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Gestaltungsprinzipien und Herstellungsweisen herausarbeiten ...
neue Materialien (welche?), neue Zielgruppen, gebogenes Stahlrohr, Prototypen für die Serienherstellung in Dessau gebaut als Vorläufer für industrielle Vorproduktion

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Wiege: durch wen wurde sie inspiriert? in welchem Verhältnis standen der Designer und seine Inspirationsfigur am Bauhaus?

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Weimar,  1919 bis 1925;
Dessau, 1925 bis 1932;
Berlin, 1932 bis 1933

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... solltet ihr auch kennen ...von Marianne Brandt (sie war Meisterin in der Metallwerkstatt

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Atelier Visit - Dr. Fred in Conversation with Artist Horst Wagner (English subtitles CC)

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Hier könnt ihr eigene Dokumente posten und zu dritt Infos austauschen.

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Marcel Breuer, Mies van der Rohe, Mart Stam

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Marcel Breuer, Mies van der Rohe, Mart Stam

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diese Möbel-Klassiker sollte man kennen und wie heissen diese Stühle?

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Hier könnt ihr eigene Dokumente posten und zu dritt Infos austauschen.

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Es wird ein Werk von Horst Wagner drankommen, das ein paar ähnliche Züge hat wie die „Gleichgänger“. Geht bitte auf Gegenstände und ihre Bedeutung ein .
Ihr dürft auch kritisch sein, z.B. das Argument, dass die Gesellschaft nicht divers dargestellt ist ...

Der Künstler ist meist innerhalb des Bildes als abgebildet
Alle sichtbaren Dinge kannst du beschreiben und auch deren WIRKUNG. Bitte studiert das Blatt „Realismus -Grundlagen“.

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Pop Art

Unabhängig voneinander entstand im Laufe der 50er-Jahre in England und in den USA als Reaktion auf den gegenstandslosen Abstrakten Expressionismus die Pop Art (engl. pop = Knall; auch von: popular art = populäre Kunst), die sich in den 60er-Jahren zur international bestimmenden Kunstrichtung entwickelte. Die Prägung des Begriffs wird dem englischen Kunstkritiker Lawrence Alloway zugeschrieben.

Ein wesentliches Merkmal besteht in der Hinwendung zu den banalen Gegenständen des Alltags und den Konsumobjekten der Massengesellschaft, die als Bildmotive bzw. Objekte auftreten und somit eine elementare Realitätsannäherung bedeuten.

Die Pop Art erzielt so eine Verbindung von Kunst und Leben, wie sie beispielsweise John Cage in den 50er-Jahren nachdrücklich postuliert hatte.

Während in den USA die New Realists Jasper Johns und Robert Rauschenberg den Boden für die Entstehung der Pop Art bereiteten, spielte in England in den frühen 50er-Jahren für Richard Hamilton und Eduardo Paolozzi das Feld der Massenmedien und -unterhaltung (Comics, Film, Kitschromane, Regenbogenpresse, Sciencefiction, Werbung) eine entscheidende Rolle und besaß wichtige Anregerfunktion.

Eine zweite Entwicklungsphase (1958-61) wurde unter Peter Blake und Richard Smith eingeleitet, eine dritte (1961-65), die den Durchbruch der englischen Pop Art bedeutete, von David Hockney, Allen Jones, Ronald B. Kitaij u.a. Für die Anfangsjahre der Pop Art um 1960 ist außerdem die Rückbesinnung auf den Dadaismus Marcel Duchamps von entscheidender Bedeutung.

Als kennzeichnendes Merkmal kommt eine distanzierte, kühl berechnende Haltung des Künstlers hinzu, die beispielsweise jede die Persönlichkeit verratende Pinselspur sorgfältig vermeidet.

In Bildern der bekannten Pop-Art-Künstler Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Andy Warhol oder Tom Wesselmann stellt sich eine für die Pop Art typische Ambivalenz von emotionalen Motiven und sachlich-kühler Darstellung ein. Die aus der Werbegrafik entnommenen Farbwerte zeigen in ihrer scheinbaren Heiterkeit einerseits und entleerten Glätte andererseits einen für die moderne Massengesellschaft bezeichnenden Widerspruch.

Eindringliche Beispiele sind die Katastrophenbilder Andy Warhols, die höchst emotionale Motive (etwa Autounfall, Flugzeugabsturz, elektrischer Stuhl) mit einer gerasterten, entindividualisierten Darstellungsform (Siebdruck), verbunden mit serieller Motivwiederholung, konfrontieren. Auch seine berühmten Portraits (z.B. "Marilyn", 1962) spielen mit der Ver- und Entfremdung des durch die Massenmedien zum Klischee erhobenen, auf eine bestimmte Rolle fixierten Idols.

Roy Lichtenstein verfolgt mit den stilistischen Mitteln des Comics eine raffiniert monumentalisierte Bildsprache, deren Inhalte formelartig verkürzt sind. An der amerikanischen Westküste reagierten Mel Ramos, Edward Ruscha oder Wayne Thiebaud in kritisch-ironischer Distanz auf die Klischees der Werbegrafik. Auch in Deutschland zeigte die Pop Art großen Einfluss, wie beispielsweise Arbeiten von Konrad Klapheck, Sigmar Polke oder Gerhard Richter belegen.

Wenngleich sich die bildende Kunst von der Werbegrafik inspirieren ließ, verlief ein wichtiger Austausch auch in anderer Richtung: Für das Design war die Pop Art von zentraler Bedeutung, insofern sie die Grenzen zur alltäglichen Warenästhetik öffnete, wodurch sich das Design mit ersten, vorsichtigen Schritten von der Doktrin des Funktionalismus abwenden konnte. Wie das italienische Radical Design belegt, rückten dekorative Gesichtspunkte in den Vordergrund.

Arbeiten von De Pas/D'Urbino/Lomazzi (Sessel "Blow"), Ettore Sottsass, Elio Fiorucci oder Peter Murdoch ("Paper Chair", 1965) spiegeln beispielsweise die spielerische Haltung der Pop Art wider. © Königsdorfer Medienhaus, Frechen (René Zey)

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Pop Art Unabhängig voneinander entstand im Laufe der 50er-Jahre in England und in den USA als Reaktion auf den gegenstandslosen Abstrakten Expressionismus die Pop Art (engl. pop = Knall; auch von: popular art = populäre Kunst), die sich in den 60er-Jahren zur international bestimmenden Kunstrichtung entwickelte.

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Eine Inkunabel der Pop-Art ist die Collage des britischen Künstlers Richard Hamilton ohne Zweifel. Ihr ironischer Titel, der offenbar einen Werbeslogan aufnimmt, ist wie die einzelnen Bildelemente der Collage das Versatzstück einer Konsumwelt, die sich in den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg in den USA entwickelt hat und prägend für den Lebensstil der Middle class im Westen geworden ist. In der Ignoranz gegenüber den Trivialitäten des Alltags sah eine neue Künstlergeneration in den 1950er Jahren ein entscheidendes Defizit des etablierten Kunstbetriebs.

