848 (Hachette Littératures, 1998 ; Pluriel, 2009), La Vie d'artiste au XIXe siècle (Audibert, 2007 ; Pluriel, 2008). Elle a ensuite poursuivi sa réflexion avec la publication chez Actes Sud d'une trilogie : Galeristes (2010, Babel 2014) ; Collectionneurs (2012) ; Artistes (2014). L'entretien qui suit est inspiré de ces trois ouvrages qui brossent un portrait fidèle et vivant des logiques et des passions qui animent les différents acteurs de la scène artistique contemporaine française.
La Vie des Idées : Vous êtes historienne et votre carrière universitaire vous a menée de l'histoire sociale et culturelle du XIXe siècle à l'art contemporain, avec la publication récente d'une trilogie chez Actes Sud. Vous y interrogez successivement galeristes, collectionneurs et artistes français. Comment êtes-vous passée d'un sujet d'étude à l'autre et quel point de vue souhaitez-vous donner de l'art contemporain ?
Anne Martin-Fugier : En 1975, j'ai commencé un doctorat sur les bonnes à Paris à la fin du XIXe siècle et, la même année, j'ai poussé la porte de galeries d'art contemporain. Mon existence allait dès lors tourner autour de ces deux pôles : l'histoire culturelle et sociale du XIXe siècle et l'art contemporain. Dans La Vie d'artiste au XIXe siècle (2007), j'ai pour la première fois rapproché mes deux territoires, en évoquant la création du premier musée d'art contemporain (le Luxembourg, en 1818), la naissance des galeries et le début de la spéculation sur l'art contemporain. Pour ce livre, j'ai lu les mémoires des marchands de tableaux, Durand-Ruel, Vollard, Kahnweiler, Berthe Weill, et les témoignages publiés sur eux, de collectionneurs et d'amis. Et, en pensant aux historiens du futur, j'ai eu l'envie de témoigner à mon tour sur quelques galeristes parisiens que j'ai beaucoup fréquentés.

Je croyais au départ faire un pas de côté par rapport à mes recherches sur le XIXe siècle qui m'avaient conduite à étudier sur la longue durée la sociabilité mondaine ou la condition des comédiennes. Je ne prétendais pas tracer une histoire des galeries parisiennes dans le dernier tiers du XXe siècle et le début du XXIe, je voulais reconstituer des itinéraires. J'ai choisi onze galeristes que je connaissais depuis longtemps et pour lesquels j'éprouvais de la sympathie. Ils appartenaient à des générations diverses, d'Emmanuel Perrotin, né en 1968 à Lucien Durand, né en 1920 (Il n'y avait aucun trentenaire, la durée de nos relations aurait été insuffisante.)

Mais, chemin faisant, je me suis rendu compte que ces différents itinéraires donnaient un panorama intéressant sur l'évolution du monde de l'art contemporain et j'ai voulu continuer avec les collectionneurs. D'autant plus que j'éprouvais le besoin de protester contre le lieu commun qui avait cours depuis le début des années 2000 : l'art contemporain était présenté comme incarnant le triomphe de l'argent et de la spéculation. Or je ne côtoyais que des passionnés, galeristes qui avaient résisté à la crise de 1990-93, collectionneurs qui s'endettaient pour acheter des œuvres, ne les revendaient jamais et étaient plutôt gênés que le prix de ces œuvres se soit envolé. Ces gens-là étaient des aventuriers plutôt que des spéculateurs.

" À quand les artistes ? " me disait-on souvent. Je savais qu'il faudrait en arriver là puisqu'ils étaient la source de tout mais la création est chose intimidante, et je n'ai pas eu trop de deux livres pour tourner d'abord autour... Une question s'imposait par ailleurs : pourquoi les artistes français avaient-ils tant de mal à s'exporter ? Pourquoi n'avaient-ils pas une cote internationale ? Pourquoi étaient-ils si dévalorisés ? Je suis donc allée interviewer une douzaine d'artistes français de générations différentes avec le désir de trouver des explications.

Situation de l'artiste à l'époque contemporaine
La Vie des Idées : les artistes de l'ère contemporaine ne sont plus les marginaux du XIXe siècle, même s'il reste toujours difficile de vivre de son art. Philippe Mayaux dit par exemple qu' " aujourd'hui ce n'est pas la bohème pittoresque du XIXe siècle, c'est une bohème plus terne faite de banlieues, de pavillons, d'appartements HLM " (p. 97). Par ailleurs, Mathieu Mercier décrit les tout jeunes artistes comme de véritables gestionnaires, des entrepreneurs qui savent comment gérer leur carrière : Xavier Veilhan se décrit volontiers comme un artiste chef d'entreprise. Est-ce que cela signifie que l'artiste est devenu un travailleur ordinaire à notre époque ? Est-ce qu'il a perdu son statut si particulier dans nos sociétés ?
Anne Martin-Fugier : La " vie de bohème " est une création des années 1840, mise à la mode par les feuilletons des petits journaux, ceux de Murger en particulier. L'expression évoque une existence faite de liberté, de précarité, de misère, par opposition à une société bourgeoise où triomphait Monsieur Prudhomme, le fameux " épicier " d'Henry Monnier au grand col blanc, épouvantail des romantiques. Quand Philippe Mayaux ou d'autres artistes s'y réfèrent, c'est plutôt un clin d'œil à cette mythologie qui a imprégné si longtemps nos imaginaires malgré les protestations qui s'élevaient contre elle dès le XIXe siècle. Ainsi Zola écrivait en 1867 à propos de Manet : " La vie d'un artiste, en nos temps corrects et policés, est celle d'un bourgeois tranquille, qui peint des tableaux dans son atelier comme d'autres vendent du poivre derrière leur comptoir. "

Il est certes difficile d'arriver à vivre de son art et beaucoup d'artistes ont, au moins au début, une activité alimentaire, l'enseignement la plupart du temps. Ou plus pittoresque, comme Philippe Cognée, qui, pendant des années, a vendu ses aquarelles sur les marchés, l'été. Mais la sécurité sociale existe et le spectre de l'hôpital et de la misère n'est plus guère agité. La dureté de la vie d'artiste est ailleurs. On est solitaire et exposé : " Vous êtes seul, vous assumez tout [...] Tout tient à vous, tout tient sur vous. Quand on vous critique, c'est votre personne qui prend les coups, vous n'avez pas le tampon d'une entreprise qui vous protège. " Philippe Mayaux dit encore : " Vous pouvez vous faire détruire très rapidement, il suffit que surgisse une mauvaise rumeur et c'est fini. " L'indépendance est un leurre : " Les artistes, déclare Fabien Mérelle, se défendent très mal parce qu'ils sont tout au bout de la chaîne. Certains collectionneurs paient quand ils en ont envie et le galeriste aussi [...] L'artiste est sans cesse demandeur auprès de sa galerie. " Comme tout petit entrepreneur, l'artiste est écrasé par les charges et la paperasserie : " Je dois payer la Maison des artistes, les impôts, l'IRCEC, le comptable... " Or non seulement il n'a pas été préparé à ces réalités-là mais il n'imaginait même pas être concerné. Mathieu Mercier n'a découvert ce pan de l'existence qu'à la quarantaine, lors de sa rupture avec sa galerie : " Jusque-là je pensais qu'on échappait à tout en tant qu'artiste. Mais pas du tout ! " Produire ses pièces avait été son seul souci : " Je vivais sans me soucier de rien sauf de mon travail, j'ai eu vingt ans pendant vingt ans. "

La création reste parfois une aventure solitaire. Philippe Cognée ou Philippe Mayaux travaillent seuls, rechignent à se faire aider même par un assistant. Mais l'utilisation de la technologie entraîne souvent la participation nécessaire de collaborateurs. Ainsi, si François Rouan tient seul le pinceau, il a besoin, pour ses réalisations vidéo, de modèles et de techniciens. Xavier Veilhan, qui aime travailler en équipe, a créé son propre système de production et se retrouve chef d'entreprise. Cependant, qu'il réalise ses œuvres lui-même ou qu'il les conçoive et les fasse réaliser par d'autres (comme François Morellet ou... Jeff Koons), l'artiste n'est jamais devenu un travailleur ordinaire.

Selon Mathieu Mercier, les jeunes artistes sont surtout plus conscients aujourd'hui des circuits à emprunter " pour agir dans le système de l'art s'ils veulent être reconnus ". Il y a vingt ans, au sortir de l'École des beaux-arts, on espérait l'arrivée dans son atelier d'un critique, d'un conservateur ou d'un galeriste en comptant sur le bouche à oreille et sur l'influence d'un parrain. Un artiste plus âgé, comme Claude Lévêque, jouait ce rôle de mise en contact des jeunes galeristes et des jeunes artistes. Actuellement, dit Mercier, le parrainage est plus vaste et plus diversifié, il est constitué par " un ensemble d'offres, bourses, prix et salons " que savent utiliser les artistes. Les résidences en France ou à l'étranger sont légion, qui peuvent déboucher sur des expositions.

