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La gastronomía peruana es muy apreciada por todo el mundo. De hecho, según nuestra investigación hemos visto que la gastronomía peruana es una de las más diversificadas del mundo, como lo demuestra el hecho de que tendría el mayor número de platos del mundo. Desde hace varios años es común decir que Perú se ha convertido en el primer destino mundial en términos de gastronomía. En general, el Perú es famoso por su abundancia de alimentos, tanto de verduras como de frutas, pero también de carne y pescado.

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La gastronomía peruana es muy apreciada por todo el mundo. De hecho, según nuestra investigación hemos visto que la gastronomía peruana es una de las más diversificadas del mundo, como lo demuestra el hecho de que tendría el mayor número de platos del mundo. Desde hace varios años es común decir que Perú se ha convertido en el primer destino mundial en términos de gastronomía. En general, el Perú es famoso por su abundancia de alimentos, tanto de verduras como de frutas, pero también de carne y pescado.

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​​Presentación :

La Gastronomía de Argentina posee una mezcla de la comida criolla, la nativa, africana, española e italiana, la cultura y la gastronomía argentina poseen estas mezclas debido al ingreso de extranjeros al país, y por estos mismos motivos la gastronomía de este país es considerada una de las mejores debido a su gran combinación. Una de las mayores claves de la gastronomía argentina es que el país es uno de los mayores productores agrícolas a nivel mundial, esto ayuda mucho a la creación de dichos platos.

Si hablamos de los cinco platos típicos argentinos más famosos del mundo, tenemos : Empanada, es un pequeño hojaldre, a veces masa de pan, relleno de carne, pescado, huevo, patata u otros ingredientes... Chimichurri, este delicioso aderezo argentino se usa para acompañar carnes asadas, aliñar ensaladas, o para marinar pescados y aves... Asado Argentino el asado argentino consiste en carne de ternera y embutidos asados sobre las brasas de la barbacoa... Choripan, es un tipo de bocadillo preparado con un jugoso chorizo dentro de pan f

rancés… Mate, es la infusión típica argentina

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Cada grupo elegirá un tema de los propuestos a continuación. El grupo deberá poner toda la información posible sobre el tema en forma de texto, videos o fotos. LA ORIGINALIDAD Y CREATIVIDAD CONTARÁN. Elementos que deberán estar presente:

- Datos importantes
- Orígenes / historia
- ¿Qué países abarca?
- Importancia social en dichos países

IMPORTANTE:
- Como título del primer comentario deberán poner los nombres y apellidos de los participantes del grupo
-Como tarea deberán hacer un comentario en grupo sobre cada tema donde den su opinión, comenten el contenido y/o añadan información.

- LA IDEA ES QUE PUEDA COMPROBAR QUE HABÉIS LEÍDO Y ENTENDIDO LAS PUBLICACIONES DE CADA TEMA.

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NUEVO MUNDO, Pintura Callejera en América Latina - Trailer

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NUEVO MUNDO is a documentary series that explores mural painting and urban art as imaginaries that struggle in the current construction of the identity of 8 Latin American countries. We will discover the influences, codes and themes that this form of expression presents in the relationship between the city and its inhabitants. Through diverse landscapes and cultures, leading exponents and theorists, the series portrays the current conflicts of these communities based on what their walls tell us.

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En el país del resurgimiento del poder indígena, el arte callejero se encarga de promover la descolonización cultural, enfrentándose al patriarcado, rescatando la memoria del muralismo social, siguiendo la tradición de enunciar en los muros el descontento de quienes se sienten desplazados.

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¿Cómo se espresan las mujeres del video y qué sienten la necesidad de expresarse ?

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¿Qué opina de esta forma de exorcizar?

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¿Estas mujeres son escuchadas por el gobierno ?
¿ Puede este movimiento feminista marcar la diferencia ? ¿Y tú, qué opinas de la legalización del aborto ?

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1.     ¿Para qué sirven las pinturas callejeras, es solamente estético? ¿Qué tipo de pinturas podemos ver en el video?

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Y vosotros, ¿creéis que se puede hacer lo mismo en Francia ?

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Según el video, las mujeres no son escuchadas por el gobierno. En efecto la persona que está hablando en el video dice que el gobierno decidió no legalizar el aborto. Entonces estas mujeres utilizan el arte y mas específicamente los grafitis para expresar sus desacuerdos sobre la visión de la mujer en Argentina. Yo pienso que solo los grafitis no son suficientes para luchar contra la legalización del aborto y deben que organizar mas acciones para luchar y expresarse. Para mi la legalización del aborto debería ser un derecho para todas las mujeres de todos los países del mundo. No es normal que las mujeres deberían luchar para tener la posibilidad de abortar.

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Las mujeres del video se espresan escribiendo en las paredes de la ciudad, la noche que va a tomar, riesgos para ser libre. Detrás de cada frase que las mujeres escriben, hay un pensamiento, un movimiento, una reunión de las mujeres que están juntas contra el gobierno.

Creo que es una buena forma de exorcizar porque cuando no nos escuchan tenemos que dejarnos ver. Per mi, el arte (aquí los grafitis) es un buen instrumento per expensa sin violencia. Las medias hablan de ello, la gente lee sus pensamientos a través del paisaje, e podemos ver que la situación e grave.

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Vemos en el video que estas mujeres no son escuchadas por el gobierno y es por eso que quieren ser escuchadas con otro manera. Los grafitis de las mujeres son una forma de contra poder, ellos reclaman sus derechos, como la legalización del aborto, o denuncian sus papeles en la sociedad, como denuncian los feminicidios. Estos movimientos permitieron de legalizar el aborto in Argentina, que es una prueba que estos movimientos son eficiente y permitir a la sociedad de hacer progreso. Claro que legalizar el aborto es un buen progreso para Argentina, es un derecho que todas las mujeres deberían tener.

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Charles MILLET:

Las mujeres de este video exprésense con arte. Les parecen importante que diciendo en grafitis estas frases con precisión gracias a los grafitis, hay una reacción, un movimiento de las mujeres para sus derechos. Estas mujeres piensan en la creatividad que es un instrumente de lucha, forma de manifestación politiquea que las permite de ser oído contra este gobierno opresivo contra la palabra de las mujeres, que le crean corrupto. Para mi, Los grafitis en Bolivia son desiguales, pero grafiti siempre acido un elemento de denuncia, pero de provocación, de ironía y el arte permite de luchar, denunciar de maniera pacifica.

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Elodie ERIKSEN: En mi opinión en Francia el movimiento también se está desarrollando, pero de otra manera, es decir, menos agresivamente. En el sentido de que hay desigualdades entre hombres y mujeres en Francia pero ciertamente son menos duras que en Chile, y esto se debe a la cultura del país, en Francia la palabra está liberada y por lo tanto las personas tienen otras formas de expresarse que a través del grafiti.  En Francia, el grafiti con intenciones políticas estará más presente en los círculos populares, mientras que en los centros de las ciudades el grafiti será ciertamente más artístico, incluso si también evocan el movimiento. 

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Elodie ERIKSEN: En mi opinión en Francia el movimiento también se está desarrollando, pero de otra manera, es decir, menos agresivamente. En el sentido de que hay desigualdades entre hombres y mujeres en Francia pero ciertamente son menos duras que en Chile, y esto se debe a la cultura del país, en Francia la palabra está liberada y por lo tanto las personas tienen otras formas de expresarse que a través del grafiti.  En Francia, el grafiti con intenciones políticas estará más presente en los círculos populares, mientras que en los centros de las ciudades el grafiti será ciertamente más artístico, incluso si también evocan el movimiento. 

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Vemos a mujeres que pintan las parades de Bolivia. Estos no son dibujos, sino phrases y una cierta firma que dice “Mujeres Creando”. Entendemos de inmediato que detrás cada de esas phrases, hay un real pensiamiento y un movimiento.

Los grafitis son su medio de expresión, porque no tienen la palabra sobre el gobierno y el patriarca de los hombres. En effecto, los grafitis son un instrumento de denucia y de provocacion contra el gobierno. Las mujeres reclaman su libertad con consignas muy fuertes como “Ni la tierra, ni las mujeres sommos territorios de conquista”. Recuerda que el objetivo es: “Mujer, ni sumisa, ni devata, libre, linda y loca”.

Usan la creatividad como instrumento de lucha, es una nuevas forma de manifestacion politica para su libertad.

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Cuando se rodó el video, podemos decir que las mujeres no fueron escuchadas por el gobierno, de hecho estas mujeres llevan años luchando por el derecho al aborto.

Entre muchas manifestaciones y grafitos en toda la ciudad luchan por su derecho.

Pintar en las paredes de la ciudad es para ella una verdadera forma de expresarse.

El color verde representa su lucha, y las pinturas de este color invade la ciudad, se apodera de un movimiento muy estético.

La magnitud del movimiento en este momento puede marcar la diferencia porque es el tema del que todos hablan en Argentina.

De hecho, es un país muy católico donde el aborto es un tema delicado desde el punto de vista religioso. Sin embargo, las pinturas ocupan cada vez mas espacio y el gobierno solo puede escuchar a sus mujeres que luchan tanto.

Estos no son solo grafitos sino también cuadros hermosos y grandes, se toman su tiempo para pintar sus ideas en las murallas de la ciudad.

Escriben oraciones fuertes, para hacer que el gobierno gobierne como "mujer no significa madre".

Hoy sabemos que desde diciembre de 2020 se legalizo, el aborto en Argentina, el gobierno ha escuchado a estas mujeres.

En mi opinion, creo que el derecho al aborto es algo bueno, de hecho las mujeres tienen el control de su cuerpo y su deseo.

Para mi, cada mujer deberia ser quien tome las decisiones sobre lo que quiere.

Creo que es mas justo abortar mientras sea un feto que no poder responsabilizarse y criar a un hijo o abandonarlo.

Evidentemente el aborto es un caso de recurso en caso de extrema urgencia y segun la menor no debe tomarse como método anticonceptivo.

También entiendo que en algunas religiones como la catolica es dificil imaginarse quitarse la vida.

Al autorizar el derecho al aborto, dejamos a las mujeres en libertad de elegir si desean o no abortar segun sus propias convicciones.

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En Argentina las mujeres luchan desde hace varios años. Una lucha que ha puesto a las mujeres en el centro de las campañas presidenciales y legislativas. Hay que saber que las mujeres en Argentina protestan por la causa del aborto, pero también porque el gobierno argentino redujo en 2019 el presupuesto destinado a la prevención de la violencia contra las mujeres. Entonces las mujeres se movilizaron y entre las manifestaciones, las pintadas, las pinturas en los muros de las ciudades argentinas esperaban que el gobierno reaccionara. Una movilización que se calificó de "verde" porque los graffiti y la pintura durante las manifestaciones eran principalmente verdes y así es como la población reconocía el movimiento. Las mujeres han sabido mostrarse y persistir en su lucha. Por último, después de varios fracasos, la Argentina ha legalizado el aborto en diciembre de 2020, por lo que muestra que después de todos estos esfuerzos, todos estos fracasos y el hecho de haber persistido. Este movimiento feminista ha marcado la diferencia. Las mujeres que lucharon durante tanto tiempo y año finalmente ganaron su lucha por la que habían luchado durante 15 años. El derecho al aborto por fin libre y gratuito.

Para mí, la lucha victoriosa de las mujeres en Argentina es muy buena porque va a ayudar a las mujeres de otros países o el aborto está prohibido, en efecto, les da esperanzas porque han persistido hasta el final hasta conseguir este derecho. Así que he visto en las búsquedas en Internet que desde el éxito del movimiento de mujeres en Argentina, las luchas de las mujeres en otros países están progresando. El aborto es una elección propia de la mujer. No del gobierno. Todavía hoy 26 países no permiten el aborto, espero sinceramente que las mujeres continúen persistiendo y creyendo en sus derechos.

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Philippine DESSE - Franck CAUBET - Charles MILLET 

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Descubra el mariachi, una de las tradiciones musicales más famosas de México y uno de los géneros musicales más populares del país.

Los mariachis son considerados un elemento del patrimonio cultural inmaterial por la UNESCO

Se distinguen dos tipos de mariachi:
- el tradicional que es un orquestas compuestas principalmente o únicamente de instrumentos de cuerda
- y el moderno con la introducción de las trompetas a partir de los años 1930

Los primeros trabajos escritos de esta palabra se remontan a 1832 (Existe desde hace mucho tiempo y sigue vigente!!)

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Por música cubana se entiende aquella música desarrollada en la isla de Cuba cuyo origen proviene de la música española (en 1492 Cristóbal Colón descubre la isla de Cuba en su primer viaje) y de los ritmos y cantos africanos traídos por los esclavos desde el siglo XVI. También puede señalarse cierta influencia asiática por el uso de la corneta china en la conga de los carnavales, un hecho que comenzó con la llegada de los primeros inmigrantes chinos a la isla. A partir de 1848 llegaron numerosos chinos a Cuba y para 1874, año en que concluyó la contratación de trabajadores agrícolas de China, había en Cuba 132, 435 culíes.​

Cualquier clasificación que se pretenda hacer de la música cubana dependerá más bien del grado de mezcla entre las influencias españolas y africanas que se descubran en ella, pues en realidad esta es el rico y complejo resultado creativo de estas dos fuentes, al que se ha adicionado históricamente la influencia de las más diversas culturas y tendencias musicales.

Cuba desarrolló una amplia gama de estilos musicales acriollados, basada en sus orígenes culturales españoles y africanos. Desde el siglo XIX, la música cubana ha gozado de enorme popularidad e influencia, constituyéndose como una de las formas más populares de música en el mundo.

Grandes cantidades de esclavos africanos y de inmigrantes europeos (principalmente españoles) vinieron a Cuba y trajeron sus propias formas de música a la isla. Esas danzas y músicas populares europeas incluían formas españolas como el zapateo, el fandango, el pasodoble y el retambico. Más tarde, otras formas de Europa como la gavota, el minué, la contradanza, el vals y la mazurca aparecieron entre los blancos urbanos. También hubo una importante inmigración de obreros chinos en el siglo XIX.

Fernando Ortiz, el primer gran folklorista cubano, describe las innovaciones musicales de Cuba como derivadas de la interacción (transculturación) entre los esclavos africanos que se asentaron en las grandes plantaciones de azúcar y españoles, como los habitantes de las Islas Canarias (y otras regiones de España) que cultivaron el tabaco en pequeñas fincas. Los esclavos africanos y sus descendientes crearon variados instrumentos de percusión y conservaron los ritmos que habían conocido en su patria.​ Los instrumentos más importantes fueron los tambores, de los cuales hubo originalmente unos cincuenta tipos diferentes; En la actualidad solo el bongó, las congas (o tumbadoras) y los tambores "batá" son vistos con regularidad (los timbales cubanos son descendientes de los timbales [kettledrums] de las bandas militares españolas). También son importantes las claves (dos trozos cilíndricos cortos de madera) y el cajón (una caja de madera hecha originalmente de tablas. Las claves todavía se utilizan a menudo, y los cajones se utilizaron ampliamente durante los períodos cuando fue prohibido el tambor. Además, existen otros instrumentos de percusión en uso para ceremonias religiosas de origen africano. Los inmigrantes chinos contribuyeron con la corneta china (o Suona), un instrumento chino de lengüeta de caña, todavía utilizado en las comparsas (grupos del Carnaval) de Santiago de Cuba.

La gran aportación instrumental de los españoles fue la guitarra, pero más importantes aún fue la tradición de notación musical desarrollada en el continente europeo y las técnicas de composición musical. Los Archivos de Hernando de la Parra proporcionan alguna de la primera información disponible sobre la música cubana. Él informó sobre instrumentos como el clarinete, el violín y la vihuela. Hubo pocos músicos profesionales en aquellos momentos, y muy pocas de sus canciones sobreviven. Una de las primeras melodías es el Son de la Ma Teodora documentada por el músico y escritor Laureano Fuentes Matons en su libro Las artes en Santiago de Cuba publicado en 1893, supuestamente compuesta por Teodora Ginés hacia 1562, una esclava libre de Santiago de Cuba, que aparentemente adquirió fama por sus composiciones. Se dice que esta pieza es similar a las canciones españolas del siglo XVI.​

La música cubana tiene sus raíces principales en España y África occidental, pero con el tiempo ha sido influida por diversos géneros de diferentes países. Entre estos se destacan Francia y sus colonias en Latinoamérica y los Estados Unidos.

La música cubana también ha influido considerablemente en otros países. Ha contribuido no solo al desarrollo del jazz y la salsa, sino también al desarrollo del tango argentino, el high-life ghanés, el afrobeat de África occidental, los géneros dominicanos de la bachata y el merengue, la cumbia colombiana y el flamenco español.

Entre los compositores de fama mundial del género académico puede ser contado el compositor barroco Esteban Salas y Castro (1725-1803), quien pasó la mayor parte de su vida enseñando y componiendo música para la iglesia.​ Él fue sustituido en la Catedral de Santiago de Cuba por el sacerdote Juan París (1759-1845). París era un hombre excepcionalmente laborioso, y un compositor importante. Él se dedicó a estimular la realización de diversos y continuos eventos musicales.​ Pág. 181.

Aparte de la música rural y la música folklórica afrocubana, el género más popular de la música de baile criolla urbana en el S. XIX fue el de la contradanza, que comenzó como una forma local de la danza regional inglesa country dance y de su derivado, la contredanse francesa, así como de la contradanza española. Mientras muchas contradanzas fueron escritas para el baile, desde mediados de siglo varias fueron compuestas como piezas de salón ligeras para el piano. El primer compositor distinguido en ese estilo fue Manuel Saumell (1818-1870), quien es consecuentemente aclamado en ocasiones como el padre del desarrollo musical criollo cubano. En las manos de su sucesor, Ignacio Cervantes (1847-1905), la danza (como era más típicamente llamada hacia finales del S. XIX), consiguió aún mayor sofisticación en su lenguaje pianístico.

"Después de la labor visionaria de Saumell, todo lo que quedaba por hacer era desarrollar sus innovaciones, las cuales influyeron profundamente en la historia de los movimientos nacionalistas musicales cubanos".​ Cervantes fue denominado por Aaron Copland como un Chopin cubano, a causa de sus composiciones para piano de estilo Chopinesco. La reputación de Cervantes descansa hoy casi únicamente en sus famosas cuarenta y una Danzas cubanas, de las cuales Carpentier dijo que, "ocupan el lugar que las Danzas noruegas de [Edvard] Grieg o las Danzas eslavas de Dvórak ocupan en las tradiciones musicales de sus respectivos países. La ópera inconclusa de Cervantes, Maledetto, ha sido largamente olvidada.​

Laureano Fuentes (1825-1898) provenía de una familia de músicos y escribió la primera ópera compuesta en la isla, La hija de Jefté. Esta más tarde fue alargada y organizada bajo el título de Seila. Sus numerosas obras abarcaron todos los géneros. Gaspar Villate (1851-1891) produce una abundante y amplia obra, toda centrada en la ópera.​ pág. 239 José White (1836-1918), un mulato de padre francés y madre Afro-cubana, fue un compositor y violinista de mérito internacional. Aprendió a tocar dieciséis instrumentos y vivió alternadamente entre Cuba, Hispanoamérica y Francia. Su obra más famosa es La bella cubana, una habanera.