In London hatte sich 1951 unter den Mitgliedern des Institute of Contemporary Arts eine "Independent Group" aus jungen Architekten, Künstlern und Kritikern gebildet, die den kulturellen Kontext der modernen Konsumgesellschaft zu ihrem Thema machte. Zu den Initiatoren des Zusammenschlusses zählte auch Richard Hamilton (1922 - 2011). Die künstlerische Produktion dieser Gruppe schöpfte aus dem Reservoir populärer Bildmedien und propagierte eine neue Ästhetik des Trivialen. Eine Reihe von Ausstellungen sollte diesem Ansatz Geltung verschaffen.

Die berühmteste fand im August 1956 unter dem Titel "This Is Tomorrow" statt. Richard Hamilton hat seine Collage für diese Ausstellung geschaffen; sie diente zugleich als Titelbild für das Werbematerial zu der Veranstaltung. Aus dem Protest gegen den Mainstream entwickelte sich in den Sechzigerjahren selbst eine der bekanntesten und mächtigsten Kunstströmungen des 20. Jahrhundert, die Pop-Art. Vor allem die amerikanischen Vertreter der Pop-Art, die Rauschenberg, Lichtenstein, Oldenburg, Warhol, zählen heute bekanntlich zu den festen Größen jeder Kunstsammlung der Moderne, die auf sich hält.

Richard Hamilton hat die Popularität seiner amerikanischen Kollegen nicht erreicht. Aber seine wegweisende Collage hat sich ihren festen Platz in der Kunstgeschichte gesichert. Sie ist sicherlich auch das bekannteste Werk aus der Sammlung Zundel in der Tübinger Kunsthalle. Ihren Weg dorthin hat die Arbeit im Anschluss an eine Hamilton-Ausstellung gefunden, die Götz Adriani 1974 in Tübingen gezeigt hat.

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Richard Hamilton: Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?

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Eine Inkunabel der Pop-Art ist die Collage des britischen Künstlers Richard Hamilton ohne Zweifel. Ihr ironischer Titel, der offenbar einen Werbeslogan aufnimmt, ist wie die einzelnen Bildelemente der Collage das Versatzstück einer Konsumwelt, die sich in den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg in den USA entwickelt hat und prägend für den Lebensstil der Middle class im Westen geworden ist.

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– Verwendete Materialien?
– Herstellungsweise?
– Einzelstück oder serielle Herstellung?

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Ihr habt vier Themen:
– Impressionismus
– Pop Art
– Realismus
– Bauhaus

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Der betreffende Künstler hat ein Bild mehrmals gemalt: Warum
– Seerosen
– Getreideschober
– Pappeln
– Kathedrale von Rouen

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lasierend oder deckend
Schicht um Schicht.Farbauftrag in Öl oder Acryl (z.B. im Realismus)

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ihr solltet die 7 Farbkontraste kennen

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Werden zwei oder mehr Farben in ein direktes Verhältnis zueinander gesetzt, erzeugen sie abhängig von ihren jeweiligen Eigenschaften und ihrer Zusammenstellung eine ganz neue Wirkung.

Der Schweizer Kunstpädagoge und Maler Johannes Itten (1888 - 1967) hat solche Wechselwirkungen von nebeneinanderliegenden Farben systematisiert. Er definierte sieben Farbkontraste, die auf einem von ihm entwickelten Farbkreis basieren und die auch heute noch fester Bestandteil der modernen Gestaltungslehre sind.
Vor der Betrachtung der verschiedenen Farbkontraste ist es jedoch sinnvoll, sich Ittens Farbkreis genauer anzusehen.

Ittens bekannter, zwölfteiliger Farbkreis beruht auf den drei Grund- bzw. Primärfarben Rot, Gelb und Blau aus denen sich die drei Sekundärfarben Orange, Grün und Violett mischen lassen. Mixt man Grund- und Sekundärfarben, werden sechs weitere Mischfarben erzeugt, die sogenannten Tertiärfarben (Orangerot, Dunkelgelb, Hellgrün, Blaugrün, Blauviolett und Purpurrot).

Ittens Modell geriet jedoch mit den Jahren in die Kritik von Harald Küppers, einem deutschen Drucktechniker. Er merkte an, dass die Farben, die sich in einem Farbkreis gegenüberliegen - sogenannte Komplementärfarben - physikalisch gesehen immer Grau ergeben müssten. Ittens Komplementärfarben erzeugen in ihrer Mischung jedoch tatsächlich braune, schmutzige Farbtöne.

Auch kritisierte Küppers, dass Itten die Farben Schwarz und Weiß in seinem Farbkreis nicht weiter beachtete.

Unabhängig von der Kritik Küppers lässt sich beobachten, dass Farbmischungen, die nach Ittens Farbtheorie durchgeführt werden, schwer mischbar und nicht immer einfach nachzuvollziehen sind.

In seinem eigenen, sechseckigen Farbmodell stellte Küppers daraufhin seine acht Grundfarben vor: die primären Lichtfarben Rot, Grün und Blau - laut Küppers Orangerot, Violettblau und Grün -, die primären Druckfarben Cyan, Magenta und Gelb sowie Schwarz und Weiß. Mit diesen Grundfarben ergibt sich eine viel höhere Anzahl an mischbaren Farben als sie mit Ittens Farbtheorie praktisch möglich ist. Zudem werden beide Farbarten, Bildschirmfarben und Druckfarben, in einem Modell untergebracht.

Küppers Farbtheorie ist dadurch vor allem für Mediengestalter interessant und soll im Folgenden bei der Betrachtung der sieben Farbkontraste von Itten miteinbezogen werden.

Die 7 Farbkontraste

1. Farbe-an-sich-Kontrast (oder auch Buntkontrast)

Der Farbe-an-sich-Kontrast mit Ittens Grundfarben Rot, Gelb und Blau (links), den Sekundärfarben Orange, Grün und Violett (mittig) und pastelligen Mischfarben (rechts).

Der Farbe-an-sich-Kontrast entsteht bei der Kombination von mindestens zwei reinen Farben.
Der Kontrast ist besonders hoch, wenn reinbunte, kräftige Farben gewählt werden, die auf dem Farbkreis weit auseinanderliegen. Ein Beispiel hierfür ist die Zusammenstellung von Ittens Grundfarben Rot, Gelb und Blau.

Der Farbe-an-sich-Kontrast wirkt mit seinen ungetrübten Farben sehr bunt, auffällig und kräftig. Mit ihm werden Eigenschaften, wie fröhlich, heiter, unbekümmert aber auch naiv, grell und laut assoziiert.

In der Werbung erregt der Kontrast schnell Aufmerksamkeit. Er verkörpert zudem Vitalität, Vielseitigkeit und Kreativität.

Die Kombination aus mehreren Farbtönen kann jedoch auch aufdringlich und schrill anmuten. Um dem entgegenzuwirken wird beispielsweise die Helligkeit und Sättigung der Farben verringert. Sanftere, pastellige Farbtöne wirken beruhigend und weniger laut. Auch die Kombination von Mischfarben wirkt auf den Betrachter meist angenehmer, da diese in ihrer Intensität weniger stark sind als reine Farben.

2. Komplementärkontrast

Der Komplementärkontrast ist eine extreme Form des Farbe-an-sich-Kontrasts, der durch die Zusammenstellung von zwei komplementären Farben zustande kommt.