Valeur économique, valeur artistique
La Vie des Idées : La grande majorité des galeristes et collectionneurs français que vous avez interrogés dénoncent la forte hausse des prix de l'art contemporain depuis le début des années 2000, ainsi que le phénomène de spéculation, à l'exception peut-être d'Emmanuel Perrotin qui revendique un star system où la valeur artistique de chaque projet est indexée sur son coût de production et sa cotation dans le monde de l'art. Est-ce que cela signifie que valeur artistique et économique ne fonctionnent plus de pair ?
Anne Martin-Fugier : Valeur artistique et valeur économique ont-elles jamais fonctionné de pair en ce qui concerne la création contemporaine ? La spéculation sur les tableaux date de la seconde moitié du XVIIIe siècle mais la nouveauté au XIXe siècle, c'est la découverte que l'art contemporain vaut de l'argent. Les tableaux, et pas seulement s'ils sont anciens, apparaissent comme un placement, une valeur refuge en temps de crise. La variation de la cote d'un artiste devient un élément déterminant, elle se mesure à l'occasion de ventes aux enchères qui se développent au cours de la seconde moitié du siècle (l'Hôtel Drouot ouvre en 1852). Les cotes peuvent s'effondrer, comme celle de Meissonnier dont les œuvres, de son vivant, valaient plus cher que celles de ses contemporains les plus appréciés (par exemple en 1868, ses Amateurs de peinture atteignirent 31 800 francs contre 20 000 francs pour Le Bain turc d'Ingres). En 1910, vingt ans après sa mort, ses prix étaient quasiment divisés par deux. À l'inverse, des Danseuses de Degas furent acquises 435 000 francs en 1912, à la stupéfaction du peintre : " C'est curieux, des tableaux que j'ai vendus cinq cents francs... "

Le meilleur exemple de dissociation entre valeur économique et valeur artistique est la comparaison des cotes d'Ingres et de Delacroix. La renommée des deux peintres était égale mais les prix de leurs œuvres comme les sommes qui leur étaient allouées pour des commandes publiques ont toujours été décalés. Le comte Duchâtel paya 25 000 francs La Source d'Ingres en 1857 tandis qu'Alfred Bruyas n'avait donné, sept ans plus tôt, que 1500 francs de la deuxième version des Femmes d'Alger. Sans doute la reconnaissance institutionnelle d'Ingres, prix de Rome, académicien et proche du pouvoir, y était-elle pour quelque chose.

La valeur économique, affirme Xavier Veilhan, est constitutive de la valeur artistique : " L'étiquette a un sens. Il n'est pas vrai que vous regardiez un Basquiat ou un Warhol comme s'il coûtait trois euros. " Ses œuvres à lui valent entre cinquante mille et cent mille euros. Prix lié, d'une part, à leur coût de production, et représentant, d'autre part, la valeur consensuelle qu'on leur attribue : " À dix pour cent près, tout le monde dans le milieu s'accorde pour dire que telle œuvre vaut tant. " Jean Brolly, grand collectionneur devenu galeriste en 2002, en est d'accord : " Les prix s'établissent par comparaison. Il y a une échelle : on sait qu'un jeune artiste vaut tant et un artiste plus confirmé tant. " Certains niveaux de prix sont donc justifiés et justifiables. Mais le passage à l'euro a entraîné un bouleversement de l'échelle : un jeune artiste, à Paris, c'est aujourd'hui cinq mille euros ; dans les années 1970, c'était six ou sept mille francs, l'équivalent de mille euros. Brolly se souvient qu'il payait huit mille francs un Bertrand Lavier.

Le coût de production est un élément objectif dans l'établissement d'un prix. Mathieu Mercier précise que ses plus grosses pièces valent trente à trente-cinq mille euros, à l'exception de celle avec les axolotls (monstres d'eau) qui vaut environ cinquante mille euros " parce qu'elle a déjà coûté vingt mille euros à produire et qu'elle me revient très cher à stocker ". Mais il entre dans un prix des éléments plus subjectifs, comme l'explique Philippe Mayaux. D'accord avec ses marchands, il a toujours essayé de vendre le plus cher possible : " C'était un principe. Un prix fort rassure un collectionneur. " Par jeu, ils ont poussé les prix : " Eh bien, rien n'arrête les collectionneurs ! À croire que l'art, comme la psychanalyse, est sans prix... " François Rouan, lui aussi, insiste sur le jeu avec le prix. À Jan Krugier qui veut lui acheter trois tableaux, il annonce qu'il double leur prix : " Il a grogné mais il a payé ! " Il avait déjà fait monter les prix lorsqu'il avait commencé à travailler avec Pierre Matisse, " moins pour gagner de l'argent que pour mettre le demandeur à l'épreuve du symbolique ".

La cote d'un artiste est fonction des galeries où il est exposé. " Vous croyez qu'une œuvre de X ou de Y vaut deux cent mille euros ? Non, c'est juste que le marchand qui la vend a une clientèle capable de dépenser une telle somme. Et comme les galeries chics ont de gros frais, ces frais se retrouvent dans l'objet à vendre. " Plusieurs des artistes interviewés soulèvent la question de la disparité des cotes au sein d'une galerie. En principe, " une galerie qui a de gros moyens travaille avec des artistes qui ont des prix élevés. " Massimo Minini, l'un des marchands de Mathieu Mercier, montre des stars, Daniel Buren, Anish Kapoor, Sol Lewitt : " À l'échelle de l'économie de la galerie, constate Mercier, du nombre d'employés, de la gestion que cela représente, vendre une de mes pièces dix mille euros pour en garder au final la moitié une fois que j'ai été payé n'est guère rentable. " Ange Leccia dit la même chose à propos de sa galeriste, Almine Rech : " Almine m'a souvent montré, et même en one man show à Frieze, mais il n'existe pas vraiment de marché pour moi ni pour les artistes français. Dans sa galerie, mon œuvre la plus chère vaut quarante mille euros, l'artiste étranger le moins cher atteint deux cent mille euros. Je comprends donc qu'elle préfère travailler avec son étranger le moins cher plutôt qu'avec moi. "

" Est-ce qu'un Peter Doig vaut huit millions de dollars ? Mieux vaudrait acheter un Gauguin " dit Jean Brolly. Et Antoine de Galbert : " Au-delà de cent mille euros, il est débile d'acheter du contemporain, il faut acheter l'Histoire. " Ces doutes sur la valeur d'un tableau payé un prix faramineux me rappellent celui du collectionneur Paul Chéramy en 1909 : " Aucun artiste, aucun critique, aucun amateur ne soutiendra que L'Angélus représente une valeur de 800 000 francs. Millet eût été le premier à trouver ce chiffre extrêmement surfait. " C'était le prix du coup médiatique orchestré par Alfred Chauchard, le propriétaire des magasins du Louvre, qui se campait en patriote ramenant en France le trésor national parti aux États-Unis. Mais lorsque l'œuvre entra au Louvre, le public fut fort déçu...

Du national à l'international
La Vie des Idées : Artistes, galeristes et collectionneurs évoquent tous l'importance des foires. Il y a par exemple cette remarque de Fabien Mérelle : " Il est essentiel de pouvoir être montré dans les foires, même si c'est comme la bande-annonce d'un film, très insatisfaisant. Un art de foire est en train de se créer où l'artiste se farde pour qu'on le voie de loin. On perd en qualité et en profondeur parce qu'il faut présenter rapidement des œuvres qui puissent faire illusion. J'aurais envie de retourner en ma faveur les paradigmes de foire " (p. 26). Quel est le rôle des foires sur la scène artistique contemporaine ? Sont-elles essentielles au travail des artistes, ou bien de simples vitrines pour acheteurs pressés ?
Anne Martin-Fugier : Aux yeux des artistes, les foires (et les biennales) sont essentielles parce qu'elles sont des occasions de visibilité et de contact, que ce soit en France ou à l'étranger. Un chiffre, à titre de comparaison : la FIAC accueille 85 000 visiteurs en cinq jours tandis qu'une exposition en galerie recevra " 2000 personnes à tout casser ", pour citer Philippe Mayaux. Tout le monde constate une baisse de fréquentation des galeries en dehors des vernissages. Le public a besoin d'événements, les foires en font partie. Leur nombre a cru de façon exponentielle. Les premières datent de 1967, il y en avait 36 en 2000 et 288 en 2013, sans compter les foires " off ", annexes des grandes.

