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Se da en Europa desde fines del siglo XVIII y mediados del siglo XIX; en América hacia fines del siglo XIX debido al desfasaje con el cual llegaban las tendencias a nuestro continente.
La cosmovisión antropocéntrica (el hombre como medida de todas las cosas) y el eje está centrado en la razón.

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AUTOR: Scipione Tadolini
AÑO: 1862
ESTILO: Neoclasicismo
TÉCNICA: Talla
MATERIAL: Mármol blanco
UBICACIÓN: Museo Nacional del Prado

Esta figura es la representación de la belleza clásica y armónica de este movimiento en la que se contempla la inspiración en la Venus de Canova. También se aprecia una influencia, vigente en la segunda mitad del siglo XIX, donde predomina la desnudez femenina, romantizando esa belleza clasicista idealizada, recurrente en las obras de este artista.
La figura presenta un aire melancólico y pensativo, se apoya con la mano izquierda en una especie de columna tapada por una tela, una forma muy sinuosa de poder demostrar la habilidad de este autor por los detalles textiles, como se puede observar también en el turbante que le sujeta el cabello. En el suelo se encuentra una esposa abierta sujeta a una cadena que pende de la columna.

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Se da en Europa a fines del siglo XVIII y mediados del siglo XIX, llegando a nuestro continente hacia el siglo XIX desarrollándose hasta finales del mismo.
La cosmovisión es antropocéntrica, con eje en la emoción.

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AUTOR: Eugéne Delacroix
AÑO: 1830
ESTILO: Romanticismo
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
UBICACIÓN: Museo del Louvre, París

El tema alude a los sucesos acaecidos en la capital francesa durante los días finales del mes de julio de 1830. En ellos, el monarca Carlos X, perteneciente a la dinastía borbónica, restringió ostensiblemente las libertades del pueblo francés en un ejercicio pleno de autoritarismo, del que inmediatamente derivó una insurrección por parte de las diferentes clases sociales de la época.
El artista representa la lucha de las diferentes clases unidas por la libertad: en el lienzo se aprecia a un burgués vestido con su diferencial sombrero combatiendo conjuntamente con soldados o campesinos, todos de diferentes edades. Al tratarse de un movimiento puramente social, sin ningún líder destacable por encima del resto, el pintor francés ubica a una figura alegórica de la libertad como guía y estandarte del pueblo. La Libertad se levanta sobre la barricada y los cuerpos de los caídos, portando en la mano diestra la bandera tricolor francesa, como símbolo de la Revolución, y un mosquetón con bayoneta en la zurda, que la hace partícipe de la batalla.
Desde lo formal el color destaca por encima del resto de parámetros observables. Esa viveza de los colores, acompañada del efecto producido al situar dos tonos contrastados genera un brillo que aporta efectos dramáticos a determinadas partes del lienzo. Desde la concepción espacial apreciamos una composición piramidal, que favorece el triunfalismo en este caso de la figura central, la Libertad, que queda como llamativa protagonista de la obra. El resto de figuras fuera de ese triángulo y los edificios del extremo opuesto, ubicado todo en un intencionado segundo plano, sirven además para dar profundidad espacial a la escena. El foco de luz entra por la parte izquierda e ilumina a los personajes que podríamos catalogar como grandes protagonistas del lienzo. En conjunto con el color y las pinceladas, sirven para potenciar el movimiento y el dramatismo en la obra.

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Se da en Europa en la segunda parte del siglo XIX y en América, manifestándose a fines del mismo siglo .
La cosmovisión es antropocéntrica. Su esencia es la negación de lo ideal.

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AUTOR: Gustave Courbet
AÑO: 1855
ESTILO: Realismo Francés
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
UBICACIÓN: Musée d' Orsay, París, Francia

Esta obra se trata de una Alegoría de su trabajo artístico en el que el artista quiere dejar en claro su paso por el mundo del arte, alardear de sus amistades y a su vez dejar en claro su posicionamiento político.
Dentro del cuadro encontramos, de izquierda a derecha, alrededor de treinta personajes en tamaño natural. El entorno que se aprecia en la obra es la representación de un mundo real - dentro de su taller - al que pertenecen toda clase de personas, desde los más pobres hasta los más ricos y burgueses, teniendo en una consideración altísima a los intelectuales, literatos, artistas, sacerdotes y políticos.