Komplementärfarben sind Farben, die sich auf dem Farbkreis gegenüberliegen - so zum Beispiel nach Küppers die Farbpaare Rot und Cyan, Grün und Magenta oder Blau und Gelb.
Der Kontrast zwischen zwei komplementären Farben wirkt sehr extrem und lebendig, da sich die Farben in ihrer Wirkung gegenseitig verstärken. Dies ist ein Vorteil, den sich Designer zunutze machen, um Motive, Designs oder Werbung noch eindrucksvoller wirken zu lassen.
Wie beim Farbe-an-sich-Kontrast führen auch beim Komplementärkontrast die Kombinationen komplementärer Mischfarben zu einem sanfteren Kontrast.

Kennen Sie schon dieses Phänomen?
Werden zwei Komplementärfarben nebeneinandergestellt oder als Schrift und Hintergrund kombiniert, erfolgt eine Überreizung unseres Sehsinns. An den Grenzen der Farben zueinander kommt es dadurch zu einem „Flimmern", welches einen unangenehmen Eindruck erzeugt. Dieses Flimmern kann beispielsweise durch das Anpassen der Helligkeit einer oder beider Farben reduziert werden.

3. Hell-Dunkel-Kontrast (oder auch Helligkeitskontrast)

Links der stärkste Hell-Dunkel-Kontrast: Schwarz/Weiß. Mittig ein Schriftbeispiel mit gelber Schrift auf blauem Untergrund. Rechts ein Beispiel, das die schlechte Lesbarkeit von Grün auf der Komplementärfarbe Magenta zeigt.

Beim Hell-Dunkel-Kontrast wird eine helle Farbe einer dunklen Farbe gegenübergestellt. Dabei kommen sowohl bunte Farben als auch Schwarz, Weiß und Grau zum Einsatz, wobei die Kombination von Schwarz und Weiß den extremsten Kontrast bildet.
Besonders bei Logos, Flyern, Plakaten oder Piktogrammen ist ein starker Hell-Dunkel-Kontrast auffällig, gut lesbar und einprägsam.

Neben der klassischen Kombination von schwarzer Schrift auf weißem Hintergrund wirken helle Textelemente auf dunklen Flächen am besten. Beim Setzen von farbiger Schrift auf farbige Flächen empfiehlt es sich Farben zu wählen, die sich in ihrer Helligkeit stark voneinander unterscheiden. Unter den reinen, bunten Farben bilden Gelb und Blau den stärksten Hell-Dunkel-Kontrast. Ein Text mit leuchtendem Gelb hebt sich auf blauem Untergrund sehr gut hervor und lässt sich ohne Schwierigkeiten lesen.
Die Komplementärfarben Magenta und Grün dagegen weisen den geringsten Helligkeitsunterschied auf. Solche Farbkombinationen, die keinen ausreichenden Hell-Dunkel-Kontrast mit sich bringen, sind weniger gut für Texte geeignet.

Der Hell-Dunkel-Kontrast spielt aber auch bei Fotos eine wesentliche Rolle. In der Schwarzweißfotografie sind es die starken Kontraste zwischen hellen und dunklen Elementen, die ein Motiv interessant machen und zur Räumlichkeit und Tiefenwirkung beitragen. Auch der Fokus im Bild lässt sich mit dem Hell-Dunkel-Kontrast beeinflussen: Hellere Elemente treten im Gegensatz zu einer dunkleren Umgebung hervor und werden so schnell als wichtigster Teil des Ganzen erschlossen.

4. Kalt-Warm-Kontrast

Links der extremste Kalt-Warm-Kontrast Rot/Cyan. Daneben zwei weitere Mischfarbenbeispiele.

Unserem Empfinden nach teilen wir Farben in warme Farben und kalte Farben ein. Dabei ordnen wir Farbtöne wie Rot, Orange oder Gelb der Eigenschaft „warm" zu. Bläuliche Grüntöne, Cyan, Mittelblau und Blau gelten dagegen als „kalt". Nicht ganz so eindeutig lassen sich die Farben Grün und Magenta zuteilen.

Beim Kalt-Warm-Kontrast stehen sich kalte und warme Farben gegenüber. Diese Farbkombinationen wirken sehr intensiv und ausdrucksstark. Außerdem werden sie subjektiv auch mit vielen weiteren Eigenschaften in Verbindung gebracht: schattig oder sonnig, beruhigend oder anregend, fern oder nah, leicht oder schwer sowie feucht oder trocken. Diese Kontrastpaare lassen sich hervorragend mit der Verwendung von kalten und warmen Farbtönen illustrieren.

Den extremsten Kalt-Warm-Kontrast bilden übrigens die Komplementärfarben Rot und Cyan, da Rot als wärmste und Cyan als kälteste Farbe eingestuft wird.

5. Qualitätskontrast (oder auch Sättigungskontrast bzw. Intensitätskontrast)

Die Farbqualität beschreibt den Reinheits- oder Sättigungsgrad einer Farbe.
Werden reine, gesättigte Farben mit weniger gesättigten Varianten kombiniert, spricht man von einem Qualitätskontrast.

Um die Farbqualität einer Farbe wie Magenta oder Grün zu reduzieren, können die Farben Schwarz, Weiß oder Grau sowie die Komplementärfarbe zu ihr hinzugemischt werden. Dadurch wird die Farbe getrübt, stumpf und gräulich. Stellt man nun die gesättigte Farbe in Kontrast dazu, hebt sich diese automatisch hervor, da entsättigte Farbtöne in den Hintergrund treten - sie verblassen förmlich neben der leuchtenden Farbe. Solche Zusammenstellungen wirken ruhig und ausgeglichen, gleichzeitig aber auch wenig plakativ und auffällig.

Um kontrastreichere Abstufungen einer Farbe zu erzielen, kann neben der Sättigung auch die Helligkeit der Farbe verändert werden. Diese Farbabstufungen werden als besonders harmonisch wahrgenommen und kommen meist bei monochromatischen, also einfarbigen, Designs zum Einsatz.

Bunt-Unbunt-Kontrast

Der Bunt-Unbunt-Kontrast stellt eine Sonderform des Qualitäts- bzw. Sättigungskontrasts dar. Er zählt nicht zu Ittens sieben Farbkontrasten, soll aber an dieser Stelle erwähnt werden, da er im Design von großer Bedeutung ist.

Der Bunt-Unbunt-Kontrast beschreibt die Gegenüberstellung von bunten Farben und unbunten Farben, also Schwarz, Weiß und Grau.

Werden bunte Farben auf Schwarz platziert, erscheinen sie - mit Ausnahme von dunklen Farbtönen - leuchtend und besonders präsent.

Auf Weiß wirken Farben freundlich. Dabei ist jedoch zu beachten, dass sehr helle Farben, wie Gelb, auf weißem Hintergrund weniger gut zur Geltung kommen als auf Schwarz.

Bei der Kombination von Farben mit Grau kommt es sehr stark auf den Helligkeitsunterschied der Farben zum Grauton an. Je ähnlicher die Helligkeitswerte einer Farbe und des Graus sind, umso geringer ist ihre Wirkung.

6. Quantitätskontrast (oder auch Flächenkontrast)

Beim Quantitätskontrast handelt es sich nicht direkt um einen Farbkontrast. Itten bezieht sich hierbei im eigentlichen Sinn auf Größen- bzw. Flächenverhältnisse, in denen Farben zueinander gesetzt werden.