Durante los años intermedios del siglo XIX, un joven músico estadounidense llegó a la Habana: Louis Moreau Gottschalk (1829-1869). Su padre era un empresario judío de Londres y su madre una criolla blanca de origen católico francés.​ Gottschalk fue criado por su abuela negra y su nodriza Sally, ambas de Saint Domingue. Fue un prodigio del piano que había escuchado y presenciado la música y el baile en Congo Square, Nueva Orleans desde su infancia. Su estancia en Cuba duró desde 1853 hasta 1862, incluyendo algunas cortas visitas a Puerto Rico y Martinica. Gottschalk compuso muchas piezas de estilo criollo, como la habanera Bamboula, Op. 2 Danse de negres) (1845), cuyo título se refiere a un tambor Afro-Caribeño; El cocoye (1853), basado en un tema popular cubano; la contradanza Ojos criollos ( Danse cubaine, 1859) y una versión de María la O, que se refiere a un cantante mulato cubano. En estos números hizo frecuente uso de los típicos patrones rítmicos cubanos. En uno de sus conciertos de despedida él interpretó su Adiós a Cuba, causando una gran ovación y gritos de ¡bravo! Lamentablemente, la partitura de esta obra no ha sobrevivido.​

En febrero de 1860, Gottschalk produjo una gran obra en La Habana, llamada La nuit des tropiques. En la ejecución de esa pieza él utilizó unos 250 músicos y un coro de 200 cantantes, además de un grupo del cabildo de negros de Santiago de Cuba que trajeron sus tambores para la representación. El presentó otro gran concierto al año siguiente, con nuevo material. Estos espectáculos empequeñecieron todo la anteriormente visto en la isla, y fueron sin duda inolvidables para los asistentes.​

Música clásica en el siglo XX

Entre finales del Siglo XIX y comienzos del XX se destacan una serie de compositores que cultivaron tanto la música popular como la culta; en géneros que abarcan la canción popular y el lied de concierto, la música bailable, la zarzuela y el teatro vernáculo; así como la música sinfónica. Entre otros, debemos mencionar a Hubert de Blanck ((1856-1932); José Mauri (1856-1937); Manuel Mauri (1857-1939); José Marín Varona (1859-1912); Eduardo Sánchez de Fuentes (1874-1944); Jorge Anckermann (1877-1941); Luis Casas Romero (1882-1950) y Mario Valdés Costa (1898-1930).​

La obra de José Marín Varona enlaza la actividad musical de finales del siglo XIX en Cuba, con la de comienzos del siglo XX. En 1896, el compositor incluyó en su zarzuela "El Brujo" la primera Guajira (música) cubana sobre la cual existe documentación.​​ De esa obra dijo el compositor Eduardo Sánchez de Fuentes: "La sana crítica de un día acaso no muy lejano otorgrá al autor de la inmortal guajira de El brujo el lauro a que su talento indiscutible lo ha hecho merecedor en todos los tiempos"​

Gonzalo Roig (1890-1970), se convirtió en una fuerza creativa importante en la primera mitad del siglo XX. Compositor y director orquestal, también se encontraba muy calificado en piano, violín y teoría de la composición. En 1922 fue uno de los fundadores de la Orquesta Sinfónica Nacional, la cual dirigió. En 1927 fue nombrado Director de la Escuela de Música de la Habana. Como compositor se especializó en la zarzuela, una forma de teatro musical muy popular hasta la Segunda Guerra Mundial. En 1931 fundó una empresa de teatro en el Teatro Martí de la Habana. Fue el compositor de la zarzuela cubana más conocida, Cecilia Valdés, basada en la famosa novela homónima del siglo XIX sobre una mulata cubana, la cual fue estrenada en 1932. El fundó varias organizaciones y escribió con frecuencia sobre temas musicales.​

Uno de los más grandes pianistas-compositores cubanos del siglo XX fue Ernesto Lecuona (1895-1963). Lecuona compuso más de 600 piezas, principalmente en el estilo cubano y fue un pianista de excepcional calidad. Él fue un prolífico compositor de canciones y música para cine y teatro. Su obra consistió principalmente en numerosas zarzuelas basadas en ritmos afrocubanos y cubanos, varias Suites y múltiples canciones que se convirtieron en estándares de la música latina. Estas incluyen Siboney, y . En 1942, su gran hit Siempre en mi corazón fue nominado para el Óscar a la mejor canción y perdió la competencia por la canción White Christmas. La Orquesta Sinfónica de Ernesto Lecuona realizó el estreno de Rapsodia Negra de Lecuona en el Concierto del Día de Liberación Cubana en el Carnegie Hall, New York, el 10 de octubre de 1943.​

Aunque actualmente su música es raramente ejecutada en conciertos, Amadeo Roldán (1900-1939) y Alejandro García Caturla (1906-1940) revolucionaron la música sinfónica de Cuba durante la primera mitad del siglo XX.​ p354 Ellos representaron un importante papel en el Afrocubanismo, movimiento de la cultura cubana concentrado en los temas afro-cubanos, el cual se originó en los años 1920, y fue ampliamente analizado por Fernando Ortiz Fernández.

Amadeo Roldán, nacido en París de una mulata cubana y un padre español, regresó a Cuba en 1919, y se convirtió en primer violín de la recién fundada Orquesta Sinfónica de La Habana en 1922. Allí conoció a Caturla, quien era segundo violín de la orquesta a los dieciséis años. Las composiciones de Roldán incluyen la Obertura sobre temas cubanos (1925), y dos ballets: La Rebambaramba (1928) y El milagro de Anaquillé (1929). A estas le siguieron una serie de Rítmicas, Poema negro (1930) y Tres toques (marcha, ritos, danza) (1931). En Motivos de son (1934) él escribió ocho piezas para voz e instrumentos basados en los poemas de Nicolás Guillén con el mismo título. Sus últimas composiciones fueron Dos Piezas infantiles para piano (1937). Roldán murió joven, a los 31 años, de un cáncer facial desfigurante (él había sido un fumador empedernido).

Después de sus días de estudiante, Alejandro García Caturla vivió toda su vida en la pequeña ciudad central de Remedios, donde se convirtió en abogado para apoyar a su creciente familia. Él tuvo relaciones con varias mujeres negras con las que tuvo once hijos, a los cuales él reconoció y apoyó. Su obra Tres danzas cubanas para Orquesta Sinfónica fue estrenada en España en 1929. Bembé fue estrenada en La Habana el mismo año. Su Obertura cubana ganó el primer premio en un concurso nacional en 1938. Él fue un hombre de gran nobleza y un ejemplo de músico universal, el cual combinó temas de la música clásica y folclórica con ideas musicales modernas. Caturla fue asesinado en 1934 por un joven tahur que debía ser condenado solo horas más tarde.​

El Grupo de Renovación Musical que fue fundado en 1942 bajo la dirección de José Ardévol, compositor catalán establecido en Cuba desde 1930, sirvió como plataforma a un grupo de jóvenes compositores para desarrollar un movimiento proactivo con el fin de mejorar y renovar literalmente la calidad del entorno musical cubano. Durante su existencia, desde 1942 a 1948, el grupo organizó numerosos conciertos en el Lyceum de la Habana con el objetivo de presentar sus composiciones de vanguardia al público en general y fomentar entre sus miembros el desarrollo de muchos futuros directores, críticos de arte, artistas y profesores. También comenzaron un proceso de investigación y revaluación de la música cubana en general, dando a conocer el trabajo sobresaliente de Carlo Borbolla​ y promoviendo las composiciones de Saumell, Cervantes, Caturla y Roldán. El Grupo de Renovación Musical incluyó a los siguientes compositores: Hilario González, Harold Gramatges, Julián Orbón, Juan Antonio Cámara, Serafín Pro, Virginia Fleites, Gisela Hernández, Enrique Aparicio Bellver, Argeliers León, Dolores Torres y Edgardo Martín.​

Otros compositores cubanos contemporáneos que tuvieron poca o ninguna relación con el Grupo de Renovación Musical fueron: Aurelio de la Vega, Joaquín Nin-Culmell, Alfredo Diez Nieto ​ y Natalio Galán.​

Otros importantes compositores de los primeros años del período pos-revolucionario que comenzó en el año 1959 fueron: Carlos Fariñas y Juan Blanco (Compositor cubano), un pionero de la música concreta y la música electroacústica en Cuba.​

Siguiendo de cerca a la primera generación pos-revolucionaria, un grupo de compositores jóvenes comenzaron a atraer la atención del público que asistía a los conciertos de música clásica. La mayoría de ellos se habían graduado en prestigiosas escuelas fuera del país, gracias a las becas otorgadas por el gobierno, como Sergio Fernández Barroso (también conocido como Sergio Barroso), que recibió un diploma de pos-grado en la Academia Superior de Música de Praga,​ y Roberto Valera, que estudió con Witold Rudzinski y Andrzej Dobrowolski en Polonia.​ Debemos mencionar también a otros tres compositores que pertenecen a este grupo: Calixto Alvarez,​ Carlos Malcolm (Cuba)​ y Héctor Angulo.​

Durante principios de los setenta, un grupo de músicos y compositores, la mayoría de ellos graduados de la Escuela Nacional de Artes y el Conservatorio Municipal de la Habana, se reunieron alrededor de una organización creada recientemente por el Gobierno como la sección juvenil de la UNEAC (Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba), la Brigada Hermanos Saíz.​​ Algunos de sus miembros fueron los compositores Juan Piñera (sobrino del reconocido escritor cubano Virgilio Piñera),​ Flores Chaviano, Armando Rodríguez Ruidíaz, Danilo Avilés,​ Magaly Ruiz, Efraín Amador Piñero y José Loyola. Otros compositores contemporáneos menos relacionados con la mencionada organización fueron: José María Vitier, Julio Roloff ​ y Jorge López Marín.​

Después de la revolución cubana (1959), muchos futuros compositores cubanos emigraron a una temprana edad y desarrollaron la mayor parte de sus carreras fuera del país. Dentro de este grupo cabe mencionar a los siguientes compositores: Tania León, Orlando Jacinto García, Armando Tranquilino,​ Odaline de la Martínez, José Raúl Bernardo,​ Jorge Martín (Compositor) y Raúl Murciano.​

Música clásica en el siglo XXI

Durante las últimas décadas del siglo XX y el comienzo del siglo XXI, una nueva generación de compositores surgió en el panorama de la música clásica cubana. La mayoría de ellos recibió una sólida educación musical proporcionada por el sistema de escuelas de arte oficiales, creadas por el gobierno cubano, y fueron graduados del Instituto Superior de Arte (ISA). Algunos de esos compositores son: Louis Franz Aguirre​ Ileana Pérez Velázquez, Keila María Orozco,​ Viviana Ruiz, Fernando Archi Rodríguez Alpízar,​ Yalil Guerra, Eduardo Morales Caso,​ Ailem Carvajal Gómez.​, Irina Escalante Chernova.​ y Evelin Ramón. Todos ellos han emigrado y actualmente viven en otros países.

Juan Blanco fue el primer compositor cubano que creó una pieza electroacústica en 1961.​ Esta primera composición Música para danza, fue producida con un oscilador y tres grabadoras comunes. Como resultado de la escasez de recursos provocada por condiciones generadas a raíz del advenimiento de la Revolución Cubana, el acceso a la tecnología necesaria para producir música electroacústica fue siempre muy limitado para cualquiera que estuviera interesado en su utilización. Por ese motivo, no fue sino hasta 1969 que otro compositor cubano, Sergio Barroso, se dedicó a la creación de composiciones musicales electroacústicas.

Después de algunos meses, y sin solicitar aprobación, Juan Blanco abrió el estudio a la utilización de todos los compositores que estuvieran interesados en trabajar con la tecnología electroacústica, creando de esta forma el Taller de Música Electroacústica del ICAP (TIME), donde él mismo proporcionó el entrenamiento necesario a los participantes. En 1990, el Taller cambió su nombre al de Laboratorio Nacional de Música Electroacústica (LNME), y su principal objetivo fue el de apoyar y promover la obra de los compositores cubanos de música electroacústica.

Después de 1970, algunos compositores cubanos como Leo Brouwer, Jesús Ortega, Carlos Fariñas y Sergio Vitier, comenzaron a crear obras electroacústicas, y en la década de los años 80, un grupo de compositores que incluía a: Edesio Alejandro, Fernando (Archi) Rodríguez Alpízar,​ Marietta Véulens, Mirtha de la Torre, Miguel Bonachea y Julio Roloff, comenzó a recibir instrucción y a trabajar en el estudio del ICAP. Una lista parcial de compositores cubanos que han utilizado la tecnología electroacústica incluye a: Argeliers León, Juan Piñera, Roberto Valera, José Loyola, Ileana Pérez Velázquez y José Ángel Pérez Puentes.​

Desde la década de los años 1960, varias generaciones de intérpretes, profesores y compositores se han formado dentro de la Escuela Cubana de Guitarra en instituciones educacionales como la Escuela Nacional de Artes, y el Instituto Superior de Arte. Isaac Nicola dejó un legado fundamental como pedagogo formando a grandes guitarristas como Elías Barreiro, compositores como Leo Brouwer y pedagogos de la talla de Antonio "Biki" Rodríguez Delgado, quien a su vez ha formado a guitarristas de la talla de Ernesto y Marco Tamayo, Joaquín Clerch y Alí Arango. Otros guitarristas como Manuel Barrueco, un concertista de fama internacional, desarrollaron sus carreras fuera del país. Entre muchos artistas relacionados con la Escuela Cubana de Guitarra podemos mencionar a: Carlos Molina, Sergio Vitier, Efraín Amador Piñero y Flores Chaviano, así como también a: Armando Rodríguez Ruidíaz, Martín Pedreira, Lester Carrodeguas, Mario Daly, José Ángel Pérez Puentes y Teresa Madiedo. Un grupo más joven pudiera incluir a: Rey Guerra, Aldo Rodríguez Delgado, Pedro Cañas, Leyda Lombard, Ernesto Tamayo, Miguel Bonachea,​ Joaquín Clerch.​​​ y Yalil Guerra.

Después de su llegada a la isla de Cuba al final del siglo XVIII, el pianoforte (llamado comúnmente piano) se convirtió rápidamente en uno de los instrumentos favoritos de la población. Junto con la humilde guitarra, el piano acompañó a las populares guarachas y contradanzas cubanas (derivadas de las Country Dances europeas) en los salones de fiesta y baile en La Habana, así como en todo el país.​ Tan pronto como en 1804, el programa de un concierto en La Habana anunciaba un concierto de canto "acompañado al fortepiano por un distinguido visitante recién llegado"...​ y en 1832, Juan Federico Edelmann (1795-1848), reconocido pianista, hijo de un famoso compositor y pianista alsaciano, arribó a La Habana y ofreció un concierto muy exitoso en el Teatro Principal. Animado por la calurosa acogida, Edelmann decidió permanecer en La Habana y pronto fue nombrado a una importante posición en la Sociedad Filarmónica Santa Secilia. En 1836 él fundó una casa de música y compañía de ediciones musicales.​

En el universo del violín clásico cubano del siglo XIX se destacan dos Maestros que pueden ser considerados entre los más grandes virtuosos cubanos de todos los tiempos, estos son José White Lafitte y Claudio José Brindis de Salas.

José White estudió composición musical en el Conservatorio de París entre los años 1855 y 1871. A solo diez meses de su llegada obtuvo el primer premio en la categoría de violín del conservatorio, y fue muy elogiado por Gioachino Rossini. Más tarde, él fue profesor de los renombrados violinistas George Enescu y Jacques Thibaud.

Entre los años 1877 a 1889, White fungió como director del Conservatorio Imperial en Río de Janeiro, Brasil, donde también sitvió como músico en la corte del emperador Pedro II.​ Más tarde regresó a París, donde residió hasta su muerte. El famoso violín "Canto del cisne", la última creación de Stradivari, fue su instrumento preferido. Su más famosa composición es La Bella Cubana, una habanera. White también compuso muchas otras piezas, entre las cuales se destaca un concierto para violín y orquesta.​

Claudio José Domingo Brindis de Salas y Garrido (1852-1911) fue un renombrado violinista cubano, hijo del también violinistra, contrabajista y director Claudio Brindis de Salas (1800-1972), el cual dirigió una de las orquestas populares más importantes de La Habana durante la primera mitad del siglo XIX, llamada La Concha de Oro. Claudio José superó la fama y la maestría de su padre y llegó a ser un concertista de renombre internacional.​​​

Claudio José Brindis de Salas comenzó sus estudios musicales con su padre, y continuó más tarde con los maestros José Redondo y con el violinista belga José Vandergutch. El ofreció su primer concierto en La Habana en 1863 con Vandergutch como acompañante. El pianista y compositor Ignacio Cervantes también participó en ese concierto.

Una lista de violinistas cubanos que se destacaron entre la segunda mitad del siglo XIX y la primera del siglo XX incluye a: Manuel Muñoz Cedeño (1813-), José Domingo Bousquet (1823-), Carlos Anckermann (1829-), Antonio Figueroa(1852-), Ramón Figueroa(1862-), Juan Torroella (1874-), Casimiro Zertucha (1880-), Joaquín Molina (1884-), Marta de La Torre (1888-), Catalino Arjona (1895-) y Diego Bonilla (1898-).​

Durante la primera mitad del siglo XX, se destaca la figura de Amadeo Roldán (1900-1939), el cual además de violinista, profesor y director de orquesta, es uno de los más importantes compositores cubanos de todos los tiempos.

Después de su graduación en el Conservatorio de París en 1935 con sólo 16 años, el destacado violinista cubano Ángel Reyes (1919-1988) desarrolló una exitosa carrera como solista y también acompañado por las más prestigiosas orquestas de numerosos países. El estableció su residencia en los Estados Unidos desde muy joven, obtuvo un premio del Concurso Ysaÿe en Bruselas y fue profesor de las Universidades de Míchigan y Northwestern hasta su retiro en 1985.

Evelio Tieles Ferrer (1941) comenzó a estudiar música con su padre, Evelio Tieles Soler, a la edad de siete años,​ y continuó posteriormente con el profesor Joaquín Molina​ Entre 1952 y 1954, Tieles cursó estudios de violín en París, Francia, con Jacques Thibaud y René Benedetti. En 1955 regresó a París e ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de esa ciudad, y en 1958 pasó a estudiar en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, donde fue discípulo de David Oistraj e Igor Oistraj. Tieles se graduó en 1963 y por recomendación del Conservatorio pasó a estudiar la Maestría, de 1963 a 1966, con los citados profesores.​ El también recibió orientación profesional de los prestigiosos violinistas Henryk Szeryng y Eduardo Hernández Asiaín.​

Además de su destacada labor como concertista y profesor, durante la etapa Pos-Revolucionaria, Tieles promovió y organizó en Cuba la enseñanza de los instrumentos de cuerda frotada, y fundamentalmente del violín.

Ya a comienzos del siglo XXI debemos mencionar a los violinistas Ilmar López-Gavilán, Mirelys Morgan Verdecia, Ivonne Rubio Padrón, Patricia Quintero y Rafael Machado.

El primer evento documentado de una representación lírica en Cuba se llevó a cabo en la ciudad de La Habana, en 1776. Esa presentación fue mencionada en un anuncio colocado en el diario habanero Diario de La Habana el 19 de diciembre de 1815: "...Hoy miércoles 19 del corriente, si el tiempo lo permite, se ejecutará a beneficio de la Sra. Mariana Galino, la nueva ópera trágica del primer mérito en tres actos, que contiene 17 piezas de música titulada Dido abandonada [...] Es uno de los primeros dramas del teatro francés. En el italiano mereció singular aplauso el que compuso el célebre Metastasio, y se cantó en esta ciudad el 12 de octubre de 1776."​

Cristóbal Martínez Corrés fue el primer compositor cubano de óperas, pero sus obras, El diablo contrabandista y Don papanero, nunca llegaron a ser estrenadas y no se han conservado hasta el momento presente. Nacido en La Habana en 1822, el compositor y pianista Martínez se radicó en Francia con su familia a los nueve años de edad y posteriormente se trasladó a Italia. Debido a su muerte temprana, una tercera ópera llamada Safo, nunca pasó más allá de una etapa creativa incipiente. Martínez Corrés falleció en Génova, en 1842.​

Gaspar Villate y Montes nació en La Habana en 1951 y desde muy temprana edad dio muestras de poseer gran talento musical. Comenzó de niño a estudiar piano con Nicolás Ruiz Espadero, y ya en 1867, con sólo 16 años de edad compuso su primera ópera sobre un drama de Victor Hugo, titulada Angelo, tirano de Padua. Un año más tarde, al comenzar la guerra en 1868, viajó a los Estados Unidos con su familia y al regresar a La Habana en 1871 compuso otra opera llamada Las primeras armas de Richelieu.

Villate viajó a Francia con el propósito de continuar sus estudios de música en el conservatorio de París, donde recibió clases de Francois Bazin, Victorien de Joncieres y Adolphe Danhauser. El compuso numerosas piezas instrumentales como contradanzas, habaneras, romanzas y valses, y en 1877 estrenó con éxito su ópera Zilia en París, la cual fue más tarde presentada en La Habana, en 1881. Desde entonces Villate concentró sus esfuerzos principalmente en la ópera y compuso obras como La Zarina y Baltazar, estrenadas en LaHaya y el Teatro Real de Madrid respectivamente. Se conoce que trabajó en una ópera con tema cubano llamada Cristóbal Colón, cuyo manuscrito se ha perdido.

Villate murió en París, en 1891. Poco antes había comenzado a componer un drama lírico llamado Lucifer, del cual se conservan algunos fragmentos.​

Eduardo Sánchez de Fuentes nació en La Habana, en 1874, dentro de una familia de artistas; ya que su padre era escritor, y su madre pianista y cantante. Comenzó sus estudios musicales en el conservatorio Hubert de Blanck y más tarde recibió clases de Ignacio Cervantes y Carlos Anckermann. También obtuvo un título de licenciado en Leyes en 1894.​ Cuando contaba solo con 18 años de edad, compuso la famosa habanera "Tú", que alcanzó extraordinario reconocimiento internacional, y de la cual ha dicho Alejo Carpentier que es "la más famosa de todas las habaneras".​

El 26 de octubre de 1898, Sánchez de Fuentes estrenó en el teatro habanero Albisu su primera ópera, llamada Yumurí, basada en el tema de la colonización de la Isla. En esta, una princesa aborigen se enamora de un apuesto conquistador español, el cual la rapta en el momento de su casamiento con otro personaje indígena, y ambos mueren trágicamente al final de la representación durante un fuerte temblor de tierra.​ Posteriormente, Sánchez de Fuentes compuso otras cinco óperas: El Náufrago (1901), Dolorosa (1910), Doreya (1918), El Caminante (1921) y Kabelia (1942).​

Uno de los compositores más activos y destacados de su época, Sergio Fernández Barroso (también conocido como Sergio Barroso) (1946), es autor de una ópera llamada La forma del camino", la cual posee el título complementario de s-XIV-69 (que significa Siglo XIV - 1969). De una duración aproximada de 60 minutos, esta obra utiliza como argumento una historia extraída del Popol Vuh (el libro sagrado de la cultura Maya) sobre los hermanos míticos Hunahpu e Ixbalanqué. La partitura incluye solistas y coro de nueve voces mixtas, acompañadas por un grupo instrumental y un sistema electro-acústico cuadrafónico. La escenografía exige un estrado elevado sobre la posición espacial del coro, cuyos miembros están vestidos de frac, en contraposición al vestuario más casual de los solistas. Todos los cantantes llevan máscaras indias.​

Más recientemente se destaca la obra lírica de dos compositores cubanos, Jorge Martín y Louis Franz Aguirre.