En la parte izquierda observamos a obreros, mendigos, a una madre amamantando a su hijo, entre otras personas que son ciudadanos y ciudadanas parisinas que siete años atrás habían vivido el entusiasmo de una Revolución, lado revolucionario del que el artista claramente se siente parte ya que desde muy joven le fueron inculcadas ideas antimonárquicas y anticlericales.
En el centro de la obra vemos al protagonista principal - que es el propio arista - sentado con una de sus poses tan variadas y pintando un paisaje. Esto podría resultarnos novedoso si no tuviésemos en cuenta la intención del artista de exaltar su propia figura dentro de la pintura - y dentro de su propio taller - y de exaltar la realidad de la naturaleza a través del paisaje y del desnudo. Un desnudo que solo se enaltece por el contraste de la luz que proviene desde una ventana y que muestra a una mujer sosteniendo unas sábanas blancas - como queriendo aludir a la técnica de los paños mojados tan reutilizados en el Academicismo clásico -. Este desnudo contrasta fuertemente con el otro desnudo que se encuentra a la izquierda del artista, en donde vemos a un joven en una pose de martirio - como si se tratara de un San Sebastián asaeteado. El autor quiere terminar con esa tradición clásica dando paso a la libertad de la técnica y del manejo de las perspectivas. De ahí que la posición del desnudo de la mujer sea un guiño a la destrucción aquellos valores academicistas y estereotipados que hacían que las modelos sean retratadas desde una silla, utilizando un solo y único punto de fuga.
Courbet, quiere demostrar que la pintura debe ir más allá y que no siempre se puede dar valor a la técnica pictórica, sino también a los temas que se pueden tratar. Para él, el artista tenía que pintar temas de su tiempo y lanzar un mensaje ejemplarizante que ponga de manifiesto los problemas sociales y políticos del momento; entendía el arte como una herramienta de denuncia social.

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Se da en Europa hacia mitad del siglo XIX y en América hacia fines del siglo XX.
La cosmovisión es antropocéntrica y el eje está puesto en la razón.

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AUTOR: Pierre Auguste Renoir
AÑO: 1879
ESTILO: Impresionismo
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
UBICACIÓN: Museo Nacional de Estocolmo, Suecia

Describe un paisaje inundado por el agua, se trata de un popular balneario en las cercanías de París, que frecuentaban Claude Monet y Renoir, donde pasaban tiempo comparando sus composiciones, y practicando la representación de la luz en el agua.
Se denotan las pinceladas gestuales por las que se aparentan diferentes iluminaciones (para simular el reflejo en el agua), la pintura poco definida y abocetada, características de este estilo.

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Surge en Europa durante la segunda mitad del siglo XIX.
Si bien parten del impresionismo, buscan un camino propio que abre paso a las vanguardias del siglo XX

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Es una técnica pictórica que consiste en representar la vibración luminosa mediante la aplicación de puntos que, al ser vistos desde cierta distancia, componen figuras y paisajes bien definidos. Influyen a la vanguardia FUTURISTA.

EL RÍO SENA EN LA GRANDE-JATTE

AUTOR: Georges Seurat
AÑO: 1888
ESTILO: Puntillismo
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
UBICACIÓN: Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica

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LA NOCHE ESTRELLADA

AÑO: 1889
ESTILO: Postimpresionismo
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
UBICACIÓN: Museo de Arte Moderno de Nueva York

Dentro de la obra se destaca el tratamiento de la luz. Los focos que iluminan la escena nocturna son las estrellas, tratadas de una manera novedosa, que luego será una característica del estilo de Van Gogh; las construye a través de esferas que aparecen rodeadas por una especie de halo, compuesto por gruesas y pastosas pinceladas. El resto del cielo se muestra en forma de espirales, que contribuyen a dar un mayor aspecto alucinógeno al cuadro.

En primer plano, y como referencia vertical, Van Gogh coloca cipreses. tomados de las estampas japonesas, que también le influyen en la firmeza de las líneas de los contornos. El otro gran motor que proporciona fuerza a la obra es el color, característico de estas últimas obras del autor, y que irradia euforia y emoción a base de tonos morados y amarillos.

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MUJER CON UNA FLOR

AÑO: 1891
ESTILO: Postimpresionismo
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
UBICACIÓN: Gliptoteca Ny Carlsberg, Copenhague, Dinamarca

Fue realizado por el pintor francés en 1891 en su primer viaje a Tahití. La mujer representada es una de sus vecinas, quien en un primer momento se negaría a posar para el lienzo, accediendo más adelante.
Se muestra a la mujer con un traje colonial, con tiara de gardenias, flor nacional de Tahití. El fondo está decorado con distintas flores y hojas, que contrastan con el rojo y amarillo usados en la escena. Las tonalidades equilibran la composición, resaltando la figura y facción de la modelo.
En el retrato se reflejan las dualidades culturales del lugar. Pese a no seguir los canones de belleza europea, el autor consideraba de que la mujer retratada ofrecía armonía y singularidad semejantes a cualquier canon rafaelesco.