Warme, helle Farben werden optisch stärker wahrgenommen als kalte, dunkle. Gelbe Elemente, zum Beispiel, springen dem Betrachter sofort ins Auge, wohingegen violette Elemente der selben Größe unscheinbar und hintergründig wirken.

Um diese Wirkungskraft der Farben - besonders im Verhältnis zueinander - effektiv zu lenken, können sie in ihrer Flächengröße aufeinander abgestimmt werden.

Für eine ruhige, ausgeglichene Wirkung sollten warme Farben mit hoher Leuchtkraft einen kleineren Flächenanteil einnehmen als kalte Farben mit einer geringen Leuchtkraft. Bei unserer Beispielfarbkombination Gelb und Violett würde dies bedeuten, dass das gelbe Element wesentlich kleiner sein sollte als das violette Element, damit beide Farben gleichwertig wirken.
Dabei darf jedoch nicht vergessen werden, dass ungleich wirkende Farben Spannung und Aktivität erzeugen und Flächenkontraste somit je nach Intention bewusst und mit Bedacht gewählt werden sollten.

7. Simultankontrast

Beim Simultankontrast handelt es sich um ein optisches Phänomen bei dem eine Farbe von ihrer Umgebungsfläche beeinflusst wird.

Betrachten wir beispielsweise ein neutral graues Quadrat auf einer grünen Fläche, so stellen wir fest, dass das Grau warm und beinahe rötlich erscheint. Das selbe Quadrat mit demselben Grauton wirkt vor einer gelben Fläche hingegen kühl und leicht bläulich.
Dieser subjektive Eindruck entsteht, da unser Sehsinn beim Betrachten einer Farbe auch immer versucht in deren Umgebung die passende Komplementärfarbe zu erzeugen. Unsere Augen bemühen sich also um einen Ausgleich.

Beim Gestalten von Flyern, Plakaten oder Broschüren mag dieses Phänomen weniger von Bedeutung sein - jedoch sollte immer bedacht werden, dass jede Hintergrundfarbe und jede Farbfläche Einfluss auf die auf ihr platzierten Elemente nimmt. Dies spielt vor allem im Corporate Design eine wichtige Rolle, wenn es zum Beispiel um die Platzierung eines Farblogos auf farbigen Hintergrundflächen geht.

Bei Komplementärfarben verstärkt der Simultan-Kontrast übrigens die Farbwirkung. So wirkt Gelb vor Violett leuchtender und reiner als auf anderen Farben.

Bildquellen:

Abb. 1 - Ahrens Malte: Zwölfteiliger Farbkreis nach Johannes Itten (1961) (https://de.wikipedia.org/wiki/Datei:Farbkreis_Itten_1961.svg)
Abb. 2 - Hewin: Das Basisschema der Farbenlehre nach Harald Küppers (1976) (https://de.wikipedia.org/wiki/Farbkreis#/media/File:Farbenkreis_k%C3%BCppers_svg.svg)

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7 + 1 Farbkontraste - das Zusammenspiel von Farben

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Welche Farbkontraste es in der Kunst gibt und welche Wirkung sie erzielen? Hier erfahren Sie alles über Komplementärfarben, Johannes Itten und die Zahl 7.

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In eurer Praxisarbeit könnte es sein, dass ihr etwas verfremden müsst. Ein typisches Bild der Verfremdung wäre der „Menschensohn“ von René Magritte. Der Mann ist realistisch gemalt aber der Apfel vor dem Gesicht ist irritierend und gehört da nicht hin...

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Bes. ausgeprägt sind Verfremdungspraktiken überall dort, wo "montagegerechtes Denken" (Eisenstein) herrscht, wo collagiert (Collage), montiert (Materialbild, Montage, Photomontage) und zitiert wird; [...] Q: LEXIKON DER KUNST. VEB Seemann Verlag, Leipzig 1978, Nachdruck Westberlin 1983 Verfremdung (Verfremdungseffekt),

In der bild. Kunst gewannen Titel (u. U. Text) eine neue Bedeutung, Bild und Text/Titel konnten sich gegenseitig verfremden. ...

bes. seit den 1920er Jahren in Literatur und Theater, Film, Photomontage und bild. Kunst gehandhabte, dialektisch bestimmte, d. h. mit Widersprüchen, Kontrastsetzungen, Irritierung u. ä. operierende, desillusionierende, neuartige und in der bild. Kunst visuell-rhetorische Methode und Technik. Vor allem durch B. Brecht formuliert, ist ihr Ziel die Aktivierung des Betrachters:

"Einen Vorgang oder einen Charakter verfremden heißt zunächst einfach, dem Vorgang oder dem Charakter das Selbstverständliche, Bekannte, Einleuchtende zu nehmen und über ihn Staunen und Neugierde zu erzeugen" (Brecht).

In geschichtl. Untersuchungen verwies Brecht auf Bilder P. Bruegel d. Ä., auf P. Cezanne, aber auch auf die groteske, absurde, spielerische usw. Verfremdung in Dada und Surrealismus (Surreal. Kombinatorik).

Nach Wikipedia:

Der Verfremdungseffekt , auch V-Effekt genannt, ist ein literarisches Stilmittel. Er ist eines der Grundprinzipien des Epischen Theaters nach Bertolt Brecht. Eine Handlung wird durch Kommentare oder Lieder so unterbrochen, dass auch die Illusion für den Zuschauer unterbrochen wird. So kann er der Theorie zufolge eine kritische Distanz zum Dargestellten einnehmen.

Der Verfremdungseffekt besteht im Kern darin, dem Betrachter vertraute Dinge in einem neuen Licht erscheinen zu lassen und so die Widersprüche der Realität sichtbar zu machen.

Ein anschauliches Beispiel für eine Verfremdung ist das Herausnehmen eines alltäglichen Vorgangs, welcher anschließend in einen neuen Zusammenhang gebracht wird. So kann der eigentlich in der Küche vertraute Prozess des Kuchenbackens verfremdet werden, wenn der Kuchen beispielsweise in einer Straßenbahn gebacken wird. [Kontextverschiebung]

Brecht charakterisiert die Verfremdung mit den paradoxen Worten

„Zur Kenntlichkeit entstellen".

Eine schnelle und eindeutige Verständlichkeit, die für den Zuschauer/Betrachter bequem wäre, ist in Brechts Sinn nämlich nicht mit einer künstlerischen Äußerung vereinbar.
http://de.wikipedia.org/wiki/V-Effekt

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Bes. ausgeprägt sind Verfremdungspraktiken überall dort, wo "montagegerechtes Denken" (Eisenstein) herrscht, wo collagiert (Collage), montiert (Materialbild, Montage, Photomontage) und zitiert wird; [...] Q: LEXIKON DER KUNST. VEB Seemann Verlag, Leipzig 1978, Nachdruck Westberlin 1983 Verfremdung (Verfremdungseffekt), In der bild. Kunst gewannen Titel (u. U. Text) eine neue Bedeutung, Bild und Text/Titel konnten sich gegenseitig verfremden.

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Tip: Gibt es von demselben Künstler noch ein anderes Bild mit Boot?

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Was ist die stilistischen Kennzeichen einer Kunstrichtung? kennzeichen?

