# data[].attributes.body
La pintura como material artístico es algo casi indispensable en mi vida como artista plástica que disfruta de realizar ilustraciones de técnica mixta, los pigmentos y lo que podemos expresar con su uso es casi tan infinita como lo es nuestra imaginación, la pintura en si ha tenido una historia fascinante, puesto que a medida que evoluciono la ciencia la forma de conseguir estos pigmentos evolucionó con ella en gran medida, el color y como se ve impreso en como percibimos nuestro entorno o las cosas que consumimos. Desde tierra y grasa mineral a los oleos y pinturas acrílicas que tenemos en la actualidad la humanidad ha tenido una fascinación absoluta a lo que conocemos como pinturas o lienzos en los que retratamos paisajes, objetos, animales, personas, todo con la ayuda de un pincel y aquellos preciados pigmentos. Nuestra historia ha estado fuertemente enlazada con el arte y todas sus expresiones a lo largo de los siglos, por ende, entender su historia y como se relacionan con aspectos de nuestra vida diaria como artistas es importante para poder sentir una mayor conexión con aquel material artístico que nos permite tanta expresión como lo es la pintura.

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Desconocido

*Título: El bestiario de la sala de los Toros

*Técnica: pigmentos sobre piedra

*Dimensiones: 2000 cm

*Fecha: 17.000 o 18.600 años A.C

*Estilo o corriente artística: pintura rupestre

*Lugar: Cueva Lascaux, suroeste de Francia

# data[].attributes.body
Ubicada en la cueva Lascaux al suroeste de Francia se encuentra la obra rupestre conocida como El Bestiario de la Sala de Toros, esta composición con el uso de pigmentos en roca datada del 17.000 o 18.600 años A.C, fue descubierta en 1940 por un adolescente que entró en compañía de su perro de nombre Robot para buscar en el interior de la cueva un supuesto tesoro, posteriormente se le unirían 3 amigos más en este histórico descubrimiento. Dicha obra deja maravillado a cualquiera, una colección de osos, toros, caballos y otros bóvidos son apreciables en una franja de 20 metros de longitud y alrededor de 1400 grabados. A pesar de ser cerrada en 1963 aun puede ser apreciada en la llamada Lascaux 2 a unos 200 metros de la cueva original, el motivo detrás del cierre de la cueva original fue debido a que el calor de la gente y las luces causaron daños en las pinturas, al igual que los tratamientos químicos que fueron usados para evitar la aparición de hongos en los gravados.  Este tipo de obras rupestres son de suma importancia para nosotros los artistas y para toda la raza humana en general, puesto que son nuestros primeros inicios en la búsqueda de expresión mediante la representación de elementos como los animales, que, si bien pueden ser considerados cotidianos y mundanos para otras personas, representan una parte crucial de cómo vivían comunidades de humanos miles de años antes que nosotros. La ingeniosa mezcla de pigmentos naturales con grasa animal y otros fluidos permitió las primeras formas de lo que podemos llamar “pintura”, demostrando aún más el ingenio y la recursividad de nuestros antepasados, estos pigmentos eran usualmente hechos de elementos que los rodeaban, como el carbón vegetal, heces, sangre, y diferentes minerales, tales como hematita, óxido de manganeso o mezcladas con algún tipo de medio, como la arcilla.

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Desconocido

*Título: Puerta de Ishtar

*Técnica: adobe y ceramica vidriada

*Dimensiones: 15 metros de altura por 24,5 de ancho

*Fecha: 575 a.c

*Estilo o corriente artística: arte mesopotamico

*Lugar: Museo de Pérgamo de Berlín

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Desconocido

*Título: Estela del toro de Buchis

*Técnica: Caliza dorada y pintada

*Dimensiones: H. 73 cm

*Fecha: Desconocido

*Estilo o corriente artística: pintura

*Lugar: The egyptian museum

# data[].attributes.body
Esta obra es titulada Estela del toro de Buchis y se encuentra en el Egyptian Museum en el Cairo, sus medidas son 73 cm, esta pieza está compuesta por un platinaje con finas laminas color dorado y pigmentos aplicados sobre una piedra tallada con diferentes escrituras, sus colores principales son el dorado, el rojo y el azul, resaltando el primero

Podemos asumir que la técnica utilizada para lograr este efecto tan apreciado por los egipcios fue el uso de platinas doradas imitando de esta forma el oro, los pigmentos utilizados en esta obra podemos deducir que son mezclas de diferentes componentes y minerales como el lapislázuli para el color azul profundo en la obra y el color rojo que se aprecia pintando la piel de la figura humana podría tratarse de carmín u ocre, dos pigmentos rojizos que han acompañado desde tiempos inmemoriales el arte humano.