Jorge Martín (Compositor) (1959) nació en Santiago de Cuba, estableció su residencia en los Estados Unidos a temprana edad, y estudió composición musical en las Universidades de Yale y Columbia. El ha compuesto tres obras líricas: Beast and Superbeast, una serie de cuatro óperas de un acto cada una, basada en cuentos cortos de Saki; Tobermory, ópera en un acto que obtuvo primer premio en el Concurso de Música de Cámara de la Quinta Bienal de la Asociación Nacional de Opera (USA), y que ha sido presentada en varias ciudades de los Estados Unidos, y Before night falls (Antes que anochezca), una ópera basada en la famosa autobiografía homónima del novelista, dramaturgo, y poeta cubano Reinaldo Arenas, reconocido opositor al gobierno de Fidel Castro.​

Louis Franz Aguirre (1968) es actualmente uno de los compositores cubanos más prolíferos y reconocidos a nivel internacional. Su catálogo incluye cuatro obras operísticas: Ebbó (1998), estrenada el 17 de enero de 1999 en el Brotfabrik Theater de Bonn, Alemania; Ogguanilebbe (Liturgia de la Palabra Divina) (2005); estrenada en la Sala del Parlamente de Castello de Udine, Italia; Yo el Supremo (2014) (Sainete Concertante con Dictador en un Acto), primera representación: 27 de octubre de 2015 en el Teatro Galileo de Madrid, España y The way the dead love (Theogony: an operatic manifest) [ Como aman los muertos (Teogonía: Un manifiesto operático)]. Obra comisionada por el Lydenskab Ensemble y financiada por KODA, Dinamarca. Primera representación: 24 de febrero de 2017 en Godsbanen, Aarhus, Dinamarca, como parte del Århus European Capital of Culture 2017.

Una segunda generación de musicólogos después de la Revolución Cubana en 1959 incluye a: Zoila Gómez, Victoria Elí, Alberto Alén Pérez, Rolando Antonio Pérez Fernández y Leonardo Acosta.

Más recientemente, un grupo de jóvenes musicólogos cubanos se ha ganado una merecida reputación por su sólido trabajo en los medios académicos internacionales. Algunos de los miembros más destacados de este grupo son: Miriam Escudero Suástegui,​ Liliana González Moreno,​ Iván César Morales Flores​ y Pablo Alejandro Suárez Marrero.​

Es obvio que la primera música popular interpretada en Cuba después de la conquista fue traída por los mismos conquistadores españoles, y lo más probable es que fuera tomada de la música popular española en boga durante el siglo XVI. Desde el siglo XVI hasta el siglo XVIII algunas canciones bailables que surgieron en España fueron asociadas a la América Hispana, o fueron consideradas como originarias de la América Hispana. Algunas de estas canciones con pintorescos nombres como Sarabanda, Chacona, Zambapalo, Retambico y Gurrumbé, entre otros, compartían un rasgo común, su ritmo característico llamado Hemiola o Sesquiáltera (en España).​

La Hemiola o Sesquiáltera es también un ritmo típico de las tradiciones musicales africanas, tanto del norte como del sur del continente,​ por lo que es muy probable que las canciones bailables originales que trajeron los españoles a Cuba ya incluyeran elementos de la cultura africana, con los cuales los esclavos que llegaron posteriormente a la isla ya se encontraban familiarizados, y fueron utilizados por estos para crear nuevos géneros criollos.​

Parece ser que el punto y el zapateo fueron los primeros géneros musicales autóctonos de la nación cubana. A pesar de que la primera partitura de un zapateo criollo no se publicó sino hasta 1855, en el "Álbum Regio de Vicente Díaz de Comas",​ es posible encontrar referencias acerca de la existencia de estos desde mucho antes.​ Sus características estructurales han sobrevivido casi inalteradas durante un período de más de doscientos años, y son usualmente considerados los géneros más típicamente hispanos de la música popular cubana.

El punto es ejecutado por un grupo que incluye varios instrumentos de cuerda punteada, tales como el tiple (una guitarra de afinación aguda ahora en desuso), la guitarra española, el tres cubano, y el laúd. La palabra punto se refiere al uso de técnicas de "punteado", en contraposición al "rasgueado". También se utilizan algunos instrumentos de percusión como la clave, el güiro y el guayo (una raspadera metálica). Los cantores se separan en grupos contendientes e improvisan sus textos y melodías.

La guajira es un género de canción cubana similar al punto cubano y la criolla.​ Las Guajiras contienen textos bucólicos y referencias al campo de Cuba similares a los de la décima. El metro es una combinación de 6/8 y 3/4 (Hemiola). Según Eduardo Sánchez de Fuentes, su primera sección está usualmente en tono menor y la segunda en tono mayor.​

El término guajira se utiliza ahora principalmente para describir a una canción lenta en 4/4, que consiste en una fusión de elementos del Son y la antigua guajira. Guillermo Portabales fue el más importante representante (cantante-guitarrista) de este género.

La criolla es un género de la música cubana que está estrechamente relacionado con la música de los Coros de Clave y el género de la música popular cubana llamado clave.

El género llamado clave, el cual llegó a ser muy popular en el Teatro Vernáculo, fue creado a partir del estilo musical de los Coros de Clave por el compositor Jorge Anckermann, y este, a su vez sirvió como punto de partida para la de un nuevo género: la criolla.​ Según el musicólogo Helio Orovio, "Carmela", la primera criolla fue compuesta por Luis Casas Romero en 1909, quien también compuso otra de las más famosas Criollas de todos los tiempos, "EL Mambí".​

Las raíces de la mayoría de las formas musicales afro-cubanas se encuentran en los Cabildos, los cuales fueron asociaciones auto-organizadas por los esclavos africanos, donde se separaron en grupos de acuerdo a su cultura original. Esto se organizaron principalmente en cuatro grupos: los Yoruba (Lucumí en Cuba); los Congos, los Dahomeyanos (Fon o Arará) y los Carabalíes de Calabar.

Todas las culturas africanas poseían sus tradiciones musicales individuales, las que han sobrevivido de forma errática hasta el momento presente, no siempre en detalle, pero en un estilo general. Las mejores preservadas son las de las religiones politeístas, cuyos cantos, danzas y otras manifestaciones se han conservado bastante bien, al menos en Cuba. Los antiguos lenguajes originales africanos se han preservado, como en la religión Lucumí, mientras que en África las lenguas han continuado evolucionando. Lo que verdaderamente unifica a todas las formas genuinas de música africana es la polirritmia en la percusión, el estilo de solista y coro en el canto y las formas típicas de danza, así como la ausencia de instrumentos árabes o europeos.

El patrón rítmico de la "Clave" es utilizado como guía para la organización temporal en géneros de la música afro-cubana, tales como la Rumba, la Conga, el Son, el Mambo, la Salsa, el Jazz Latino, el Songo y la Timba. Este patrón de cinco tiempos (distribuido en grupos de 3 + 2 o 2 + 3 pulsaciones) constituye la estructura esencial de muchos ritmos afro-cubanos.​ Así como una piedra angular sostiene la estructura de un arco, el patrón de la Clave mantiene la cohesión rítmica en la música afro-cubana.​ El patrón de la Clave se origina en las tradiciones de la música sub-sahariana. El patrón se encuentra también en las músicas de la diáspora africana, en la percusión del Vodú haitiano, y la música afro-brasileña. El patrón de la Clave es también utilizado en la música norteamericana como motivo rítmico u ostinato, o simplemente como ornamentación.

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Los inmigrantes franco-haitianos que escaparon de la revolución durante finales del siglo XVIII se asentaron en la provincia de Oriente y establecieron su propio estilo de música afro-haitiana conocida como Tumba Francesa, en la cual utilizan sus propios tipos de tambor, así como sus cantos y danzas. Este género representa el más antiguo y tangible enlace a la herencia afro-haitiana en la provincia de Oriente en Cuba, el cual se desarrolló a partir de una fusión de la música tradicional francesa y la de Dahomey en el Oeste de África. Este género fósil ha sobrevivido hasta nuestros tiempos en Santiago de Cuba y Haití, ejecutado por grupos folclóricos especializados.

La Contradanza cubana es una importante precursora de otras diversas danzas populares. Esta llegó a Cuba durante el siglo XVIII desde Europa, donde había surgido primeramente como la "country dance" inglesa, y después como la "contredance" francesa. El origen del nombre es una variante del término en inglés. Según el Oxford English Dictionary: "La teoría de Littré de que ya existía una contradanza francesa en el siglo XVII, con la cual el término en inglés se confundía y se utilizaba paralelamente no es sostenible; no se ha encontrado ninguna traza de este nombre en Francia antes de su aparición como una adaptación del inglés. Pero nuevas danzas de este tipo fueron creadas en Francia e introducidas después en Inglaterra con el nombre afrancesado."​ Manuel Saumell compuso más de cincuenta contradanzas cubanas (en 2/4 y en 6/8), en las cuales demostró una sorprendente inventiva tanto rítmica como melódica.

La Contradanza es una danza de grupo, cuyas figuras se ajsutan a un patrón predeterminado. La selección de las figuras para una danza en particular era determinada por un Maestro de Ceremonias o Guía de la danza. Su forma estaba compuesta por dos partes de 16 compases cada una, que eran baliadas en forma de hileras dobles o grupos. El tempo y el estilo de la música era bastante rápido y alegre.

Artículo principal: Habanera

La Habanera se desarrolla a partir de la contradanza durante el siglo XIX. Su principal novedad fue que esta era cantada, así como tocada y bailada. Escrita en compás de 2/4 se caracteriza por su expresivo y lánguido desenvolvimiento melódico, así como por su ritmo típico, llamado "ritmo de Habanera".

El género de la Habanera han aparecido en la música de Ravel, Bizet, Saint-Saëns, Debussy, Fauré y Albeniz. Su ritmo es similar al del Tango, y por consiguiente, algunos piensan que la Habanera es el más directo ancestro del Tango.​

La influencia europea en la música cubana más reciente está representada por el Danzón, una elegante forma musical que una vez fue más popular que el Son en Cuba. Este es un descendiente de la criolla Contradanza cubana. El Danzón marca el cambio de la danza de grupos de finales del siglo XVIII a la moderna danza de parejas. El estímulo para este cambio fue el éxito del, una vez considerado escandaloso, Vals, donde las parejas danzaban una frente a la otra, independiente de las demás parejas y sin formar parte de una estructura predeterminada. El Danzón fue la primera danza cubana en adoptar esos métodos, aunque existe una diferencia entre estas dos danzas. El Vals es una danza de salón donde las parejas se mueven en círculos en dirección contraria a las manecillas del reloj, mientras que el Danzón es un baile de "pañuelo de bolsillo", en la cual las parejas se mantienen dentro de una reducida área del salón.​

El Danzón fue desarrollado por Miguel Faílde en Matanzas, y su fecha oficial de origen es el año de 1879.​ La orquesta de Failde era un formato instrumental que se conoce como Orquesta típica, el cual se derivaba de las bandas militares e incluía varios instrumentos de viento metal, violines y un timbal cóncavo. El desarrollo posterior del formato de "charanga francesa" era más apropiado para la danza de salón y todavía es popular en Cuba y otros países. La charanga utiliza una flauta, varios violines, violonchelo y contrabajo, así como un piano, timbal cubano (paila) y güiro.

El 20 de enero de 1801, Buenaventura Pascual Ferrer publica un comentario en el periódico "El Regañón de La Habana", en el cual se refiere a ciertos cantos que "corren por ahí en boca del vulgo". Entre estos menciona una guaracha llamada "La Guabina", de la cual dice: "en la boca de los que cantan sabe a cuantas cosas puercas, indecentes y majaderas se pueda pensar..." Más tarde, en fecha indeterminada, aparece publicada "La Guabina" entre las partituras impresas en La Habana durante el Siglo XIX .

La guaracha es un género de tempo rápido y letras cómicas o picarescas.​ Este fue originado a fines del siglo XVIII, y durante principios del siglo XX era frecuentemente ejecutado en burdeles y otros lugares de La Habana.​​ Sus textos estaban llenos de frases populares y se referían frecuentemente a sucesos que aparecían en los periódicos de la época. Rítmicamente la guaracha exhibe una serie de combinaciones rítmicas, tales como 6/8 con 2/4.​

Muchos de los trovadores, como Manuel Corona (quien trabajó en un área de burdeles en La Habana), compusieron y cantaron guarachas como balance de los más lentos boleros y Canciones. El contenido satírico de sus textos también concordaba con los del Son, y muchas agrupaciones tocaban ambos géneros. A mediados del siglo XX este estilo fue adoptado por los "conjuntos" y grandes bandas. Hoy día, parece haber desaparecido como un género musical y ha sido asimilado por el vasto concepto de la música "salsa". Los músicos que dominan la guaracha e improvisan son llamados "guaracheros" o "guaracheras".

Desde al menos el siglo XVIII hasta nuestra época, los formatos del teatro musical han utilizado y dado origen a diversas formas de música y danza. Muchos compositores y músicos famosos se dieron a conocer a través de este medio teatral, y muchas piezas importantes fueron estrenadas en los escenarios. Además de montar algunas óperas y operetas europeas, los músicos cubanos desarrollaon gradualmente ideas originales que pudieran complacer a su audiencia. Las grabaciones fueron un medio mediante el cual la música cubana llegó a alcanzar una difusión internacional. El artista cubano más grabado hasta el año 1925 fue un cantante del Teatro Alhambra llamado Adolfo Colombo. Los récords muestran que él grabó cerca de 350 números entre 1906 y 1917.​ Las últimas dos grabaciones de Colombo fueron realizadas en 1929.​

El primer teatro de la Habana fue inaugurado en 1776, y la primera ópera cubana fue compuesta en 1807. El Teatro Musical adquirió una gran importancia durante el siglo XIX y la primera mitad del siglo XX; su significación solo comenzó a decaer con el cambio del clima político y social en la segunda mitad del siglo XX. El radio, que comenzó en Cuba en 1922, contribuyó al desarrollo de la música popular debido que sirvió como medio de promoción y fuente de ingresos para los artistas.

Sin duda la más destacada diva del teatro lírico cubano fue Maruja González, la cual nació de padres españoles en Mérida, Yucatán, en 1904, y falleció en Miami, Florida, en 1999. Maruja González Linares viajó de Cuba a Estados Unidos a una temprana edad. Ella estudió técnicas vocales en Cuba y debutó en 1929 como cantante lírica con la Compañía de Ernesto Lecuona. González actuó en varios teatros de La Habana antes de viajar en una gira a través de los Estados Unidos, y a su regreso a La Habana interpretó en esa ciudad La Bayadere y La Viuda Alegre. A comienzos de los años treinta ella firmó varios contratos para cantar en América Latina y España. Maruja González contrajo matrimonio con Paco Suárez. Desde el comienzo de la Revolución Cubana estableció su residencia en el extranjero y nunca regresó a su país de origen.

El Teatro Bufo cubano es una forma de comedia, directa y satírica, con personajes populares que pueden ser encontrados frecuentemente entre la población. El Bufo tiene su origen entre 1899 y 1815 y parte de la Tonadilla Escénica española, que desde aquel momento comenzó a desaparecer de La Habana. Francisco Covarrubias, llamado "el caricato" (1775-1850) ha sido reconocido como su iniciador.

El argot de los negros y los barrios bajos fue utilizado en muchas guarachas de la época, tal como en el siguiente ejemplo:

¡Una mulata me ha muerto!

¿Y no prenden a esa mulata?

Como ha de quedar hombre vivo

si no prenden a quien mata.

La mulata es como el pan;

se debe comer caliente,

que en dejándola enfriar

¡ni el diablo le mete el diente!

El teatro vernáculo cubano incluyó también otros géneros. Formatos como el del Music Hall Británico o el Vaudeville Norteamericano, donde se ofrecía a la audiencia un potpurrí de cantantes, comediantes, bandas, sketches teatrales y actos especiales, fueron utilizados. Incluso en los cines, durante la presentación de películas silentes aparecían en los intermedios cantantes e instrumentistas, y un pianista tocaba durante las presentaciones de las películas. Bola de Nieve y María Teresa Vera tocaron en los cines en sus comienzos. También el Burlesque fue común en la Habana antes de 1960.

El curro se dedicaba a la vida fácil, el robo y el proxenetismo, mientras que su compañera la "curra", llamada también "mulata de rumbo", ejercía la prostitución. Según Carlos Noreña, esta se distinguía por el uso de "mantas de burato de prolija labor y de trenzados caireles, por las cuales pagaban nueve y diez onzas oro", así como por su "chancleteo sui generis".​ Pero los Curros también proveían entretenimiento, incluyendo canciones y danzas, a los miles de españoles que llegaban a la Isla cada año en los galeones que seguían la llamada "Carrera de Indias", una ruta establecida por la Corona Española para la navegación de sus flotas con el propósito de evitar los ataques de piratas y corsarios, y que permanecían en La Habana durante varios meses antes de partir de nuevo hacia Sevilla. Habiendo estado sujetos a la influencia cultura tanto de España como de África desde su nacimiento, se supone que ellos hayan jugado un importante papel en el proceso de criollización del prototipo original de copla-estribillo que dio origen a la guaracha cubana. EL Negro Curro y su compañera, la Mulata de Rumbo (Negra Curra) desparecieron desde mediados del siglo XIX integrándose a la población general de La Habana, pero sus pintorescas imágenes sobrevivieron en prototipos sociales que se manifestaron en los personajes del Teatro Bufo.​

Quizás el más antiguo y general de sus significados es el de "fiesta" u "holgorio". Ya durante la segunda mitad del siglo XIX podemos encontrar esta palabra utilizada varias veces con el propósito de representar una fiesta en un cuento corto llamado "La mulata de rumbo", del folklorista cubano Francisco de Paula Gelabert: "...más gozo yo y me divierto en una rumbita con las de mi color y de mi clase...", o "Leocadia iba a acostarse, como había dicho, nada menos que a las doce del día, cuando llegó a la casa uno de sus amigos de rumbas, acompañado de otro joven que iba a presentarle...".​ Según Alejo Carpentier "...es significativo el hecho de que la palabra rumba haya pasado al lenguaje del cubano como sinónimo de holgorio, baile licencioso, juerga con mujeres del rumbo."​

Como ejemplo pudiéramos mencionar las fiestas de Yuka y Makuta, y los changüises en Cuba, así como la milonga y el tango en Argentina, donde la palabra rumba fue originalmente utilizada para denominar una reunión festiva; y con el trascurso del tiempo se usó para nombrar los géneros de música y danza correspondientes a estas festividades.

De los múltiples estilos que comenzaron a aparecer a fines del siglo XIX, llamados del "Tiempo'España", tales como la tahona, la jiribilla, el palatino, y la resedá, solo tres formas de Rumba han sobrevivido: la columbia, el guaguancó, y el yambú. La columbia, ejecutada en 6/8, es comúnmente una danza interpretada por un solista masculino. Esta es rápida y ágil, e incluye movimientos agresivos y acrobáticos. El guagancó es bailado por un hombre y una mujer, y simula la persecución sexual del macho a la hembra. El yambú, que es acutualmente una reliquia, representa la burlesca imitación de un par de ancianos que danzan lentamente. Todas las formas de Rumba son acompañadas por cantos apoyados por el conjunto de percusión.​​

Los Coros de Clave fueron agrupaciones corales populares que surgieron a fines del siglo XIX en La Habana y otras ciudades de Cuba.

En los locales de los Cabildos de algunos barrios de La Habana, Matanzas, Sancti Spiritus y Trinidad, se organizaron durante el siglo XIX unas agrupaciones corales que realizaban actividades competitivas, y que en ocasiones eran visitadas por las autoridades locales y vecinos, los cuales les brindaban propinas y otros regalos El nombre Coros de Clave proviene muy probablemente del principal instrumento con que se acompañaban esas actividades corales, las Claves cubanas, que ejecutaba el ritmo principal de sus cantos.​

De manera similar a como las primeras canciones-danzas españolas pasaron de las ciudades al campo, también las características de la Guaracha Cubana, que disfrutaba de gran popularidad en La Habana, comenzaron a penetrar las áreas rurales en una época indeterminada durante el siglo XIX. Este proceso no es difícil de imaginar si consideramos cuan cercanas se encontraban las áreas rurales de las urbanas en Cuba, en aquella época.

El Nengón es considerado un Proto-Son precursor del Changüí e incluso del Son oriental. SU principal característica es la alternancia de versos improvisados entre el soista y el coro. El Nengón es interpretado con el Tres, la guitarra, el güiro y el tingotalango o tumbandera.​

El Changüí es todavía cultivado por algunos pequeños grupos, principalmente radicados en Cuantánamo.​ La instrumentación es similar a la de los antiguos grupos de Son que surgieron en La Habana de los años veinte. Aquellos grupos como el Sexteto Boloña y el Sexteto Habanero, usaban marímbulas o botijas para interpretar la parte del bajo, antes de que cambiaran al más moderno contrabajo, que poseía una mayor flexibilidad instrumental. Es todavía cuestinable si el Changüí es un genuino género musical o simplemente una forma arcaica del Son, artificialmente preservada con el apoyo estatal. Algunas orquestas modernas, como la Orquesta Revé reclamaron al Changüí como su principal influencia, pero no se ha aclarado si esta aseveración es cierta o no.