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Hier könnt ihr eigene Dokumente posten und zu dritt Infos austauschen.

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Anordnung
links , rechts, vorne, hinten, Kompositionsformen erkennen

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Realismus Definition wichtig

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Prima, bitte geht auch auf die Materialien ein und wer die Wiege entworfen hat und findet viel darüber heraus. Zum Bsp genau alle Materialien und warum die Wiege nicht umfallen kann

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Andy Warhol hat es oft verwendet
Bitte findet es herau und untersucht die Farbgebung bei Andy Warhols Marilyn -Siebdrucken

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Vertreter des „Sozialen Realismus“
Erfurter Künstler, Gegenwartskunst, weil er ja jetzt malt,
passt gut in die Tradition der „Leipziger Schule“
Begründe: Warum passt er mit seinem Werk gut in die Tradition des Realismus? Bedenke die Bildinhalte ...
• versteckte Kritik?
• wie wird die gezeigt?
• Verwendung bestimmter Objekte
• Malstil (da findet ihr Hunweise in dem Video, das ich mit ihm gedreht habe hier im Padlet zu finden

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ausstellungen erfurt thueringen kulturhof krönbacken kurse gestalten design zeichnen

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eine seite ueber kunst malerei bilder ausstellungen zeichnenkurse aquarelle pastell acryl

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Vertreter der Leipziger Schule

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Der Jahrhundertschritt ist eine Bronzeplastik, die von Wolfgang Mattheuer 1984 geschaffen wurde. Sie gilt als eines der bedeutendsten Kunstwerke der DDR zu Zeiten der Deutschen Teilung und ist eine Parabel auf die Zerrissenheit des 20. Jahrhunderts.

Motiventwicklung

Wolfgang Mattheuers Werk umfasst Gemälde, Arbeiten auf Papier, Druckgrafiken und seit 1970 auch Plastiken und Objekte. Die überwiegende Anzahl seiner Bilder sind sogenannte Erholungsbilder und umfassen Stillleben, Porträts und Landschaften. Größere Bedeutung erlangten die sogenannten Problembilder: In ihnen greift Mattheuer mythologische, biblische, zeitgeschichtliche und metaphorische Motivstoffe auf, kombiniert sie, erweitert ihren Kontext und kreiert mit diesen Bildern scharfsinnige, manchmal zynische Kommentare auf das Zeitgeschehen. Bekannte Beispiele dafür sind seine Bilder zum Brudermord des Kain und Abel, die Ikarus-Figuren, die Flüchtenden und Abstürzenden, eines seiner bekanntesten Bilder ist Hinter den 7 Bergen. Immer wieder thematisiert Mattheuer das Gespaltensein des Menschen zwischen Gut und Böse, zwischen „Größe und Elend" ( Blaise Pascal).

In den 1980er Jahren sollte Mattheuer die rückblickend für sein gesamtes Werk bedeutsamste Parabel entwickeln, seine eigene mythologische Figur - den Jahrhundertschritt. Tatsächlich ist diese auseinanderreißende Gestalt in ihrer dialektischen Grundidee bereits in den frühesten Bildern Mattheuers angelegt. Im Bild Aggression (1981) taucht diese unheilvolle Gestalt nun das erste Mal im malerischen Werk auf: Sie besteht lediglich aus den Extremitäten - ein zum Hitlergruß gestreckter Arm findet sein Gegengewicht im bestiefelten, rot markierten Bein, der andere, linke Arm ist zur kommunistischen Faust geballt, das rechte Bein stapft nackt und weit ausholend nach vorn. In der Mitte der Figur ist jedoch kein Rumpf, kein Kopf zu sehen, sondern nur diffuser Nebel. Es folgen Bilder mit den Titeln Alptraum (1982) und Verlorene Mitte (1982). Mattheuer schreibt über diese Figur: „Ein nacktes Bein, weit ausgreifend. Ein Stiefelbein, ein schwarzer Arm mit Heil-Geste aus körperloser Mitte schießend und eine Faust am erhobenen zweiten Arm machen aus vier Extremitäten eine rasende Figur. (...) Was ist das? Hilfloses Wüten? (...) Chaos? Auferstehung? Kriegsrecht? Verlust der Mitte!"

Im Garten seines Reichenbacher Hauses arbeitet Mattheuer an der plastischen Umsetzung der Figur, die von Anfang an geplant war. 1984 ist das 2,5 m hohe Gipsmodell fertig - es folgen Abgüsse in Eisen und Bronze und schließlich ein 5 m hohes Exemplar, welches sich heute im Museum Barberini befindet.

1985 wird die bemalte Gipsfassung das erste Mal öffentlich ausgestellt, auf der 11. Leipziger Bezirkskunstausstellung. Die Staatliche Galerie Moritzburg in Halle und der Sammler Peter Ludwig gaben je einen Bronzeguss in Auftrag. Das Publikum reagierte mit Erstaunen und viel Anteilnahme auf das gezeigte Werk. Noch größer war die Resonanz einige Jahre später, als auf der X. und letzten Kunstausstellung der DDR in Dresden ein Bronzeguss des Jahrhundertschritts gezeigt wurde. Die Figur wurde zum wichtigsten Kunstwerk der Ausstellung gekürt, gerade auch, weil ein politischer Diskurs nach wie vor ersatzweise über die bildende Kunst und Literatur geführt wurde.

Mattheuer sagte über seine Skulptur: „Diese Albtraumfigur, als die verkörperte Absurdität, ist ‚jener Zwiespalt zwischen dem sehnsüchtigen Geist und der enttäuschenden Welt', sie ist ‚... Heimweh nach Einheit, dieses zersplitterten Universums, und der Widerspruch, der beide verbindet' (A. Camus) und der allzu oft sich in Aggression und Zerstörungswut entlädt, als zentrifugale Kraft, die das Individuum zerreißt. Kein Versuch der Selbstfindung gelingt mehr." Eduard Beaucamp, langjähriger Feuilletonist der ZEIT und Fürsprecher insbesondere der Leipziger-Schule-Künstler, schreibt: „Diese paradoxe Jahrhundertmetapher, eine aggressiv-fliehende Endzeitgestalt, die ihren Körper und ihre ‚Mitte' verloren hat, ist ein höhnisch-bitterer Abgesang auf die modernen Diktaturen."

Auch auf dem Gebiet der alten Bundesländer wurde die Botschaft des Jahrhundertschritts erkannt. 1988 versammelte die Ausstellung Zeitvergleich '88 - 13 Maler aus der DDR eine ganze Reihe von Gemälden und plastischen Arbeiten bekannter DDR-Künstler, darunter auch Mattheuers Jahrhundertschritt. Eine Journalistin urteilt: „Gewissermaßen Symbol der Ausstellung, [...] ist eine einzelne Bronzeskulptur. Beziehungsreich platziert auf der Schwelle zwischen den beiden Räumen, schafft der Jahrhundertschritt von 1984 von Wolfgang Mattheuer den Sprung von Ost nach West."

Das Werkverzeichnis der Plastiken und Objekte umfasst zwei unterschiedlich bemalte Eisengüsse, sowie vier Bronzegüsse. Von diesen sind drei unterschiedlich bemalt und einer unbemalt.