Les galeries importantes sont tenues de participer à de multiples foires, ce qui entraîne des frais considérables. Miami, Chicago, New York, Bâle, Hong Kong, la FIAC, Bruxelles, Dubaï... Daniel Templon, dit Philippe Cognée, fait neuf foires dans l'année, qui lui coûtent entre 900 000 et un million d'euros : " De plus, pour exister vraiment dans ces foires, il est obligé d'avoir des artistes chers, à la mode, il doit suivre cette logique-là, toujours contraint d'aller de l'avant. " Galeriste et artiste essaient aussi de concevoir pour chaque foire un événement exceptionnel. Pour celle de Dubaï en 2013, Templon donnait à Cognée un mur de cinq mètres pour lequel Cognée a réalisé huit tondos. Le rendez-vous de Bâle est incontournable. Même les artistes installés y sont très attentifs. François Morellet, représenté à Bâle par une demi-douzaine de galeries, une française, une anglaise, une italienne et trois suisses, est soucieux de ne leur confier ni deux œuvres semblables ni les mêmes œuvres que l'année précédente : " Avoir un stand à Bâle est très onéreux et si je propose à une galerie une pièce qu'elle ne vend pas, je me sens fautif. "

Les artistes dont les marchands ne font pas de foires le ressentent comme un véritable handicap. Clément Bagot en fait grief à Éric Dupont, il aimerait en particulier être montré à Bruxelles. Mais il est assez honnête pour reconnaître que, si son marchand participait à des foires, il serait obligé de produire davantage. Et comme il travaille lentement, il rencontrerait des difficultés. Si Fabien Mérelle est entré chez Praz-Delavallade, c'est aussi parce que ces marchands-là pouvaient l'emmener dans des foires, contrairement au jeune homme chez qui il exposait. Leur temporalité divergeait : " Je ne doute pas qu'à terme tu iras dans des foires mais aujourd'hui ce n'est pas le cas et je ne sais pas si moi, demain, dans cinq ou dix ans, je serai un artiste que tu auras l'envie de présenter dans une foire. Pour moi, c'est maintenant ou jamais. " Comme beaucoup de jeunes artistes, Fabien Mérelle a un sentiment aigu de la nécessité de faire les choses à l'heure, de ne pas laisser passer sa chance.
La Vie des Idées : Même s'ils les critiquent souvent, les institutions culturelles françaises et étrangères semblent représenter pour les artistes interrogés des instances de légitimation à part de leur travail. Quelle place occupent ces institutions dans leur parcours et leur carrière, comment les perçoivent-ils ?
Anne Martin-Fugier : Au début de leur carrière, les Fonds Régionaux d'Art Contemporain créés par Jack Lang en 1982 dans le cadre de la politique de décentralisation sont une aide véritable pour les artistes. Xavier Veilhan le reconnaît : " Les FRAC m'ont été d'un grand secours. C'était le premier stade de la reconnaissance. Ils m'achetaient des pièces à des prix qui paraîtraient ridicules aujourd'hui, cela me permettait de vivre mais j'étais limité dans la production. " Un achat représente plus qu'une aide financière, un acte symbolique : " La première fois que j'ai eu une pièce achetée par un FRAC, j'étais tout à fait conscient qu'elle entrait dans les collections publiques. Je tiens beaucoup à la dimension publique, l'inaliénabilité des œuvres qui appartiennent aux collections publiques me semble fondamentale. " Aujourd'hui, tout en étant heureux que sa cote ait grimpé, Veilhan regrette qu'elle soit trop élevée pour les budgets des musées. Encore faut-il, si on est acheté par une institution, être exposé : " Ce qui compte, affirme Philippe Cognée, c'est d'être acheté par la Tate Modern ou le Centre Pompidou et d'être montré, de ne pas rester dans les réserves. "

Cependant le système français fait plutôt l'objet de vives critiques. Ange Leccia le dit sans ambages : " L'un des handicaps français, c'est que les FRAC étaient aux mains de petits fonctionnaires. " Même chose au Fonds National d'Art Contemporain où Leccia a côtoyé, dans les commissions d'achat, les inspecteurs à la création, fonctionnaires médiocrement payés qui avaient fait leurs études en France sans jamais bouger. Leurs choix les menaient donc vers l'exotisme : " Lorsque dans les années 1980, ils étaient qualifiés par un FRAC ou par l'État pour acquérir une œuvre, ils préféraient aller à Milan ou à Turin acheter un Pistoletto, à New York ou à Los Angeles acheter un Mike Kelley, qu'aller à Clermont-Ferrand ou à Bastia acheter un Ange Leccia. " À l'inverse, les conservateurs anglais ou américains, qui ne sont pas fonctionnaires mais associés, sont intéressés à la réussite de leurs artistes, ils gagnent leur vie si les artistes gagnent leur vie.

Les artistes reprochent surtout aux institutions françaises leur dogmatisme anti-peinture. François Rouan est très sévère : " La caractéristique de l'élégance française qu'est le post-duchampisme est le mépris de la peinture, un mépris terrible ". Clément Bagot résume ainsi la situation : aux États-Unis où, pendant quatre ans, il faisait de longs séjours, il voyait de la peinture, du dessin, de la sculpture ; lorsqu'il rentrait en France, " il n'y avait plus que du conceptuel post-duchampien ", vidéo, photos numériques, installations. " Dans les années 1980, commente Claude Viallat, le conceptuel a pris le pouvoir. La plupart des directeurs d'écoles des Beaux Arts et des inspecteurs ont été formés par l'université au conceptuel. Si bien qu'on n'enseignait quasiment plus la peinture ni le dessin, la photographie et la vidéo avaient tout remplacé. "

Ce qu'attendent les artistes français, c'est évidemment une grande exposition au Centre Pompidou ou au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Même ceux qui, comme François Morellet, ont d'abord été reconnus à l'étranger. Mais les musées n'ont plus d'argent et ont besoin de mécènes pour organiser une rétrospective : " Si demain, dit Ange Leccia, Chanel me proposait de mettre quatre cent mille euros sur la table, dans un mois j'aurais une exposition. "
La Vie des Idées : Le marché de l'art français trouve péniblement sa place sur la scène artistique internationale. Quelles en sont les raisons ? Certains artistes expriment même un vif désir d'expatriation (notamment pour la Californie), mais le chemin paraît difficile. Comment se fait-il qu'ils aient du mal à être représentés sur la scène internationale, à s'exporter ?
Anne Martin-Fugier : Si l'on demande aux artistes pourquoi les Français s'exportent difficilement, ils désignent trois responsables : les institutions, les marchands, les artistes eux-mêmes.

Est-ce parce que la France a été longtemps terre d'accueil pour les artistes et que Paris était la ville où tous les artistes étrangers voulaient venir étudier et travailler ? Parce que la France se veut universelle ? Du coup, il n'y a pas chez nous de patriotisme artistique, contrairement à l'Angleterre, à l'Allemagne ou aux États-Unis. Selon Claude Lévêque, la fameuse plaisanterie américaine " Pourquoi exposerait-on vos artistes alors que vous ne les exposez pas vous-mêmes ? " n'est pas si fausse. Les peintres surtout le ressentent cruellement : " La France, dit Philippe Cognée, est capable de nous distribuer des médailles -on m'a offert la Légion d'honneur !- mais incapable de travailler à fond pour nous mettre au niveau international, nous donner une visibilité. Aujourd'hui la seule visibilité est commerciale, elle passe par Pinault ou Arnault. " Et François Rouan : " En 2013, le centre Pompidou n'a même pas réussi à faire circuler l'exposition Hantaï, personne n'en a voulu. Au grand dam de nos institutionnels qui prétendent pourtant 'travailler à l'international'. Mais les Français sont étonnants de se référer encore à ce qu'ils imaginent être leur puissance symbolique. "

Ange Leccia avait, en 1987, une opportunité d'acquérir une stature internationale. Invité à la fois à la Documenta et au Skulptur Projekte de Münster, il aurait dû être soutenu par la France : " Le Centre Pompidou aurait dû m'acheter immédiatement cinq ou six œuvres et les montrer. C'est ainsi que réagissaient les Anglais. " Or non seulement les institutionnels n'ont pas soutenu l'artiste mais ils l'ont dénigré. Ileana Sonnabend avait proposé à Leccia d'entrer dans sa galerie, mais un membre du Centre Pompidou lui a déclaré : " Leccia, je ne connais pas " et le directeur du CAPC de Bordeaux : " Leccia, c'est un feu de paille... " Devant ce manque de soutien français, Ileana a reculé et proposé à Leccia de venir s'installer à New York. Il n'a pas accepté pour des raisons familiales mais n'a plus jamais pu, par la suite, " basculer dans la sphère internationale ".

Plus récemment, Philippe Cognée a fait l'expérience amère du peu d'implication des conservateurs. Guy Tosatto lui avait organisé à Grenoble une grande rétrospective et pas un seul des trente conservateurs du centre Pompidou ne s'est déplacé : " Ils se contentent d'une exposition en galerie, d'une pièce vue à droite et à gauche pour juger d'un travail. Ils devraient se faire une obligation d'aller voir les expositions en région pour décider s'ils peuvent montrer à Paris tel ou tel artiste et tenter de l'exporter. " Et d'ajouter : " Il me semble que pour exposer à Paris, ce serait mieux de n'être pas obligé, comme Desgranchamps, de passer par Bonn. Une exposition pourrait aussi aller de Grenoble ou de Nantes directement à Paris. "

Les marchands français ne facilitent pas le partenariat avec leurs homologues à l'étranger. Ils craignent que d'autres ne bénéficient du travail qu'ils ont déjà fourni, ils craignent de perdre leurs artistes ou de devenir un marché de seconde zone. Alors que les galeries de taille moyenne devraient travailler à se regrouper pour créer une synergie.