También podemos encontrar en Isla de Pinos (actualmente Isla de la Juventud), en el extremo occidental de la Isla, un Proto-Son llamado Sucu-sucu, que muestra una estructura similar a la de los Proto-Sones orientales. Según María Teresa Linares, en el Sucu-sucu la música es similar al Son Montuno en su estructura formal, melódica, instrumental y armónica. Un solista alterna con el coro e improvisa una cuarteta o décima. El grupo instrumental inicia una introducción a la cual los instrumentos se incorporan gradualmente, comenzando con el Tres (o el laúd). La introducción de ocho compases es seguida por un estribillo interpretado por el coro, que alterna con el solista varias veces.​

Durante el siglo XIX se desarrolló en Santiago de Cuba un movimiento de músicos itinerantes, llamados "trovadores", los cuales se desplazaban usualmente de un sitio a otro con el propósito de ganarse la vida cantando y acompañándose con la guitarra.​ Ellos adquirieron gran relevancia como compositores e intérpretes, y sus canciones han sido adaptadas a muchos otros géneros de la música cubana.​

José Sánchez, más conocido como Pepe Sánchez (1856-1918), ha sido reconocido como el padre de la "Trova" y el creador del bolero cubano.​ El no poseía un entrenamiento formal en teoría musical, pero basado en su notable talento natural, compuso numerosas canciones, muchas de las cuales nunca fueron transcritas y se perdieron para siempre. Otras sobrevivieron gracias a que amigos y discípulos lograron transcribirlas. Su primer bolero llamado "Tristezas", es todavía recordado y apreciado. Sánchez también creó música para anuncios comerciales que se difundieron antes del nacimiento de la radio.​ Él fue maestro y modelo a imitar de muchos trovadores que le precedieron.​

El primero y uno de los más longevos fue Sindo Garay (1867-1968). Él fue un destacado compositor que contribuyó con numerosas canciones al repertorio de la trova, y la mayor parte de ellas han sido cantadas y grabadas en numerosas ocasiones. Garay nunca recibió instrucción musical y sólo aprendió el alfabeto de manera autodidacta a los 16 años, pero afortunadamente se conservan muchas de sus grabaciones personales. Garay estableció su residencia en La Habana en 1906, y en 1926 se unió a Rita Montaner y otros con el propósito de viajar a París, donde permanecieron durante tres meses. Su música fue difundida frecuentemente por medio de la radio, y él solía decir: "!No existen muchas personas que hayan estrechado la mano a José Martí y a Fidel Castro!".​ p298 ​

El bolero es una canción-danza que nada tiene que ver con el género homónimo español. Su origen data del último cuarto del siglo XIX, y es atribuido a Pepe Sánchez, el fundador de la Trova tradicional. El compuso el primer bolero, titulado "Tristezas", que todavía es una pieza popular. El bolero siempre fue un género significativo dentro del repertorio de la Trova.

Originalmente la forma del bolero consistía en dos secciones de 16 compases cada una, en 2/4, separadas por una sección instrumental ejecutada por la guitarra, llamada "pasacalle". El bolero ha probado ser extraordinariamente adaptable y ha dado lugar a numerosas variantes genéricas. Es típica la introducción del ritmo sincopado que ha dado lugar al bolero-moruno, el bolero-beguine, el bolero-mambo y el bolero-cha. El bolero-son fue durante décadas el más popular ritmo bailable en Cuba, y fue el ritmo que la comunidad internacional acogió bajo el nombre de "rumba".

El bolero cubano ha sido exportado a todo el mundo, y es todavía muy popular. Algunos importantes compositores de bolero han sido: Sindo Garay, Rosendo Ruiz, Carlos Puebla y Agustín Lara (México).​​​​​

La Canción es un popular género de la música latinoamericana y particularmente de la cubana, donde se han originado muchos de sus más importantes exponentes. Sus raíces se originan en las formas de las canciones populares españolas, francesas e italianas. Altamente estilizadas en sus comienzos, con "intrincadas melodías y oscuras, enigmáticas y elaboradas letras",​ la canción fue democratizada por el movimiento de la Trova a finales del siglo XIX, cuando se convirtió en vehículo de las aspiraciones y sentimientos de la población. La canción se fusionó más tarde con otros géneros de la música cubana, como el bolero.​

La moda del Vals arribó a Cuba a comienzos del siglo XIX. Esta era la primera danza en que las parejas no seguían los pasos predeterminados de un rígido patrón coreográfico. Era, y es todavía, una danza en compás de ¾, acentuado en el primer tiempo. Fue originalmente considerada como escandalosa, ya que las parejas danzaban enlazadas frente a frente, y literalmente olvidaban todo lo que las rodeaba. El Vals penetró todas las naciones americanas y su relativa popularidad en la Cuba decimonónica es difícil de calcular.

Según Cristóbal Díaz Ayala, el Son es el género más importante de la música cubana, así como el menos estudiado.​ Es posible afirmar que el Son es para Cuba lo que el Tango es para Argentina o la Samba para Brasil. En adición, el Son cubano es quizás la forma más flexible de música lartinoamericana. Su mayor fuerza estriba en la fusión de tradiciones musicales europeas y africanas. Sus instrumentos más característicos son el cordófono cubano conocido como Tres, y el conocido instrumento bimembranófono llamado Bongó, los cuales han estado presentes en el género desde una etapa muy temprana hasta el presente. También son típicas de este estilo musical las claves, la guitarra española, el contrabajo (que reemplazó a la botija o a la marímbula), así como la trompeta y el piano.

A pesar de una tendencia tradicional de atribuir el origen del Son cubano a las regiones orientales de Cuba, más recientemente algunos musicólogos han mostrado una postura más amplia e inclusiva. Aunque Alejo Carpentier, Emilio Grenet y Cristóbal Díaz Ayala apoyan la teoría del "origen oriental", Argeliers León no menciona nada acerca de esta en su importante obra "Del Canto y del Tiempo", así como tampoco María Teresa Linares en su libro "La música entre Cuba y España".​ Radamés Giro expresa en referencia a este tema: "Si el Son es un fenómeno artístico que se estaba desarrollando desde la segunda mitad del siglo XIX - y no sólo en la antigua provincia de Oriente - , es lógico suponer, pero no afirmar, que mucho antes de 1909 ya se escuchaba en la capital ( Habana) debido a las razones mencionadas anteriormente,,,"​

Fue en La Habana donde se llevó a cabo el encuentro de la Rumba Rural y la Rumba urbana, que habían evolucionado separadamente durante la segunda mitad del siglo XIX. Los guaracheros y los rumberos que se acompañaban con el tiple y el güiro se encontraron finalmente con los rumberos que cantaban y bailaban al son de los cajones y la clave cubana, y el resultado fue la fusión de ambos estilos en un nuevo género llamado Son.​ Alrededor de 1910, el Son adoptó probablemente el ritmo de clave de la "rumba de solar o de cajón" habanera, que se había desarrollado desde finales del siglo XIX en ciertas áreas urbanas de La Habana y Matanzas.​

La historia del Jazz en Cuba permaneció en la oscuridad durante muchos años, pero más recientemente ha quedado aclarado que su historia en Cuba es tan antigua como su historia en los Estado Unidos.​​​​​​

Ahora poseemos mucha más información sobre las primeras bandas de Jazz cubanas, aunque una investigación más profunda está limitada por la falta de grabaciones musicales. Las migraciones y visitas desde y hacia los Estados Unidos, así como el mutuo intercambio de grabaciones y partituras mantuvieron en comunicación a los músicos de ambos países. A comienzos del siglo XX, hubo estrechas relaciones entre músicos cubanos y de Nueva Orleans. El director de la famosa orquesta del Club Tropicana, Armando Romeu Jr., fue una figura determinante en el desarrollo del Jazz cubano después de la Segunda Guerra Mundial. El fenómeno del Cubop y las "jam sessions" en La Habana y New York organizadas por Cachao originaron verdaderas fusiones que influyeron en los músicos de nuevas generaciones. Leonardo Acosta es un importante estudioso de la etapa inicial del Jazz cubano.​​ Otros autores han explorado la historia del Jazz y del Jazz Latino desde una perspectiva más norteamericana.​​​​

En 1924 Moisés Simons (pianista) fundó un grupo que tocó en la terraza del Hotel Plaza en La Habana, y consistía en un piano, violín, dos saxofones, banjo, contrabajo, batería y timbales. Algunos de sus miembros fueron Virgilio Diago (violín); Alberto Soccarás (saxofón alto y flatua); José Ramón Betancourt (saxofón tenor) y Pablo O'Farrill (contrabajo). En 1928, todavía presentándose en el mismo sitio, Simons contrató a Julio Cueva, un famoso trompetista, y a Enrique Santiesteban, una futura estrella, como vocalista y baterista. Estos eran reconocidos instrumentistas atraídos por el magnífico salario de ocho pesos al día.​ p28

El Jazz Afrocubano es la forma más Antigua de Jazz latino y mezcla ritmos de clave afrocubanos con armonías de Jazz y técnicas de improvisación. El Jazz afrocubano emergió al comienzo de los años cuarenta, con los músicos Mario Bauzá y Frank Grillo "Machito", en la banda "Machito and his Afro-Cubans, basada en la ciudad de Nueva York. En 1947, la colaboración entre el innovador del bebop Dizzy Gillespie con el percusionista cubano Chano Pozo llevó los instrumentos y ritmos afrocubanos, principalmente la tumbadora y el bongó, a la escena del Jazz en la Costa Este de los Estados Unidos.

En los años treinta Don Azpiazu​ alcanzó el récord de un millón de discos de música cubana vendidos, con El Manisero, que tuvo como vocalista a Antonio Machín.​ Este número había sido orquestado e incluido en el scenario de New York por el propio Don Azpiazu antes de la grabación, lo que sin lugar a dudas influyó en su promoción.

Los Lecuona Cuban Boys​ se convirtieron en el más famoso grupo musical Cubano itinerante. Ellos fueron los primeros en incluir la Conga (instrumento musical) en su conjunto, y popularon la Conga (baile) como un estilo danzario. Xavier Cugat fue muy influyente con sus actuaciones en el Waldorf Astoria ​

En 1941, Desi Arnaz popularizó el tambor de comparsa, similar a la Conga (instrumento musical) (tumbadora) en los Estados Unidos, con sus presentaciones de la canción Babalú, y en aquellos momentos se desató un verdadero furor por la rumba cubana.​ Más Adelante, Mario Bauzá, Machito y Miguelito Valdés se radicaron en Nueva York.

En los años cuarenta, Chano Pozo​ formó parte de la revolución del bebop en el Jazz, tocando las Congas con Dizzy Gillespie y Machito en Nueva York. El Jazz Cubano había comenzado mucho antes en La Habana, durante el principio del siglo XX.

La era de las Grandes Bandas ( Big Bands) arribó a Cuba en los años cuarenta, y estas se convirtieron en un formato instrumental dominante que ha perdurado hasta nuestros días. Debemos mencionar a dos grandes arreglistas-directores de bandas: Armando Romeu Jr. y Dámaso Pérez Prado.

Armando Romeu Jr. dirigió la orquesta del Cabaret Tropicana durante veinticinco años, comenzando en 1941. Él ya tenía experiencia tocando con grupo de jazz norteamericanos que visitaban la Isla, y también poseía una completa maestría de los géneros de la música cubana. En sus manos, la orquesta del Cabaret Tropicana presentó no solo música afrocubana y otras formas de la música popular, sino también jazz cubano y composiciones norteamericanas para "big bands". Más tarde, Armando fue director de la "Orquesta Cubana de Música Moderna".​​​

Dámaso Pérez Prado produjo una gran cantidad de canciones populares y vendió más discos de 78 revoluciones que ningún otro músico latino de su época. Comenzó su carrera como arreglista para la Orquesta Casino de la Playa en 1944 e inmediatamente comenzó a introducir elementos novedosos en su sonoridad. La orquesta comenzó a sonar entonces más afrocubana y a la vez, Pérez Prado incorporó influencias tan diversas como Igor Stravinsky, Stan Kenton y muchas otras. Cuando abandonó la orquesta en 1946, ya había consolidado la sonoridad de su Mambo para el formato de "big band".​ Según Leonardo Acosta: "Ante todo, debemos destacar la obra de Pérez Prado como arreglista, o mejor aún, como compositor y arreglista, y su clara influencia en la mayoría de los arreglistas cubanos desde entonces."​ p86

Cerca de 27 de esas grabaciones contaron con Benny Moré como vocalista, aunque los mayores éxitos fueron números instrumentales, los cuales incluyeron: Que rico el mambo (Mambo Jambo); ; Mambo No. 8; Cherry Pink (and Apple Blossom White). El exitoso Patricia de 1955, fue una fusión de mambo/rock.​ El Mambo de Pérez Prado era más un descendiente del Son y la Guaracha, que del Danzón. En los Estados Unidos, la moda del Mambo concluyó aproximadamente en 1956, pero su influencia en el Bugaloo y la Salsa, que le precedieron, fue considerable.

El violinista Enrique Jorrín creó el Chachachá a comienzos de los años cincuenta. Este fue desarrollado a partir del Danzón, mediante una ampliada sincopación. El Chachachá adquirió mayor popularidad fuera de Cuba cuando las orquestas de Dámaso Pérez Prado y Tito Puente produjeron arreglos que resultaron muy atractivos para la audiencia europea y norteamericana.​

Junto a los "Nuyoricans" Ray Barretto, Tito Puente y otros, diversas oleadas de inmigrantes cubanos introdujeron sus ideas en la música de los Estados Unidos. Entre estos se encontraba Celia Cruz, una destacada cantante de guaracha, que ha sido llamada "La guarachera de Cuba". Otros se encontraban activos en el Jazz latino, como el percusionista Carlos "Patato" Valdes de la agrupación con fuerte orientación cubana "Típica 73", relacionada con la orquesta Fania All-Stars. Algunos de los antiguos miembros del Grupo Irakere también han logrado gran éxito en los Estados Unidos, entre los cuales se encuentran Paquito D'Rivera y Arturo Sandoval. Tata Güines, un famoso conguero, se estableció en la ciudad de Nueva York en 1957, tocando con Jazzistas como Dizzy Gillespie, Maynard Ferguson, y Miles Davis en el famoso Club de Jazz Birdland. Como percusionista, Tata Güines llegó a tocar con Josephine Baker y Frank Sinatra. Él regresó a Cuba en 1959, después de que Fidel Castro tomó el poder mediante el proceso de la llamada Revolución cubana, a la que él había contribuido con sus propios fondos personales.​

Las raíces originales del Mambo pueden ser encontradas en el "Danzón de Nuevo Ritmo", popularizado por la orquesta "Arcaño y sus Maravillas" dirigida por el famoso flautista Antonio Arcaño. Él fue el primero en denominar a una sección del Danzón cubano como " Mambo". Fue el violonchelista de Arcaño, Orestes López, el que creó el primer Danzón llamado Mambo en 1938.​ En esa pieza se combinaban algunos motivos sincopados, tomados del estilo del Son, con improvisaciones de la flauta.​

es un género de la música cubana, así como un estilo de baile popular, que fue desarrollado a partir del Danzón-mambo a comienzos de los años cincuenta, y llegó a adquirir gran popularidad en todo el mundo.

Aunque el ritmo del Chachachá tuvo su origen en la Orquesta América, algunos estudiosos del tema, incluyendo a John Santos (1982), consideran que la Orquesta Aragón de Rafael Lay y Richard Egües, y la orquesta Fajardo y sus Estrellas de José Fajardo, fueron particularmente influyentes en el desarrollo del Chachachá. La coincidente emergencia de la televisión y los discos de 33 1/3 RPM fueron también factores significativos en la súbita popularidad internacional de la música y la danza del Chachachá.​

El Filin fue una tendencia musical cubana que surgió entre las décadas de los cuarenta y cincuenta, influenciada por la música popular norteamericana. La denominación se deriva de la palabra inglesa "feeling". Esta describe un estilo de canción romántica influenciada por el Jazz llamada "Crooning".​ Sus raíces cubanas pueden ser trazadas hasta el bolero y la canción romántica. Algunos cuartetos vocales cubanos como el Cuarteto D'Aida y Los Zafiros, se basaron en el estilo armónico de algunos cuartetos vocales norteamericanos (como Los Platters). Otros miembros de este grupo fueron influenciados por Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Nat King Cole. Una casa en La Habana donde vivía el trovador Tirso Díaz se convirtió en lugar de reunión para los cantantes y músicos interesados en el Filin, tales como Luis Yáñez, César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez, Niño Rivera, José Antonio Ñico Rojas, Elena Burke, Froilán, Aída Diestro y Frank Emilio Flynn. Allí los letristas y cantantes podían entablar relación con arreglistas como Bebo Valdés, El Niño Rivera (Andrés Hechavarria) y Peruchín (Pedro Justiz), para desarrollar sus creaciones. Algunos cantantes de Filin fueron César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez, quien se estableció en México durante una década, desde 1949 a 1959, Frank Domínguez, el pianist invidente Frank Emilio Flynn, y las grandes cantantes de bolero Elena Burke y Omara Portuondo, las cuales formaron parte del Cuarteto D'Aida. El movimiento del Filin tuvo originalmente un espacio diario en la emisora radial Radio Mil Diez. Algunas de sus más prominentes figuras, tales como Pablo Milanés, se adhirieron más tarde al movimiento de la Nueva Trova.

El triunfo de la Revolución cubana en 1959 determinó que muchos músicos cubanos emigraran hacia diversos países, asentándose en localizaciones tales como Florida y Nueva York, en los Estados Unidos, así como en Puerto Rico. En Cuba, los artistas y su obra quedaron bajo el control del Estado Socialista y su empresa oficial de grabaciones y ediciones musicales EGREM. El gobierno de Castro abolió las leyes que amparaban los derechos de autor, clausuró muchos de los locales donde la música popular acostumbraba ser escuchada (como los Clubes Nocturnos o Night Clubs), así que indirectamente dejó a muchos artistas fuera de sus fuentes de trabajo.​ Esto produjo sin dudas un efecto nocivo en la evolución de la danza y la música popular.​

Muchos artistas jóvenes comenzaron a estudiar entonces música clásica en vez de popular, y los músicos empleados por el gobierno recibieron obligatoriamente clases en planteles oficiales. En Cuba, el movimiento de la Nueva Trova, que incluía a Pablo Milanés, reflejó los nuevos ideales de izquierda. El estado tomó el control del lucrativo Cabaret Tropicana, el cual continuó siendo una popular atracción para los turistas extranjeros hasta 1968, cuando fue clausurado junto con muchos otros locales, y después reabierto con el renacimiento del turismo.​ p202 El turismo fue casi inexistente durante tres décadas, y la música tradicional podía ser encontrada en las Casas de La Trova locales. Los músicos que tenían un trabajo oficial, eran contratados a tiempo completo y recibían un salario del estado, después de egresar de algún conservatorio. El colapso de la URSS en 1991, y la pérdida de su apoyo financiero, cambiaron la situación radicalmente. El turismo fue considerado una fuente respetable de ingresos de nuevo, y así mismo la música popular como parte de la industria turística. Los músicos fueron autorizados entonces a viajar al extranjero, e inclusive vivir fuera del sistema controlado por el estado.

Una lista de famosos artistas del Exilio cubano incluye a: Celia Cruz y todo el conjunto que actuaba con la Sonora Matancera, Carlos "Patato" Valdes, Israel Cachao López, La Lupe, Arturo Sandoval, Willy Chirino, Hansel y Raúl, La Palabra, Paquito D'Rivera, Bebo Valdés y Gloria Estefan, entre tantos otros. Muchos de esos músicos, incluyendo a Celia Cruz, se alinearon estrechamente con una ideología opuesta a la Revolución cubana, y fueron considerados en Cuba como "no-personas", un término acuñado por George Orwell en su famosa novela 1984 (novela), que constituye una metáfora de los regímenes totalitarios. Los artistas disidentes fueron omitidos de los libros de texto oficiales, y la difusión y publicación de sus creaciones fue prohibida. Al menos, Celia Cruz fue reconocida en una obra cubana de referencia, el Diccionario Enciclopédico de la Música Cubana de Radamés Giro (2007, volumen 2).

La Salsa fue la cuarta innovación basada en la música cubana que impactó a los Estados Unidos, y difiere de las demás en que inicialmente fue desarrollada en los Estados Unidos y no en Cuba. Debido a que Cuba posee tantos géneros originales, su promoción fuera del país siempre ha constituido un problema, debido a la dificultad que confronta un extranjero para distinguir las diferencias entre diversos ritmos que para los cubanos son evidentes. De esa manera, en dos ocasiones durante el siglo XX, dos términos fueron utilizados con el propósito de resolver ese problema. El primero fue en los años treinta, después de que El Manisero se convirtiera en un éxito internacional. Este fue llamado Rumba, aunque tiene poca relación con la llamada Rumba urbana, de cajón o de solar,​ y es en realidad un Son cubano o "son-pregón". Durante mucho tiempo, la palabra Rumba fue utilizada como denominación para cualquier forma de música popular cubana.​

La afirmación de que la Salsa no es más que música cubana, ha sido discutida durante más de treinta años, e inicialmente no se podía percibir en realidad una gran diferencia entre una y otra. Cubanos y no-cubanos, como Tito Puente, Rubén Blades y otros muchos expertos en música cubana y Salsa, siempre han dicho que la Salsa es solo otro nombre para denominar la música cubana. Tito Puente expresó una vez: "Ahora la llaman Salsa, después la podrán llamar sofrito, pero para mí siempre será música cubana". También Willie Colón dijo: "Si miras a una orquesta de los años cuarenta tocando música cubana, verás exactamente los mismos instrumentos que en la Salsa. Benny Moré, el mayor sonero de todos los tiempos, estaba cantando boleros con una cadencia salsera desde los años cuarenta.

Pero con el tiempo, las agrupaciones de Salsa han trabajado con otras influencias. Por ejemplo, al final de los años sesenta Willie Colón produjo algunos números donde utilizaba ritmos brasileños. Algunos programas radiales en Nueva York, ofrecieron 'Salsarengue" como otra opción, y más tarde se le llamó "Salsa romántica" a un tipo de bolero edulcorado.