Su composición se encuentra casi sectorizada y dividida de forma en la que los jeroglíficos resaltan la figura dorada del bovino que se estima representa la diosa egipcia Buchis, reflejando la cercanía humana con los dioses, y un ave que se deduce es un tipo de halcón, esta es una pieza fascinante y encantadora cuya funcionalidad seria de culto a una divinidad representante del poder, por eso sus colores vibrantes y la posición de los protagonistas tienen la intención de captar la atención del observador, en especial con el detalle dorado que posee el toro.

Debido a que esta era una pieza para la adoración, también podemos observar que en la composición de la imagen la persona representada esta venerando la figura dorada del bovino representante de la obra, también que el animal o deidad en cuestión esta en una plataforma, lo cual nos lleva de nuevo a pensar que este es un símbolo de adoración.

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Desconocido

*Título: Oinochoe de terracota (jarra)

*Técnica:  Pintura en vasija de terracota

*Dimensiones: H. 9 1/4 pulg. (23,5 cm); diámetro 6 13/16 pulg. (17,3 cm)

*Fecha: mediados del siglo IV a.

*Estilo o corriente artística:  Grecia Clásica

*Lugar:  MET Museum

# data[].attributes.headline
Losa funeraria de piedra caliza pintada con un hombre controlando un caballo encabritado

# data[].attributes.subject
Losa funeraria de piedra caliza pintada con un hombre controlando un caballo encabritado

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Desconocido

*Título: Losa funeraria de piedra caliza pintada con un hombre controlando un caballo encabritado

*Técnica: pigmentos sobre piedra

*Dimensiones: 15 1/2 × 10 1/2 × 2 7/8 in. (39.4 × 26.7 × 7.3 cm)

*Fecha: 2.ª mitad del siglo III BCE

*Estilo o corriente artística: Grecia Helenística

*Lugar: MET Museum

# data[].attributes.body
Ubicada en el MET Museum la Oinochoe de terracota (jarra) es una obra que se compone de pigmentos en una vasija de terracota, la imagen pintada se compone de tres figuras, una masculina alada de nombre Eros, una femenina Pompe de pie la cual se encuentra en medio de ambos hombres y una masculina sentada que en este caso es Dionisio, nombres inscritos en la obra. Sus medidas son H. 9 1/4 pulg. (23,5 cm); diámetro 6 13/16 pulg. (17,3 cm), esta vasija pertenece al periodo de la Grecia clásica y fue hecha a mediados del siglo IV.

Podemos apreciar que la figura de Eros se encuentra en una posición de colocarse sus sandalias para salir del lugar, entretanto Pompe se encuentra sosteniendo una corona y su manto refleja de una forma hermosa y delicada su desnudes, mientras mira a Dionisio que se encuentra sentado en una silla observando directamente a Pompe. Podemos a su vez apreciar un objeto de forma parecida a una canasta ubicada en el suelo en medio de Eros y Pompe. Los colores amarillo ocre y crema contrastan de una forma deslumbrante esta vasija negra. Tanto Eros como Pompe están pintados de color crema con detalles ocre, mientras que Dionisio se encuentra pintado de ocre en su totalidad, probablemente para demostrar así signos de su divinidad.

Estas vasijas eran decoradas de esa manera para poder contar así mediante estas ilustraciones momentos importantes que resaltaran su mitología, las pinturas y los colores usados en ellas nos sirven para comprender mejor lo que se consideraban de gran importancia para así ser inmortalizados en estas vasijas y a su vez nos recuerdan que la pintura tiene como factor crucial el preservar lo que sentimos importante para la posteridad tal y como generaciones pasadas lo han hecho durante siglos.