Ihre Standorte sind:

GrundkreditBank, jetzige Volksbank Berlin (Eisen, bemalt)

Haus der Geschichte, Bonn (Eisen, bemalt)

Ludwiggalerie Schloss Oberhausen (Bronze, bemalt)

Stiftung Moritzburg - Kunstmuseum des Landes Sachsen-Anhalt, Halle an der Saale (Bronze, bemalt)

Zeitgeschichtliches Forum Leipzig (Bronze, bemalt)

Solbrigplatz, Reichenbach im Vogtland (Bronze, unbemalt)

Im Oktober 2017 beschloss der Stadtrat von Reichenbach im Vogtland das letzte noch unverkaufte Exemplar (Bronze, unbemalt) anzukaufen und öffentlich aufzustellen. Die Kaufsumme betrug 180.000 € und wurde zu großen Teilen durch Spenden finanziert. Die Aufstellung erfolgte im November 2020.

Im Jahr 2006 sollte eine auf fünf Meter vergrößerte bemalte Bronze des Jahrhundertschritts (Werkverzeichnis Nr. WV/S 47) auf der Außenfläche vor dem Reichstag in Berlin errichtet werden. Dies wurde nie verwirklicht. Zwischenzeitlich erworben durch Hasso Plattner, war sie vom 16. September 2012 vorübergehend, bis zur Errichtung der von ihm geplanten Kunsthalle, im Hof des Hauses der Brandenburgisch-Preußischen Geschichte in Potsdam aufgestellt. Seit Juni 2016 steht sie im Durchgang des Museum Barberini in Potsdam.

1. Peter Romanus: Zu Mattheuers Werkgruppe „Jahrhundertschritt". In: Dieter Brusberg (Hrsg.): Ostwind. Fünf deutsche Maler aus der Sammlung Grundkreditbank. Berlin 1997, S.151-156 (Ausführlichere Analyse der Jahrhundertschritt-Thematik).

2. Stefanie Michels: Wolfgang Mattheuer. Bilder als Botschaft. Werkverzeichnis der Gemälde. Hrsg.: Stefanie Michels. Edition Galerie Schwind, Leipzig 2017, ISBN 978-3-932830-71-6, S.249.

3. Wolfgang Mattheuer: Bilder als Botschaft - Botschaft der Bilder. Hrsg.: Ursula Mattheuer-Neustädt. Faber und Faber Verlag, 2002, ISBN 978-3-928660-85-3, S.84/85.

4. Wolfgang Mattheuer: Bilder als Botschaft - Die Botschaft der Bilder. Hrsg.: Ursula Mattheuer-Neustädt. 1997, S.124.

5. Eduard Beaucamp: Weltbürger in einer giftigen Provinz. In: Stefanie Michels (Hrsg.): Wolfgang Mattheuer. Bilder als Botschaft. Edition Galerie Schwind, Leipzig 2017, S.19.

6. Andrea Hildenstock: Symbolik und Junge Wilde. In: Hamburger Abendblatt. 13. September 1988.

7. https://www.freiepresse.de/LOKALES/VOGTLAND/REICHENBACH/Jahrhundertschritt-Gruenes-Licht-fuer-Plastik-Ankauf-artikel10022849.php „Jahrhundertschritt": Grünes Licht für Plastik-Ankauf www.freiepresse.de. vom 11. Oktober 2017, abgerufen am 6. Februar 2018.

8. https://www.freiepresse.de/vogtland/reichenbach/jahrhundertschritt-wird-fest-verankert-auf-dem-solbrigplatz-artikel11215089 "Jahrhundertschritt" wird fest verankert auf dem Solbrigplatz www.freiepresse.de. vom 24. November 2020, abgerufen am 1. Februar 2021.

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Der Jahrhundertschritt ist eine Bronzeplastik, die von Wolfgang Mattheuer 1984 geschaffen wurde. Sie gilt als eines der bedeutendsten Kunstwerke der DDR zu Zeiten der Deutschen Teilung und ist eine Parabel auf die Zerrissenheit des 20. Jahrhunderts. Wolfgang Mattheuers Werk umfasst Gemälde, Arbeiten auf Papier, Druckgrafiken und seit 1970 auch Plastiken und Objekte.

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Beachte:
– ihr müsst jeweils nur 1 Werk (wieder-)erkennen
– Realismus in der DDR und Leipziger Schule sind nicht klar voneinander abgegrenzt.

1. Leipziger Schule
Wolfgang Mattheuer: Skulptur: „Jahrhundertschritt“

2. Realismus in der DDR /Sozialistischer Realismus
Erich Enge (* 19: Wandbild am Rieth (Lies den Artikel weiter unten)
Bernhard Heisig:
„Als ich die Völkerschlacht malen wollte“ (1985/1986)

3. Neue Sachlichkeit
Otto Dix
„Großstadtriptichon“

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Sozialistischer Realismus
https://de.wikipedia.org/wiki/Erich_Enge

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Sieg der Liebe

Denkmale in Erfurt: Das Wandbild im Wohngebietszentrum Rieth von Erich Enge versinnbildlicht den Sieg des Sozialismus.

Der Panzerkreuzer Aurora soll mit seinem Bordgeschütz am 7. November 1917 das Startsignal zur Großen Sozialistischen Oktoberrevolution gegeben haben. Ob es diesen legendären Schuss mit anschließendem Sturm auf den Winterpalast von Petrograd wirklich gegeben hat, wird von manchen Historikern bezweifelt. Dass 1917 im heutigen St. Petersburg eine weltgeschichtliche Entwicklung begann, steht dagegen außer Frage. Auch Erfurt blieb hiervon nicht unberührt. Die Existenz eines sozialistischen Staates, der radikal mit der bisherigen Gesellschaftsordnung brach, sorgte für heftige Emotionen. Der „Bolschewismus" galt den einen als düsteres Schreckbild, den anderen als leuchtende Zukunftsverheißung. Im offiziellen DDR-Geschichtsbild spielte die Oktoberrevolution schließlich eine ganz zentrale Rolle. Mit ihr begannen die von Karl Marx verheißene Befreiung des Proletariats und damit der Weg zum Sozialismus.

Hiervon kündet das 1976 eingeweihte Wandbild im Wohngebietszentrum Rieth. Der Maler und Grafiker Erich Enge hat symbolisch den „Sieg der Liebe über die Finsternis" beschworen, wie Kunsthistorikerin Ruth Menzel erläutert. Philosophische Grundlage ist Marx mit der Erkenntnis: „Die Idee wird zur materiellen Gewalt, wenn sie die Massen ergreift." In diesem Sinne beginnt der imposante Bilderreigen mit der Oktoberrevolution. Ein angeketteter Arbeiter hört den Schuss vom Panzerkreuzer Aurora, gewissermaßen die Initialzündung der Weltrevolution. Im Weiteren wird der Sieg der Liebe als Durchsetzung des Sozialismus versinnbildlicht. Ganz real zeigt sich die Liebe in Form zweier sich küssender nackter Menschen. Hierbei handelt es sich offensichtlich um eine blonde Frau aus unseren Breiten und einen Mann von südlicher Herkunft. Dies dürfte eine Anspielung auf den nach 1990 verschwundenen Brunnen der Völkerfreundschaft gewesen sein.