No fue hasta los años cincuenta que la música cubana penetró en las orquestas puertorriqueñas, las cuales antes de eso tocaban Plena, Bomba, y otros géneros populares de la Isla. Muchos músicos famosos puertorriqueños fueron a Cuba entre los años treinta y cuarenta con el propósito de aprender los estilos musicales cubanos, pero no fue hasta la llegada de Fidel Castro al poder en 1959, cuando se paralizó la exportación de música cubana al mundo, que los puertorriqueños en Nueva York pudieron tener éxito y ser tomados en cuenta.

Según algunos estudiosos del tema, lo que se conoce como Salsa hoy día, fue llevado a Nueva York por Dizzy Gillespie y Chano Pozo en los años cuarenta.​​ Sin embargo, otros son de la opinión de que no solo la Salsa de Nueva York era diferente a los géneros vigentes en Cuba, sino que los estilos de la Salsa en Venezuela, Colombia y otros países también pudieran ser identificados individualmente.​

El estilo de la Nueva Trova posee una estrecha relación con la Revolución cubana, que se evidencia en sus textos, los cuales, según Helio Orovio: "tratan de escapar de las banalidades cotidianas, mediante la concentración en los ideales del socialismo, la injusticia, el sexismo, el colonialismo, el racismo y otros temas similares".​ Silvio Rodríguez y Pablo Milanés se convirtieron en los más destacados exponentes de ese estilo. Carlos Puebla y Joseíto Fernández fueron viejos trovadores que apoyaron al nuevo régimen mediante canciones dedicadas a la Revolución cubana.

La Nueva Trova, tan popular en sus inicios, recibió un fuerte golpe con la caída de la Unión Soviética, aunque su decadencia ya se sentía desde años anteriores. El movimiento sufrió dentro de Cuba, quizás por el creciente desencanto con el gobierno de un solo partido, y externamente por el vívido contraste con las grabaciones y películas de Buena Vista Social Club. Las audiencias alrededor del mundo abrieron sus ojos al encanto y la alta calidad musical de formas más antiguas de la música cubana. En contraste, ciertos temas que eran muy relevantes durante los años sesenta, ahora parecían viejos y distantes. De igual manera, aquellas creaciones de gran calidad lírica y musical, entre las cuales se destaca Hasta siempre, comandante de Carlos Puebla, probablemente perdurarán para siempre.​

Mientras tanto, Irakere fusionó la música tradicional cubana con elementos de Jazz, y grupos como NG La Banda, Orishas y Son 14 continuaron añadiendo nuevos elementos al Son, especialmente hip hop y funk, para crear la Timba, proceso que fue estimulado por la adquisición de equipo electrónico importado. Todavía existen muchos practicantes del Son montuno tradicional, como Eliades Ochoa, quien ha grabado y ofrecido numerosas presentaciones como resultado del marcado interés en el Son montuno, después del éxito alcanzado por Buena Vista Social Club.

La cantautora cubana, establecida en Europa Addys Mercedes ha realizado una fusión de Son y Filin (Bolero, feeling) con elementos de Música urbana, Rock y Música Pop, alcanzando excelentes posiciones entre las canciones más escuchadas en Alemania.​

AL contrario de la Salsa , cuyo surgimiento está directamente relacionado con el Son cubano y a los "conjuntos" de los años cuarenta y cincuenta, la Timba está compuesta por una síntesis de elementos estilísticos, los cuales incluyen a la Rumba, el Guaguancó, la música de los tambores Batá, las canciones sagradas de la Santería​), y otras Fuentes populares como el Rock, el Jazz, el Funk y la música folklórica puertorriqueña. De acuerdo con Vincenzo Perna, autor de Timba: The Sound of the Cuban Crisis, la Timba debe ser definida en función de sus componentes sociales, culturales y políticos. Su gran popularidad en Cuba, su novedad y originalidad como estilo musical, la habilidad de sus ejecutantes, su relación con las tradiciones locales y la cultura de la emigración afro-cubana, sus significados y su estilo, dejan entrever puntos de tensión dentro de la sociedad cubana.​

En adición a los timbales, los percusionistas de la Timba utilizan la batería, como una manera de identificar su sonoridad en comparación con la de la Salsa. El uso del sintetizador es también común dentro de este estilo musical. Las canciones de Timba tienden a ser más innovadoras, experimentales y frecuentemente más virtuosísticas que las de la salsa. Las partes de los metales son usualmente más rápidas, influidas por el Bebop y a menudo alcanzan los extremos de la tesitura de los instrumentos. Las partes del bajo y la percusión son poco convencionales, siendo la improvisación es una práctica común en este estilo.

Buena Vista dio como resultado varias grabaciones subsecuentes y un filme con el mismo nombre del álbum, Buena Vista Social Club (documental), así como también estimuló un marcado interés en otras agrupaciones musicales cubanas. En los años siguientes, múltiples solistas y agrupaciones grabaron con productoras internacionales y realizaron giras de concierto fuera de Cuba.

La conclusión a la que muchos observadores llegan sobre este fenómeno es que la clausura de numerosos locales donde se tocaba música popular, y el absoluto control del estado sobre las actividades artísticas y los medios de comunicación, después de la Revolución cubana, dañó severamente el desarrollo y la promoción de la música popular cubana.​​

Después del colapso de la Unión Soviética, la economía cubana comenzó a declinar. El nivel de pobreza fue entonces más extendido y visible en Cuba. Durante los años noventa, algunos cubanos comenzaron a protestar por la situación mediante el Rap y el Hip hop. Los "raperos" se convirtieron en una verdadera "revolución dentro de la revolución".​ En Cuba, el Hip hop ha sido utilizado para expresar las viciscitudes de la vida cotidiana, así como las aspiraciones del pueblo.​

Durante el llamado Período especial después de la desaparición de la Unión Soviética, el gobierno cubano se vio obligado a tomar medidas para garantizar la supervivencia del Statu quo implantado por la Revolución cubana. En aquel momento el turismo fue discretamente estimulado, y los locales habaneros donde se ofrecían espectáculos musicales comenzaron a atraer tanto a los habitantes locales como a los visitantes. Antes de esa etapa, los turistas eran una rareza en Cuba.​ Cuando el Hip hop comenzó a emerger, el gobierno se opuso a la imagen relativamente vulgar que estos proyectaban, pero hacia finales de los años noventa aceptaron que era más conveniente permitir el desarrollo del movimiento rapero bajo el control y la influencia del oficialista Ministerio de Cultura, como una "auténtica expresión de la cultura cubana".​

Que el Hip hop haya sido tolerado por el gobierno de Cuba es algo fuera de lo ordinario, debido a que el propio gobierno proporciona a los intérpretes de Rap equipos de sonido y locales apropiados para su presentación.​ Miembros del ambiente del Rap y el Hip hop cubano solicitaron espontáneamente la participación del Ministerio de Cultura en sus actividades, y de esa manera aseguraron la supervivencia y el desarrollo del movimiento, poniéndolo al servicio de los lineamientos del gobierno. Gracias a esa actitud servil, los cultivadores del Rap recibieron en el 2002 un sello disquero, una publicación periódica y un festival de Hip hop a través de la llamada "Agencia cubana de Rap" (Cuban Rap Agency).​ Bajo esas condiciones, el gobierno cubano le brindó a los grupos de Rap y Hip hop difusión a través de los medios de comunicación oficiales, a cambio de una auto-limitación en sus expresiones y de la presentación de una imagen positiva del gobierno revolucionario.​Este 2019 por la isla aspiraron al gramófono dorado (Grammy)un excelente exponente del Hip Hop de Cuba,el grupo Orishas, que con su disco Gourmet (Sony Music Latin, 2018) compite en el apartado Mejor Álbum de Rock Latino, Urbano o Alternativo.​

La llegada del acceso a la Internet contribuyó a la difusión no-oficial del Reguetón en Cuba, pero tanto sus textos como sus movimientos corporales han sido muy criticados. Los músicos de Reguetón respondieron a esa actitud con canciones que defendían sus posiciones estilísticas; pero a pesar de sus esfuerzos, el Ministerio de Cultura determinó que su música no podía ser utilizada en instituciones educacionales, fiestas y grabaciones musicales.​ En el 2011, el gobierno restringió la difusión radial y televisiva del Reguetón ante la masiva popularidad del "Chupi Chupi" de Osmani García, el cual incluye una velada referencia al sexo oral. Otros famosos intérpretes de Reguetón son Eddy K y Gente de Zona.

La interacción musical entre Cuba y los Estados Unidos es muy antigua. Ya desde el siglo XVIII, durante el dominio español de Luisiana (1763-1803), las orquestas y bandas habaneras ofrecían conciertos en Nueva Orleans, y en el siglo XIX la contradanza cubana era muy popular en los Estados Unidos.​ A comienzos del siglo XX comienzan a crearse en Cuba las primeras bandas de jazz al estilo de los grupos norteamericanos. La banda de jazz "Sagua" fue fundada en Sagua la Grande en 1914 por Pedro Stacholy (director y piano). El grupo tocó durante 14 años en el Teatro Principal de Sagua.​

En 1961 surgen otros cantantes de rock como Dany Puga, llamado el rey del twist, y bandas tales como Los Satélites, Los Diablos Melódicos y Los Enfermos del Rock, así como Los Halcones y Los Huracanes de la ciudad de Marianao.

El cuarteto vocal Los Zafiros fue otro exitoso grupo de principios de los años sesenta. Fundado en 1961, estaba influenciado por el estilo Doo-Wop de los Platters, The Diamonds y otros grupos norteamericanos, y contó con un repertorio compuesto principalmente de baladas, calypsos y bossanovas, así como canciones con ritmo de rock lento y boleros.

En esa época, el popular grupo Los Astros, dirigido por el cantante y guitarrista Raúl Gómez, se vio amenazado debido a las presiones ejercidas por el régimen de Fidel Castro sobre los grupos de rock, que fueron considerados entonces como una forma de "diversionismo ideológico", y combatidos en todas sus manifestaciones. Su estilo, fuertemente influido por los grupos de la Invasión Británica, como los Beatles y los Rolling Stones, fue declarado como "desviado" y por consiguiente reprimido sin contemplaciones. Desde ese momento, el llamado "gobierno revolucionario de Cuba" comenzó a implementar un control absoluto sobre todos los aspectos de la sociedad cubana, incluyendo por supuesto a las manifestaciones culturales.

En 1979, se llevó a cabo un festival llamado Havana Jam 79 en el Teatro Karl Marx de La Habana, donde se presentaron un grupo de artistas que incluía a Billy Joel y Stephen Stills.

Durante los años ochenta Roberto Armada creó una banda de heavy metal en el Municipio Playa llamada Venus. La banda logró gran éxito y popularidad entre los jóvenes de esa época. El Punk Rock fue introducido en Cuba hacia el final de los años ochenta y generó una forma de culto entre sus seguidores que integraban una minoría dentro de la audiencia juvenil.

En los años noventa, el rock and roll en Cuba era todavía un fenómeno semi-clandestino. En La Habana, la estación radial Radio Ciudad de La Habana presentaba varios programas con las tendencias más recientes en ese tipo de música alrededor del mundo. Juan Camacho, un antiguo músico y presentador radial tenía un programa matinal llamado Disco Ciudad. También el programa de Ramón era un exitoso show radial. Algunas bandas de esa época fueron: Gens, Athanai, Zeus y Los Tarsons.

En 2001, el grupo galés Manic Street Preachers fue invitado a tocar en Cuba,​ y Fidel Castro asistió a su concierto junto con otras autoridades gubernamentales. En el 2004, Castro realizó un discurso en honor al natalicio de John Lennon cuya música, como miembro de los Beatles y como solista había estado prohibida en Cuba. Una estatua de bronce de Lennon fue situada en un céntrico parque de La Habana, y se convirtió en una notoriedad por ser víctima constante del vandalismo de los transeúntes que robaban frecuentemente sus espejuelos de bronce.

Más recientemente, Rick Wakeman, Sepultura y Audioslave se presentaron en La Habana,​ y los Rolling Stones realizaron un histórico concierto, que se convirtió en el más destacado evento de rock en Cuba desde el inicio de la Revolución en 1959.​

Un nuevo fenómeno ocurrió en 2013, cuando varias bandas de "Metal Rock" comenzaron a emigrar a los EE. UU. creando un escenario paralelo con las bandas Agonizer, Escape, Ancestor, Hipnosis, Suffering Tool y Chlover.

La música electrónica cubana, está caracterizada por los ritmos introducidos en la Isla fundamentalmente por Juan Blanco y posteriormente por realizadores alemanes cuando filmaron un documental sobre la gira de varios DJs capitalinos para llevar la cultura de la música electrónica hacia otras ciudades de Cuba en 2004. [cita requerida]

Según el origen de sus influencias, se pueden determinar dos corrientes principales dentro del género: la música electrónica bailable cubana y la música electrónica experimental cubana.

La influencia europea sobre la primera corriente es innegable, en parte porque fue la música que permitía el gobierno a Cuba, mientras que por el otro lado bloqueaba la entrada de contenido musical proveniente de los EE. UU., fundamentalmente durante la década de los 90'.[cita requerida]

Una posterior apertura que facilitaba los viajes al exterior por parte de los cubanos y el acceso a la internet, favorece el desarrollo de una segunda variante con identidad propia y experimental desde los géneros puramente electrónicos hasta la música bailable. [cita requerida]

La llegada de algunos de ellos a los EE. UU. y otros países, propició un impulso natural al género ya que redujo los costes de producción y facilitó el acceso a las plataformas de digitales.

La música tradicional o folclórica cubana abarca:

1. Comentado en mayor detalle en Carpentier, Alejo 2001 [1945]. Music in Cuba. Minneapolis MN. p84 et seq.

2. ↑ Alejo Carpentier: Error en la cita: Etiqueta Music in Cuba. [1945]. Mineápolis (EE. UU.), 2001. <ref> no válida; el nombre "Carpentier" está definido varias veces con contenidos diferentes

3. ↑ Helio Orovio: Error en la cita: Etiqueta Cuban Music from A to Z. Bath (Reino Unido): Tumi Music, 2004. <ref> no válida; el nombre "Orovio" está definido varias veces con contenidos diferentes

4. cubanow.net. The incredible story of "Guantanamera". http://www.tempcubanow.cult.cu/pages/articulo.php?sec=17&t=2&item=9407

5. ↑ De la Vega, Aurelio. Sonidos de las Américas: Cuba - History of Concert Muisc. http://www.americancomposers.org/cubahistory.htm

6. Sonidos de las Américas: Cuba - Artists & Composers.

7. Laboratorio Nacional de Música Electroacústica. Fernando Archi Rodríguez Alpízar. http://www.electroacustica.cult.cu/index.php?view=article&catid=48%3Acompositores&id=60%3Afernando-qarchiq-rodriguez&option=com_content&Itemid=59&lang=en

8. Ailem Carvajal Gómez. EcuRed: http://www.ecured.cu/index.php/Ailem_Carvajal_G%C3%B3me

9. Juan Blanco: Cuba's Pioneer of Electroacoustic Music B y Neil Leonard III.http://finearts.uvic.ca/icmc2001/info/Leonard_blanco.php3

10. Juan Blanco, the LNME and the elctroacoustic music in Cuba. http://www.electroacustica.cult.cu/index.php?option=com_content&view=article&id=71%3Ajuan-blanco-el-lnme-y-la-musica-electroacustica-en-

11. Marta María Ramírez: Cuba: The Cuban Guitar School. SEMlac reports 7.

12. Valdés Cantero, Alicia, Determined women ready to succeed. The International Journal of Cuban Studies, 2 December 2008. http://www.londonmet.ac.uk/library/i18088_3.pdf

13. Carpentier, Alejo (1979). La Música en Cuba. Editorial Letras Cubanas, Ciudad de La Habana. p. 49.

14. "Rodríguez Ruidíaz, Armando: El origen de la música cubana. Mitos y realidades". academia.edu. p. 19.

15. "Rodríguez Ruidíaz, Armando: El origen de la música cubana. Mitos y realidades". academia.edu. p. 20.

16. Detailed references in Thomas, Hugh 1971. Cuba, or the pursuit of freedom. Eyre & Spottiswoode, London; Thomas, Hugh 1997. The slave trade: the history of the Atlantic slave trade 1440-1870. Picador, London; Sublette, Ned 2004. Cuba and its music: from the first drums to the mambo Chicago. part III AfroCuba, p157 et seq.

17. Guerra R. 2000. Eros baila: danza y sexualidad. La Habana.

18. Carpentier, ALejo. La música en Cuba. Editorial Letras Cubanas, 1979.

19. Carpentier, Alejo (1979). La música en Cuba. Editorial Letras Cubanas. (requiere registro).

20. Sublette, Ned 2004. Cuba and its music: from the first drums to the mambo. Chicago. p253 gives a verse on Cola marca Palma Real

21. Fecha del fallecimiento tomada del programa: LatinBeat 2003, Film Society of the Lincoln Center, New York. Orovio, Helio 2004. Cuban music from A to Z. Revisado por Sue Steward. P. 112 señala 1987 como la fecha de su muerte; ha sido escogida la fecha más reciente con base en la probabilidad

22. Fernández, Raúl A. (2006). From Afro-Cuban rhythms to Latin jazz. University of California Press. p. 62. ISBN 9780520939448. Retrieved 17 June 2011.

23. ↑ Acosta, Leonardo 2003. Cubano be, cubano bop: one hundred years of jazz in Cuba. Transl. Daniel S. Whitesell. Smithsonian, Washington, D.C.

24. Ver como ejemplos el número Llora en "Memorias de Cuba: Orquesta Casino de la Playa (1937-1944), Tumbao TCD-003, y los números La última noche, Guano seco y Ten jabón en Orlando Guerra 'Cascarita', El Guarachero, con la Orquesta Casino de la Playa. Tumbao TCD-033.

25. Consult Tumbao TCD-006 Kuba Mambo; Tumbao TCD-010 El Bárbaro del Ritmo; Tumbao TCD-013 Go Go Mambo

26. García, David F. (2006). "Going Primitive to the Movements and Sounds of Mambo". The Musical Quarterly 89 (4): 505-523. doi:10.1093/musqtl/gdm006. (requiere suscripción).

27. Williams, Richard (17 de junio de 2011). "Chano Pozo meets Dizzy Gillespie". The Guardian (London).

28. "Cuban hip-hop: The rebellion within the revolution". CNN. 22 de noviembre de 2002. Archivado desde el original el 27 de agosto de 2009.

29. Baker, Geoffrey. 2006. "La Habana que no conoces: Cuban rap and the social construction of urban space." Ethnomusicology Forum 15, #2, 215-246

30. Baker G: Hip Hop revolución, nationalizing Rap in Cuba. Ethnomusicology 49 #3 p399.

31. "Considerado actualmente como el exponente más popular de Cuba" in "Osmani García "La Voz" llega el lunes a Miami", La Nación Dominicana, March 23, 2012 Archivado el 12 de mayo de 2012 en Wayback Machine.

32. Nocturno: http://radionocturno.com/ Archivado el 19 de julio de 2016 en Wayback Machine.: Consultado: 07-07-16.

Este artículo se basa en una traducción de Music of Cuba de la Wikipedia en inglés

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Música de Cuba - Wikipedia, la enciclopedia libre

# data[].attributes.attachment_link.description
Por música cubana se entiende aquella música desarrollada en la isla de Cuba cuyo origen proviene de la música española (en 1492 Cristóbal Colón descubre la isla de Cuba en su primer viaje) y de los ritmos y cantos africanos traídos por los esclavos desde el siglo XVI.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La música es el alimento para el alma divertir. Todos sentimos la música por dentro, y a veces ella es lo más reconfortante en momentos cruciales de la vida. Venir a la isla es también sumergirse en los ritmos cubanos, dejarse llevar por sus encantos, sus arraigadas mezclas de culturas africanas, españolas y hasta asiáticas.

La música cubana es uno de los pilares fundamentales de la nación. Habla de la historia, las tradiciones y la identidad del cubano de todas las épocas. Los músicos y artistas cubanos son reconocidos en todo el mundo por su brillantez y talento. Nombres como Miguel Matamoros, Benny Moré, Dámaso Pérez Prado, Chano Pozo, Bebo Valdés, Juan Formel, Silvio Rodríguez, Chucho Valdés, entre muchísimos otros, han recorrido el planeta y han hecho vibrar cientos de corazones.

En esta isla surgieron y se asentaron géneros y ritmos musicales hoy conocidos por todos, que forman parte inigualable de nuestro patrimonio musical.

Seis ritmos que cambiaron la historia

En esta ocasión, escojo 6 ritmos cubanos que han revolucionado la historia musical de Cuba, Latinoamérica y el resto del mundo por su sonoridad y su manera de impregnarse en el bailador. Lo más importante entonces, es reconocer en ellos esta isla y su gente.

Danzón

Este ritmo surge a finales del siglo XIX en manos del compositor Miguel Faílde con su pieza "Las alturas de Simpson". Se trata de una evolución de la contradanza española introducida en Cuba en el siglo XVIII. Al acriollarse el ritmo, comienza a adquirir rasgos propios de la cultura afrocubana, francesa y española, del folclor y la música popular.

Durante las primeras décadas del siglo XX, el género asimiló nuevas sonoridades como el son cubano y el son montuno. Así, con el surgimiento de grandes orquestas, el danzón ganó muchos admiradores en las primeras décadas del siglo.

El género se esparció por Latinoamérica y el mundo, alcanzando gran popularidad fundamentalmente en México. Es considerado el baile nacional de Cuba, y su influencia ha sido fundamental para la evolución de la música popular cubana.