Les artistes ont aussi leur part de responsabilité, ils ne cherchent pas à s'exporter parce qu'ils se satisfont trop aisément de leur petit univers : " Quand ils commencent à être connus, dit Clément Bagot, ils se contentent de leurs liens avec les institutions, les collectionneurs et les galeristes en France, ils jouissent de leur mini-réseau. " Les jeunes générations, en revanche, commencent à sortir tôt de l'Hexagone et essaient de rencontrer des galeries à l'étranger. C'est d'abord qu'elles parlent bien mieux anglais qu'autrefois, précise Xavier Veilhan, la perspective internationale leur est donc plus naturelle.

Si les artistes français se montrent frileux à l'idée de s'expatrier, c'est que " nous sommes trop bien chez nous ", suggère en riant Mathieu Mercier, qui a vécu naguère quelques années à Berlin et a choisi de vivre à Paris plutôt qu'à New York. La richesse culturelle de l'Europe est exceptionnelle, l'échelle du territoire français et de son architecture est confortable, comme le style de vie qu'on peut y mener : " Pour jouer dans la cour internationale, reconnaît Ange Leccia, il faut s'en donner la peine et j'en suis incapable. "

Galeristes & artistes
La Vie des Idées : Les entretiens font ressortir les rapports complexes qui existent entre galeristes et artistes. Quelques artistes envisagent cette relation comme un rapport de force. Albert Loeb constate : " Artistes et galeristes sont toujours un peu comme chiens et chats : pour le marchand, c'est grâce à lui que l'artiste peut faire son œuvre ; aux yeux de l'artiste, le marchand n'est rien sans lui ; la vérité est à mi-chemin " (p.101). Il ajoute : " Mais c'est surtout une affaire de fidélité, nous sommes dans le domaine amoureux. " Si un artiste change de galerie, le galeriste parle de trahison (" Les trahisons sont le lot des galeristes ", Nicole Durand p. 44) La question de l'argent revient souvent. En quels termes décririez-vous ce lien particulier qui les unit ?
Anne Martin-Fugier : Jusque dans les années 1960, les marchands et leurs artistes étaient liés par des contrats. Ce n'est plus le cas aujourd'hui en France, à l'inverse de ce qui se fait aux États-Unis. Il y a seulement entre eux un engagement moral mais leurs relations sont très importantes pour les artistes. Ainsi Viallat dit de Bernard Ceysson qu'il est son " vrai compagnon de route " car il ne se contente pas de vendre ses toiles, il a un projet pour lui. Cependant les rapports du couple artiste-galeriste peuvent devenir violents et douloureux parce qu'ils mêlent toute la palette des sentiments (espoir, déception, fidélité, trahison...) avec les problèmes financiers. Gérer un divorce est difficile pour les deux parties. Particulièrement lorsqu'un artiste lancé, jeune, par une galerie, la quitte. Ce fut le cas de Mathieu Mercier et des Valentin. Remarquons d'ailleurs que dans presque tous les récits, l'initiative de la séparation revient à l'artiste qui a trouvé une autre galerie.

Comment l'annoncer ? Comment savoir " à quel moment on n'a plus rien à attendre l'un de l'autre " ? En théorie, il vaudrait mieux ne pas laisser pourrir une situation, mais on se méfie de soi et de l'autre : " J'aurais dû lui en parler, dit Philippe Cognée de Gabrielle Salomon. Mais elle aurait essayé de me retenir. Et, comme je suis un peu faible, si la séparation n'avait pas déjà été actée, j'aurais peut-être reculé. " Claude Lévêque qui a quitté Agnès B. lorsque Yvon Lambert lui a proposé d'entrer dans sa galerie, dit : " On peut parler de rupture parce qu'Agnès était très triste de me voir partir. " Il ne parle en revanche pas de rupture lorsqu'il a quitté Yvon Lambert pour Kamel Mennour : il a accepté la proposition du jeune marchand qui pouvait faire évoluer son travail tout en gardant de bons rapports avec Yvon Lambert. Pourquoi cette différence ? Peut-être est-il plus facile d'avoir des relations équilibrées avec des galeries d'égale importance ?

Le cas le plus étonnant est celui de François Morellet qui travaille avec plusieurs galeries et reste fidèle à chacune. Lorsque Kamel Mennour lui a proposé de rejoindre son équipe d'artistes, il a accepté à la condition de ne pas rompre avec les galeries plus modestes auxquelles il reste reconnaissant de s'être occupées de lui depuis longtemps.

La figure du collectionneur
La Vie des Idées : Dans cette trilogie, la figure du collectionneur est un peu à part, elle ressort de façon très intime dans les entretiens ; son statut n'est pas bien défini et beaucoup refusent l'étiquette même de collectionneur. Chacun a une relation spécifique à sa collection, qu'elle soit une extension consciente de soi (un autoportrait pour Antoine de Galbert), ou bien un plaisir d'amasser (c'est en ces termes que se décrit Jean Chatelus : " je n'ai jamais eu le sentiment, en collectionnant, de faire œuvre créatrice. Mais certaines personnes le voient parfois ainsi, on me l'a déjà dit. Moi, je me vois plutôt comme un monomaniaque passionné de réalisations plastiques contemporaines. "). L'aventure est-elle toujours singulière ?
Anne Martin-Fugier : Tout collectionneur est un passionné, qu'il cherche à rassembler des timbres, des horloges, des livres illustrés ou des tableaux impressionnistes. Le collectionneur d'art contemporain a une spécificité : il ne sait pas à l'avance ce qu'il cherche, il est poussé par un désir de nouveauté, d'inconnu. Plus que d'une recherche d'objets, il s'agit d'une aventure. C'est sans doute pourquoi il refuse l'étiquette de collectionneur. Il se voit plutôt comme un découvreur. Mais un beau jour, il n'y a plus de place sur ses murs, il prend conscience qu'il est devenu collectionneur et ce nouveau statut ne lui plaît guère, lui paraît trop lourd.

Je n'ai interviewé que des amateurs qui achètent eux-mêmes, sans conseillers, et dont le but n'est pas l'investissement financier ni la spéculation. Il y a les boulimiques, les obsessionnels, les méthodiques, ceux qui suivent une ligne en éliminant les autres possibilités, qui se concentrent sur un type d'art, et ceux qui revendiquent le droit à aimer et à acheter des œuvres très différentes, aussi bien minimales qu'expressionnistes. Ainsi, en face des Billarant connus pour leur amour de l'art conceptuel ou de Jean Chatelus qui n'aime que l'expressionnisme, Antoine de Galbert affirme son refus d'un goût exclusif.

Mais par-delà la variété des attitudes, il existe une part de folie commune à tous les collectionneurs, la " fêlure artistique " dont parlait Zola à propos de Paul Durand-Ruel. Car il n'est pas raisonnable de mettre des milliers d'euros dans une œuvre, surtout que c'est toujours aux dépens d'un autre achat. Les petites filles des Sicard le savaient bien, qui protestaient plaisamment contre les dépenses artistiques de leurs parents en brandissant la pancarte " Plus de peinture, de la nourriture ! " Les collectionneurs de mon livre vivent d'ailleurs toujours dans les dettes. Stéphane Corréard dit volontiers qu'en réglant ses acquisitions par tranches de cinq cents euros, il paie l'électricité de toutes les galeries à Paris...

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Comment fonctionne le monde de l'art contemporain français ? Dans une série d'entretiens, l'historienne Anne Martin-Fugier donne voix aux acteurs de ce monde : galeristes, collectionneurs et artistes. Elle revient ici sur l'œuvre contemporaine : création, reconnaissance, valeur, passion.

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Nyssen: faire de la France "une place forte de l'art contemporain"

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Nyssen: faire de la France "une place forte de l'art contemporain"

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La ministre de la Culture, Françoise Nyssen, veut faire de la France "une place forte de l'art contemporain" et soutenir "la notoriété de ses artistes à l'étranger", annonce-t-elle dans un entretien au magazine "Beaux-Arts".

"Nous devons soutenir la notoriété de nos artistes à l'étranger, mais aussi accueillir davantage d'artistes étrangers en France", soutient la ministre, rappelant que le marché français ne représente que 4 % du marché mondial de l'art.

"Les ponts sont toujours à double sens", dit encore Françoise Nyssen qui doit inaugurer mercredi la Fiac (Foire internationale d'Art contemporain) à Paris.

Pour développer la présence française, la ministre veut "accroitre la visibilité des professionnels français dans les foires ou les biennales contemporaines" et "développer les résidences d'artistes à l'étranger", à l'instar de la Villa Médicis, grâce notamment au mécénat.

Françoise Nyssen juge également nécessaire de se pencher sur "les conditions de travail des artisans-auteurs dont beaucoup demeurent en situation de grande précarité".

"Nous devons réfléchir avec eux à leur protection sociale; à leur insertion professionnelle; à leur cadre de travail ; à l'accompagnement de leur trajectoire au long cours", dit-elle.