Als „kulturhistorisches Zeugnis jüngster Vergangenheit" steht das Wandbild auf der Denkmalliste des Freistaates Thüringen. Mit sechs Metern Höhe und 102 Metern Länge gehört es zu den größten Wandbildern Europas. Seinen Kontext gewinnt es durch das umliegende Neubaugebiet der 1970er Jahre, mit dem in Erfurt das Wohnungsproblem im Sinne der vielbeschworenen „Einheit von Wirtschafts- und Sozialpolitik" in der Ära Honecker gelöst werden sollte. Jenes, wie es im Denkmaleintrag heißt, „wesentliche Ausdrucksdenkmal der Zeit" sollte für die Zukunft bewahrt werden, auch wenn die historische Entwicklung längst hierüber hinweg gegangen ist. Das Bekenntnis zum Denkmal allein wird die riesige Secco-Malerei allerdings nicht bewahren können, ist doch der Putz an vielen Stellen bereits deutlich angegriffen.

(Dr. Steffen Raßloff)

Siehe auch: Geschichte der Stadt Erfurt, Denkmale in Erfurt, 100 Jahre Oktoberrevolution 2017

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Sieg der Liebe Denkmale in Erfurt : Das Wandbild im Wohngebietszentrum Rieth von Erich Enge versinnbildlicht den Sieg des Sozialismus. Der Panzerkreuzer Aurora soll mit seinem Bordgeschütz am 7. November 1917 das Startsignal zur Großen Sozialistischen Oktoberrevolution gegeben haben. Ob es diesen legendären Schuss mit anschließendem Sturm auf den Winterpalast von Petrograd wirklich gegeben hat, wird von manchen Historikern bezweifelt.

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Farbauftrag, Duktus, Plein Air ...

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Vorläufer des Impressionismus:

Französische und englische Romantik: (Befreiung der Farbe und Form vom rein mimetischen / abbildhaften Bezug)

Eugène Delacroix (Frankreich) und William Turner (England)

Schule von Barbizon (Landschaftsmalerei und Licht/Farbe Bezug): Jean Francois Millet

Realismus: (Realistische Thematik und Landschaftsmalerei): Gustave Courbet

Intentionen:

Die Impression, der Eindruck der Farbigkeit der sichtbaren Realität unter ganz bestimmten Lichtverhältnissen, zu ganz bestimmten Tageszeiten, Jahreszeiten.

Verzicht auf überhöhte Motive

Hinwendung zum alltäglichen großstädtischen, bohèmen Leben

Untersuchung der autonomen künstlerischen Mittel der Malerei

Verzicht auf die Abbildfunktion der Malerei

Reflex auf die Erfindung der Fotografie (Erste Ausstellung im Atelier des Fotografen Felix Nadar, 1874)

und Teilhabe am modernen Leben (Errungenschaften in Wissenschaft und Technik)

Die Kunst wird zum Selbstauftrag,

Abkehr von den Konventionen der Akademie und des Salons

Die wesentlichen formalen und inhaltlichen Merkmale des Impressionismus wurden in der Rezension der ersten Ausstellung im Atelier des Fotografen Felix Nadar 1874 als Kritikpunkte aufgeführt und der Spotttitel "das sind ja bloße Impressionen" gab der Stilrichtung ihren Namen. Diese Kritik bezog sich u.a. auf "Impression Sonnenaufgang" von Claude Monet.

Vertreter des Impressionismus in Frankreich:

Edouard Manet, gilt als einer der Väter des Impressionismus. Er behielt während seiner künstlerischen Laufbahn jedoch die Unabhängigkeit von der Gruppe der Impressionisten.

Claude Monet, gilt als einer der Väter des Impressionismus. Landschaften und Serien, Stadtansichten und Seerosenserien

Auguste Renoir: Menschen, Gruppen, Portraits, Landschaften

Edgar Degas: Ballett, Sport, Fotografie als Grundlage, Skulpturen

Auguste Rodin: Skulpturen, das Licht und die lebendige Oberfläche

Camille Pissarro und Alfred Sisley: Landschaften

Alle Künstler der Impressionisten entwickleten innerhalb der Gruppe ihren eigenen, unverwechselbaren Stil.

Vertreter des Impressionismus in Deutschland:

Der Impressionismus gilt als Ausgangspunkt für den Aufbruch der Malerei in die Moderne:

Loslösung von dem Primat des Mimetischen/Abbildhaften

Betonung der Farbe als autonomes malerisches Mittel

Zeitgenossenschaft hinsichtlich Technik und Wissenschaft

Eisenbahn und Bewegung

Fotografie und Augenblick

Wahrnehmungspsychologie und Farbwahrnehmung

Großstädtische profanisierte Thematik

Der Bohemien und die Naturwahrnehmung

Die Wegbereiter der Moderne

Vincent Van Gogh: Expressionismus

Paul Gauguin: Expressionismus und Symbolismus

Paul Cezanne: Kubismus

George Seurat: Neoimpressionismus

haben auf den Errungenschaften des Impressionismus aufgebaut und diese weiterentwickelt.

Wesentliche stilistische Merkmale:

Thematik:

Moderne Großstadtlandschaften (Straßenfluchten)

Architektur und Technik (Bahnhof St. Lazare, 2er Serie)

Die Seine und ihre Freizeitlandschaften (Argenteuil)

Landschaftsserien (Heuschober)

Kathedrale von Rouen, 40 Bilder in Serie

Jahres- und Tageszeiten in der Landschaft/Natur

Komposition:

Ausschnitthaftigkeit (Fotografie)

Vor dem Motiv, sur le motiv

Freilichtmalerei, plein air

Landschaftliche Vorder- Mittel- Hintergrund Komposition mit ausgewogenen Horizontverläufen

Momenthaftigkeit und Spontaneität in der Figurendarstellung (Fotografie)

Kleine Formate, Tubenfarben, Weißgrundierung der Leinwand

Farbigkeit:

Erscheinungswert der Farbe

Lichtstimmungen durch Farbe

Aufgehellte Palette, Kein Schwarz!

Kalte- oder Komplementärfarben in den Schattenpartien

Harmonische Farbabstimmungen

Differenzierte Farbräumlichkeiten

Der Farbtupfen entspricht dem Netzhautbild, das Sujet tritt hinter die Farbvaleurs

Wie sieht die Malpalette Monets aus?

Malweise und Form:

Tupfenhafter Malduktus

Skizzenhafter Malduktus

Spontaneität und Momentaneität

Auflösung der Form

Atmosphärische Stimmung, Farbstimmung

Verzicht auf Detailtreue und Stofflichkeit / Oberflächenbeschaffenheit

Alle Form verdichtet sich zu einem Farbteppich

Fachbegriffe:

Darstellungswert der Farbe

Erscheinungswert der Farbe

Eigenwert der Farbe, Ausdruckswert der Farbe

Farbkontraste:

Warm-kalt

Komplementär

Hell-dunkel

Farbe an sich

Simultan

Skizzenhafter, tupfenhafter Malduktus

al prima

sur le motiv

plein air

Netzhautbild

Optische Mischung

Farbräumlichkeit

Ausschnitthaftigkeit

Momenthaftigkeit

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Vorläufer des Impressionismus: Französische und englische Romantik: (Befreiung der Farbe und Form vom rein mimetischen / abbildhaften Bezug) Eugène Delacroix (Frankreich) und William Turner (England) Schule von Barbizon (Landschaftsmalerei und Licht/Farbe Bezug): Jean Francois Millet Realismus: (Realistische Thematik und Landschaftsmalerei): Gustave Courbet Intentionen: Die Impression, der Eindruck der Farbigkeit der sichtbaren Realität unter ganz bestimmten Lichtverhältnissen, zu ganz bestimmten Tageszeiten, Jahreszeiten.