Mambo

El sabroso mambo surge en Cuba a finales de los años 30 del siglo XX. Sus fundadores fueron los hermanos Israel Cachao y Orestes López. Se trata de una nueva forma del danzón con influencias africanas, ritmo sincopado y eliminación del cantante. Posteriormente, otros músicos hicieron importantes aportes al género como Arsenio Rodríguez, Dámaso Pérez Prado o Benny Moré.

El mambo se baila con un ritmo sincopado, con cuatro pasos por compás, con un movimiento fuerte y rápido. Fue de mucha popularidad en su época, aun hoy se enseña como baile de salón. Su evolución dio lugar a un nuevo ritmo: el Chachachá.

Chachachá

El primer chachachá fue compuesto por Enrique Jorrín en 1953. Este músico componía fundamentalmente danzones, a los que introdujo un coro de voces que fue gustando al público. Este podía entonces bailar más suelto, dando pasos de un lado hacia al otro. El género toma como base musical el danzón y el son montuno.

En su evolución se incorporan las orquestas llamadas charangas que incluían timbales, bajo, flauta, piano y conjunto de violines. Así, agrupaciones reconocidas cantaron exitosos chachachás como la Orquesta Aragón, Los Cariñositos y la Orquesta América, entre otras. En la actualidad, muchos de los que se acercan a la música cubana quieren aprender chachachá, porque es un ritmo muy pegajoso y armonioso.

Rumba

Este ritmo musical es de origen africano pero se ha enraizado tanto en Cuba que hoy se considera el baile más clásico de los bailes latinoamericanos. Existen tres tipos de rumba: el yambú, la columbia y el guaguancó. La rumba es una danza folclórica afrocubana que toma también compases del son montuno.

Desde su surgimiento en los barracones y plantaciones de azúcar del siglo XVIII, su instrumentación ha sido a partir de tres tumbadoras, que replican fuertemente aumentando la intensidad del baile. Era la vía de escape espiritual para los cimarrones y negros liberados. Este ritmo se tocaba posteriormente en los barrios negros de La Habana, en las zonas rurales donde mejor se conservaba la tradición africana.

Evoluciona entonces, asociado a los solares y los sitios marginales. En las primeras décadas del siglo XX adquiere popularidad en la isla, pero con los años muchos lo excluyeron de los principales circuitos del baile. Su influencia ha sido fundamental para la música popular cubana, sobre todo para la guaracha, la conga, el mambo y el chachachá. Se baila en pareja pero de manera abierta, con movimientos eróticos, a veces bruscos de cadera y pelvis, y sus canciones evocan santos africanos o la vida de los negros discriminados en su momento. Hoy, es un género ampliamente fomentado en la isla, y reconocido en todo el mundo.

Conga

La conga es quizá el baile popular cubano más añejo. Desde los primeros siglos de la Colonia, a los negros esclavos les permitían un día de celebración, como el Día de los Reyes en que bailaban y cantaban al ritmo de la conga. Así, mientras los hacendados festejaban en sus salones de baile, otros se movían ardientemente al ritmo de tambores e instrumentos rústicos.

La conga arrastra una gran cantidad de personas bailando y cantando. Así surgen los llamados carnavales donde la conga es la protagonista. Estas fiestas tradicionales se destacan aun hoy en la isla con los Carnavales de La Habana, los de Santiago de Cuba y las Parrandas de Remedios en Villa Clara y de Bejucal en Mayabeque.

Cada región ha desarrollado y personalizado el género. El baile solo consiste en seguir a los músicos con su ritmo característico. Las fiestas populares asociadas a la conga son patrimonio musical y cultural de la nación, y son eventos de masas donde participa todo el pueblo y los visitantes.

Son Cubano

El son es un género musical básico para la música popular cubana. Surge a finales del siglo XIX en las provincias orientales de Cuba y a partir de la radiodifusión característica del siglo XX, el son comienza a popularizarse. El afamado conjunto de Ignacio Piñeiro, "El Septeto Nacional", inmortalizó el tema "Échale salsita", ya un clásico del género.

En sus comienzos el son se vio como una música de los barrios populares, pero pronto adquirió reconocimiento en todo el país, así como en Puerto Rico, República Dominicana, México y Colombia. Asimismo, con los años se originaron nuevas variantes del son como el son montuno, el changüí, el sucu-sucu, el mambo, el chachachá, entre otros. A su vez, se ha incorporado a otros géneros como al jazz, el bolero, el danzón, y a la base rítmica de la cancionística cubana.
Este género ha sido el que más brillantes compositores, músicos, orquestas y arreglistas ha aportado a la cultura cubana. En su evolución surge la salsa, género bailable que hoy recorre el mundo con mucha popularidad. Los que llegan a la isla siempre quieren bailar la salsa, y nutrirse de la música y la vida nocturna del país.

La música y Cuba

Los ritmos cubanos se alimentan sin dudas de los aportes e influencias de ritmos anteriores. Sus rasgos africanos y españoles fundamentalmente, conforman un ajiaco musical en donde radica su autenticidad. Como estandarte del cubano, la música lo acompaña siempre. Conociéndola, usted descubrirá un poquito más a Cuba.

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Los ritmos cubanos y su historia - Blog de Viaje por Cuba

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La música es el alimento para el alma divertir. Todos sentimos la música por dentro, y a veces ella es lo más reconfortante en momentos cruciales de la vida. Venir a la isla es también sumergirse en los ritmos cubanos, dejarse llevar por sus encantos, sus arraigadas mezclas de culturas africanas, españolas y hasta asiáticas.

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La gastronomía  y comida 🥘 🍗 🌮 colombiana 🇨🇴 se puede definir como una combinación o fusión de otras culturas como la española y la africana principalmente, complementada con los platos típicos mas representativos de cada región que le imponen un toque mágico de sabor y sazón inigualables.

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México de mis Canciones - ¿Qué significa "Mariachi" y de dónde es?

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Una de las canciones mas conocidas del mariachis en el mundo

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Una de las canciones mas conocidas del mariachis en el mundo

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https://www.youtube.com/watch?v=y5j6aupyGYY

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Gastronomía Peruana por Gastón Acurio - OBG Perú 2019

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Los Mariachis son muy presente en la pop culture con muchos representación, Sponge Bob, Breaking Bad, Speedy Gonzalez, Simpsons...

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Video sobre las meyores comidas colombianas

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Video sobre las meyores comidas colombianas

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Feria Gastronómica presume los maravillosos sabores de Perú

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El mariachi es una música tradicional y una parte fundamental de la cultura del pueblo mexicano. Los mariachis tradicionales tienen dos o más músicos vestidos con trajes regionales.

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“Descolombiana”, descubrir comida colombiana: todos los fines de semana durante un mes, stand de degustación de comida colombiana en la plaza del Capitol

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Evento: stand de degustación de comida colombiana en la plaza del Capitol  en un "food truck"

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Evento: stand de degustación de comida colombiana en la plaza del Capitol  en un "food truck"

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En cuba, pero especialmente en la Havana, el arte es por todas partes como bailes, musica o arte. La musica hace bailar las personas y tambien inspira los artistes. Aqui podemos ver tres maneras de interpretar la musica cubana. La primera es una cuadro sobre lienzo en camilla pintado por Max rovira.
El segundo un otra pintura que representa una noche cubana. Y el tercero es un graffiti en una calle en Cuba.

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Los Mariachis, patrimonio cultural inmaterial

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Los Mariachis, patrimonio cultural inmaterial

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https://ich.unesco.org/es/RL/el-mariachi-msica-de-cuerdas-canto-y-trompeta-00575

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México

Inscrito en 2011 ( 6.COM) en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad

© 2010 by Cámara de comercio de Jalisco

El mariachi es una música tradicional y un elemento fundamental de la cultura del pueblo mexicano. Los mariachis tradicionales cuentan con dos o más músicos vestidos con indumentaria regional, inspirada en el traje de charro, que interpretan un amplio repertorio de canciones acompañándose con instrumentos de cuerda. Las orquestas que interpretan la música mariachi "moderna" cuentan con trompetas, violines, vihuelas y guitarrones, y suelen estar compuestas por cuatro o más músicos. El vasto repertorio de los mariachis abarca canciones de las diferentes regiones de México, jarabes, minués, polkas, valonas, chotis, valses, serenatas, corridos (baladas típicamente mexicanas que relatan combates, hazañas e historias de amor) y canciones tradicionales de la vida rural. La música mariachi moderna ha adoptado otros géneros musicales como la ranchera, el bolero ranchero, e incluso la cumbia colombiana. Las letras de las canciones de los mariachis hablan del amor a la tierra, la ciudad donde se vive, el país natal, la religión, la naturaleza, las mujeres mexicanas y la pujanza del país. El aprendizaje de oído es el principal medio de transmisión de la música mariachi tradicional y las competencias técnicas se transmiten de padres a hijos, y también por intermedio de los espectáculos organizados con motivo de festividades, ya sean religiosas o civiles. La música mariachi transmite valores que fomentan el respeto del patrimonio natural de las regiones mexicanas y de la historia local, tanto en español como en las diversas lenguas indígenas del oeste del país.

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UNESCO - El Mariachi, música de cuerdas, canto y trompeta

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El mariachi es una música tradicional y un elemento fundamental de la cultura del pueblo mexicano. Los mariachis tradicionales cuentan con dos o más músicos vestidos con indumentaria regional, inspirada en el traje de charro, que interpretan un amplio repertorio de canciones acompañándose con instrumentos de cuerda.

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La gastronomía mexicana es muy variada porque México tiene una historia, un patrimonio muy variado con las civilizaciones (pre hispánicos).
Entonces la gastronomía mexicana tiene influencias de las cocinas españolas, francesas,  africanas, caribeñas y asiáticas.
La gastronomía mexicana tiene su origen en el periodo prehispánico. En esta época, se crearon una serie de platillos que tenían como base tres ingredientes principales: el maíz, el frijol y el chile.
"El 16 de noviembre de 2010, la gastronomía mexicana fue reconocida como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco."

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Las Crónicas del Taco | Tráiler Oficial | Netflix

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El sabroso mambo surge en Cuba a finales de los años 30 del siglo XX. Se trata de una nueva forma del danzón con influencias africanas con la eliminación del cantante. El mambo se baila con un movimiento fuerte y rápido. Fue de mucha popularidad en su época, aun hoy se enseña como baile de salón.

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Este ritmo musical es de origen africano pero se ha enraizado tanto en Cuba que hoy se considera el baile más clásico de los bailes latinoamericanos. Se baila en pareja pero de manera abierta, con movimientos eróticos, a veces bruscos de cadera y pelvis. Hoy, es un género ampliamente fomentado en la isla, y reconocido en todo el mundo.

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Este ritmo surge a finales del siglo XIX en manos del compositor Miguel Faílde con su pieza «Las alturas de Simpson». El género se esparció por Latinoamérica y el mundo, alcanzando gran popularidad fundamentalmente en México. Es considerado el baile nacional de Cuba, y su influencia ha sido fundamental para la evolución de la música popular cubana.

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Para nuestro evento, pensamos en crear un concierto en las ramblas de Jean-Jaures con una pequeña plataforma. Músicos tocarán canciones de diferentes estilos de la música cubana como el Mambo, la Rumba o el Danzon. Nosotros instalaremos un puesto que permitirá de los más jóvenes a los mayores tocar y probar los instrumentos típicos cubanos con personas que crecieron en Cuba y que explicarán la importancia de la música en la vida cotidiana en Cuba.

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La comida mexicana es reconocida internacionalmente por su delicioso sabor y sus platos tradicionales. Seguro que alguna ves has escuchado hablar de tacos, fajitas y enchiladas, además de que el clásico trago Margarita es herencia mexicana.

Si quieres probar alguno de estos platos, prueba estas 5 recetas mexicanas tradicionales.

El más clásico: guacamole

El guacamole es un clásico de la comida mexicana muy fácil de hacer. Para él necesitas:

3 aguacates

1 limón

½ cucharadita de sal, comino y pimienta

½ cebolla mediana picada

1/2 pimiento jalapeño picado

2 tomates cortados

1 cucharada de cilantro

1 diente de ajo

Mezclamos la pulpa del aguacate con el limón, reservamos el jugo y machacamos el aguacate con los condimentos. Ir agregando el resto poco a poco, y solo una cucharadita de jugo de limón. Dejar reposar una hora a temperatura ambiente.

Fajitas de pollo

Para hacer estas fajitas necesitas los siguientes ingredientes:

1 taza de cilantro

¼ taza de jugo de limón

¼ taza de caldo de pollo

3 cebolletas cortadas

2 dientes de ajo

1 jalapeño

1 cucharada de miel

Medio kilo de pechuga de pollo

1 cebolla roja cortada gruesa

2 pimientos amarillos cortados en cuartos

1 aguacate maduro

1 ½ cucharaditas de aceite de oliva

¼ taza de yogurt griego

12 tortillas de maíz

Ponemos el cilantro, jugo de limón, caldo, ajo, cebolletas, jalapeño y miel en la licuadora. Colocamos este puré sobre el pollo, los pimientos y las cebollas, y dejamos reposar media hora. Ponemos el aguacate con el agua en la licuadora. Vertemos las especias en el yogurt. Asamos el pollo y las verduras en una parrilla. Colocamos las tortillas, y encima de ellas las cebollas, pimientos y pollo, rematamos con la salsa de aguacate y el yogur.

Enchiladas fáciles

Para estas enchiladas necesitas:

Para la salsa: 2 cucharadas de aceite de canola, 2 cucharadas de harina, una lata de salsa, 2 tazas de caldo, sal y pimienta negra. Para la carne: medio kilo de carne picada, 1 cebolla, una piza de sal. Además, tortillas, chiles, una taza de cebolla verde picada, media taza de aceitunas negras picadas, 3 tazas de queso rallado.

Mezclamos todos los ingredientes de la salsa y los llevamos a ebullición, mientras cocinamos la carne y sofreímos las tortillas. En el molde ponemos un poco de salsa, las tortillas, la carne, aceitunas, chiles y demás, cubrimos con queso y enrollamos la tortilla con la costura hacia abajo. Horneamos durante veinte minutos.

Para beber: Margarita

Para hacer este rico cóctel necesitas:

1 rodaja de lima fina

Hielo

50 gramos de agave tequila

25 gramos de licor triple sec de naranja (Cointreau)

10 gramos de jugo de limón

Mezclamos todo en la coctelera, y lo colocamos en una bonita copa con la rodaja de lima decorando.

Y de postre... tres leches

Este clásico postre necesitará para el bizcocho 200 gramos de harina, 1 cucharadita de polvo de hornear, 115 gramos de manteca a temperatura ambiente, 220 gramos de azúcar, 5 huevos enteros, una cucharadita y media de extracto de vainilla. Para el glaseado necesitas una lata de leche evaporada, un de condensada. Y para la cobertura dos tazas de crema de leche, 220 gramos de azúcar y una cucharadita de extracto de vainilla.

Precalentamos el horno, mientras batimos la mantequilla en batidora eléctrica, y le vamos añadiendo poco a poco el azúcar. Añadimos luego los huevos, la vainilla y la harina, todo de a poco. Horneamos 20-25 minutos y dejamos enfriar. Mezclamos las dos leches del glaseado y las colocamos por encima del bizcocho, dejamos refrigerado durante toda la noche.

Finalmente, la cobertura se hace colocando todos los ingredientes en una batidora, y batiendo hasta que formen picos duros. Extendemos sobre la torta y dejamos enfriar.

¿Cuál de estas 5 recetas mexicanas tradicionales es tu favorita?

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La comida mexicana es reconocida internacionalmente por su delicioso sabor y sus platos tradicionales. Seguro que alguna ves has escuchado hablar de tacos, fajitas y enchiladas, además de que el clásico trago Margarita es herencia mexicana. Si quieres probar alguno de estos platos, prueba estas 5 recetas mexica

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Evenemento sobre el thema de los Mariachis

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Evenemento sobre el thema de los Mariachis

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Estamos organizando un evento sobre la cultura mexicana en un restaurante típico mexicano en Toulouse, donde vendrán mariachis para amenizar la velada, y en el que la gente podrá degustar especialidades mexicanas y descubrir la cultura.

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Si hay algo por lo que Perú es reconocido a nivel mundial, además de su fascinante historia y los remanentes que la sostienen, es la gastronomía.

Este país ha ganado cientos de premios internacionales, que reconocen la genialidad con la que los y las chefs han tomado lo mejor de las tradiciones culinarias de los pueblos originarios, la cultura ibérica, la africana y, recientemente, la asiática, para dar como resultado sabores inigualables y platos muy saludables. Así que cuando recorras Perú con Viajala recuerda probar cualquier de estas delicias:

1.Ceviche Peruano

Se lo considera el plato insignia de Perú, y aunque se lo encuentra en otros destinos de la costa pacífica de América del Sur, solo en este país se combinan ingredientes de mar y de montaña tan armónicamente.

Consiste en marinar la carne del pescado en un recipiente con mucho limón, ají, cebolla morada, culantro, sal y pimienta, hasta que esté lista para el consumo (unos 20 minutos). Es importante utilizar buen pescado, como mero, lenguado, corvina e incluso tilapia, y los acompañamientos son fundamentales tanto para el sabor como para la presentación.

Además, éstos le dan el toque andino al ceviche, con el sabor dulzón del camote, el casi omnipresente maíz que generalmente se sirve desgranado y acompañado con maíz tostado. Afortunadamente, encontrarás este plato en casi cualquier destino de Perú, aunque en Lima es donde descrubrirás la mayor variedad en sabor, calidad y precios.

2.Cuy

Si bien para muchos turistas extranjeros este pequeño y tierno roedor cumple las funciones de mascota de la casa, para los pueblos andinos ha sido utilizados durante siglos como una importante fuente alimenticia y la tradición se mantiene con el tiempo.

Además de tener un sabor suave, y para muchos, exquisito, la carne del cuy es rica en proteínas, hierro y baja en grasa, así que es una muy buena opción para los carnívoros que buscan una alimentación saludable. Hay muchas maneras de comerla y en la actualidad los restaurantes gourmet de Perú lo están aprovechando para crear nuevos platos, así que si es de lo que se impresionan con facilidad, esta es probablemente la mejor opción para probar cuy.

Aunque si eres de los que quiere vivir en carne propia las costumbres, en destinos como el Valle Sagrado puedes encontrar opciones menos elaboradas, igual deliciosas, y eso sí, un poco impresionantes ya que el animal suele servirlo entero. Finalmente termina siendo lo mismo, así que queda en tus manos decidir cómo degustar uno de los platos más antiguos de los andes y recordarlo siempre.

3.Rocoto relleno

Oriundo de Arequipa, una de las ciudades más hermosas del Perú, este plato no es apto para cualquier paladar ya que tiene una característica particular: es muy picante.

El rocoto es una especie de ají endémica de Perú, del tamaño de una manzana y con un sabor dulzón. En este caso, el plato consiste en rellenar este fruto de carne molida, cebolla, aceitunas, queso fresco rallado y huevo duro, todo esto sofreído y sazonado con sal, comino y otros condimentos al gusto.

Generalmente (y a estas alturas no te parecerá raro) se acompaña de papa cocinada o torta de papa, y es tan famoso que se prepara en todo el país e incluso se exporta el rocoto a otras partes del mundo.

Sin embargo, nada como probarlo en su ciudad natal, uno de los destinos turísticos más hermosos y diversos de Perú.

4.Ají de gallina

Para comenzar, la carne de gallina siempre ha tenido fama de tener mucho mejor sabor, así que para los amantes de la comida criolla, imaginen un plato en el que se mezcla este ingrediente con uno de los más consumidos en Perú: el ají.

Se prepara con ají amarillo, y lo que diferencia al ají de gallina de cualquier otro guiso, es que se utilizan algunos ingredientes no tan comunes en este tipo de preparaciones, como pan de molde o galletas de soda, leche y pecanas, un tipo de nueces originarias de América del Norte.

Además, al momento de servirlo, entre sus acompañantes están las aceitunas y las rodajas de huevo duro, también alimentos recurrentes en la gastronomía peruana.

Este plato también se encuentra en diversas regiones de Perú, aunque se dice que quienes mejor lo preparan también están en Lima.

5.Lomo saltado

Otro plato criollo e ideal para los amantes de la carne, es el famoso y muy casero lomo saltado, cuyo origen se remonta a las migraciones asiáticas del siglo XIX.

En realidad, esta receta es bastante sencilla ya que consiste en saltear en un wok trozos de lomo de res con verduras, ají amarillo y salsa de soya. Sin embargo, para hacerlo más exquisito aún, varios restaurantes se han enfocado en aumentar ingredientes "especiales" que les permiten diferenciarse de sus colegas, o mantener la sazón tradicional de casa que ciertamente es inigualable.

Una vez que la carne y las verduras están en su punto se le agregan papas fritas y, generalmente, se sirve acompañado con arroz, así que será un plato que podrás degustar en casi todo el territorio peruano e intentar descifrar sus secretos.

6.Papa a la huancaína

Perú es el país que más variedades de papa tiene en el mundo y este plato se prepara para ser uno de ellos, así que si bien parece un poco simple, pero lo fascinante es que se puede realizar cada vez con un tipo diferente de este ingrediente.

La papa a la huancaína es originaria de la Ciudad de Huancayo, aunque se ha popularizado en toda la Sierra y Amazonía del país. Su característica principal es la salsa con la que se baña a la papa cocinada, que se prepara con queso, aceite, sal y -¿adivinen?- ají amarillo.

