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Las dos imagen  imagenes presentan un plano general del entorno y son muy claras sus luces, muestra una evolucion en el entorno al pasar la decada, la desforestacion se termina y los arboles crecen nuevamente.  Esto trasmite la emocion de esperanza, ya que nos da a entender que todo puede volver a crecer y recuperarse si se pone voluntad en lograrlo. La percepcion del autor era mostrar una comparación entre el bien y el mal que el hombre puede hacer con la naturaleza.   Se sabe que a Sebastiao tiene una vision ecologista y expresa su amor el medioambiente mediante estas imagenes.

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Plano general de un paisaje desolado, arrasado incendios e industria, deforestado y contaminado, un hombre camina con una mirada despreocupada de la situacion, a sus pies se ve una manguera, el viste de unos guantes y botas de bombero pero no tiene el uniforme completo u apropiado, usa lentes de sol, cubriendo su rostro y posee un pelo rizado. La imagen es un poco claro-oscuro por las nubes de humo negras mezcladas con la luz del fuego, la percepción es el daño humano al medioambiente.

Estaria ambientada en un futuro distopico donde el ser humano a destruido la naturaleza por la explotacion excesiva de los recursos.

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En la foto podemos observar un plano americano de un joven,ubicado en en una de las lineas imaginarias de la regla de los tercios y su cabeza ubicada en el punto fuerte, la cual parece mirar fijo hacia la cámara .Por detras vemos mas gente cruzando por dos puentes- escaleras a gatas. Las diagonales que producen estos puentes le proporcionan dinamismo a la fotografia.
La luz es natural, la fuente lumínica principal proviene del lado izquierdo de la fotografia.
El foco de atención es sobre la figura principal de la fotografía, pero no hay una distinción muy marcada entre la figura y el fondo. Ambos se encuentran totalmente en foco. Esto forma parte del objetivo del fotógrafo por retratar con mayor peso visual lo que está sucediendo detrás del sujeto principal, que en definitiva es lo que le otorga tensión y un gran peso visual a la fotografía. La simetría de la fotografía es dinámica. La figura se distingue del fondo mas que nada por la seguridad y las expresiones que mantiene el joven. Observamos una postura "tranquila" que podemos dilucidar al observar como apoya sus manos, hecho que resulta totalmente inverso y que se lleva el foco de atención, debido a que no se encuentra en sintonía con lo que está sucediendo en el fondo de la fotografía.
La percepción del autor en este caso, es la de un niño que representa la juventud, la tranquilidad, la desprovisión de presiones y a la vez, nos muestra la cruda realidad que se encuentra en el fondo, por la cual también tiene que pasar el niño.

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El encuadre de esta fotografía es horizontal, simulando perfectamente el punto de vista humano, logrando que nos sintamos parte de la escena. En este encuadre se puede captar al sujeto de espaldas, desde debajo del pecho aproximadamente, hasta su cabeza, es decir un plano pecho. Se pueden captar también ciertos personajes en el fondo de la escena. En este caso se trata de una luz natural, ya que la escena transcurre en el exterior. Sebastián Salgado (autor de la obra) se caracteriza por realizar sus obras en blanco y negro, resaltando los colores oscuros. Tal como se dijo en varias entrevistas, este autor se caracteriza por hacer estética de la miseria, ya que él fotografía su mundo, el tercer mundo, más específicamente África, el cual es un lugar que el conoce a la perfección, logrando captar los sitios más recónditos del mismo. Los personajes de este escenario son personas de tez oscura caminando por una especie de campo. En esta imagen, Salgado coloca a su personaje principal ubicado en la línea de los tres tercios y a su vez muy cerca de la cámara logrando que este seas el mayor peso visual de la imagen y el punto principal. El autor se encuentra en un constante involucramiento con la comunidad, ya que él considera que nuestra historia es la historia de la comunidad, no de la individualidad. Este es el punto de vista de su fotografía y el punto de vista de todo su trabajo. Algo mágico que genera Salgado es que logra convertir ciertas cuestiones que pueden parecer un problema, en algo bello a través de su imagen.
En cuanto a lo técnico, el fondo se encuentra desenfocado pero se pueden observar figuras humanas que parecen estar recolectando. Se visualiza la mirada cómplice del niño, que parece estar observando de reojo la cámara, lo cual le otorga mayor tensión a la fotografía, en la cual las expresiones de este joven son fundamentales para el desarrollo de la obra. En su dedo parece tener una especie de bicho, lo cual denota la idea de naturaleza. Por otro lado, el joven tiene descubierto un hombro, lo cual otorga la percepción de libertad y enfoca el objetivo del autor por retratar los cuerpos y las expresiones corporales de los sujetos a fotografiar.

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Esta fotografía cuenta con un encuadre horizontal cerrado, las protagonistas se encuentran dentro de un plano medio y ubicados sobre los puntos de interés generados por la regla de los tercios, estos están enfocadas sobre el resto de la imagen. Un tronco separa al medio la fotografia y a las dos figuras en cuestión.
La luz en está imagen aparece en forma natural, de luz solar, ya que a simple vista se puede identificar que fue tomada al aire libre.
El autor busca transmitir la cultura y la forma de vida de la comunidad a la que retrata (Mursi - 2007), esto se puede ver en las prendas que visten y en los orificios faciales que poseen, mostrando una realidad distinta que es parte del mismo mundo y realzando la estética de esta. En este caso se registró a dos mujeres de tez morena pertenecientes a una tribu africana (Etiopía) con sus anillos como sinónimos de belleza.
Esta fotografía es un ejemplo de la humanidad y realidad que siempre intenta representar, y recurre a lo acromático, ambas cosas que caracterizan al autor.
Además, seguimos observando como el autor experimenta en sus retratos con los cuerpos y con las expresiones de los sujetos a fotografiar. La mujer de la derecha otorga mas tensión visual debido a que mira fijamente hacia la cámara, con total seguridad. En cambio, la mujer de la izquierda mira hacia fuera del encuadre, mismo con una postura corporal más suelta, que nos otorga la percepción de desinterés o complicidad.
Sigue claro en esta fotografía el objetivo del autor por retratar realidades diferentes, desde diversas perspectivas y posturas.
En este caso observamos que el fondo se encuentra desenfocado, mientras que el mayor peso visual se encuentra en las figuras humanas. Siempre la idea de naturaleza está presente y latente en sus fotografías.