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Andy Warhol:
Campbell Suppen
Marilyn

Roy Lichtenstein
Hier den typischen Stil beschreiben können, Raster ...Comic ...

Richard Hamilton
hier nur 1 Werk kennen, das ich in diese Padlet Spalte gesetzt habe

Robert Rauschenberg
https://de.wikipedia.org/wiki/Robert_Rauschenberg
Hier müsst ihr nur wissen, dass er Pop Art Künstler war und Collage und Assemblagetechniken benutzt hat. Nicht in die Tiefe gehen.

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Welche wichtigsten Grundformen und Grundfarben des Bauhauses gibt es?

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Pop Art

Unabhängig voneinander entstand im Laufe der 50er-Jahre in England und in den USA als Reaktion auf den gegenstandslosen Abstrakten Expressionismus die Pop Art (engl. pop = Knall; auch von: popular art = populäre Kunst), die sich in den 60er-Jahren zur international bestimmenden Kunstrichtung entwickelte. Die Prägung des Begriffs wird dem englischen Kunstkritiker Lawrence Alloway zugeschrieben.

Ein wesentliches Merkmal besteht in der Hinwendung zu den banalen Gegenständen des Alltags und den Konsumobjekten der Massengesellschaft, die als Bildmotive bzw. Objekte auftreten und somit eine elementare Realitätsannäherung bedeuten.

Die Pop Art erzielt so eine Verbindung von Kunst und Leben, wie sie beispielsweise John Cage in den 50er-Jahren nachdrücklich postuliert hatte.

Während in den USA die New Realists Jasper Johns und Robert Rauschenberg den Boden für die Entstehung der Pop Art bereiteten, spielte in England in den frühen 50er-Jahren für Richard Hamilton und Eduardo Paolozzi das Feld der Massenmedien und -unterhaltung (Comics, Film, Kitschromane, Regenbogenpresse, Sciencefiction, Werbung) eine entscheidende Rolle und besaß wichtige Anregerfunktion.

Eine zweite Entwicklungsphase (1958-61) wurde unter Peter Blake und Richard Smith eingeleitet, eine dritte (1961-65), die den Durchbruch der englischen Pop Art bedeutete, von David Hockney, Allen Jones, Ronald B. Kitaij u.a. Für die Anfangsjahre der Pop Art um 1960 ist außerdem die Rückbesinnung auf den Dadaismus Marcel Duchamps von entscheidender Bedeutung.

Als kennzeichnendes Merkmal kommt eine distanzierte, kühl berechnende Haltung des Künstlers hinzu, die beispielsweise jede die Persönlichkeit verratende Pinselspur sorgfältig vermeidet.

In Bildern der bekannten Pop-Art-Künstler Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Andy Warhol oder Tom Wesselmann stellt sich eine für die Pop Art typische Ambivalenz von emotionalen Motiven und sachlich-kühler Darstellung ein. Die aus der Werbegrafik entnommenen Farbwerte zeigen in ihrer scheinbaren Heiterkeit einerseits und entleerten Glätte andererseits einen für die moderne Massengesellschaft bezeichnenden Widerspruch.

Eindringliche Beispiele sind die Katastrophenbilder Andy Warhols, die höchst emotionale Motive (etwa Autounfall, Flugzeugabsturz, elektrischer Stuhl) mit einer gerasterten, entindividualisierten Darstellungsform (Siebdruck), verbunden mit serieller Motivwiederholung, konfrontieren. Auch seine berühmten Portraits (z.B. "Marilyn", 1962) spielen mit der Ver- und Entfremdung des durch die Massenmedien zum Klischee erhobenen, auf eine bestimmte Rolle fixierten Idols.

Roy Lichtenstein verfolgt mit den stilistischen Mitteln des Comics eine raffiniert monumentalisierte Bildsprache, deren Inhalte formelartig verkürzt sind. An der amerikanischen Westküste reagierten Mel Ramos, Edward Ruscha oder Wayne Thiebaud in kritisch-ironischer Distanz auf die Klischees der Werbegrafik. Auch in Deutschland zeigte die Pop Art großen Einfluss, wie beispielsweise Arbeiten von Konrad Klapheck, Sigmar Polke oder Gerhard Richter belegen.

Wenngleich sich die bildende Kunst von der Werbegrafik inspirieren ließ, verlief ein wichtiger Austausch auch in anderer Richtung: Für das Design war die Pop Art von zentraler Bedeutung, insofern sie die Grenzen zur alltäglichen Warenästhetik öffnete, wodurch sich das Design mit ersten, vorsichtigen Schritten von der Doktrin des Funktionalismus abwenden konnte. Wie das italienische Radical Design belegt, rückten dekorative Gesichtspunkte in den Vordergrund.

Arbeiten von De Pas/D'Urbino/Lomazzi (Sessel "Blow"), Ettore Sottsass, Elio Fiorucci oder Peter Murdoch ("Paper Chair", 1965) spiegeln beispielsweise die spielerische Haltung der Pop Art wider. © Königsdorfer Medienhaus, Frechen (René Zey)

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Pop Art Unabhängig voneinander entstand im Laufe der 50er-Jahre in England und in den USA als Reaktion auf den gegenstandslosen Abstrakten Expressionismus die Pop Art (engl. pop = Knall; auch von: popular art = populäre Kunst), die sich in den 60er-Jahren zur international bestimmenden Kunstrichtung entwickelte.

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Welche Materialien?
Wann war das Bauhaus wo? Geschichtliche Einordnung?
3 Orte?
Was war die Grundidee des Bauhauses?
Wie ist der Begriff industrielle Fertigung zu verstehen?
Wie grenzr sich das Bauhaus zu historisierenden Stilen ab?

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Neue Sachlichkeit - Merkmale, Künstler, Kunstmarkt & Rekorde - artvise.me

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Die Neue Sachlichkeit, als Stilrichtung in der bildenden Kunst, hat sich nach dem Ersten Weltkrieg im deutschsprachigen Raum entwickelt und stellt eine Reaktion auf den Expressionismus dar. Wie der Begriff bereits erkennen lässt, bot die Neue Sachlichkeit eine Rückbesinnung zur Realität und eine Konzentration auf das objektiv Wahrnehmbare.

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Großstadttryptichon

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„Die Überfahrt“
Horst Wagner
2020 Öl auf Leinwand
100 x 130 cm.jpg

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Boats and boating--Equipment and supplies

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1 Die Überfahrt 2020 Öl, Leinwand 100 x 130 cm.JPG

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Gerrit Thomas Rietveld: Rot Blau Stuhl, 1917-1923. Konstruktion aus Buche und schichtverleimten Sperrholz, 60 x 84 x 86 cm (endgültige Version). Amsterdam, Stedelijk Museum

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1922 am Bauhaus von Peter Keler entworfen
Tip: genau anschauen