Al momento de servirla otros ingredientes que se les harán conocidos: aceitunas negras y rodajas de huevo duro, todo esto sobre una cama de hojas de lechugas frescas. Es simple, sí, delicioso también, y suele servirse como entrada para cualquiera de los otros platos que acabamos de revisar.

Huancayo cuenta con diversos atractivos históricos, así que puedes tomarse unos días para conocer la zona y disfrutar de sus tradiciones.

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Si hay algo por lo que Perú es reconocido a nivel mundial, además de su fascinante historia y los remanentes que la sostienen, es la gastronomía.

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reagrupación de los 25 mejores platos típicos de la Gastronomía Mexicana

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La gastronomía mexicana, declarada Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO desde el año 2.010, se ha convertido en una de las comidas más internacionales, considerada una de las mejores gastronomías del mundo, junto con la italiana, gracias a su variada materia prima de calidad, sus tradiciones ancestrales en la cocina, pero sobre todo, a esa explosión de sabores en el paladar casi adictiva, y sus coloridos platos.

Por ello, hemos decidido hacer un listado de los mejores platos típicos de México, que debes probar si viajas a este increíble país:

Platos típicos de México: la comida más tradicional de la gastronomía mexicana

1. Pozole

Comenzamos abriendo boca con el pozole, un caldo de maíz de la variedad cacahuacintle, que desprende una espuma que le da un carácter especial, y que se sirve con tiras de lechuga, cebolla, rábanos y tortillas de maíz.

Hay dos variedades, el pozole rojo que en general se hace hirviendo los granos con carne de cerdo, cebolla, laurel, ajo y sal, al que se le añade una salsa resultante de triturar chiles rojos y aguacate cortado en dados. Para el pozole verde, el maíz se cuece con pollo, y se le añade la salsa resultante de licuar tomate verde, cebolla, jalapeños, chiles poblanos, laurel, sal, pipas de calabaza, orégano y comino.

2. Sopa azteca

Otro plato típico popular, es la sopa azteca o sopa de tortillas de maíz, siendo este su ingrediente principal, junto con un sofrito de ajo, cebolla y tomate, al que se le añade caldo de pollo hasta que reduzca, y se sirve con queso y dados de aguacate.

3. Enchiladas

Uno de los platos más internacionales de México son sus famosas enchiladas, unas tortillas de maíz rellenas de carne picada de ternera, pollo, frijoles rojos o queso, con alguna de las famosas salsas mexicanas como la salsa verde, la salsa roja o el mole, y siempre acompañadas de lechuga en tiras, cebolla, tomate, lima y cilantro. Comerte una enchilada, además de un placer para los sentidos, es continuar con la tradición maya, de envolver los alimentos en tortillas de maíz.

Si te gusta este tipo de comida, te recomiendo también los papadzules, tortillas de maíz, rellenas de huevo cocido, y bañadas con una salsa de pipas de calabaza, y salsa de tomate y cebolla, que seguro, te sorprenderán.

4. Mole poblano de pollo

El mole es una sabrosa salsa que se utiliza habitualmente para preparar pollo o pavo, y en concreto la originaria de la ciudad de Puebla, es internacionalmente conocida por llevar cacao amargo, uno de los productos mexicanos más considerados y de mejor calidad, que en esta ocasión brilla junto al jengibre, variedad de chiles picantes, clavos, nuez moscada, almendras, cacahuetes, pasas, pimienta, azúcar, sal, caldo de pollo, cebolla, pan rallado y tortillas de maíz. ¡Realmente sorprendente!

5. Cochinita pibil

La cochinita pibil, es un plato de carne de cerdo que se adoba con achiote, regalándole un precioso color rojo, cebolla previamente marinada con zumos de naranja, limón y chiles picantes, así como con vinagre de vino blanco, manteca, sal o especies como comino, canela, pimienta y laurel.

Una vez preparada, se cocina en las brasas de un horno bajo tierra perfectamente sellado, que mantiene los jugos de la carne, utilizando una técnica prehispánica llamada pib, de donde viene su nombre, resultando toda una delicia, llena de historia y tradición.

6. Chiles en nogada

Uno de los platos más típicos de México, hasta el punto de entrarnos por los ojos con los colores de su bandera, son los chiles en nogada, unos exquisitos pimientos rellenos de carne picada de cerdo y ternera.

La receta de los chiles en nogada, es tradicional de Puebla, y relativamente sencilla, haciendo un sofrito de cebolla, plátano macho, pera y melocotón, que se añade a la carne picada ya frita, y aderezada con sal, concentrado de tomate, pasas, almendras y piñones, que será el relleno de los pimientos limpios, que se rebozan con harina y huevo, se fríen, y se sirven con una rica salsa de nogada, hecha con leche o nata, queso de cabra, sal y nueces. El colofón final lo pone la decoración con granada y perejil. ¡Te encantarán!

7. Pescado zarandeado

Por supuesto, el pescado no puede faltar en la dieta mexicana, y una de las recetas que me llama más la atención tradicional de la Costa del Pacífico, es la del pescado zarandeado, normalmente pargo o dorada, abiertos en forma de mariposa.

Su elaboración consiste en salpimentarlo, untarle ajo machacado previamente frito pero no dorado, y se aplica una mezcla de mayonesa, mostaza, tabasco, salsa maggi, inglesa, soja y en ocasiones hasta cerveza, y se termina con cebolla y pimiento rojo. Una vez hecho esto, se prensa en la parrilla y se hace a la brasa a fuego lento. A tu mesa llega con lima, arroz blanco, tortillas de maíz y posiblemente, alguna rica salsa.

8. Molcajete de carnes

9. Insectos de la gastronomía mexicana

Otro de los puntos fuertes de la gastronomía mexicana, es el uso de insectos en su cocina, a lo que estamos poco acostumbrados, y sin embargo, resultan realmente deliciosos.

Chapulines

Los chapulines son saltamontes, que puedes encontrar guisados, en tacos, en pizzas, o simplemente fritos y aderezados con lima, tal y como los venden en los puestos callejeros. No dejes de probarlos, ya que esta crujiente fuente de proteínas, te sorprenderá.

Gusanos de Maguey

No dejes que los gusanos te echen para atrás, porque están muy ricos, como por ejemplo, los famosos gusanos de maguey, que se suelen comer en tacos con aguacate, ajo, y alguna de sus famosas salsas como salsa21, con tomate y 21 tipos de chile diferentes, o simplemente fritos con un poco de sal.

Escamoles

Y por supuesto, los meses de marzo y abril, podrás probar los escamoles, unos huevos de una hormiga que se reproduce en esta época, y que son considerados como el caviar mexicano, por su escasez, y en consecuencia, por su precio.

Se pueden elaborar con mantequilla, cebolla, ajo, pimiento, sal, y una hierba aromática llamada epazote, o en mixiote, una carne enchilada cocinada al vapor envuelta en la película de la hoja del maguey, entre otras muchas elaboraciones. ¡Seguro que repites!

10. Dorilocos

Los dorilocos, sin duda, hacen honor a su nombre, ya que probar esta receta con una increíble combinación de ingredientes, es toda una experiencia. Vas a flipar con estos nachos nacidos en Tijuana, y mezclados con cacahuetes japoneses, pepino, jícama o nabo mexicano, piel de cerdo frita, crema agria, salsa picante, limón, y en algunos casos, incluso con frutas y gominolas.

11. Tamales oaxaqueños

Los tamales pueden encontrarse en multitud de países de América Latina, pero en México en concreto tienen una importancia especial, ya que los olmecas, mexicas y mayas, ya los consumían en rituales religiosos, de matrimonio, se usaban como ofrenda, e incluso eran los protagonistas de varias festividades.

Por ello, no podíamos dejar de hablar de los tamales mexicanos, que consisten en una harina de maíz que se rellena con verduras, carne deshilachada, chiles, e incluso frutas en su versión más dulce, que se envuelven en hojas de plátano o maíz y se cocinan al vapor, para acabar en la mesa acompañados de cilantro, queso, cebolla y huevo.

Otra versión de tamal más sencillo, pero igualmente delicioso, son las corundas de Michoacán, envueltas en hojas de maíz, rellenas de manteca y acompañadas de queso.

12. Pambazos

Los pambazos no son lo más adecuado para cuidar la línea, pero están tan ricos que no podrás resistirte. Estos deliciosos bocadillos, originalmente hechos con un pan de harina de trigo de calidad inferior, de ahí su nombre, pan bajo, se rellenan con un guiso de patatas y chorizo, se barnizan con salsa guajillo, y se fríen con manteca hasta que estén dorados, y se acompañan con lechuga, crema agria, salsa roja, verde y queso.

Otro emparedado que no te dejará con hambre, son las cemitas, hechas con una especie de pan de hamburguesa del que recibe su nombre, con pollo a la milanesa, aguacate, pimienta, chile, cebolla, quesillo y pierna de cerdo asada.

13. Aguachiles

Otro plato típico de la costa mexicana, es el aguachiles, una especie de ceviche de camarones crudos, que se marinan en lima, cebolla roja, cilantro, jalapeños, chile, sal y pimienta, en resumen, un montón de rock and roll para tu paladar.

Otra opción de este estilo, es el cóctel de camarón, gambas cocidas con cebolla, laurel, ajo y tomillo, para luego añadirlos a una salsa con ketchup, caldo de cocción, lima, sal y pimienta, que se sirve con cebolla morada, aguacate y cilantro.

14. Tacos

Por supuesto, no podíamos dejar de hablar de uno de los platos más famosos de la gastronomía mexicana, los ricos y divertidos tacos, que encontrarás por todos lados, ya que como dicen los mexicanos, los tacos callejeros saben mejor.

Tacos al pastor: también conocidos como tacos de trompo o de adobada, es una carne marinada con la y achiote, y asada verticalmente, tipo kebab, ¡que te encantará!

Arrachera: la arrachera es el corte de carne fibrosa, pero realmente tierna, que proviene del diafragma de la ternera, lo que en España llamamos entraña, la que se marina con zumo de lima, soja, ajo, cebolla, sal y pimienta, y se cocina a la parrilla. ¡Especial!

Suadero: el nombre una vez más proviene del corte de la carne de ternera, y sería lo que en la gastronomía argentina llaman matambre, que se marina, se cuece y se pica, para acabar siendo uno de los tacos favoritos.

Carnitas: las carnitas tienen una elaboración similar a la anterior, pero esta vez con una mezcla de carne de cerdo como costillas, lomo, etc.

Tacos al gobernador: este delicioso taco viene relleno de camarones con cebolla, pimiento rojo y pimiento verde.

Cochinita pibil: rica carne de cerdo marinada y cocinada en un horno bajo tierra.

Por supuesto, los tacos siempre van acompañados de cebolla, cilantro, lima y alguna de las conocidas salsas mexicanas como el guacamole y pico de gallo.

Pero esto no termina aquí, ya que las tortitas de maíz están presentes en muchos de los platos y antojitos típicos de México, como los huaraches que tienen forma de sandalia, las chalupitas, más gruesas que los tacos, las tlayudas que son bastante más grandes, las quesadillas rellenas de queso, o los tlacoyos con frijoles en la masa. Los burritos sólo los encontrarás en el norte, ya que no son mexicanos, sino una adaptación americana o lo que llaman tex-mex ¡Tienes mucho que probar!

15. Róbalo a la veracruzana

Otra receta deliciosa de pescado es el róbalo a la veracruzana, aunque puede hacerse con pargo o con cualquier pescado blanco, que lleva un sofrito de cebolla, ajo, tomate, alcaparras, aceitunas y chile.

Desayunos típicos de México

En las grandes ciudades de México se ha puesto de moda una costumbre genial, salir a desayunar fuera de casa, por lo que te recomendamos que "donde fueres haz lo que vieres" y te dejes enamorar por alguno de los siguientes platos típicos de México, que encontrarás en el desayuno e incluso en la cena:

16. Barbacoa

La barbacoa es uno de los ricos desayunos mexicanos más típicos, que consiste en carne de ternera o cordero deshilachada, que tradicionalmente se cocinaba en un horno bajo tierra, tal y como hemos visto anteriormente en otras elaboraciones.

En la actualidad, o si lo quieres hacer en tu casa, puedes usar la olla a presión para cocer la carne junto con sal, ajos, laurel, cebolla, tomillo y unos granos de pimienta negra, y cuando esté tierna la deshacemos, y la servimos con un poco de su rico caldo o consomé, acompañada de lima, cebolla fresca y cilantro.

17. Birria

Esta receta tradicional de Jalisco, consiste en marinar la carne con diferentes tipos de chile, pulque, ajo, pimienta y orégano, que se cocinan al vapor en hojas de maguey, y se riegan con una salsa de tomate y cebolla asados. Una vez en la mesa, se acompañan con cebolla cruda, limones y cilantro fresco.

18. Chilaquiles

Otro de los desayunos favoritos de los mexicanos son los chilaquiles, unas tortillas de maíz pequeñas triangulares horneada o fritas conocidas como totopos, sobre los que se vierte una salsa picante roja o verde, de chiles y tomate, crema agria y queso, y se sirven con cebolla cruda, un huevo frito y frijoles. ¡La mejor forma de empezar el día!

19. Huevos divorciados

Otro desayuno tradicional de la gastronomía mexicana son los huevos divorciados, unos espectaculares huevos que se sirven sobre una tortilla que lleva salsa verde, hecha con una variedad de tomate verde llamado fresadilla, ajo, sal y aceite, otra salsa roja de tomate, chile serrano, ajo, cebolla y aceite de oliva, y frijoles refritos. Este plato se decora con cebolla fresca, cilantro y lima. ¡Muy ricos!

Si lo tuyo son los huevos para empezar el día, te aconsejo también los huevos norteños, un revuelto de cebolla, chile, tomate y carne deshilachada, servidos con las siempre presentes tortillas de maíz.

Postres típicos de México

Muchos de los postres mexicanos pueden recordarte a algunos propios de la gastronomía española, como el arroz con leche, o que nos resulten realmente familiares como el plátano frito con nata y leche condensada, pero te voy a recomendar los dulces mexicanos que no te puedes perder, aunque no seas goloso:

20. Capirotada

La capirotada es un postre delicioso tradicional durante la Cuaresma, que se elabora poniendo en un molde tortitas de maíz, pan tostado, frutas, pasas, frutos secos y todo lo que se te ocurra, a lo que se le añade una mezcla de leche normal, evaporado y condensada, galletas, canela, azúcar y clavo, todo previamente infusionado, y se mete al horno, resultando este fantástico pudin.

21. Pastel de tres leches

Con la descripción del pastel de tres leche, debes saber, que se te hará la boca agua. Un delicioso bizcocho hecho con harina, yemas, azúcar, claras montadas, vainilla y levadura, que se empapa con un leche entera, evaporado y condensada, y se sirve con nata montada y canela en polvo para decorar. ¡Espectacular!

Bebidas típicas mexicanas

22. Atole

Una bebida rica y reconfortante típica de México, que combina a la perfección con los tamales, es el atole, una bebida de maíz cocido, que se aromatiza con cacao, canela, vainilla, anís, chocolate, incluso zumos. Se endulza con piloncillo, también llamado raspadura, papelón o guarapo, así como con azúcar o miel.

23. Michelada y chelada

24. Mezcal, pulque y tequila

25. Aguas frescas

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Gastronomía mexicana: los 25 mejores platos típicos

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La gastronomía mexicana, declarada Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO desde el año 2.010, se ha convertido en una de las comidas más internacionales, considerada una de las mejores gastronomías del mundo, junto con la italiana, gracias a su variada materia prima de calidad, sus tradiciones ancestrales en la cocina, pero sobre todo, a esa explosión de sabores en el paladar casi adictiva, y sus coloridos platos.

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La gastronomía peruana es una celebración del Perú. Un país con una tradición milenaria y un promisorio futuro que no pierde de vista sus raíces y donde el arte del buen comer destaca entre sus habitantes como uno de los signos más distintivos de su identidad.

Lima, ha sido declarada capital gastronómica de Latinoamérica gracias a la amplitud y exquisitez de platillos aprobados de forma contundente por los más prestigiosos chefs y especialistas en el tema.

La Gastronomía Peruana ha sido postulada para ser declarada Patrimonio de la Humanidad (2011).

El pueblo peruano es famoso por su paladar exigente y refinado, el cual proviene de épocas inmemorables Las técnicas precolombinas permitieron la preparación de sopas, guisos y pescados crudos. El procesamiento de la comida era parte común de la vida diaria, al contar con conocimientos para salar carne, deshidratar y cocer en hornos de tierra natural.

Con la colonización española, unida a la migración africana, china, italiana y japonesa, la cocina peruana acogió diferentes formas de ver el mundo y nuevas técnicas de preparación. Destaca la influencia de España y de China, que originó gastronomías con denominación propia: comida criolla y chifa, respectivamente.

La riqueza de la cocina peruana se sustenta en el mestizaje de sus culturas; así como en la existencia de una de las mayores biodiversidades de la Tierra, lo que ha producido el nacimiento y evolución de gastronomías únicas.

La cocina costeña data de épocas virreinales, sobresaliendo dulces de gran acogida como la mazamorra, el turrón y los picarones. De igual modo, destacan los pescados crudos preparados en un platillo que ha dado la vuelta al mundo: el cebiche.

La región andina mantiene sus ingredientes desde el período preinca y en ella, el consumo de tubérculos, maíz, carne de llama, alpaca, trucha y cuy se ha enriquecido con la introducción del pan, el arroz, y las pastas. Mención especial para la pachamanca: almuerzo campestre realizado bajo tierra que da origen a una comida deliciosa y saludable.

La cocina de la selva, exuberante y exótica como la Amazonía, es tan amplia como desconocida. El Paiche, prodigioso pez de río, así como frutas en pleno proceso de descubrimiento como el camu camu, son materia prima para sus exquisitos platillos.

Dentro de la variedad de licores fabricados en Perú, el pisco es considerado como bebida nacional. Proviene de uvas locales, destiladas para obtenerlo y producir con éste el mundialmente célebre pisco sour. Translúcido, cristalino, brillante y sin color. Como si se tratara de un diamante, el pisco exige esas mismas características de calidad y belleza para recibir con honores su nombre.

Tarea de ciencia y arte es, pues, hacer el pisco y también saber beberlo. Se trata de un destilado de puro jugo de uva, entre 6 y 7 kilos para obtener un litro, que no incluye otro ingrediente más que el mosto recién fermentado de distintas variedades de uvas de nuestras costas. El resultado: pisco puro. Puro pisco peruano para deleite del paladar y el corazón del mundo. ¡Salud!
Fuente: PromPerú
MISTURA

Mistura, celebrada en la ciudad de Lima, se ha consolidado en pocos años como la feria gastronómica más importante de América Latina y adquiere creciente notoriedad internacional. Y es que no es solo un festival de comidas, sino mucho más, Es una fiesta donde los peruanos de los diversos sectores sociales, edades, género nos reunimos sin distingos sociales alrededor de nuestras ollas y fogones para celebrar nuestra tradición culinaria, sorprendernos ante nuestra creatividad, reafirmar nuestra identidad y celebrar nuestra diversidad cultural. En el Perú a lo largo de los siglos la comida ha estado asociada a las Fiesta. Es en ocasión de las fiestas patronales, Inti Raymi, San Juan, Cruz de Motupe, Señor Cautivo, navidad, semana santa y festejos familiares (matrimonios, cumpleaños, bautizos) que se han preparado los mejores potajes utilizando técnicas y recetas que nuestras guisanderas y cocineros han transmitido de generación en generación. En las fiestas y en las tradicionales picanterías la comida ha ido de la mano de la música y de la confraternización social entre los peruanos de los diversos estratos. Este es espíritu que predomina en Mistura.

La feria reúne a los diversos actores de la cadena gastronómica del Perú: pequeños agricultores, productores de pisco, cocineros, panaderos, vivanderas, dulceras, huariques, restaurantes, institutos de cocina, empresas procesadoras de alimentos.

En Mistura rendimos un homenaje especial a nuestra madre tierra. La naturaleza ha sido pródiga con el Perú. A lo largo de sus 7 mil años de historia, nuestra patria sigue ofreciendo una de las despensas más fascinantes del planeta. Y parte de esa riqueza se debe al hombre peruano. Al diálogo respetuoso que entabló con la pacha mama, con sus 85 entornos geográficos y climáticos. Esa ha sido la fórmula mágica para tener esa variedad de productos que hoy Mistura congrega en el Gran Mercado y son parte fundamental de la gastronomía peruana y la alimentación mundial.

La riqueza de nuestra gastronomía se sustenta en la historia y en la confluencia de particulares estilos culinarios e insumos de las diferentes regiones del Perú. A esto se suma en los últimos 5 siglos el aporte de los sabores europeos, árabes, africanos, chinos, y japoneses. Los peruanos hemos decidido contarle al mundo lo orgullosos que nos sentimos de nuestra cocina. Pero, sobre todo, queremos compartir los valores que marcan nuestro camino: tolerancia, respeto, compromiso con el medio ambiente y responsabilidad social. Buscamos que la cocina no sea un fin, sino un medio y se convierta en un instrumento de desarrollo inclusivo, identidad cultural, desarrollo e integración social.
Más información de Mistura .... Fuente: Mistura

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La gastronomía peruana es una celebración del Perú. Un país con una tradición milenaria y un promisorio futuro que no pierde de vista sus raíces y donde el arte del buen comer destaca entre sus habitantes como uno de los signos más distintivos de su identidad.