17/10/2017 13:43:28 - Paris (AFP) - © 2017 AFP

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Nyssen: faire de la France "une place forte de l'art contemporain"

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La ministre de la Culture, Françoise Nyssen, veut faire de la France "une place forte de l'art contemporain" et soutenir "la notoriété de ses artistes à l'étranger", annonce-t-elle dans un entretien au magazine "Beaux-Arts".

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Fondation Cartier pour l'art contemporain

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Fondation Cartier pour l'art contemporain

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Fondation Cartier pour l'art contemporain

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The non-profit Fondation Cartier in Paris, from its Jean Nouvel designed building, is a center for the creation and exposition of contemporary art.

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Association française de développement des centres d'art

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Association française de développement des centres d'art

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Accueil | Association française de développement des centres d'art

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L'Art au centre - Les 25 ans de d.c.a, le réseau national des centres d'art contemporain

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Connaissance des Arts – Actualité artistique et culturelle

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Connaissance des Arts – Actualité artistique et culturelle

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Connaissance des Arts - Actualité artistique et culturelle

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Découvrez toutes les actualités sur le monde de l'art, des expositions en France et dans le monde et bien plus encore...

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Beaux Arts | L’art comme vous ne le verrez nulle part ailleurs

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Le Quotidien de l'Art : l'actualité de l'art et son décryptage

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L'info à chaud et son décryptage. Le Quotidien du lundi à jeudi, l'Hebdo tous les vendredis. Ne manquez plus aucune édition !

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Une initiation ludique à l'histoire de l'art pour les 6-10 ans, à travers la présentation à hauteur d'enfant de grandes œuvres de notre patrimoine artistique et...

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Le marché de l'art contemporain français est l'un des plus denses, les plus riches, et les plus diversifiés qui soit en terme d'offre. Sur l'échiquier mondial, la France est même la seconde place de marché selon le nombre d'oeuvres contemporaines vendues aux enchères, juste derrière les Etats-Unis, mais devant le Royaume-Uni. Une telle diversité et une telle appétence tiennent à la tradition culturelle française multi-séculaire de la collection d'oeuvres d'art, mais pas seulement. A cette spécificité française s'ajoute la force de frappe de Christie's et Sotheby's opérant sur l'Hexagone. S'ajoute aussi l'identité des sociétés de ventes françaises elle-même, avec une offre abordable et des propositions qui ne sont pas auto-centrées sur la demande locale. Cornette de Saint Cyr et Millon ont par exemple choisi d'opérer un pont entre Paris et Bruxelles avec des ventes dans les deux capitales, Tajan mise sur la vague du Street art dont l'engouement est mondial, Artcurial vient de s'ouvrir au marché hongkongais et compte développer sur place l'une de ses grandes spécialités, celle de la bande dessinée, etc.
Les trois leaders
Sotheby's et Christie's ont une position forte sur le marché français et sur son rayonnement à l'international. Ensemble, elle génèrent 37% des recettes de l'art contemporain sur le sol Français (18% pour Christie's France et 19% pour Sotheby's France). Aucune de ses grandes sociétés ne prend néanmoins l'ascendant sur la société Artcurial, leader incontesté du marché de l'art contemporain en France avec 23 % du produit de ventes.
Quelques coups de marteau importants, supérieurs à 5m$, ont déjà scandé l'histoire d'Artcurial, mais de tels niveaux de prix restent rares en France. Depuis 2005, année du lancement de son département de bandes dessinées, Artcurial a conquis de nouveaux acheteurs et emporté plusieurs records dans le secteur. Les stars du Neuvième Art, , ou , atteignent des sommets pour des planches d'exception. Le marché de la bande dessinée s'est d'ailleurs révélé si explosif que Christie's et Sotheby's se sont récemment lancées sur le secteur, mais Artcurial compte bien imposer son leadership mondial en prenant ses marques à Hong Kong. C'était tout l'enjeu d'une vente inaugurale menée sur place début octobre 2015, From Paris to Hong Kong, où une pendulette XVIIIème côtoyait des œuvres de Wang Keping, de Tang Haywen, et des planches de Bilal ou Moebius ( Jean GIRAUD). Leader de la bande dessinée en France, Artcurial entend être le premier à prendre ce secteur en Chine, secteur à priori porteur tant les consommateurs de comics et de manga sont légions en Asie.

Le haut de gamme français n'est pas le haut de gamme occidental

Les principales sociétés françaises prennent soin d'alimenter leurs ventes d'art contemporain avec des grands artistes de renommées internationales. Au gré des catalogues, l'amateur croise les noms de Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Francis Bacon, Arman, Christo, Miguel Barcelo, Atlan, Sol Lewitt ou Jean Michel Basquiat. Si les signatures cataloguées pour le marché français sont aussi alléchantes dans les catalogues des ventes de prestige de Londres et de New York, la grande différence reste l'importance des œuvres mises à l'encan. Dans la pléthore d'œuvres contemporaines en circulation sur le marché français, rares sont en effet celles susceptibles de passer le million de dollars. Sur ce créneau de prix, les vendeurs privilégient les ventes Outre-Manche et Outre-Atlantique. Seules deux œuvres ont passé le seuil millionnaire en France sur les 12 derniers mois. Elles sont signées, sans surprise, de l'artiste contemporain le plus coté et le plus international qui soit, à savoir Jean-Michel BASQUIAT. Ces deux enchères millionnaires ne sont pas le fait d'une société française : elles ont toutes deux été enregistrées chez Sotheby's Paris. Par ailleurs, le meilleur coup de marteau ( 3 m$ pour Untitled, 1986, Sotheby's, le 7 juin 2016) est l'unique résultat français parvenu à se glisser parmi les 100 meilleures adjudications de l'année, les meilleures adjudications se révélant à New York, Londres, Pékin et Hong Kong.

A l'heure actuelle, la force du marché français réside justement dans cette indépendance vis à vis du marché très haut de gamme. En effet, depuis un an, le ralentissement du marché global touche essentiellement la course aux records engagée dans les mégapoles de l'art. Etrangère à cette compétition, la place de marché française résiste tout à fait aux incertitudes qui lui sont liées. Elle demeure la seconde place de marché européenne derrière le Royaume-Uni.

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Le marché de l'art contemporain français est l'un des plus denses, les plus riches, et les plus diversifiés qui soit en terme d'offre. Sur l'échiquier mondial, la France est même la seconde place de marché selon le nombre d'oeuvres contemporaines vendues aux enchères, juste derrière les Etats-Unis, mais devant le Royaume-Uni.

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Marché international de l'art : quand la France s'éveillera-t-elle ?

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Marché international de l'art : quand la France s'éveillera-t-elle ?

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En 2015, notre pays n'aura pesé guère plus que 3 % du marché mondial des enchères, après en avoir pourtant été le leader écrasant dans les années 1950 avec près de 50 % de part de marché !

L'explication de ce désastre est désespérément simple : les commissaires-priseurs français ont raté le virage de l'internationalisation du marché qui s'est opéré dans les années 1960. Sollicités mais déclinant la possibilité d'acheter Parke-Bernet, alors première société d'enchères aux Etats-Unis et implantée à New York, les dirigeants de Drouot ont laissé passer une occasion que n'a pas manquée Sotheby's, alors entreprise de taille modeste et exerçant exclusivement à Londres. S'en est suivi l'apparition d'un nouveau " business model ", repris très vite par le concurrent britannique de toujours, Christie's, et reposant sur deux piliers : un maillage international du marché avec ouverture de salles de vente, sinon de bureaux de représentation, dans tous les pays du monde, et une couverture de l'intégralité des différentes spécialités du marché de l'art dans la partie haut de gamme.

L'idée est très simple : si les oeuvres sont partout, chaque lieu a sa spécialité avec ses experts reconnus, ses acheteurs nombreux et, surtout, les prix les plus élevés du segment. A Londres, les tableaux et dessins anciens, à New York, les oeuvres impressionnistes, modernes et contemporaines, à Paris, les arts primitifs et la photographie, à Genève, la joaillerie, etc. Il faut pouvoir dès lors faire preuve d'agilité en proposant aux vendeurs les meilleures conditions de vente, ce que ne sont pas en mesure d'offrir les professionnels français pour toutes les oeuvres qui n'entrent pas dans les spécialités du marché français.

Aussi, mécaniquement, beaucoup de vendeurs de nationalité française sont déroutés au profit des places étrangères. Pour quel montant ? Au moins le triple de ce qui est vendu chaque année en France, comme l'attestent les chiffres d'exportation divulgués par les Sotheby's et Christie's France et les statistiques des Douanes françaises. Sur une période récente, la France a exporté chaque année environ 1 milliard d'euros d'oeuvres d'art. Enrichissement économique mais appauvrissement culturel, le grenier français se vide lentement mais sûrement.