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La imagen presenta un encuadre vertical con una simetría estática y un plano medio de un hombre que tiene pintado el rostro y parte del cuerpo, el cual está justo en el centro de la fotografía tomando la mayor parte del peso visual. Otro factor de peso visual que se encuentra en la imagen es el contraste de la pintura blanca con la piel oscura del hombre llamando la atención del espectador. Se pueden observar bien diferenciadas la figura del fondo. Se hace foco sobre el hombre y el fondo esta totalmente fuera de foco.

Se puede tomar en cuenta que la foto fue tomada con luz natural ya que están al aire libre. Además se observan ciertos sectores del cuerpo del hombre, donde la luz se encuentra saturada, lo cual nos indica la exposición ante una fuente de luz muy potente. Esto se observa mas que nada del lado derecho de la imagen, lugar de donde viene la fuente de luz principal.

La mirada fija del hombre hacia la cámara genera gran tensión, ya que se siente como si el mismo nos estuviera mirando.
Sus fotos son de un carácter humanista y documental e intenta plasmar en ellas tanto su subjetividad como su sello estético.
El hecho de que la mayor parte de las imágenes estén en blanco y negro es para atribuirle a la imagen un mayor grado de humanidad, permitiéndonos colorear la imagen a nuestra semejanza. Es importante destacar la intención estética del autor en retratar una realidad social, una cultura. Esto mismo se puede observar al visualizar atentamente las expresiones del sujeto, que denotan tristeza, frialdad y hasta quizás se puede intuir que tiene los ojos entre llantos. Las cicatrices del hombre nos otorgan una gran referencia para construir la perspectiva de la imagen.
Salgado es un fotógrafo que trabaja lento, se toma su tiempo para documentar, leer las noticias de cada lugar, hablar con la gente. En cada proyecto puede invertir varios años y visitar decenas de localizaciones. Un claro objetivo y trabajo de campo por parte del fotógrafo, quien retrata de forma minuciosa y engloba una cultura determinada, con una perspectiva bien marcada.

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Esta fotografía forma parte del film documental “La sal de la tierra” que trata sobre la vida y trayectoria profesional de Sebastião Salgado. Realizada en exterior, con luz natural. Monocromática.  Se ven dos operarios petroleros, vestidos con ropa de trabajo, uno en plano entero con un gesto de sorpresa y desazón, a sus espaldas el otro trabajador saliendo de un pozo de petróleo, con el líquido por las rodillas sujetándose de una gran máquina de trabajo introducida en la tierra. Llueve petróleo, están empapados, totalmente teñidos de negro. Al fondo se ve un campo desértico, explosiones y un cielo abierto cubierto de humo denso. Todas las imágenes de Salgado son en blanco y negro, exteriores, retratan personas en diferentes situaciones de explotación, con carga emotiva en las expresiones y miradas. Todas dejan un mensaje, son tan explicativas como reales.
La fotografia tiene un plano general con mayor peso visual sobre las figuras humanas, que hasta parecen ser estatuas, esculturas desprovistas de movimiento y emociones, que es un poco lo que busca retratar el autor. Predominan los colores oscuros en este caso, quitandole la claridad a la fotografia, salvo en algunos reflejos de luz que se pueden observar en las superficies. Decimos que parecen estatuas ya que la luz que refleja en las figuras humanas, parece tener una tonalidad y textura metálica. Nuevamente observamos que en el centro de la imagen se encuentra la maquina, que se encarga de dividir a la fotografía en dos partes, mostrando dos posturas diferentes de los cuerpos humanos y desde perspectivas distintas. Ninguna de las figuras se encuentra mirando a cámara, sino que simula mostrar un accionar laboral, una situación determinada, en la que una figura mira hacia fuera de cuadro, y la otra se encuentra concentrada en su trabajo. El vacío y la soledad que enmarca el fondo, signado por el horizonte y las explosiones, demuestran la realidad que busca desarrollar el autor en la fotografía.

El estilo de Sebastião pertenece al documentalismo fotográfico. Se considera fotografía documental, aquella que se constituye en una evidencia respecto a la realidad. Ha desarrollado un trabajo fotográfico que se ha centrado alrededor de las cuestiones como la inmigración, el trabajo, la pobreza, la guerra, la vida animal y la naturaleza. Durante mas de 40 años ha viajado por todo el mundo. Su trabajo como fotógrafo documentalista fue aclamado y recibió muchos premios, pero también duras críticas. Algunos periodistas consideraban que Salgado se aprovechaba del sufrimiento de los demás para hacer su trabajo y criticaban que quisiera “embellecer la tragedia”.

Frase de Sebastiao que me pareció interesante:

“La fotografía es una escritura de una gran fuerza, que puede leerse en todo el mundo sin necesidad de traducción… las fotografías son fracciones de segundo que relata historias completas”