# data[].attributes.headline
Cambio de tema padlet, de pintura a animales

# data[].attributes.subject
Cambio de tema padlet, de pintura a animales

# data[].attributes.body
Los animales nos han acompañado desde tiempos inmemorables, es justo decir que nos preceden en cuanto a tiempo de existencia se refiere, criaturas que se parecen a nosotros en cuanto nuestra naturaleza pero nos distinguimos únicamente por nuestra capacidad de pensar y usar herramientas de mejor forma. Los animales en el arte se encuentran desde los tiempos rupestres, dibujados en las cavernas por nuestros antepasados para demonstrar sus cacerías exitosas y lo que habían atrapado para su tribu, o para representar las diferentes formas en las que los dioses y entidades superiores las cuales se transformaban para entrar de incognito al mundo de los mortales. Podemos usarlos de manera simbólica o literal en nuestras obras, para ilustrar sabiduría, poder o sencilles, podemos proyectar en ellos significados de todo tipo para mediante sus figuras expresar valores que de otra forma seria complicado de representar en las pinturas o esculturas que creemos.

# data[].attributes.headline
 Rómulo y Remo amamantandose de su loba madre adoptiva

# data[].attributes.subject
 Rómulo y Remo amamantandose de su loba madre adoptiva

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Desconocido

*Título: Rómulo y Remo amamantandose de su loba madre adoptiva

*Técnica:  Estatua de bronce

*Dimensiones: 75 cm x 114 cm

*Fecha: c. 500–480 d.c  o siglo XII d.c

*Estilo o corriente artística:  Imperio Romano

*Lugar:  Museo Capitoline

# data[].attributes.body
Rómulo y Remo, hijos del Dios Marte y producto de una violación, fueron lanzados en una cesta al rio Tíber para para que los recién nacidos sobrevivieran de lo que sería una muerte segura a manos del rey ilegitimo Amulio, después de decretar el asesinato de todos los descendientes de su hermano Numitor, por excepción de su sobrina Rea Silvia a la cual hizo una Vestal para evitar que esta tuviera descendientes que pudieran heredar el tono que este habría usurpado.

Milagrosamente fueron salvados a la orilla del rio por una loba que los amamanto como si fueran sus cachorros, ellos crecerían para recuperar su derecho legítimo al trono y fundarían la ciudad de Roma, poco tiempo después y debido al destino Rómulo daría muerte a Remo pasando así en la historia como el inicio de un gran Imperio cuyo origen estaría marcado con la violencia y tragedia que se repetiría en las historias de todos los posteriores dirigentes del imperio romano.

En la escultura de bronce encontrada en el museo Capitoline ubicada en Roma, se muestra la figura de la loba Luperca amamantando a los bebes Rómulo y Remo, podemos apreciar que la composición de esta obra tiene parecidos importantes a las esculturas de la cultura etrusca a pesar de ser creada según las pruebas científicas en la época medieval, donde originalmente la figura de la loba no estaba acompañada por las figuras de los fundadores de Roma, estas figuras adicionales serian introducidos años después en el renacimiento.

Podemos apreciar que la escultura nos muestra una loba de pie mirando para su lado izquierdo, sus 8 ubres se encuentran muy visibles y prominentes, debajo de la figura de la loba podemos apreciar a los dos pequeños niños, Rómulo y Remo alimentándose de su leche.

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Desconocido

*Título: Panel con un grifo

*Técnica: Escultura en Piedra

*Dimensiones: 15 1/2 × 10 1/2 × 2 7/8 in. (39.4 × 26.7 × 7.3 cm)