Fatalité ? Pas du tout. La Chine n'a-t-elle pas connu une trajectoire inverse, passant de 4 % de part de marché en 2005 à 37 % en 2014 ? Par ailleurs, le marché des ventes aux enchères ne représente qu'une partie, certes très médiatisée, du marché artistique mondial. Par contraste, la France est forte de ses artistes, nombreux et pour certains d'entre eux avec une forte visibilité internationale, et de ses professionnels du négoce, antiquaires et galeristes, dont la présence à l'international et la réputation sont élevées au regard de leur participation aux grands et sélectifs événements - Art Basel, la Fiac, Frieze pour l'art contemporain, The European Fine Art Fair à Maastricht et la Biennale des antiquaires pour les arts anciens.

Il serait donc souhaitable que les commissaires-priseurs français se hissent à la hauteur de leurs collègues marchands et, pour ce faire, qu'ils développent une vraie stratégie collective car, individuellement, même une structure dynamique comme Artcurial ne pourrait prétendre se hisser rapidement à la hauteur du duopole formé par Christie's et Sotheby's. Ils ne partent pas de rien, car un outil de mutualisation et de communication existe : Drouot. C'est aussi une marque, avec tout le potentiel d'attractivité et de fidélité qu'elle suppose. Encore faudrait-il en prendre conscience et s'organiser pour agir, car le chiffre d'affaires suit l'investissement et non l'inverse. Soyons optimistes, car Drouot a inauguré une ouverture au printemps dernier : un restaurant, à Paris...

Laurent Noël est professeur associé à Audencia Business School.

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Marché international de l'art : quand la France s'éveillera-t-elle ?

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En 2015, notre pays n'aura pesé guère plus que 3 % du marché mondial des enchères, après en avoir pourtant été le leader écrasant dans les années 1950 avec près de 50 % de part de marché !

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serge nicole président d'ateliers d'art de france

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Ateliers d'Art de France regroupe 5400 artistes, artisans et manufactures d'art à travers la France pour accompagner les professionnels et promouvoir les savoir-faire d'excellence

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Toute l'actualité artistique et de l'art contemporain en France

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Toute l'actualité artistique et de l'art contemporain en France

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Toute l'actualité artistique et de l'art contemporain en France - Art Actu Paris Art

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Retrouvez toute l'actualité artistique du monde de l'art et de l'art contemporain en France et à Paris. L'actu art Paris et en France est sur Paris Art.

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Dans ce contexte, la Fondation de France et les fondations qu'elle abrite développent de nombreux programmes pour permettre à des citoyens d'accéder à, ou de pratiquer l'art, et aux activités culturelles.

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L'activité de l'art en France regroupe plus de 4 millions d'artistes

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L'activité de l'art en France regroupe plus de 4 millions d'artistes

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Infos Pratiques

L'activité de l'art en France regroupe plus de 4 millions d'artistes professionnels et amateurs actifs, CheckArt est une galerie d'art virtuelle, destinée à mettre en relation toutes personnes cherchant à exposer, vendre ou acquérir des œuvres d'artistes amateurs ou professionnels d'ici ou d'ailleurs.

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L'activité de l'art en France regroupe plus de 4 millions d'artistes professionnels et amateurs actifs, CheckArt est une galerie d'art virtuelle, destinée à mettre en relation toutes personnes cherchant à exposer, vendre ou acquérir des œuvres d'artistes amateurs ou professionnels d'ici ou d'ailleurs.

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L'École de Nancy, fleuron de l'Art nouveau en France 

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L'École de Nancy, fleuron de l'Art nouveau en France 

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Des Racines et des Ailes - France Télévisions

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L'École de Nancy, fleuron de l'Art nouveau en France

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Marché de l'art en France : où est passé notre Bernard Buffet ?

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Marché de l'art en France : où est passé notre Bernard Buffet ?

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Moins prisée des acteurs du marché de l'art sur la scène mondiale qu'Art Basel, la FIAC démontre surtout une impasse qui affecte l'art français d'aujourd'hui, qui ne compte plus de grandes figures parmi les artistes les plus connus et les mieux vendus du circuit. Il n'est pas question ici de remettre en cause l'art contemporain comme l'ont fait dernièrement certains auteurs[1] ou de l'aborder d'un point de vue financier mais d'essayer de comprendre comment on en est arrivé à cette situation au sein d'un secteur qui véhicule non seulement un prestige culturel mais qui brasse également un chiffre d'affaires mondial substantiel, estimé à près de 59 milliards d'euros (63,8 milliards de dollars) en 2015. Près de la moitié des ventes aux enchères (46%) l'ont été dans l'art contemporain et d'après-guerre, soient 6,17 milliards d'euros (6,8 milliards de dollars). Or, la part de la France dans le marché de l'art est passée de 60% à 3% en un demi-siècle, selon Thierry Ehrmann, le PDG d'Artprice. Le premier artiste contemporain français le mieux coté, Robert Combas, arrive seulement en 134e position. Un déclin qui est en complet paradoxe avec la première place qu'occupe notre pays dans le tourisme.

Avant, des artistes français mondialement connus

Il y a peu encore, et l'exposition sur Bernard Buffet qui débute au Musée d'art moderne de la Ville de Paris est là pour le rappeler, des artistes français étaient aussi mondialement connus qu'un Jeff Koons ou un Murakami. Outre Henri Matisse, immensément célèbre aux Etats-Unis, le jeune Bernard Buffet, dont j'ai pu retracer l'étonnant succès[2], a fait toute sa carrière dans l'après-guerre et a vu de son vivant son musée élevé au Japon, où il était une véritable star. Jusqu'en 1968, Paris a été d'ailleurs été considérée comme la capitale mondiale de l'art[3] et la France hébergeait un Pablo Picasso ainsi qu'un nombre considérable d'artistes étrangers, qui ont d'ailleurs fait la gloire du quartier Montparnasse.

Le manque de soutien aux artistes français, les choix discutables des institutions publiques dans leurs commandes aux plasticiens ou la faiblesse du dynamisme commercial sont souvent montrés du doigt pour expliquer une telle dégringolade. Cependant, les raisons sont peut-être à rechercher dans une crise de notre identité artistique, comme l'a très bien analysé Jean Clair dans un ouvrage qui a fait date, Considérations sur l'état des beaux-arts.

Paris, capitale mondiale de l'art

La tradition française dans l'art passe par les beaux-arts, soit une priorité donnée au métier, autrement dit le pinceau du peintre et le ciseau du sculpteur, avec une connaissance du dessin qui a son importance. C'est un héritage patiemment construit au fil des siècles grâce à l'académie des beaux-arts créée en 1648, à une époque de domination culturelle italienne. Il nous a permis d'imposer nos artistes de par le monde comme en témoignent le Corcovado à Rio ou la Statue de la Liberté à New York, tous deux signés par des sculpteurs français. Les jeunes talents du monde entier venaient alors se former à l'école des Beaux-arts de Paris. Aucun pays ne pouvait rivaliser, ni les Allemands ni les Américains. Et concomitamment, cette puissance de la tradition des beaux-arts permettait à Paris de s'affirmer comme la capitale mondiale de l'art, attirant jusqu'aux avant-gardes (cubisme, surréalisme, etc.), qui ont fini par y être intégrés. L'art américain, jusqu'à la Seconde Guerre mondiale était d'ailleurs quasiment insignifiant.

A la fin des années 1940, le critique américain Clément Greenberg a soutenu très fortement Jackson Pollock et, selon la formule du critique d'art Guillebaud, a permis à " New York de voler l'idée d'art moderne ", en profitant de l'aura de son pays, sorti grand vainqueur du conflit mondial. Communication et promotion chauvines ont continué avec le Pop Art et l'art conceptuel, et jusqu'à aujourd'hui, où les galeristes et collectionneurs américains dominent le marché de l'art contemporain. Pendant ce temps, nos élites n'ont cessé de conspuer " l'académisme " en ringardisant les beaux-arts et en encensant les avant-gardes, surtout celles allemandes et américaines, qui ont profité de l'aubaine pour s'imposer sur un marché de l'art devenu de plus en plus financier. Elles n'ont pas compris qu'il y avait un équilibre à préserver et que l'un renforçait l'autre. Bernard Buffet a été le dernier à profiter de l'aura de la tradition des beaux-arts français tout en subissant le désaveu de la critique.

Une carte maîtresse à jouer

Les beaux-arts, véritable " French touch " qui nous identifie à l'étranger, constituent une carte maîtresse à jouer aux côtés d'acteurs de l'art contemporain français davantage inscrits dans des courants internationaux. Encore faudrait-il organiser une union des forces s'appuyant sur la puissance touristique, culturelle et diplomatique française, aux côtés d'acteurs privés.
Stéphane LAURENT
[1] Aude de Kerros, L'Imposture de l'art contemporain, Eyrolles, 2015.

[2] Stéphane Laurent, Bernard Buffet, le peintre crucifié, Michalon, 2000.

[3] Voir le catalogue de l'exposition internationale " Paris, Capitale des arts 1900-1968 ".

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Marché de l'art en France : où est passé notre Bernard Buffet ?

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Moins prisée des acteurs du marché de l'art sur la scène mondiale qu'Art Basel, la FIAC démontre surtout une impasse qui affecte l'art français d'aujourd'hui, qui ne compte plus de grandes figures parmi les artistes les plus connus et les mieux vendus du circuit.