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Tequila, la bebida mas autentica de Mexico

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Hemos pensado en un evento sobre el tema de la gastronomía Peruana en Toulouse.
Esto implicaría de reunir varios camiones de comida para cada una de las especialidades de la calle en la "Place du Capitole" e instalar mesas y sillas en el medio de la plaza. Sería una fiesta convivial donde la gente podría reunirse y probar platos del Peru

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No podemos hablar de gastronomía sin hablar de bebidas y mas específicamente de cócteles típicos.

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LaGastronomía.com ∣ Despertando sentidos ocultos a través de la comida

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Muchas personas que viajan a México esperan probar diferentes bebidas alcohólicas mexicanas. Las bebidas mexicanas más populares que se buscan en varias partes del mundo son típicamente las coronas y el tequila. Incluso nuestro recorrido por el taco del Centro Histórico presenta un trago de tequila en la cantina más histórica de la ciudad. Sin embargo, hay muchas más opciones que son populares en la Ciudad de México, especialmente los cócteles.

La próxima vez que estés en la Ciudad de México, aquí hay ocho de los cócteles más populares para que cualquier entusiasta de los cócteles pruebe.

1. Margarita

Si bien la margarita es supuestamente un cóctel mexicano favorito, es más famosa en la Ciudad de México como bebida para turistas, en lugar de locales. Para los viajeros, muchos restaurantes y bares han trabajado para perfeccionar la margarita.

Debido al amor margarita, no sería un viaje completo a México sin una muestra de al menos una de las mejores margaritas de la ciudad. Dependiendo de su preferencia, puede probar la margarita tradicional con un vaso con borde de sal, o puede probar una de las infinitas variaciones de margaritas afrutadas o congeladas.

2. Ruso Negro

El Ruso Negro, es un famoso cóctel en la Ciudad de México. Hecho con vodka, Kahlua y cubitos de hielo, el Ruso negro es un cóctel mexicano sorprendente para la mayoría de las personas porque no se dan cuenta de que la bebida no es rusa. Kahlua es el licor con sabor a café que se originó en el estado de Veracruz, lo que lo convierte en un cóctel mexicano y no ruso.

La próxima vez que esté en la Ciudad de México, puede usar su conocimiento recién descubierto sobre el ruso negro, que en realidad es mexicano, para probar uno de los cócteles más populares de la Ciudad de México.

3. Ruso Blanco

El Ruso Blanco, es fácilmente primo del Ruso Negro, debido a su uso de Kahlua como uno de los ingredientes principales. Ruso Blanco también es un cóctel mexicano favorito, aunque la mayoría de las personas informan que es un gusto adquirido.

Ruso Blanco mezcla Kahlua y cubitos de hielo al igual que Ruso Negro, pero el ingrediente que distingue a los dos es que el Ruso Blanco también tiene leche. Ya sea que las personas prefieran la leche evaporada o la leche normal, el Ruso Negro es una bebida para probar mientras visitas la Ciudad de México.

4. Michelada

Muchas personas pueden volverse locas ante la idea de un cóctel de cerveza; sin embargo, si nunca has probado uno, la Ciudad de México es donde deberías probarlo. Si bien hay muchos cócteles de cerveza diferentes, el Michelada es el más popular. Está hecho con jugo de lima, clamato, sal, salsa picante, salsa Worcestershire y cerveza; todo servido en un vaso con borde de sal y chile.

Hay cientos de variaciones diferentes en la cantidad de cada ingrediente para agregar, por lo que si disfruta de un cóctel de cerveza, sepa que cada Michelada tendrá un sabor al menos ligeramente diferente de los demás.

5. Paloma

Uno de los cócteles más populares de los locales en la Ciudad de México es el Paloma. La palabra Paloma es español para paloma, y ​​también paloma, y ​​son significativamente favorecidas sobre la turística margarita. Las palomas están hechas con tequila, refresco de toronja y lima. Se sirve frío, en un vaso con sal y borde helado.

La mayoría de las personas lo disfrutan justo antes de una comida y lo encuentran particularmente refrescante en los días calurosos. Las personas a menudo se sorprenden por los ingredientes simples, y luego se sorprenden gratamente por el excelente sabor.

6. Charro Negro

Inicialmente, esta combinación suena como una típica solicitud de cóctel. Pero tiene un giro adicional que puede hacer que algunas personas lo llamen extraño. Del mismo modo, como el Paloma, el Charro Negro es un simple cóctel. Charro Negro se traduce como vaquero negro, y la bebida es ampliamente favorita en todo México.

Los charros negros están hechos con tequila y coca cola, servidos en un vaso helado con sal y jugo de lima. Los ingredientes que lo hacen un poco extraño es que la sal y la lima también se agregan a la bebida en sí. Algunas personas pueden ser escépticas. Pero con su popularidad, los Charro Negro son un gran cóctel para probar en la Ciudad de México.

7. Curado de Pulque

El Curado de Pulque es una bebida prehispánica que no se permite exportar. Si bien los ingredientes de este cóctel pueden sonar un poco extraños. Esta bebida tradicional es una de las favoritas en la Ciudad de México.

Un curado es esencialmente una combinación de pulque. Mejor descrito como una bebida viscosa y saludable hecha en el centro de México, y varios aromas de frutas o nueces. El pulque es un alcohol elaborado a partir de la savia fermentada de la planta de agave. Mucha gente agrega azúcar o miel a la bebida para hacerla aún más dulce. Si bien puede sonar peculiar. El Curado de Pulque es una bebida que debes probar cuando visitas la Ciudad de México.

8. Vampiro

El Vampiro está más estrechamente relacionado con Blood Mary's, aunque es diferente. Un Vampiro es una versión mexicana del cóctel Bloody Mary. Está hecho con jugo de lima, sangrita, tequila y refresco de toronja. Como muchos otros cócteles mexicanos. El Vampiro se sirve en un vaso con borde de sal, con mucho hielo. La bebida tiene un sabor refrescante y es otra bebida para proba r en la Ciudad de México.

Los Mejores Cócteles que Debes Probar en México

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Conoce los Ocho Cócteles que Debes Probar en México

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Muchas personas que viajan a México esperan probar diferentes bebidas alcohólicas mexicanas. Las bebidas mexicanas más populares que se buscan en varias partes del mundo son típicamente las coronas y el tequila. Incluso nuestro recorrido por el taco del Centro Histórico presenta un trago de tequila en la cantina más histórica de la ciudad.

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Nuestro evento tendrá lugar en la plaza del Capitole de Toulouse, donde cocineros mexicanos explicarán a cada uno cómo hacer sus tacos. Para añadir ambiente, mariachis interpretarán canciones típicas mexicanas.

Los talleres se llevarán a cabo en pequeños grupos de 20 cada media hora.

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Este video es un video de la oficina de turismo de Argentina, que presenta una parte de la gastronomía argentina sin entrar en demasiados detalles.

El objetivo es presentar la mayoría de los tipos de comidas, no los platos directamente. Se pueden ver vinos, carnes rojas, pescados, postres, mariscos ...

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Shakira es colombiana, y forma parte de nuestro evento !

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Shakira es colombiana, y forma parte de nuestro evento !

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Este video es más explicativo, una persona presenta 10 platos típicos argentinos y explica lo que hay en el plato. Hay entrantes, platos principales y postres.

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Comida típica de Argentina 🇦🇷 | 10 Platos que debes probar

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Vamos a presentar un juego de degustación con tema la gastronomía argentina.

¿Conoces a la jefa (Top chef)?

Es un programa en Francia que recompensa a los mejores cocinar.

Vamos a poner a disposición los alimentos típicos argentinos como la carne; pollo; choclo; Jamón; queso; masa de empanadas y muchas salsas locales.

Con un cronómetro de 1 hora debes crear una especialidad argentina reinventada en la gastronomía francesa (para ser más claro,el año pasado por ejemplo, un jefe realizó una gran empanadas en forma de la torre Eiffel).

Así que utiliza los ingredientes que vienen directamente de Buenos Aires

¡Buena suerte y que gane el mejor!

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Este artículo presenta la historia de la gastronomía argentina a lo largo de los siglos. Nos explica que los países europeos han tenido un papel que jugar en el desarrollo de esta gastronomía.

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21 Mayo, 2016
Hasta finales del siglo XIX podríamos decir que la cocina argentina se a caracterizaba por ser extremadamente básica. Aunque de mucho valor, pocos eran los ingredientes fuertes de esta culinaria argentina y la forma en que se desenvolvía la manera de cocinar estaba profundamente vinculada a las condiciones sociales en que se iba desarrollando la nación. Es por eso que las distintas cocinas europeas, como la cocina española, la cocina italiana, van a desempeñar un papel trascendental en la nueva culinaria argentina.
Recorramos la historia de la cocina argentina

Durante todo el siglo XIX, Argentina fue delineando su perfil económico y esto se realizó conforme a los requerimientos del comercio mundial. Luego de la independencia, en 1816, de la monarquía española, Argentina comenzó a recibir una fuerte influencia comercial política y económica del Imperio Británico. Así se fue definiendo a Argentina como un fuerte productor de carnes y de cereales, poco desarrollo industrial y una economía sustentada en la producción de primarios. Como no podía ser de otra forma, la cocina argentina estaba muy asentada en estos productos: carnes, trigo, maíz. Es por eso que, si queremos hablar de comida verdaderamente autóctonas, la lista sería bastante corta, el asado, el locro, y algunos derivados de las harinas, como las empanadas que combinaban un poco de cada cosa.

Esta economía primaria sirvió para el crecimiento económico de las clases sociales poseedoras del ganado y la tierra, pero muy lejos de un desarrollo armónico, lo que determinó el nacimiento de grandes bolsones de pobreza. En estos sectores sociales, la cocina argentina se limitaba a lo que, los ricos de la época llamaban despectivamente "olla podrida" que no era otra cosa que el puchero, carne con hueso hervida junto a verduras y choclos. Hoy todos sabemos que el puchero forma parte de la carta de los mejores restaurantes de cocina argentina.

Hacia fines del siglo XIX, Argentina contaba con un extensísimo territorio y una muy escaza población aglutinada en las principales urbes, es por eso que se impulsó a través de sucesivas leyes, la llegada de inmigrantes. Esto va a ser determinante en el nacimiento de la cocina argentina que hoy conocemos. Millones de inmigrantes de toda Europa y Medio Oriente fueron modificando el perfil culinario de Argentina.

Este cambio radical, consistió simplemente en un mejor uso de los ingredientes y productos ya existentes. Cada acervo nacional le imprimió a la culinaria argentina un nuevo toque.

De Italia con amor

La cocina italiana va a ser determinante en las nuevas definiciones de la cocina argentina. El aporte más importante fue la elaboración de pastas. De esta manera, se comenzó a aprovechar de una forma diferente la facilidad con la que se accedía a la harina. Tallarines, gnoccis, eran comunes en los conventillos de Buenos Aires, donde, a pesar de la pobreza, la inventiva de la cocina italiana ayudó a paliar las necesidades. Esa gran disponibilidad de harina, combinada con la influencia italiana va a dar lugar al nacimiento de una nueva forma de hacer pizza. A diferencia de la que se consumía en la península, acá comenzó a elaborarse con una masa alta, el objetivo era sencillo, había que llenar el estómago de los comensales.

La cocina italiana tomó para si lo mejor de los productos argentinos y dio lugar al nacimiento de una nueva culinaria que debió imponerse en medio de privaciones y necesidades.

La cocina española, una presencia constante

La colonización de América, por parte de los españoles, hizo que la cocina española, tuviera desde siempre una fuerte influencia, primero en las tierras del Río de la Plata y luego en la naciente Argentina. De hecho, la mayor parte de la población estaba conformada por nativos españoles y los criollos - hijos de españoles nacidos en estas tierras. Pero la inmigración de finales del siglo XIX también aportó lo suyo desde la península ibérica, ya que Argentina se abrió a nuevos contingentes españoles, esta vez provenientes desde todos los rincones y sobre todo de las clases sociales más empobrecidas, que contribuyeron con su inventiva a la hora de sobrevivir. Guisos y el ya mencionado puchero son exquisitas herencias provenientes de la vieja España. También los postres como el pionono o los alfajores son el producto de la influencia de la cocina española.

Las comidas del mundo reunidas en Argentina

Si bien es cierto que las mayores influencias provinieron de la cocina italiana y de la cocina argentina, la inmigración trajo a este país contingentes de todo el mundo. Así en el litoral argentino - conformado por las provincias ubicadas al este del país - recalaron centenares de familias centro europeas. Alemanes, polacos, austriacos poblaron esa zona de Argentina y allí, aún hoy, podemos saborear las exquisiteces de esas regiones. Un buen gulasch, el chucrut y tantos otros platos.

La cocina europea ha sido determinante en la conformación de lo que hoy conocemos como la cocina argentina, una gastronomía que ya se ha ganado fama internacional propia, gracias a las bondades de sus ingredientes y la creatividad de la que somos capaces en estas latitudes.

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La influencia europea en la comida argentina

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Hasta finales del siglo XIX podríamos decir que la cocina argentina se a caracterizaba por ser extremadamente básica. Aunque de mucho valor, pocos eran los ingredientes fuertes de esta culinaria argentina y la forma en que se desenvolvía la manera de cocinar estaba profundamente vinculada a las condiciones sociales en que se iba desarrollando la nación.

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Este artículo presenta la mayoría de las bebidas argentinas, ya sean infusiones o licores o aperitivos

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Las 25 mejores bebidas típicas de Argentina

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El mate, el vino y el fernet, encabezan la lista de todas las bebidas típicas de Argentina, pero no son las únicas que por costumbre se bebe en este país suramericano. Conozcamos en este artículo las mejores 25 bebidas típicas de la Argentina. 1. Mate En 98 de cada 100 hogares argentinos se bebe el

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Las 25 mejores bebidas típicas de Argentina

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La musica cubana naci de un mezcla cultural entre la musica europea, Africana y del continente americano. Su origen proviene de la música española  y de los ritmos y cantos africanos traídos por los esclavos desde el siglo XVI.
Cualquier clasificación que se pretenda hacer de la música cubana dependerá más bien del grado de mezcla entre las influencias españolas y africanas que se descubran en ella.
Tambien es el resultado de un mezcla entre las percusiones africanas y la guitarra española.
La música cubana es uno de los pilares fundamentales de la nación. Habla de la historia, las tradiciones y la identidad del cubano de todas las épocas.

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No hay dudas de que uno de los grandes atractivos para los extranjeros que llegan de visita a la Argentina es su gastronomía pujante. Asado, empanadas, locro, milanesas, pizzas...¡Los amantes del buen comer pueden degustar todo tipo de platos en nuestro país!

Y es que la gastronomía local ha sido influenciada por diferentes cocinas del mundo. Por este motivo, tampoco debe asombrar que la cocina tradicional justamente goce de una popularidad que traspasa fronteras.

Pero las recetas locales no tendrían el éxito que tienen hoy en día si no fuera por los cocineros argentinos que se han encargado de consagrar nuestra cocina más allá de la esfera nacional.

Si te interesa la gastronomía, no te pierdas este artículo con las principales claves para entender el éxito de la cocina argentina.
Y seguí leyendo para enterarte todo sobre la cocina local...
El asado, patrimonio nacional

Todas las personas que alguna vez hayan oído hablar de la Argentina, probablemente también hayan escuchado la palabra "asado". Y es que no se trata de una especialidad local más, sino de un verdadero símbolo patrio. En líneas generales, los argentinos suelen juntarse los fines de semana o feriados para llevar a cabo este evento gastronómico único en el mundo que puede extenderse durante horas.

Tal es la pasión que el asado despierta en los locales que incluso han logrado transmitirla a los extranjeros. Hoy en día, la gran mayoría de los turistas que llegan al país lo primero que hacen es buscar un restaurante donde degustar los cortes más conocidos.

La entraña, el bife de chorizo, la bondiola, la tira de asado, las achuras, la morcilla y el chorizo son algunos de los infaltables en cualquier parrilla argentina.

Pero no todo es carne en este país de Sudamérica... Cuando el asado es realizado por locales, y puertas adentro, la famosa picada no puede faltar. Es una suerte de entrada que ayuda a calmar el hambre mientras el plato principal se cocina a fuego lento. Tampoco las ensaladas y los condimentos (como la salsa criolla y el chimichurri), ideales para acompañar el y el famoso"choripan".

Pero hablar de asado, es también hacer referencia al vino. Dependerá de los gustos del comensal, el varietal más indicado.
En este artículo, descubrí la apasionante historia de la gastronomía argentina.
Cocineros argentinos y su influencia en el extranjero

Para entender cómo es que la gastronomía local ha logrado posicionarse como una de las más interesantes del mundo es necesario hablar de los chefs argentinos. Tanto desde el país como radicados en el exterior, ellos han logrado que algunas de las recetas más típicas de nuestro territorio se lleven toda la atención y el reconocimiento internacional.

Mauro Colagreco, por ejemplo, es uno de los cocineros locales que ha representado con mucho éxito a la cocina argentina en el mundo. Con su restaurante Mirazur, en la Costa Azul francesa, logró llevarse en tres oportunidades la estrella Michelin, uno de los galardones más importantes para los profesionales del sector.

Francis Mallman es otro de los cocineros que se ha encargado de poner lo mejor de la cocina de América del Sur en los platos de los comensales de las principales capitales del mundo. Con nueve restaurantes en diferentes lugares del globo y varios libros editados, este chef reconocido por sus técnicas de cocción a las brasas fue catalogado por la prestigiosa revista Esquire como el más "interesante" del panorama gastronómico contemporáneo.

Este escenario no hace otra cosa que demostrar que la gastronomía argentina cosecha seguidores en diferentes partes del planeta y, que todo indica, que este fanatismo de los comensales extranjeros por las recetas tradicionales no hace otra cosa que ir en ascenso.
Te contamos cómo varían las recetas argentinas, de provincia a provincia.
La gastronomía argentina, un imán para los turistas

Si bien una vez que conocen nuestro país los turistas suelen asombrarse de lo variada que es la cocina argentina, lo cierto es que la mayoría de ellos llega pensando principalmente en degustar carne.

La fama internacional que tienen estos platos típicamente argentinos ha sido demostrada por un estudio gastronómico reciente que llevó a cabo Taste Atlas, un mapa que recopila lo mejor de la cocina mundial. De acuerdo con este relevamiento, la parrilla local fue elegida como una de las 100 mejores comidas del mundo.

Aunque la gastronomía asiática y la italiana se llevaron la gran mayoría de los votos, este símbolo nacional se posicionó en el puesto 24 de este ranking más que reñido.

Pero la cocina argentina, como no nos cansamos de repetir, va mucho más allá del tradicional asado. Y, siguiendo un estudio de Google, los turistas que llegan a Buenos Aires también se sienten atraídos por otras opciones.

Si bien a la hora de buscar en Internet un lugar para sentarse a comer un 26% de los recién llegados se inclinan por las parrillas, otro 18% elige cafeterías y un 6% se siente atraído por la pizzerías porteñas.

Esto indica que, además de los cortes de carne, el "choripan" y la provoleta, los turistas también quieren degustar otras de las principales especialidades que ofrece nuestro país. Tostados, fugazettas, milanesas...¡Un mundo de sabores por descubrir!

Aprendé más en profundidad con un curso de cocina.

Las exportaciones de alimentos argentinos en el mundo

Argentina también exporta al mundo. En el caso de considerar a la Unión Europea como un solo mercado, nuestro país es considerado como uno de los 10 principales exportadores de bienes agropecuarios y de alimentos del planeta.

Entre los productos más vendidos se encuentran los residuos de soja, aceite de soja, semillas de soja, maíz, carne vacuna (sin hueso), trigo, aceite de girasol, leche, vino, entre muchos otros.

Si se pone la mirada en las cifras, cabe destacar que a fines del 2018 las exportaciones argentinas de alimentos y bebidas superaron los u$s25.000 millones.

Los platos argentinos más populares

Cada cual tiene sus preferencias, pero sin dudas estos son algunos de los platos típicos más consumidos por los argentinos:

1. Asado. A esta altura, nadie puede negar que el asado es la comida más tradicional que tiene nuestro país. Los diferentes cortes de carne se acompañan con papas fritas, ensaladas y provletas.

2. Empanadas. Cada provincia las cocina a su manera, pero tanto las dulces como las saladas son igual de deliciosas.

3. Milanesa. Si bien esta comida viene de Italia, los argentinos la adaptaron como propia muy rápidamente y hoy no falta en ninguna mesa rioplatense.

4. Locro. Ideal para degustar en los días patrios, como el 25 de mayo.

5. Choripán. En el asado o en la cancha, los argentinos son fanáticos de este sándwich típicamente argentino.

6. Alfajores. Los alfajores son uno de los bocados dulces con más adeptos locales...

7. Pizza. Diferente a la italiana, la pizza argentina tiene todo para conquistar a los amantes del buen comer.

8. Pastas. Son una parte fundamental de la dieta de los habitantes de nuestro país, en sus versiones simples o rellenas.

9. Sándwiches de miga. El típico sándwich de miga es de jamón y queso y se puede conseguir en cualquier cafetería.

10. Tortas fritas. Un bocadito capaz de trasladarnos sin escalas a la época colonial.

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El auge actual de la gastronomía argentina | Superprof

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No hay dudas de que uno de los grandes atractivos para los extranjeros que llegan de visita a la Argentina es su gastronomía pujante. Asado, empanadas, locro, milanesas, pizzas...¡Los amantes del buen comer pueden degustar todo tipo de platos en nuestro país! Y es que la gastronomía local ha sido influenciada por diferentes cocinas del mundo.

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La musica cubana utilisa instrumentos muy specificos y es muy importante de respectarlos. Tenemos los maracas, el chekere, el guiro, la campana, las claves, los bongos, las congas y los timbales.