*Fecha: 1250–1300

*Estilo o corriente artística: Imperio Bizantino

*Lugar: MET Museum

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Desconocido

*Título: El buen pastor

*Técnica: pigmentos sobre piedra

*Dimensiones: Desconocido

*Fecha: s III

*Estilo o corriente artística: Paleocristianismo

*Lugar: Roma

# data[].attributes.body
La obra es una pintura realizada con pigmentos en piedra y esta puede ser encontrada en el interior de una catacumba romana en la ciudad de Roma. La pintura El Buen Pastor es representativa de la época del Paleocristianismo pues gracias a que la religión cristiana fue prohibida y sus seguidores y enseñanzas  perseguidas durante ese tiempo, sus representaciones debían ser sutiles y simbólicas, de tal manera que solo alguien que leyera la Biblia pudiese entenderla. Además de hacerse en lugares poco comunes e inesperados como las tumbas en las cuales los romanos no irrumpían por respeto, todas estas prácticas se hacían para pasar desapercibidos y que sus obras no fueran destruidas por sus perseguidores, el ejército romano y los iconoclastas.

Su composición es muy interesante pues la imagen principal es la de una figura de un joven pastor con una cubeta con agua en una mano, mientras en sus hombros y a su alrededor está acompañado de animales pequeños que podemos inferir son ovejas. En esta representación, la imagen principal es el pastor, en este caso Jesús, quien está guiando a las ovejas descarriadas, un símbolo de una humanidad perdida y agobiada sin la intervención de este pastor. Especialmente vislumbrada en la pequeña oveja que vemos cargada en sus hombros la cual en el texto bíblico se nos relata está perdida.

Si bien esta obra es poco conocida por los creyentes de hoy en día, esta es una de las primeras representaciones de Jesús o alusivo a este, y ha sido replicado múltiples veces a lo largo de la historia, al punto en el cual en la modernidad podemos seguir viendo representaciones parecidas en iglesias y casas de los creyentes, donde no es inusual encontrar altares y pinturas de Jesús acompañado de ovejas.

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Desconocido

*Título: Catedral de Colonia

*Técnica:  Piedra

*Dimensiones: Longitud 144.5m, ancho 86.25m, altura 157m

*Fecha: 1239-1880

*Estilo o corriente artística:  Gótico

*Lugar:  Colonia, Alemania

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Desconocido

*Título: Iglesia de San Vicente de Cardona

*Técnica:  Piedra

*Dimensiones:  altura 19m, ancho de 17,5m y  longitud de 49m

*Fecha: 1019-1040

*Estilo o corriente artística:  Románico Catalán

*Lugar: Cardona (Cataluña)

# data[].attributes.body
Las obras por comparar son la Iglesia de San Vicente de Cardona, y la Catedral de Colonia. La Iglesia de San Vicente esta ubicada en la ciudad de Cardona en Cataluña en España, y La Catedral de Colonia está ubicada en la ciudad de Colonia en Alemania.

A pesar de ser construidas con el mismo material sus similitudes son pocas, el estilo románico se caracterizó por ser compacto y pesado, resistente a posibles ataques o incendios, con una gran acústica en su interior fue el hogar de los cantos gregorianos que los relacionamos con la época medieval. Su arquitectura le daba un parecido leve al imaginario común de los castillos, siendo estos últimos de mayor tamaño. La Iglesia de San Vicente de Cardona hoy en día se encuentra en un buen estado a pesar de su antigüedad, lo cual es testimonio de su buena construcción y a los trabajos de conservación realizados en el año 1949, esta es una estructura solida hecha de piedra con pocas ventanas para asegurar la integridad de la iglesia y un gran representante de la arquitectura románica, específicamente del románico catalán.

Por el contrario, La Catedral de Colonia es representante de la arquitectura gótica alemana, superando en tamaño y complejidad a la Iglesia de San Vicente, el estilo gótico fue caracterizado por ser más dramático en cuanto su altura y ornamentación, mientras el románico era mas conservador en sus decoraciones bajo la creencia de que éstas serían una distracción para los creyentes, el arte gótico y sus grandes vitrales trabajaban la premisa de usar la luz como símbolo de la divinidad y una forma de transportarnos a una conexión con un ser superior.