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Histoire de l'art - De la renaissance au XXe siècle

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Histoire de l'art - De la renaissance au XXe siècle

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Histoire de l'art langage de la forme, de la matière et des couleurs...

De ses origines modestes, il gardera toute sa vie le goût pour la représentation
des gens de petite condition. Son succès auprès de la bourgeoisie
ne le détournera pas d'une peinture de genre à laquelle
il donne des accents satiriques
...

Même s'ils recherchent l'inspiration dans l'image médiévale et
dans l apremière renaissance, ces artistes contestataires ont
donné naissance à un mouvement avant-gardiste qui annonce
le design moderne du début du XXeme siècle
...

L'art est avant tout un langage

Parole de la forme, de la matière et de la couleur. Pour en raconter l'histoire il est impossible et même inutile de rechercher la première oeuvre. Cela reviendrait à enfermer l'Art dans le carcan trop étroit de la définition.

Langage, il l'est à part entière : décoratif, narratif, politique, expression d'un sentiment, que cela soit volontaire ou non, il a depuis toujours été le reflet des moeurs et des sentiments d'une époque ou d'une civilisation. Le changement social s'est traduit essentielement par l'évolution technique et idéologique du système de représentation. Devenu, avec le temps, une science au niveau théorique aussi bien que pratique, l'image s'est dirigée dans de multiples directions, celles que l'artiste a décidé d'explorer.

La notion d'art englobe un vaste ensemble de points de vue : que l'on cherche à idéaliser pour rendre beau ou au contraire à déranger pour exprimer des sentiments liés à la peur ou à l'angoisse, la représentation picturale a su s'adapter à la pensée humaine dans toute sa diversité et sa complexité.

Depuis la Préhistoire jusqu'au début du XXeme siècle, l'art a toujours été figuratif, c'est à dire que l'image créée cherche à imiter ce que l'on voit que ce soit d'une manière réaliste ou pas, selon le propos que l'artiste cherche à faire passer. Les sentiments de révolte et d'insatisfaction nés des grands bouleversements sociaux ont modifié cette figuration qui finalement s'écroulera sous les coups de la science.

La découverte des notions d'infiniment grand et d'infiniment petit imposera au peintre le problème de représenter une réalité que l'on sait mais que l'on ne voit pas.

Après des siècles de recherches sur la figuration, s'est imposée la nécessité de mettre en image l'idée subjective, invisible.

Si l'on considère que l'art est né avec l'homme il y a plus d'un million d'années, l'abstraction, elle, n'a que 100 ans. Les deux systèmes de représentation, figuration et abstraction, sont divisés en styles que l'on n'utilisera pas pour emprisoner l'oeuvre dans une classification mais simplement pour aider à mieux comprendre l'évolution de ce langage qu'est l'image fabriquée, fragment de l'histoire des civilisations : l'histoire de l'art.

L'art est anarchiste car il s'est toujours créé des règles afin de mieux pouvoir s'en libérer. C'est d'ailleurs la raison de sa perpétuelle évolution, de son changement, en douceur ou avec violence.

La société contemporaine, devenue société de consommation, à fait naître de l'Art, l'art appliqué. De l'artiste est né le graphiste, du dessinateur l'illustrateur. Leur travail est parallèle mais l'influence est réciproque et va quelquefois jusqu'à la fusion des genres. Les moyens modernes liés au numérique n'ont fait que rebondir sur un débat artistique dont l'expression n'est pas prêt de trouver un terme.

nos coups de coeur

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The Museum Channel

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Histoire de l'art - De la renaissance au XXe siècle - Histoire de la peinture

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Histoire de l'art et de la peinture, description des courants picturaux, histoire de la vie des peintres et artistes de l'histoire de l'art, présentation des oeuvres, peintures et sculptures, analyse et description d'oeuvres...

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L’incroyable déclin de la France sur le marché de l’art

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L’incroyable déclin de la France sur le marché de l’art

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©Jerome CHATIN/EXPANSION-REA Tous droits réservés

Les ventes aux enchères d'œuvres d'art ont signé une nouvelle année record en 2014, à 15,2 milliards de dollars, selon la société Artprice, qui vient de publier son rapport annuel sur le marché mondial de l'art. Thierry Ehrmann, PDG d'Artprice, déplore le déclin de la France, dont la part de marché est passée de 60 à 3% en 50 ans.

Nouveau record pour le marché de l'art. L'an dernier, les ventes aux enchères publiques d'œuvres d'art ont généré un chiffre d'affaires de 15,2 milliards, en hausse de 26% par rapport à 2013 (12,5 milliards). Malgré une baisse de 5%, la Chine a conservé sa première place, avec un chiffre d'affaires de 5,6 milliards, devant les Etats-Unis (+21%, à 4,8 milliards). La Grande-Bretagne a aussi réalisé une très belle performance (+35%, à 2,8 milliards). Et la France ? Bien qu'à la 4ème place, l'Hexagone est très loin derrière avec 496 millions de dollars de ventes cumulées, mais c'est surtout le seul marché qui chute (-10%) par rapport à 2013.

Evolution des ventes aux enchères publiques (en milliards de dollars) / ©Artprice Tous droits réservés

La Chine, poids lourd du marché de l'art
Au classement des villes les plus actives, la France ressort seulement à la 6 ème position, alors que la Chine domine le classement avec 7 villes parmi le top 10. Une hégémonie qui s'explique par l'explosion des musées dans l'Empire du Milieu, qui dispose par ailleurs du plus grand marché d'œuvres anciennes au monde. Les peintures et calligraphies chinoises ont ainsi représenté 84% des ventes l'an dernier en Chine, tandis que le jeune artiste Hao Liang, 32 ans, y a réalisé une adjudication record de 954.000 dollars.

Classement des villes par produit de ventes aux enchères publiques / ©Artprice Tous droits réservés

En 1h30, Londres réalise plus de ventes que toute la France en 1 an
" Alors que la France représentait 60% du marché de l'art dans les années 1960, elle représente aujourd'hui seulement 3%. Et si on se limite à l'art contemporain, la France pèse seulement 1,96% du marché mondial, avec 26 millions d'euros, soit la moitié du prix de certaines toiles vendues à l'étranger ", nous a déclaré le fondateur et PDG d'Artprice, leader mondial de la cotation des œuvres d'art.

" En une heure et demi de ventes aux enchères au Royaume-Uni, ou aux Etats-Unis, on peut réaliser entre 500 à 700 millions d'euros de chiffre d'affaires, soit plus que ce qu'ont généré toutes les maisons de vente françaises en 2014 ! " Sur le premier marché que constitue les galeries d'art, la situation est tout aussi dramatique. " En moyenne les galeries françaises font 70% de leur chiffre d'affaires avec 3 clients, ce qui les place dans une fragilité financière énorme ", explique Thierry Ehrmann.
" Une succession d'erreurs qui ont pénalisé durablement la France "
Si la France est la première destination culturelle au monde, elle n'est plus depuis longtemps le premier marché de l'art. Pour Thierry Ehrmann, le déclin de la France a véritablement commencé par le refus de Drouot de racheter la plus grande maison de ventes américaine à l'époque Parke-Bernet. " En recevant comme un malpropre le patron de Parke-Bernet, Drouot a raté l'occasion de devenir leader mondial ", affirme le dirigeant d'Artprice. C'est finalement Sotheby's qui a racheté en 1967 le prestigieux hotel des ventes new-yorkais.

Pour Thierry Ehrmann, la dégringolade de la France sur le marché de l'art s'explique principalement par l'ancien système des commissaires-priseurs, qui date de 1555 et qui était complètement inadapté au monde moderne. Avant la réforme de la profession en 2000, les commissaires-priseurs avaient en effet le monopole des ventes aux enchères sur le territoire français, fixant eux-mêmes leurs règles et leurs tarifs. Il a donc fallu près de 4 siècles pour que le marché français s'ouvre à la concurrence, avec l'arrivée notamment des grandes maisons anglo-saxonnes (Sotheby's, Christie's).

Créé à l'occasion de la réforme de 2000 (révisée en 2011), le Conseil des Ventes volontaires (CVV) de meubles aux enchères publiques est, selon le fondateur d'Artprice, une nouvelle spécificité française qui bride le marché de l'art en France. En tant qu'autorité de régulation, le conseil des ventes a la capacité d'annuler une vente au dernier moment. Une aberration pour Thierry Ehrmann, alors qu' " il faut 6 mois pour organiser une vente, créer un catalogue, trouver la location... Les sociétés de vente et les commissaires priseurs ne veulent pas prendre de risque en France et préfèrent tout simplement exercer à l'étranger, notamment en Asie ".

Aujourd'hui, le CVV n'est pas favorable aux enchères en ligne, interdisant par exemple à Artprice de prendre une commission sur les ventes réalisées sur la salle des ventes virtuelle inventée par le groupe. Pour contourner cette législation, l'entreprise lyonnaise a dû créer une filiale aux Etats-Unis. " C'est 50.000 œuvres pour 1 milliard de dollars chaque année qui vont se retrouver là bas, plutôt qu'en France ", déplore le patron, lui même plasticien.