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Movimiento artístico y literario que surge en Francia durante la segunda mitad del siglo XIX. En primer momento surge en la literatura, pero se extiende rápidamente a otras artes como la pintura y el teatro.
En esta corriente, los artistas encuentran en el arte una forma de expresión mediante el uso sutil del lenguaje simbólico.

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AUTOR: Odilon Redon
AÑO: 1881
ESTILO: Simbolismo
TÉCNICA: Carbón
UBICACIÓN: Museo d'Orsay, París

Se trata de una araña de proporciones gigantescas que tiene dibujados unos ojos y una sonrisa maliciosa. Probablemente el artista crea este ser híbrido, humanizado, buscando no sólo asustar y desconcertar, sino también hacer pensar. También es probable que haya sido dedicada a los críticos.
La técnica del carbón fue utilizada por el artista en su etapa negra, en la que utilizó exclusivamente dicho color y sus matices, por lo que para ello el carbón era excelente.

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Surge en 1848 por un grupo de artistas ingleses que consideraban a los artistas anteriores a Rafael como sus modelos, por entender que en ellos el arte era puro, espiritual, sencillo y lleno de devoción. Reaccionan contra el arte oficial y contra la sociedad industrial.

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AUTOR: Dante Gabriel Rossetti
AÑO: 1866-68
ESTILO: Pre Rafaelismo
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
UBICACIÓN: Museo Metropolitano de Arte de Delaware

La obra muestra a Lady Lilith (que según el antiguo mito judaico es la mujer de Adán) de una forma moderna, por lo que se la muestra como una figura seductora, poderosa y malvada, así como también icónica, tipo amazona y con el pelo largo y suelto. Lilith contempla su belleza en el espejo que sostiene con su mano izquierda, constituyendo esta obra una de las «pinturas espejo» de Rossetti.  Lady Lilith está considerada como el epítome de este género de "pinturas espejo".
El simbolismo de la flor abierta así como el espacio irreal, abarrotador y sin profundidad de la pintura, ejemplificado en el bizarro espejo el cual refleja tanto las velas como el jardín exterior. Las rosas blancas indican, posiblemente, un amor sensual y frío a la vez, reflejando además la tradición de que las rosas enrojecieron o se volvieron de color rojo tras su encuentro con Eva. La amapola situada en la parte inferior derecha de la obra indica probablemente sueño u olvido a la vez que representa la lánguida naturaleza de Lilith, mientras que las dedaleras situadas cerca del espejo indican posiblemente insinceridad.
Por otro lado, su melena rubia es cúlmine de la fascinación de Rossetti por el cabello de la mujer y es usada como muestra visual e iconográfica de la letalidad de Lilith, además de un símbolo de su sensualidad, obviado por la exagerada cantidad de esta y la manera en que Lilith la sostiene, exhibiéndola ostentosamente, traduce lo orgullosa y consciente que está de su sexualidad.​

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Surge en Inglaterra en las últimas décadas del siglo XIX (desde 1850 aproximadamente) con el grupo de arquitectos y diseñadores progresistas, como respuesta contra el primer estilo industrial que se había desarrollado en la última centuria.
Esta agrupación tenía como objetivo reformar el diseño y la sociedad, usando el diseño como instrumento de cambio social; manifiestan deseos por retornar a la artesanía por ello buscan hacer bienes de consumo sin usar procedimientos industriales, empleando materiales y técnicas artesanales de calidad, retomando así el modo de la edad media, es decir, se recuperan las artes y oficios medievales.

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AUTOR: Diseñado por William Morris, británico, 1834 - 1896. Impreso por Morris and Company, Londres, 1861 - 1940
AÑO: 1882
ESTILO: Arts and crafts
TÉCNICA: Textil impreso
UBICACIÓN: Museo de Philadelphia

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Fue un movimiento artístico y decorativo internacional, desarrollado entre 1890 y 1914 aproximadamente. El ‘arte nuevo’, como su nombre en francés, se trataba de un estilo original, juvenil y moderno. Abarcó todas las artes, aunque se destacó especialmente en la arquitectura y las artes aplicadas.

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AUTOR: Paul Saintenoy
AÑO: 1899
ESTILO: Art Nouveau
TÉCNICA: Arquitectura
UBICACIÓN: Flamsk Brabant, Bélgica