# data[].attributes.body
Ficha técnica

* Artista: Tiziano

* Título: Federico Gonzaga, I duque de Mantua

* Técnica: Oleo sobre lienzo

* Dimensiones: 125 cm x 99 cm

* Fecha: 1523

* Estilo o corriente artística: Renacentismo del Norte de Europa

* Lugar: Museo del Prado, Madrid, España

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Baldassarre Peruzzi

*Título: Villa Farnesina

*Técnica: Fresco

*Dimensiones: 295 x 224 cm

*Fecha: 1505-1511

*Estilo o corriente artística: Arte renacentista italiano

*Lugar:  Roma

# data[].attributes.body
Las obras para comparar son el retrato de Federico Gonzaga, I Duque de Mantua, y una fracción del fresco de Villa Farnesina. Ambas contienen representaciones de animales en ellas, pero la importancia dada a estos varía, mientras en una de las obras toma un papel principal la segunda toma un rol secundario casi de fondo.
En el retrato de Federico Gonzaga I Duque de Mantua se ve la figura de un hombre de posible procedencia noble tomando en cuenta sus ropajes y su posición de poder e importancia que se presenta en la pintura, pero más allá del respeto que puede dar la figura de este, el elemento de un pequeño y peludo compañero que se roba las miradas al ser un elemento tan sorpresivo y peculiar que le agrega un elemento de ternura al retrato que este amante de los animales no tendría de otra forma. La presencia del adorable maltes en combinación de los colores usados en la indumentaria del retratado, da una apariencia de amabilidad y de compasión por parte de la persona presente en la obra.
En contraste, el fragmento escogido del fresco de la Villa Farnesina muestra palomas blancas, aunque sutiles ante la presencia de las figuras humanas, y de ángeles presentes en la totalidad del fresco, en esta obra se ven presentes varios tipos de aves volando en lo que podemos asumir por su color es el cielo. Las palomas son en este caso una simbología al espíritu santo, entidad que esta siempre presente en las representaciones de tipo católico prominentes en la edad media, la obra transmite el estar en la bóveda celeste junto con los ángeles y querubines, el uso del dorado es mas sutil en esta obra lo cual nos da un ambiente mas terrenal pero aun divino.

# data[].attributes.headline
Retrato de Eleonora Gonzaga della Rovere 

# data[].attributes.subject
Retrato de Eleonora Gonzaga della Rovere 

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Tiziano

*Titulo: Retrato de Eleonora Gonzaga della Rovere

*Técnica: Oleo sobre lienzo

*Dimensiones: 114cm X 102,2cm

*Fecha: 1538

*Estilo o corriente artística: Renacimiento

*Lugar: Galería Uffizi, Florencia

# data[].attributes.body
Ficha técnica

* Artista: Philipp Peter Roos

* Título: Pastor y animales en un paisaje

* Técnica: Oleo

* Dimensiones: 50 X 45 cm

* Fecha: Siglo XVII

* Estilo o corriente artística: Barroco

* Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes, Argentina

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Francisco de Goya

*Título: Perro semihundido

*Técnica: Oleo sobre revoco, trasadado a lienzo

*Dimensiones: 131,5cm x 79,3cm

*Fecha: 1819-1823

*Estilo o corriente artística: Romanticismo

*Lugar: Museo del Prado, Madrid, España

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Jacques- Louis David

*Título: Napoleón cruzando los Alpes

*Técnica: Oleo sobre lienzo

*Dimensiones: 260cm x 221cm

*Fecha: 1811

*Estilo o corriente artística: Neoclasicismo

*Lugar: Palacio de Charlottenburg

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Rosa Bonheur

*Titulo: El Cid

*Técnica: Oleo

*Dimensiones: 95cm x 76cm

*Fecha: 1879

*Estilo o corriente artística: Realismo

*Lugar: Museo del prado, Madrid, España

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Mary Cassat

*Titulo: Niña pequeña en un sillón azul

*Técnica: Oleo

*Dimensiones: 89.5cm X 129.8cm

*Estilo o corriente artística: Impresionismo

*Lugar: Galeria nacional, Washinton d.c , Estados Unidos

# data[].attributes.body
Ficha técnica

*Artista: Franz Marc:

*Título: Perro acostado en la nieve

*Técnica: Oleo sobre lienzo

*Dimensiones: 62.5cm X 105cm

*Fecha: 1911

*Estilo o corriente artística: Expresionismo

*Lugar: Frankfurt Städel Museum, Frankfurt, Alemania.