Enfin, certains choix politiques ont affaibli l'image de la France sur le marché de l'art. Au départ une bonne idée, le système d'achat d'œuvres d'art par l'Etat, initié par Pompidou pour favoriser la création française, a donné lieu à des excès. Certains de ces artistes ont vendu à l'Etat à des prix totalement en dehors du marché. Une fois dans les ventes aux enchères, certaines œuvres ont alors vu leur valeur s'effondrer. Autre non sens pour le PDG d'Artprice, ce n'est pas le Ministère de la Culture mais le Ministère des Affaires Etrangères qui est en charge de l'exportation des artistes français, comme pour Airbus. " Une pratique peu fructueuse, faute de connaissances suffisantes des interlocuteurs du Quai d'Orsay dans le domaine de l'art. Sans parler des cartels (NDLR : plaquette portant le titre de l'œuvre, son auteur et d'autres informations) qui ne sont parfois même pas traduits en anglais... Tous ces éléments ont contribué à pénaliser les artistes français, désormais exclus par les collectionneurs, hormis quelques mécènes comme Bernard Arnault ".
Jonathan Chelet

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L'incroyable déclin de la France sur le marché de l'art

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Les ventes aux enchères d'œuvres d'art ont signé une nouvelle année record en 2014, à 15,2 milliards de dollars, selon la société Artprice, qui vient de publier son rapport annuel sur le marché mondial de l'art. Thierry Ehrmann, PDG d'Artprice, déplore le déclin de la France, dont la part de marché est passée de 60 à 3% en 50 ans.

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La place de la France dans le marché de l'art : des atouts mais aussi des freins 

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La place de la France dans le marché de l'art : des atouts mais aussi des freins 

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Paris a longtemps été la première place au monde pour les ventes aux enchères, mais cette époque est terminée depuis les années 1960. Le talent et la compétence existent, mais des maux typiquement français aussi...

L'Assemblée nationale vient de publier un rapport sur le marché de l'art, profitons-en pour faire le point. Le marché de l'art mondial, au sens des ventes aux enchères, pèse 63,8 milliards de dollars, selon l'organisme de recherche Arts Economics. La France est 4e avec 6% de part de marché, mais loin derrière les trois premiers qui sont les Etats-Unis (43%), le Royaume-Uni (21%), et la Chine (19%) qui n'a réellement émergé qu'à partir du milieu des années 2000.

La France connaît des lacunes importantes, elle ne possède pas de maison de ventes de taille internationale. Seul Artcurial parvient à tenir tête, sur le marché français, aux filiales françaises de Christie's et Sotheby's, car rappelons que Drouot regroupe des maisons de ventes mais que la célèbre marque ne constitue pas une entreprise autonome.

Autre lacune : la France est quasiment absente de l'art contemporain. Il faut en effet déplorer la faible visibilité des artistes français puisque "seuls 13 artistes français figurent dans le classement des 500 artistes ayant réalisé le plus haut montant d'adjudication pour l'ensemble de leurs œuvres vendues entre juillet 2015 et juin 2016" signale le rapport. "Dans le classement des 100 artistes les plus visibles en 2016, seuls sept artistes français figurent : Louise Bourgeois, Marcel Duchamp, Henri Matisse, François Morellet, Christian Boltanski, Daniel Buren et Pierre Huyghe. À l'inverse, les artistes américains occupent à eux seuls un tiers de ce classement."

Pourtant, longtemps la France a dominé le marché de l'art. Depuis le XVIIe siècle, Paris est le premier centre artistique au monde, en 1950 la première maison de ventes au monde est française (Ader), et cette domination dure jusqu'aux années 1960, mais ensuite le déclin s'amorce. Il y a bien sûr la politique très offensive des Etats-Unis qui deviennent la première puissance mondiale de l'art, mais cet effacement s'explique aussi par une maladie bien française, l'étatisme, qui s'est traduit par trois erreurs :

- Le saupoudrage des interventions, plutôt que de pousser les grands noms.

- Un parti-pris esthétique à contre-courant avec une politique culturelle qui s'est "détournée de l'art pictural pour embrasser, à partir des années 1980, un art conceptuel - installations, vidéos, etc. - trouvant par essence peu de débouchés sur le marché de l'art."

- Un snobisme anti-français, très répandu malheureusement : "les institutions muséales font montre d'une ouverture internationale qui, si elle n'est pas critiquable, semble néanmoins laisser peu de place aux artistes français."

La France garde néanmoins des points forts avec le dessin, la BD, la photographie, le design. Les artistes, les talents, les experts sont bien présents mais de nombreux freins subsistent, comme la fiscalité, autre maladie bien française. Il existe même une "peur du fisc", comme l'indique le rapport : "Pour l'anecdote, il a été rapporté à la mission que plusieurs collectionneurs qui avaient prêté des œuvres au Musée d'art moderne de la Ville de Paris, pour l'exposition "Passions privées" qui s'y est tenue en 1995-1996, se sont vus notifier un contrôle fiscal après ladite exposition - ce qui n'a pas été de nature à les inciter à montrer une nouvelle fois leurs collections au public."

Le 29 novembre, le SYMEV (Syndicat des maisons de ventes volontaires) organisait ses Etat-généraux et rendait public une intitulée "Pour l'allègement des contraintes administratives et fiscales" et déplorant le fait que "le métier de commissaire-priseur est aujourd'hui saturé de normes". Une autre remettait carrément en cause l'existence du Conseil des Ventes Volontaires (CVV), un organisme public créé par l'Etat pour chapeauter leur profession. La révolte contre l'étatisme commence à se lever, voici une bonne nouvelle !

En attendant, on signalera à l'amateur d'art le site qui entende devenir le "Google des ventes aux enchères". Fondé en Suède en 2011, le site recense 1.700 maisons de ventes affiliées dans 150 pays, et ce nombre ne cesse d'augmenter, ce qui offre un panorama sans pareil sur les ventes aux enchères dans le monde.

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La place de la France dans le marché de l'art : des atouts mais aussi des freins - EconomieMatin

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L'Assemblée nationale vient de publier un rapport sur le marché de l'art , profitons-en pour faire le point. Le marché de l'art mondial, au sens des ventes aux enchères, pèse 63,8 milliards de dollars, selon l'organisme de recherche Arts Economics.

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Les chiffres de l’Art contemporain en France

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Les chiffres de l’Art contemporain en France

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Quelques études de marché dessinent les contours du monde mystérieux de l'art contemporain. Voici le portrait chiffré du marché et de ses acteurs : artistes, galeries, maisons de ventes et collectionneurs.

Quelle est la place de la France ?

Combien y a-t-il d'artistes en France ?

Combien y a-t-il de galeries en France ?

Quel est le produit des ventes aux enchères d'art contemporain ?

Qui est le collectionneur français d'art contemporain ? quel usage fait-il d' internet ?

LES VENTES D'ART EN LIGNE

Sources :
1. M. Gouyon et F. Patureau (2009), Les métiers artistiques, Insee 2. Rapport annuel Artprice, 3. 4. N. Moureau, D. Sagot-Duvauroux et M. Vidal (2015), Collectionneurs d'art contemporain : des acteurs méconnus de la vie artistique, Cultures Études F. Rouet (2013) 5. Groupe Hiscox/ ArtTactic, Rapport Hiscox sur le marché de l'art en ligne, 2014
, Les Galeries d'art contemporain en France en 2012, Culture études Le Marché de l'art contemporain en 2014

6. Conseil des ventes volontaires de meubles aux enchères publiques, Rapport d'activité 2014 : Les ventes aux enchères publiques en France
* " collectionneur d'art contemporain " : toute personne achetant régulièrement des œuvres produites par un artiste vivant. En l'absence de statistiques nationales relatives à l'activité des collectionneurs, la population des collectionneurs d'art contemporain reste difficile à dénombrer, et donc à caractériser.

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Les Chiffres de l'Art contemporain | Le Collectionneur Moderne

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Quelle est la place de la France ? Combien y a-t-il d'artistes en France ? Combien y a-t-il de galeries en France ? Quel est le produit des ventes aux enchères d'art contemporain ? Qui est le collectionneur français d'art contemporain ? quel usage fait-il d' internet ? Sources : 1.

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L'Art en France. De la Renaissance aux Lumières

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L'Art en France. De la Renaissance aux Lumières

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L'Art en France. De la Renaissance aux Lumières

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Du Beau Siècle à celui des Lumières, la création en France se caractérise par l'apparition dans les différents arts d'une nouvelle modernité.

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Marché de l'art : la France n'a plus la cote

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Marché de l'art : la France n'a plus la cote

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Marché de l'art : la France n'a plus la cote

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ÉCONOMIE - Alors que s'ouvre la Foire internationale de l'art contemporain à Paris, les galeristes français font grise mine, assurant que notre pays a perdu son prestige sur le marché mondial de...

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Le marché de l'art se porte toujours bien en France

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Le marché de l'art se porte toujours bien en France

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Histoire de l'art : Tous les podcasts et l'actualité culturelle sur France Culture

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